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Archive for 30 agosto 2019

‘Noche de bodas’ (‘Ready or Not’), la lovecraftiana ‘Color Out of Space’ y la coproducción hispano-argentina ‘4×4’, al frente del avance de nuevos títulos de Sitges 2019

También llegarán las nuevas películas de directores como Brad Anderson, Fabrice Du Welz, Sion Sono o Mary Harron, así como producciones galardonadas en el pasado Festival de Cannes como ‘Bacurau’ o ‘I Lost My Body’

Una de las grandes sorpresas del verano en Estados Unidos ha sido Noche de bodas (Ready or Not), la producción de Fox Searchlight que alcanzó un 87% de críticas favorables en Rotten Tomatoes, considerándose  el estreno de género mejor valorado por crítica y público del verano. Esta mezcla de película de terror gótico y comedia macabra de acción dirigida por el dúo Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillet (VHS, Southbound) ha convertido a su protagonista Samara Weaving en la actriz de moda para todos los amantes del género y tendrá su presentación en la Sección Oficial de la próxima edición de Sitges. Junto a ella, producciones tan esperadas como Color Out of Space (que tendrá su première europea en la Sección Oficial Fantàstic) basada en el mítico relato de H.P. Lovecraft, protagonizada por Nicolas Cage y que significa el regreso a la dirección del director Richard Stanley, que en 1990 sorprendió en el Festival de Sitges con Hardware.

Entre las películas que se podrán ver en Sitges 2019, del 3 al 13 de octubre, destaca la première mundial de Suicide Tourist, la nueva película de Jonas Alexander Arnby (director de Cuando despierta la bestia, que participó en el Festival en 2014) y que protagoniza Nikolaj Coster-Waldau, el popular Jaime Lannister de Juego de Tronos. La sección Òrbita se abrirá con la première europea de 4×4, producción argentina dirigida por Mariano Cohn que se revela como uno de los grandes ejercicios de tensión del año y que liderará la importante cosecha de cine iberoamericano de género que se podrá ver en Sitges 2019.

Realizadores ya conocidos en Sitges regresarán al certamen con sus nuevas propuestas en la Sección Oficial Fantàstic, como son los casos de Fabrice Du Welz y la sugerente Adoration; el dúo Justin Benson & Aaron Moorhead con Synchronic, su propuesta de ciencia ficción laberíntica interpretada por Jamie Dornan (50 sombras de Grey) y Anthony Mackie (Avengers: Endgame); Brad Anderson y su nueva indagación en los límites de la realidad con Fractured, que tendrá su première europea en Sitges de la mano de Netflix.

En Òrbita, Mary Harron, una de las grandes pioneras en llevar la mirada femenina al género, indagará en la personalidad y discípulos de todo un american psycho como Manson en Charlie Says, o Simon Rumley con Once Upon a Time in London, su película más ambiciosa hasta el momento, el thriller de gángsters ambientado en los bajos fondos de la capital británica.

Terror para todos los gustos, cine asiático y algunas sorpresas

El cine de terror se está abriendo en los últimos años a todo tipo de públicos y Sitges demostrará esta variedad del género. Los zombis no podrán faltar en esta edición y Blood Quantum (Midnight X-treme, première europea) es una original aproximación al mito desde el particular punto de vista de una comunidad nativa norteamericana.

Los vampiros pretenden presentar batalla a los zombis este año en Sitges desde filmes que recuperan la vieja escuela de los años 80 como The Shed (Panorama), de Frank Sabatella, homenaje a texturas de terror adolescente de aquella década prodigiosa, o mediante tesis revisionistas que aportan nuevas miradas a mitos clásicos como Carmilla (Noves Visions), dirigida por Emily Harris, una de las muchos nombres femeninos que destacarán este año en Sitges. Precisamente Joe Begos, que retoma el vampirismo en clave alucinógena en Bliss (ya anunciada en Midnight X-treme) tendrá una segunda película en Sitges, VFW (Panorama), que ilustra una violenta lucha de veteranos de guerra contra un cartel de drogas y su ejército de mutantes con un reparto de rostros duros como Stephen Lang, William Sadler y Fred Williamson.

El terror más festivo se da cita con Trick (Midnight X-treme), slasher ultra gore ambientado en Halloween a cargo de Patrick LussierBoyz in the Wood (Midnight X-treme), película de Ninian Doff donde se mezclan pandilleros alucinados, granjeros sangrientos y otras especies. Para públicos más calmados, propuestas no menos trasgresoras y sorprendentes llegarán a Sitges, como la inclasificable producción griega Cosmic Candy (Noves Visions), de Rinio Dragasaki, la atmosférica The Deeper You Dig (Panorama), de John Adams y Toby Poser, que ha sorprendido a público de festivales como Fantasia, o el horror gótico The Nest (Sección Oficial Fantàstic), de Roberto De Feo, que renueva las esperanzas en un renacer del género en Italia.

Asia siempre es una zona de producción de suma importancia para Sitges, siendo la gran novedad en esta edición la première europea de la mano de Netflix The Forest of Love (Noves Visions) de Sion Sono, un clásico del certamen que vuelve a los territorios extremos e impredecibles de películas como Love Exposure Cold Fish. Otros retornos son el de Tetsuya Nakashima (Confessions, El mundo de Kanako) con la inclasificable It Comes (Noves Visions) o el de Lisa Takeba con Signal 100 (Midnight X-treme), fantasía ultragore en la línea del cine nipón más radical. Corea del Sur aportará acción en la Sección Òrbita con el rostro de Ma Dong-seok (el inolvidable héroe de Train to Busan) por partida doble en Unstoppable The Gangster, The Cop and the Devil mientras que el legendario Renny Harlin, que llega desde Hong Kong con Bodies at Rest Super Me (Panorama) representará esa tendencia de la producción china hacia el género de ciencia ficción.

Títulos fantásticos desde grandes Festivales

Hoy los grandes festivales programan el cine fantástico como reclamo de calidad y tendencia cinematográficas. Desde Cannes llegará la distópica Bacurau (Sección Oficial Fantàstic), producción brasileña dirigida por Juliano Dornelles y Kleber Mendoça Filho, ganadora del Premio especial del Jurado en el festival galo este año. Y la producción animada I Lost My Body, de Jérémy Clapin aterrizará también en la Sección Oficial de Sitges después de ganar la Semana de la Crítica de Cannes y el Festival de Annecy.

También se pudieron ver en Cannes y estarán en Sitges la enigmática Nina Wu (Noves Visions), de Midi Z o la divertidísima Yves, de Benoit Forgeard, la historia de una nevera inteligente adicta a la canción que se presenta a Eurovisión. Una de las triunfadoras del neoyorkino festival de Tribeca, Huachicolero, de Edgar Nito, llevará la reflexión sobre la realidad social de México a la sección Òrbita, mientras que desde Venecia llegarán dos películas fundamentales como The Long Walk (Noves Visions), drama fantástico firmado por la directora Mattie Do, o la espectacular 5 is the Perfect Number (Òrbita), de Igor Tuveri, fantasía criminal con textura de fumetti protagonizada por el gran Toni Servillo.

 

Categorías:Sitges Film Festival

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 30 de agosto *

QUIEN A HIERRO MATA (Paco Plaza, 2019)

España. Duración: 107 min. Guion: Juan Galiñanes, Jorge Guerricaechevarría Música: Maika Makovski Fotografía: Pablo Rosso Productora: Vaca Films / Atresmedia Cine / Film Constellation / Playtime Production Género: Thriller

Reparto: Luis Tosar, María Vázquez, Tania Lamata, Ismael Martínez, Pablo Guisa Koestinger, Dani Currás, Marcos Javier Fernández Eimil, María Luisa Mayol, Víctor Duplá, Enric Auquer, Xoán Cejudo, Alberto Abuín

Sinopsis: En un pueblo de la costa gallega vive Mario (Luis Tosar), un hombre ejemplar. En la residencia de ancianos en la que trabaja como enfermero todos le aprecian. Cuando el narco más conocido de la zona, Antonio Padín (Xoán Cejudo), recién salido de la cárcel, ingresa en la residencia, Mario trata de que Antonio se sienta como en casa. Ahora, los dos hijos de Padín, Kike (Enric Auquer) y Toño (Ismael Martínez), están al mando del negocio familiar. Pero un fallo en una operación llevará a Kike a la cárcel y les generará una gran deuda con un proveedor colombiano. Toño recurrirá al enfermero para que intente convencer a su padre de que asuma la deuda. Pero Mario tiene sus propios planes.

De nuevo Paco Plaza inyecta el horror en la cotidianidad, como ya hiciera en Verónica (2017) e incluso en [Rec]³: Génesis (2012). Un horror que en esta ocasión se introduce en el día a día de un geriátrico, cuando un histórico narcotraficante ingresa en él tras ser liberado de la cárcel. Allí,  el jefe de enfermeros, solventemente interpretado por Tosar, tendrá que hacerse cargo de él. Cuidarlo y soportar su soberbia. La acción se irá desarrollando y la extrañeza, sutil, irá aflorando en la trama, subiendo la intriga y permitiendo que el espectador baraje sus conjeturas. Paco Plaza consigue atrapar con su película y demostrar su versatilidad, adaptándose  perfectamente a un género que ha manejado poco.

Plaza arriesga en la puesta en escena, narra la historia en planos cortos asfixiando al espectador en la trama, pero se desenvuelve bien en esta redacción en corto que obliga a destilar la información. No tenemos apenas perspectiva solo el dato justo, estrategia que nos mantiene en ascuas, pendientes del desarrollo de la acción y la construcción de los personajes, sus rasgos, sus motivos, sus intenciones, de su pasado conocemos lo poco que muestran unos flashbacks fotografiados en tonos ocres y velados en el desenfoque. Estos insertos irán aumentando conforme avanza el filme, al igual que irán ganando definición, hasta acabar desvelando qué latía en el interior de Mario, quizás incluso llega un momento en el que nos resultan excesivos, sin que, sin embargo, el recurso se le vaya totalmente de las manos.

Escrita por Juan Galiñanes Jorge Guerricaechevarría (“Celda 211”, “El Niño”, “Cien años de perdón”), Quien a hierro mata quizás flojea en su tercer acto cuando los flashbacks se intensifican (como ya comentamos), pecando de recalcar en demasía algunos pasajes del pasado del protagonista, pero con todo, es pecata minuta en una cinta realizada con un magnífico pulso y en la que, además de Luis Tosar, destaca el elenco de actores secundarios, que dotan al film de una gran credibilidad.

Una nueva muestra de la buena salud de la que goza el thriller español.

 

PLAYMOBIL: LA PELÍCULA (Playmobil: The Movie, Lino DiSalvo, 2019)

Francia/Alemania/USA. Duración: 110 min. Guion: Blaise Hemingway, Greg Erb, Jason Oremland (Historia: Lino DiSalvo) Música: Heitor Pereira Fotografía: Charlie Ramos Productora: Morgen Studios / ON Animation Studios / On Entertainment Género: Comedia

Reparto: Anya Taylor-Joy, Gabriel Bateman.

Sinopsis: Cuando el pequeño Charlie desaparece repentinamente en el mágico mundo animado de Playmobil, su hermana Marla emprende el viaje de su vida para traerlo de vuelta a casa. A medida que se adentra en mundos increíbles y supera desafíos imposibles, Marla se encontrará con nuevos y divertidísimos amigos como Del, el charlatán cocinero de food truck, el apuesto y carismático agente secreto Rex Dasher, un robot que es todo corazón, una extravagante hada madrina y muchos personajes más.

Playmobil: la película consigue trasmitir claramente el mensaje de que aunque uno crezca y tenga que afrontar las responsabilidades y tragedias que conllevan alcanzar la edad adulta, hay que dejar una puerta entornada por la dejar entrar la fantasía y la aventura. Eso sí, si es posible, materializando esa aventura mediante las diferentes gamas de figuras y complementos, (vikingos, oeste, piratas, romanos…) disponibles en Playmobil. Y es que, como es normal, en una cinta, eminentemente infantil y que tiene nombre de marca de juguete, se trata de promocionar y vender los productos que, en este caso, protagonizan el film. Y recalcamos lo de infantil, pues esta cinta ha sido duramente analizada por la crítica comparándola, especialmente, con otro film protagonizado por otra patente juguetera similar, y eso es algo que no debería hacerse, pues si aquella fue una sorpresa para los adultos por su magnífico y polivalente guión, Playmobil: la película, aún siendo plenamente disfrutable también por el público adulto, es básicamente una película dirigida a los más pequeños, repleta de humor, acción, aventura y eficaces canciones. Además, tiene el aliciente de contar con un prólogo y epílogo en el que podremos ver a la encantadora Anya Taylor-Joy (The Witch, Morgan…), en carne y hueso interpretando un registro totalmente opuesto al que nos tiene acostumbrados superando, además, con nota. Se muestra simpática, vital, canta, baila y realiza una remarcable labor doblando a su avatar de plástico.  Se trata de la primera película inspirada en los juguetes Playmobil, y está dirigida por Lino DiSalvo, director con más de 17 años de experiencia en Disney, donde fue jefe de animación en Frozen (Chris Buck, Jennifer Lee, 2013), entre otras. La película fue seleccionada para inaugurar El Festival de Animación de Annecy

 

 

 

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Lanzamientos Cameo para octubre de 2019

Consuélense los que ya estén de vuelta de vacaciones, porque al menos habrán tenido y… ¡porque el 23 de octubre llegarán las novedades de Cameo!

RICK AND MORTY 
Llegan por fin, las tres temporadas en Blu-ray. Anunciadas desde hace casi un año, su tardanza ha sido ocasionada por la labor de Cameo en mejorar el audio y buscar extras que pudieran hacer de esta edición la más atractiva.

LOS DÍAS QUE VENDRÁN
La última película dirigida por Carlos Marques-Marcet, ganadora de 4 Premios en el Festival de Málaga y que, sin duda, dará mucho que hablar en los futuros premios de cine que están por llegar. Cierra la trilogía iniciada por el mismo director y su alter ego, David Verdaguer, con 10.000 KM TIERRA FIRME. Todas, editadas por Cameo.

LARGO VIAJE HACIA LA NOCHE
Es, como describió la revista The Hollywood Reporter, “una hazaña cinematográfica que evoca a Wong Kar-Wai y Andréi Tarkovsky”. Saldrá a la venta en DVD y Blu-ray y nosotros lo celebramos. Como lo hicimos en su momento.

VIVIR DEPRISA, AMAR DESPACIO
Una de las óperas primas más importantes del reciente cine europeo. Si les gustó Call me by your name, no pueden perdérsela.

DESENTERRANDO SAD HILL
Medio siglo después de El bueno, el feo y el malo un puñado de sueños permancen bajo tierra. Esta vez, edición básica en DVD a petición popular.

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Nocturna Madrid desvela un avance de Vesna, la novela de José Luis Alemán dedicada a la licantropía

El festival libera tres capítulos de la primera incursión literaria del cineasta José Luis Alemán (La Herencia Valdemar, 2010; La Sombra Prohibida, 2011; o el cortometraje Hotel, 2012), una novela que publicará la editorial Círculo Rojo en el mes de octubre

Vesna es un estudio detallado llevado a la ficción que ofrece las respuestas que el público siempre ha querido saber sobre licantropía

 La novela Vesna se presentará durante la VII edición de Nocturna Madrid en Forum FNAC Callao 

¿Por qué una bala de plata es efectiva para atacar a un hombre lobo y no una de hierro? ¿Es la transformación dolorosa o violenta? Son preguntas que obtendrán respuesta en las páginas deVesnala primera novela que aborda el mito de la licantropía desde el punto de vista biológico y bajo la perspectiva de una mujer lobo. “Es un estudio detallado sobre lo que faltaba por explicar en el personaje, una especie de biografía que trata lo que le ocurre y cómo le ocurre cuando desarrolla esta enfermedad”, afirma José Luis Alemán,  productor del Festival Nocturna Madrid y autor de la novela de ficción que se lanzará a finales de octubre durante la séptima edición del festival madrileño.

El director, guionista y productor de películas como La Herencia Valdemar y su continuación La Sombra Prohibida o el cortometraje Hotel, galardonado con más de 80 premios a lo largo del mundo, presenta ahora Vesna de la mano de la editorial Círculo Rojo y augura que su novela “causará revuelo en el ámbito del género fantástico”.

En su primera incursión literaria, que, según da a entender, tendrá continuación, narra la aventura de Michel Naschy, un experto en todo lo relacionado con la licantropía, quien descubre en un campamento gitano el hallazgo más importante de su vida: una joven muda de 14 años afectada por la maldición desde su nacimiento y que precisa su ayuda desesperadamente para evitar la muerte. La hija de Naschy en la ficción, la psicóloga Paula, relata a través de este libro la experiencia que supone viajar con ella hasta una casa de campo apartada de todo, con el fin de ayudarle con su patología y aprovechar para hacer una tesis científica sobre el horror que soporta. Pero el pasado del lugar, relacionado con el propio Michel, volverá de nuevo a amenazarles.

Estos tres primeros capítulos que Nocturna Madrid y la editorial Círculo Rojo adelantan sobre Vesna cuentan el inicio de la historia vital de Paula, cuando apenas era un bebé, y de cómo comenzó todo en una casa apartada de un pueblo. Vesna,que nació como un guion cinematográfico hace cinco años para convertirse hace dos en novela, será publicada por la editorial almeriense Círculo Rojo, fundada por el colaborador de “Cuarto Milenio” Alberto Cerezuela, y en cuyo catálogo figuran las novelas de Iker Jiménez y Javier Sierra, entre otros.

El mito del hombre lobo en la Literatura

Aunque también existe una mujer lobo de Transilvania que comía niños en La Nave Fantasma/ El Lobo Blanco De Las Montañas Hartz (1839) del Capitan Fredrick Marrayat, nada tiene que ver con el argumento y el tema de Vesna, ambientada en la Inglaterra de 1912 -el mismo año del hundimiento del Titanic y un poco antes de que se publicara la novela The Lodger de Marie Belloc Lowndes-. “Para mí era esencial que el personaje estuviera centrado en una hembra como tal para vincularlo a la creación de la vida, a la importancia que tiene en el desarrollo de otros seres vivos como nacimiento de todo”, asegura el autor, que también ha utilizado un personaje femenino para narrar la historia con ciertos guiños a Paul Naschy. “Él fue el impulsor del género Fantástico en España, abrió las puertas de lo que luego vendría y me sentía también un hijo adoptivo de él por la vinculación que me une a su familia”.

Vesna es una obra de ficción que, sin tocar las áreas del misticismo, la superstición o la magia, y basada en teorías compatibles con la ciencia del momento, ofrece una visión real de lo que le ocurre a esta niña, sobre cómo va a cambiar y a evolucionar. A la vez que a nivel argumental se complica la trama, el autor detalla lo que el público siempre ha querido saber: “Cómo es el fenómeno y el personaje, desarrollado hasta el final, dentro de la narrativa fantástica sobre el fenómeno y desmenuzando el conocimiento que se tiene sobre la leyenda”.

El mito del hombre lobo siempre ha tenido raíces fuertes en la Literatura, “pese a que no ha sido uno de los personajes más explotados por los autores”, explica Alemán. De hecho, “el hombre lobo siempre ha sido un personaje que sólo sale una vez al mes, cuando hay luna llena, pero es el tipo de monstruo más sufrido de todos y el más universal de todos los mitos, folclore y cultura. Mucha gente cree hoy en la existencia de los hombres lobo o de otras clases de ‘hombres bestia’”, señala Alemán. De hecho, el origen de Vesna se debe a lo poco que se sabe y lo poco desarrollado que estaba a nivel literario el proceso de transformación de manera “orgánica”, como expresa José Luis Alemán. “Vesna lo que trata es sobre todo eso que le ocurre durante su cambio y después, si tiene fases en las que duerme mucho y por qué, si como humano tiene un temperamento suave su evolución sería diferente, y el proceso en sí, de todas las curiosidades que despierta que no habían sido tratados con anterioridad”. Vesna representaría, así, una manera de contarlo como si el autor quisiera “crear una novela incluyendo las secuelas… Es una forma de acercarse para conocer al hombre lobo, más que al mito, al ser en sí mismo, como si fuera una especie más entre nosotros”, explica.

La primera referencia al hombre lobo ya se encuentra en Las Metamorfosis de Ovidio, donde a Licaon Zeus le convirtió en lobo como castigo. También aparecen referencias más explícitas a la licantropía en el Satyricón de Petronio (siglo I), donde Nicero actúa como testigo ocular de la transformación voluntaria de un soldado en lobo. En 1838 se publicó la novela sobre hombres lobos Hughes, El Hombre Lobode Sutherland Menzies y más tarde llegarían El Hombre Lobo de George W. M. Reynolds (1846); El Jefe lobo de Alejandro Dumas (1857); y un largo etcétera en el que se incluye la reconocida obra de Sabine Baring-Gould El libro De Los Hombre Lobo (1865), una de las más importantes al respecto desde la perspectiva científica. También La Marca de la Bestia de Rudyard Kipling (1932) o la famosa El Hombre Lobo de París (1933) de Guy Endore; El Ciclo Del Hombre lobo (1983) y El Talismán (1984), de Stephen King y tantas otras que vendrían después (The Wild, 1991; The Wolfen, 1978 o la novela de 1989 de Peter David sobre un lobo mordido por un hombre lobo, que se convierte en un “lobo-hombre”, Howling Mad).

La presentación de la primera novela de José Luis Alemán, Vesna, editada por Círculo Rojo es una de las actividades paralelas que el Festival Nocturna Madrid tiene programadas en el Forum FNAC Callao en su próxima edición, como las presentaciones de fanzines y múltiples encuentros con los directores de las secciones de cortometrajes.

Descarga el avance de VESNA (PDF)

La película más asquerosa jamás filmada llega a Filmin

El cine es arte, y el arte a veces se alcanza recorriendo los caminos menos evidentes. Filmin estrena en España “Kuso”, ópera prima de Steven Ellison, conocido artísticamente con el nombre de Flying Lotus e importante músico estadounidense. La película es una sucesión de episodios protagonizada por personajes de lo más excéntrico que residen en Los Angeles, ciudad devastada por un terremoto.

Vista en el Festival de Sitges, la película empezó a hacerse célebre tras su agitado pase en el Festival de Sundance en el que se vivió una auténtica estampida de espectadores alarmados por lo que estaban viendo en la pantalla. Y es que “Kuso” para por ser el film más repugnante jamás realizado, como la han definido algunos críticos. Pus, heces, sexo sucio, sangre y pústulas en una orgía de repulsión que, según el director, pretende atentar contra la cultura de la belleza instalada en Instagram y el resto de redes sociales. Estaba cansado de que todo aparente ser tan limpio, reluciente y bonito. Estaba harto de tanto terror no recomendado a menores de 13 años. Quería hacer algo que me recordara a aquellas imágenes que me chamuscaron el cerebro cuando era niño. Como aquella escena de “Robocop” en la que matan a Murphy y le arrancan los brazos a balazos… Nunca olvidaré aquella mierda. De niño tenía pesadillas con aquello y quería hacerle eso a alguien ahora.

En un reparto de lo más coral destacan nombres como el del cómico Hannibal Buress (“Spider-Man: Homecoming”) o el de la leyenda de la música funk George Clinton. “Kuso” se estrena en V.O.S.E este viernes 30 de agosto

 

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 23 de agosto de 2018 *

INFIERNO BAJO EL AGUA (Crawl, Alexandre Aja, 2019)

USA. Duración: 87 min. Guión: Michael Rasmussen, Shawn Rasmussen Música: Max Aruj, Steffen Thum Fotografía: Maxime Alexandre Productora: Ghost House Pictures / Paramount Pictures. Productor: Sam Raimi Género: Terror

Reparto: Kaya Scodelario, Anson Boon, Barry Pepper, Ross Anderson, George Somner,Ami Metcalf, Morfydd Clark, Annamaria Serda, Colin McFarlane

Sinopsis: Cuando un enorme huracán llega a su pueblo en Florida, Haley (Kaya Scodelario) ignora las órdenes de evacuación para encontrar a su padre desaparecido (Barry Pepper). Tras encontrarle gravemente herido en el entresuelo de su casa, los dos quedan atrapados por la inundación que cubre rápidamente el terreno. Prácticamente sin tiempo para escapar de la tormenta que arrecia, Haley y su padre descubren que la subida del nivel del agua es el menor de sus problemas.

Tras despegar su carrera desde su Francia natal con Alta tensión (Haute tension, 2003) y dirigir, tres años después y ya en Estados Unidos, un remake muy superior de Las colinas tienen ojos (The Hills Have Eyes, 1977)  de Wes Craven, Alexandre Aja, ha deambulado por el género terrorífico ofreciendo productos eficaces, como este Infierno bajo el agua, que sin ser la película que estamos esperando del director, es un efectivo film de esos que mantienen al espectador pegado a la butaca y con los nervios crispados. Y eso no es poco.

Producida por Sam Raimi, el film de Aja profundiza en la relación entre un padre y su hija, ofreciendo entidad a sus protagonistas más allá de los virulentos ataques de los enormes caimanes. Con una intriga muy bien dosificada por su director, la película cuenta, además, con la participación de dos buenos actores, Kaya Scodelario y Barry Pepper, que ofrecen credibilidad con su interpretación como padre e hija.

Una refrescante propuesta para esta calurosa canícula.

 

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El 8 de noviembre se estrena ‘Adiós’ de Paco Cabezas

‘ADIÓS’, el nuevo trabajo del director Paco Cabezas (‘Penny Dreadful’, ‘El Alienista’, ‘Fear the walking dead’, ‘Carne de neón‘) se estrenará en los cines de toda España el próximo 8 de noviembre de la mano de Sony Pictures Entertainment Iberia.

‘ADIÓS’ cuenta con un indiscutible y reconocido reparto encabezado por Mario Casas (‘El fotógrafo de Mauthausen’, ‘Contratiempo’, ‘Grupo 7′, “Carne de neón’), la dos veces ganadora del Goya Natalia de Molina (‘Quién te cantará’, ‘Techo y comida’, ‘Vivir es fácil con los ojos cerrados’), la nominada al Goya Ruth Díaz (‘Tarde para la ira’), y el nominado al Goya Carlos Bardem (‘Celda 211‘).

Asimismo, recordaros que ‘ADIÓS’ formará parte del programa del Festival Internacional de Cine de San Sebastián dentro de la Gala Especial que RTVE dedica todos los años a una de sus producciones en el Teatro Victoria Eugenia, y que tendrá lugar el próximo 26 de septiembre.

‘ADIÓS’ es una producción de Apache Films y Adiós La Película AIE, en coproducción con La Claqueta, en asociación con Sony Pictures International Productions, y con la participación de RTVE, Movistar+, ICAA, Orange y Junta de Andalucía.

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‘En la hierba alta’, basada en el relato corto de Stephen King y Joe Hill, inaugurará Sitges 2019

La película original de Netflix está dirigida por Vincenzo Natali y protagonizada por Patrick Wilson, y ambos presentarán el film en el Festival

El Festival de Sitges abrirá su 52ª edición el próximo 3 de octubre con una historia del maestro del terror, Stephen King. En la hierba alta (In the Tall Grass) es la última película de Vincenzo Natali, reconocido director cuyo talento ha sido celebrado en anteriores ediciones del Festival gracias a títulos como Cube (ganadora en Sitges 1998) Cypher y Splice. De este modo, Netflix apuesta por Sitges para presentar uno de los títulos más esperados entre los fans del género.

En la hierba alta es la adaptación del relato homónimo que Stephen King coescribió con su hijo, Joe Hill, y que se publicó en dos partes en la revista Esquire en 2012. Se trata de una historia de terror claustrofóbico con elementos sobrenaturales, protagonizada por los hermanos Becky y Cal. Tras escuchar el llanto de un niño pidiendo ayuda, ambos se adentrarán en un gran campo de hierba alta en Kansas, donde quedarán atrapados por una fuerza siniestra que rápidamente les desorienta y les separa. Aislados del mundo y sin posibilidad de escapar del control del campo, pronto descubren que lo único peor que estar perdido es ser encontrado.

Uno de sus protagonistas, Patrick Wilson -rostro habitual en títulos de género como Insidious, The Conjuring Aquaman– visitará Sitges 2019 juntamente con el director, Vincenzo Natali.

Categorías:Sitges Film Festival

Cita ineludible con el mejor ‘Cine-Bis’

Los hijos le están dando muchas satisfacciones a Javier G. Romero. En mayo de este mismo año durante la XXV edición del festival FANT de Bilbao, del que fue creador, recibió un merecido reconocimiento en forma de Fant de Honor. Su hijo mayor, la publicación especializada en cine fantástico y terror Quatermass, ha cumplido el cuarto de siglo (¡25 años ya!), y su hermano pequeño, Cine-Bis, puede presumir de nueve magníficos números en su haber, el último de los cuales acaba de salir a la venta con un extenso artículo sobre la labor que Javier ha desarrollado por amor al cine. Porque que se desengañen los que piensen que se puede hacer dinero publicando fanzines, escribiendo sobre cine u organizando modestos festivales. No, todo esto se hace por amor, y cuando se hace así, se nota en los resultados. Javier repasa en el artículo toda su actividad: fanzines, proyecciones, programas de radio, un festival que le fue arrebatado justo cuando comenzaba a caminar solo, artículos robados por sobrinos de golpistas… Pequeños y grandes momentos. Unos dulces y otros agrios, pero que reflejan  todo el cariño, trabajo y dedicación puesta en ello: ahí están los números antológicos de Quatermass, bibliografía obligada para todo estudioso del cine fantástico que se precie; el festival Fant de Bilbao, creciendo de manera exponencial año tras año; y Cine-Bis, la mejor publicación estatal sobre cine.

Todo ello en un número, el noveno, muy especial para Serendipia, pues Operación Dragón (Enter the Dragon, Robert Clouse, 1973) es una de nuestras películas de cabecera, así que con esa magnífica portada ya nos tenía más que ganados. Pero más allá del inolvidable póster de Bob Peak, el artículo que se ha marcado el propio Javier sobre el film es mucho más que una reseña, en él repasa la vida y obra del Pequeño Dragón, aportando datos poco o nada conocidos sobre el rodaje de su obra maestra.

Otro artículo que personalmente nos ha llegado bien hondo ha sido el dedicado al cine sobrenatural de los años cuarenta. Y ha sido así porque es un tema que nos ha interesado íntimamente desde hace unos años. Ese fantastique amable que muchos no incluyen casi como cine fantástico y que comprende un buen puñado de joyas provenientes de todas las cinematografías. Nos interesaba tanto el tema que nos planteamos escribir largo y tendido sobre él, recopilando toda información y cinta. Y no fue fácil, pues es un temática que, como pudimos comprobar, apenas interesaba a nadie, motivo este de que aparcáramos el proyecto. Un tema que les aseguramos da para mucho y que Juan Carlos Vizcaíno ha desarrollado en su articulo, centrándose en una época muy concreta: los años cuarenta en Estados Unidos, o lo que es lo mismo, durante la II Guerra Mundial.

Este número también cuenta con dos entrevistas. Dos grandes entrevistas, pues es difícil no disfrutar con la elocuencia y simpatía del recientemente desaparecido José Luis Merino, ni con la profesionalidad y humildad del gran Herbert Lom. Dos aportaciones de David Pizarro y Carlos Aguilar, respectivamente.

De entre los artículos destaca una extensa aproximación a la carrera de John Hough realizada por Tonio L. Alarcón; la segunda entrega dedicada al golpe perfecto y que se centra en las aportaciones norteamericanas al tema, gentileza del siempre eficaz José Luis Salvador Estébenez; un acercamiento pormenorizado al revalorizado Spaghetti Western analizando la saga -oficial y bastarda- de Sartana, escrito por José Manuel Romero Moreno y, finalmente, la primera entrega de cine y toros, una faena realizada “mano a mano” entre Ángel Comas y Javier G. Romero, que introduce al lector en la extensa filmografía que ha ofrecido esta entente. Y no únicamente en España. Esta primera entrega se centra en el cine silente, analizando y descubriendo apasionantes piezas, algunas desaparecidas irremediablemente y otras poco conocidas. Toda una delicia para el estudioso sin prejuicios que guste de la arqueología cinematográfica.

Y todo ello con el magnífico diseño que caracteriza esta publicación (¡Oh, negro sobre blanco!) y la fantástica y abultada selección de imágenes (¡590!), por las que ya valdría la pena adquirir Cine-Bis. Tan solo debemos señalar una nota negativa, y es que a pesar de su extensión (228 páginas a todo color), su lectura es tan apasionante que se devora en un suspiro

¡Muchas felicidades a Javier por 25 años de pasión cinéfila y trabajo bien hecho! Si se atreve con 25 más, nosotros seguiremos otros 25 encantados.

‘Zombieland: Mata y remata’ se estrenará el 25 de octubre

Ya está preparado el cartel oficial de ZOMBIELAND: MATA Y REMATA que, dirigida por Ruben Fleischer (‘Venom‘) y con los guionitstas originales Rhett Reese y Paul Wernick (‘Deadpool‘), vuelven diez años después del estreno de ‘Bienvenidos a Zombieland‘, la que es ya hoy un gran clásico de culto.

La secuela vuelve a reunir al brillante reparto original: la oscarizada Emma Stone, y los nominados al máximo galardón de la Academia de Hollywood  Woody Harrelson, Jesse Eisenberg Abigail Breslin, para luchar contra nuevos tipos de zombis que han evolucionado desde la primera película, así como nuevos supervivientes humanos. Pero por encima de todo, se tendrán que enfrentar a los problemas de su alocada e improvisada familia. Todo esto lo podremos disfrutar en la salas de cine de toda el España el próximo 25 de octubre.

Categorías:TRAILERS RECOMENDADOS

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Jueves 15 de agosto de 2019 *

ERASE UNA VEZ EN…HOLLYWOOD (Once Upon a Time in… Hollywood, Quentin Tarantino, 2019)

USA. Duración: 165 min. Guion: Quentin Tarantino Fotografía: Robert Richardson Productora: Sony Pictures Entertainment (SPE) / Heyday Films / Visiona Romantica Género: Drama

Reparto: Leono DiCaprio, Brad Pitt, Margot Robbie, Al Pacino, Kurt Russell, Bruce Dern,Timothy Olyphant, Michael Madsen, Tim Roth, Zoe Bell, Damian Lewis, Luke Perry,Emile Hirsch, Dakota Fanning, James Marsden, Clifton Collins Jr., Scoot McNairy,Damon Herriman, Nicholas Hammond, Keith Jefferson, Spencer Garrett, Mike Moh,Clu Gulager, Martin Kove, James Remar, Lena Dunham, Austin Butler, Leslie Bega,Maya Hawke, Brenda Vaccaro, Lorenza Izzo, Penelope Kapudija, Margaret Qualley,Rumer Willis, Dreama Walker, Costa Ronin, Madisen Beaty, Sydney Sweeney

Sinopsis: La película se centra en el panorama cambiante de Hollywood a finales de los años 60, cuando la industria empezaba a olvidarse de los pilares clásicos. La estrella de un western televisivo, Rick Dalton (DiCaprio), intenta amoldarse a estos cambios al mismo tiempo que su doble (Pitt). Sin embargo, la vida de Dalton parece que está ligada a sus raíces de Hollywood, puesto que es vecino de la actriz y modelo Sharon Tate (Robbie).

Que a Quentin Tarantino le gusta el cine, es algo incuestionable que no vamos a descubrir ahora, y por eso, desde su primera película hasta esta Erase una vez en…Hollywood sus películas están llenas de homenajes y tributos respetuosos al cine que más le apasiona, ya sea el Blaxploitation, el de artes marciales, el western o el thriller de Hong-Kong. Y siempre lo ha hecho de forma respetuosa y generosa. Sus películas son un campo de referencias pero el que él las haya utilizado han servido  a muchos para descubrir el cine de John Woo, Jack Hill, Ringo Lam, Sergio Corbucci, Enzo G. Cartellari, Toshiya Fujita… cineastas olvidados o cuyas obras no se estrenaban más allá de Asia. Si hasta hace un homenaje a nuestro recientemente fallecido Antonio Isasi-Isasmendi.

Sí, Tarantino deja notar en todas sus películas que le gusta el cine. Que es lo que más le gusta. Y también lo hace en Érase un vez…en Hollywood, ya desde su propio título, referencia innegable a grandes películas de Sergio Leone. Pero detectamos una novedad. La forma de afrontar esta historia ubicada en el Hollywood convulso y cambiante de finales de los sesenta es la de tomarse una revancha sobre uno de los elementos que ayudó a terminar, dramáticamente, a cuchilladas, con la mítica meca del cine y con la inocencia de los sesenta, representados por la actriz Sharon Tate. Una inocencia que desembocarían en el crudo y cínico desencanto de los setenta.

Tarantino nos muestra un Hollywood en proceso de descomposición. Con actores cuya estrella se apaga y tienen que emigrar a Italia a recrear, desde Almería, el lejano oeste. Y una industria cinematográfica que ve como su puesto, en la cima del entretenimiento popular, decae ante la televisión. En ese Hollywood del año 1969 sitúa los personajes de su historia, unos maravillosos Leono DiCaprio (Rick Dalton), Brad Pitt (Cliff Booth) y Margot Robbie (Sharon Tate), acompañados de algunos de los personajes que orbitaron alrededor de la pareja Tate/Polanski, como Bruce Lee, que realmente instruyó a la actriz en la lucha contra Nancy Kwan en La mansión de los 7 placeres (The Wrecking Crew, Phil Karlson, 1968) y que incluso, al parecer, estaba invitado a la velada en Cielo Drive que desembocó en los asesinatos de Sharon Tate y todos sus invitados a manos de los siervos de Manson. También aprovecha Tarantino para incluir a varios de sus intérpretes, como Bruce Dern, Kurt Russell, Michael Madsen o Zöe Bell, mezclándolos con actores veteranos de primera y de segunda como Al Pacino, Brenda Baccaro o Nicholas Hammond junto a caras más recientes como las de Lena Dunham, Lorenza Izzo, Dakota Fanning o Luke Perry. El Hollywood de ayer y hoy. De los grandes estudios a los más independientes. Del glamour a la trastienda del Powerty Row. Todo, como es habitual, regado por la mejor música de la época.

Realidad y ficción se dan la mano en esta película, que resulta mucho más comedida que las otras del director, casi se diría que hasta madura, lo cual no significa que no se tome sus momentos de desahogo. Pero un desahogo que no puede evitar el poso melancólico que deja en el espectador Érase una vez en…Hollywood. Melancólico porque Tarantino no hace más que anunciarnos el fin de la inocencia de los sesenta y de la política de estudios, pero también  el fin del cine como fenómeno comunitario para disfrutar en una gran pantalla rodeado de gente. 

Érase una vez en…Hollywood es, repetimos, un canto de amor al cine. Y un elogio de la ficción como única vía de subversión ante la realidad. Tarantino vuelve a utilizar el poder sanador de la ficción como revancha contra aquello que trastornó un mundo, como en Malditos Bastardos (Inglourious Basterds, 2009), pero aquí en un tono más sosegado y profundo, aunque no le falte lugar a la chanza. Toda una catarsis que apostilla la célebre frase de El hombre que mató a Liberty Valance (The Man Who Shot Liberty Valance, John Ford, 1962), si allí se nos dice que la historia no debe cambiar lo que ha escrito la leyenda, en Érase una vez en… Hollywood se remata el concepto añadiendo que lo que la historia ha agraviado debe ser restituido en la ficción. Es casi un deber moral vengar los renglones torcidos de lo dado con la fuerza de lo inventado, porque ahí es dónde se afianza nuestro poder y nuestra capacidad de corregirnos mediante la creatividad. Una cinta agridulce que es, a la vez, una despedida y una victoria.

Y una magnífica película para los que, como Quentin Tarantino, amamos el cine.

 

A 47 METROS 2 (47 Meters Down: Uncaged, Johannes Roberts, 2019)

UK. Guion: Ernest Riera, Johannes Roberts Música: Tomandandy Fotografía: Mark Silk Productora: thefyzz. Distribuida por: Entertainment Studios Motion Pictures Género: Terror

Reparto: John Corbett, Nia Long, Sophie Nélisse, Corinne Foxx, Sistine Rose Stallone,Brianne Tju, Davi Santos, Khylin Rhambo, Brec Bassinger

Sinopsis: A la adolescente Mia no le apetece mudarse a México con su padre, Grant, y su nueva familia. Con Grant trabajando como investigador en una antigua ciudad maya que está sumergida bajo el agua, Mia se ve obligada a pasar tiempo con su hermanastra Sasha. Aburrida y sin supervisión, Mia, Sasha y sus dos amigas se adentran en la cueva submarina en la que Grant está trabajando.

Oculto durante siglos, el lugar de entierro maya sumergido es hermoso y desconcertante, pero pronto se vuelve mortal cuando las chicas descubren que no están solas. Están rodeadas por enormes tiburones blancos amenazadores. Atrapadas en una cueva que pronto podría ser su tumba, las chicas deben estar en silencio si desean salir con vida.

Original no es un adjetivo que defina a A 47 metros 2, pero al menos intenta aportar algo más que adolescentes y tiburones blancos a la propuesta, ofreciendo cierta motivación a las dos hermanastras protagonistas mediante unas gotas de acoso escolar y cucharadas de espíritu de reconciliación y superación. El resultado no es que sea algo inolvidable, pero consigue que el espectador no aparte la vista de la pantalla ¿Cómo hacerlo con cuatro adolescentes atrapadas en una necrópolis maya submarina con el oxígeno de sus bombonas agotándose mientras ¡son acosadas por hambrientos tiburones!? Desde luego, muy mal habría que hacerlo para que no resultara, cuanto menos, una película entretenida.

Y la cinta resulta tan emocionante y angustiosa como confusa, pues en muchas escenas submarinas la oscuridad es casi total, lo cual por otra parte facilita que los escualos ataquen desde cualquier punto y en cualquier momento. Pero eso sí, la cinta se estropea un tanto durante su conclusión, cuando el director se suelta el pelo y muestra todo lo que no ha podido enseñar en la oscuridad abismal. En conclusión, otro refresco muy indicado para estas fechas sin más pretensiones que hacer pasar un buen/mal rato.

Se agradece la fidelidad al cine de género de su director, el británico Johannes Roberts, que está haciendo una humilde carrera al otro lado del Atlántico con pequeñas cintas como el díptico A 47 metros o la interesante secuela Los extraños: cacería nocturna (The Strangers: Prey at Night, 2017), todo ello mientras se anuncia su salto al terreno de la superproducción con el reboot de Resident Evil. Con lo bien que se había cerrado la serie original tras seis entregas…

 

LA VIRGEN DE AGOSTO (Jonás Trueba, 2019)

España. Duración: 125 min. Guion: Itsaso Arana, Jonás Trueba Fotografía: Santiago Racaj Productora: Los Ilusos Films Género: Drama

Reparto: Itsaso Arana, Vito Sanz, Joe Manjón, Isabelle Stoffel, Luis Heras, Mikele Urroz,María Herrador, Naiara Carmona

Sinopsis: Eva (Itsaso Arana) está a punto de cumplir 33 años y ha convertido en un acto de fe la decisión de quedarse en Madrid en agosto. Los días y las noches se presentan como un tiempo de oportunidades, y mientras se celebran las verbenas de verano, Eva se encuentra con otras personas a las que trata de ayudar, sin saber que, en realidad, no hace otra cosa que ayudarse a sí misma. 

Jonás Trueba no es Gustave Flaubert, ni su Eva, pese a su nombre de mujer primigenia, es Emma Bovary. El francés, en su obra inmortal, penetraba el alma femenina para alumbrar un personaje de compleja psicología. Trueba lo intenta, pero el suyo, pese a estar coguionizado por Itsaso Arana, no es más que un retrato de mujer idealizada a partir de lugares comunes escuchados en conversaciones de salón. Aunque, precisamente por ser tópicos, habrá mujeres reales que se reconocerán y la aplaudirán como femenina, aquí consideramos que, para alcanzar ese epíteto, hace falta algo más que tres mujeres hablando de la menstruación, porque eso, en el mejor de los casos, es quedarse muy poco más allá de la obviedad.

La obviedad es el principal problema de La virgen de agosto, la película es precisamente eso, un recamado tejido con hilos de metáforas facilonas, que van desde la elección de los nombres de los personajes a la utilización de agosto como marco ideal para consumar un viaje interior. Empecemos por los nombres. Eva es la protagonista única del filme, el resto de personajes no son más que comparsas, y el director/guionista no la llama así de forma casual. ‘Eva’ etimológicamente procede del hebreo ‘havva’, esto es, “que da vida”, de jai, “vida”, por ser Eva madre de todos los vivientes (Génesis, 3, 20), la primera mujer, sin embargo, no es solo dadora de vida, su curiosidad la convierte también en portadora de mortalidad por su atrevimiento de comer del Árbol de la ciencia del bien y del mal. Un pecado del que sólo nos librará la otra mujer, su complemento y su reverso, que es la Virgen María. La feminidad es vista por la moral judeocristiana como un poder ambivalente polarizado en dos figuras maternas afines y opuestas a partes iguales. La Eva de Trueba tendrá la particularidad de encerrar en sí ambos polos como descubriremos cuando ella reconozca su estado y condición. Un reconocimiento que le llega a través del principal figurante de su periplo, Agost, peculiar hipocorístico de Agostino, nombrado así, en italiano, por si su forma castellana (Agustín) pudiera despistarnos de su carga simbólica. ‘Agostino’ del latín ‘Augustinus’, es la forma patronímica de Augusto/Augustus (“consagrado por el augurio”), el sentido originario de la palabra era “crecimiento concedido por los dioses a una empresa”, símbolo, pues, de lo venerable para los romanos, que lo atribuyeron como epíteto a su césar. Agost será el vehículo que mediará la consumación del viaje interior de Eva, después de que esta parezca salvarle de su pesadumbre. La virgen de agosto parece poner en la mujer la posibilidad de redención de lo humano, pero como el espacio de la fertilidad y el crecimiento en el que puede llegar a convertirse.

En honor de Octavio Augusto se rebautizó el octavo mes del año como agosto, así se acaba de comprender el nombre del partenaire de Eva, ya que es precisamente ese el mes en el que Eva emprende el camino hacia la búsqueda de su autenticidad, de su sentido, permaneciendo en la ciudad (que es otro personaje más) durante ese mes estival plagado de festejos. El ferragosto (tomándoles prestado a los italianos el nombre de esa celebración) es el marco de su crecimiento, un marco cargado de significados que hunden sus raíces en la antigüedad romana. Curiosamente (o no tanto, visto, lo visto) las celebraciones más importantes del mes se desarrollaban el 13 de agosto (día en el que Eva conoce a Agostino, para más señas), dedicadas a la diosa Diana, ligada a la vida en los bosques, a las fases lunares y a la maternidad.  El cristianismo hizo coincidir las fiestas de ferragosto con la de la Asunción, uniendo rituales sagrados y profanos en manifestaciones populares. La virgen de agosto, como popularmente se conoce a la festividad de la Asunción de María (y de la que, evidentemente, toma el título la cinta), es el fondo sobre el que se pinta la forma de la aventura de Eva. Una aventura que tiene mucho de iniciática, esto es, de experiencia vital y de tránsito de un estado a otro, presuntamente superior. No es Trueba el primero en hacer esa asociación, el primero en acudir a ese espacio estival como instante en el que, contrastando con la indolencia del calor, nos sentimos necesitados de comernos la vida, de alcanzarnos y de entendernos (y de paso a comprender nuestro mundo). A poco cinéfilos que seamos, se nos viene a la cabeza la brillante Il Sorpasso (1962, Dino Risi), pero poco más que la elección del momento comparten ambos filmes. Mientras Dino Risi usa esa celebración hedonista y acelerada como punto de contraste del hastío existencial, el nihilismo, en el que, en verdad, viven sus personajes, en Trueba todo es “mundo mágico de colores”, pintado con los pinceles de la espiritualidad new age, además. Mera fruslería que se desvanecerá cuando el verano acabe.

La virgen de agosto también tiene méritos, no decimos que no, la mayor parte relacionadas con la interprete ¡Itsaso Arana sostiene tan bien el plano con su expresión de Gioconda! Lástima que los planos fijos sean innumerables, porque así volvemos a la paleta de lo obvio. No deja de ser un recurso fácil acudir a la cámara estática para tratar de aprehender una experiencia extática desde la reverencia, como si no quisiéramos intervenir en lo acontecido en el interior del personaje, desde el máximo respeto. Una forma de subrayar que lo que se nos muestra no es baladí, que merece ser observado con detenimiento. Porque la mirada alucinada de Eva es la exaltada vivencia de ese estado del alma en el que nos podemos llegar a sentir en comunión con lo cósmico. A través de esos ojos que parecen querer comérselo todo, La virgen de agosto nos reconcilia (o al menos lo pretende) con nuestro deambular por el mundo.

Es una película mensaje en la que los personajes hablan y hablan y hablan… mientras nos educan, mientras nos enseñan el espacio de lo verdaderamente trascendente. Semejante a si estuviésemos ante una película de Éric Rohmer, con menos empaque, pero con la misma afectación. Trueba, como el icono de la Novelle Vague, es movido por la voluntad de traducir en imágenes los grandes conceptos, el sentido del amor y el valor de nuestro lugar en el mundo, en especial. Para bien (y para mal) Jonás Trueba, parece querer saltarse la postmodernidad y regresar a los modos narrativos de generaciones anteriores, en un intento de construir un relato atemporal. Ahora bien, se nos antoja que bajo todas esas pretensiones se esconde un discurso intrínsecamente superficial.

La virgen de agosto gustará. La crítica ya la ha elogiado, y habrá todo un sector del público que comulgará con ella. Desde esta humilde tribuna, sin embargo, sólo nos vemos capaces de decir que el emperador va desnudo.

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

Astiberri: Novedades de septiembre de 2019

Acaba de empezar agosto, pero Astiberri ya piensa en la vuelta al cole. A lo largo del mes de septiembre publicará cuatro nuevos títulos, además de reeditar otros cuatro y volver a poner en circulación una obra de la desaparecida editorial Entrecómics.

El día 12 de septiembre saldrá a la venta Dentro de los yokais, del maestro del manga Shigeru Mizuki. Más que un cómic, es un libro de arte que recoge y analiza en un tono casi científico algunos de los principales monstruos de la mitología japonesa.

El 19 de septiembre llega el esperado final de Mirror, la serie de Hwei Lim y Emma Ríos. En Mirror 2. El nido sabremos por fin qué ocurre con los habitantes de la colonia Irzah tras verse obligados a abandonar el asteroide que consideraban su hogar.

El 26 de septiembre saldrá a la venta el nuevo libro de David Sánchez, titulado En otro lugar, un poco más tarde. El autor madrileño firma su cómic más psicodélico y bello. Un viaje místico, cosmogónico, en el que se despoja de cualquier tipo de artificios, imposiciones o ataduras para ir exactamente donde quiere llegar.

Ese mismo día se publicará Viviendo del cuentouna edición ampliada del cómic que dio a conocer a Juanjo Sáez con un nuevo prólogo dibujado de 12 páginas donde el autor hace balance de su carrera y analiza cómo ha evolucionado “la modernidad” en la época de las redes sociales.

Además, Astiberri volverá a poner en circulación un título editado por la desaparecida editorial Entrecómics a partir del 2 de septiembre, Alter y Walter, de Pep Brocal, una obra que se publicó en 2013 y forma una trilogía con Cosmonauta e Inframundo, ambas en Astiberri.

En septiembre saldrán reeditados cuatro títulos. La balada del norte. Tomo 1, de Alfonso Zapico, tendrá una sexta edición. También llegarán las segundas ediciones de Almóndigas del espacio, de Craig ThompsonPablo & Jane en la Dimensión de los Monstruos, de José Domingo, y la de cartoné de Píldoras azules, de Frederik Peeters.

Dentro de los yokais

Shigeru Mizuki

Color. Cartoné con lomo de tela
96 páginas. 21,8 x 28,4 cm
20 euros
ISBN: 978-84-17575-44-1
A la venta el 12 de septiembre

El maestro del manga Shigeru Mizuki, apasionado de los monstruos del folclore japonés, recupera una parte importante del patrimonio cultural nipón y recopila en este cuidado libro ilustrado apabullantes cortes anatómicos de más de 80 yokais.

Mirror 2. El nido

Hwei Lim y Emma Ríos

Color. Cartoné
208 páginas. 17 x 26 cm
20 euros
ISBN: 978-84-17575-46-5
A la venta el 19 de septiembre

Los supervivientes de la colonia de Irzah se han visto obligados a abandonar el asteroide que consideraban su hogar. Encontrar un nuevo lugar donde vivir se convierte en una tarea peligrosa. Emma Ríos y Hwei Lim concluyen con este volumen un cuento sobre almas dispares con un deseo común: encontrar un rincón en el universo donde reine la tolerancia.

En otro lugar, un poco más tarde

David Sánchez

Color. Cartoné
84 páginas. 19 x 26 cm
16 euros
ISBN: 978-84-17575-52-6
A la venta el 26 de septiembre

El autor de Un millón de años y Tú me has matado firma su cómic más psicodélico y bello hasta la fecha, en el que se despoja de cualquier tipo de artificios, imposiciones o ataduras para ir exactamente donde quiere llegar.

Viviendo del cuento

Juanjo Sáez

Color. Rústica con solapas

176 páginas. 18 x 21,5 cm
17 euros

ISBN: 978-84-17575-45-8

A la venta el 26 de septiembre

La esperada reedición ampliada de Viviendo del cuento, un retrato cínico y burlón de la futilidad y la vacuidad de la cultura moderna con el que Juanjo Sáez comenzó a ser reconocido.

Alter y Walter

Pep Brocal

108 páginas. Color
Cartoné. 23.0 x 31.0 cm
ISBN: 978-84-940121-2-9
Año de publicación: 2013. 1ª edición

Astiberri vuelve a poner en circulación esta obra publicada en 2013 por la desaparecida Entrecomics Cómics, que forma una trilogía junto con Cosmonauta y la reciente novedad de Pep Brocal, Inframundo

Walter es un hombre gris, tan gris como el entorno que le rodea. A lo largo de los años se ha ido despojando de sus anhelos y ha barrido sus sueños e ilusiones debajo de la alfombra un trabajo rutinario, una mujer a la que apenas ve y un gato que pasa olímpicamente de él. Hasta que un buen día ya no puede más. Y se va. No sabe adónde, y ciertamente aún no sabe por qué. Pero lo descubrirá en un motel de carretera que en realidad es cualquier cosa menos un motel de carretera. Encuentros imposibles, situaciones surrealistas y fantasmas del pasado le acechan en las habitaciones y recovecos de esa casa de locos en la que tendrá ocasión de enfrentarse con su pasado, pero también con su pasado y su futuro.

Pep Brocal firma con Alter y Walter una trilogía junto con Cosmonauta e Inframundo, ambas publicadas por Astiberri en 2017 y 2019, respectivamente; una relación que surge “de una misma preocupación por temas similares, con las mismas resonancias existenciales”, tal y como ha reconocido recientemente el autor catalán en una extensa entrevista que le hizo Kike Infame para la revista Z número 76 de julio pasado.

Más información: astiberri.com

Categorías:Cómic y Manga

Llega sin censurar el cómic que convulsionó Norteamérica

“EE.UU. no es la única que saluda el regreso del fascismo. Me vuelven mis recuerdos de infancia escuchando a los veteranos de la Guerra Civil española. Y vuelvo a desesperar.”

Howard Chaykin

Dolmen Editorial se complace en anunciar que este mes de agosto llega a las librerías Los Estados Divididos de Histeria de la mano de su creador Howard Chaykin (¡American Flagg!, Black Kiss, Satelite Sam), que  además de dedicarse durante más 40 años al mundo del cómic, ha guionizado series de televisión, como la primera etapa de The Flash (1990-91), Earth: Final Conflict (1992-2000) o Mutant X (2001-2002).

Ahora, Chaykin nos sorprende con un cómic sociopolítico de humor negro donde critica la sociedad capitalista actual: racismo, homofobia, transfobia, xenofobia… En Los Estados Divididos de Histeria, una América profundamente perturbada apenas está empezando a recuperarse de un trauma nacional causado por un ataque terrorista.

Black Kiss fue prohibido en el Reino Unido y Canadá. Los Estados de Histeria podrían perfectamente ser retirados aquí en los Estados Unidos, dijo Chaykin sobre esta visión cruda e intransigente de un futuro que nos es cada vez más familiar. Una serie tan profunda como inquietante que refleja la agitación política actual y la inquietud de una sociedad hastiada.

Categorías:Cómic y Manga

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 2 de agosto de 2018 *

ROJO (Benjamín Naishtat, 2018)

Argentina/Brasil/Francia. Duración: 109 min. Guion: Benjamín Naishtat Música: Vincent van Warmerdam Fotografía: Pedro Sotero Productora: Ecce Films / Bord Cadre Films / Desvia Produções / Pucara Cine / Sutor Kolonko Género: Thriller

Reparto: Darío Grandinetti, Andrea Frigerio, Alfredo Castro, Diego Cremonesi

Sinopsis: A mediados de los años 70, un hombre extraño llega a una tranquila ciudad de provincias. En un restaurante, y sin motivo aparente, comienza a agredir a Claudio, un reconocido abogado. La comunidad apoya al abogado y el extraño es humillado y expulsado del lugar. Más tarde y camino a casa, Claudio y su mujer, Susana, son interceptados por el hombre extraño, quien está determinado a cobrarse una terrible venganza. El abogado toma entonces un camino sin retorno.

Rojo se inicia como un thriller, un tenso thriller que engancha al espectador y no lo suelta hasta el final, aunque el tono, por el camino, cambia, pasando a de ser un ejercicio de intriga a un conjunto de frescos sobre la corrupción de los vencedores. Sobre el cinismo de un nuevo régimen auto-instaurado ya en la monotonía del terror de forma plácida y legal. Una sociedad clasista desde cuyas grietas chorrea la sangre de los inocentes y que se representa en una casa abandonada cuyo propietario desapareció, como tantos. Una radiografía de una clase dominante podrida, manipuladora. Y todo se nos muestra partiendo del protagonista, el abogado que interpreta magistralmente Darío Grandinetti, su familia y amigos. Los cachorros de esos verdugos, de esa Argentina que trabaja, eslogan que tanto recuerda a esa España que madruga promulgado aquí por los hermanos putativos de aquellos matarifes argentinos. Igualmente cínicos y crueles.

Escrita y dirigida por el argentino Benjamin Naishtat (Historia del miedo), Rojo fue una de las grandes triunfadoras de la pasada edición del Festival de San Sebastián (Concha de Plata a la Mejor Dirección; Concha de Plata al Mejor Actor  y  Premio del Jurado a la Mejor Fotografía) y también participó en el Festival de Toronto (TIFF) y en el Festival Internacional de Cinema de Barcelona Sant-Jordi (BCN Film Fest).

 

ALCANZANDO TU SUEÑO (TEEN SPIRIT) (Teen Spirit, Max Minghella, 2018)

USA. Duración: 92 min. Guion: Max Minghella Fotografía: Autumn Durald Productora: Automatik Entertainment / Blank Tape / Head Gear Films / Metrol Technology Género: Drama

Reparto: Elle Fanning, Rebecca Hall, Millie Brady, Elizabeth Berrington, Zlatko Buric,Jordan Stephens, Stephen Boxer, Archie Madekwe, Mark Stobbart,Agnieszka Grochowska, Noof McEwan, John Locke, Daniel Westwood,Jessie Vinning, Ruairi O’Connor, Ria Zmitrowicz, Clara Rugaard, Paul Blackwell,Olivia Gray, Gerald Maliqi, Calvin Chen, Vivian Oparah, Sofia Abbasi

Sinopsis: Violent (Fanning) es una introvertida adolescente que vive en la Isla de Wight, en Inglaterra, y que sueña con convertirse en una estrella del pop para poder así alejarse de tu triste panorama familiar. Con la ayuda de un inesperado mentor, Violet se inscribe en un concurso de canto que pondrá a prueba su integridad, talento y ambición.

La ópera prima del actor y escritor Max Minghella, conocido por su trabajo en El cuento de la criada’ o ‘La red social’, es otra nueva versión de la Cenicienta en clave de sencilla historia de superación. Una trama algo trillada, pero con algunos elementos que la dignifican. Como su magnífica fotografía, que muestra una isla de Wight donde nunca parece brillar el sol retratando también unos cálidos interiores que contrastan con la luminotecnia artificial de los escenarios.

Elle Fanning, que se confirma de nuevo como uno de los mejores talentos de su generación, realiza su papel de forma sombría, sin maquillaje ni artificios. No sonríe, su vida apenas le ofrece motivos para hacerlo, pero aún así se muestra fresca, bella, espléndida. Joven. Y como tal errada y errante, pero con unas ideas claras y una personalidad que deja la puerta abierta de par en par a la esperanza.

Repetimos, si bien la trama no resulta original, su enfoque si puede aportar motivos para el disfrute de esta cinta. A pesar de ser una producción americana, se ha optado por situar la acción en una pequeña isla cerca de Inglaterra, así la película se libra de muchos de los tópicos habituales que podríamos haber esperado de haberse situado la acción en cualquier ciudad norteamericana. En ningún momento hay glamour, incluso cuando la acción se traslada a Londres. Y aunque algunas situaciones son más que familiares (mentor alcohólico -y con pinta de oler muy mal- con un pasado glorioso y tragedia a sus espaldas), podemos llegar a creernos la relación que se entabla entre estas dos almas perdidas.

Teen Spirit, a pesar de su título, consigue trasmitir tristeza. Al gris de la climatología cabe añadir sus tristes canciones, todo lo cual da un tono a la cinta que atraviesa la pantalla alcanzando al espectador más allá de que la historia tenga, o no, un final feliz.

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO
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