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Novedades Regia Films: Neogiallo en edición de lujo
Regia Films nos ofrece tres novedades de peso. Por un lado se lanza a la edición en Blu Ray por la puerta grande y lo hace con L’Etrange Couleur Des Larmes de Ton Corps, un neogiallo que pudo verse en el Festival de Sitges y que Regia ofrece con gran calidad de audio y video acompañado de un libro de 20 páginas escrito por Roberto García-Ochoa Peces. También lanza dos películas nunca editadas en España, Atentado, el día que cambió el mundo, de Veljko Bulajic. Una cinta sobre los motivos que causaron el estallido de la Primera Guerra Mundial. Y finalmente una comedia con tonos sobrenaturales en la mejor tradición de El cielo puede esperar, El cielo… próximamente, de Albert Brooks, protagonizada por Meryl Streep y el propio director.
L’ETRANGE COULEUR DES LARMES DE TON CORPS (Hélène Cattet y Bruno Forzani)
Francia/Bélgica/Luxemburgo. Guión: Hélène Cattet & Bruno Forzani Fotografía: Manu Dacosse – Montaje: Bernard Beets Sonido: Dan Bruylandt, Yves Bemelmans, Olivier Thys y Mathieu Cox
Con Klaus Tange, Jean-Michel Vovk, Sylvia Camarda, Sam Louwyck, Anna D’Annunzio, Manon Beuchot, Ursula Bedena, Birgit Yew, Hans de Munter
Sinopsis:Una mujer desaparece. Su marido Dan (Klaus Tange) investiga las extrañas circunstancias de su desaparición. ¿Le ha dejado? ¿Está muerta? Mientras avanza en su busqueda, Dan se adentrará con la ayuda del inspector Vincentelli (Jean-Michel Vovk) en un mundo de pesadilla, misterio y violencia…
Dirigida por Hélène Cattet y Bruno Forzani (Amer, 2009), El extraño color de las lágrimas de tu cuerpo es una intensa experiencia visual que danza al ritmo de las mejores melodías del giallo de la década de los setenta (creadas por Ennio Morricone, Riz Ortolani, Bruno Nicolai, … ), moldeando un neogiallo capaz de retarnos con su forma e hilo narrativo para sumergirnos en una inolvidable espiral de sensualidad y sangre.
Edición especial LIMITADA Y NUMERADA, 1000 ÚNICOS EJEMPLARES
Presentación especial con SLIPCASE (cajita) y LIBRETO de 20 páginas a color escrito por Roberto García-Ochoa Peces (doblekultocinema.com)
Video 1080p FULL HD 2,35:1 – 16:9 Audio DTS-HD MA 5.1 francés (con fragmentos en danés y flamenco) Subtítulos en castellano
Trailer original 1080p FULL HD 2,35:1 – 16:9
* ATENTADO, EL DÍA QUE CAMBIÓ EL MUNDO (Veljko Bulajic)
Yugoslavia/Checoslovaquia/Hungría/Alemania, 1975. Con Florinda Bolkan, Christopher Plummer y Maximilian Schell Extras: escenas eliminadas + doble carátula
Título de culto inédito en España en DVD – Película histórica que narra los sucesos acontecidos en Sarajevo en junio de 1914 que significaron el detonante de la Primera Guerra Mundial
Sinopsis: Gavrilo Princip (Irfan Mensur), Nedjeljko Čabrinović (Rados Bajic) y Trifko Grabež (Jan Hrusínský) son tres jóvenes revolucionarios bosnios residentes en Serbia, donde Sarac (Maximilian Schell) les enseña a disparar armas de fuego con un claro objetivo: matar al archiduque y heredero al trono del Imperio austrohúngaro Francisco Fernando (Christopher Plummer). Viajarán desde Belgrado a Sarajevo de forma clandestina para evitar los controles de la policía fronteriza. Una vez en Sarajevo se prepararán para su encuentro con el destino conscientes de que harán historia, pero para ello pagarán un alto precio por sus actos.
Dirigida por Veljko Bulajic (La batalla del río Neretva, 1969) y protagonizada por Irfan Mensur, Maximilian Schell, Christopher Plummer y Florinda Bolkan, Atentado: El día que cambió el mundo es una magnífica recreación de los hechos históricos acontecidos en Sarajevo el 28 de junio de 1914 y que detonaron el inicio de la I Guerra Mundial (1914-1918).
* EL CIELO… PRÓXIMAMENTE (Albert Brooks, 1991)
USA. Con Meryl Streep y Albert Brooks
Comedia romántico-fantástica inédita en España en DVD
Sinopsis:
En el día de su cumpleaños, Daniel Miller (Albert Brooks) sufre un accidente mientras estrena su nuevo BMW serie 3 descapotable. Acto seguido despierta en un tranvía ataviado con una túnica blanca… ha muerto y está en Ciudad del Juicio, una suerte de purgatorio donde su alma deberá pasar por un proceso judicial para decidir si seguirá evolucionando como ser del universo o, en caso de que el resultado no sea favorable, volver a la Tierra para tener una nueva oportunidad de vencer sus miedos y así ganarse su evolución. Pero, mientras se toma un descanso en el juicio de su alma, Daniel conocerá a la encantadora Julia (Meryl Streep), un alma virtuosa de la que Daniel caerá enamorado. El problema es que sin lugar a dudas el alma de Julia evolucionará y Daniel quiere seguir junto a ella a toda costa…
Escrita y dirigida por Albert Brooks y protagonizada por él mismo y Meryl Streep, El Cielo… Próximamente trata el tema de la reencarnación, tomando como base la filosofía oriental pero enfocada desde un punto de vista occidentalizado, para ofrecer una inspirada comedia romántica capaz de provocar las sonrisas de todo espectador.
Mondo Macabro edita ‘Symptoms’ de Larraz en Blu-ray
Mondo Macabro edita por primera vez en formato doméstico una de las piezas perdidas de José Ramón Larraz, Symptoms
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Original cover art by Gilles Vranckx!
Disponible durante años tan solo en copias piratas gracias a un pase que hubo en la televisión británica a principios de los ochenta, por fin esta película podrá disfrutarse en calidad HD al haberse encontrado recientemente los negativos. Han sido más de quince años de búsqueda y negociación pero finalmente Symptoms estará disponible tanto en formato DVD como Blu-ray.
SYMPTOMS nos narra el intenso y claustrofóbico descenso a la locura y el asesinato de su protagonista, interpretada por Angela Pleasence en posiblemente su mejor papel. Realizada en el mismo año que Las hijas de Drácula (Vampyres), repitiendo parte del equipo, Symptoms resulta más atmosférica y ambigua.
Después de su estreno en 1974 en el Festival de Cannes y tras una breve estancia en las carteleras británicas, la cinta permaneció en el olvido del que fue rescatada por Tohill y Tombs en su obra Inmoral Tales. Con su edición en blu ray, Symptoms podrá ser disfrutada como la obra maestra del cine de terror de los setenta que sin duda es.
La copia que editará Mondo Macabro esta primavera contará con los siguientes contenidos extra:
• El documental sobre Jose Larraz, ON VAMPYRES AND OTHER SYMPTOMS, de Celia Novis
• FROM BARCELONA TO TUNBRIDGE WELLS, un documental sobre Larraz de 1999 perteneciente a la serie Eurotika!
• Entrevistas actuales con la protagonista Angela Pleasance y Lorna Heilbron y el editor Brian Smedley-Aston
Atención, porque la edición standard en blu-ray, que costará 29,99 $, será precedida por una limitada y numerada (de 500 copias) con extras exclusivos.
Vial of Delicatessens edita en DVD ‘A Serbian Film’
El sello Vial of Delicatessens, especializado en cine underground y minoritario, lanza al mercado una nueva referencia. Esta vez apuestan fuerte trayendo a su catálogo uno de los films más polémicos y oscuros de la historia del cine, y con toda seguridad el título más controvertido de lo que llevamos de siglo.
Se trata de A Serbian Film, del director serbio Srdjan Spasojevic, película prohibida en decenas de países por su extremado contenido violento y sexual. Al haber sido Calificada X en nuestro país, con las restricciones comerciales que ello conlleva (no podrá ponerse a la venta en grandes superficies ni tener una explotación convencional en plataformas VOD), solo un sello como Vial of Delicatessens podía hacer frente a su distribución en España. Por ello, ponen en circulación esta edición limitada a 500 copias, que se venderán exclusivamente en la web del sello y en puntos de venta especializados y que una vez agotada, no volverá a reeditarse.
Dicha edición limitada, en DVD prensado, presenta la versión UNCUT de la película, sin cortes y sin censura. La mayoría de ediciones de la película en todo el mundo presentan numerosos cortes, pero Vial of Delicatessens pone a la venta la versión más completa, tal y como la concibió su director. Como extra, el DVD incluye un breve “Detrás de las cámaras” sobre una de las secuencias más controvertidas del film.
Sinopsis:
Un actor porno retirado llamado Milos, que vive con su esposa y su hijo, se plantea el volver a trabajar, ya que su situación económica es bastante precaria. Un día se encuentra con una vieja compañera del mundo del porno, que le ofrece la oportunidad de trabajar con un individuo llamado Vukmir en una ambiciosa película experimental para adultos. Milos acepta sin saber muy bien el tipo de producción de la que va a ser partícipe, para verse inmiscuido en un universo de depravación y muerte difícil de digerir.
En la web del sello, el DVD tiene un PVP de 9, 99 € más 2, 40€ de gastos de manipulación y envío. A la venta a partir del día 11 de Febrero de 2016.
Características: Imagen: formato 2.35:1 / 16:9 anamórfico. Audio: DD 5.1 en Versión Original en serbio, subtitulada en castellano.
Venta y contacto en http://vialofdelicatessens.blogspot.com
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 5 de febrero*
CAROL (Todd Haynes, 2015)
UK. Duración: 118 min. Guión: Phyllis Nagy (Novela: Patricia Highsmith) Música: Carter Burwell Fotografía: Edward Lachman Productora: Film4 / Killer Films / Number 9 Films Género: Drama
Reparto: Cate Blanchett, Rooney Mara, Sarah Paulson, Kyle Chandler, Jake Lacy, Cory Michael Smith, Carrie Brownstein, John Magard, Kevin Crowley, Gielreath, Ryan Wesley Gilreath, Trent Rowland, Jim Dougherty, Douglas Scott Sorenson, Nik Pajic
Sinopsis: Nueva York, años 50. Therese Belivet (Rooney Mara) es una joven dependienta de una tienda de Manhattan que sueña con una vida mejor cuando un día conoce a Carol Aird (Cate Blanchett), una mujer elegante y sofisticada que se encuentra atrapada en un matrimonio infeliz. Entre ellas surge una conexión inmediata que irá haciéndose más intensa y profunda, cambiando la vida de ambas para siempre.
Carol de Todd Haynes es un agradable producto. Al salir del pase un crítico elogiaba la delicadeza con la que trata un tema que aún hoy difícil como es la homosexualidad femenina. Y no le falta razón, es innegable la sutilidad con la que el autor de Velvet Goldmine aborda la historia. Pero la catalogamos como producto porque no es nada arriesgada ni en su planteamiento ni en su puesta en escena, o de otro modo, no esconde su voluntad de ser grata, sobre todo, al público mainstream.
Carol está pensada para gustar, esto es, se cuida de que no falte ningún ingrediente de la receta con la que se cocinan los platos diseñados para satisfacer todos los paladares, igual que se cuida de que no haya ninguna disonancia que pueda chirriarle al público, que le pueda incomodar, al contrario se empeña en (y consigue) que hasta el espectador menos receptivo al tema se sienta a sí mismo comprensivo y tolerante. Haynes espera que toda la platea se sienta moderna (sí, incluso los rancios cuñados de los que nos habla Pedro Vera).
Es puro diseño que se pretende marcado con el certificado de calidad, así no se escatiman detalles en su cuidadosísima recreación de la estética de los cincuenta (especialmente en su vestuario), en su esmerada ambientación, en la fotografía a ratos elegante a ratos granulosa como recurso para hacer más conmovedoras las escenas, en sus encuadres y en su montaje, en la solvente banda sonora firmada por Carter Burwell y, por supuesto, en la interpretación de sus actrices, auténtico aliciente de la cinta. Todo está en su punto.
Hasta demasiado en su punto, diríamos nosotros. Y es que si tratas de rascarle su barniz descubres que la estructura que esconde es elemental, totalmente básica, no nos deja ningún material que nos mueva a reflexión. Todd Haynes le hace a Patricia Highsmith la misma justicia que David Lean a Boris Pasternak, esto es, bien poca. Porque la novela, publicada bajo el seudónimo de Claire Morgan y bajo el título de El precio de la sal (The price of salt) respira candidez, pero también es corrosiva cuando ha de serlo. Carol, la película, no se puede desprender de ese tufillo de parecer concebida para los Óscars, de ahí que hayan habido voces que la han calificado ya como la gran olvidada del certamen pese a haberse hecho con seis nominaciones en las que destacan las concedidas a sus actrices, Cate Blanchett por principal y Rooney Mara como secundaria. ¿Son tan sólidas como parecen las interpretaciones de ambas actrices? Rooney Mara compone un retrato fresco y convincente de la joven que descubre sus inclinaciones y sus virtudes, el suyo es un trabajo matizado y apreciable. Cate Blanchett, por su parte, consigue caracterizar un personaje glamuroso y atractivo con aura de musa, sin embargo, está demasiado encantada consigo misma, transmite la sensación de estar convencida de estar interpretando el gran papel de su vida y eso lastra su trabajo, porque la actriz está demasiado presente como para que podamos meternos en (y creernos) el personaje.
Sí, Carol no es una película despreciable, pero su academicismo impide que sea memorable. La cinta es tan agradable de ver como fácil de olvidar.
EL RENACIDO (The Revenant, Alejandro González Iñárritu, 2015)
USA. Duración: 156 min. Guión: Mark L. Smith, Alejandro González Iñárritu (Novela: Michael Punke) Música: Carsten Nicolai, Ryûichi Sakamoto Fotografía: Emmanuel Lubezki Productora: New Regency / Anonymous Content / RatPac Entertainment; Distribuida por 20th Century Fox Género: Aventuras
Reparto: Leonardo DiCaprio, Tom Hardy, Domhnall Gleeson, Will Poulter, Forrest Goodluck, Paul Anderson, Kristoffer Joner, Joshua Burge, Duane Howard, Melaw Nakehk’o, Fabrice Adde, Arthur RedCloud, Christopher Rosamond, Robert Moloney, Lukas Haas, Brendan Fletcher, Tyson Wood, McCaleb Burnett
Suspenderé la incredulidad si es necesario, Iñárritu fuerza el relato hasta el límite de lo verosímil sin llegar a rebasarlo, ¿qué mejor elección para hablarnos del límite ontológico que determina el sentido? Porque El renacido es más que un simple relato de supervivencia, el survival no es más que su envoltorio, lo que importa es la reflexión sobre qué nos hace humanos, el viaje hasta la frontera última del mundo explorado como metáfora del descenso hasta las raíces de nuestra condición. Iñárritu nos lleva al lugar donde la naturaleza humana se enfrenta a la naturaleza en sí, una naturaleza de fiera belleza ante la cual lo humano y su debate entre lo salvaje y lo civilizado se empequeñece. El renacido nos instala en el espacio de la definición, de la dialéctica entre lo no cultivado y el intento humano de someterlo. Ahí, en el horizonte del sentido, la delimitación entre civilización y salvajismo se vuelve delgada: “todos somos salvajes” reza el cartel prendido sobre el indefenso indio ahorcado, acto denigrante que viene a confirmarnos que los supuestos representantes de la civilización pueden llegar a ser (y llegan de hecho a serlo) más bárbaros que los aborígenes. Este es el marco trascendente al que apunta el mexicano con su colosal cinta de aventuras y venganza.
Hugh Glass (Leonardo Dicaprio) es el hombre que excederá todos los límites que se esperan de cuerpo, mente y alma, en pos de la venganza. Poco saben de su pasado sus compañeros, apenas el rumor de que mató a un soldado inglés para salvar a su hijo mestizo, ambos (su hijo y él) forman parte de una expedición de tramperos que comercian con pieles. Después de ser diezmados por los Arikara, los supervivientes tendrán que adentrarse en los inexplorados y abruptos bosques para regresar al fuerte; cuando Glass sea gravemente herido por un oso pardo y abandonado después a su suerte por el ambicioso John Fitzgerald (Tom Hardy) (quien además mata a su hijo), empezará su épica aventura. Dicaprio se entrega al personaje como sólo un actor de su talla sabe hacerlo (en un papel sin apenas diálogos que requiere dominio en la gestualidad corporal y la expresividad del rostro), y nos regala un trabajo sobresaliente e intachable.
El Glass de Dicaprio es pura fuerza, moribundo y absolutamente solo se niega a perecer movido por una voluntad inquebrantable e impermeable al desaliento, supera todas las pruebas que se anteponen en su camino con el ánimo de ver cumplida su venganza. Pero su peripecia le lleva más allá de ese primario objetivo, el personaje evoluciona con el desarrollo de la acción y lo que comienza siendo una implacable búsqueda de venganza se convierte en una heroica historia, contra todo pronóstico, en pos del hogar, la justicia y la redención. Cuando enfrenta el duelo final comprende que la restitución compete exclusivamente a la equidad natural, que hacer justicia es sólo cosa de dioses o de la naturaleza y su equilibrio que nos trasciende. Esa, la escena del enfrentamiento último, magistralmente contrapunteada por la música de Sakamoto (un tema minimalista escrito para percusión), es un soberbio ejemplo de cine con mayúsculas, ese que regresa a la condición de magia espectacular que lo definía en sus orígenes, ese que nos sumerge dentro de la acción como si nos transportara al espacio mismo de la ficción como si fuéramos una pieza más de la misma. Un ejemplo de cine dirigido a los cinco sentidos.
Si tuviéramos que destacar un sólo rasgo del trabajo de Iñárritu en este cantar de gestas que es El renacido, nos quedaríamos con la fisicidad. No hay un sólo minuto (y dura 156) en el que no tengamos la impresión de que la acción está sucediendo delante de nuestros ojos, totalmente al alcance de nuestras manos, como si no hubiera filtro y estuviéramos allí mismo dentro de la escena. Iñárritu consigue la proeza jugando con la profundidad de campo y haciendo que la acción principal suceda en la primera línea del plano, con unos angulares imposibles, la cámara llega a estar tan cerca de los personajes que su aliento llega a empañar su objetivo, tal como si nos respiraran a la cara. Por mucho que miremos no llegamos a descubrir el truco cuando lo hay (esa pelea cuerpo a cuerpo con el oso cuya realización nos parece imposible), así que nos rendimos a una magia que no sentíamos desde hace mucho. La cámara recorre las secuencias sin apenas cortes, ahí está el asalto de los Arikara en el que la cámara se desplaza por el campo de batalla empalmando de un personaje al siguiente. Somos espectadores más que nunca porque el espectáculo nos envuelve, la pequeñez de los personajes en el marco de esa naturaleza inexplorada la hacemos nuestra; picados, contrapicados, panorámicas, todo está al servicio de ofrecer un retrato de la naturaleza virginal como no lo habíamos visto nunca. Y así, dándole a las imágenes una fisicidad extrema, es como Iñárritu nos eleva a lo trascendente.
Iñárritu señala: “La historia de Glass hace las siguientes preguntas: ¿Quiénes somos cuando nos hallamos completamente despojados de todo? ¿De qué está hecho el hombre y de qué es capaz?” A Iñárritu le fascinaba cómo un peligro extremo nos puede llegar a desbaratar y nos permite vislumbrar qué es lo que verdaderamente nos sostiene; cómo puede sacar a la luz cosas que habrían permanecido ocultas si esa puerta a la mortalidad nunca se hubiera abierto. Esa confrontación con la mortalidad se entrelaza, además, con una inusual historia de amor entre padre e hijo: la de un hombre que en su momento de mayor deterioro se aferra más que nunca a la vida.“El Renacido (The Revenant) es una historia de pura y dura supervivencia pero también de una esperanza inspiradora”, afirma Iñárritu. “Para mí, la parte importante era transmitir esta aventura con un sentido de sorpresa y descubrimiento, como una exploración tanto de la naturaleza salvaje como de la propia naturaleza humana”. Y eso es exactamente lo que nos transmite esta película faraónica.
Salvaje, directa y visceral, la última película del mexicano entretiene y es poderosa. Nos hallamos ante una pieza a la que hay que rendirle los cinco sentidos para que nos eleve más allá de lo sensible. Iñárritu nuevamente nos lanza un desafío y vale realmente la pena recogerle el guante.
THE LADY IN THE VAN (Nicholas Hytner, 2015)
UK. Duración: 104 min. Guión: Alan Bennett Fotografía: Andrew Dunn Productora: BBC Films / TriStar Productions Género: Comedia dramática.
Reparto: Maggie Smith, Alex Jennings, Jim Broadbent, Dominic Cooper, James Corden, Frances de la Tour, Samuel Anderson, Gwen Taylor, Rosalind Knight, George Taylor
Candem Town a principios de los años setenta no era todavía el barrio londinense que es ahora, pero iba en vías de convertirse en refugio de músicos, escritores y artistas en general. Allí se instaló el escritor Alan Bennett y en su jardín la Señora Shepherd, que vivía en una furgoneta y con la que inició una relación muy particular que duró 15 años, de 1974 a 1989. Esta relación dio pié a la obra The Lady in the Ban, que adapta esta cinta y que cuenta con el enorme aliciente de tener como protagonista a Maggie Smith, que como Señora Shepherd realiza un ejercicio de interpretación de esos ante los que hay que descubrirse. Sensibilidad y energía, humanidad y humor en un agradable película británica tan bien planteada como interpretada.
‘Difuminado’ de Pere Koniec se proyectará en la Universidad de Barcelona
Este próximo marzo, el film Difuminado de nuestro amigo Pere Koniec participa en el ciclo “Road Movies: Camins de llibertat i rebel·lió”, organizado por la Universidad de Barcelona junto a otros compañeros de ciclo como Fellini, Pasolini, Hopper o Adlon. Ahí es nada.
Del anterior proyecto de Pere, Policromía, ya les hablamos largo y tendido en este artículo, pero… ¿Qué es Difuminado? A continuación vamos a intentar saber más sobre este largometraje que nos habla de un misterioso abuelo y un oscuro pasado formado por coches clásicos, mujeres bellas y excesos de juventud y que incluye apariciones sorpresa de Aina Clotet, Dolo Beltrán o Agustí Villaronga, escritores como Javier Pérez Andújar o Sergi Puertas…y dibujantes como Isidre Monés o Josep M. Beà.
EL PROYECTO DIFUMINADO
Difuminado (2014) es una película independiente rodada en blanco y negro sin diálogos con una misteriosa trama y un extrañísimo reparto lleno de arte.
La trama de Difuminado, que conviene no desvelar, habla de la fascinación por un automóvil como obra de arte, imágenes de infancia que marcan la trayectoria erótica y recuerdos de aquellos amigos que fueron cayendo en una juventud politoxicómana.
Armonizan el proyecto las suaves notas de Sergei Prokofiev, la nostalgia de King Crimson y el impulso suicida de Stereolab.
EL EXTRAÑO REPARTO
“Uno de los principales placeres de rodar Difuminado (2014) fue poder contar con una multitud de artistas que irradiaron el proyecto de buena energía. El director Agustí Villaronga aparecía en Perros Callejeros (1979) o Petit Indi (2009) y en nuestra cinta nos regala un mini-prólogo como declaración de principios. Juan Carlos Olaria, que en los 70 facturó la hoy de culto El hombre perseguido por un Ovni (1976), protagoniza un emotivo encuentro con una joven. Y recuperamos a Carmen Serret, que en la época de Iquino y compañía firmó varias cintas como Carla Dey. El título del film, como mi anterior cinta Policromía (2010), remite a una técnica gráfica relacionada con la ilustración. En un instante del film, todos los personajes atracados en un túnel subterráneo son dibujantes en la vida real. Es el caso de Marcos Prior (Potlatch), Raquel Garcia Ulldemolins (Canallades) y Clara-Tanit Arqué (Wassalon). Dos veteranos de la viñeta como Isidre Monés y Josep M. Beà nos ayudan a completar el reparto artístico. Y de las viñetas pasamos a la letras con las breves apariciones de Joan Ripollès Iranzo (Quemar el cielo), Sergi Puertas (Cómo destruir ángeles) o Javier Pérez Andújar (Los príncipes valientes). La cantante y actriz Dolo Beltrán protagoniza un emotivo segmento, el gran Lluís Marco toma el relevo del protagonista vía Henry Miller y la actriz Aina Clotet cierra brillantemente esta película independiente rodada sin permisos y con mucho amor difuminado”.
EL DIRECTOR
Pere Koniec (Varsovia, 1980) es diseñador gráfico y cineasta independiente. En 2003 dirigió su ópera prima L de Lorena estrenada en el Festival de Sitges y recibido como la sorpresa barcelonesa del año. Ha dirigido el frenético cortometraje Efímero 87 (2006) y el mediometraje Policromía (2010), en la que ensayaba su particular estilo alejado de todo diálogo y apoyado únicamente en el lenguaje cinematográfico como motor de la narración. Difuminado (2014) es su última película.
PROYECCIÓN
Lunes 14 de marzo a las 18,30h
Universidad de Barcelona
Gran Vía 585, Barcelona
Entrada gratuita. Aforo limitado.
FICHA TÉCNICA
TÍTULO: Difuminado
DURACIÓN: 53 minutos
GENERO: Drama / Suspense
NACIONALIDAD: España
IDIOMA: Sin diálogos
FORMATO: 16:9
COLOR: Blanco y Negro
GUIÓN Y DIRECCIÓN: Pere Koniec
DIRECTORA DE FOTOGRAFÍA: Miranda Cruz
PRODUCTOR: Pere Koniec
EFECTOS VISUALES: Adam Alsina
MÚSICA: Sergei Prokofiev, King Crimson, Stereolab
EDITOR: Pere Koniec
El 35 Festival de Cine de Terror de Molins ya tiene fechas oficiales
El TerrorMolins ha ampliado su duración a nueve días en la edición de este año en un nuevo paso hacia ofrecer la mejor experiencia para nuestro público. Nueve días de gloria para todo fan del terror que no os podéis perder. Por nuestra parte este será el año en el que Serendipia volverá a Molins
La XXXV Edición del Festival de Cine de Terror de Molins de Rei arrancará el viernes 11 de noviembre. A modo de curiosidad acerca de la fecha de arranque del Festival de este año señalar que un 11 de noviembre de 2005 muere el veterano productor de cine Moustapha Akkad, responsable de ocho películas de la saga “Halloween”, y también un 11 de noviembre de 2007, domingo, el festival daba por concluida la XXVIa Edición tras las famosas 12 horas de terror que acabaron ese año con la película Black Sheep de Jonathan King.
TerrorMolins 2016 se centrará en las mutaciones con la película La mosca (The Fly, 1986) como eje central del leitmotiv de este año en que se cumplen 30 años del estreno del clásico de David Cronenberg.
Más adelante informaremos sobre el nuevo formato, actos paralelos y todas las demás novedades y sorpresas, pero por ahora podéis ya señalaros las fechas en vuestro calendario: del viernes 11 al domingo 20 de noviembre.
http://www.molinsfilmfestival.com/es/
Se cumplen 50 años de la emisión de ‘Historias para no dormir’
HOY 4 DE FEBRERO DE 2016 SE CUMPLEN 50 AÑOS DE LA EMISIÓN DEL PRIMER CAPÍTULO (4 de FEBRERO de 1966) DE UNA DE LAS SERIES MÁS IMPORTANTES DE LA TELEVISIÓN EN ESPAÑA.
Dirigida por NARCISO (Chicho) IBAÑEZ SERRADOR, uno de los grandes referentes de nuestra televisión (HISTORIAS PARA NO DORMIR; UN, DOS TRES…) y rodada en los estudios del Paseo de la Habana de RTVE -allá donde se gestó otra mítica serie: ESTUDIO 1-, tal y como indica el estudioso de cine de terror y fantástico Ángel Gómez Rivero: «Historias para no dormir fue un proyecto de serie televisiva que continuó a otra serie hermana de título Mañana puede ser verdad, y experimentaba con fórmulas ya trabajadas en la etapa argentina de Chicho, bajo el título de Obras maestras del terror. (…) Chicho, a la manera de Hitchcock y sus famosas presentaciones para la también serie televisiva de misterio e intriga Alfred Hitchcock presenta (1955-1962), emuló al genio británico con unas introducciones breves, cargadas de humor negro, como antesala de los capítulos. Dichos prólogos llegaron a convertirse en tan célebres como las propias historias que presentaban. Porque en el alma del realizador siempre anidó un actor, tal vez por herencia de familia, como él a menudo ha comentado con orgullo.
Amante confeso de la literatura de Edgar Allan Poe según sus propias palabras: «A los diez años ya consumía a Poe», el Chicho guionista, de seudónimo Luis Peñafiel, recurrió a menudo a los relatos del poeta de Boston, a los que rebautizó como El último reloj, El tonel, El pacto, La promesa, El trapero Y supo buscar la variedad en otros autores que también ofrecían propuestas inquietantes: W. W. Jacobs, Henry James, Guy de Maupassant , con especial seguimiento a Ray Bradbury, del que supo captar la fascinación, el misterio y la poesía humanística. (…) Si nos atenemos a los resultados, considerando las dificultades y limitaciones técnicas, la serie Historias para no dormir es admirable, compuesta por un ramillete de obras maestras dentro del medio televisivo y de otros tantos títulos notables. De hecho, influyó en series posteriores, y el retornar de la misma en 1982, ya en formato en color, demostraba que era un clásico anhelado y recordado por todos. «
Hoy 50 años después tenemos la oportunidad de revisionar o descubrir esta pequeña joya y, por qué no, brindar un merecido homenaje a Don Narciso Ibañez Serrador o, como todo el mundo lo conoce, Chicho.
Estas historias te harán temblar, te harán sonreir, te harán pensar: ¿Te atreves a entrar?
MÁS INFORMACIÓN EN: 39escalones.es
El Salón del Cómic rinde homenaje a Luis Bermejo
Luis Bermejo ha sido uno de los grandes de la historia de nuestra historieta, que falleció el pasado mes de diciembre. Excelente dibujante de trazo firme y muy personal, con una excelente puesta en escena, dibujó colecciones como Aventuras del FBI, Apache o El Capitán Trueno, series como Orka o Diario de Arena o libros como El Señor de los Anillos, El sueño eterno o Magallanes y Elcano. El océano sin fin. Así mismo, ilustró miles de páginas de cómics que fueron publicadas directamente en mercados como el británico, el alemán o el norteamericano.
El 34 Salón Internacional del Cómic de Barcelona quiere rendir un homenaje a su trayectoria en forma de una exposición antológica de su obra. La muestra estará dividida en cuatro partes: Los cuadernillos de aventuras, Las historietas de agencia, El cómic de autor y El Capitán Trueno. La muestra contará con la colaboración de diversos coleccionistas y de la familia de Luis Bermejo, que cederán los originales para esta exposición. Esta muestra servirá para recordar a uno de nuestros grandes historietistas y evidenciar la calidad y originalidad de su obra. También tendrá lugar una mesa redonda entorno a la figura de este genial autor.
El homenaje a Luis Bermejo forma parte de las actividades del 34 Salón Internacional del Cómic de Barcelona que se celebrará del jueves 5 al domingo 8 de mayo en Fira Barcelona Montjuïc. El equipo de FICOMIC está trabajando en los contenidos de esta próxima edición del Salón del Cómic, que incluirán diversas exposiciones, talleres y mesas redondas, así como la participación de destacados autores, de diferentes géneros, tanto nacionales como internacionales. El certamen contará también con las exposiciones dedicadas a los premiados en la pasada edición del certamen: Enrique S. Abulí, Gran Premio del Salón; Las meninas de Santiago García y Javier Olivares, Mejor Obra de Autor Español; Miki Montlló, Autor Revelación y Thermozero Cómics, Mejor Fanzine.
En breve comunicaremos las primeras actividades e invitados del certamen.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 29 de enero *
COLA, COLITA, COLASSA (ODA A BARCELONA) (Ventura Pons, 2015)
España. Duración: 70 min. Guión: Ventura Pons Música: Pascal Comelade Fotografía: Maria Codina Productora: Els Films de la Rambla S.A., TV3 Género: Documental
Reparto: Pilar Aymerich, Colita, Beatriz de Moura, Núria Feliu, Teresa Gimpera, Anna Maio, Rosa Regàs, Rosa Maria Sardà, Rosa Sender, Marta Tatjer, Maruja Torres
Cola, Colita, Colassa (Oda a Barcelona), trata sobre la gran fotógrafa Colita, pero también sobre aquella Barcelona canalla y cultural de la que tan solo quedan pequeños girones. Para efectuar este retrato, el director reúne en una merienda en el domicilio de la fotógrafa a la propia Colita con un grupo de amigas y compañeras del ámbito musical, cinematográfico y literario como Teresa Gimpera, Maruja Torres, Pilar Aymerich, Rosa Regàs, Núria Feliu, Beatriz de Moura, Anna Maio, Rosa Sender y Marta Tatjer, que mientras comen churros y toman el café repasan aquella época y a sus personajes, regando la conversación con numerosas anécdotas. Una época, la de Boccaccio, la de la Gauche Divine, que tuvo la cámara y el ojo de Colita como testigo de excepción, que supo captar y encerrar todo aquel glamour y a todos sus protagonistas en unas imágenes que se han convertido en inmortales. Icónicas.
EMBARAZADOS (Juana Macías, 2015)
España. Duración: 100 minutos. Guión: Juana Macías, Juan Moreno, Anna R. Costa Fotografía: Guillermo Sempere Productora: Audiovisuales del Monte / Kowalski Films / Teoponte P.C. Género: Comedia
Reparto: Paco León, Alexandra Jiménez, Ernesto Sevilla, Elisa Mouliaá, Karra Elejalde, Alberto Amarilla, Ana Labordeta, Iñaki Font, Ainhoa Aierbe
Sinopsis: Una pareja trata de concebir un bebé pese a algunos inconvenientes: él tiene un esperma pobre, vago y anormal y ella se encuentra en etapa premenopáusica… ¡con tan solo 37 años!
Buen intento de hacer una comedia que no parezca dirigida a oligofrénicos, con Paco León contenido y Alexandra Álvarez eficaz como siempre en el papel de una pareja ‘moderna’ con piso y trabajos molones que se enfrentan a la encrucijada de plantearse tener un hijo mediante fecundación in vitro, lo que da lugar a un buen número de anécdotas que suponemos (nunca nos hemos visto en esa tesitura) resultarán familiares a los que han pasado por semejante brete, entre ellos, posiblemente, la directora y guionista: grupos de ayuda, discusiones, desencuentros, inmadurez y un grupo de actores que, además de los nombrados, incluyen a Karra Alejade, Ernesto Sevilla y Alberto Amarilla, con cameo de Ingrid García Jonsson.
CUANDO CAE LA NIEVE (Despite the Falling Snow, Shamim Sarif, 2016)
UK/Serbia Duración: 93 min. Guión: Shamim Sarif Música: Rachel Portman Fotografía: David Johnson Productora: Falling Snow / Enlightenment Productions / SK Enlightenment Género: Thriller romántico
Reparto: Rebecca Ferguson, Charles Dance, Sam Reid, Antje Traue, Thure Lindhardt, Oliver Jackson-Cohen, Anthony Head, Amy Nuttall, Trudie Styler, Ben Batt, Milos Timotijevic, Branislav Tomasevic, Ana Sofrenovic, Peter J. Chaffey, Tamara Krcunovic, Mark Jax
Sinopsis: 1950, Moscú. Katya es una espía estadounidense en plena carrera armamentística de la Guerra Fría. Cuando le asignan su misión más importante, conseguir información secreta de la joven promesa del gobierno ruso, Alexander, lo último que espera es que va a enamorarse de él. Intentar conciliar su pasión hacia a él con su rechazo al comunismo la llevará a hacer el mayor de los sacrificios, un gesto que Alexander descubrirá treinta años más tarde.
Amor y espionaje en esta correcta cinta de corte clásico en el que la narración va hacia adelante y atrás para desvelar los secretos y enigmas del romance que viven los dos protagonistas, Katya (Rebecca Ferguson) y Alexander (Sam Reid). Del Moscú de la Guerra Fría de finales de los cincuenta y primeros sesenta, a la caída y posterior apertura de los regímenes comunistas en los noventa. Del gris de la guerra fría a la claridad y el color de la apertura… una cinta en la que Sarif, autor también de la novela en la que se basa, podría haber profundizado más en el retrato de lo que fue la URSS (con sus diferencias de clase, pese a pretenderse comunista y el carácter no monolítico de quienes formaban parte de su gobierno) y lo que supuso la caída del gigante soviético no solo en el terreno político, sino en la perspectiva personal de quienes lo vivieron, con sus heridas abiertas y difíciles de conciliar.
En la parte artística destaca su protagonista femenina, Rebecca Ferguson, que realiza un magnífico doble papel de los que hay que mirar en el reparto si se trata de la misma actriz, sin necesidad de ridículos y exagerados postizos. Sin olvidar al veterano Charles Dance, siempre impecable.
PESADILLAS (Goosebumps, Rob Letterman, 2015)
USA. Duración: 103 min. Guión: Carl Ellsworth, Darren Lemke, Larry Karaszewski (Libro: R.L. Stine) Música: Danny Elfman Fotografía: Javier Aguirresarobe Productora: Columbia Pictures / Sony Pictures Animation / LStar Capital / Village Roadshow Pictures Género: Fantástico
Reparto: Dylan Minnette, Odeya Rush, Amy Ryan, Jillian Bell, Jack Black, Ryan Lee, Steven Krueger, Larry Mainland, Jeremy Ambler, Ken Marino, Halston Sage.
Inspirada en la colección homónima de relatos de terror juvenil de R.L. Stine (quien hace un pequeño papel en la cinta), el mayor acierto de Pesadillas es no haberse centrado en un relato concreto del autor sino en recrear todo su imaginario hilvanado en un guión escrito expresamente para el 
filme. Aparentemente nos encontramos ante una cinta de humor, fantasía y aventuras para todos los públicos y dirigida especialmente a los más jóvenes, sin embargo, la premisa de la que parte su argumento permite una somera reflexión metaliteraria, cosa que da otra dimensión al texto fílmico de Letterman.
Jack Black (menos odioso que en otras ocasiones) interpreta al propio R.L. Stine convertido en personaje para esta ficción. El Stine figurado vive de espaldas al mundo, aislado en su casa junto a su hija adolescente Hannah (Odeya Rush) a la que prohíbe relacionarse con el vecindario y hasta ir más allá de los límites de su verja. El mundo del escritor se verá dislocado cuando Zach (Dylan Minette), un adolescente que se muda con su madre desde la gran ciudad de Nueva York, llegue al pequeño pueblo de Greendale. Zach acusa la reciente muerte de su padre y también se ha recluido en sí mismo, la mudanza no es de su agrado aunque la acepte, pero cuando conozca a Hannah todo va a cambiar. A cambiar sobre todo cuando descubra el gran secreto de Stine: los personajes que compone en sus novelas son tan intensos que se vuelven reales, para evitar que esos villanos causen estragos los mantiene enclaustrados en sus manuscritos. Por un descuido de Zach los personajes son liberados. Será entonces cuando los monstruos, capitaneados por un muñeco de ventrílocuo llamado Slappy, comiencen a aterrorizar a la ciudad.
Pesadillas es una monster movie en la que tendrán tanto protagonismo los adolescentes y el escritor, como los efectos especiales que dan vida a toda una serie de criaturas imaginarias que van desde el Hombre de las Nieves (de Pasadena), hasta una mantis gigante, acompañados por hombres lobo, alienígenas, robots y un largo etcétera en el que merecen especial mención los gnomos de jardín a los que el filme debe una de sus mejores y más divertidas escenas.
Cuando el director Rob Letterman planeó cómo dar vida a estas criaturas, consideró esencial combinar tanto la acción en vivo como la animación por computadora. Algunos personajes estarían presentes y serían filmados por las cámaras; otros se crearían después en la computadora; además, otros personajes serían una combinación de acción en vivo y animación computarizada. En Pesadillas conviven los efectos artesanales con los CGI consiguiendo siempre dotar a las criaturas de una fisicidad que nos parece palpable incluso cuando son imágenes virtuales (el caso del Hombre de las Nieves como ejemplo). Hay que destacar, en este apartado técnico, la labor de Stephen Prouty, diseñador de efectos especiales de maquillaje, su brillante trabajo relumbra especialmente en la creación de los ocho zombies que aparecen en la escena del cementerio. Prótesis de látex color carne personalizadas se aplicaron pieza por pieza sobre los rostros de ocho actores para darles un aspecto de muertos vivientes. Cada conjunto de prótesis faciales se elaboró con silicona de grado médico y se requirió un día entero para crearlas. Cada día se aplicaba un conjunto nuevo de prótesis faciales a cada zombi. Las horribles prótesis de largos dedos se hicieron en el taller de maquillaje manualmente. Se moldearon 1,500 dedos individuales, después cada dedo se pintó a mano y se barnizó con esmalte de uñas transparente. Cada dedo se podía usar tres veces.
Slappy, el diabólico muñeco de ventrílocuo, es el líder de los monstruos liberados (él mismo ha contribuido a su fuga abriendo los manuscritos y quemándolos después para que no pudieran ser recluidos de nuevo), es el villano principal. el antagonista que toda historia requiere. Ironhead Studio fue responsable de la creación física y el movimiento mecánico del muñeco. Bajo la dirección de Lettermanel el rostro de Slappy se diseñó para que fuera similar al de Jack Black en supersonaje de R.L. Stine. Fue creado como un muñeco de ventrílocuo genuino, no había elementos electrónicos en el interior de Slappy: todos los controles eran mecánicos y requirieron la participación de un marionetista experto. Slappy es la mejor muestra del objetivo perseguido por el director y su equipo: crear unos monstruos que puedan transmitir horror (sobre todo a los más pequeños) pero que tengan una desarrollada faceta humorística. Así es Slappy cuya faz, aún siendo el antagonista, es una réplica a la vez cómica y siniestra de la de Jack Black. Pero ¿por qué una réplica? Porque Slappy es el antagonista, sí, pero también el alter ego del R.L. Stine ficticio, sobre Slappy el creador ha volcado todo su odio a la humanidad. Es su mejor personaje por eso es también el más divertidamente perverso y el más autoconsciente de todos. Así es como se desliza sobre Pesadillas un bosquejo de reflexión metaliteraria.
La única solución para acabar con los monstruos es escribir una nueva novela en la que aparezcan todos para volver a recluirlos en el manuscrito. Y no puede ser una novela cualquiera, la historia que ha de escribir es la misma realidad que están viviendo, un planteamiento que nos recuerda ligeramente La historia interminable de Ende. Nos enfrentamos al sentido de escribir historias, se pone en juego el análisis de la relación entre realidad y ficción (cual es su dialéctica y como se proyecta la una en la otra y viceversa), nos habla del vínculo entre el creador y sus criaturas y también se contemplan unas breves nociones de teoría literaria. No se limita a escribir y ya está, expone cual ha de ser el cuerpo de la narración, con sus partes canónicas principio, nudo y giro, y destaca la atención al arco de transformación de los personajes. El arte de narrar no es tan sencillo y Pesadillas sabe explicarlo desde una perspectiva lúdica y apta para la comprensión de todos los públicos.
Pesadillas es un bocado delicioso con aspecto de gominola, pero con la consistencia de un elaborado plato principal. Un espectáculo altamente disfrutable, que nos descubre el universo de R. L. Stine con una sencillez bien profunda, lleno de guiños a los lectores de sus sagas y con ecos de películas como Una pandilla alucinante. Rob Letterman nos trae una película honesta, con el alma de las más interesantes series b clásica, pero vestida con los ropajes del pop más fresco. Toda una sorpresa.
RESPIRA (Ein Atem, Christian Zübert, 2015)
Alemania /Grecia. Duración: 110 min. Guión: Christian Zübert, Ipek Zübert Fotografía: The Chau Ngo Productora: CL Productions / FunDeMental Studios / Senator Film Köln Género: Drama
Reparto: Jördis Triebel, Chara Mata Giannatou, Benjamin Sadler, Apostolis Totsikas, Nike Maria Vassil, Pinelopi Sergounioti, Mary Nanou, Akilas Karazisis, Richard van Weyden
Sinopsis: Elena (Chara Mata Giannatou), una chica griega joven y cualificada pero con pocas perspectivas de futuro en su país natal, decide marcharse a Frankfurt en busca 
de una vida mejor. Allí empieza a trabajar de niñera para Tessa (Jördis Triebel), una directiva de éxito que intenta encontrar el equilibrio entre su reciente maternidad y su carrera profesional. Tras las dificultades de los primeros días cuidando a Lotte, de año y medio, Elena empieza a disfrutar del tiempo que pasa con el bebé e incluso se hace amiga de Tessa. Pero un día la pequeña Lotte desaparece. A partir de ese momento un sentimiento de culpa obligará a las dos mujeres a tomar decisiones que cambiarán sus vidas para siempre.
Dos historias, dos mundos y dos puntos de vista diferentes, los de la griega Elena, que parte hacia Alemania para buscar un futuro, aunque sea mediante trabajos precarios, y los de la alemana Tessa, que deberá combinar sus obligaciones como madre y su trabajo. Dos mundos, dos historias, dos puntos de vista que convergerán cuando Lotte, hija de la segunda, que está al cuidado de Elena, desaparezca. Realista casi hasta el documental, Respira nos habla de la mujer como motor, fuerza natural, elemento motriz. De la maternidad y de estas dos mujeres como metáfora de la situación económica de sus dos países de origen.
CREED. LA LEYENDA DE ROCKY (Creed, Ryan Coogler, 2015)
USA. Duración: 132 min. Guión: Ryan Coogler, Aaron Covington Música: Ludwig Göransson Fotografía: Maryse Alberti Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) / Warner Bros. Género: Drama
Reparto: Michael B. Jordan, Sylvester Stallone, Tessa Thompson, Phylicia Rashad, Will Blagrove, Juan-Pablo Veza, Andre Ward, Tony Bellew, Philip Greene, Manny Ayala, Cory Kastle, Vincent Cucuzza, Christopher Weite
Sinopsis: Adonis Johnson (Michael B. Jordan) no llegó a conocer a su padre, el campeón del mundo de los pesos pesados Apollo Creed, que falleció antes de que él naciera. Sin embargo, nadie puede negar que lleva el boxeo en la sangre, por lo que pone rumbo a Filadelfia, el lugar en el que se celebró el legendario combate entre su padre y Rocky Balboa. Una vez allí, Adonis busca a Rocky (Sylvester Stallone) y le pide que sea su entrenador. A pesar de que este insiste en que ya ha dejado ese mundo para siempre, Rocky ve en Adonis la fuerza y determinación que tenía su enconado rival, y que terminó por convertirse en su mejor amigo. Finalmente, acepta entrenarle a pesar de estar librando su propio combate contra un rival más letal que cualquiera a los que se enfrentó en el cuadrilátero.
El cine de temática pugilística ha dado muy buenos momentos al espectador. Títulos en los cuales el combate en sí era posiblemente lo menos importante del guión. Así a bote pronto nos viene a la memoria Más dura será la caída (The Harder They Fall, Mark Robson, 1956), The Set-Up (Robert Wise, 1949), Toro Salvaje (Raging Bull, Martin Scorsese, 1980) y por supuesto Rocky, que en 1976 supuso el lanzamiento para un actor (y en aquella ocasión también guionista) que, con mejor y (sobre todo) peor fortuna, ha legado una filmografía en la que dos personajes, Rambo y Rocky Balboa, han situado, para bien o para mal, a su actor, Sylvester Stallone, entre los mitos del cine. Con aquella primera entrega de Rocky , Stallone rozó la gloria absoluta al estar nominado a los Oscar como actor y guionista. Jamás estuvo en una posición tan elevada… hasta ahora, que con varios premios a sus espaldas, entre ellos un globo de oro y una nominación al Oscar por su interpretación en Creed, la leyenda de Rocky, Stallone podría obtener, en el ocaso de su carrera, lo que no consiguió en sus inicios.
Creed, la leyenda de Rocky es un digno final para un personaje agotado. En esta ocasión Stallone interpreta a un hombre de su edad (con un físico que mezcla las facciones del más abismal Andrés Pajares y el Borbón campechano), limitándose a entrenar a un prometedor boxeador (y actor). Sin llegar a parecernos una tan buena interpretación como para merecer tantos reconocimientos, resulta efectiva, y la cinta un buen entretenimiento que sin duda agradará a los seguidores de la saga, ya que contiene muchos guiños a sus predecesoras. Las luchas, en especial la primera, realizada a tiempo real y sin cortes, están muy bien rodadas, con buenas coreografías y una inquieta cámara que no deja de seguir a los personajes, situando al espectador dentro de la acción. Predecible, en ocasiones sonrojante pero, a qué negarlo, también emocionante.
Divisa aplaza la edición ‘uncut’ de ‘La semana del asesino’ en marzo
Respiren tranquilos los que como nosotros esperaban como la proverbial agua de mayo la edición que Divisa está preparando de La semana del asesino, título clave que se suma a la colección dedicada a Eloy de la Iglesia que viene realizando Divisa. Tanto en formato DVD como Blu-ray su publicación, anunciada para febrero, queda aplazada hasta marzo, tal y como nos han comunicado amablemente desde el propio sello videográfico. Como podemos leer en la promoción oficial, la edición que se está preparando estará restaurada con 15 minutos nunca vistos recuperados entre materiales localizados en Alemania e Inglaterra. Aprovechamos para difundir el resto de novedades que el sello publicará durante el próximo mes de febrero. Divisa siempre ha estado entre las favoritas de Serendipia por el cuidado y cariño puesto en sus ediciones y en la selección de títulos. Nuestra estantería tiene un buen número de títulos pertenecientes a su colección Orígenes del Cine, que reúne lo mejor del arte mudo, así como clásicos españoles, a los que se les suman nuevas referencias, entre las que destacan especialmente Tamaño Natural de Berlanga; la, lamentablemente actual, Vente a Alemania, Pepe, de Pedro Lazaga; o la magnífica Operación Ogro, ficción sobre el asesinato de Carrero Blanco realizada en plena Transición y dirigida por Gillo Pontecorvo.
En cuanto podamos disponer de esta nueva edición de La semana del asesino la analizaremos en Proyecto Naschy, comparándola con las versiones publicadas en Alemania y Estados Unidos de las que ya hablamos con anterioridad.
Divisa también nos presenta otras novedades internacionales.
Editorial Hermenaute inaugura su tienda online
Editorial Hermenaute ha abierto las puertas de su librería online. A partir de ahora ya pueden adquirir los libros de su catálogo a través de la página web hermenaute.com. Para celebrarlo, hasta el 15 de febrero si compran un libro no pagarán gastos de envío y recibirán una bolsa de Hermenaute de regalo.
En este momento su catálogo cuenta con dos referencias:
Momias y embalsamados varios autores Colección Caronte ISBN: 978-84-608-2129-8 Precio: 13,99 euros
http://www.hermenaute.com/libro.php?id_libro=1
Los agujeros de las termitas Jesús Gordillo Colección Atenea ISBN: 978-84-944902-0-0 Precio: 17,90 euros
http://www.hermenaute.com/libro.php?id_libro=6
Premio para Cameo por ‘Del trazo al píxel. Un recorrido por la animación española’
En una de las contadas ocasiones en las que un programa de cine otorga un reconocimiento a una edición en DVD y en un mercado en recesión, donde nadie presta casi atención al soporte físico, todavía existe esperanza.
Ayer en la 3a edición de los Premios Días de cine, el presidente de Cameo, Juan Carlos Tous recogía, en representación de todo el equipo que forman la empresa, el premio a la mejor edición en DVD de 2015 por la edición del pack DEL TRAZO AL PÍXEL. Un recorrido por la animación española, un estuche con 3 DVD y un libreto del que tanto les hemos hablado desde aquí y que sirven de acompañamiento ideal al ciclo itinerante Del trazo al píxel. Más de cien años de animación española, producido por el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) y Acción Cultural Española (AC/E), una antología de piezas históricas olvidadas y trabajos recientes, en el centenario del nacimiento del cine animado en nuestro país.
El ciclo ha dejado ya huella por donde ha pasado, el Festival de Annecy, el CCCB, y seguirá su curso por tierras españolas y extranjeras a lo largo del año 2016.
La selección del ciclo, a cargo de la comisaria Carolina López, incluye películas de autores como Segundo de Chomón, Josep Escobar, Francisco Macián, José Luis Moro, Jordi Amorós, Tomàs Bases, Raúl García, Juan Pablo Etcheverry, Isabel Herguera, Javier Mariscal, Anna Solanas, Marc Riba, Alberto Vázquez, Pedro Rivero, Izibene Oñederra, Nicolai Troshinsky y Rocío Álvarez, entre muchos otros.
Algunas de las piezas menos conocidas y sorprendentes del programa son: Garbancito de la Mancha (Arturo Moreno, 1945), primer largometraje de dibujos animados en color de Europa; anuncios en blanco y negro de los años 30 de dibujantes catalanes como Serra i Massana y Ferran; La Edad de Piedra (Gabriel Blanco, 1965), con dibujos de Chumy Chúmez; los spots de los Estudios Moro y Estela, un breve film de Frederic Amat creado para la ocasión.
A modo de catálogo del ciclo, y como ya se hizo con Del éxtasis al arrebato. Un recorrido por el cine experimental español, Cameo ha puesto a la una edición de lujo que contiene 3 DVD con más de 50 títulos, un libro de 164 páginas con amplia información sobre cada una de las piezas incluidas, además de los artículos escritos para la ocasión por Carolina López, comisaria del ciclo, Alfons Moliné y Susana Rodríguez Escudero, dos de los principales especialistas en animación de nuestro país. Todo ello reunido en un digipack con una cuidada presentación.
El triple DVD-catálogo, editado por Cameo, contiene algunos títulos diferentes a los del ciclo. Andrés Hispano ha coordinado los contenidos de la edición en DVD, que incluye, además de una cuidada selección de 28 anuncios de televisión de los Estudios Moro, 52 piezas de animación entre las que se encuentra el largometraje Historias de amor y masacre (Jordi Amorós, 1979).
Sin duda un reconocimiento que hay que celebrar. Desde Proyecto Naschy felicitamos a Cameo por el premio, que supone un reconocimiento al trabajo bien hecho, y al programa Días de Cine por esta necesaria iniciativa que premia una labor que supone todo un respeto y cuidado hacia el público que adquiere un DVD y que sabe valorar una buena y cuidada edición.
Doble sesión India en Vic
El Festival Nits de cine oriental de Vic empieza el año con fuerza y os propone una doble sesión de cine indio con todos los ingredientes que caracterizan este país y su cinematografía. La cita es el próximo sábado 30 de enero en el Cine Vigatà.
Empezaremos a las 8 de la tarde con la proyección de Margarita with a Straw, la conmovedora y premiada historia de una joven india con parálisis cerebral que no sólo lucha por superar las barreras de su propio cuerpo sino también las de los prejuicios de la sociedad.
A las 22.30, los amantes del masala indio disfrutarán con la proyección de Enthiran, The Robot, un espectáculo irresistible lleno de acción, humor, efectos especiales y música que no dejará a nadie indiferente. Su premiere internacional se vivió en el Festival Nits hace cuatro años y la sesión fue una auténtica fiesta. Si os la perdisteis o la queréis recuperar, es el momento.
La doble sesión se organiza coincidiendo con el Día de la República de la India, que se celebra el 26 de enero, y contará con sorteos de DVD asiáticos y deliciosas tapas y cervezas indias que la Asociación Social y Cultural de la India de Vic servirá en el bar del Vigatà a precios populares. La entrada para la doble proyección es de 5 euros.
Un salón de cine
Por otro lado, ese mismo fin de semana el Festival Nits de cine oriental de Vic estará presente en el 1er Salón del Cine y las Series, que se celebrará del 29 al 31 de enero en el recinto La Farga de L’Hospitalet. En el stand se podrá encontrar información sobre el certamen, conocer algunas novedades de la próxima edición o adquirir el primer libro del certamen, Wild Wild East, un exhaustivo ensayo sobre el western en el cine del continente asiático, y la revista Eikyo, publicación trimestral sobre la cultura japonesa. Además, proyectaremos una de las películas más exitosas de las últimas ediciones del Festival Nits: BCN Knockout!
En el marco de este evento, que quiere ser punto de encuentro de todos los aficionado al cine y las series como lugar de promoción para productoras, distribuidoras y nuevos proyectos, el director del Festival Nits, Quim Crusellas participará en un coloquio organizado por Casa Asia. Será el viernes 29 de enero de 18:00 ha las 18:30 h en la sala «Plató de cine».
FICHA TÉCNICA PELÍCULAS DOBLE SESIÓN INDIA
Margarita with a Straw (Índia, 2014)
Dirección: Shonali Bose
Reparto: Kalki Koechlin, Revathy, Sayani Gupta
Laila Kapoor es una joven romántica, una rebelde atada a una silla de ruedas. Sin que la parálisis cerebral la disuada, se embarca en un viaje de descubrimiento personal.
La directora Shonali Bose huye de los sentimentalismos y nos acerca con naturalidad a la valentía de una joven para superar las barreras del propio cuerpo, pero sobre todo las de los prejuicios sociales.
Una película vívida y emotiva premiada en Toronto, Sundance y Tallin.
Enthiran, The Robot (Índia, 2010)
Dirección: Shanmugam Shankar
Reparto: Rajnikanth, Aishwarya Rai
El genio de la robótica, el doctor Vashikaran, diseña un robot humanoide llamado Chitthi, con su propia apariencia. Poco a poco el robot va desarrollando la capacidad de pensar por sí mismo y se enamora de Sana, la prometida del doctor. ¿Deseáis saber cómo las gasta un robot enfadado?
El director Shankar dedicó diez años de su carrera a este espectáculo irresistible: Acción, humor, unos efectos especiales alucinantes, la música del oscarizado A.R. Rahman y la presencia en el reparto de la Miss Universo Aishwarya Rai… ¿Qué más se puede pedir?
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 22 de enero *
MIA MADRE (Nanni Moretti, 2015)
Italia/Francia/Alemania. Duración: 102 min. Guión: Nanni Moretti, Francesco Piccolo, Valia Santella Fotografía: Arnaldo Catinari Productora: Sacher Film / Fandango / Le Pacte / Films Boutique Género: Drama
Reparto: Margherita Buy, John Turturro, Giulia Lazzarini, Nanni Moretti, Beatrice Mancini, Stefano Abbati, Enrico Ianniello, Anna Bellato, Tony Laudadio, Lorenzo Gioielli, Pietro Ragusa, Tatiana Lepore, Monica Samassa, Vanessa Scalera, Davide Iacopini, Rossana Mortara, Antonio Zavatteri, Camilla Semino, Domenico Diele, Renato Scarpa
Sinopsis: El punto de vista es el de una mujer de unos cuarenta años, Margherita (Margherita Buy), una directora de cine políticamente comprometida, que se está separando de Vittorio, uno de sus actores. Su hermano (Nani Moretti) decide dejar el trabajo para dedicarse completamente a su madre, gravemente enferma en el hospital. La película es un análisis sobre el papel dramático que una enfermedad tiene en las dinámicas de familia y sobre la crisis que estos cambios comportan.
Nanny Moretti revuelve en sus experiencias para componer un nuevo retrato certero y emotivo, en este caso sobre la vejez y la muerte de la madre, pero también sobre la soledad; y lo hace, de nuevo, recurriendo al cine dentro del cine, convirtiendo a su protagonista en directora de cine, actividad que será, por cierto, la que dará los momentos de humor y de distensión en una narración en la que la enfermedad y el inminente fallecimiento de la madre de la cineasta, la convertirá en figura omnipresente. Plena de melancolía y cierto hastío, Moretti sabiamente nos regala a un John Turturro que, interpretando a una algo pedante estrella de Hollywood de origen italiano y venida a menos, nos ofrecerá buenos momentos cómicos. La protagonista, una muy comedida Margherita Buy, que repite de nuevo con el director, representa una caída en picado en la que no llegará a estrellarse pero en la que sueño y realidad, pasado y presente se mezclarán. Una bonita composición y una nueva lección de cine del italiano.
LA JUVENTUD (La Giovinezza, Paolo Sorrentino, 2015)
Italia Duración: 118 min. Guión: Paolo Sorrentino Música: David Lang Fotografía: Luca Bigazzi Productora: Coproducción Italia-Suiza-Francia-Reino Unido; Indigo Film / Medusa Film / C-Films / Bis Films / Pathé / Number 9 Films Género: Drama
Reparto: Michael Caine, Harvey Keitel, Rachel Weisz, Paul Dano, Jane Fonda, Tom Lipinski, Poppy Corby-Tuech, Emilia Jones, Mark Kozelek, Rebecca Calder, Anabel Kutay, Ian Keir Attard, Roly Serrano
Sinopsis: Fred Ballinger (Michael Caine), un gran director de orquesta, pasa unas vacaciones en un hotel de los Alpes con su hija Lena y su amigo Mick, un director de cine al que le cuesta acabar su última película. Fred hace tiempo que ha renunciado a su carrera musical, pero hay alguien que quiere que vuelva a trabajar; desde Londres llega un emisario de la reina Isabel, que debe convencerlo para dirigir un concierto en el Palacio de Buckingham, con motivo del cumpleaños del príncipe Felipe.
Estoy seguro de que seré la nota discordante, pero como mi opinión carece de peso, no creo que consiga influir en el ánimo de nadie. La juventud, cinta que sin duda será aclamada por la crítica (y por la otra parte de Serendipia que se desvincula de este comentario) y definida como obra maestra, para el que esto escribe está muy lejos de serlo. Muy al contrario, el director nos ofrece un pretencioso conjunto de sketches que se desarrollan en un lujoso balneario suizo en el que está de vacaciones un microcosmos de seres con el común denominador de la sabiduría, que nos trasmiten mediante sentencias y frases lapidarias que colmarán de saber nuestra espíritu.
Cierto es que agrada (casi) siempre ver a grandes actores dando lecciones de interpretación, como las que nos ofrecen los veteranos Michael Caine y Harvey Keitel, sin olvidar a Rachel Weisz, pero hace falta mucho más para llenar estas casi dos eternas horas. Posiblemente porque nuestro pozo de ignorancia debe estar, por entonces, saturado con la sabiduría con la que Sorrentino, en boca de sus personajes, nos colma.
Será quizás el entorno lo que me ha impedido entrar del todo en la trama. Los ambientes lujosos suelen echarme a patadas de la narración, sobre todo si lo que se narra está tan vacío como lo está lo que nos ofrece el elitista director italiano. Eso sí, con una narración repleta de planos preciosistas con estética de video-clip y de anuncio de yogurt 0% que sin duda hará vibrar de emoción a los que tan solo saben ver virtudes en el cine firmado con apellido italiano. A esta oda a la emoción como motor de la vida se le ve el cartón, el truco. Escudándose en los actores, en las imágenes pretendidamente fascinantes y en frases lapidarias, no hay más que pretenciosidad repartida en pequeñas meadas, cortas, como las que sufren los dos protagonistas, ambos con sus próstatas afectadas por el correr de los años. Y el director lo ha hecho con todo el conocimiento de causa. Quizás por ello ha puesto pequeñas cortinillas entre los sketches, con fotos fijas preciosistas y escenas rodadas en el balneario con las que dar tiempo al espectador para aplaudir, pensar, reír… o llorar, preparándolo para la próxima máxima con la que su espíritu volverá a alimentarse.
Eso sí, al menos la imagen escogida para el cartel del filme ilustra uno de los mejores momentos de la cinta (y no tan sólo por el escultural cuerpo femenino que muestra).
LA GRAN APUESTA (The Big Short, Adam McCkay, 2015)
USA. Duración: 130 min. Guión: Adam McKay, Charles Randolph (Libro: Michael Lewis) Música: Nicholas Britell Fotografía: Barry Ackroyd Productora: Paramount Pictures / Plan B Género: Drama
Reparto: Christian Bale, Ryan Gosling, Steve Carell, Brad Pitt, Karen Gillan, Marisa Tomei, Melissa Leo, Selena Gomez, Margot Robbie, Max Greenfield, Finn Wittrock, Rafe Spall, Billy Magnussen, Hamish Linklater, Byron Mann, John Magaro, Anthony Bourdain
Sinopsis: Cuando cuatro tipos fuera del sistema descubren que los grandes bancos, los medios de comunicación y el gobierno se niegan a reconocer el colapso de la economía, tienen una idea: «La Gran Apuesta»… pero sus inversiones de riesgo les conducen al lado oscuro de la banca moderna, donde deben poner en duda todo y a todos… Adaptación del libro “La gran apuesta” de Michael Lewis, que reflexiona sobre la quiebra del sector inmobiliario norteamericano que originó la crisis económica mundial en 2008.
La gran apuesta nos cuenta, de forma didáctica, la gran mentira que se instaló en el corazón de la economía americana y que nos llevó a todos a la situación en la que nos encontramos. Basada en un hecho real, tal y como reza en el poster, en esta ocasión el equipo de marketing del filme no se ha lucido mucho a la hora de promocionar esta cinta como lo que es, un documento a veces con textura de documental que deja claro lo que todos sabíamos, que la tormenta que se cernió sobre todos nosotros se veía venir, lo entendemos y nos indignamos aún más, pero de forma apasionante, ya que el director lo narra como si se tratara de un thriller, con diálogos ágiles y unos actores en estado de gracia. Heredera de El lobo de Wall Street , no se espanten si averiguan que su director, Adam McCkay, tiene como actor fetiche a Will Farrell ya que, además de no estar en esta, se ha rodeado de un destacando elenco encabezado por Christian Bale, Ryan Gosling y Brad Pitt en el que destaca especialmente Steve Carell. También cuenta la cinta con la retornada Marisa Tomei, a la que vimos recientemente en Navidades, ¿bien o en familia.
A uno se le despiertan ciertos instintos asesinos cuando sale de ver esta película. Se sorprende con la idea de desear ver bancos arder; o incluso pensando que quizás no sería muy triste ver colgar algún banquero desde el palo mayor. De verdad, aunque les aburra la economía y el mundo de las finanzas tanto como al que esto escribe, no les sucederá lo mismo con La gran apuesta. Además, ¿van a poder dormir sin saber lo que es una hipoteca subprime o un CDO? Pues en La gran apuesta se lo explicarán con tanta claridad como los números en Barrio Sésamo.
THE END OF THE TOUR (James Ponsold, 2015)
USA. Duración: 105 min. Guión: Donald Margulies Música: Danny Elfman Fotografía: Jakob Ihre Productora: Modern Man Films / Anonymous Content / Kilburn Media Género: Drama
Reparto: Jesse Eisenberg, Jason Segel, Anna Chlumsky, Joan Cusack, Mamie Gummer, Mickey Sumner, Chelsea Anne Lawrence, Lindsey Elizabeth, Noel Fletcher, Gina Ferwerda, Dan John Miller, Joel Thingvall, Punnavith Koy, Stephanie Cotton
Sinopsis: La película se centra en la historia de la entrevista de cinco días entre el reportero de la revista Rolling Stone David Lipsky y el aclamado novelista David Foster Wallace, que tuvo lugar justo después de que se publicara la novela épica y revolucionaria de Wallace en 1996: «La broma infinita».
Aunque no puede decirse que David Foster Wallace sea un escritor muy popular en nuestro país, si que es indudablemente conocido en ciertos círculos, en el que aprecian el irreverente humor sardónico de este literato de breve, pero productiva, existencia. The End of the Tour nos narra cinco días de su vida en los que convivirá con David Lipsky (Jesse Eisenberg), que lo entrevistará para Rolling Stone ofreciendo un retrato del enigma Wallace repleto de soledad e inseguridades, pero también de éxito y fama. Una película muy bien narrada que disfrutará tanto el conocedor de la obra de Wallace, como el que se acerque al personaje por primera vez. Los actores realizan un soberbio trabajo, tanto Jason Segel que interpreta al escritor, como Jesse Eisenberg, un actor que selecciona muy bien sus trabajos, equilibrando su labor entre grandes producciones y escogidas cintas independientes. Pronto lo veremos como Lex Luthor en la próxima cinta que unirá a Superman y Batman, pero también lo hemos visto en The Double o American Ultra. Por su parte Ana Chlumsky, vuelve al cine tras haber concentrado su actividad en la televisión. Deberían recordarla como la adorable Vada Sultenfuss, cuya muerte tanto hizo sufrir a Macaulay Culkin en Mi chica (My Girl, Howard Zieff, 1991).
El punto de vista y la forma fragmentada de acercarse al personaje, guardan paralelismos con la recientemente estrenada Life de Anton Corbijn, que narraba el encuentro entre el fotógrafo Dennis Stock y un James Dean a punto de saltar a la fama y los días que pasarán juntos, durante los que Stock realizará las mejores y más íntimas imágenes del actor.
Como elogio al filme cabe añadir que es capaz de inocularnos el deseo de leer la obra de Foster Wallace.
LA QUINTA OLA (The The Fifth Wave (The 5th Wave) J. Blakeson, 2016)
USA. Año: 2016 Guión: Susannah Grant (Novela: Rick Yancey) Productora: Columbia Pictures / GK Films / Material Pictures Género: Ciencia ficción.
Reparto: Chloë Grace Moretz, Nick Robinson, Alex Roe, Liev Schreiber, Maika Monroe, Zackary Arthur, Gabriela Lopez, Lindsey Elizabeth, Michael Beasley, Oona Laurence, Cade Canon Ball, Flynn McHugh, Geoffrey Kennedy, Matthew Zuk, Charles Green
Sinopsis: Tras una planificada invasión extraterrestre de la Tierra en 4 oleadas que ha acabado casi con toda la humanidad, la joven Cassie Sullivan intenta encontrar a su hermano pequeño mientras trata de sobrevivir junto a otros supervivientes.
Y para terminar un estreno bien diferente a los anteriores, cine de catástrofes en línea apocalíptica y con invasores extraterrestres de por medio, dirigido al público adolescente (casi preadolescente), sin demasiadas pretensiones y altamente predecible. Protagonizado por Chloe Moretz que, lamentablemente sigue creciendo, aunque evoluciona satisfactoriamente. Ignoramos si esta cinta, con espíritu de franquicia tendrá una, dos o ninguna continuación, algo que dependerá seguramente de la respuesta del público (tan solo hace falta recordar La huésped (The Host, Andrew Niccol) de cuya continuación nunca más se supo). De momento no parece haber nada anunciado a corto plazo.
Con gotas en su argumento de La invasión de los ladrones de cuerpos (Invasion of the Body Snatchers, Don Siegel, 1956) y de Están vivos (They Live, John Carpenter, 1988), esta cinta nos muestra una invasión alienígena en cinco fases, de ahí el título: primero terminan con las fuentes de energía, después sube el nivel del mar, inundándolo casi todo, lo que es seguido por una epidemia. La cuarta ola consistirá en la invasión extraterrestre propiamente dicha, pero en forma parasitaria: parte de los supervivientes serán ocupados por los invasores sin cambiar de apariencia. La quinta y última será… También tenemos a un invasor amigo, una especie de lagarto bueno, una célula durmiente de una avanzada alienígena que de vivir en nuestro planeta durante tantos años se ha acostumbrado e incluso descubre que tiene sentimientos. Líos amorosos, extraterrestres y jovencitos con la testosterona desbocada por todos lados en una película cuyo tráiler podría aclarar que va dirigida al target adolescente para evitar sorpresas en el espectador.
Eso sí, afortunadamente no hay zombis a la vista ni nada que se le parezca, tan solo uno de los personajes tiene ese apodo (¿?)
En marzo vuelve el Graf a Barcelona
La séptima edición de GRAF, evento en torno al cómic de autor y la edición independiente, tendrá lugar los días 4, 5 y 6 de marzo de 2016 en la Fàbrica de Creació Fabra i Coats.
En esta edición se amplia la duración de la feria que se extenderá a lo largo de tres días, dando comienzo el viernes a las 17:00h y terminando el domingo a las 14:30h. La organización hace un llamamiento a los editores, autores, artistas y colectivos interesados en participar.
Para solicitar espacio en #GRAFBCN2016 podéis escribirnos a graf.contacta@gmail.com con el nombre de la propuesta, una web o portfolio de la misma e indicando el tamaño de la mesa (mesa de 1m 45€ / mesa de 2m 90€). La convocatoria estará abierta hasta el 31 de enero y durante la primera semana de febrero se confirmará el listado de expositores seleccionados para #GRAFBCN2016 en la web www.grafcomic.com.
De la misma forma y con el mismo plazo, se invita a cualquier artista o persona interesada en colaborar en esta edición como voluntario o con propuestas para actividades o talleres a que contacte a través de graf.talleres@gmail.com.
Serendipia
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