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Cátedra edita ‘Jacques Tourneaur’ de Rubén Higueras

29 febrero 2016 Deja un comentario

CA00281701Cuando se escribe y se habla sobre cine se tiende a recurrir a lugares comunes y a repetir lo más manido. A quedarse en la superficie.  Así, los valiosos logros estéticos y narrativos que brindó la colaboración entre el director Jacques Tourneur y el productor Val Lewton, que nos legó obras capitales como La mujer pantera (Cat People, 1942) o Yo anduve con un zombi (I Walk with a Zombie, 1943), han capitalizado la extensa filmografía de Tourneur, al que se tiende a referir como imaginativo director de prestigiosas cintas de serie B. Por supuesto que la colaboración de ambos hombres legó un nuevo lenguaje al cine fantástico que, con mejor o peor fortuna, supieron continuar en sus respectivas carreras en solitario, pero limitar la obra de Jacques Tourneur a estas piezas y por ende al cine de serie B es, desde luego, ignorar una rica y extensa filmografía repleta de valiosas cintas en las que, tal y como nos demuestra en su libro Rubén Higueras, perdura la marca de estilo del director francés. Tal y como nos detalla el autor, su interés por escribir una obra sobre Tourneur se debe a que “Posee una obra de inigualable riqueza formal, narrativa y temática que, además, transita los más diversos géneros, lo que me aseguraba una gran variedad de temas en el análisis de su obra, cosa que tanto el autor como el futuro lector siempre agradecen”.

Para Rubén Higueras hay en Tourneur unas constantes que definen su obra: “Una depurada economía y fluidez narrativa, la preferencia por la connotación antes que por la denotación, la densidad significante de sus imágenes, la contrastada iluminación de cariz expresionista que presentan sus filmes, las ficciones se vertebran en torno a una acentuada ambivalencia y relativización de la verdad, entre muchos otros”. Así que tras ofrecernos unos apuntes biográficos del cineasta, analiza estas constantes temáticas, narrativas y formales, complementando este análisis mediante el repaso cronológico y riguroso de cada cinta del director, hallando planos simbólicos, detalles narrativos y estilísticos y, en general, puntos en común con los que demostrar el carácter del cineasta como autor.

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Conoceremos las primeras experiencias de Tourneur como asistente de su padre, el también director Maurice Tourneur, donde conocerá los secretos del montaje. Sin olvidar las poco (o nada) conocidas cintas dirigidas en Francia y los cortos para la Metro, que fueron seguidos por producciones de serie B tanto para la misma MGM, como para otros estudios menores como Republic. Naturalmente Rubén se detiene especialmente en la etapa que desarrolla el director en RKO y su colaboración con Val Lewton, ya que para el autor, La mujer pantera y Yo anduve con un zombiConcentran tanto la esencia de la poética tourneuriana como la del género en que se inscriben, abriendo la puerta a la formulación cinematográfica de un terror maduro”. Pero no trata con menor minuciosidad los siguiente trabajos del cineasta para grandes estudios como Universal, donde con Tierra generosa (Canyon Passage, 1946), otra de las favoritas del autor, Tourneaur nos demuestra su pictórico uso del Technicolor. Asistiremos además al rodaje de reconocidas muestras de cine negro como Retorno al pasado (Out of the Past, 1947), grandes producciones de aventuras como El halcón y la flecha (The Flame and the Arrow, 1950) y el retorno del realizador a las producciones modestas, que no abandonará hasta su fallecimiento, dejando un legado que comprende, además de los títulos mencionados, importantes producciones como Berlín Express (1948), La mujer pirata (Anne of the Indies, 1951), Wichita (1955), La noche del demonio (Night of the Demon, 1957) y La comedia de los terrores (The Comedy of Terrors, 1964), entre muchas otras.

wolfman-cat1Visionar la obra del cineasta no siempre ha sido una labor fácil para el autor: “Recabar sus cortometrajes, largometrajes realizados en Francia y trabajos televisivos ha resultado en ocasiones un trabajo de cierta complejidad. Algunos de estos últimos, de hecho, me resultaron imposibles de visionar, pero otros están comercializados en formatos domésticos en otros países (su trabajo para series famosas como Bonanza, Northwest Passage o The Barbara Stanwyck Show) o, en el caso de los más desconocidos, tuve que recurrir a grabaciones en vídeo de la época”.

Rubén en sus casi 500 páginas ha realizado la que sin duda quedará como obra de referencia sobre Tourneur en castellano. Una recomendable y necesaria pieza en nuestra biblioteca cinematográfica que nos llega de la mano de Editorial Cátedra.

 

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 26 de febrero *

25 febrero 2016 Deja un comentario

13 HORAS, LOS SOLDADOS SECRETOS DE BENGASI (13 Hours: The Secret Soldiers of Benghazi, Michael Bay, 2016)

USA. Duración: 144 min. Guión: Chuck Hogan (Libro: Mitchell Zuckoff) Música: Lorne Balfe Fotografía: Dion Beebe Productora: Paramount Pictures / 3 Arts Entertainment Género: Thriller bélico.

Reparto: James Badge Dale, John Krasinski, David Denman, Pablo Schreiber, Max Martini, Freddie Stroma

Sinopsis: El filme se centra en el equipo de fuerzas especiales de rescate. Del director Michael Bay llega “13 horas: Los soldados secretos de Bengasi”, basada en los hechos acontecidos durante el ataque terrorista a la embajada de EEUU en Bengasi (Libia) el 11 de septiembre de 2012. Seis ex militares de élite, cuya tarea era proteger a la CIA, tuvieron el coraje de hacer lo correcto y sostuvieron una lucha, contra todo pronóstico, para defender al personal de la embajada. Esta película, basada en hechos reales, nos cuenta las 13 angustiosas horas que vivieron esos ex-militares durante el ataque.

13-horas-los-soldados-secretos-de-bengasi-882x1377Basada en el libro 13 Horas de Mitchell Zuckoff, escrito en colaboración con los personajes reales del Equipo de Seguridad Annex, esta cinta termina siendo una loa al sacrificio de los soldados norteamericanos, cuya vida personal y familiar se nos retrata a golpe de brocha, encontraste con los villanos, los malos, los mal encarados libios, que no son seres humanos son, sencillamente, los malos. De hecho una de las zonas a vigilar por el destacamento de soldados la han bautizado como Zombieland. Y eso es lo es el enemigo: sombras a las que, significativamente, abaten disparándoles en la cabeza. Enemigos que no agradecen haber sido liberados a golpe de invasión y destrucción y que, tal y como se recuerda en el texto de turno que sirve como epílogo a la cinta, habitan en un país que se ha convertido actualmente en cuna para el ISIS.

Sin un ápice de autocrítica y sin sentido del minutaje, esta eterna cinta resulta atmosférica precisamente cuando está finalizando, en el momento del amanecer, cuando todo termina tras una noche de órdago. Sí, se critica finalmente al papel desempeñado por la CIA y la labor de la burocracia a la hora de enviar refuerzos pero… francamente, uno se llega a perder entre esta ensalada de tiros, tipos duros y testosterona. Tan absurda y confusa como la guerra que retrata.

EL BOSQUE DE LOS SUICIDIOS (The Forest, Jason Zada, 2016)

USA. Duración: 93 min. Guión: Nick Antosca, Sarah Cornwell, David S. Goyer, Ben Ketai Música: Bear McCreary Fotografía: Mattias Troelstrup Productora: Gramercy Pictures / Lava Bear Films Género: Terror

Reparto: Natalie Dormer, Taylor Kinney, Yukiyoshi Ozawa, Eoin Macken, Rina Takasaki, Kikuo Ichikawa, Noriko Sakura, Yûho Yamashita, Stephanie Vogt, James Owen, Nadja Mazalica, Terry Diab

Sinopsis: Convencida de que su hermana gemela aún está viva, Sara (Natalie Dormer) cruza el océano en su busca. La joven ha desaparecido misteriosamente en el legendario bosque Aokigahara, situado en la falda del Monte Fuji en Japón, un lugar en el que existen extrañas creencias ya que la gente suele acudir allí para suicidarse.

A pesar de las advertencias de todo el mundo para que no entre en el bosque, Sara acaba adentrándose en este lugar mágico y misterioso, decidida a descubrir la verdad sobre lo sucedido y cuál fue el destino de su hermana, con la que Sara tiene un lazo emocional muy profundo. Al hacerlo se enfrentará a las almas atormentadas de aquellos que han muerto en este lugar y que asedian a todo aquel que deambule por el bosque.

Deslucida opera prima de Jason Zada con buenos momentos atmosféricos que quedan malogrados por un guión confuso y mal desarrollado. Una auténtica lástima. (Crítica completa en este enlace)

LA HABITACIÓN (Room, Lenny Abrahamson, 2015)

Irlanda. Duración: 118 min. Guión: Emma Donoghue (Novela: Emma Donoghue)Música: Stephen Rennicks Fotografía: Danny Cohen Productora: Film4 / Irish Film Board / Element Pictures Género: Drama

Reparto: Brie Larson, Jacob Tremblay, Joan Allen, William H. Macy, Megan Park, Amanda Brugel, Sean Bridgers, Joe Pingue, Chantelle Chung, Randal Edwards, Jack Fulton, Kate Drummond

Room cartelHuyan ustedes de las sinopsis, no dejen que les cuenten la película, porque La habitación es una de esas cintas cuya trama debe irse descubriendo conforme nos vamos sumergiendo en ella. El irlandés  Lenny Abrahamson nos conduce con paso firme y excelente pulso narrativo a través de la amorosa relación entre una madre y su hijo que son todo el uno para el otro en el pequeño universo que han creado.

¿Qué puedo contar como aperitivo para que les apetezca todavía más verla? Empezaría diciendo que la traducción del título en español es incorrecta, ese artículo determinado que han antepuesto al nombre desvirtúa el sentido del filme. Efectivamente, hay que llamarla Habitación a secas porque ese es el nombre con el que los personajes designan su espacio. Sin artículo, porque vemos ese universo desde los ojos de un niño de cinco años y para él todo lo que existe es singular, cada cosa que le rodea es el único ejemplar de su especie  porque el mundo entero está en habitación, más allá sólo hay el espacio extraterrestre y la bidimensional esfera de la televisión con sus colores saturados. Nadie es real más allá de Ma y él mismo, ni siquiera el Viejo Dick se libra de tener un punto de imaginario. Así es como un cubículo puede ser el paraíso y la vida plena entre cuatro paredes.

Para continuar abriendo boca debo indicar  que, donde cualquier película que quisiéramos nombrar referente termina, La habitación sigue y así podemos descubrir que después del trauma puede llegar otro de distinto cuño pero igual de opresivo. Tras el final supuestamente feliz, la vida continúa y readaptarse puede ser un trabajo tan angustioso como la desesperación del encierro. Mundo está lleno de matices, cada rincón esconde un nuevo estímulo, regresar a él aumenta la percepción del drama vivido porque las cosas no están donde estaban y lo perdido se vuelve más consciente. Sólo el amor dará la “fuerteza” y sólo el adiós cerrará la herida; ese es el recorrido de la cinta, desde el buenos días Habitación hasta el adiós definitivo que cierra el círculo y deja entrar la libertad y la vida.

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También puedo hablar de la excelente labor de los protagonistas. La actriz y cantante estadounidense Brie Larson encarna a Ma. Favorita en la carrera por el Óscar tras  ganar 15 premios como mejor actriz por La habitación, incluyendo los más importantes, nos trae en esta película una interpretación llena de humanidad que hace plenamente creíble su personaje, la actriz deja su piel en ello y eso hace que empaticemos rápidamente con Ma. De la mano de Larson tomamos conciencia del drama en todos sus matices, sobre todo de los que llegan una vez rebasados los muros de su cautiverio. Una interpretación, la suya, que permite que Ma se convierta en uno de nuestros personajes imborrables. Pero si alguien lleva el peso de la función ese es el pequeño Jacob Tremblay, él es Jack, el niño nacido en ese pequeño espacio de tres metros cuadrados que con su sola presencia rompe los muros y da amplitud universal tras esa puerta siempre cerrada. Con apenas nueve años, el pequeño canadiense es un auténtico actor revelación que lo llena todo con su presencia.

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Y puedo acabar diciendo que, en una época marcada por los remakes, precuelas, secuelas, refundaciones y un largo etcétera de revisiones de éxitos pasados, La habitación supone un soplo de aire fresco por su condición de original. Nos trae una dura temática que había dado títulos cargados de angustia claustrofóbica, y lo hace cambiando radicalmente el enfoque. Mirando por los ojos de Jack, nos asoma a una lectura mágica del mundo que es capaz de derribar todas las limitaciones y permite mantener indemne la esperanza. Dos actores en estado de gracia y un director con buen pulso que ha sabido sacar lo más jugoso que contiene la novela que adapta, han creado una historia inmensa desde la humildad de sus mimbres.

Cuatro palabras a modo de conclusión: no se la pierdan.

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

El bosque de los suicidios, oportunidad perdida

25 febrero 2016 Deja un comentario

El_bosque_de_los_suicidios-931379527-largeSinopsis: Convencida de que su hermana gemela aún está viva, Sara (Natalie Dormer) cruza el océano en su busca. La joven ha desaparecido misteriosamente en el legendario bosque Aokigahara, situado en la falda del Monte Fuji en Japón, un lugar en el que existen extrañas creencias ya que la gente suele acudir allí para suicidarse.

A pesar de las advertencias de todo el mundo para que no entre en el bosque, Sara acaba adentrándose en este lugar mágico y misterioso, decidida a descubrir la verdad sobre lo sucedido y cuál fue el destino de su hermana, con la que Sara tiene un lazo emocional muy profundo. Al hacerlo se enfrentará a las almas atormentadas de aquellos que han muerto en este lugar y que asedian a todo aquel que deambule por el bosque.

El seppuku, suicidio ritual japonés, formaba parte del bushidō, el código ético de los samuráis, y se realizaba de forma voluntaria para morir con honor en lugar de caer en manos del enemigo y ser torturado, o bien como una forma de pena capital para aquellos que habían cometido serias ofensas o se habían deshonrado. La consideración del suicidio como decisión moral es milenaria en el país del sol naciente, no extraña, pues, que, situado en la novena posición de mayor número de suicidios, darse muerte por mano propia goce todavía de bastante tolerancia entre la sociedad nipona. Hay en Japón toda una cultura del suicidio que se extiende desde los samurais a los kamikazes, desde las leyendas a la literatura, y llega hasta los suicidios colectivos concertados por Internet fundamentalmente entre adolescentes (sólo a raíz de estos ha empezado a problematizarse para la sociedad).

A caballo entre la leyenda y la realidad nos encontramos con Aokigahara también conocido como Jyukai (Mar de Árboles), el bosque que ocupa mas de 3.000 hectáreas en las faldas del Fujiyama y es elegido por decenas de personas para quitarse la vida. Ya en el Japón feudal, que duró hasta el siglo XIX, cuando tenía lugar una hambruna las familias más pobres se acercaban a este bosque para abandonar y dejar morir a los niños y personas mayores que no podían alimentar (práctica que nos hace pensar en la magistral La balada de Narayama). Desde el siglo XX su misterio fue abordado por la literatura, destacando el libro de Tsurumi Wataru titulado Kanzen Jisatsu Manyuaru (El Completo Manual del Suicidio, 1993), que ha vendido 173 millones de ejemplares en Japón, y que recomendaba Aokigahara  como el lugar perfecto para quitarse la vida. Desde 1950 se han encontrado cadáveres en el bosque, en 2003 se rompió el récord con 100 cuerpos. Para no alarmar a la población, el gobierno ha dejado de revelar todas las cifras de defunciones en el bosque y desde 1970 se realiza una búsqueda anual para recuperar los cuerpos. Y claro,  a esta triste realidad la envuelve la leyenda, leyenda sobre almas vagando en pena que se materializarían ante los que se adentran en este mar de árboles, algunos argumentan que el bosque está plagado de Yurei (fantasmas de la tradición popular japonesa) quienes regresan a la vida terrenal debido a la falta de una ceremonia funeraria adecuada o por cometer suicidio, con lo que persiguen a quienes se cruzan en su camino.

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Con este material era inevitable que  alguien tuviera la idea de ambientar ahí una cinta de terror. Un entorno atmosférico de por sí, con el toque macabro de los restos humanos que allí se pueden encontrar y esa creencia en presencias sobrenaturales, trazan el marco ideal para un filme de género. Eso es lo que debió de inspirar al debutante Jason Zada su primer largo, que llega a nuestras carteleras este fin de semana. Zada, formado en la publicidad y los vídeos musicales, con tres cortos en su haber, y 10.000.000 de presupuesto, se aventura en las aguas procelosas del thriller psicológico. Sin embargo, no obtiene el resultado deseado.

No fallan los hilos (es sólo una anécdota que el bosque tuviera que ser recreado en Serbia por la negativa de las autoridades japonesas para rodar en la localización real), de hecho logra momentos verdaderamente atmosféricos, pero sucumbe a la tentación de recurrir al susto fácil y previsible. Zada desaprovecha las posibilidades que ofrece el entorno, su carácter fatídico y su aura de misterio. El bosque de Aokigahara tiene una historia por contar (de hecho varias, que ya se han adaptado al cine con mayor o menor fortuna), pero esa historia no es la que nos presenta el debutante. La trama peca por ambición, por haber mezclado el fatalismo del bosque con la exposición de la relación de los gemelos univitelinos que siempre ha sido propicia a darle un aire extrasensorial y haber añadido, además, subtramas que no quedan bien resueltas (sobre el personaje de Eoin Macken se generan unas expectativas de intriga que a tenor del resultado solo podemos calificar de innecesarias). Quiere jugar a las repetidas vueltas de tuerca pero, más que provocar la sorpresa del espectador, lo único que consigue es darle al guion un tono confuso y enmarañado que desluce el misterio. Zada malogra las buenas ideas que podían haber entramado la historia y nos trae una cinta fallida que no puede generar más que decepción.

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Un planteamiento prometedor que se asfixia por su mal desarrollo, eso es El bosque de los suicidios, de la que sólo puede salvarse la interpretación de Natalie Dormer que hace todo lo que puede para darle entidad a su personaje. Una verdadera lástima.

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

Frank Miller estará en el Salón del Cómic de Barcelona

25 febrero 2016 Deja un comentario
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El 34 Salón Internacional del Cómic de Barcelona será una de las ediciones más recordadas por todos los asistentes. No sólo por el récord de espacio ocupado y actividades presentadas, sino también por el renombre de sus invitados. A los ya anunciados se sumará el de Frank Miller. El veterano autor, uno de los autores más importantes de la historia del cómic, acudirá al Salón del Cómic de Barcelona como invitado de honor, gracias a la colaboración de ECC Ediciones con FICOMIC.
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Stan Lee, Frank Miller y… El caballero oscuro

Frank Miller (Olney, Maryland, Estados Unidos) inició su trayectoria profesional a finales de los años 70, firmando sus primeras colaboraciones con editoriales como Gold Key, Marvel y DC Comics. Tras pasar por cabeceras como Spectacular Spider-Man o Daredevil –donde ya acreditó su talento– se convirtió en uno de los autores más destacados en la historia de DC Comics gracias a una serie de proyectos hoy reconocidos como clásicos. Con Ronin (1983-1984) sintetizó el influjo de la bande dessinée europea y del cómic oriental, inspirándose en dos referentes del manga como bc2ef783cdcd5c9f03497629e936cc0eKazuo Koike y Gôseki Kojima. Y sus proyectos relacionados con el Hombre Murciélago marcaron un antes y un después: por el tono y los recursos narrativos empleados, por impulsar la utilización de nuevos formatos y técnicas de impresión, y por imaginar el pasado y el futuro del personaje acompañado de autores de la talla de David Mazzucchelli, Jim Lee, Klaus Janson y Lynn Varley. Nos referimos a Batman: El regreso del Caballero Oscuro (1986), Batman Año uno (1987), Batman: El contraataque del Caballero Oscuro (2001-2002) y Batman: All-Star (2005-2008).
En su bibliografía también destacan obras como Daredevil: Born Again, Elektra: Asesina y Elektra Lives Again. Pero durante la década de los noventa se centró en el desarrollo de proyectos personales, convirtiéndose en un referente del cómic independiente americano gracias a títulos como Hard Boiled, la saga de Martha Washington, Sin City y 300. Una trayectoria reconocida con dos Premios Harvey y seis Premios Eisner.
$_3El talento de Miller ha traspasado las fronteras del cómic, ya que codirigió la adaptación cinematográfica de Sin City y su secuela Sin City 2: Una dama por la que matar, ejerció de productor ejecutivo en el largometraje 300 y dirigió en solitario la traslación a la gran pantalla de The Spirit, de Will Eisner.

Esta es una ocasión muy especial, ya que va a ser la primera vez, en toda su larga y exitosa trayectoria, que el prestigioso Frank Miller visite como invitado de honor una convención española y será el Salón Internacional del Cómic de Barcelona, justo a tiempo para conmemorar el 30 aniversario de Batman: El regreso del Caballero Oscuro y coincidiendo con el lanzamiento de su esperadísima secuela: Caballero Oscuro III: La raza superior, serie limitada de ocho entregas desarrollada en colaboración con Brian Azzarello, Andy Kubert y Klaus Janson.

Las entrevistas a Frank Miller deberán solicitarse a Merche Bermúdez, responsable de comunicación de ECC Ediciones, al mail prensa@eccediciones.com.

El 34 Salón Internacional del Cómic de Barcelona se celebrará del jueves 5 al domingo 8 de mayo en Fira de Barcelona Montjuïc.

La venta anticipada de entradas se iniciará el 1 de marzo directamente a través de www.ficomic.com.

El cine en zapatillas: Duros documentales y México bizarro

23 febrero 2016 Deja un comentario

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THE ACT OF KILLING / LA MIRADA DEL SILENCIO (The Look of Silence) 3 DVD

THE ACT OF KILLING: Dinamarca /Noruega/UK. Año: 2012 Duración: 117 min. Director: Joshua Oppenheimer, Christine Cynn. Guión: Joshua Oppenheimer, Christine Cynn Música: Karsten Fundal Fotografía: Carlos Arango De Montis, Lars Productora:  Final Cut for Real / Arts and Humanities Research Council (AHRC) / Danmarks Radio (DR) Género: Documental

LA MIRADA DEL SILENCIO (The look of Silence):Dinamarca / Finlandia / Indonesia / Francia / UK. Año: 2014 Duranción: 99 min. Director: Joshua Oppenheimer Guión: Joshua Oppenheimer. Música: Seri Banang, Mana Tahan. Fotografía: Lars Skree. Productora: Final Cut for Real. Género: Documental

1507-1Tras el golpe de estado militar de 1965, el general Suharto ocupó el poder en Indonesia con el beneplácito de  Estados Unidos y su política de erradicación del comunismo. A continuación llegó el genocidio: miles de comunistas, reales o presuntos, fueron asesinados por los escuadrones de la muerte. Los habitantes de pequeñas poblaciones tuvieron que aprender a convivir con sus asesinos y hubo un acuerdo tácito de olvidar. The Act of Killing (2012)  Joshua Oppenheimer permitía que los propios asesinos se jactaran y se pusieran en evidencia relatando los detalles de sus tropelías, sintiéndose héroes al recordar y representar sus crímenes, ofreciendo un sobrecogedor retrato de la maldad humana sin ningún tipo de concesión hacia el espectador, testigo mudo de toda esa crueldad. Precisamente mientras se rodaba esa película, en la que se pone nombre a una de las víctimas, Ramli, su  familia descubrió cómo fue asesinado su hijo.  El hermano más joven de la víctima, Adi, decide romper el silencio y el miedo con el que viven los supervivientes, enfrentándose así a a los responsables del asesinato de su hermano – algo inimaginable en un país donde los asesinos permanecen en el poder.

Tan solo en el título, La mirada del silencio,  se encuentran los factores fundamentales del documental: La mirada acusadora de una víctima, que hace las veces de entrevistador, a los verdugos de su hermano en un cara a cara sin palabras, silencioso. Sin apartar la vista. Regalando momentos incómodos para el verdugo, que desea marchar, mirar hacia otro lado, desaparecer, amenazando incluso antes que enfrentarse a esa mirada limpia y digna que quiere romper con el silencio con el que se ha intentado enterrar el pasado. Ni víctimas ni verdugos parecen querer recordar. Ahora viven en una democracia, y si quieren que no se repitan los hechos del pasado, hay que enterrar y olvidar ese pasado. A pesar de que muchos de los responsables de esas matanzas continúan en el poder.

Si The Act of Killing nos rebelaba como seres humanos, esta mirada del silencio nos consuela en parte al permitir que, por medio de Adi, las víctimas puedan enfrentarse a sus verdugos. Mirarles cara a cara. Pero La mirada del silencio es mucho más, es un testimonio sobre la vida y la muerte. La justicia y la falta de ella. Y sobre el ser humano y la falta de humanidad. Sobre nuestra ceguera en este mundo en el que cualquier noticia entierra la anterior en segundos. La sobreinformación que paradójicamente produce silencio y ceguera.

Dos documentales complementarios, sobrecogedores e imprescindibles.

(En este enlace pueden leer un interesante y revelador artículo escrito por el propio director Joshua Oppenheimer sobre porqué decidió rodar estos documentales, como lo consiguió y las consecuencias de hacerlos hecho)

Sonido: V.O. Indonesio e inglés 5.1
Subtítulos: Castellano
Extras: Tráiler, ficha técnica, ficha artística – THE ACT OF KILLING incluye EL MONTAJE DEL DIRECTOR
Formato: (pantalla):Panorámica 16/9 (imagen):1.85:1
Duración:115+103

LA CALLE DE LA AMARGURA (Arturo Ripstein, 2015) DVD

México / España. Duración: 99 min. Guión: Paz Alicia Garciadiego Fotografía: Alejandro Cantú (B&W) Productora: Productora 35 / Wanda Visión / Equipment & Film Design / Cinema Maquina / Alebrije Cine y Video Género: Drama

Reparto: Patricia Reyes Spíndola, Nora Velázquez, Silvia Pasquel, Arcelia Ramírez, Alejandro Suárez, Emoé de la Parra, Greta Cervantes, Alberto Estrella, Eligio Meléndez

La_calle_de_la_amargura-964785153-largeSinopsis: De madrugada, dos putas de mediana edad vuelven a sus cuchitriles. No están cansadas de trabajar. Están cansadas de no hacerlo. Una tiene problemas con una hija adolescente y un marido travestido. La otra tiene que enfrentarse a la soledad. Pero esa noche van a ir a celebrar la victoria en el ring de dos luchadores enanos. En el hotel, para desvalijar a los hombres, los narcotizan. Pero están tan asustadas y confusas que cometen toda clase de errores.

Ya en DVD esta cinta del inclasificable e indomable Ripstein que inauguró el Festival de Cine de Gijón. Un melodrama mexicano habitado por putas viejas y luchadores enmascarados enanos (o liliputienses, como especifica uno de ellos), fotografiado en un maravilloso blanco y negro repleto de grises. Pura orfebrería  visual y todo un homenaje al cine mexicano, excesivo ya desde sus inicios, en su retrato de la miseria y la canallesca, aunque manteniendo la distancia con los personajes y añadiendo gotas de ironía y humor. Un fatalismo que puede recordar al que destilaban los habitantes de Los olvidados (1950), y es que no en vano, Ripstein fue amigo personal de Luis Buñuel, iniciando sus pinitos en el cine trabajando para él. Incluso el cartel parece basarse en los clásicos, muchos de ellos ilustrados por Clavé.  Poética de la sordidez donde las prostitutas son llamadas ‘sexo servidoras’ con la tragedia y el fatalismo tan caro a una cultura mexicana que escoge convivir con la muerte en su fiesta de difuntos.

Vienes, nos echamos unos tragos y odiamos a todo y a todos’.  

Sonido: V.O. Español 5.1
Extras: Tráiler, ficha técnica, ficha artística
Formato: (pantalla):Panorámica 16/9 (imagen):1.85:1
Duración:95′

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 19 de febrero *

19 febrero 2016 Deja un comentario

DIOSES (Bogowie, Lucask Palkowski, 2014) 

Polonia. Duración: 120 min. Guión: Krzysztof Rak Música: Bartosz Chajdecki Fotografía: Piotr Sobocinski Jr. Productora: Watch Out Productions Género: Drama

Reparto: Tomasz Kot, Piotr Glowacki, Szymon Piotr Warszawski, Magdalena Czerwinska, Rafal Zawierucha, Marta Scislowicz, Karolina Piechota, Wojciech Solarz, Arkadiusz Janiczek, Cezary Kosinski, Konrad Bugaj, Magdalena Kaczmarek, Magdalena Wróbel … Nurse Michalina, Milena Suszynska, Jan Englert, Wladyslaw Kowalski, Zbigniew Zamachowski, Marian Opania, Malgorzata Lata, Kinga Preis

DiosesSinopsis: Basada en hechos reales, cuenta la historia del cirujano Zbigniew Religa, quien hizo el primer trasplante de corazón exitoso en Polonia en los años 80 en contra de la opinión de sus colegas y luchando por sacar adelante su propia clínica. Religa, al atreverse a trasplantar un corazón humano, rompió barreras morales, culturales y religiosas.

Con atmósfera sórdida y gris, repleta de humo de cigarrillos y ceniceros llenos de colillas, se nos narra, casi en tono de aventura, la epopeya del visionario doctor Religa, en su empeño en realizar un trasplante de corazón con éxito en aquella Polonia que estaba viviendo el final del comunismo y en la que las estructuras de estado comenzaban a zozobrar. Gore, comedia, emoción y quizás un exceso de metraje en una de las pocas cintas polacas que narran con un tempo vivaz. Su director no podría haber escogido un actor más creíble para el papel, el gigantesco Tomasz Kot con sus luciferinas cejas nos lleva de un lado para otro, nos intoxica y nos contagia con su energía, determinación y también desesperación, mientras que la banda sonora, compuesta a base de palpitaciones, va marcando el ritmo.

EL MAL QUE HACEN LOS HOMBRES (The Evil That Men Do, Ramón Termens, 2015)

España. Duración: 94 min. Guión: Daniel Faraldo Música: Yuval Ron Fotografía: Sergi Bartrolí Productora: Segarra Films Género: Thriller

Reparto: Daniel Faraldo, Andrew Tarbet, Sergio Peris-Mencheta, Priscilla Delgado, José Sefami, Nikol Kollars, Marco Tulio Luna, Marco Román, Israel Zuñiga, Raul Espinosa, Pau Castro, Sara Barajas

Sinopsis: Un sicario y un médico que trabajan para un cártel del narcotráfico reciben un “paquete” inusual: una niña de 10 años, hija del jefe de una banda rival, a quien tendrán que custodiar hasta que reciban la orden de cortarla en pedazos o dejarla en libertad. La niña pronto se dará cuenta de que su única posibilidad de sobrevivir será llegar a las profundidades de la psique de sus captores y averiguar si les queda alguna pizca de humanidad.

El-mal-que-hacen-los-hombres“¡El mal que hacen los hombres les sobrevive! ¡El bien queda frecuentemente enterrado con sus huesos!“, estas palabras de Marco Antonio en Julio César sirven de cierre al último trabajo de Ramón Térmens. Sírvannos a nosotros como apertura del comentario para tratar de contradecir al gran Shakespeare, esto es, para que permanezcan los aciertos del director catalán por encima de sus fallos. Es la actitud que nos parece más justa ante esta cinta bienintencionada y voluntariosa, aunque el resultado global no esté a la altura del propósito.

Lo primero que hay que elogiarle a Térmens es que se haya atrevido a tratar en clave de thriller el México de los cárteles y el narcotráfico. Un claro intento de abrirle horizontes a la cinematografía patria tanto en lo que se refiere al tema como al género elegido para relatar la historia. Es una propuesta refrescante, pero también arriesgada pues conlleva la dificultad de ser capaz de capturar con un mínimo de fidelidad una realidad alejada de la nuestra (por mucho que sepamos de ella por los informativos), y Térmens sale bastante bien parado del intento especialmente en la primera media hora del filme en la que presenta a los personajes, el conflicto y la intención de universalizar su material poniéndolo al servicio de la reflexión sobre los límites de la violencia existente hoy en día (como el mismo declaraba a EFE). Esa primera media hora condensa los mejores aciertos de la puesta en escena, consiguiendo maximizar los escasos medios de los que dispone hasta hacernos olvidar su bajo coste.

Economizando recursos expresivos, la cabecera del filme nos pone en situación con un simple travellíng que recorre la tierra rojiza de una pista sobre la que escuchamos una emisora retransmitiendo las noticias. En el noticiario se informa sobre los actos de los narcos, las balaseras que se cobran vidas inocentes, para inmediatamente después pasar a los deportes con un tono festivo que nos lleva a pensar como la sociedad se desentiende del problema que les cercena. Con esta sencillez ya nos ha situado parte del conflicto y rematará esta labor con la ágil presentación de los protagonistas que acaba con una pregunta, ¿hasta dónde acatarían sin vacilar las órdenes de su capo? Bajo ese interrogante pivotará la acción cuando se tense por el encargo de custodiar a una niña hasta recibir la orden de liberarla o descuartizarla.

Térmens con pocos personajes y una acertada localización (la vieja factoria Derby en Martorelles que fue el detonante del guión) nos sumerge en un thriller claustrofóbico en el que la iluminación aportará una dimensión de concierto de cámara que quiere tener como referente el Reservoir Dogs de Tarantino. El catalán busca generar intriga con pocos elementos y regar el relato con gotas de humor cartoonesco (ese congelador donde se guardan cadáveres y cabezas cortadas que habrán de ser entregadas como medio de extorsión tiene mucho de viñeta cómica). Y lo consigue hasta que algunas decisiones de guión precipitadas destemplan la obra.

Tanto como aciertos, El mal que hacen los hombres tiene mucho de fallida. Errores de bulto que malbaratan sus logros, concentrados casi todos ellos en el tercer acto. En la raíz del planteamiento ya estaba esbozada la evolución del relato hacia una historia de redención, de modo que estábamos predispuestos a aceptar los giros de guión necesarios para llegar a esa conclusión. No pretendíamos tampoco exigirle que no cayera en desarrollos previsibles, la modestia de la obra apelaba a nuestra comprensión en ese sentido. Pero se le esperaba la capacidad de mantener la verosimilitud hasta el final (y decimos verosimilitud, no verismo). En el último tercio de la cinta esa capacidad se pierde y ello nos lleva a interrogar continuamente al guión (¿no estábamos en un espacio sellado del que no se puede salir ni entrar? ¿cómo empiezan a aparecer entonces toda la serie de secundarios que pueblan el desenlace?), con lo que la película nos pierde como espectadores. Otro tanto ocurre con el arco de transformación, esperamos la inversión de roles, pero esperábamos también que la metamorfosis estuviera justificada, bien justificada. La película de Térmens se deshincha progresivamente y sus actores van perdiendo convicción. Nuevamente nos encontramos ante la evidencia de que no siempre las buenas intenciones acaban en buenos resultados.

El mal que hacen los hombres nos deja un poso de tristeza porque hubiéramos querido darle nuestra aprobación. Y lo cierto es que habría bastado con pulirle las aristas a su guión, que acaba pareciendo precipitado, para haberlo logrado. Térmens tiene todavía que madurar mucho para darnos la película redonda que está a su alcance. El soplo de aire fresco que supone su propuesta nos hace pensar que en un futuro logrará una cinta a la altura de su voluntad.

DEADPOOL  (Tim Miller, 2016)

Duración: 106 min. Guión: Rhett Reese, Paul Wernick (Personajes: Rob Liefeld, Fabian Nicieza) Música: Junkie XL Fotografía: Ken Seng Productora: Marvel Enterprises / Marvel Studios / 20th Century Fox Género: Acción

Reparto: Ryan Reynolds, Morena Baccarin, Gina Carano, T.J. Miller, Ed Skrein, Rachel Sheen, Brianna Hildebrand, Paul Lazenby, Sean Quan, Ben Wilkinson, Naika Toussaint, Olesia Shewchuk, Kyle Cassie, Style Dayne, Fabiola Colmenero, Stan Lee

Sinopsis: Basado en el anti-héroe menos convencional de la Marvel, Deadpool narra el origen de un ex-operativo de la fuerzas especiales llamado Wade Wilson, reconvertido a mercenario, y que tras ser sometido a un cruel experimento adquiere poderes de curación rápida, adoptando Wade entonces el alter ego de Deadpool. Armado con sus nuevas habilidades y un oscuro y retorcido sentido del humor, Deadpool intentará dar caza al hombre que casi destruye su vida.

DEADPOOL con fecha de estrenoEn esta casa somos de Marvel, no nos vamos a engañar. Así que nos alegramos de que un actor que nos cae tan simpático como es Ryan Reynolds, que tiene en su haber algunas piezas favoritas de Serendipia como Buried (Rodrigo Cortés, 2010) o The Voices (Marjane Satrapi, 2014), tenga la oportunidad de quitarse la espinita que le dejó su incursión en el mundo de los súper héroes como Green Lantern. Y se la quita a base de bien: Deadpool fue todo un revulsivo revitalizante para los cómics de súper héroes como puede serlo para las películas de género súper heroico, que amenazan con saturar y agotar al espectador. Rob Liefeld y  Fabian Nicieza ofrecieron en las páginas de Deadpool una suerte de amistoso vecino Spiderman pero con sus bromas y comentarios sarcásticos llevados hasta el paroxismo y cargando tinta (roja) en la violencia. Violencia de video juego, ya saben, paródica, exagerada, pero violencia a fin de cuentas. Si Kick Ass resultó ser todo un soplo de aire fresco, Deadpool produce el mismo efecto. Y además cuenta con la presencia de Morena Baccarin, con lo que ya tienen ganado a más de un espectador, el que esto les cuenta  incluido, y  dos X-Men. Acción desbordante, diversión, lenguaje soez y muchos más aliciente hacen Deadpool más que una propuesta interesante para ir al cine. Así que, ¿Qué más puede pedirse? ¿Más?, pues ya está planeada una continuación dirigida, al igual que esta primera entrega, por el debutante Tim Miller.

ANOMALISA (Duke Johnson y Charlie Kaufman, 2015)

USA. Duración: 90 min. Guión:  Kaufman, Dan Harmon Música: Carter Burwell  Productora: Starburns Industries Género: Drama de animación.

Reparto: David Thewlis, Jennifer Jason Leigh, Tom Noonan

Sinopsis: Michael Tone, marido, padre y respetado autor de “Permítame ayudarle a ayudarles” es un hombre atormentado por su banal existencia. De viaje de negocios en Cincinnati, donde dará una conferencia en una convención para profesionales de la atención al cliente, llega al Hotel Fregoli. Una vez allí, le asombra descubrir un posible escape a su desesperación, una tímida comercial de una panadería en Akron llamada Lisa, quien bien podría ser el amor de su vida… o no.

anomalisa-posterCharlie Kaufman, una de las mentes creativas más geniales del cine contemporáneo, guionista de películas como “Cómo ser John Malkovich” u “¡Olvídate de mí!”, y director de “Synechdoche, New York”, regresa con su primera incursión en el mundo de la animación para contarnos la historia de un hombre que busca escapar de su anodina existencia. El particular mundo de Charlie Kaufman se disfraza de stop-motion y se pone al servicio de esta joya hecha al margen de Hollywood, que cuenta con Dan Harmon (Community) como productor ejecutivo. Junto a Kaufman co-dirige Duke Johnson, productor y director de cortos y de series, entre las que se incluyen “Mary Shelley’s Frankenhole” y “Community”. Nominada al Oscar© a la Mejor Película de Animación, la cinta cuenta con las voces de Jennifer Jason Leigh, Tom Noonan y David Thewlis.

Anomalía

Del lat. anomalĭa, y este del gr. ἀνωμαλία anōmalía.

1. f. Desviación o discrepancia de una regla o de un uso.

Esta es la primera acepción de la palabra que Lisa aprendió en el libro de Michael Tone, ella que tuvo que leerlo con el diccionario en la mano. Lo que cae bajo el signo de la anomalía es lo que se desvía del orden, tanto de la regla como de la costumbre, lo que se aparta de lo normal tanto por lo que se refiere a la norma como a lo que es habitual. Es lo aberrante, lo deforme (Lisa tiene una cicatriz en su rostro), pero también lo singular. Y como tal puede entenderse como lo peculiar, lo excepcional, que reside en el prodigio y la maravilla. Así ve Michael a Lisa y funda para ella la palabra ‘anomalisa’ como síntoma de que solo ella puede distinguirse dentro de un mundo monocorde, solo ella puede quebrar el muro de lo anodino que nos rodea en nuestras relaciones cotidianas, solo ella puede dar sentido a la existencia. Anomalisa, palabra inventada que resulta existir en japonés con el significado de ‘reina del cielo’.

Michael Tone, especie de turista accidental, viaja a Cincinnati, para dar una conferencia en un congreso de atención al cliente. Su libro es un manual a caballo entre la autoayuda y la proyección empresarial, en él alienta a los profesionales a saber ver en cada cliente la particularidad que le distingue para darle el servicio más personal posible y así maximizar los beneficios. Es una obra clave para hacernos reconocer la excepcionalidad ajena y propia, la de todos y cada uno de nosotros, y hacernos sentir habitantes de un mundo singular y pleno. Pero Michael, paradójicamente, es incapaz de ello, es como el payaso que representa la función ocultando su pena. Para él todos son lo mismo y su vida un profundo vacío repleto de soledad aunque esté en compañía y le arrope la popularidad. Ni en su esposa, ni en su hijo, ni en la amante de la que huyó hace más de diez años y que ya no puede recuperar, encuentra salvación y reposo. En ese punto de desesperación aparece Lisa, la anómala Lisa, y el escritor cree que todavía puede haber salida, junto a la joven sencilla de clase humilde y ciudad provinciana siente una brisa de aire fresco, cree ver una brecha que puede sacarle del callejón sin salida en el que ha encallado su vida, conecta con sus emociones y siente toda la magia de la noche. La llegada del nuevo día conjurará el hechizo, el espejismo se diluirá y volverá la quiebra, sólo en la distancia idealizada del recuerdo podrá brillar el leve rayo de la esperanza.

Charlie Kaufman nos trae un lírico retrato de la soledad y la monotonía que nos rodea en nuestro mundo occidental. Y lo construye con la mejor falsilla, la animación Stop Motion que le permite sumergirnos en un universo de rostros indistinguibles por su uniformidad, que hablan el mismo discurso con la misma voz, haciéndonos vivir el desasosiego del protagonista como reflexión sobre el vacío existencial. La sociedad moderna nos uniformiza, nos impone patrones y baremos, creando paradigmas desde los que juzgar y ser juzgados. El nuestro es un mundo en el que se rinde culto a la norma, en el que se margina la diferencia aunque el discurso dominante parezca ensalzarla. Kaufman denuncia estos fallos del sistema con su gusto por los cuadros surreales, creando una fábula de regusto triste que, sin embargo, nos invita a seguir buscando la singularidad. Anomalisa es una película revulsiva y estimulante, diferente a la media, arriesgada en su forma y precisa en su trasfondo, una balada agridulce que nos mueve a preguntarnos por nuestra condición y a tomar conciencia de que es necesario romper con el yugo de lo monótono y lo uniforme.

¡AVE CÉSAR! (Hail, Caesar!, Ethan y Joel Coen, 2016)

USA. Duración: 106 min. Guión: Joel Coen, Ethan Coen Música: Carter Burwell Fotografía: Roger Deakins Productora: Touchstone Pictures / Mike Zoss Productions Género: Comedia

Reparto: Josh Brolin, George Clooney, Scarlett Johansson, Ralph Fiennes, Tilda Swinton, Channing Tatum, Alden Ehrenreich, Frances McDormand, Jonah Hill, Christopher Lambert, Clancy Brown, Wayne Knight, Dolph Lundgren, Patrick Fischler, Robert Picardo, David Krumholtz, Fisher Stevens, Emily Beecham, Fred Melamed

Sinopsis: En el Hollywood de los años 50, uno de los grandes estudios pretende hacer una gran superproducción de romanos protagonizada por una gran estrella (Clooney), pero el actor es secuestrado durante el rodaje.

ave,_cesarLos cuatro veces oscarizados Joel y Ethan Coen escriben y dirigen ¡Ave César!, una comedia acerca de Eddie Mannix, un “fixer” (un solucionador de problemas) de uno de los grandes estudios interpretado por un enorme Josh Brolin. La acción se desarrolla durante un día plagado de problemas y transcurre en los últimos años de la edad dorada de Hollywood. Con un reparto ‘con más estrellas que el firmamento’ eslogan de los estudios MGM que le viene pintiparado a esta producción, la cinta de los Coen está repleta de guiños a los tiempos del denominado Sistema de Estudios con referencias a cotilleos, escándalos y personajes reales y más o menos ficticios. Junto a personas que realmente existieron, como el propio Mannix,  se nos ofrecen sosias de Esther Williams, Roy Rogers y su caballo Trigger, la experta en cotilleos Hedda Hooper o Carmen Miranda, bautizada aquí como Carlotta Valdez (Verónica Osorio), nombre que nos remite a Vértigo (1958), en donde la antepasada de la protagonista que obsesiona al personaje que interpreta James Stewart, se llama Carlota Valdés.  Con punzantes apuntes a la paranoia anticomunista que azotó Hollywood o a cotilleos como el de la adopción de Loretta Young a   su propia hija o el embarazoso affaire entre George Cukor y un principiante Clark Gable, todo se cruzará en el camino de Eddie Mannix/Josh Brolin, protagonista total del filme, que deberá salir airoso de cuanto problema se le presente, incluido el secuestro de Baird Whitlock (George Clooney), protagonista de la superproducción que los estudios Capitol están rodando, ¡Ave César!

Mucho humor y  amor por el cine en esta deliciosa pieza de orfebrería que encandilará a cinéfilos y profanos. Un amor casi sagrado. La película se abre con el contrapicado de un Cristo crucificado y una confesión y se cerrará de nuevo en el confesionario. La gran producción dentro del filme, ¡Ave César!, tiene por subtítulo “Una historia sobre Cristo”. Y no es casual la presencia de todos estos símbolos religiosos. En un mundo desacralizado, falto de ideales y en perpetua crisis, como es el nuestro, el cine es el único capaz de arrojar un horizonte de ilusión y esperanza. Los hermanos Coen, en este ejercicio de metacine, parecen abrazar la misma conclusión que Preston Sturges en Los viajes de Sullivan (1941), el cine como arte del entretenimiento es el único capaz de elevarnos por encima del peso de lo real y darnos una tabla de salvación. “El eterno femenino nos atrae hacia lo alto” sentenció enigmáticamente Goethe, lo mismo puede decirse del cine. El séptimo arte nos hace trascendentes, así que sólo nos cabe rezar para que no nos falte el cine nuestro de cada día.

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

Ácronos 4. Nueva antología steampunk de Tyrannosaurus Books

17 febrero 2016 2 comentarios

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Tras cuatro volúmenes explorando el steampunk literario desde su vertiente más clásica y arquetípica, pasando por la exploración de planteamientos más innovadores, por el acronos 4 portada_lowsteampunk multicultural, hasta llegar a la vertiente más onírica y relacionada con la exploración de “otros mundos”, la antología Ácronos que abrió un camino de exploración literaria en cuanto a estilos y voces, contando también con autores consagrados y piezas clave del género, llega a su última aventura.

Ácronos 4 es un compendio de 10 relatos steampunk en los que los autores coquetean con el dieselpunk, el clockpunk, el greenpunk junto al retrofuturismo más maduro que siempre ha caracterizado las antologías Ácronos, en algunos casos con un estilo que hibrida diversas tendencias del género.

En esta cuarta entrega de la antología de relatos steampunk Ácronos, coordinado por Josué Ramos y Paulo César Ramírez, encontraremos relatos de la mano de Araceli Rodríguez, Marian Womack, Alejandro Morales, Gloria T. Dauden, Armando Valdemar, Giny Valrís, Laura Ponce, Héctor Gómez, Paulo César Ramírez y Josué Ramos.

Un nuevo volumen para todos los fans del steampunk y para los lectores más aventureros ávidos de nuevos planteamientos relacionados con la ciencia ficción.

¡Esto es Ácronos! ¡Es steampunk!

Presentación:

Retro Day. Día 12 de marzo de 2016. Librería Gigamesh-C/Bailén, 8, Barcelona. A partir de las 12:30h

Presentación de Ácronos 4 y mesas redondas en torno al steampunk, con la presencia de los autores de Ácronos 4 y otros invitados especialistas en los retrofuturismos, el steampunk y derivados.

Autores y relatos

Zugunruhe de Josué Ramos

Proyecto S.W.I.F.T. de Araceli Rodríguez

¡Muerte a Rasputin! de Marian Womack

La sonata de Moebius de Alejandro Morales Mariaca

Los espejos del Rey Sol de Gloria T. Dauden

Damocles de Armando Valdemar

El sueño del Búho Rojo de Giny Valrís

El templo del sueño de Laura Ponce

Las otras aves de Héctor Gómez Herrero

Ailurópolis de Paulo C. Ramírez Villaseño

Las superheroínas protagonizan una exposición del Salón del Cómic de Barcelona

17 febrero 2016 Deja un comentario
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La mujer como personaje con poderes extraordinarios tiene un largo recorrido en la historia de los cómics de superhéroes. El 34 Salón Internacional del Cómic  de Barcelona producirá la exposición Ellas tienen súper poderes, con el objetivo de mostrar el rol protagonista que han tenido y tienen las superheroínas.

Batgirl #01La primera protagonista de los cómics de superhéroes fue Fantomah, creada en 1940 por Fletcher Hank. Pocos meses después, en el mismo año 1940, William Moulton Martson y Harry G. Peter darían vida a Wonder Woman, que se ha convertido en la superheroína más longeva.

A partir de entonces, los personajes femeninos han encontrado su propio espacio, bien sea como miembros de grupos con superpoderes (Canario Negro, Mujer Invisible, Viuda Negra, Power Girl o Tormenta), o bien como protagonistas de sus propios títulos (Batgirl, Elektra, Catwoman, Hulka, Ms. Marvel, Orquídea Negra o Supergirl).

Por otro lado, también las mujeres autoras han ido encontrando su sitio en la industria Silk #01del cómic. A pioneras como Ramona Fradon o Marie Severin se unieron desde los años setenta y hasta hoy en día dibujantes como Amanda Conner, Rachel Dodson, Jan Duursema, Fiona Staples o Gail Simone. En estos últimos años, autoras españolas como Natacha Bustos, Carmen Carnero o Emma Ríos se han unido a esta lista. También las guionistas han evidenciado su talento, con nombres como Jo Duffy, Barbara Kesel, Ann Nocenti, Rachel Pollack o Louise Simonson.

La exposición Ellas tienen súper poderes contará con las más destacadas superheroínas de todos los tiempos. Descubriremos la personalidad y los poderes de, entre otras, Batgirl, Catwoman, Elektra, Hulka, la Mujer Invisible, Ms. Marvel, Power Girl, Supergirl, Tormenta o Wonder Woman. Además de los personajes de DC Comics o Marvel Comics, la exposición incluirá material de superheroínas como Faith o personajes creados por autores españoles como Estigma o Aquaviva.

Entre los autores presentes en la exposición se cuentan nombres de dibujantes norteamericanos como John Buscema, John Byrne, Amanda Conner, George Pérez, Frank Miller o Bill Sienkiewicz. Asimismo, disfrutaremos de originales de dibujantes españoles como Daniel Acuña, Ramón Bachs, Natacha Bustos, Fernando Dagnino, Rafa Fonteriz, Andrés Guinaldo, David López, Álvaro Martínez, Francis Portela, Javier Rodríguez, Jesús Saiz, Daniel Sampere o Juan Santacruz.

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El 34 Salón Internacional del Cómic de Barcelona tendrá lugar del jueves 5 al domingo 8 de mayo de 2016 en el Palacio 1 y 2 y Plaza Univers de Fira Barcelona Montjuïc.

Las ‘Nits de Cinema Oriental’ estarán dedicadas a Japón

16 febrero 2016 Deja un comentario

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El contador para la próxima edición del Festival Nits de cine oriental sigue acortando las distancias con el 12 de julio, cuando la cultura asiática volverá a Vic para ofrecernos seis intensas jornadas de cine, gastronomía y muchas y variadas actividades. Japón será el protagonista de esta 13a edicion. Un país, una cultura y un estilo de vida que ha seducido a medio mundo y que ha originado uno de los fenómenos culturales contemporáneos más masivos: el manga. De esta manifestación artística beben el cine, ya sea en su versión anime o en filmes de imagen real; la música e incluso la gastronomía japonesas.

El festival dedicará buena parte de su programacion a Japon, con una nutrida presencia de títulos inéditos en la sección oficial a concurso, una inauguración con cena japonesa y varias actividades, un ciclo de películas del género Kaiju Eiga – las gigantescas criaturas surgidas después de la bomba de Hiroshima-, la edición de dos libros, la representación de un cuento infantil, tres exposiciones, una conferencia y varios talleres.

12734079_10208914591526656_8977326615995436000_nCon Japón de país protagonista, casi era obligatorio escoger un yokai como imagen del certamen. Los monstruos y fantasmas del folclore japonés son una parte muy destacada de su vasta cultura y han inspirado libros, películas e infinidad de manga y anime, aparte de la lógica tradición popular. El yokai escogido para iluminar este Festival Nits 2016 es Hikari (luz en japonés) un travieso Chōchin-obake (farolillo fantasma) al que le gusta inventar historias y sorprender a los visitantes del espacio que ilumina. Inventar historias y sorprender, dos de las facetas que identifican el Festival Nits.

Hikari pertenece al grupo de los yokai “objetos de la casa”, que llevan mucho tiempo olvidados y acaban transformándose en un ser animado, juguetón y empeñado en pasarlo bien. El dibujo del personaje es un año más obra de Xevi Domínguez, ilustrador calldetenenc que trabaja en el festival desde sus inicios.

Mucho cine y nuevo Premio del Jurado

La industria del cine japonés es una de las más prolíficas de toda Asia y sus estudios de producción y directores abarcan todas las temáticas y géneros. La presencia nipona también destacará en las sesiones infantiles, las noches especiales como la Golfa o la Nit de Terror y en las clásicas matinales de anime.

Los filmes japoneses irán acompañados de una selección de las mejores y más recientes producciones de otros territorios como Hong Kong, China, India, Tailandia, Corea o Nepal. Como novedad, este año se otorgará otro premio entre los filmes de la sección competitiva. Lo entregará un jurado internacional formado por figuras estrechamente vinculadas con el cine oriental. Así pues, aparte del clásico Gato de la Suerte de los Nitomans, a partir de ahora también se dará el Gato de la Suerte del Jurado del Festival Nits.

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¿Como vemos Asia desde occidente?

El Festival Nits recibe cada año varias propuestas cinematográficas de autores occidentales rodadas en Asia o que tratan aspectos concretos de países de este continente.

Tener una visión occidental de Asia es un buen complemento a la filosofía de difundir la cultura asiática que nos mueve y hemos decidido iniciar una nueva sección donde se podrán ver estas obras, algunas presentadas por sus propios directores, y así completar este viaje de ida y vuelta.

La hemos bautizado Marco Polo y tendrá un especial cuidado por los documentales, pero estará abierta a todos los soportes y géneros.

Dobles Nits de lectura

Después de la buena experiencia de la primera publicación del Festival Nits, el libro sobre westerns asiáticos Wild Wild East, este año se quiere repetir y duplicar la experiencia. El certamen publicará una original galería de Kaiju Eiga, los clásicos monstruos japoneses capitaneados por el mítico Godzilla, en un libro que imitará los cuadernos de naturaleza, con las características fisiológicas de cada especie. Kaiju Field Notebook es un libro coordinado por Domingo López, escrito por Eduard Terrades con aportaciones de diferentes colaboradores e ilustrado por Carlos Ganyarul.

Como en la anterior edición, el festival abrirá un Verkami para poder hacer frente a los gastos de la publicacion. Además, la retrospectiva del festival también estará dedicada a los kaiju, con una selección de los filmes más representativos del género.

La otra publicación será un libro infantil ilustrado que contará la historia del Gato de la Suerte, icono del festival, bajo el título de Las aventuras de Maneki Neko.

Mas Nits: Centros Cívicos

Destroy_all_monsters_poster_001El festival continúa repartiendo su programación por varios espacios de la ciudad. Este año son los Centros Cívicos de Vic los que se incorporan a la oferta, con una parrilla de actividades dedicadas al mundo asiatico que se programará durante las semanas previas al Festival Nits.

Habrá desde sesiones de cocina en talleres de ilustración y la oportunidad también de aprender los secretos de la henna o de la poesía china. Habrá conferencias, artes marciales, proyecciones y otras muchas propuestas que más adelante os iremos detallando.

Esta nueva propuesta se añade en el Espacio B del certamen, la Biblioteca Joan Triadu que, como en las recientes ediciones, continuará acogiendo algunas de las actividades paralelas – y algunas proyecciones de la sección Marco Polo- las tardes de martes a viernes del festival.

El Festival Nits de cine oriental de Vic cuenta con el apoyo del Ayuntamiento de Vic y la Generalitat de Catalunya, a través del Departamento de Cultura y del ICEC. En esta edición también colaboran el Consulado Japones en Barcelona y Japan Foundation, institución dedicada a la promoción de la cultura y lenguas japonesas en el mundo.

Mas informacion en:

http://www.cinemaoriental.com

http://www.facebook.com/nitscinemaoriental

http://www.youtube.com/nitscinemaoriental

http://twitter.com/cinemaoriental

http://fesnits.blogspot.com.es/

 

 

 

‘Quatermass’ edita ‘Eugenio Martín, un autor para todos los géneros’

16 febrero 2016 Deja un comentario

Quatermass se lanza a la edición de libros, y qué mejor forma de hacerlo que realizando una nueva edición, a todo lujo, de  Eugenio Martín, un autor para todos los géneros, un libro cuya anterior edición presumo ya tendrán en su biblioteca, pero que resulta igualmente recomendable, tanto para los que ya lo tienen, que tendrá así oportunidad de obtener otra pieza para su colección; como para los que no lo tienen… de haber alguien. De ser así no pierdan tiempo y regálense una pieza de artesanía realizada por Carlos Aguilar y Anita Haas con maquetación de Javier G. Romero en edición ampliada y revisada con 240 fotografías, muchas de ellas inéditas y pertenecientes al archivo personal del director.

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Nuevas y locas referencias en ‘Trash-o-Rama’

16 febrero 2016 Deja un comentario

TRASHOLOGO

The Untold Story: Trilogía Completa

EDICIÓN NUMERADA Y LIMITADA A 100 COPIAS. NO SE VENDE EN TIENDAS. CONTIENE 2 DVD.

THE UNTOLD STORY (Herman Yau, 1993) Con Anthony Wong, Danny Lee. (VOSE, 16:9)

THE UNTOLD STORY 2 (Andy Ng, 1998) Con Anthony Wong, Melvin Wong. (VOSE, 16:9)

THE UNTOLD STORY 3 (Herman Yau, 1999) Con Danny Lee, Sam Lee. (VOSE, 16:9)

display_-_untoldLa trilogía más sanguinaria del cine de Categoría III. Basadas en historias reales de canibalismo, asesinato y locura. Producidas por Danny Lee (The Killer) y con el protagonismo principal de Anthony Wong. No son aptas para estómagos sensibles, pero sí para auténticos fans del cine de Hong Kong.

Contenidos adicionales:
Prepara tu propio Cha Su Bao, Entrevistas a Herman Yau y Anthony Wong, trailers originales, carteles, fichas técnicas.

Precio: 15 euros (gastos de envío incluídos).

Action Cop nº 1 + Terminator Fury

EDICIÓN NUMERADA Y LIMITADA A 100 COPIAS. NO SE VENDE EN TIENDAS. CONTIENE 2 DVD.

ACTION COP Nº 1 (Sagar, 2002) Con Thriller Manju, Megna Naidu. (VOSE, 16:9)

TERMINATOR FURY (Rajkumar Kohli, 2002) Con Akshay Kumar, Sunny Deol. (VOSE, 16:9)

display_-_action_copLas dos triunfadoras en carcajadas de la Cutrecon 2016. Dos delirantes cintas indias de acción con mil bofetadas por minuto y efectos especiales a porrillo. El karateka más famoso del trash indio, Thriller Manju, en la primera película que cruza las fronteras de su país (Action Cop nº 1) y el desvergonzado remake de Terminator 2 (Terminator Fury) con desopilantes números musicales y ritmo frenético. Imprescindibles en toda colección de cine bizarro.

Contenidos adicionales:
Paul Kersey & White Chocolate, ep. 1, Weird Bollywood!, Thriller Manju Fights!, Biografía de Thriller Manju, carteles, fichas técnicas.

Precio: 15 euros (gastos de envío incluídos).

Si prefieres pagar por ingreso bancario o transferencia envía un email a trashoramadvdpedidos@gmail.com

Categorías:DVD / BLU-RAY

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 12 de febrero *

12 febrero 2016 Deja un comentario

NAHID (Isa Panahandeh, 2015)

Irán. Duración: 106 min. Guión: Ida Panahandeh, Arsalan Amiri Música: Majid Pousti Fotografía: Morteza Gheidi Productora: Documentary and Experimental Film Center Género: Drama

Reparto: Sareh Bayat, Pejman Bazeghi, Navid Mohammad Zadeh, Milad Hossein Pour, Pouria Rahimi, Nasrin Babaei

Sinopsis: Nahid es una joven divorciada que vive sola con su hijo de diez años en una ciudad del norte de Irán junto al Mar Caspio. Conforme a las normas que rigen la sociedad iraní, la custodia de un hijo le corresponde al padre, aunque en este caso su Nahid_poster_goldposter_com_1exmarido se la ha cedido a condición de que no se vuelva a casar. La relación entre Nahid y otro hombre que la ama apasionadamente y desea casarse con ella complicará su situación como mujer y como madre.

Antes el cine ofrecía, además del puro entretenimiento y entre otras muchas cosas, la posibilidad de viajar y visitar otros lugares. Una ventana por la que ver las distintas formas de vivir, las diferentes culturas. Algo que parece ya olvidado, pero que películas como Nahid nos recuerdan, ya que hemos de hacer un esfuerzo para valorar en su justa medida, por un lado la historia que nos cuenta, la de un acto de rebeldía en una sociedad fuertemente encorsetada y por el otro el estar dirigida por una mujer, algo que no debe de ser realmente fácil en Irán. Aunque la historia puede ser superficialmente confundida con un melodrama, hay que situarla en su contexto para extraer la esencia del filme, que su directora nos ofrece casi en blanco y negro, en grises melancólicos que no dejan de ser bellos. Lo único que parece tener color es el sillón que consigue comprarse, y que tan fuera de lugar se encuentra en la gris estancia de su casa. Actuaciones grises también, casi carentes de emoción, que explotan íntimamente en algún momento de la cinta. Hasta la violencia es comedida, a pesar de que se palpa en el ambiente. Al menos nos deja una puerta abierta a la esperanza y el mar, siempre el mar como lugar de reunión y de paz.

ZOOTRÓPOLIS  (Byron Howard, Rich Moore y Jared Bush, 2015)

USA. Guión: Jared Bush Música: Michael Giacchino Productora: Walt Disney Animation Studios Género: Comedia de animación.

Sinopsis: La moderna metrópoli mamífera de Zootrópolis es una ciudad absolutamente única. Está compuesta de barrios con diferentes hábitats como la lujosa Sahara Square y la gélida Tundratown. Es un zootropolis_46853crisol donde los animales de cada entorno conviven, un lugar donde no importa lo que seas. De hecho puedes ser cualquier cosa, desde un elefante enorme hasta la musaraña más diminuta. Pero cuando llega la optimista agente Judy Hopps (voz de Ginnifer Goodwin), descubre que ser la primera conejita de un cuerpo policial compuesto de animales duros y enormes no es nada fácil.  Pero está decidida a demostrar su valía y se mete de cabeza en un caso, a pesar de que eso significa trabajar con Nick Wilde, un zorro parlanchín y estafador (voz de Jason Bateman), para resolver el misterio.

Zootrópolis es una agradable comedia de animación que apuesta por dotar a sus personajes con la apariencia clásica de los personajes Disney, pero adaptándolos a los nuevos tiempos y a la animación 3D. Así, el detallado trabajo de animación, cuenta con personajes que tienen un cierto aroma familiar. El mundo futurista que muestra, en el que no existe el ser humano, está compuesto por todo tipo de animales, y la cinta se permite simpáticos guiños a cierta serie televisiva sobre fabricantes de  metanfetamina o incluso a El Padrino. Ingeniosa, divertida y apta para toda la familia, Zootrópolis nos habla de que no siempre las cosas son lo que parecen y en que nunca hay que renunciar a nuestros sueños, todo ello en una deliciosa cinta realizada por Byron Howard (“Enredados”, “Bolt”) y Rich Moore (“¡Rompe Ralph!”, “Los Simpson”) y codirigida por Jared Bush (“Penn Zero: Part-Time Hero”).

 

LA LEY DEL MERCADO (La loi du marché, Stéphane Brizé, 2015)

Francia. Duración: 92 min. Guión: Stéphane Brizé, Olivier Gorce Fotografía: Eric Dumont Productora Arte France Cinéma / Nord-Ouest Productions Género: Drama

Reparto: Vincent Lindon, Yves Ory, Karine De Mirbeck, Matthieu Schaller, Xavier Mathieu, Noël Mairot, Catherine Saint- Bonnet, Roland Thomin

LaLeyDelMercadoPosterTrailerLa ley del mercado es una película realista de sorprendente fuerza que ahonda en el corazón humano a través de la historia de Thierry (Vincent Lindon), un hombre de mediana edad en paro, con mujer e hijo a los que mantener y enfrentado a la violencia de la sociedad. Tras llevar más de 20 meses en paro, se ve obligado a aceptar un trabajo  tóxico donde pronto se enfrentará a un dilema moral: ¿puede aceptar cualquier cosa con el propósito de mantener su trabajo?

La destrucción del estado de bienestar en tono documental. Haremos compañía al protagonista en su deambular por todos los itinerarios que un parado debe recorrer: cursillos inútiles; oficinas de empleo inútiles; entrevistas de trabajo inútiles; sindicatos inútiles… Iremos con él al banco para ver como, aunque su situación es crítica, le quieran vender un seguro de vida en lugar de concederle un préstamo y, en resumen, asistiremos con él a un sinfín de situaciones que aunque familiares, no dejarán de sorprendernos y parecernos ridículas y absurdas. También iremos con Thierry a trabajar, y ese, precisamente, será uno de los momentos más duros que nos ofrecerá la cinta de Brizé. Por fin tiene el protagonista trabajo pero, ¿vale todo por un trabajo?

El realizador francés Stéphane Brizé dirige su sexto largometraje consolidando la madurez de un cineasta con un estilo muy personal e intimista. La ley del mercado es una fotografía del mercado laboral actual, donde se encuentra una gran parte de la sociedad, y en la que Brizé aborda cuestiones morales y sociales como el lugar de un hombre en el sistema. Es el retrato de una sociedad que en lugar de amparar, aparta al que pierde su empleo despojándole de su dignidad.

La película se presentó en la Sección Oficial del pasado festival de cine de Cannes donde el actor francés Vincent Lindon se alzó con el máximo galardón de  interpretación. Especializado en papeles de condición humilde y comprometido con el cine social y político, Lindon vuelve a protagonizar otra película de Brizé  tras Mademoiselle Chambon y Quelques Heures de Printemps, en esta ocasión entre un variado grupo de actores no profesionales que confieren a la obra el equilibrio perfecto para hacerla más real y creíble Lindon crea un personaje que, en su silencio, en su mansedumbre, denuncia todo lo que ocurre a su alrededor.

LA VERDAD DUELE (Concussion, Peter Landesman, 2015)

USA/UK/AUS. Duración: 123 min. Guión: Peter Landesman (Artículo: Jeanne Marie Laskas)Música: James Newton Howard Fotografía: Salvatore Totino Productora: Scott Free Productions / The Shuman Company Género: Drama

Reparto: Will Smith, Gugu Mbatha-Raw, Alec Baldwin, Eddie Marsan, David Morse, Stephen Moyer, Luke Wilson, Adewale Akinnuoye-Agbaje, Albert Brooks, Bitsie Tulloch, Matthew Willig, Paul Reiser, Richard T. Jones, Mike O’Malley, Arliss Howard

Sinopsis: Will Smith interpreta al Dr. Bennet Omalu, un neuropatólogo forense que descubrió el síndrome post conmoción cerebral, que causó tanto daño a muchos jugadores de fútbol americano y que provocó los suicidios de antiguas estrellas de la liga NFL afectadas por el síndrome, como Dave Duerson y Junior Seau.

Cartel_LaVerdadDueleLa verdad reconozco que no sé si la pataleta que ha habido sobre la ausencia de profesionales negros en las nominaciones de los premios de la academia (americana) se debe a esta película en concreto, pero podría ser en parte. Su argumento y protagonista entran en ese tipo de interpretaciones e historias que dan para los premios pero… no todo vale. La película tiene un buen inicio, es interesante y la interpretación de Will Smith como el forense nigeriano Dr. Omahu resulta bastante sólida, pero hay un momento en el cual la historia comienza a resultar manida, con temas como el sueño americano y el mea culpa de los estamentos oficiales estadounidenses  que, conocedores de lo que estaba sucediendo, miraron para otro lado. Algo muy similar a lo que narra, con mejor tino, Spotlight (Tom McCarthy, 2015), por poner un ejemplo cercano, aquí con el tema de los abusos sexuales de religiosos. En La verdad duele, como suele ser habitual, al protagonista le hacen atravesar por un auténtico vía crucis para finalmente reconocer que tenía razón, ofrecer el discurso final y todos para casa con la conciencia tranquila. Y todo ello con momentos sensibleros y lugares comunes que hacen que la cinta vaya perdiendo interés conforme avanza su metraje. Una lástima.

 ZOOLANDER Nº 2 (Ben Stiller, 2015)

USA. Guión: Justin Theroux, Ben Stiller Música: Theodore Shapiro Fotografía: Daniel Mindel Productora: Paramount Pictures / Red Hour Films Género: Comedia

Reparto: Ben Stiller, Owen Wilson, Will Ferrell, Penélope Cruz, Kristen Wiig, Christine Taylor, Justin Bieber, Olivia Munn, Benedict Cumberbatch, Ariana Grande, Demi Lovato, Billy Zane, Kim Kardashian, Madalina Diana Ghenea, Fred Armisen, Kanye West.

Zoolander-2-pósterSinopsis: Cuando dejamos el mundo Zoolander, Derek y Hansel celebraban la apertura del “Centro Derek Zoolander para niños que no saben leer chachi y que también quieren hacer chachi otras cosas”, y Mugatu estaba entre rejas. Rápidamente descubrimos que desde entonces se ha producido un terrible desastre que ha apartado a Derek y Hansel de los focos de los paparazzi, las alfombras rojas, y las pasarelas. Tras perderlo todo Derek jura vivir una vida solitaria como ermitaño, y Hansel, que tiene una cicatriz permanente, lleva una máscara y vive en una choza de barro en el desierto. Tras años viviendo aislados, ambos reciben una invitación de la nada a participar en un gran evento de la moda auspiciado por Alexanya Atoz (Kristen Wiig), la magnate y mandamás más poderosa al frente del mayor imperio mundial de la moda. Incapaces de resistir la tentación de volver a la gloria pasada, el dúo muerde el anzuelo y acude por separado a la ciudad eterna. No les resultará nada fácil encontrar su lugar en un entorno desconocido como lo es el de los blogueros, video blogs, y moda anti-sistema pero no podrán negar su ayuda cuando se les recluta para detener un complot nefasto que, de llevarse a cabo, supondría la destrucción de la moda. Están dispuestos a devolverle a la moda su posición gloriosa. Solo Derek y Hansel son capaces de ¡SALVAR LA MODA!

Ben Stiller plays Derek Zoolander and Owen Wilson plays Hansel in Zoolander 2 from Paramount Pictures.

La nueva película de Stiller sigue la parodia del mundo de la moda tal y como hacía en la primera parte (Zoolander, Ben Stiller, 2001), una cinta, aquella, quizás sin demasiadas pretensiones pero que despertó una simpatía que se transformó en culto entre cierto tipo de público, similar al caso de otras comedias como Austin Powers (Jay Roach, 1997), Casa de mi padre (Matt Piedmont, 2012) o la misma Torrente, el brazo tonto de la ley (Santiago Segura, 1998), por poner algunos ejemplos. Si bien algunas explotaron el éxito obtenido con rápidas secuelas, no fue el caso de Zoolander, cuyos seguidores han tenido que esperar 15 años para volver a ese universo absurdo pero divertido ¿ha valido la pena? Vayamos por partes.

Lanzada en septiembre de 2001, un momento delicado a raíz del 11 S, la primera entrega no funcionó en taquilla. Sin embargo la cinta encontró legiones de nuevos fans gracias a su lanzamiento en DVD y paulatinamente creció hasta alcanzar su estatus de clásico de culto. La película se dio a conocer al correrse la voz entre espectadores que la iban viendo y recomendando, casi como una pequeña producción de un estudio independiente. La gente que la iba descubriendo lo hacía pensando que había dado con algo especial y así se fue creando a su alrededor un aura de obra para conocedores, esto es, para un público formado por cinéfilos desacomplejados que se sentían creadores de tendencias, un conciliábulo de gentes cultas y de amplias miras que se podían permitir el lujo de aplaudir un humor más bien simplón porque ellos tenían la clave para discernir la paja del grano. Sí, los actuales lectores de Jot Down.

Penelope Cruz plays Valentina Valencia in Zoolander No. 2 from Paramount Pictures.

Zoolander fue un fenómeno viral antes de que la viralidad se hubiera manifestado en todo su esplendor. Estábamos en los inicios de la sociedad 2.0. En el mundo anterior a Facebook y Twitter, los personajes y las absurdas frases emblemáticas de la película conectaron con los espectadores, llegando a formar parte de un imaginario cultural colectivo compartido en los foros online más activos. Así nació el mito y así fue difundiéndose. La idea de hacer una secuela fue temprana pero han tenido que pasar quince años para que las piezas encajaran y se hiciera posible. Creo que no me equivocaría si dijera que la expectación por lo que puede aportar es máxima, aún no se ha estrenado y ya hay voces (ahora en Twitter) que suplican que no se hagan más spoilers. Ahora bien, en este caso no me siento capaz de sentenciar si esa expectación se va a ver colmada, simplemente porque ya no fui capaz de entrar en el universo de la primera (no seré suficientemente desacomplejada) y me es difícil juzgar si la que ahora llega a los cines está a su altura.

Puedo decir, eso sí, que le reconozco a la original haber creado un mundo de referencia. Parodia estirada hasta la máxima ridiculización, fue capaz de dar a luz a unos personajes fáciles de ser tomados como emblemas, y de elaborar unos cuantos chistes acertados para engrosar la cultura pop. El suyo era un humor simplón, pero lo era frescamente, una tontería que resultó certera en su desmitificación del supuestamente glamuroso mundo de la moda. Se diría que tras ella no había pretensión y eso es lo que debió de hacerla funcionar. ¿Y la segunda? Pues que quieren que les diga, a mí me parece una nueva tontería a la que no sé verle la misma gracia que otros le encuentran. Sin embargo, sí puedo decir que esta vez es premeditada, manierista de su propia tesitura, explotadora de sus méritos. Zoolander 2  juega a la sombra de su precedente, hace broma de la broma y sabe muy bien a quien se dirige, por eso tiene a veces un regusto de chiste privado, de humor para iniciados.

¿Funcionará en taquilla? Visto como los fans de la saga Star Wars han celebrado que el episodio VII sea una pieza mimética a la primera (cuarta en la serie temporal), estoy por decir que también Stiller contentará a los suyos dándoles una cucharada de lo mismo.

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

El 34 Salón del Cómic ya tiene cartel y primeros invitados confirmados

11 febrero 2016 Deja un comentario

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Francisco Ibáñez descubrió el cartel de la nueva edición del Salón Internacional del Cómic de Barcelona del que es autor. El certamen ocupará este año 45.000 metros cuadrados en Fira Barcelona Montjuïc del 5 al 8 de mayo, una superficie récord en su historia. Una de las temáticas estrella del Salón será la presencia del coches, motos y bicicletas en el cómic.

fotos: Serendipia

Este jueves, 11 de febrero, la Sala Huguet del Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC) ha sido el escenario de la presentación del 34 Salón Internacional del Cómic de Barcelona, organizado por FICOMIC, que tendrá lugar del jueves 5 al domingo 8 de mayo en Fira Barcelona Montjuïc. Los asistentes al acto pudieron descubrir en primicia el cartel del Salón de la mano de su propio autor, Francisco Ibáñez, quien tendrá una notable presencia en esta edición con una gran muestra monográfica dedicada a su 80 cumpleaños.

DSC_0028El mítico autor explicó que el encargo de la realización del cartel lo recibió como una “verdadera sorpresa” y que desde el primer momento tuvo claro que si había un personaje que tenía que salir era Mortadelo, “un personaje que lleva más de 60 años arriba y abajo”. Ibáñez detalló cómo se inspiró en su época inicial como dibujante, en el que el director de la publicación le exigía que no dejara ni un rincón en blanco. Un hecho que refleja en el cartel del 34 Salón Internacional del Cómic de Barcelona, donde Mortadelo y su tropa ocupan cada trozo de la ilustración que, asegura, trabajó con “mucho cariño”.

El acto contó también con la presencia del director del Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC), Pepe Serra; el presidente de FICOMIC, Patrici Tixis; el subdirector general de Seguretat Viària del Servei Català de Trànsit, Rafael Olmos; y el director de contenidos del Salón del Cómic, Antoni Guiral.

Pepe Serra fue el encargado de iniciar el acto de presentación remarcando la colaboración del MNAC y el Salón. El Museo colabora en la exposición Las Meninas de Santiago García y Javier Olivares que se podrá ver en el Salón del Cómic. A partir del 6 de mayo, el MNAC acogerá una muestra dedicada a la obra de estos autores. Con la entrada del Salón se podrá acceder gratuitamente en el MNAC del 6 de mayo al 6 de junio.

A continuación, Patrici Tixis introdujo el resto de presentes advirtiendo del nivel de este año: “será un salón extraordinario, éste, mejor que el del año pasado que ya dijimos que sería difícil de superar, lo que nos hace augurar un gran futuro del Salón”. Por su parte, Rafael Olmos agradeció a los organizadores el haber pensado en el Servei Català de Trànsit en esta edición, en la que tendrán una “presencia activa”. La exposición Viñetas sobre ruedas irá acompañada de diversas actividades pedagógicas, lúdicas y creativas para fomentar una conducción responsable.

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Finalmente, Antoni Guiral adelantó alguno de los detalles de la nueva edición, concretando que el 34 Salón Internacional del Cómic de Barcelona se ubicará en los Palacios 1 y 2 y en la Plaza Univers de Fira Barcelona Montjuïc, ocupando una superficie récord de unos 45.000 metros cuadrados. El certamen contará con la participación de destacados autores de cómic nacionales e internacionales y con numerosas actividades como exposiciones, conferencias, talleres o firmas de autores. También será el marco de encuentros profesionales de autores con editores extranjeros y nacionales.

La exposición principal será Viñetas sobre ruedas, dedicada a la presencia de coches, motos y bicicletas en el cómic. El Palacio 1 albergará esta excepcional muestra que no sólo contará con unos 200 originales de cómics de todo el mundo, sino que expondrá vehículos reales que han tenido relación con la historieta. El Salón también acogerá la exposición Las Meninas, de Santiago García y Javier Olivares, ganadora del premio a la Mejor Obra de Autor Español de la pasada edición. Una muestra enmarcada en un acuerdo con el MNAC, el cual, al mismo tiempo, acogerá una exhibición de la obra conjunta de los autores. Enrique S. Abulí, Gran Premio del Salón, Miki Montlló, Autor Revelación, y Thermozero Cómics, Mejor Fanzine, son otros de los ganadores del 2015 que también tendrán muestras dedicadas en la edición de este año.

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Antoni Guiral remarcó la organización de la exposición de los 80 años de Francisco Ibáñez, con más de 100 originales, y un homenaje a la trayectoria de Luis Bermejo, dibujante de colecciones como Apache o El Capitán Trueno. La organización trabaja en otras destacadas exposiciones que se darán a conocer en las próximas semanas.

La lista inicial de autores que han confirmado su participación incluye nombres como Cyril Pedrosa, quien, con Portugal, obtuvo el galardón a la Mejor Obra Extranjera en el 31 Salón Internacional del Cómic de Barcelona. Además, Mathilde Domecq presentará el último volumen de la trilogía de cómic juvenil Paula Crusoe, mientras que Pierre Alary, asistirá al Salón del Cómic con Silas Corey 2. El testamento Zarkoff. Por su parte, la pareja formada por Teresa Radice y Stefano Turconi, acercarán a los visitantes del certamen su primera obra editada en España El Puerto Prohibido. En las próximas semanas se darán a conocer nuevos autores a medida que confirmen su participación.

El 34 Salón Internacional del Cómic de Barcelona incluirá diversas actividades de carácter pedagógico, destinadas tanto a profesores como alumnos, como el concurso de cómic realizado con la colaboración del Departamento de Enseñanza de la Generalitat de Cataluña, que lleva por título Historietas sobre ruedas, centrado en los valores de una conducción responsable.

La programación también incluye talleres de cómic, un espacio de actividades infantiles, conferencias, mesas redondas y presentaciones de novedades editoriales, y sesiones de firmas con autores nacionales y extranjeros.

Además de los stands de compañías y entidades participantes, habrá un espacio dedicado a los fanzines y otro a los autores, para que puedan vender directamente su obra. La zona profesional, donde los autores presentan sus books y proyectos a editores, contará este año con la participación confirmada de las editoriales extranjeras Dargaud (Philippe Ostermann), Glénat (Olivier Galli) e IDW (Ted Adams), además de importantes editoriales nacionales.

Una edición más, se otorgarán los premios anuales del Salón, los cuales cuentan con una dotación económica global de 22.500 euros, en una ceremonia que tendrá lugar el viernes 6 de mayo. El carácter lúdico del certamen se mostrará a través de dos concursos de Cosplay: uno dedicado a superhéroes, que se celebrará el sábado 7 de mayo, y otro centrado en los videojuegos, el domingo día 8.

La venta anticipada de entradas anticipada se iniciará el 1 de marzo directamente a través de www.ficomic.com. El certamen cuenta con el apoyo del Ayuntamiento de Barcelona, el Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya, el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte. Colaboran la Fundación Divina Pastora, la Agencia Catalana de la Juventud, el Museu Nacional d’Art de Catalunya, el Servei Català de Trànsit y el Departament d’Ensenyament de la Generalitat de Catalunya. Los medios oficiales son el diario El Periódico y las emisoras de Prisa Radio.

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Novedades Diábolo: febrero

11 febrero 2016 Deja un comentario

SOLO DIABOLO

Más novedades para este mes de la mano de Diábolo. Entre ellas cómic, no en vano se acerca el evento más importante dedicado al cómic en España. Y por supuesto cine, con una nueva obra de nuestro amigo Gerardo Santos Bocero, toda una máquina de escribir que en esta ocasión se ha dedicado a analizar la vida y obra de John Landis. Pasen y vean…

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Novedades Cameo: marzo

11 febrero 2016 Deja un comentario

 cameoA LA VENTA EL 2 DE MARZO:

Victoria (Sebastian Schipper, 2015)

Guión: Sebastian Schipper, Olivia Neergaard-Holm, Eike Schulz Fotografía: Sturla Brandth Grøvlen Dff Musica: Nils Frahm Género: Drama
Con Laia Costa, Frederick Lau, Franz Rogowski, Max Mauff, Burak Yigit
Sinopsis: En el famoso barrio berlinés de Kreuzberg, la cámara es testigo durante dos horas de todo lo que le pasa a Victoria, una chica española que se acaba de mudar a Berlín. Victoria conoce a Sonne y sus tres amigos, para los que la noche acaba de empezar y que prometen enseñarle el Berlín de verdad. Una deuda que debe ser recompensada y la conexión especial entre Victoria y Sonne, desencadenarán una serie de acontecimientos que provocarán un giro total en su vida.

Sonido:V.O. Alemán 5.1
Extras:Tráiler, pruebas de casting, pruebas de cámara, ficha técnica, ficha artística
Formato (pantalla):Panorámica 16/9 (imagen) 2.35:1
Duración:133′ (extras) 22′

Una pastelería en Tokio (An, Naomy Kawase, 2015)

Ficha (artística):Kirin Kiki, Masatoshi Nagase, Kyara Uchida
Género: Drama
Sinopsis: Sentaro dirige una pequeña pastelería que sirve dorayakis (pastelitos rellenos de salsa de frijoles rojos y dulces llamados “an”). Cuando una anciana, Tokue, se ofrece a ayudarla en su cocina, él accede de mala gana. Pero Tokue demostrará tener magia en las manos cuando se trata de hacer “an”. Gracias a su receta secreta, el pequeño negocio comienza a florecer. Con el paso del tiempo, Sentaro y Tokue abrirán sus corazones el uno al otro para revelar viejas heridas.
Una de las cintas que más nos gustó de entre las estrenadas durante el pasado año. Deliciosa.

Sonido:V.O. Japonés 5.1, Castellano 5.1 Subtítulos: Castellano
Extras:Tráiler, Ficha artística y técnica
Formato: (pantalla) Panorámica 16/9 (imagen)2.35:1
Duración:113

Barça Dreams (Jordi Llompart, 2015) DVD/Blu-ray

Ficha (artística):Lionel Messi, Andrés Iniesta, Xavi Hernández, Carles Santacana, Charly Rexach, Johan Cruyff, Alexanko, Terry Venables, Gary Lineker, Emma Gamper, Pau Gasol, Bakero, Koeman, Louis Van Gaal, Eric Abidal
Género: Documental
Sinopsis: Barça Dreams cuenta la historia del F.C. Barcelona a partir del sueño inicial de su fundador, Joan Gamper, hasta el reconocimento y la fama conseguidos gracias a los éxitos de los últimos tiempos, partiendo de la mirada de analistas, testimonios, técnicos y jugadores.
Es el documental más completo que se ha realizado jamás sobre la historia del FC Barcelona, club alabado por sus mitos y leyendas: como Leo Messi, el mejor futbolista de todos los tiempos; el prestigioso entrenador Pep Guardiola o el hombre que revolucionó este deporte con una visión innovadora, Johan Cruyff.
El camino hacia la gloria de uno de los clubes de fútbol más admirados del mundo.
Sonido: V.O. Catalán-castellano-inglés 5.1, castellano 5.1, inglés 5.1
Extras: Entrevistas a Johan Cruyff, Xavi Hernández, Gary Lineker y Carles Rexach
Formato: (pantalla) Panorámica 16/9 (imagen) 1.85:1
Duración:118′ (extras):48′

Una Segunda Oportunidad (En Chance til, Susanne Bier, 2015) DVD/Blu-ray

Guión: Anders Thomas Jensen Fotografía:Michael Snyman Montaje:Pernille Bech Christensen Musica:Johan Söderqvist Género: Drama
Ficha (artística):Nikolaj Coster-Waldau; Maria Bonnevie; Ulrich Thomse
Sinopsis:Andreas y Simon son dos policías que viven de forma muy diferente. Andreas es feliz con su mujer y su hijo; Simon acaba de divorciarse y se emborracha siempre que puede. Todo cambiará cuando intervienen en la pelea de una joven pareja de yonquis y descubren a un bebé en un armario. Andreas, el hombre estable, obligado a enfrentarse a su impotencia, empieza a perder su idea de la justicia. ¿Podrá Simón, el descarriado, ayudarle a restaurar el equilibrio entre el bien y el mal?
Sonido:V.O. Danés y sueco 5.1 DTS-HD, castellano 5.1 DTS-HD Subtítulos: Castellano
Extras:Tráiler, ficha artística, ficha técnica
Formato: (pantalla) 1080 24p (imagen) 2.35:1
Duración:101′

Corazón Silencioso (Stille Hjerte, Bille August, 2015)

Guión:Christian Torpe Fotografía:Dirk Brüel Montaje:Anne Østerud,Janus Billeskov Jansen Música:Annette Focks Género: Drama
Ficha (artística):Ghita Nørby, Paprika Steen, Danica Curcic
Sinopsis:Tres generaciones de una familia se reúnen un fin de semana. Las hermanas, Sanne y Heidi, han aceptado que su madre, enferma terminal, quiera poner fin a su vida antes de que su estado empeore. Pero a medida que transcurre el fin de semana, la decisión de la madre resulta cada vez más difícil de aceptar y vuelven a resurgir viejos conflictos.

Sonido:V.O. Danés 5.1, castellano 5.1 Subtítulos: Castellano
Extras:Tráiler, making of, ficha artística, ficha técnica
Formato: (pantalla)Panorámica 16/9 (imagen):2.35:1
Duración:94′(extras):22′

El precio de la fama (La rançon de la glorie, Xavier Beauvois, 2015)

Guión:Xavier Beauvois, Étienne Comar Fotografía:Caroline Champetier, AFC Montaje:Marie-Julie Maille Musica:Michel Legrand Género:Comedia
Ficha (artística):Benoît Poelvoorde, Roschdy Zem, Seli Gmach, Chiara Mastroianni, Peter Coyote
Sinopsis: Años 70 en Vevey, a orillas del lago Ginebra. Al salir de la cárcel, Eddy Ricaart va a casa de su amigo Osman Bricha. Han acordado que Eddy cuidará de Samira, la hija de Osman, mientras su esposa Noor está ingresada. La falta de dinero se hace más patente en vísperas de Navidad. Cuando se enteran de que el riquísimo Charlie Chaplin acaba de fallecer, a Eddy se le ocurre una idea: robar el féretro con el cuerpo y pedir un rescate.
Calificación:No recomendada para menores de 7 años
Sonido:V.O. Francés 5.1, castellano 5.1 Subtítulos:Castellano
Extras:Tráiler, ficha técnica, ficha artística
Formato (pantalla):Panorámica 16/9 (imagen):1.85:1
Duración:110

A LA VENTA EL 23 DE MARZO:

Policía en Israel (Policeman, Navad Lapid, 2015)

Guión:Navad Lapid Fotografía:Shai Goldman Montaje:Era Lapid Género:Drama

Ficha (artística): Yiftach Klein, Yaara Pelzig, Michael Moshonov, Menashe Noy, Michael Aloni

Sinopsis: Yaron es un joven policía miembro de la unidad de élite antiterrorista de Israel. Su unidad es el arma que usa el Estado para amenazar a sus enemigos en el mundo árabe. Yaron es un hombre seguro que defiende la unidad de su país, y está feliz porqué su mujer está embarazada, puede ser padre en cualquier momento. Cuando la unidad tiene que combatir con un grupo extremadamente radical y violento el mundo de Yaron se tambalea, tendrá que enfrentarse a una guerra de clases que sacude el país y a su propia guerra interior.
Sonido:V.O. Hebreo 5.1 Subtítulos:Castellano
Extras:Ficha técnica, ficha artística
Formato (pantalla):Panorámica 16/9 (imagen):1.66:1
Duración:108

La playa de los ahogados (Gerardo Herrero, 2015)

Guión: Domingo Villar Y Felipe Vega Basado En La Novela Homónima De Domingo Villar Fotografía:Alfredo Mayo (A.E.C) Montaje:Mapa Pastor
Musica:Lucio Godoy Género:Thriller
Ficha (artística): Carmelo Gómez, Antonio Garrido, Celia Freijeiro, Marta Larralde
Sinopsis:Una mañana, el cadáver de un marinero es arrastrado por la marea hasta la orilla. Si no tuviese las manos atadas, Justo Castelo sería otro de los hijos del mar que encontró su tumba entre las aguas mientras faenaba. Pero el océano nunca ha necesitado amarras para matar. Sin testigos, ni rastro de la embarcación del fallecido, el inspector Leo Caldas se sumergirá en el ambiente marinero del pueblo, tratando de esclarecer el crimen entre hombres y mujeres que se resisten a desvelar sus sospechas y que, cuando se decidan a hablar, apuntarán en una dirección inesperada.
Sonido:V.O. Gallego 5.1, castellano 5.1 Subtítulos:Inglés
Extras:Tráiler, ficha técnica, ficha artística
Formato (pantalla):Panorámica 16/9 (imagen):2.35:1
Duración:92′

Todos los caminos de Dios (Tots els camins de Déu, Gemma Ferraté, 2015)

Guión:Gemma Ferraté, Eduard Solà
Fotografía:Daniel Fernández Abelló
Montaje:Ferran Banchs, Martí Roca
Musica:Maikmaier
Género:Drama
Ficha (artística):Marc Garcia Coté, Oriol Pla, Jan Cornet
Sinopsis:Evocación contemporánea de los últimos tres días en la vida de un Judas Iscariote, un hombre que huye de su propia culpa después de traicionar a su mejor amigo. Ahogado por su culpabilidad, entra en el bosque donde se reunirá con un joven misterioso que lo acompañará en su arrepentimiento, lo cual le ayudará a lidiar con sus sentimientos, con la comprensión de su culpa y cómo finalmente confrontarlo.
Sonido:V.O. Catalán 5.1 Subtítulos:Castellano, Inglés
Extras:Tráiler, Cortometraje “Limón y Chocolate” de Gemma Ferraté, ficha técnica, ficha artística
Formato (pantalla):4/3  (imagen):1.33:1
Duración:70′

Categorías:DVD / BLU-RAY
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