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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 27 de mayo *
¿QUÉ INVADIMOS AHORA? (Where to Invade Next, Michael Moore, 2015)
USA. Duración: 119 min. Guión: Michael Moore Fotografía: Jayme Roy, Richard Rowley Productora: Dog Eat Dog Films / IMG Género: Documental
Sinopsis: Sátira en la que Moore se embarca en una «invasión» por Europa para encontrar soluciones que se puedan aplicar a los problemas internos de Estados Unidos.
Este nuevo documental de Michael Moore está lejos de la sardónica mala leche que demostró en Bowling for Columbine (2002). En esta ocasión el director viaja por Europa y parte de África con la intención de, tal y como llega a admitir, «coger las flores, no la hierba» y demostrar que en el resto del mundo se vive mejor que en la tierra de las oportunidades. Su misión es realizar una invasión pacífica en diversos países ‘apropiándose’ de lo que es mejor que en su país: las vacaciones pagadas de Italia; la educación de Finlandia; el sistema carcelario de Noruega, etcétera. Pero claro, sin ver las deficiencias, por lo que se muestra muy superficial. Recuerden: solo las flores.
De lo que se trata es de alabar el estado de bienestar que tanto costó conquistar y lo innegablemente beneficioso que resulta para todos frente al competitivo estado liberal. Pero no todos los países han llegado a tener ese ansiado estado del bienestar y otros, lo hemos ido perdiendo progresivamente a base de recortes. Así que el resultado es, como es habitual cuando el americano sale de su país, muy superficial e incompleto.
Además, lo que parte como una crítica de dos horas al sistema americano termina realzando patrióticamente que las ideas que se han aplicado con éxito en Europa tienen su origen precisamente en Estados Unidos. Otra de las razones por la que la película de Michael Moore nos ha dejado un tanto fríos. Se agradece que todavía alguien haga autocrítica del American Way of Life pero, en esta ocasión, le ha faltado mordiente.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 20 de mayo *
NOCHE REAL (A Royal Night Out, Jukian Jarrold, 2015)
UK. Duración: 97 min. Guión: Trevor De Silva, Kevin Hood Música: Paul Englishby Fotografía: Christophe Beaucarne Productora: Ecosse Films / Scope Pictures Género: comedia
Reparto: Sarah Gadon, Emily Watson, Jack Reynor, Rupert Everett, Bel Powley, Roger Allam, Jack Laskey, Ruth Sheen, Anastasia Harrold, Jack Gordon, Geoffrey Streatfeild, Sophia Di Martino
Sinopsis: 8 de mayo de 1945, día de la Victoria en Europa. La ciudad de Londres celebra el final de la guerra, y en Buckingham Palace, la princesa Margarita y su hermana Isabel, están deseando ser parte de la alegría fuera de palacio. A ambas se las permite salir de incógnito para formar partes de las celebraciones, dando comienzo a una noche llena de emoción, peligro y romance.
Una deliciosa fantasía perfectamente equilibrada. Con las dosis exactas de humor y crítica social, así como algunas medidas de patriotismo que, sin llegar a resultar trasnochado, nos recuerda, entre sonrisas, que no hace tanto los regímenes democráticos occidentales tuvieron una dura lucha contra el fascismo en cuya victoria el tan maltratado como denostado proletario resultó ser una pieza fundamental. Con el aroma de las comedias de antaño (creo sinceramente que ni Lubitsch ni Wilder se avergonzarían de haber firmado el guión), Noche real nos sumerge, a toda marcha, en un carrusel nocturno a ritmo de swing. No busquen rigurosidad histórica, por supuesto, es tan solo una fantasía, un regalo para la monarca británica que más tiempo ha estado sentada en el trono de Inglaterra y a la que uno puede imaginarse sonriendo por lo bajini con las aventuras de unas princesas Isabel y Margarita con las hormonas revolucionadas perdidas por los peores tugurios de la capital británica. Todo ello con el muy inteligente contrapunto del personaje interpretado por Jack Reynor, un John Doe, un simple soldado que, además de aportar la nota romántica, añade un baño de realidad poniendo los pies de la princesa en el suelo. Eso sí, previa reparación del tacón de su zapato.
Los actores están todos magníficos, tanto los eficaces Emily Watson y Rupert Everett, de eficacia probada, como los jóvenes Reynor, Sarah Gadon y, en especial, la desternillante Bel Powley, que ya nos sorprendió en la también magnífica The Diary of a Teenage Girl.
Con ecos de Vacaciones en Roma (Roman Holiday, W. Wyler, 1953), El cisne (The Swan, Charles Vidor, 1956), El príncipe y la corista (The Prince and the Showgirl, Laurence Olivier, 1956) e incluso de leyendas urbanas como las de Campechano I y sus incursiones en moto entre la plebe, Noche Real tiene los ingredientes necesarios para ofrecer al espectador una magnífica velada en el cine, que no es poco.
Ideal para formar parte en un triple programa que se iniciaría con la magistral El discurso del rey (The King’s Speech, Tom Hooper, 2010) y finalizaría con la agridulce La reina (The Queen, Stephen Frears, 2006)
X-MEN. APOCALIPSIS (X-Men: Apocalypse, Bryan Signer, 2016)
USA. Duración: 143 min. Guión: Mike Dougherty, Dan Harris, Bryan Singer, Simon Kinberg Música: John Ottman Fotografía: Newton Thomas Sigel Productora: Twentieth Century Fox Film Corporation / Dune Entertainment / Marvel Entertainment Género: Acción
Reparto: Michael Fassbender, James McAvoy, Jennifer Lawrence, Hugh Jackman, Oscar Isaac, Nicholas Hoult, Evan Peters, Rose Byrne, Kodi Smit-McPhee, Sophie Turner, Chaning Tatum, Alexandra Shipp, Tye Sheridan, Olivia Munn, Lucas Till, Lana Condor
De todas las franquicias basadas en los cómics Marvel, sin lugar a dudas la que resulta más redonda es la dedicada a los X-Men. Salvo dos tropezones con Lobezno, que representan el punto más bajo de la saga, las historias de estos mutantes adolescentes han mantenido cierta coherencia, a pesar de que, como sucede en los cómics, se haya tenido que rejuvenecer a los personajes. La forma en la cual se ha realizado esta renovación, yendo hacia atrás en el tiempo, realmente ha sido ingeniosa, dotando a la serie de frescura con X-Men: First Class (Matthew Vaughn, 2011) y conservándola durante las dos siguientes entregas que, cual pez que se muerde la cola, están condenadas a reencontrarse con aquella primera película de la serie dirigida, al igual que esta, por Bryan Singer.
X-Men: Apocalipsis mezcla los referentes de las anteriores: cambios fisiológicos en la adolescencia (más dramáticos y acentuados que el acné o las poluciones nocturnas de los humanos no mutantes); el respeto a la diferencia; y la lucha entre el bien y el mal. A las que se les suma el concepto de Dios que aporta Apocalipsis, un villano con cierto regusto pulp heredero del mito de la momia. Acción a raudales, un buen puñado de personajes, viejos conocidos que da gusto reencontrar y que nos dan algunas pistas de la próxima entrega de la saga mutante (la mini-serie Arma-X) y muchas referencias a anteriores cintas de la saga, que conviene tener frescas en la memoria para disfrutar de esta entrega en su totalidad. Algunos de los mejores momentos, así como los más distendidos, están protagonizados por el mutante Mercurio.
Resumiendo, los mutantes siguen gozando de muy buena salud, ofreciendo acción apabullante, atractivos personajes y una coherencia como saga de la que otras franquicias, como la del arácnido o Fantastic Four, no pueden presumir.
MÁS ALLÁ DE LAS MONTAÑAS (Shan he gu ren, Jia Zhang-Ke, 2015)
China/Francia/Japón. Duración: 131 min. Guión: Jia Zhang Ke (AKA Jia Zhangke)Música: Yoshihiro Hanno Fotografía: Yu Lik-wai Productora: Shanghai Film Group / Xstream Pictures / Arte France Cinéma / Office Kitano Género: Melodrama
Reparto: Tao Zhao, Zhang Yi, Liang Jingdong, Dong Zijian, Sylvia Chang
Sinopsis: China, a finales de 1999. Tao, una joven de Fenyang, es cortejada por sus dos amigos de la infancia, Zang y Lianzi. Zang, propietario de una estación de gasolina, está destinado a un futuro prometedor, mientras que Liang trabaja en una mina de carbón. Su corazón está dividido entre los dos hombres, y debe tomar una decisión que sellará su destino y el de su futuro hijo.
¿Es el tiempo humano una dimensión lineal o tiende más bien a la circularidad? Más allá de las montañas es una de esas películas que se cierran en círculo sobre sí mismas: la misma canción, Go West de los Pet Shop Boys, viejo éxito de los 90, abre y cierra la trama, al principio con una animada coreografía coral y al final cantada y bailada en solitario por Shen Tao, la protagonista femenina, en una escena que nos recuerda el baile bajo la nieve de Wynona Ryder en Eduardo manostijeras. Pero a la vez la película tiene estructura de fuga, el sujeto temático es reinterpretado por distintas voces que se persiguen. Una fuga sin coda, además, porque nada vuelve a converger realmente por mucho que haya cosas que no se pierdan con el tiempo.
El tiempo es el gran protagonista de la cinta de Zhang-Ke, cosa que es tanto como decir que lo es la vida. Dividida en tres segmentos (rodados en distinto formato) la película recorre su anécdota desde un pasado reciente hasta un futuro inminente, pasando por el presente, dejando que las tramas se pierdan y los detalles se conserven, porque así es la vida: una sucesión de aconteceres que a veces nos acompañan perennes, otras son meramente puntuales, e incluso alguna veces los hay que reaparecen fugazmente para volver a perderse, a perderse abruptamente es más (¿quién no ha perdido totalmente la pista de personas que fueron fundamentales en su momento?). Así sin más explicaciones. La película de Zhang-Ke es un fluir. Un fluir en el que está en juego la identidad, la individual y la social, bajo la trama intimista central subyace toda una lectura del papel que le ha tocado jugar a China en la historia reciente y el que está abocada a representar, posiblemente la próxima potencia mundial que habrá ganado su hegemonía a costa de dejarse por el camino su propia singularidad.
El realizador chino aborda aspectos como la amistad, el amor y los lazos familiares, relacionados con el tema que engloba toda la película: el paso del tiempo. El cambio y el progreso, tanto a nivel social como a nivel personal quedan excelentemente plasmados en la filmación de Jia Zhang-Ke (quien cambia de formato dependiendo del período, mostrando las diferentes épocas a través del lenguaje cinematográfico, expresivamente en el uso de la propia pantalla como recurso significativo) y en el trabajo de los actores, destacando la brillante interpretación de la actriz Zhao Thao, la musa del director a quien vemos evolucionar desde su juventud hasta su madurez/vejez.
Coproducción china y francesa, participó en Cannes a concurso y logró la empatía del público en el Festival de San Sebastián 2016, donde se alzó con el Premio del Público a Mejor Película Europea.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 13 de mayo *
CORAZÓN GIGANTE (Fúsi, Dagur Kári, 2015)
Islandia/Dinamarca Duración: 94 min. Guión: Dagur Kári Fotografía: Rasmus Videbæk Productora: Nimbus Film Productions / RVK Studios Género: Drama
Reparto: Gunnar Jónsson, Sigurjón Kjartansson, Arnar Jónsson, Ilmur Kristjánsdóttir, Margrét Helga Jóhannsdóttir, Franziska Una Dagsdóttir, Sigurður Karlsson
Sinopsis: Fúsi (Gunnar Jónsson), de 43 años, es un tipo inadaptado y con sobrepeso que nunca tuvo una novia y cuyo único interés son las batallas de la Segunda Guerra Mundial, que reproduce en miniatura en el apartamento en el que vive con su madre. Un día Fúsi recibe un cupón para acudir una escuela de baile, donde conoce a Sjöfn (Ilmur Kristjánsdóttir), otra alma solitaria como él, y una mujer con profundas heridas psicológicas.
Resulta más que sorprendente que habiendo por el mundo tantos personajes como los que se retratan en Corazón gigante, existan tan pocas películas basadas en ellos. Uno puede encontrarse en las carteleras cine social protagonizado por mujeres árabes o sudamericanas (o mujeres simplemente) que deben de luchar a brazo partido para llevar adelante a su familia en un hábitat hostil o (y) desconocido; o que deben defenderse ante un mundo jerarquizado por el varón; o sobre niños que en países pobres anteponen a todo su pasión por aprender y por la cultura; o sobre homosexuales que deben luchar por ser aceptados. Loables historias de superación, sin duda, sobre las que hay mucho que contar. Y se cuenta. Pero hablar sobre el invisible, el que tenemos al lado y que nunca llegaremos a conocer ni nos llegará a importar. Sobre ese ser diferente que ninguno queremos ser y cuya existencia nos importa bien poco es otra cosa. Porque parece ser que no tienen vida ni nada que contar. Todos conocemos a alguien así. Pero Corazón gigante, nombre acertado que ha puesto la distribuidora española y que supone, en sí mismo, todo un spoiler, se detiene en la aparentemente vacua existencia de Fusi, un gigantesco individuo que gusta de jugar a batallas de la segunda guerra mundial con su tablero y que todavía guarda los Action Man de su infancia ¿les suena? Un individuo tímido al que solo parecen valorar los que, como él, son diferentes. Con pocos amigos, una madre posesiva y unos compañeros de trabajo que le acosan, Fusi aprenderá a vivir por sí mismo aunque para ello tenga que conocer tarde, pero intensamente, el amor (y el desamor). Una magnífica película, con unos actores naturales y solventes de los que hacen sentir, y un ritmo maravilloso. Nada moralista ni con soluciones de ciencia-ficción, Corazón gigante es una película repleta de sensibilidad (que no sensiblera) e inteligencia, que apetecerá repetir y con un protagonista de categoría.
«Siempre había querido trabajar con Gunnar Jóhsson. El guión estaba escrito para él. Él es la película, y no se habría realizado sin él. Su talento es enorme y su presencia en pantalla es única.»
Dagur Kári (Director)
LA BRUJA (The Withch, Robert Eggers, 2015)
USA/UK/Brasil/Canadá. Duración: 92 min. Guión: Robert Eggers Música: Mark Korven Fotografía: Jarin Blaschke Productora: A24 / Code Red Productions / Pulse Films / Scythia Films / Rooks Nest / Maiden Voyage Pictures / Mott Street Pictures Género: Terror
Reparto: Anya Taylor-Joy, Ralph Ineson, Kate Dickie, Harvey Scrimshaw, Lucas Dawson, Ellie Grainger, Julian Richings, Bathsheba Garnett, Sarah Stephens, Jeff Smith
Sinopsis: Nueva Inglaterra en el año 1630. Una familia de colonos cristiana, formada por un matrimonio y sus cinco hijos, vive cerca de un bosque que, según las creencias populares, está controlado por un mal sobrenatural. Cuando su hijo recién nacido desaparece y los cultivos no crecen, los miembros de la familia se rebelan los unos contra los otros. Más allá de sus peores temores, un mal sobrenatural les acecha en el bosque cercano.
(Ver reseña completa aquí)
ANGRY BIRDS. LA PELÍCULA (The Angry Birds Movie, Clay Kaytis y Fergal Reilly, 2016)
Finlandia/USA. Duración: 97′ Guión: Jon Vitti Música: Heitor Pereira Productora: Rovio Mobile / Sony Pictures Animation / Sony Pictures Imageworks (SPI) Género: Comedia de animación
Estos personajes, surgidos de unos video juegos finlandeses creados en 2009, han dado pie a toda una franquicia a la que se le ha sumado esta cinta de animación eficaz, divertida y llena de porrazos al más puro estilo Warner. Su protagonista, Red (doblado en su versión en castellano por Santiago Segura), es un tipo que se rebela, casi siempre justificadamente, contra el buen rollo fatuo, por lo que tiene que acudir a clases para tratar lo que le es diagnosticado como problemas de ira. No se entiende: todos odiamos a los mimos, el tai-chi o a la gente que ofrece ‘abrazos gratis’. Allí conocerá a otro compañeros inadaptados, como Chuck (doblado por José Mota), del que los guionistas dejarán entrever que, además de hiperactivo, es homosexual. Podría haber sido más políticamente incorrecta, hubiera sido más deseable, pero en todo caso, Angry Birds resulta simpática y entretenida, ideal para los más pequeños y soportable para los adultos.
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EL HOMBRE PERFECTO (Un homme idéal, Yann Gozlan, 2015)
Francia. Duración: 104 min. Guión: Yann Gozlan, Guillaume Lemans, Grégoire Vigneron Música: Cyrille Aufort Fotografía: Antoine Roch Productora: 2425 Films / Mars Films / TF1 Films Production2425 Films / Mars Films / TF1 Films Production / Wy Productions Género: Drama
Reparto: Pierre Niney, Ana Girardot, Ludovic Berthillot, Valeria Cavalli, Marc Barbé, André Marcon, Laurent Grévill, Thibault Vinçon
Sinopsis: A sus 25 años, Mathieu, sigue aspirando a convertirse en un autor de prestigio: un sueño que le parece inaccesible porque, a pesar de todo su esfuerzo, no consigue que le editen nada. Mientras tanto, se gana la vida en la empresa de mudanzas de su tío. Su destino dará un vuelco el día en que, por casualidad, se tope con el manuscrito de un anciano solitario que acaba de fallecer. Mathieu dudará al principio pero acabará por hacerlo propio y publicarlo bajo su nombre. Convertido, así, en la nueva promesa de la literatura francesa, de la que ya se espera con impaciencia la segunda novela, Mathieu, ahora enamorado, se sumergirá en una espiral de mentiras y muerte para preservar a toda costa su secreto.
Con tres planos el director nos sitúa donde quiere. De forma elegante nos muestra la situación del protagonista, sus anhelos. Gozlan nos lleva por el auge y caída de este ladrón de libros, pero también nos habla sobre el éxito, la hipocresía que se crea a su alrededor, su vacuidad. Dibujando los complejos y las inseguridades del protagonista, que se instala en un mundo ajeno, que no le corresponde. En el que es doblemente farsante con su personaje ficticio creado en base a una mentira. Como le dice su suegro «la mujeres siempre acaban sabiendo quienes somos«. Y todo ello nos lo ofrece Gozlan mediante una intriga bien construida, que no evita algún guiño al maestro Hitch y que con quince minutos menos hubiera resultado redonda. Una historia con antecedentes en su argumento, alguno reciente, como El ladrón de palabras (The Words, Brian Klugman y Lee Sternthal, 2012).
HIGH-REISE (Ben Wheatley, 2015)
UK/Irlanda/Bélgica. Duración: 118 min. Guión: Amy Jump (Novela: J.G. Ballard) Música: Clint Mansell Fotografía: Laurie Rose Productora: Recorded Picture Company (RPC) / British Film Institute (BFI) / Film4 / Embargo Films Género: Ciencia ficción
Reparto: Tom Hiddleston, Sienna Miller, Jeremy Irons, Luke Evans, Elisabeth Moss, James Purefoy, Keeley Hawes, Reece Shearsmith, Peter Ferdinando, Sienna Guillory,Stacy Martin, Enzo Cilenti, Augustus Prew, Tony Way, Dan Renton Skinner
La bruja, con el infierno en el interior
LA BRUJA (The Withch, Robert Eggers, 2015)
USA/UK/Brasil/Canadá. Duración: 92 min. Guión: Robert Eggers Música: Mark Korven Fotografía: Jarin Blaschke Productora: A24 / Code Red Productions / Pulse Films / Scythia Films / Rooks Nest / Maiden Voyage Pictures / Mott Street Pictures Género: Terror
Reparto: Anya Taylor-Joy, Ralph Ineson, Kate Dickie, Harvey Scrimshaw, Lucas Dawson, Ellie Grainger, Julian Richings, Bathsheba Garnett, Sarah Stephens, Jeff Smith
Sinopsis: Nueva Inglaterra en el año 1630. Una familia de colonos cristiana, formada por un matrimonio y sus cinco hijos, vive cerca de un bosque que, según las creencias populares, está controlado por un mal sobrenatural. Cuando su hijo recién nacido desaparece y los cultivos no crecen, los miembros de la familia se rebelan los unos contra los otros. Más allá de sus peores temores, un mal sobrenatural les acecha en el bosque cercano.
Con La bruja, su director Robert Eggers debutaba en el cine y obtenía el premio a la mejor dirección en el último Festival de Sundance. Basada en un guion suyo y ambientada en Nueva Inglaterra (lugar de origen de Eggers), en el siglo XVII, nos narra como una familia que vive sola en el bosque es pasto de lo que en principio parecen ser supersticiones: un bebé desaparece, una cabra comienza a dar sangre en lugar de leche… Todo situado en un ambiente inquietante, el bosque como lugar donde habita el mal, acompañado de la sobrecogedora banda sonora de Mark Korven y una bella fotografía plagada de colores lavados y sombras marcadas que nos llevan a pensar directamente en el tratamiento de las sombras y luces de Rembrandt, pero cruzado con la imaginería de Gustavo Doré. La trama se desarrolla como una sucesión de tableaux vivants separados entre sí por intermitentes fundidos en negro, convirtiéndola casi en una narración dividida en capítulos. A través de esa estructura pictórica y capitular se consigue un progreso in crescendo de la tensión dramática, en la que la atmósfera va haciéndose cada vez más lóbrega y opresiva.
Basada en varias leyendas de la Nueva Inglaterra del siglo XVII, La bruja es un extraño cruce de cuento folklórico de terror y tragedia familiar. En el origen del conflicto está la soberbia del padre (Ralph Inneson); de creencias más estrictas que la de los mismísimos puritanos, es expulsado (y con él su familia) de la comunidad. Fanático hasta la médula, contagia a los suyos la obsesión por la condición empecatada de todo mortal, nadie nace libre de la mácula ni nadie sabe qué tendrá dispuesto para él el Señor. Su fervor religioso le hace inútil para dar calor y consuelo a su familia incluso en los momentos más críticos. Igual de ineficaz se muestra en las tareas de la granja, le intuimos responsable de su marcha a la colonia (le obsesionaba predicar el Evangelio) dejando atrás el confort de su casa en Inglaterra (un cáliz de plata es testimonio de su mejor vida), y una vez se ven aislados en los límites del bosque es incapaz de asegurar a la familia el sustento más básico (sólo descarga compulsivamente su impotencia cortando leña). Por su empecinamiento, la familia vive en condiciones cada vez más infrahumanas, mezclada esa escasez con la severidad religiosa, la circunstancia que les envuelve es cada vez más aterradora, hasta los juegos de los niños cobran una apariencia perturbadora. Los temores delirantes que van adueñándose de la familia (especialmente de la madre) serán proyectados sobre la hija mayor a la que llegan a encerrar en el establo para ser juzgada como bruja. Así van trenzándose los hilos de la trama para acabar convirtiendo la crónica de una devastación familiar en una cinta de terror sin ninguna concesión a los tópicos del género.
La película tiene más de una lectura: funciona como retrato de la superstición e ignorancia que explica todo mal como producto del diablo; también como parábola de una nación, la americana, que está naciendo envuelta por la obsesión por la culpa; pero además, y quizás sobre todo, es una crítica a los males del patriarcado que relegan a la mujer a un papel pasivo de sumisión y a verlas como fuente de condenación si osan tener mayor protagonismo, es por eso que el final puede (es más, debe) interpretarse como el acto de liberación de la feminidad de la protagonista. ¿Y lo sobrenatural? Eggers da el mismo trato realista a las fugaces apariciones de seres siniestros que a los personajes principales, no puede descartarse el carácter de alucinación, el argumento y la evolución de los personajes permiten pensar así, pero la película siembra también la inquietud sobre la posibilidad de la existencia de un mal autónomo en sí mismo que se cierne sobre los protagonistas. Esa ambivalencia de interpretaciones es una de las mayores bazas de este filme de bajo presupuesto que está llamado a ser uno de los mejores títulos de género que veremos en nuestras pantallas comerciales este 2016.
Cinta inaugural en el Festival de Sitges 2015, sin duda La bruja es una de esas cintas que dejan poso, que apetece volver a revisar, algo en lo que también influye la actuación de sus protagonistas, especialmente el trabajo de, la también debutante, Anya Taylor-Joy en el papel de hija mayor.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 6 de mayo *
AHORA SÍ, ANTES NO (Ji-geum-eun-mat-go-geu-ddae-neun-teul-li-da, Hong Sang-Soo, 2015)
Corea del Sur. Duración: 121 min. Guión: Hong Sang-soo Música: Jeong Yong-jin Fotografía: Park Hong-yeol Productora: Jeonwonsa Film Género: Drama
Reparto: Jeong Jae-yeong, Kim Min-hee, Yoon Yeo-jeong, Gi Ju-bong, Choi Hwa-Jeong, Yoo Joon-sang, Seo Young-hwa, Ko Ah-sung
Sinopsis: Un director de cine independiente llega a su destino un día antes por error. Aprovechando el exceso de tiempo libre, entra en un palacio restaurado donde conoce a una joven artista con la que pasa el resto del día: visitando su estudio, conociendo su obra, cenando, tomando algo juntos… Hasta que ella plantea una pregunta cuya respuesta lo cambia todo. Es probable que si el día volviera a comenzar ambos se comportarían de forma diferente, pero eso ya no se podrá saber ¿o tal vez sí?
- Premios:
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2015: Festival de Locarno: Mejor película y Mejor actor (Jeong Jae-yeong)2015: Festival de Gijón: Mejor película, mejor actor (Jeong Jae-yeong)
A veces pequeños gestos, una vacilación, dejar de hacer algo o decir algo de más puede cambiar totalmente una situación. Seguro que algunas vez se han llegado a preguntar en qué podría cambiar su vida de, por ejemplo, dejar marchar un autobús o correr para que no se pierda. Pues bien, algo así es lo que nos propone la última obra de Hong Sang-soo (autor de películas como Noche y Día, The Day He Arrives o En otro país), un experimento fílmico que resulta delicioso, construyendo al detalle una posible historia de amor contada dos veces con pequeñas variaciones. El director planta la cámara ante los actores para rodar largos planos de diálogos de los dos protagonistas, la pintora, que interpreta Kim Min-hee y el director de cine (Jung Jae-young), oficio el de este último que inevitablemente el realizador tiñe con detalles personales, como esa clase magistral en la que entre el público hay un listillo. O las reacciones de las admiradoras de su cine.
Una buena propuesta. Diferente, arriesgada y estrambótica, ha tenido buena acogida en diversos festivales. La Aventura/Good Films, siempre dispuestos a apostar por el buen cine, la estrena en nuestras pantallas. Ideal para los que buscan un tipo de cine alternativo.
MAYO DE 1940 (En mai, fais ce qu’il te plaît, Christian Carion, 2015)
Francia. Duración: 114 min. Guión: Andrew Bampfield, Christian Carion, Laure Irrmann Música: Ennio Morricone Fotografía:Pierre Cottereau Productora: Nord Ouest films / Pathé Género: Drama
Reparto: August Diehl, Olivier Gourmet, Mathilde Seigner, Alice Isaaz, Matthew Rhys, Joshio Marlon, Thomas Schmauser, Laurent Gerra, Jacques Bonnaffé
Sinopsis: Mayo de 1940, en pleno hundimiento de Francia, cuando millones de personas se hicieron a la carretera, temerosas del avance del ejército alemán, se nos cuenta la historia de un alemán que ha escapado del nazismo y busca a su hijo, llevado por una maestra de un pueblo a la que lo había confiado.
Una película muy oportuna para entender el drama de los refugiados. La acción se sitúa a comienzos de la Segunda Guerra Mundial, en una Francia que va cayendo bajo la bota nazi. Los alcaldes de las poblaciones del norte reciben la orden de desplazar a toda la población hacia el sur, pero aunque todo resultará inútil, por el camino veremos varias historias de solidaridad en las cuales la nacionalidad del individuo será lo de menos ante el enemigo común, el totalitarismo. Otro punto argumental será el de la búsqueda de un padre separado de su hijo. El padre, huido de Alemania por su ideología de izquierdas, tendrá que enfrentarse a la cárcel en Francia por su nacionalidad.
MAYO DE 1940 es la cuarta película de Christian Carion (El caso Farewell, Feliz navidad, La chica de París). Para el desarrollo de la narración, Carion se ha basado en la memoria de sus padres, quienes vivieron el éxodo en primera persona. Además, ha recopilado numerosos testimonios de ciudadanos que vivieron la misma situación. El resultado es una película llena de emoción en la que la implicación personal del director y su solidaridad con los franceses que vivieron esa experiencia está presente en cada plano.
Un drama, a pesar de todo, optimista, vital, muy bien construido que sirve para ponernos en el pellejo de todos los refugiados, de todos los desplazados por el terror. No hay ninguna referencia a los refugiados de otra guerra cercana que tuvieron que huir por la frontera francesa para encontrarse hacinados por el gobierno francés en campos de refugiados, de los que luego muchos pasaron a los campos de trabajo alemanes pero…
Plena de humanidad, este viaje a ninguna parte cuenta con una lírica banda sonora de Morricone y una actuaciones a la altura del filme, con August Diehl como Hans, el refugiado alemán; Olivier Gourmet en el papel del alcalde; la dulce Alice Isaaz, como Suzanne, la decidida maestra de escuela; o el magnífico Matthew Rhys como el Percy, el oficial británico. También en esta cinta el director recupera, quince años después, a la protagonista de su primer filme, Mathilde Seigner.
Mayo de 1940 es un canto a la hermandad frente a un enemigo común, una cinta bélica para los que no gustamos del cine bélico, en la línea de grandes obras pacifistas del pasado como las escritas por Erich Maria Remarque de las que también tantas bellas adaptaciones nos ha ofrecido el séptimo arte.
LA VENGANZA DE JANE (Jane Got A Gun, Gavin O’Connor, 2016)
USA. Duración: 98 min. Guión: Brian Duffield Música: Marcello De Francisci, Lisa Gerrard Fotografía: Mandy Walker Productora: Weinstein Company / Scott Pictures / 1821 Pictures / Unanimous Pictures / Handsomecharlie Films Género: Western.
Reparto: Natalie Portman, Joel Edgerton, Ewan McGregor, Rodrigo Santoro, Noah Emmerich, Boyd Holbrook, Todd Stashwick, River Shields, Jacob Browne, Sam Quinn
Sinopsis: Después de que su marido vuelva a casa con ocho balas en el cuerpo y apenas con vida, Jane (Natalie Portman) contacta a regañadientes con su ex amante (Joel Edgerton), que no ha visto en más de diez años, para que la ayude a defender su granja de la banda del cruel Bishop (Ewan McGregor) que le persigue a ella y a su marido.
La película, dirigida por Gavin O’Connor, realizador de Warrior y Cuestión de honor, que estrenará en octubre The Accountant con Ben Affleck y Anna Kendrick, está protagonizada por Natalie Portman, que también ejerce de productora. Acompañan a la actriz, Joel Edgerton (al que hemos podido ver recientemente en El regalo con la que también debutó en la dirección), Ewan McGregor, que compartió reparto con Natalie Portman en la segunda trilogía de Star Wars y Rodrigo Santoro.
Natalie Portman encarna a una de esas heroínas del western como en el pasado fueron Barbara Stanwyck en Cuarenta pistolas (Forty Guns, 1957) de Samuel Fuller; Joan Crawford en Johnny Guitar (1954) de Nicholas Ray; o más recientemente una fabulosa Hilary Swank en Deuda de honor (The Homesman, Tommy Lee Jones, 2014).
La venganza de Jane quiere, así, sumarse a este revival del western que apuesta por redefinir los esquemas del género, pero no está a la altura de los últimos títulos que han llegado a nuestras pantallas, como la ya mencionada Deuda de honor, Slow West (John McClean, 2015), The Salvation (Christian Levrin, 2014), Bone Tomahawk (Craig Zahler, 2015) y, por supuesto, Los odiosos ocho (The Hateful Eight, 2015) de Tarantino. La película de Gavin O’Connor ahoga el relato con una maraña de flashbacks que no permiten que los personajes se vayan construyendo conforme avanza la acción, simplemente cuando es necesario (o no) se inserta el antecedente a modo de recuerdo. Unos flashbacks que recurren a los tópicos más manidos para su introducción: nada más sobado que contemplar una imagen colgada en la pared para llevarnos hacia el pasado. Por otra parte, y ya desde el título, quiere nombrarse como protagonista al personaje femenino, pero este no llega a tener nunca entidad propia, pese a su remarcable interpretación, Natalie Portman, no nos convence de su dureza y su personaje parece estar supeditado a sus compañeros de aventura.
Un western, como todos los recientes, deudor de los realizados en Almería: repleto de polvo, sudor, personajes severos, paisajes inhóspitos y muertes sangrientas, pero muy tibio en su conclusión.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 29 de abril *
EL NIÑO Y LA BESTIA (Bakemono no Ko, Momoru Hosada, 2015)
Japón. Duración: 119 min. Guión: Mamoru Hosoda Música: Masakatsu Takagi Productora: Studio Chizu / NTV Género: Animación fantástica.
Sinopsis: Kyuta es un niño solitario que vive en Tokio, y Kumatetsu es una criatura sobrenatural aislada en un mundo fantástico. Un día, el niño cruza la frontera al otro mundo y entabla amistad con Kumatetsu, que se convierte en su amigo y guía espiritual. Este encuentro les llevará a vivir multitud de aventuras.
The Boy and the Beast (2015) es otra impecable cinta de animación japonesa dirigida por Mamoru Hosoda, bien conocido en el festival de Sitges, donde pudimos verla por primera vez, por haber sido premiado en tres ocasiones en la sección Anima’t por The Girl Who Leapt Through (2006), Summer Wars (2009) y Wolf Children (2012). Repleta de una imaginación desbordante, Hosada nos mostrará una sociedad antropomórfica paralela a la nuestra en la que un niño humano será aprendiz de la bestia Kumatetsu, un samurái pendenciero con el que terminará manteniendo un fuerte vínculo. Un magnífico relato de iniciación con una detallada y preciosista animación. Hay otros mundos más más allá de Miyazaki y quizás estaría bien dejar de comparar todo Anime que llegue a nuestras pantallas, con los del maestro nipón. Una obra remarcable, magnífica.
FELIZ DÍA DE LA MADRE (Mother’s Day, Garry Marshall, 2016)
USA Duración: 118 min. Guión: Tom Hines, Lily Hollande, Anya Kochoff, Matthew Walker Música: John Debney Fotografía: Charles Minsky Productora: Open Road / Gulfstream Pictures / PalmStar Media / Rice Films Género: Comedia romántica
Reparto: Julia Roberts, Jennifer Aniston, Kate Hudson, Jason Sudeikis, Britt Robertson, Hilary Duff, Timothy Olyphant, Sarah Chalke, Shay Mitchell, Margo Martindale, Jon Lovitz, Aasif Mandvi, Jack Whitehall, Sandra Taylor, Ella Anderson
Sinopsis: Historias cruzadas en el Día de la Madre. Sandy (Jennifer Aniston) es una mujer de personalidad arrolladora que lucha por mantener la cordura y su papel de madre cuando su ex se casa con otra más joven que ella. Miranda (Julia Roberts) es una presentadora estrella de una importante cadena de TV soltera y sin compromiso. La vida professional le sonríe y cree que lo tiene todo. Por el contrario Jesse (Kate Hudson) vive por y para su marido indio, al que oculta de su propia madre porque es muy racista. Lo que no sabe es que su madre ha decidido visitarla en este día tan especial. El tímido Bradley (Jason Sudekis) teme que llegue el Día de la Madre. Será el primer año que él y sus dos hijas viven ese día desde que su esposa falleció. Bradley no sólo tiene que salir adelante solo; si no que además tiene que enfrentarse a las que quieren que empiece a tener citas de nuevo.
Estoy seguro de que los más talluditos de ustedes recordarán la serie The Love Boat, que aquí se emitió como Vacaciones en el mar. En cada episodio saltaban las chispas entre tres parejas, tres historias de amor que al final se saldaban con éxito. Al menos hasta llegar a puerto. Pues bien, esta película cuenta varias historias de amor también, amor maduro, pero amor, con la excusa de el Día de la madre. Más o menos están presentes todos los estereotipos para que nadie se queje (o compren todos): la atractiva pareja lesbiana; el viudo al que todas quieren cazar; la milf separada con su eterna copita de vino; la pareja interracial; la madre inmadura que dio a su hija en adopción y que ¡sigh! años después (y con éxito en la vida) recupera a su hija; Como ven, un ramillete de lo más granado, eso sí, todos ellos con el punto en común de vivir una existencia tirando a lujosa en enormes mansiones y para los que la única preocupación parece ser celebrar esa festividad, divertirse y aparearse (rehacer su vida), de tal modo que una de las protagonistas llega a decir, con toda naturalidad y sin atisbo de pretender ser graciosa, que busca trabajo para tener la mente ocupada. Con constante apología del fútbol, además, y tanto que parece que se quiera promocionar esa droga en los States, Feliz día de la madre resulta casi una cinta de ciencia ficción que se desarrolla en un planeta imaginario llamado Estados Unidos
Tan solo faltaba Julia Roberts y su sonrisa, que parecen levitar en un papel que, en gran parte se desarrolla, cual Rajoy, desde el plasma de una pantalla. Afortunadamente todo tiene un final y cuando parece que nunca acabará, la película llega a su fin que, como no podría ser de otra forma, acabará en boda aunque, eso sí, no se nos ahorra antes presenciar una persecución automovilística y ver un Rap vergonzante.
Sin lugar a dudas un agotador día de la madre.
LA NOCHE QUE MI MADRE MATÓ A MI PADRE (Inés París, 2016)
España Duración: 93 min. Música: Arnau Bataller Fotografía: Néstor Calvo Productora: Canal+ España / Ono / Rodajefilms Género: Comedia
Reparto: Belén Rueda, Diego Peretti, Eduard Fernández, María Pujalte, Fele Martínez, Patricia Montero
Sinopsis: Isabel se debate entre su necesidad de sentirse valorada profesionalmente como actriz, sus inseguridades, su temor a envejecer, su coquetería, sus contradicciones, su inteligencia y su ansiedad. Todo confluye una noche en la que lsabel resulta ser la anfitriona de una cena muy especial: su marido Ángel, guionista, y Susana, la ex mujer de Ángel, productora de cine, quieren convencer al actor argentino Diego Peretti de que protagonice una película que han escrito. En mitad de la velada, para sorpresa de todos, se produce un acontecimiento inesperado que da un vuelco al transcurso de la cena.
Enredos entre civilizadas parejas y ex-parejas en esta sofisticada comedia coral plagada de intrigas y algún crimen. Todo en una cinta que no pasa de ser un voluntarioso ejercicio que se queda en el intento. Ágil, pero con falta de ritmo y con un abuso de tópicos que la hacen previsible, la obra de Inés París resulta agradable pero no convincente. Personajes creados para despertar carcajada se quedan en leve sonrisa, en el mejor de los casos. Algún fogonazo, pero leve. Buen elenco, eso sí, en el que sobresalen Eduard Fernández y María Pujalte.
EL CASO FRITZ BAUER (Der Staat gegen Fritz Bauer, Lars Kraume, 2015)
Alemania. Duración: 105 min. Guión: Lars Kraume, Olivier Guez Música: Christoph M. Kaiser, Julian Maas Fotografía: Jens Harant Productora: Zero One Film / Terz Film / Westdeutscher Rundfunk (WDR)Género: Drama
Reparto: Burghart Klaußner, Ronald Zehrfeld, Dani Levy, Sebastian Blomberg, Laura Tonke, Robert Atzorn, Michael Schenk, Matthias Weidenhöfer, Götz Schubert, Jörg Schüttauf, Cornelia Gröschel, Lilith Stangenberg
Sinopsis: Doce años después de la II Guerra Mundial y el consecuente fin del nazismo, el fiscal general Fritz Bauer se ha comprometido a detener a los criminales nazis. La clave decisiva llega cuando en 1957 descubre el paradero del nazi Adolf Eichmann, antiguo miembro clave y destacado de las SS, al que pretende juzgar en Alemania.
Magnífico thriller político basado en la caza del nazi Adolf Eichmann,perfec-tamente construido e interpretado por competentes actores, se trata de una apasionante recreación que cuenta con una jazzística banda sonora compuesta por Christoph M. Káiser y Julian Maas. A la acción principal, en la que se mezclarán los intereses de las diferentes agencias de inteligencia, con el Mossad en cabeza, el director y guionista, Lars Kraume, ha añadido un trasfondo basado en la homosexualidad del protagonista, el fiscal Fritz Bauer, magníficamente interpretado por un irreconocible Burghart Klaußner, al que hemos podido ver recientemente en otras cintas como El puente de los espías o 13 minutos para matar a Hitler. Una propuesta inteligente y apasionante.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 22 de abril *
LOS RECUERDOS (Les Souvenirs, Jean- Paul Rouve, 2014)
Francia. Duración: 92 min. Guión: Jean-Paul Rouve (Novela: David Foenkinos)Música: Alexis Rault Fotografía: Christophe Offenstein Productora: Nolita Cinema / TF1 Droits Audiovisuels / Union Générale Cinématographique (UGC) Género: Comedia dramática.
Reparto: Michel Blanc, Annie Cordy, Mathieu Spinosi, Chantal Lauby, William Lebghil, Flore Bonaventura, Audrey Lamy, Jean-Paul Rouve, Jacques Boudet, Xavier Briere, Yvan Garouel, Daniel Morin
Sinopsis: Romain (Mathieu Spinosi) tiene 23 años y quiere ser escritor, aunque de momento es vigilante nocturno en un hotel. Su padre Michel (Michel Blanc), tiene 62 años, está jubilado y todo parece importarle un bledo. Romain comparte apartamento con un chico de 24 años cuyo único objetivo en la vida es seducir a las mujeres, sin importarle quién ni cuánto le cueste. A su abuela (Annie Cordy), de 85 años, la ingresan sus hijos en una residencia tras enviudar y se pregunta qué diablos hace allí. Un día desaparece…
La muerte, un nuevo nacimiento, la jubilación… La vida pasa volando, como nos dice uno de los protagonistas de Los recuerdos, y viene bien cargada, tanto de alegrías como de terrores cotidianos. No hay que perder la espontaneidad ni la capacidad de improvisar y sorprender a los que más queremos. Todo ello es Los recuerdos, sin lecciones morales ni repulsivos buenismos con lenguaje de autoayuda. Sin necesidad de mantras ni falsos encantamientos. Una lección de vida y de cine de la mano del actor metido a director Jean-Paul Rouve y de los dos personajes, en principio, más antagónicos pero también cercanos de la trama, abuela y nieto, cuya deliciosa complicidad nos logran trasmitir la veterana Annie Cordy y el joven Mathieu Spinosi. Humor, amor, tristeza, alegría, felicidad, muerte… la vida, todo lo que tenemos.
CEGADOS POR EL SOL (A Bigger Splash, Luca Guadagnino, 2015)
Francia-Italia. Duración: 124 min. Guión: David Kajganich (Historia: Alain Page) Productora: Frenesy Film Company / StudioCanal Género: Drama
Reparto: Ralph Fiennes, Dakota Johnson, Tilda Swinton, Matthias Schoenaerts, Aurore Clément, Corrado Guzzanti
Sinopsis: La estrella de rock Marianne Lane (Tilda Swinton) y su pareja Paul (Matthias Schoenaerts) están reposando en la isla de Pantellería, en Sicilia (Italia). Marianne se recupera de una afonía cuando recibe la visita de su antiguo productor y amante, Harry (Ralph Fiennes) que aparecerá junto a Penélope ( Dakota Johnson), su hija adolescente. Ambos irrumpirán en la vida de la pareja como un elefante en una cacharrería, dando la vuelta al idílico retiro y convirtiéndolo en algo bien distinto.
Una lucha entre ambos protagonistas masculinos, desigual para Paul, ya que Harry tiene un «fascinante» pasado como productor de estrellas de éxito y una forma hedonista de entender la vida. Luca Guadagnino introduce pequeños flash-backs con los que conoceremos de forma más profunda la relación entre los personajes.
El reparto resulta competente: Ralph Fiennes demuestra que siempre tiene un nuevo registro en la manga como el desmesurado productor; Tilda Swinton, como es habitual, fascinante y creíble como frágil estrella dependiente; Matthias Schoenaerts deberá enfrentarse a varias pruebas que se ponen en su camino, construyendo un personaje que en cualquier momento puede estallar; y Dakota Johnson resulta convincente en su papel de tardía lolita, resultando insolentemente sexy. La acción queda matizada con una variada banda sonora compuesta por rock, ópera, música orquestal y electrónica. Pura desmesura. La película también incluye unos agradecidos y necesarios desnudos de todos los protagonistas que resultan sorprendentes (y refrescantes) en esta tan pacata y puritana época. Quizás si peca de algo es de un exceso de metraje, pero el resultado lo hace disculpable.
Libre remake de La piscina (Jacques Deray, 1969), película que contó con Alain Delon y Romy Scheneider como Jean-Paul y Marianne y Mauricer Ronet y la explosiva Jane Birkin como Harry y Penélope, deberemos cruzar los dedos ya que el próximo proyecto de Guadagnino es acometer el clásico Suspiria de Dario Argento, contando también con Tilda Swinton y Dakota Johnson…
ROMANCE EN TOKYO (Tokyo Fiancée, Stefan Liberski, 2014)
Bélgica/Francia/Canadá Duración: 100 min. Guión: Stefan Liberski (Libro: Amélie Nothomb) Música: Casimir Liberski Fotografía: Hichame Alaouie Productora: Versus Production / Les Films du Worso / Forum Films / Radio Télévision Belge Francophone (RTBF) / Belgacom Género: Comedia romántica
Reparto: Pauline Etienne, Taichi Inoue, Julie LeBreton, Alice de Lencquesaing, Akimi Ota, Hiroki Kageyama, Tokio Yokoi, Hiromi Asai, Shinnosuke Kasahara, Masaki Watanabe, Miho Suzuki
Sinopsis: Amelie es una joven belga soñadora de 20 años que vuelve a Japón, donde nació y pasó parte de su infancia. Allí da clases privadas de francés para ganarse la vida, y es así como conocerá a Rinri, su primer y único estudiante, un joven japonés con el que entablará un romance. Entre sorpresas, momentos felices y escollos en mitad de un choque cultural, Amelie descubrirá un lado de Japón que nunca antes había conocido.
Tenemos un simpático personaje femenino niponófilo de manual y que para más inri ha nacido en Tokio. Igualito, igualito que la autora, Amélie Nothomb, ya que se trata de una película basada en una época concreta de su vida que relató en forma de novela en Ni de Eva ni de Adán ¿El resultado? pues un ejercicio de existencialismo Wanna Be para Millenials que pretende mostrar un choque cultural Oriente-Occidente pero que carece de todo calado: ni ella es francesa (es belga); ni él es japonés arquetípico, con lo que el choque es más de ilusiones. Si el nombre de Amelie ya viene cargado de ciertas reminiscencias negativas para el que esto escribe, esta cinta confirma los malos presagios que evoca. Con dos partes muy diferenciadas que tienen como punto de inflexión entre una y otra una supuesta experiencia iniciática (la joven se pierde en el campo), pasa de ser una historia luminosa, solar, musical, tan colorista como el bic de cuatro colores que se muestra insistentemente en varios planos, a convertirse en un relato desolado y pesimista que, como no podría ser de otra manera, culmina con un terremoto que remarca aún más la impenetrabilidad del sentir nipón. Posiblemente solo agradará a lectores(as) de la autora.
Eso sí, la idiosincrasia de la ciudad japonesa se muestra en todo su esplendor, convirtiéndose en un personaje más (el único interesante).
TORO (Kike Maillo, 2016)
España Guión: Rafael Cobos, Fernando Navarro Fotografía: Arnau Valls Colomer Productora: Apaches Entertainment / Atresmedia Cine / Escándalo Films / ZircoZine Género: thriller
Reparto: Mario Casas, Luis Tosar, José Sacristán, Ingrid García Jonsson, Claudia Vega, Nya de la Rubia, Ignacio Herráez, José Manuel Poga, Manuel Salas
Sinopsis: Dos hermanos se reencuentran después de cinco años. Uno ha estado en la cárcel. El otro ha robado a un peligroso perista y ahora huye junto a Diana, su hija pequeña. Los tres emprenden un viaje por una Andalucía violenta, mítica, agreste y salvaje. Un viaje en el que aparecen las viejas heridas del pasado y en el que los hermanos se ven obligados a reconciliarse para salvar la vida.
La carrera del director Kike Maillo no termina de encontrar su hueco. Su ópera prima Eva (2011) gustó básicamente por ser una valiente y resultona propuesta de cine de ciencia ficción en España. La segunda, que tenía el sacrílego nombre de Tú y yo (2014), era un vehículo para el lucimiento del cantamañanas David Bisbal que pasó de puntillas por los cines. Así que con los mimbres con lo que ha contado el director para Toro, uno esperaba que Maillo hubiera realizado un filme más sólido. Después del pase de prensa hubo cierta unanimidad de opinión en que tras sus 40 primeros prometedores minutos, el film decaía hacía el abismo de la mediocridad. Para Serendipia, incluso ese comienzo que parece tener de todo, atracos, personajes atractivos, persecuciones automovilísticas como no se veían desde las cintas de José Antonio de la Loma… tampoco termina de funcionar y ya desde esa primera escena se intuye lo que más tarde podremos verificar: un alarmantemente pobre diseño de personajes y situaciones poco creíbles que harán que el guion vaya haciendo aguas por todos lados. Y todo ello pese a ciertos detalles con los que el director ha querido vestir a sus personajes. Y es toda una lástima, pues Mario Casas parece haber acudido, al fin, a la consulta del logopeda. El siempre eficaz José Sacristán hace lo que puede con un villano de alta alcurnia pero…; y Luis Tosar quizás se lleva la peor parte del trío protagonista al tener que sacar adelante un papel carente de fuerza. Inocuo. Por no hablar de Ingrid García-Johnsson y su pequeño (casi episódico) papel. Sí, es toda una lástima, porque los materiales están, pero el resultado dista de ser tan prometedor como podría esperarse.
GENERACIÓN Z (Generation Z, Steve Barker, 2015)
España/UK/Bélgica Duración: 95 min. Guión: Paul Gerstenberger Música: Zacarías M. de la Riva Fotografía: Roman Osin Productora: Matador Pictures / Gloucester Place Films / Catalyst Global Media / Umedia / LWH Entertainment / Thekraken Films / Green Screen Productions / Bulletproof Género: Terror
Reparto: Dougray Scott, Jessica De Gouw, Martin McCann, Claire Goose, Elen Rhys, Jassa Ahluwalia, Sam Douglas, Robert Firth, Dionne Vincent, Manuela Maletta
Sinopsis: La Tierra ha sufrido un Apocalipsis zombie, pero ha conseguido salir victoriosa. A pesar de ello, muchos de los habitantes del planeta acabaron convertidos en zombis. Melanie sufre un verdadero trauma ya que cuando era una niña vio cómo sus padres se convertían en zombis. Ahora, la civilización se ha recuperado por completo y tiene la situación completamente controlada. De hecho, uno de los lugares más famosos para ir de vacaciones es el Resort Zombie (REZORT), un lugar donde las personas pueden divertirse viviendo una aventura y pudiendo matar zombis. Pero, una fuga en el REZORT provoca de nuevo el pánico y una alarma mundial. Melanie se tiene que enfrentar de nuevo al infierno.
Según sus creadores, Generación Z es como «Parque Jurásico con zombis«, y no les falta razón. Tiene mucho de eso con el añadido de cierto trasfondo social presente en otras películas del universo zombi como la ecologista No profanar el sueño de los muertos (1974) de Jorge Grau; o Nueva York bajo el terror de los zombies (Zombi 2, Lucio Fulci, 1979), donde se adivina una revancha por parte de los desheredados de los países del tercer mundo colonizados (y explotados) por los países occidentales. Generación Z introduce en su guión la tragedia de los desplazados, de los refugiados y qué hacer con ellos. Y ofrece una drástica solución, quizás no muy alejada de la triste realidad. El rezort (situado, por cierto, en Mallorca), es el equivalente a los grandes resorts sudamericanos en los cuales los turistas son preservados de la dura realidad del país. Protegidos de toda «la suciedad» que puede contagiarles el pueblo real, pobre y necesitado. En el rezort los adinerados turistas pueden vengarse o, simplemente, divertirse matando zombis (o infectados) esparciendo a tiros sus sesos. Steve Barker ya tiene práctica en manejarse con zombis, ya que entre sus películas figuran Outpost (2008) y Outpost: Black Sun (2012), protagonizadas por zombis nazis. ¿El resultado?: pues no vamos a engañarles, un entretenimiento bastante inocuo que parece confirmar que el tema de los zombis podría estar ya algo quemado y que quizás merecería un descanso.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 15 de abril *
REDENCIÓN (LOS CASOS DEL DEPARTAMENTO Q) (Flaskepost fra P, Hans Petter Moland, 2016)”
Dinamarca/Alemania/Suecia/Noruega Duración: 112 Guión: Nikolaj Arcel (Novela: Jussi Adler-Olsen) Música: Nicklas Schmidt Fotografía: John Andreas Andersen Productora: Det Danske Filminstitut / TV2 Danmark / Zentropa Entertainments20 Género: Thriller
Reparto: Nikolaj Lie Kaas, Fares Fares, Johanne Louise Schmidt, Jakob Oftebro, Pål Sverre Hagen, Lotte Andersen, Søren Pilmark
Sinopsis: Una antiguo mensaje es encontrado en una botella en Escocia tras un largo viaje a través del océano. La nota es difícil de descifrar, pero cuando el investigador danés del departamento Q lo consigue, tratará junto a su particular equipo de resolver otro diabólico caso abandonado a pesar de que las huellas de este prácticamente han desaparecido.
Nos reencontramos con los componentes del Departamento Q por tercera vez, y de nuevo con un correcto thriller detectivesco y de acción. En esta ocasión nos adentraremos con Carl (Nikolaj Lie Kass), Assad (Fares Fares) y Rose (Johanne Louise Schmidt) dentro de una trama en la que una secta tendrá un gran protagonismo. A pesar de que desde el principio sabemos quien es el responsable de la desaparición de niños, la intriga detectivesca está bien construida, con calculadas dosis de acción hacia el final de la cinta. Sin poder evitar alguna pequeña incongruencia, es sin duda un policíaco honesto y correcto. Jussi Adler-Olsen, la novelista en la que se basa esta serie tiene tres novelas más publicadas sobre el Departamento Q, así que quizás debamos esperar nuevas entregas de las aventuras de este atípico grupo de detectives, parientes lejanos de los que protagonizaban aquel cine policíaco venido de Alemania (con historias casi siempre basadas en novelas de Edgar Wallace) y del polar francés, que a mediados del siglo pasado poblaron las pantallas de los cines de barrio europeos con historias y personajes alternativos al thriller norteamericano.
VICTOR FRANKENSTEIN (Paul McGuigan, 2015)
USA/UK. Duración: 109 min. Guión: Max Landis (Novela: Mary Shelley) Música: Craig Armstrong Fotografía: Fabian Wagner Productora: Davis Entertainment / Twentieth Century Fox Film Corporation Género: Terror
La universal, y tanta veces adaptada al cine narración de Mary Shelley, vuelve en forma de precuela, ya que lo que nos muestra el film de Paul McGuigan es el episodio inmediatamente anterior al experimento definitivo del doctor Frankenstein. En forma de relato gótico, asistiremos a la historia del demente Victor Frankenstein, encarnado frenéticamente por McAvoy, mero secundario en una acción capitalizada por Igor, el personaje encarnado por Radcliffe, que realiza una loable interpretación como un payaso jorobado que recuerda a los patéticos personajes de Lon Chaney. Con un prometedor comienzo que nos lleva por una especie de corte de los milagros circense, la acción se torna algo más convencional, trabajando libremente con los personajes de Shelley y entrando en terrenos más familiares. Con actuaciones teatrales, excesivas y unos diálogos (en especial de McAvoy) casi musicales, la cinta se permite algunos inevitables guiños a Hammer (ese homúnculo, mucho más feo que el que interpretó David Prowse en Frankenstein and the Monster from Hell, de Fisher); a Universal, como la cabeza plana de la criatura o el brazo ortopédico del policía, basado sin duda en el de Krogh, uno de los personajes de La sombra de Frankenstein (Son of Frankenstein, Rowland V. Lee, 1939); y a la versión de Branagh de 1994.
Mucho menos inspirada e innovadora que la visión actualizada que recientemente ha dirigido Bernard Rose, este Victor Frankenstein tiene momentos simpáticos si gustan de sumergirse en la imaginería romántica de los monstruos clásicos.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 8 de abril *
EL JUEZ (L’hermine, Christian Vincent, 2015)
Francia. Duración: 98 min. Guión: Christian Vincent Música: Claire Denamur Fotografía: Laurent Dailland
Reparto: Fabrice Luchini, Sidse Babett Knudsen, Miss Ming, Berenice Sand, Claire Assali, Floriane Potiez, Corinne Masiero Género: Comedia
Sinopsis: En una pequeña población francesa, el juez Michel Racine (Fabrice Luchini) es presidente de un temido tribunal de lo penal. Tan duro consigo mismo como con los demás, es apodado «el juez de las dos cifras»: con él, siempre caen más de diez años. Todo cambia el día en que 
Racine, recientemente divorciado, se topa con Ditte Lorensen-Coteret (Sidse Babett Knudsen). Ella es miembro del jurado que va a juzgar a un hombre acusado de homicidio. Seis años antes, Racine estuvo enamorado de esta mujer, prácticamente en secreto. Es quizá la única mujer a la que jamás haya amado.
Confieso que soy un inveterado aficionado a los dramas judiciales, y El juez puede incluirse entre ellos, pero también tiene un sutil toque de comedia romántica que la convierte en un plato con extraña guarnición, de cuyo magnífico resultado no son ajenos sus protagonistas, Luchini y Knudsen, ambos premiados en sendos festivales por su delicada caracterización, ni su guión, merecedor asimismo de recompensa en su categoría en el Festival de Venecia. Una delicia para degustar y disfrutar.
http://www.dailymotion.com/video/x3q0gce
LA INVITACIÓN (The Invitation, Karyn Kusama, 2015)
USA. Duración: 100 Guión: Phil Hay, Matt Manfredi, Phil Hay, Matt Manfredi, Matt Manfredi Música: Theodore Shapiro Fotografía: Bobby Shore Productora: Gamechanger Films / Invitation, The / Lege Artis Género: Thirller terrorífico.
Reparto: Logan Marshall-Green, Michiel Huisman, Tammy Blanchard, John Carroll Lynch, Mike Doyle, Emayatzy Corinealdi, Karl Yune, Toby Huss, Marieh Delfino, Michelle Krusiec, Lindsay Burdge, Aiden Lovekamp, Jordi Vilasuso, Jay Larson, Danielle Camastra
Sinopsis: Will y Eden perdieron a su hijo años atrás. La tragedia afectó su relación de forma irreversible, hasta el punto de que ella desapareció de la noche a la mañana. Un día, Eden regresa a la ciudad; se ha vuelto a casar y en ella parece haber cambiado algo, convirtiéndola en una presencia inquietante e irreconocible incluso para Will.
The Invitation fue una de las sorpresas del festival de Sitges y, bajo nuestro punto de vista, mereció el premio que obtuvo como mejor película. Una reunión de viejos amigos en una casa como único escenario son los ingredientes con los que su directora narra una intriga tan bien construida que se permite jugar con el espectador. Sabemos que algo extraño flota en el ambiente, pero al igual que los comensales, no sabemos explicar el qué ni el porqué. Desde su inicio seremos cómplices de uno de los invitados, Will (Logan Marshall-Green), ex pareja de la organizadora del evento, Eden (Tammy Blanchard), así que compartiremos su punto de vista cuando, ya desde su llegada, perciba el extraño ambiente que se respira en esa reunión en la que la normalidad está teñida de irrealidad. Y al igual que él, dudaremos de nuestra percepción ¿serán todo imaginaciones nuestras?
El que su directora Karin Kusama tuviera en su currículum flojas cintas como Aeon Flux (2005) y Jennifer’s Body (2009), echó para atrás a más de uno durante el festival, que se perdió así la demostración de que no hacen falta grandes medios ni recurrir al elemento sobrenatural cuando se tiene una buena historia, se dosifica meticulosamente la información y se sabe manejar los mecanismos del suspense. Una auténtica cinta de terror moderno plausible y cotidiano con religiones New Age a modo de sectas destructoras y unos actores naturales de entre los que destaca el siempre enigmático John Carroll Lynch.
LOBOS SUCIOS (Simón Casal de Miguel, 2015)
España/Bélgica. Duración: 98 minutos Guión: Paula Cons, Noelia del Río, Felipe Rodríguez Lameiro Música: Sergio Moure Fotografía: Sergi Gallardo Productora: Coproducción España-Bélgica; Agallas Films / Dream Team Concept / Left Field Ventures Género: Thriller
Reparto: Manuela Vellés, Marian Álvarez, Sam Louwyck, Pierre Kiwitt, Thomas Coumans, Isak Férriz
Sinopsis: Manuela (Marian Álvarez) es una minera rechazada por todos por su condición de madre soltera, pero capaz de embarcarse en un robo a los nazis por tratar de curar a su hija enferma. Por su parte Candela (Manuela Vellés) es su hermana pequeña, que le acompaña en esta gran aventura, en la que demostrarán que dos mineras gallegas pudieron cambiar el curso de la historia de la Segunda Guerra Mundial…
Lobos sucios está ambientada en las minas gallegas de wolframio explotadas por los nazis durante la Segunda Guerra Mundial. Inspirada libremente en hechos, historias y personajes reales, el que una película de hora y media comience a hacerse larga a la hora de metraje es tan solo uno de los síntomas de que algo falla en la forma de llevar esta historia, bastante interesante, a la pantalla. La basal telúrica que apunta el guión, con la búsqueda del Grial como fondo, no se desarrolla correctamente y se rechaza detallar lo que quizás llama más la atención de la historia y que queda sin resolver: que estas dos hermanas fueron el pasaporte a la vida para más de 400 judíos en su huida de Europa, entrando por Francia y pasando a Portugal, puerto de escape hacia Estados Unidos.
Buscando cosas positivas, destaca la siempre gris atmósfera de esa Galicia húmeda, poblada por personajes que nunca sonríen; la confianza de los prisioneros republicanos, esperanzados con que la victoria aliada representará el final de TODAS las Dictaduras; la esperanza también en el amor que surge inesperadamente, iluminando todo a su alrededor; y ese ingeniero nazi, el lobo que cree en las fuerzas telúricas de ese denso bosque de tejos. Pero a pesar de todos estos elementos, en algún momento la situación se torna soporífera culminando en un final alejado de toda lógica y repleto de personajes de quita y pon. Lo mejor, a pesar de todo, ese ambiente pesimista y gris, y las dos protagonistas, en especial Marian Álvarez.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 1 de abril *
HITCHCOCK/TRUFFAUT (Ken Jones, 2015)
USA/Francia Duración: 80 min. Guión: Kent Jones, Serge Toubiana Música: Jeremiah Bornfield Productora: Cohen Media Group Género: Documental
Con David Fincher, Martin Scorsese, Wes Anderson, Richard Linklater, Alfred Hitchcock, François Truffaut, James Gray, Olivier Assayas, Kiyoshi Kurosawa
Medio siglo después de la publicación del libro El cine según Hitchcock de François Truffaut, el director Kent Jones invita a alguno de los mejores directores de nuestro tiempo (Martin Scorsese, David Fincher, Richard Linklater, Wes Anderson, James Gray, Olivier Assayas…) a compartir sus pensamientos sobre el libro que inspiró y sirve de inspiración a muchos directores y aficionados al séptimo arte. Compuesto por buenas imágenes de archivo, el audio original de la entrevista y los apuntes de estos directores, tan diferentes como apasionados con la obra del mago del suspense. El filme se queda corto en su metraje y se centra especialmente en dos de las obra capitales del director, Vértigo y Psicosis, sin dejar de analizar la vida y obra de ambos cineastas, así como sus paralelismos y diferencias, que les llevaron a converger en unas conversaciones y una amistad cuyo resultado dio sencillamente una obra maestra. Sin lugar a dudas un festín para cinéfilos que hace que de nuevo nos planteemos ese tan ansiado como pospuesto retiro de un mes cargado con un DVD, un televisor sin canales sintonizados, toda la filmografía de Hitch, y el libro Hitchcock-Truffaut. De verdad que un día lo haremos y si disfrutan de esta deliciosa cinta, seguro que ustedes también.
KIKI, EL AMOR SE HACE (Paco León, 2016)
España. Guión: Paco León, Fernando Pérez Fotografía: Kiko de la Rica Productora: Vértigo Films / Telecinco Cinema Género: Comedia
Reparto: Paco León, Álex García, Natalia de Molina, Belén Cuesta, Luis Callejo, Candela Peña, Luis Bermejo, Alexandra Jiménez, David Mora
Sinopsis: Cinco historias de amor y curiosas filias sexuales coinciden en un calenturiento verano madrileño. Dacrifilia, Elifilia, Somnofilia y Harpaxofilia son algunas de las 
particulares formas de obtener placer que descubren nuestros protagonistas, pero para disfrutarlas tendrán que decidir cómo integrarlas en sus vidas. Sus sentimientos, sus miedos y sobre todo su sexualidad se transforman rompiendo tabúes, adentrándose en una etapa nueva, emocionante y libre donde no se reniega ni del placer ni del amor.
Reparto coral para esta cinta que versiona ‘The Little Death’, exitosa comedia sexual australiana dirigida por John Lawson e inédita en nuestro país en la que se cruzan varias historias con el denominador común del sexo y el amor. Filias, fobias, gags veloces, momentos emotivos y buen ritmo con un reparto repleto de caras conocidas, entre ellas la del propio director, Paco León, que junto a Luis Bermejo, Belén Cuesta, Alexandra Jimenez, Luis Callejo o la gran Candela Peña deberán enfrentarse a sus miedos sexuales descubriendo, en algunos casos, unas parafilias inesperadas.
EL INFIERNO VERDE (The Green Inferno, Eli Roth, 2013)
USA. Duración: 103 min. Guión: Guillermo Amoedo, Eli Roth Música: Manuel Riveiro Fotografía: Antonio Quercia Productora: Worldview Entertainment / Dragonfly Entertainment / Sobras.com Producciones Género: Terror
Reparto: Lorenza Izzo, Ariel Levy, Sky Ferreira, Nicolás Martínez, Kirby Bliss Blanton, Aaron Burns, Magda Apanowicz, Matías López, Daryl Sabara, Adam Leong, Mary Dunworth, Cody Pittman
Sinopsis: Justine y sus idealistas compañeros activistas de Nueva York viajan a la selva en Perú para impedir la destrucción de una parte de la jungla por la tala de árboles que perturbe la vida de una tribu indígena local. Hasta aquí todo son buenas intenciones, que se torcerán cuando descubran que la tribu en cuestión es caníbal.
(Comentario completo en este enlace)
ALTAMIRA (Hung Hudson, 2016)
Francia/España. Duración: 97 min. Guión: Olivia Hetreed, José Luis López-Linares Música: Mark Knopfler, Evelyn Glennie Fotografía: José Luis Alcaine Productora: Morena Films Género: Drama
Reparto: Antonio Banderas, Rupert Everett, Golshifteh Farahani, Pierre Niney, Nicholas Farrell, Henry Goodman, Irene Escolar, Clément Sibony, Tristán Ulloa
Sinopsis: En 1879 un arqueólogo amateur, Marcelino Sanz de Sautuola (Antonio Banderas), y su hija de 8 años, María, descubrieron en Cantabria una de las obras prehistóricas más importantes de la Historia: las pinturas de Altamira. Lejos de proporcionarle honor y gloria, su deslumbrante contribución a la historia le enfrentó sin embargo con la Iglesia católica, y también con la indiferencia y el escarnio de la comunidad científica de la época. A pesar de sus esfuerzos por demostrar la veracidad del descubrimiento, Sautuola fue acusado de falsificación por el francés Émile Cartailhac, la máxima autoridad en Prehistoria del momento.
Cinta correcta y algo banal sobre los conflictos y dogmas contra los que deberá enfrentarse el protagonista y descubridor del mayor yacimiento de pintura rupestre del mundo, que también se topó con la incomprensión de los científicos de la época, que pensaron que el hallazgo era una falsificación orquestada por su descubridor, Sanz de Sautuola. El guión añade un trasfondo sentimental, posiblemente ficticio, para rellenar, pero a pesar de poseer un impresionante diseño de producción y una fotografía que realza la belleza natural de los exteriores cántabros, poco más, más allá de todo estos elementos, puede despertar el interés de espectador por esta cinta cuyo variopinto reparto está encabezado por Antonio Banderas como Sanz de Sautuola ; la niña Allegra Allen como su hija María, auténtica descubridora de las pinturas; la iraní Golshifteh Farahani como Conchita, su esposa; Irene Escolar, sexta generación de la gran casta de actores que comprende los apellidos Gutiérrez Cava y reciente ganadora de un Goya, como María en edad adulta; y un irreconocible Rupert Everett como el temible Monseñor. Unos elementos que sin duda añaden brillo a esta cinta dirigida por Hugh Hudson, responsable de la envejecida Carros de fuego (Chariots of Fire, 1981), que no ha dudado en otorgar uno de los papeles a su esposa, Maryam D’Abo.
MADAME MARGUERITE (Xavier Giannoli, 2015)
Francia/República Checa/Bélgica. Duración: 127 min. Guión: Xavier Giannoli, Marcia Romano Fotografía: Glynn Speeckaert Productora: Fidélité Films / Scope Pictures / Sirena Film Género: Comedia dramática.
Reparto: Catherine Frot, Christa Théret, André Marcon, Michel Fau, Sylvain Dieuaide, Aubert Fenoy
Sinopsis: París, años veinte. Marguerite Dumont es una mujer adinerada, amante de la música y la ópera. Desde hace años canta regularmente frente a su círculo de amigos, pero lo hace absolutamente fuera de tono y nadie se atreve a decirle la verdad. Tanto su marido como sus amigos, se han dedicado siempre a mantener su fantasía. Todo se complica el día que ella decide presentarse frente a un verdadero público en la ópera.
- Premios
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2015: 4 Premios César: Mejor actriz, sonido, vestuario y diseño de prod. 11 nom.2015: Festival de Venecia: Sección oficial largometrajes a concurso2015: Festival de Sevilla: Sección oficial a concurso
ORGULLO+PREJUICIO+ZOMBIES (Pride and Prejudice and Zombies, Burr Steers, 2016)
USA. Duración: 108 min. Guión: Burr Steers (Novelas: Jane Austen, Seth Grahame-Smith) Música: Fernando Velázquez Fotografía: Remi Adefarasin Productora: Cross Creek Pictures / Darko Entertainment / Handsomecharlie Films / Lionsgate Género: Comedia terrorífica
Reparto: Lily James, Sam Riley, Bella Heathcote, Douglas Booth, Jack Huston, Charles Dance, Lena Headey, Matt Smith, Emma Greenwell, Janet Henfrey, Sally Phillips, Dolly Wells, Hermione Corfield, Raiden Integra, Millie Brady
Sinopsis: Durante la Regencia Británica de 1819, una plaga de zombies invade la apacible población inglesa de Meryton. Las hermanas Bennet, que han sido entrenadas en Shaolin, se disponen a combatir contra los ejércitos de los muertos-vivientes. Pero, al mismo tiempo, Elizabeth Bennet tendrá que evitar que la llegada del altivo y arrogante señor Darcy la distraiga de su misión.
(comentario completo en este enlace)
Madame Marguerite: Cuando entre el ridículo y la genialidad hay tan solo un paso
MADAME MARGUERITE (Xavier Giannoli, 2015)
Francia/República Checa/Bélgica. Duración: 127 min. Guión: Xavier Giannoli, Marcia Romano Fotografía: Glynn Speeckaert Productora: Fidélité Films / Scope Pictures / Sirena Film Género: Comedia dramática.
Reparto: Catherine Frot, Christa Théret, André Marcon, Michel Fau, Sylvain Dieuaide, Aubert Fenoy
Sinopsis: París, años veinte. Marguerite Dumont es una mujer adinerada, amante de la música y la ópera. Desde hace años canta regularmente frente a su círculo de amigos, pero lo hace absolutamente fuera de tono y nadie se atreve a decirle la verdad. Tanto su marido como sus amigos, se han dedicado siempre a mantener su fantasía. Todo se complica el día que ella decide presentarse frente a un verdadero público en la ópera.
- Premios
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2015: 4 Premios César: Mejor actriz, sonido, vestuario y diseño de prod. 11 nom.2015: Festival de Venecia: Sección oficial largometrajes a concurso2015: Festival de Sevilla: Sección oficial a concurso
«Entre el ridículo y la genialidad hay sólo un paso», afirma un personaje en un momento de Madame Marguerite. Sentencia que bien podría haber sido uno de los lemas de la exposición Cultura basura. Una espeleología del gusto (CCCB mayo-agosto 2003) comisariada por Jordi Costa en la que se daba cuenta de que «los productos de la cultura basura son aquellos que la cultura oficial considera aberrantes, pero que el consumidor, a partir de la ironía, es capaz de elevar a la categoría de fascinantes» y concretaba ejemplos como «someterse a la extraña belleza de un monstruo de feria. Rendirse al tosco placer de escuchar un aria de Mozart descuartizada por la voz de Florence Foster Jenkins…». Pueden hacerse una idea de qué hablamos cuando decimos ‘tosco placer’ pinchando el vídeo que sigue a continuación:
Florence Foster Jenkins (1868–26 de noviembre de 1944) fue una excéntrica soprano estadounidense que se hizo famosa por su completa falta de habilidad musical, y Xavier Giannoli quedó fascinado por ella: «hace más de diez años, oí en la radio la voz, hilarante y trágica, de esta cantante que cantaba completamente en falso. Descubrí que era estadounidense y que vivió durante la primera mitad del siglo XX. En su único disco, había una foto de ella con unas alas en la espalda y la sonrisa confiada de una mujer que parecía totalmente inconsciente de la incorrección cómica de su voz» (extraído 
de la entrevista al director por Fabien Lemercier para Cineuropa). Ese fue el germen de su película que no pretende ser un biópic sino una obra más personal tomando distancias con respecto a la historia verdadera. Ese distanciamiento es, para su director, una manera de liberar espacio a favor de lo fabuloso y novelesco. A partir de una joya de lo bizarro Giannoli alumbra una película cargada de sensibilidad en la que se aborda la universal necesidad de una ilusión para vivir y de su peligro si se excede amparada por el mal (¿o en ocasiones es un bien?) de la hipocresía. Nos habla de cómo podemos ser víctimas de un (auto)engaño y a la vez dependientes de la mentira, porque, paradójicamente quizás, esa convicción ilusoria es la que nos da seguridad. Y todo ello enmarcado (y enfocado) sobre la gran pregunta sobre qué es el arte y hasta dónde hay que llegar para conseguir la obra maestra, la obra total.
Giannoli desplaza la anécdota de Foster Jenkins de los años 40 a los años 20 y de Estados Unidos a Francia. Estamos en la Belle Époque, en la cima del art decó que ya convive con el aflorar de las vanguardias, en la frontera justa en la que un mundo está muriendo y otro está irrumpiendo. Asistimos a un canto de cisne desde la primera línea de sus protagonistas. Foster Jenkins se convierte en Madame Marguerite Dumont, hija de la alta burguesía, esposa de un aristócrata que vive de la fortuna de ella, y amante de la música, especialmente de la ópera. Un ser inocente y excéntrico al que Catherine Frot, en estado de gracia, dota de una gran humanidad. Durante años ha cantado frente a su círculo más cercano en fiestas y galas benéficas (financiadas, igualmente, con su dinero). Canta terriblemente mal y es incapaz de afinar, pero nadie quiere decírselo y su familia disimula para mantener su ilusión (a la par que sus intereses en ella). Todo se complica cuando es descubierta por Lucien Beaumont (Sylvain Dieuaide), crítico musical de un medio alternativo, fuera de los modelos y cánones establecidos, que le escribe una crítica en apariencia elogiosa (en verdad es una mordaz ironía escrita por divertimento). Marguerite querrá entonces dar el gran salto y cantar ante el gran público sin que nadie sea capaz de hacerle ver el embeleco que la envuelve.
Para Marguerite la música se convierte en la expresión de una libertad, de una insumisión. Es capaz de lo que sea: se rebela contra su medio, rompe con todos los códigos, conoce artistas (impagable su participación en un acto dadaísta) y gente que le infunden el ánimo y la necesidad de liberarse, de hacerse cargo de sí misma. Todo eso la proyecta a situaciones muy divertidas, pero siempre sobre el frágil suelo de la mentira que se extiende bajo sus pies. Giannoli le da tratamiento de comedia, pero también de intriga, sentimos miedo de que sepa un día esa verdad y a la vez (esa perversidad del espectador que tan bien exploró y explotó Hitchcock) lo deseamos, esperamos el momento en el que la situación dará el vuelco trágico al que parece predestinada. En la persecución de la quimera del éxito musical, se esconde, además, el anhelo de una mujer que busca ser amada, que quiere (re)conquistar el amor de su esposo. La música es a la vez un sustitutivo y una artimaña, una búsqueda de autonomía y el intento desesperado por recobrar la atención de un marido que se distancia. Por eso la tensión dramática es aún mayor, sabemos que si cae el velo del fingimiento no sólo caerá su mundo, sino su propia integridad.
Giannoli nos conduce ágilmente por una trama en la que la importancia de la cohorte de secundarios que circundan a la heroína es tan relevante como la de ella misma. Pinta un cuadro coral de personajes perfilados con los trazos justos. Todos mienten movidos por uno u otro interés, pero también todos sienten ternura por esa personita que no busca más que vivir feliz haciendo feliz a otros. De entre esos secundarios hay que hacer especial mención del leal mayordomo Madelbos (Denis Mpunga) principal artífice de la perpetuación de la mentira. Cuida hasta el último detalle para que su señora viva convencida de su virtud y sus triunfos. Es inevitable compararle con el Erich Von Stroheim de El crepúsculo de los dioses (Billy Wilder, 1950, Sunset Boulevard), ambos son los auténticos directores de escena que arropan a un personaje tragicómico, el de la diva que no acepta su decadencia en el filme de Wilder, y el de la aspirante que ignora su incapacidad en el de Giannoli. Tanto en una cinta como en la otra el criado se revelará como el verdadero artista, aunque en la francesa su signo será radicalmente opuesto como sólo podremos saber al final. Un final que nos congela.
Si la comparamos con la obra maestra de Wilder, también es pertinente traer a colación la igualmente magistral Ed Wood de Tim Burton. De entrada ambas se inspiran en uno de esos ejemplos de la Cultura Basura de la que hablábamos al principio. Burton construye un ensayo sobre qué distingue al impulso artístico partiendo del que ha sido calificado (injustamente, en parte) como peor director de la historia del cine. Pero Burton compone una oda amable sobre la importancia de crear la ilusión y suspende la acción en el momento en que Ed Wood parece haber rozado el cielo; el francés, en cambio, sostiene la narración un paso más allá antes de pronunciar el último ‘corten’, en este sentido no nos brinda concesión alguna. Y es que la obra de arte total, en su sentido más profundo, de la que muchas veces se ha tenido como máximo exponente a la ópera (basta pensar en Wagner), exige para su culminación el sacrificio (piénsese en los castrati, para no abandonar el espacio operístico). No en vano el referente que es tomado como modelo por la ópera es el de la Tragedia Ática (Grecia como cuna del arte occidental) en la que el héroe se enfrenta al destino que es de sí ineluctable y lo hace aun a sabiendas de que está condenado a la derrota.
Dice Giannoli que » la vida puede ser cómica, burlesca y ridícula y, al mismo tiempo, trágica, profundamente emocionante y a veces dolorosa». Su película imita a la vida. El arte es mímesis hasta la última consecuencia.
Orgullo+prejuicio+…¿zombis?
ORGULLO+PREJUICIO+ZOMBIS (Pride and Prejudice and Zombies, Burr Steers, 2016)
USA/UK Duración: 108 min. Guión: Burr Steers (Novelas: Jane Austen, Seth Grahame-Smith) Música: Fernando Velázquez Fotografía: Remi Adefarasin Productora: Cross Creek Pictures / Darko Entertainment / Handsomecharlie Films / Lionsgate Género: Comedia terrorífica
Reparto: Lily James, Sam Riley, Bella Heathcote, Douglas Booth, Jack Huston, Charles Dance, Lena Headey, Matt Smith, Emma Greenwell, Janet Henfrey, Sally Phillips, Dolly Wells, Hermione Corfield, Raiden Integra, Millie Brady
La acción se sitúa en la apacible población inglesa de Meryton, cerca de Londres a inicios del siglo XIX, durante el reinado de Jorge III. En Inglaterra los difuntos empiezan a resucitar convertidos en temibles muertos vivientes a causa de una terrible epidemia llegada de las colonias de Ultramar. En el centro de esta sociedad se encuentra la adorable y muy alocada familia Bennet, con sus cinco hijas casaderas. La señora Bennet (Sally Phillips) ve el matrimonio como única esperanza para sus hijas, pues tras la muerte del señor Bennet (Charles Dance), las jóvenes quedarán abandonadas a su suerte cuando Williams Collins (Matt Smith), (primo de las muchachas y heredero de todo) tome posesión. La intrépida heroína Elizabeth Bennett (Lily James) y sus hermanas, además de buscar un buen matrimonio, tendrán que enfrentarse, gracias a los conocimientos aprendidos en el templo de Shaolin, con cuanto zombi se les cruce en el camino y, al mismo tiempo, evitar que la llegada del altivo y arrogante señor Darcy (Sam Riley) la distraiga de su empeño.
Cuando parecía que ya estaba todo dicho sobre el tan manido tema de los zombis (¿O no recuerdan los castores zombis de ‘Zombeavers‘? ¡Sí, castores zombis!), llega a nuestras pantallas otra sorprendente vuelta de tuerca que parece demostrar que todavía no está todo dicho sobre la cuestión no-muerta. Orgullo+prejuicio+zombis es una refrescante e ingeniosa cinta que consigue, a pesar de lo descabellado que resulta, hacer creíble la premisa de que en pleno siglo XIX podría haber tenido lugar una invasión zombi y que entre los vástagos de las clases mas pudientes hubiera estado de moda ir a Japón (los más adinerados) y a China (los venidos a menos) para aprender las técnicas de lucha oriental con las que enfrentarse a los come cerebros ¿increíble, verdad? ¡Pues no crean!, esta disparatada propuesta que mezcla intrigas románticas con gore; fastuosos bailes de sociedad y elegantes salones con degollinas y zombis devoradores de cerebros, para nosotros, funciona. Además, las elegantes y refinadas damiselas resultan de lo más sexy en su papel de exterminadoras de no-muertos.
Petrimetres de salón, fastuosas mansiones, trasfondo romántico como corresponde a una novela de Jane Austen, lucha de clases, y un saludable tono irónico muy bien alimentado por una fantástica dirección de arte y un fastuoso vestuario. También ayuda, y mucho, el ramillete de jóvenes hermanas casaderas de entre las que destacan Bella Heathcote como Jane Bennet y, sobre todo, la protagonista femenina, Lily James, que como Elizabeth Bennet representa a la nueva mujer que buscará alejarse del papel que le tiene reservado la sociedad del siglo XIX como mero elemento decorativo ¡Y vaya si lo consigue! Si la actriz ya nos gusto en su interpretación de Cenicienta (Cinderella, Kenneth Branagh, 2015), aquí termina de conquistarnos con su seductora diastema, incorporando un personaje que en principio iba a ser interpretado por Natalie Portman, actriz que finalmente ha tenido que conformarse con la función de productora del filme.
Por su parte el español Fernando Velázquez realiza un score delicioso para este cóctel de zombies putrefactos y bailes de salón que sigue fielmente la obra de Austen. Tanto que, aunque no sea algo imprescindible el haberla leído, sin duda la película será especialmente disfrutada por aquellos que conozcan la novela.
La película está basada en la novela del mismo titulo de Seth Grahame-Smith publicada en 2009. Otra de las alocadas novelas del autor ya fue adaptada en el cine, Abraham Lincoln, cazador de vampiros, con producción de Tim Burton, para quien también escribió el guión de 
Sombras tenebrosas (Dark Shadows, 2012). El caso es que la novela de Grahame-Smith ha caído en gracia teniendo cierta continuidad con Sentido y sensibilidad y monstruos marinos (¡no les engaño!) y Orgullo y prejuicio: El amanecer de los zombis o (¡ejem!) Androide Karenina, perpetrados todos ellos por diferentes plumas.
«Es una verdad mundialmente reconocida que un hombre soltero, poseedor de una gran fortuna, necesita una esposa.» si la frase con la que se abre Orgullo y prejuicio perdura como una de las más famosas en la literatura inglesa, dudamos que la que abre el filme permanezca como una de las más célebres del cine, pero al menos les servirá para entender de qué va esta ingeniosa pieza:
«Es una verdad universalmente reconocida que un zombi que tiene cerebro necesita más cerebros».
‘El infierno verde’: una revisión al cine de caníbales de los ochenta
EL INFIERNO VERDE (The Green Inferno, Eli Roth, 2013)
USA. Duración: 103 min. Guión: Guillermo Amoedo, Eli Roth Música: Manuel Riveiro Fotografía: Antonio Quercia Productora: Worldview Entertainment / Dragonfly Entertainment / Sobras.com Producciones Género: Terror
Reparto: Lorenza Izzo, Ariel Levy, Sky Ferreira, Nicolás Martínez, Kirby Bliss Blanton, Aaron Burns, Magda Apanowicz, Matías López, Daryl Sabara, Adam Leong, Mary Dunworth, Cody Pittman
Sinopsis: Justine y sus idealistas compañeros activistas de Nueva York viajan a la selva en Perú para impedir la destrucción de una parte de la jungla por la tala de árboles que perturbe la vida de una tribu indígena local. Hasta aquí todo son buenas intenciones, que se torcerán cuando descubran que la tribu en cuestión es caníbal.
La entente entre Eli Roth y Nicolás López comenzó cuando Roth produjo al chileno su película Aftershock (2012). A partir de entonces ambos han trabajado juntos y la conexión del director americano con Chile no ha hecho más que aumentar. No solo se ha casado con una bella actriz del lugar, Lorena Izzo, protagonista de Aftershock y de todas las cintas del director yankee desde entonces, sino que también en sus películas colabora mucho personal de ese país sudamericano, tal y como sucede en El infierno verde, interpretada por Izzo y otros actores conocidos de Nicolás López como Ariel Levy o Nicolás Martínez (presentes también en Aftershock).
Durante el rodaje en Chile de Aftershock, Eli Roth había comenzado la escritura de un guion sobre un grupo de estudiantes universitarios que buscan resolver los problemas del mundo mediante la difusión de vídeos que avergonzasen públicamente a todo aquel a quien descubriesen haciendo el mal. Antes de darlo por concluido, la organización Invisible Children lanzó el documental Kony 2012, que instaba a los espectadores a involucrarse para acabar con el señor de la guerra ugandés Joseph Kony y con las acciones criminales de la Lord’s Resistance Army. Impulsado por las redes sociales, el vídeo se hizo viral en internet, siendo visto más de 100 millones de veces. Pronto, sin embargo, fue objeto de intensas críticas por simplificar en exceso y por tergiversar, en algunos casos, una situación demasiado difícil y compleja; como consecuencia, el fundador de Invisible Children e impulsor de Kony 2012, el activista Jason Russell, sufrió un ataque psicótico debido al agotamiento y al estrés.
Roth se sorprendió de que estos acontecimientos de la realidad se asemejasen tanto a la premisa principal de El infierno verde. «Todo el mundo estaba twiteando algo sobre algo que habían visto en un vídeo de YouTube, y casi obligaban a otras personas a retuitear para dejar constancia de que no les era indiferente el tema de los niños soldado de Uganda«, recuerda. «Menos de un mes más tarde, el líder de su causa estaba corriendo desnudo por las calles de San Diego. Finalmente, la campaña de Kony 2012 no hizo apenas nada para solucionar los problemas que subrayaba. Sí que originó un instinto de conciencia, pero sólo a través de esos retuits de YouTube que, evidentemente, no iban a detener a los señores de la guerra«.
Para Roth, la controversia alrededor de Kony 2012 validó el concepto principal de El infierno verde: la idea de que el ‘slacktivism‘ (el activismo de sillón) es un medio para que los usuarios de las redes sociales piensen que están haciendo algo respecto a terribles acontecimientos que están lejos de su control. «Venía de un buen lugar, queriendo ayudar a otros en un lejano rincón del mundo«, dice Roth. «Pero básicamente, se trataba de que las personas se sintiesen mejor consigo mismas«.
En la cinta de Eli Roth, las buenas intenciones de una ONG pronto se verán ensombrecidas por el egoísmo de todos, caníbales incluidos. La excusa medioambiental, será un buen punto de partida que pondrá el acento sobre el cinismo de algunas ONG’S, así como sobre los sanos habitantes del primer mundo cuando fingen preocuparse por el agujero de ozono o, como en este caso, la selva amazónica. Nuestros protagonistas lucharán para proteger el ecosistema que ha mantenido casi vírgenes las selvas y las tribus que viven en el corazón del Amazonas. Tan grande será su vocación de protegerles, que les servirán incluso de alimento.
La cinta está rodada en la cuenca del Amazonas, en el pequeño poblado de Callanayacu. Mientras localizaban, Roth vio una cabaña que era justo como la que buscaba, bajaron de la barca y pidió a Sánchez que les dijera a los aldeanos que estaban explorando para encontrar un lugar concreto para filmar la película. Gustavo le comentó que los aldeanos jamás habían visto una película, de hecho no sabían lo que era una película. Sin electricidad, ni agua corriente, Callanayacu apenas tenia contacto con el mundo exterior, más allá de la embarcación que ocasionalmente les suministra productos. Sin embargo, Roth y los productores tuvieron una calurosa acogida y a pesar de los problemas logísticos que tendrían, decidieron rodar allí, algo que los aldeanos decidieron mediante el voto.
Una vez comenzada la filmación, los aldeanos se adaptaron con rapidez al proceso de producción: algunos trabajaron en el departamento artístico, otros ayudaron en las construcciones y el vestuario, mientras que otros sirvieron como figurantes. «Fueron los mejores extras con los que he trabajado«, comenta Roth.»Nunca se quejaban. Acababan una toma y seguidamente reían y reían». El resultado refleja el fantástico entorno en el que se ha rodado la película y la autenticidad de los extras, muy convincentes en su papel de aborígenes.
Proyectada en competición en el festival de Sitges de 2013, The Green Inferno, es una revisitación del viejo subgénero transalpino de caníbales, aunque bastante más comedido que los filmes emblemáticos en los que se inspira. Entretenida y a ratos divertida, tiene esas características introducciones tan prolongadas a las que Eli Roth nos tiene acostumbrados y que exasperan a más de uno. Tendrán que tener paciencia, pues hasta el minuto 41 el director no comenzará a poner la carne en el asador.
Resulta refrescante la intención de recrear el alimenticio subgénero de caníbales transalpino, que tantos buenos (malos) momentos ha hecho pasar al público más curtido de la mano de Ruggero Deodato o Umberto Lenzi, directores que llevaron a las pantallas de todo el mundo las más importantes muestras de este indigesto género, Holocausto Canibal (1980) y Canibal Feroz (1981), respectivamente. Pero lo malo de El infierno verde es que, para el público más curtido, la propuesta de Roth se le quedará muy corta. En cuanto a los que se acerquen por primera vez al tema, posiblemente pasarán un mal rato, sobre todo el sector femenino, pues Roth ha tenido a bien introducir entre los ritos caníbales uno muy sensible y exclusivo de la mujer. Bon Appetit!
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Miércoles 23 de marzo *
EL RESUCITADO (Risen, Kevin Reynolds, 2016)
USA. Duración:107 min. Guión: Paul Aiello, Karen Janszen, Kevin Reynolds Música: Roque Baños Fotografía: Lorenzo Senatore Productora: LD Entertainment / Big Wheel Entertainment / Affirm Films Género: Drama
Reparto: Tom Felton, Joseph Fiennes, Cliff Curtis, Peter Firth, Leonor Watling, Mish Boyko, Mark Killeen, María Botto, Stephen Hagan, Stephen Greif, Antonio Gil, Selva Rasalingam
Sinopsis: Un tribuno romano agnóstico investiga la desaparición del cuerpo de Jesucristo y los crecientes rumores sobre la resurrección del Mesías.
Que vuelve el western es algo que puede darse por cierto, pero lo que es más dudoso es que retorne el péplum. Al menos de momento. Resucitado comienza casi como un western, pasa a ser un thriller de intriga, con sus interrogatorios y pesquisas, y termina siendo una cinta ideal para estas fechas de recogimiento y oración. Y es una lástima, porque la primera parte es realmente novedosa y está bien construida, dejando una diminuta puerta abierta a la comedia, incluso, pero en su segunda parte se convierte en una película diríase anticuada, complaciente hasta la entrega con el público más piadoso … un tremendo contraste que, en nuestra opinión, la hace decaer. Pero pudo haber sido muy interesante, la verdad.
Rodada en Almería, de ahí la importante participación española en el equipo y el reparto, la cinta está dirigida por Kevin Reynolds, realizador del sonoro batacazo Waterworld (1995), y otros títulos como Rapa Nui (1994) y Robin Hood, príncipe de los ladrones (Robin Hood: Prince of Thieves, 1991).
BATMAN V SUPERMAN: EL AMANECER DE LA JUSTICIA (Batman V. Superman: Dawn of Justice, Zack Snyder, 2016)
USA. Duración: 151 min. Guión: David S. Goyer, Chris Terrio (Historia: David S. Goyer, Zack Snyder) Música: Hans Zimmer, Junkie XL Fotografía: Larry Fong Productora: Warner Bros. Pictures / DC Entertainment / Dune Entertainment Género: Fantástico
Reparto: Henry Cavill, Ben Affleck, Amy Adams, Laurence Fishburne, Jeremy Irons, Holly Hunter, Diane Lane, Gal Gadot, Jesse Eisenberg, Jena Malone, Lauren Cohan, Callan Mulvey, Tao Okamoto, Ray Fisher, Scoot McNairy, Jason Momoa, Ezra Miller, Demi Kazanis
Sinopsis: Ante el temor de las acciones de un desenfrenado Superhéroe, el formidable y contundente vigilante de Gotham se enfrenta al más admirado héroe de la era moderna de Metropolis, mientras que el mundo se debate reflexionando sobre qué tipo de héroe necesita realmente. Y con Batman y Superman en guerra, pronto aparece una nueva amenaza que pone a la humanidad en uno de los mayores peligros jamás conocidos.
Soy amigo de informarse lo menos posible sobre una película antes de ir a verla. Tan solo ojeo el reparto y pego un vistazo a la trama. No me miro trailers ni sigo la epopeya de su rodaje. Ni tengo tiempo, ni me interesa. Así tampoco me creo manías personales ante un director bocazas, ni me predispongo a nada. La veo y luego tengo mi opinión, que escribo sin ninguna intención de pontificar.
También lo hago con, por ejemplo, los cómics. Los compro mensualmente pero no estoy al tanto de lo que va a suceder. Naturalmente, al igual que con las películas, sé que podría hacerlo, pero no quiero. El hacerlo obedece a que me gusta que se me sorprenda, introducirme en la historia y, aunque las hay predecibles, no adelantarme a los acontecimientos. Ben Affleck, al igual que Di Caprio, ha tenido y tendrá que soportar comentarios maliciosos a cascoporro. Y es una lástima, porque en mi opinión ambos son actores válidos. Pero la moda actual, con las redes sociales como medio, es la de no dejar lugar a la sorpresa en ninguna película y burlarse, sin motivo aparente, del actor o director que toca. ¿Por qué? No lo sé. Las críticas que he escuchado sobre El renacido, por ejemplo, siempre han sido con respecto a lo mal que le cae personalmente Iñárritu a mi interlocutor. O las semejanzas de ciertas tomas de su película con otra de Tarkovsky, director, a tenor de lo leído, de quien todo mortal posee su filmografía completa en casa, con los estuches gastados de tanto abrirlos.
Fiel a lo que pienso, poco voy a decir sobre Batman V. Superman: El amanecer de la justicia. Secuela de El hombre de acero (Man of Steel, 2013), también de Zack Snyder, mantiene gran parte de su reparto, sumando a ello la oscuridad que tiñe la saga del Caballero Oscuro de Nolan. Un tanto confusa en su inicio, pasa a convertirse en un previsible Team-Up, con poderosas escenas. Si Christian Bale ha dado paso a Affleck, Michael Caine ha cedido su papel como el fiel Alfred a Jeremy Irons. Personalmente, en cuanto a personajes, nos ha gustado el tratamiento que en la película se le ha dado a Lex Luthor, interpretado por el joven Jesse Eisenberg. Entretenida y un tanto excesiva, es la avanzadilla para la llegada de la Liga de Justicia y la interacción entre personajes DC que tan buenos resultados ha dado a Marvel. ¿Un poco tarde quizás? ¿Está un tanto quemado el filón de los súper-héroes? Ya iremos viendo. De momento dos horas y media de acción, oscuridad y… si pueden evitar que le cuenten la película, emoción, en la que pasa por ser el mejor entretenimiento para los que no puedan permitirse huir de su ciudad durante estas pequeñas vacaciones.
NUESTRA HERMANA PEQUEÑA (Umimachi Diary (Kamakura Diary), Hirokazu Koreeda, 2015)
Japón Duración: 128 min. Guión: Hirokazu Koreeda (AKA Hirokazu Kore-eda) (Manga: Akimi Yoshida) Música: Yôko Kanno Fotografía: Mikiya Takimoto Productora: GAGA / TV Man Union / Toho Company Género: Comedia
Reparto: Haruka Ayase, Masami Nagasawa, Suzu Hirose, Kaho, Ryô Kase, Ryôhei Suzuki, Rirî Furankî, Shin’ichi Tsutsumi, Jun Fubuki, Kentarô Sakaguchi
Sinopsis: Narra la historia de tres hermanas, Sachi, Yoshino y Chika, que viven juntas en la ciudad de Kamakura. Un importante cambio en sus vidas ocurre cuando descubren que tienen una hermana pequeña, Suzu, desde hace 15 años. Las tres hermanas, se enfrentarán una vez más a una situación nueva en sus vidas, de la que lograrán aprender con positivismo y entusiasmo.
Muy diferente a la anterior, pero también proveniente del mundo del cómic, es NUESTRA HERMANA PEQUEÑA, adaptación del premiado Manga Umimachi Diary, de Akimi Yoshida. Y ese origen se deja notar al ver el filme de Koreeda, en el que se retrata la vida de estas cuatro hermanas bien diferentes entre sí, pero unidas aunque (o precisamente por que) han sido abandonadas por madre y padre. Sachi, la hermana mayor, tuvo que encargarse desde bien pronto de criar a sus dos hermanas, la cabeza loca de Yoshino y la freak Chika. Ahora tampoco dudará en retomar este rol maternal con Suzu, una nueva hermanastra, aunque ello pueda significar renunciar a sus intereses románticos. Sensible, que no sensiblera, la película cuenta con unas actuaciones naturalistas y está narrada mediante retazos de vida de cada joven. Otra muestra del mejor cine oriental, siempre bienvenido a nuestras carteleras. Un complemento perfecto, alternativo y necesario, a las dos cintas anteriores.
VAMOS DE ESTRENO (O NO) * Viernes 18 de marzo *
EL REGALO (The Gift, Joel Edgerton, 2015)
USA. Duración: 108 min. Guión: Joel Edgerton Música: Danny Bensi, Saunder Jurriaans Fotografía: Eduard Grau Productora: Blue-Tongue Films / Blumhouse Productions Género: Thriller
Reparto: Jason Bateman, Rebecca Hall, Joel Edgerton, Beau Knapp, Allison Tolman, David Denman, P.J. Byrne, Tim Griffin, Beth Crudele
Sinopsis: La vida de un joven matrimonio se verá totalmente alterada después de que un conocido del pasado del marido comience a dejarles misteriosos regalos y se revele un horrible secreto tras veinte años.
A Contracorriente pone en nuestras pantallas otra de las cintas que pudimos ver durante el último Festival de Sitges. El regalo nos habla de las relaciones humanas. De la privacidad. De cuando la cordialidad se transforma en un monstruo que cuesta detener. Pero también de nuestros actos del pasado, que siempre, de una u otra forma, vuelven para pasarnos factura en el presente. Y de que nada es lo que parece, que en cuanto rasguemos un poco la superficie se mostrará algo totalmente diferente a lo que esperábamos.
Con un sostenido ritmo in crescendo, la película, escrita y dirigida por Joel Edgerton, basada en su corto, Monkeys (2011) representa el debut en la dirección de largometrajes de este actor metido a realizador. En la cinta interpreta a Gordo, papel que le supuso el premio a la mejor interpretación del festival de Sitges. Una efectiva labor que comparte con Jason Bateman y la sensible Rebecca Hall.
EL REGALO se estrenó en Estados Unidos de la mano de la todopoderosa STX Entertainment y se convirtió en uno de los sleepers del año. En su estreno, con más de 2500 copias, la película logró 11 millones de dólares en su primer fin de semana y después, a causa de su fuerte boca-oreja, multiplicó por 4 (algo muy poco habitual para un thriller) sus cifras, llegando a recaudar más de 44 millones de dólares.
Como curiosidad, la película ha contado con un director de fotografía nacido en Barcelona, Eduard Grau, que lleva una carrera profesional espectacular con trabajos como: “Honor de caballería”, “Un hombre soltero” de Tom Ford, “Buried”, “Suite Francesa” y “Sufragistas”.
EL RECUERDO DE MARNIE (Omoide no Mânî, Hiromasa Yonebayashi, 2014)
Japón Duración: 103 min. Guión: Niwa Keiko, Ando Masahi (Libro: Joan G. Robinson)Música: Takatsugu Muramatsu Productora: Estudio Ghibli Género: Drama fantástico de animación.
Sinopsis: Anna tiene 12 años y se siente diferente al resto. Tiene problemas para relacionarse y problemas de salud. Su madre adoptiva la envía con su tíos, que viven en el campo, para que se recupere. Allí conocerá a Marnie…
Un relato sobre la diferencia, sobre aceptarse a uno mismo tal como es. Cuando Anna llega a casa de sus tíos deberá adaptarse, a pesar de que ‘huele a diferente’. Allí conocerá a Marnie y aquí las lecturas resultarán múltiples ¿Se enamora Anna de Marnie? durante la primera mitad de la cinta uno juraría que así es, incluso Anna llega a sentir celos pero… la acción da un vuelco sobrenatural que parece dejar a un lado esta cuestión. En todo caso se trata de una historia deliciosa que transita entre sueños y fantasmas del pasado que volverán a ocupar su lugar.
Una cinta para ver sin complejos, emotiva, a veces excesivamente (ya saben), rica y con una animación realista como un lienzo figurativo pintado hasta definir el más mínimo detalle, en la línea clásica de Ghibli que supone la máxima estilización del anime.
Resulta llamativo que una de las melodías de la película, con papel importante en la trama, sea El sueño de la Alhambra, de Francisco Tárrega.
EL CUENTO DE LA PRINCESA KAGUYA (Kaguya-hime no Monogatari, Isao Takahata, 2013)
Japón Duración: 137 min. Guión: Isao Takahata, Riko Sakaguchi Música: Joe Hisaishi Productora: Estudio Ghibli Género: Drama fantástico de animación.
Sinopsis: Basada en un cuento popular japonés anónimo del siglo IX, «El cortador de bambú«. La historia comienza cuando una pareja de ancianos campesinos encuentran a una niña diminuta dentro de una planta de bambú, y deciden adoptarla como si fuera su hija. Convertida rápidamente en una hermosa mujer, es pretendida por muchos hombres, incluido el emperador, pero ella los rechaza a todos porque…
LUCES DE PARÍS (La ritournelle, Marc Fitoussi, 2014)
Francia. Duración: 98 min. Guión: Marc Fitoussi, Sylvie Dauvillier Música: Tim Gane, Sean O’Hagan Fotografía: Agnès Godard Productora: Avenue B Productions / Vito Films / SND / France 2 Cinéma / Région Ile-de-France / Région Haute-Normandie / Orange Cinéma Séries / France Télévisions / Ciné+ / Centre National de la Cinématographie (CNC) / Indéfilms / Soficinéma 7 Développement Género: Drama
Reparto: Isabelle Huppert, Jean-Pierre Darroussin, Michael Nyqvist, Pio Marmaï, Marina Foïs, Audrey Dana, Anaïs Demoustier, Clément Métayer, Jean-Charles Clichet
Sinopsis: Brigitte (Isabelle Huppert) y Xavier (Jean-Pierre Darroussin) viven en Normandía y se dedican a la ganadería vacuna. Ella es soñadora mientras que él vive por y para su trabajo. Tras la partida de sus hijos, el peso de la rutina se le hace a Brigitte cada vez más difícil de sobrellevar. Un día, en un arrebato de locura, se va a París sin decir nada. Xavier se da cuenta entonces de que quizá la esté perdiendo.
Una comedia agridulce sobre una mujer desesperada que sabe que le queda poca juventud y que su atractivo se marchita. Así que, con la excusa de acudir a un médico a que le miren un eccema causado por los nervios, marcha a París con la idea de correr una aventura. Y hasta aquí puedo leer, ya que deberán ver esta magnífica cinta para saber cuál será el resultado de esta infidelidad. Deliciosamente protagonizada por Isabelle Huppert, que repite de nuevo tras protagonizar con el director Copacabana en 2010 (y prueba que esta actriz tiene más registros que los que la convirtieron en musa de Chabrol y Haneke), y por Jean-Pierre Darroussin. La cinta también cuenta con la colaboración del sueco Michael Nyqvist, que entre otras cosas es el protagonista de la saga Millennium basada en las historias de Stieg Larsson. Con unos personajes ejemplarmente civilizados, la historia que nos narra Luces de París difícilmente sería posible situarla en países de sangre más caliente.
Destaca en su guión el gusto por los detalles (ese esposo que usa como contraseña el nombre de su mujer), sin subrayados pero efectivos para que el espectador perciba un amor que ha quedado oculto por la rutina, pero que volverá a aflorar tras ese viaje a la aventura.
AGENTE CONTRAINTELIGENTE (The Brothers Grimsby, Louis Leterrir, 2016)
UK/Australia Duración: 93 min. Guión: Sacha Baron Cohen, Phil Johnston Música: David Buckley, Erran Baron Cohen Fotografía: Oliver Wood Productora: Four by Two Films / Sony Pictures Entertainment (SPE) Género: Comedia.
Reparto: Mark Strong, Sacha Baron Cohen, Isla Fisher, Penélope Cruz, Rebel Wilson, Ian McShane, Annabelle Wallis
Sinopsis: Un implacable agente del MI6 británico (Mark Strong) del grupo de operaciones especiales se reencuentra con su hermano (Sacha Baron Cohen), un tipo muy diferente a él: pura basura blanca de extrarradio, fanático del fútbol y protagonista de numerosos y disparatados altercados.
Sin ningún género de dudas Agente contrainteligente es el placer culpable de este invierno. Acción desenfrenada (atención a las escenas de acción protagonizadas por Strong rodadas en cámara subjetiva emulando los juegos en primera persona), humor grueso y escatológico, lejos de la corrección política, y con algún gag salvaje con el que podrían sorprenderse riendo a carcajadas. Cuenta, como villana, con una Penélope Cruz que al parecer no vacila en participar en toda cinta protagonizada por payasos, (a tenor de la reciente Zoolander 2 ) y con un Sacha Baron Cohen, algo más comedido que en sus anteriores trabajos, como protagonista absoluto de la circense función. El director demuestra su amplia experiencia en las escenas de acción (no en vano ha dirigido las dos entregas de Transporter y a Jet Li en Danny the dog) y también en la comedia. Son agradecidos esos cortes musicales de Madness o Blur.
Contraindicada para los que odian el humor grueso, no voy a pedir perdón: me lo pasé muy bien, la verdad.
PRIMAVERA EN NORMANDIA (Gemma Bovery, Anne Fontaine, 2014)
Francia/UK Duración: 99 min. Guión: Pascal Bonitzer, Anne Fontaine (Novela: Posy Simmonds) Música: Bruno Coulais Fotografía: Christophe Beaucarne Productora: Albertine Productions Género: Comedia dramática.
Reparto: Gemma Arterton, Fabrice Luchini, Jason Flemyng, Isabelle Candelier, Mel Raido, Pip Torrens, Elsa Zylberstein, Edith Scob, Niels Schneider, Kacey Mottet Klein, Pascale Arbillot
Sinopsis: Martin (Fabrice Luchini) es un ex parisino adinerado y apasionado de Gustave Flaubert que decidió hace un tiempo retirarse a un pueblo normando como panadero. Cuando una pareja de ingleses llega para instalarse en una pequeña y cercana granja no sólo sus nombres, Gemma (Gemma Artenton) y Charles Bovery (Jason Flemyng), le recuerdan a Flaubert, sino que también lo hace su comportamiento. Martin se acerca a la pareja y los observa tratando de interferir en el destino que arruinó la vida de Madame Bovary.
Adaptado de la novela gráfica Gemma Bovery de Posy Simmonds, la cinta de Fontaine nada entre el drama y la comedia, mayormente fina, pero en algún momento muy negra. Protagonizada por el veterano Fabrice Luchini, al que podremos ver muy pronto interpretando otro tipo de registro en El juez (L’hermine, Christian Vincent, 2015), cuenta como coprotagonista con la británica Gemma Artenton, a la que hemos podido ver en cintas como Byzantium (Neil Jordam, 2012) y a la que afortunadamente veremos en un buen puñado de títulos en un futuro próximo. Sexy, delicada, deliciosa, y también frágil, la Gemma Bovery de Artenton no puede evitar ser objeto de deseo de todo el que la conoce, tanto del veterano Martin, que fantaseará con ella y su novelesco apellido, como del joven vecino Hervé (Niels Schneider), que de recogimiento para estudiar, terminará descuidando los libros al cruzarse Gemma en su camino.
Los amantes de Flaubert, y de su obra más célebre, disfrutarán descubriendo los paralelismos que hay entre la peripecia de Gemma y la de Madame Bovary. Un guión ingenioso que consigue convertir en comedia el drama flaubertiano.
CALLE CLOVERFIELD 10 (10 Cloverfield Lane, Dan Trachtemberg, 2015)
USA. Duración: 105 min. Guión: Dan Casey, Josh Campbell, Matthew Stuecken Música: Bear McCreary Fotografía: Jeff Cutter Productora: Bad Robot / Paramountn Género: Thriller fantástico.
Reparto: Mary Elizabeth Winstead, John Goodman, John Gallagher Jr., Maya Erskine, Douglas M. Griffin, Cindy Hogan, Ryan Martin Dwyer
Sinopsis: Una joven (Mary Elizabeth Winstead) sufre un accidente de coche. Cuando despierta se encuentra encerrada en un bunker bajo tierra, secuestrada por un hombre extraño (John Goodman) que dice haberla salvado del día del juicio final. El excéntrico captor asegura que el exterior es inhabitable por culpa de un terrible ataque químico, algo que no sabe si creer.
En 2008 se estrenaba Cloverfield, una cinta del joven Matt Reeves producida por J. J. Abrams. Rodada con el poco agradecido método de cámara subjetiva, lo que se ha dado en llamar ‘found footage’, no era de las peores de este molesto subgénero, muy al contrario, Monstruoso, que así se llamó por aquí la cinta de Reeves, resultaba de lo más entretenida y emocionante, consiguiendo un terrorífico efecto de inmediatez y realidad mediante esa forma de rodar. Ahora nos llega 10 Cloverfield Lane, lo que se llama un spinoff de la anterior. Otro punto de vista de los mismos hechos, de la misma situación. Pero no teman, si no han visto Monstruoso y sienten deseos de ver 10 Cloverfield Lane, no hace falta que corran a por la cinta de Reeves, ya que los puntos que tienen ambas en común son mínimos y funciona como historia independiente, incluso mejor si no tenemos ninguna idea de lo que hay (o no hay) fuera del bunker en el que se encuentran los tres personajes de la trama. De hecho, gran parte de la cinta se desarrolla en el interior de ese refugio, construyéndose una intriga que funciona a la perfección, manteniendo el interés continuamente de una forma similar a los mejores momentos de The Twilight Zone. Tras un punto de partida que homenajea una de las cintas más célebres de cierto orondo director británico, pasaremos a permanecer en ese bunker compartiendo espacio con un salvador/captor ex-marine, conspiranoico y fundamentalista francamente terrorífico interpretado por un enorme (en todos los sentidos), John Goodman. Neurótico personaje que en el fondo, y paradójicamente, parece ser el único capaz de actuar consecuentemente ante la situación que se está desarrollando (nuevamente nos hace pensar en el director británico, pero en este caso en otro de sus títulos, Náufragos). En el refugio, nuestra heroína Michelle, interpretada por una magnífica Mary Elizabeth Winstead, se hará con la función. Acostumbrada está, desde luego, a bailar con el más feo. Basta recordarla (y no es difícil) enfrentándose a La cosa (The Thing, Matthijs van Heijningen, 2011 ), cazando chupasangres (Abraham Lincolm: cazador de vampiros, Timur Bekmambetov, 2012), o como hija de McLane (Bruce Willis) en las dos últimas entregas de Jungla de cristal, por decir tan solo algún título de entre su larga trayectoria en cine y televisión. Toda una next door Ripley con la mente muy despierta y que, visto el final, podría representar el principio de una larga amistad (o al menos de una nueva secuela).
Serendipia
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