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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 15 de julio *
THEO & HUGO, PARÍS 5:59 (Théo et Hugo dans le même bateau, Olivier Ducastel y Jacques Martineau, 2016)
Francia. Duración: 97 min. Guión: Olivier Ducastel, Jacques Martineau Música: Gaël Blondet, Pierre Desprats, Kuntur, Karelle Kuntur, Victor Praud Fotografía: Manuel Marmier Productora: Ecce Films / Epicentre Films Género: Drama
Reparto: Geoffrey Couët, François Nambot, Georges Daaboul, Mario Fanfani, Elodie Adler, Bastien Gabriel, Claire Deschamps, Miguel Ferreira, Arthur Dumas, Jeffry Kaplow, Éric Dehak, Marief Guittier, Patrick Joseph
Sinopsis: En un club de sexo, los cuerpos de Theo y Hugo se encuentran y se mezclan en un apasionado abrazo. Más allá de la furia del deseo y la emoción de ese primer momento, los dos jóvenes, sobrios ya en las calles vacías de vida del París nocturno, se enfrentan a su amor en ciernes.
París, la ciudad con más epítetos del mundo, puede no enamorarnos a primera vista, pero a poco que deambulemos por sus calles y nos dejemos llevar por su especial atmósfera, acabará calándonos como lluvia fina para quedarse impregnada en nuestra piel. París nunca se acaba y siempre termina haciendo suyos a los que la viven. Olivier Ducastel nos retrata como si fuera un personaje más ese París que, aunque sea el que no sale en las guías turísticas, lo envuelve todo como un regazo, una ciudad anónima que cobija la independencia de sus habitantes. Todo es posible en París.
Sobre esas calles filmadas con angular para darles aún más grandiosidad, se despliega el viaje de Theo y Hugo. Un viaje que va desde el final de la noche celiniano al amanecer, desde las tinieblas de un cuarto oscuro a la luminosidad de un nuevo día. Rodado en tiempo real, su trayecto es un camino de peregrinación y descubrimiento. Ducastel nos muestra las criaturas de la noche de la mano de los dos jóvenes mediante leves pinceladas de retrato social, por sus fotogramas transitan el personal de urgencias nocturnas, el turno menos codiciado al que son relegadas fundamentalmente las mujeres, inmigrantes que cumplen horarios inhumanos como peaje para su endeble integración, trabajadores que no pueden retirarse por la parquedad de su cotización… Y en medio de todo ello Theo y Hugo van descubriendo sus sentimientos, van trenzando sus destinos a partir de un fogonazo de pasión e imprudencia. Estamos ante una historia de amor revertida, tiene su inicio en el descubrimiento del cuerpo y concluye cuando se conocen las mentes, una historia atípica que va desde la práctica del sexo a la comunión de las almas.
Con cierto aire de Higiene Film, esta película ganadora del Premio del Público Teddy Award en la pasada Berlinale recuerda a aquellas cintas exploitation americanas que, aprovechando el mensaje (ya fuera para prevenir enfermedades de transmisión sexual, como para prevenir embarazos no deseados o evitar caer bajo la influencia de las drogas), se permitían mostrar lo que estaba ‘prohibido’ en las pantallas. La sombra del sida es alargada y Ducastel orquesta un relato casi didáctico que parte del temor de haber contagiado y haberse contagiado para exponer los protocolos a seguir después de una práctica de riesgo. Pero no es este rasgo el que la identifica y la hace especial, lo que la particulariza es el pulso que el cineasta tiende al público en su acto inicial.
El arranque del filme es de impacto (curiosamente el antro donde se conocen los protagonistas recibe ese nombre, Impacto). La cinta se abre con una secuencia inicial de veinte minutos en la que se nos muestra de forma bastante explícita qué ocurre en el cuarto oscuro de un local de contactos. Una auténtica marea de cuerpos desnudos entregados a la práctica sexual orgiástica y desenfrenada entre hombres, que puede atacar al pudor de los más pacatos e incluso de más de un liberal bienpensante. Una secuencia sin diálogos, además, que nos obliga a mirar lo que quizás no quisiéramos ver. No hay romanticismo en ese entorno, sólo procacidad que se agota en sí misma, y ahí es donde se pone en marcha el barómetro para detectar el grado de tolerancia real de la audiencia.
Ducastel sabe dónde poner la cámara para no perder detalle de ese punto de partida sin mostrar más que lo justo. Episodio sin texto, el cineasta hace hablar a la cámara y la iluminación para hacer creíble lo que parece imposible. Bastan unos pocos planos para construir a esos dos personajes condenados a encontrarse, el tímido neófito que está viviendo su primera experiencia y el asiduo desinhibido con su frescura casi insultante. Polos opuestos llamados a abigarrarse por la ley de la atracción entre contrarios. Y el director obrará la magia de la luz para capturar brillantemente el punto exacto del flechazo: un foco de luz cegadoramente blanca les aísla del rojo tenebroso del cuarto oscuro, rodeados por todos están perfectamente solos el uno con el otro. El suyo será un amor inoculado a primer contacto carnal, esa es la propuesta trasgresora que rompe voluntariamente con toda lógica. El amor es una fuerza que no entiende de verosimilitudes ni las necesita para existir y ser contado.
Theo&Hugo, París 5:59” es todo un ejercicio de provocación desarrollado desde la insolencia y la desvergüenza, que es tanto como decir que supone un soplo de frescura y originalidad en el trillado camino de las películas románticas. Una provocación, un saltarse los límites desde la festividad, que tanta falta le hace a nuestro cine occidental, cada vez más timorato y encorsetado por la corrección política. Ducastel, desde la ligereza, se aproxima a cineastas como Fassbinder, Pasolini, Waters, o nuestro Eloy de la Iglesia, todos ellos homosexuales, todos ellos rompedores con la moral dominante. Se diría que la discriminación, la represión (sí, todavía), da alas a la rebeldía y concita la voluntad de abrir nuevos caminos a la libertad de expresión. La salud del arte sale fortalecida por el trabajo de estos francotiradores que, cada uno en su estilo, han sumado su obra a la lucha por hacer visible una forma de entender la sexualidad que todavía demasiados quisieran ver censurada.
INFIERNO AZUL (The Shallows, Jaume Collet-Serra, 2016)
USA. Duración: 87 min. Guión: Anthony Jaswinski Música: Marco Beltrami Fotografía: Flavio Martínez Labiano Productora: Columbia Pictures / Ombra Films / Weimaraner Republic Pictures Género: Thriller
Reparto: Blake Lively, Óscar Jaenada, Brett Cullen, Sedona Legge
Sinopsis: Nancy (Blake Lively) es una joven que trata de superar la pérdida de su madre. Un día está haciendo surf en una playa solitaria cuando se queda atrapada en un islote a apenas unos metros de la costa y, aunque está a solo 100 metros de la salvación, para alcanzarla tendrá que tirar de todos sus recursos y su voluntad, pues un enorme tiburón blanco se interpone entre ella y la costa.
Con un reducido reparto y un único escenario, Collet-Serra consigue una magnífica y refrescante cinta ideal para este caluroso verano. No vamos a caer en, tan odiosas como imposibles, comparaciones, Infierno azul es una muy digna cinta de género, emocionante de principio a fin y con la que se pasa mal, como debe ser. Nos gusta el trabajo de este director barcelonés especializado en películas de género. Nos parecen trepidantes y realizadas de forma muy competente. Tan solo hace falta ver las magníficas imágenes subacuáticas o las evoluciones de los protagonistas sobre sus tablas de surf en tan bello entorno, para ver que el director ha sabido sacar todo el partido posible. Con un presupuesto de 16 millones de dólares que se recuperaron durante la primera semana de estreno, Infierno azul, que se rodó en su mayor parte en localizaciones de Australia, transmite perfectamente la inquietud y la soledad de su joven protagonista, interpretada por Blake Lively, una bella sirena cuya iniciativa y valentía resultan decisivas en su enfrentamiento con el escualo y que surfea de infarto, además. Supervivencia con algunas gotas de humor en el que sin duda podría ser uno de los más saludables estrenos de este verano, una cinta en la que lo único que chirría es ese epílogo, posiblemente una concesión estipulada en contrato. Por cierto la música que suena al principio es de Albert Pla, si. Y la gaviota, que tiene un papel importante en la trama, figura en el reparto con el nombre de Sully ‘Steven‘ Seagall.
Finalmente, si, ese personaje que se parece a Óscar Jaenada, ES Óscar Jaenada.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 8 de julio *
MONEY MONSTER (Jodie Foster, 2016)
USA. Duración: 98 min. Guión: Alan DiFiore, Jim Kouf, Jamie Linden (Historia: Alan DiFiore, Jim Kouf) Música: Dominic Lewis Fotografía: Matthew Libatique Productora: Allegiance Theater / Smokehouse Pictures / Sony Pictures / TriStar Pictures Género: Thriller
Reparto: George Clooney, Julia Roberts, Jack O’Connell, Caitriona Balfe, Dominic West,Giancarlo Esposito, Dennis Boutsikaris, Darri Ingolfsson, Christopher Denham,Anthony DeSando, Jennifer Dong, Ivan Martin, Cliff Moylan, Vernon Campbell,Joseph Oliveira
Sinopsis: Lee Gates (George Clooney), un famoso presentador de televisión, es conocido por ser uno de los gurús de Wall Street. Pero cuando el joven Kyle Budwell (Jack O’Connell) pierde todo el dinero de su familia en una mala inversión por consejo de Gates, decide secuestrar al periodista durante su emisión en directo del programa
Intrigas financieras a toda velocidad protagonizadas por los agradecidos rostros de George Clooney y Julia Roberts y dirigidas, con envidiable ritmo, por Jodie Foster en la que es su cuarta película tras las cámaras. Con una acción magníficamente construida, Foster demuestra que domina el medio desde el primer momento, narrando una historia que, si bien es algo predecible, no por ello deja de ser eficaz. No hay tiempos muertos en esta trama en la que el aparente villano resulta ser las víctima, una víctima que representa a todos los que hemos sido manipulados por este corrupto sistema, que roba y criminaliza al más inocente sin dudar en construir una atracción de feria en riguroso directo. Unos dramas, por cierto, que interesan tan solo el tiempo justo antes de ser cubiertos por otros contenidos. Y es que lo peor es que parece que todo nos da lo mismo.
MI AMIGO EL GIGANTE (The BFG (The Big Friendly Giant), Steven Spielberg, 2016)
UK, USA, Canadá. Duración: 115 min. Guión: Melissa Mathison (Cuento: Roald Dahl) Música: John Williams Fotografía: Janusz Kaminski Productora: Amblin Entertainment / DreamWorks SKG Género: Fantástico
Reparto: Mark Rylance, Ruby Barnhill, Penelope Wilton, Jemaine Clement, Rebecca Hall, Bill Hader, Rafe Spall, Adam Godley, Matt Frewer, Ólafur Darri Ólafsson, Haig Sutherland, Michael Adamthwaite
Sinopsis: Adaptación del cuento de Roald Dahl sobre una niña que une fuerzas con la Reina de Inglaterra y con un gigante bonachón, conocido como el BFG, para detener una invasión de malvados gigantes que se preparan para comerse a todos los niños del país.
De lo fantástico y maravilloso que se conjuga en las primeras imágenes de Mi amigo el gigante, pasamos a una narración que lamentablemente se torna gris y algo aburrida. Spielberg no consigue emocionarnos ni trasmitirnos los valores que Roald Dahl ofrece en su exitosa narración infantil y que sí nos trasmitía por ejemplo, Danny DeVito en su tratamiento de Mathilda (1996). Los apabullantes efectos especiales y esa magnífica escena inicial con el gigante caminando por la ciudad a oscuras, no consiguen levantar esta cinta, cuyo target de público se antoja también difícil. Y todo ello contando con Mark Rylance que repite con Spielberg tras su fantástica interpretación en El puente de los espías (2015) en la que se comía crudo a Tom Hanks.
Lo mejor de la cinta es haber recreado una localización de la trama en una Inglaterra reconocible, pero tocada por el don de ser convertida en un espacio fantástico que arropa a la narración permitiéndole situarse en el universo atemporal de las fábulas.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 1 de julio *
1944 (Elmo Nüganen, 2015)
Estonia Finlandia Duración: 100 min. Guión: Leo Kunnas Música: Jaak Jürisson Fotografía: Rein Kotov, Mart Taniel Productora: Matila Röhr Productions (MRP) / Taska Film Género: Drama bélico
Reparto: Märt Pius, Mait Malmsten, Ain Mäeots, Magnús Mariuson, Kristjan Sarv, Maiken Schmidt, Rain Simmul, Ivo Uukkivi, Henrik Kalmet, Marko Leht, Kristjan Üksküla, Tõnu Oja
Impresionante retrato de un capítulo no demasiado conocido de la Segunda Guerra Mundial. En Estonia fueron reclutados ciudadanos tanto por el ejército soviético como por los nazis, dando como resultado una guerra de hermanos, de vecinos. Y el filme nos ofrece los dos puntos de vista, con un enfoque muy original. Con exquisito cuidado en el detalle, esta cinta, de carácter pacifista y deudora de las novelas de Remarque (algo que innecesariamente se recalca desde la pantalla) nos habla de camaradería, de la vida y la muerte en el laberinto de trincheras, en la que los hombres luchan sin objetivos ni ideales. La guerra les ha alcanzado sin buscarla. Jóvenes, niños casi, lo mejor de su generación, que aprende a matar para sobrevivir. Héroes anónimos en fosas comunes. Una interesante cinta perteneciente a la desconocida cinematografía Estona que recientemente nos dejó otra estupenda obra, Mandarinas (Mandariinid, Zaza Urushadze, 2013) de carácter pacifista también pero ambientada en los años 90 en la que, por cierto, trabajaba como actor Elmo Nüganen, director de 1944. Ambas cintas demuestran que nunca está de más el incidir en lo absurdo de las guerras y en lo semejantes que pueden llegar a resultar las ideologías cuando llegan a extremos.
DEMOLICIÓN (Jean-Marc Vallée, 2016)
USA. Duración: 100 min. Guión: Bryan Sipe Fotografía: Yves Bélanger Productora: Fox Searchligth / Black Label Media / Mr. Mudd / Right of Way Films Género: Drama
Reparto: Jake Gyllenhaal, Naomi Watts, Chris Cooper, Polly Draper, Wass Stevens, Judah Lewis, Stephen Badalamenti, Zariah Singletary, Alfredo Narciso, George J. Vezina, Helen Brackel, Ben Cole, Lytle
Sinopsis: Davis (Jake Gyllenhaal) es un joven banquero neoyorquino que trata de superar el trastorno emocional que sufre tras la trágica muerte de su esposa en un accidente de coche.
La pérdida y el dolor absoluto son los protagonistas de Demolición, cinta que ofrece un papel ideal para el tan poco expresivo como magnífico actor Jake Gyllenhaal, que se encuentra en esta cinta como pez en el agua. El reparto se completa con una excepcional Naomi Watts, un magnífico nuevo valor, Judah Lewis, y el veterano Chris Cooper. Como suele ser habitual una muerte hace que el protagonista de se replantee toda su existencia, sincerándose consigo mismo e iniciando una nueva vida en lo que primará la honestidad ante todo. Lo que parece un descenso a la locura resultará ser un ascenso a la cordura. Y es que si para reparar algo, hay que desmontarlo primero, Davis tomará este principio, trasmitido por su suegro, como máxima de vida, destruyendo y echando abajo la que hasta entonces ha significado algo en su existencia para construir en su lugar algo real, tangible, auténtico.
CUERPO (Body/Ciało, Malgorzata Szumowska, 2015)
Polonia. Duración: 90 min. Guión: Malgorzata Szumowska Fotografía: Michal Englert Productora: Nowhere Género: Drama
Reparto: Janusz Gajos, Maja Ostaszewska, Justyna Suwala, Ewa Dalkowska, Adam Woronowicz, Tomasz Zietek, Malgorzata Hajewska-Krzysztofik, Ewa Kolasinska, Roman Gancarczyk, Wladyslaw Kowalski
Sinopsis: Janusz no es un hombre fácil de sorprender. Como juez de instrucción debe realizar precisas investigaciones, analizando la escena del crimen minuciosamente. A pesar de las situaciones extremas ante las que se encuentra, trabaja duro. Demasiado duro quizá. Sin embargo, cuando se enfrenta a su hija anoréxica Olga, todavía de luto por su madre, se siente impotente. Temiendo que pueda suicidarse, la interna en una clínica donde Ana, una psicóloga, lleva a cabo sus funciones. Años antes, Anna perdió a su bebé y se aislço junto a su perro en un edificio de pisos fuertemente aislados donde conjurará a los espíritus que se comunican con los vivos desde el más allá.
Tras un inicio que descoloca al espectador, pasamos a ser testigos de la difícil convivencia entre un padre alcohólico y su anoréxica hija. La razón de los trastornos, la soledad e incomunicación que atenaza a ambos es el duelo que están atravesando por el fallecimiento de la madre y esposa. Un duelo que les impide avanzar y que combatirán con la magra ayuda de otro ser solitario, una medium que cree hablar con los muertos. El absurdo de la vida y la muerte será captado brillantemente por la cámara del realizador polaco, de una forma preciosista, a retazos, sin ningún tipo de música que atenúe sus momentos espeluznantes, sus contrastes fascinantes, extraños, brillantes, que en ningún momento nos permitirán dejar de mirar la pantalla.
- Premios
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2015: Festival de Berlín: Mejor director (ex-aequo)2015: Premios del Cine Europeo: Mejor montaje. Nominada a Mejor director
INDEPENDENCE DAY: CONTRAATAQUE (Independence Day: Resurgenceaka, Roland Emmerich, 2016)
USA. Guión: Carter Blanchard Música: Harald Kloser, Thomas Wanker Fotografía: Markus Förderer Productora: 20th Century Fox Género: Ciencia ficción
Reparto: Liam Hemsworth, Jeff Goldblum, Charlotte Gainsbourg, Vivica A. Fox, Bill Pullman,Judd Hirsch, Jessie Usher, Joey King, Brent Spiner, Travis Tope, Maika Monroe
Sinopsis: Utilizando tecnología obtenida de los extraterrestres 20 años atrás, las naciones de la Tierra, que temen el regreso de los invasores, han colaborado en la elaboración de un gigantesco programa de defensa para proteger el planeta. Pero no es seguro que ese programa sirva para hacer frente a los avanzados e inauditos recursos de los atacantes. Quizá sólo la inventiva de unos pocos valientes pueda evitar la destrucción del mundo, que se encuentra de nuevo al borde de la extinción.
20 años han hecho falta para que el alemán Roland Emmerich se saque de la chistera esta secuela de Independence Day. 20 años han pasado ya de aquella simpática peliculita que de tan excesiva, uno no podía tomarla en serio. Tiempo ha habido para pensar y repensar, pulir y repasar un guión ingenioso, sorprendente, emocionante. Pero no ha habido suerte.
Independence Day: Contraataque nos sitúa en un escenario 20 años después, o sea, lo que sería ahora, pero con la diferencia de que ha habido una hermandad entre todos los países a raíz, precisamente, del ataque alienígena de 1996. Gracias a toda la tecnología extraterrestre, se han abierto nuevos caminos en los avances tecnológicos humanos. Vemos que ha sido de los viejos conocidos de la cinta anterior (todos presentes, con la excepción de Will Smith, que es sustituido por su hijo, también piloto militar) y se nos presenta a los nuevos personajes, todos jóvenes dispuestos a tomar el relevo en caso de nuevas secuelas. Una vez las fichas están en el tablero, comienza la escaramuza contra los belicosos alienígenas. Con estética de video juego, resulta a veces un tanto liada (que no compleja) y aburrida, que es lo peor que le puede suceder a una cinta de estas características. Por otra parte contiene puntos tan absurdos y estúpidos como la primera entrega, los suficientes como para no tomarla tampoco en serio. Esperemos que Emmerich tarde otros 20 años en volver a retomar la historia, aunque en vista del final, nos tememos que no dejará pasar tanto tiempo.
ANTES DE TI (Me Before You, Thea Sharrock, 2016)
UK. Duración: 110 min. Guión: Jojo Moyes (Novela: Jojo Moyes) Música: Craig Armstrong Fotografía: Remi Adefarasin Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) / New Line Cinema Género: Drama romántico
Reparto: Emilia Clarke, Sam Claflin, Matthew Lewis, Charles Dance, Vanessa Kirby, Jenna Coleman, Janet McTeer, Brendan Coyle, Ben Lloyd-Hughes, Hannah Flynn, Amber Elizabeth, Stephen Peacocke, Alexander Cooper, Richard Gouldin, Tony Paul West
Sinopsis: La joven veinteañera Louisa “Lou” Clark (Emilia Clarke) vive en un pequeño pueblo en mitad de la campiña inglesa. Sin un rumbo claro en su vida, inestable y creativa, Lou va de un trabajo a otro para ayudar a su familia a llegar a fin de mes. Sin embargo, su habitual actitud alegre se pone a prueba cuando afronta un nuevo reto profesional. Acepta un trabajo en el “castillo” local y se convierte en cuidadora y compañera de Will Traynor (Sam Claflin), un joven banquero adinerado que se quedó en silla de ruedas tras un accidente.Basada en una obra de la escritora de novelas románticas Jojo Moyes, que también ha realizado el guión, Antes de ti es todo un placer culpable. Lindante siempre con la más extrema basura, se eleva sobre ello manteniendo la dignidad gracias a su algo atípico desenlace, que hará llorar a moco tendido al público de lágrima fácil, y gracias también al amor/odio que despierta su protagonista, Emilia Clarke, que encarna a una pizpireta joven proletaria con un vestuario de pesadilla. Con todos los tópicos que imaginarse puedan y un argumento más que predecible, esta bien intencionada comedia dramática tiene el aroma de un cuento de hadas, pero adaptado a los nuevos tiempos, mezclando la novela romántica decimonónica con las heroínas del canal Disney. No nos parece descabellada esta historia de amor entre esta joven tarta de fresa y el agrio chico parapléjico, sobre todo porque este es multimillonario, culto y guapo. Emilia Clarke le resultará familiar a los seguidores de la serie Juego de Tronos, así como a los de Terminator, ya que protagonizó junto a Schwarzy la última entrega de la serie, Terminator Génesis (Alan Taylor, 2015). Por su parte el veterano Charles Dance hace lo que puede para mantener el tipo.
UN AMOR DE UN VERANO (La belle saison, Catherine Corsini, 2015)
- Francia. Duración: 105 min. Guión: Catherine Corsini, Laurette Polmanss Música: Grégoire Hetzel Fotografía: Jeanne Lapoirie Productora: Chaz Productions / France 3 Cinéma / Artémis Productions / Canal+ / Orange Cinéma Séries / France Télévisions / Jouror Productions / Indéfilms 3 / Soficinéma 11 / Cinémage 9 / Région Limousin / Centre National de la Cinématographie (CNC) / Tax Shelter Fil Género: Drama
- Reparto: Cécile de France, Izïa Higelin, Noémie Lvovsky, Kévin Azaïs, Laetitia Dosch,Benjamin Bellecour, Eloïse Genet, Patrice Tepasso
- Sinopsis: La historia comienza en París en 1971. Delphine (Izïa Higelin) conoce a Carole (Cécile de France). La primera, hija de campesinos, se muda a la capital para ganarse su independencia financiera y sueña con estar al mando de su propia vida, algo impensable en la época. La segunda, pareja de Manuel (Benjamin Bellecour), vive felizmente los comienzos de la revuelta feminista. Una es misteriosa, reservada, pero sabe que le gustan las mujeres. La segunda ignora totalmente que pueda sentir tal atracción. Su encuentro desequilibra sus vidas, pero su historia de amor naciente va a tropezarse con la realidad.
Un amor de verano, la cinta escogida para inaugurar la 21 mostra Fire!!, nos ofrece una trama compartida por dos personajes ubicados en dos universos paralelos y opuestos: Delphine vive trabajando la tierra en un pequeño pueblo, alejada de las inquietudes que mueven a la parisina Carole, maestra de escuela y políticamente inquieta. Ambos mundos eclosionarán cuando Delphine marche a la capital huyendo del diminuto microcosmos que compone su existencia y entre en contacto con el grupo de feministas entre las que milita Carole. Entre ambas nacerá una amistad que se transformará en amor en un contexto histórico de gran relevancia para el feminismo en Francia. No en vano, la directora francesa Catherine Corsini (Partir, 2009), explica que se vio seducida por la vitalidad e insolencia del movimiento feminista que aconteció en el París de principios de los 70, principalmente por la energía y las ganas de cambio que mostraba. Un escenario lleno de estímulos y de novedades que se refleja durante la primera parte del filme: los pequeños sabotajes en actos anti-aborto, las manifestaciones y la lucha reivindicativa darán paso a la relación entre las dos mujeres, una de ellas lesbiana convencida. Y es que Un amor de verano es, ante todo, una historia de pasión, sinceridad y amor que lamentablemente demuestra que quizás las cosas no han cambiado tanto como sería de desear en los universos más reducidos, en los cuales la identidad sexual ‘diferente’, sigue siendo vista como una anormalidad, objeto de burla y persecución.
Cécile de France vuelve a demostrar su versatilidad interpretativa, que le sirve tanto para afrontar una violenta escabechina en Alta tensión (Haute Tension, 2003), cinta dirigida por l’enfant terrible del cine de terror francés Alexandre Aja, como para encarar un papel totalmente diferente en una producción mainstream de Clint Eastwood como es Más allá de la vida (Hereafter, 2010). También brilla especialmente la parisina Izïa Higelin, que compone un personaje muy creíble y, en cierto modo, más complejo que el encarnado por Cécile de France, que fue nominada por su interpretación al César de interpretación. Y finalmente es destacable Noémie Lvovsky, por su contenida y notable actuación como madre de Delphine que le valió ser nominada al premio César como actriz secundaria.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Miércoles 22 de junio *
UN HOMBRE DE ALTURA (Un homme à la hauteur, Laurent Tirard, 2016)
Francia. Duración: 98 min. Fotografía: Jérôme Alméras Productora: VVZ Productions / Gaumont / Creative Andina Género: Comedia romántica
Reparto: Jean Dujardin, Virginie Efira, Cédric Kahn, César Domboy, Myriam Tekaïa, Eléa Clair, Jean-Michel Lahmi, François-Dominique Blin, Adonis Danieletto, Lionel Mur
Sinopsis: Diane es una mujer muy hermosa, de las que hace girar cabezas dondequiera que va. Es una brillante abogada con sentido del humor y fuerte personalidad. Acaba de salir de un matrimonio infeliz, y es libre para conocer al hombre de su vida. Una tarde Diane recibe una llamada telefónica de un tal Alexandre, que se ha encontrado su móvil. Algo hace clic entre ellos durante esta llamada telefónica. Alexandre es educado, divertido y culto. Diane cae bajo su hechizo. Rápidamente se citan. Pero su encuentro no es el esperado.
Los que denuncian la falta de imaginación del cine norteamericano cada vez que leen la palabra remake clamando al espíritu europeo, en esta ocasión tendrán que extender su queja hacia la cinematografía gala, que ha decidido adaptar una película argentina tan reciente como Corazón de León de Marcos Carnevale, estrenada en 2013. ¿Era necesario? pues en vista de lo similares que son ambas, posiblemente no.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 17 de junio *
GRANDES FAMILIAS (Belles Familles, Jean-Paul Reppeneau, 2015)
Francia. Duración: 113 min. Guión: Jean-Paul Rappeneau, Philippe Le Guay, Julien Rappeneau Música: Martin Rappeneau Fotografía: Thierry Arbogast Productora: ARP Sélection Género: comedia dramática
Reparto: Mathieu Amalric, Guillaume de Tonquedec, Nicole Garcia, Gilles Lellouche, André Dussollier, Karin Viard, Marine Vacth, Gemma Chan
Sinopsis: Jerome Varenne (Mathieu Amalric) es un financiero francés que vive en Shanghái con su compañera sentimental y profesional Chen-Li (Gemma Chan). En un breve viaje de negocios a París, se entera por su madre y su hermano de que el que ha sido su hogar durante la infancia en el pueblo de Ambray se va a vender. Para intentar impedirlo y saber de primera mano qué es lo que realmente está ocurriendo se dirige hacia allí. Lo que no sabe es que dicha escapada, cambiará el curso de su vida para siempre.
El veterano Jean-Paul Rappeneau parece ser de los que se lo piensa bastante antes de dirigir una película. En casi 60 años de carrera ha dirigido nueve, contando en su haber con la más que estimable Cyrano de Bergerac (1990). Grandes Familias, que se mueve en un terreno cercano a la comedia de enredo, sitúa su acción en un ambiente opulento, en el cual la venta de un inmueble familiar dejará al descubierto un buen puñado de esqueletos ocultos en sus armarios. Pero todo se nos mostrará de manera altamente civilizada, con una corrección política que cae en la pura incorrección, cuadrando todo al final de la cinta.
Entre los protagonistas destacan Mathieu Amalric y sobre todo Marine Vacth, protagonista de la muy interesante Joven y bonita (Jeune & Jolie, 2013) de François Ozon, cuya interpretación le supuso ser nominada para los premios César y Lumiere . Además de una Karin Viard casi anecdótica.
Previsible, pero también agradable habría resultado, bajo nuestro punto de vista, más redonda si se hubiera aligera su metraje en media hora.
EXPEDIENTE WARREN: EL CASO ENFIELD (The Conjuring 2: The Enfield Poltergeist, James Wan, 2016)
USA. Duración: 133 min. Guión: Carey Hayes, Chad Hayes Música: Joseph Bishara Fotografía: Don Burgess Productora: Evergreen Media Group / New Line Cinema / The Safran Company Género: Terror sobrenatural
Reparto: Vera Farmiga, Patrick Wilson, Frances O’Connor, Madison Wolfe, Lauren Esposito, Patrick McAuley, Benjamin Haigh, Maria Doyle Kennedy, Simon Delaney, Franka Potente, Simon McBurney
Sinopsis: Secuela de la exitosa Expediente Warren (2013), que lleva de nuevo a la pantalla otro caso real de los expedientes de los renombrados demonólogos Ed y Lorraine Warren (Patrick Wilson y Vera Farmiga). En este caso ambos viajarán al norte de Londres para ayudar a una madre soltera que tiene a su cargo cuatro hijos y que vive sola con ellos en una casa plagada de espíritus malignos.
James Wan, que se dio a conocer y entró en la industria por la puerta grande con la cruda Saw (2004), encontró un filón en el terror sobrenatural con Insidious (2010) y sobre todo con Expediente Warren (The Conjuring, 2013). Tras obtener un rutilante éxito, declaró que no volvería a dirigir cine de terror, manteniéndose como productor de la decepcionante Annabelle (John R. Leonetti, 2014) y de otras cintas conectadas con la saga Insidious. Pero ha vuelto al género, demostrando por qué era necesaria su presencia en este tipo de cintas. Y es que James Wan es un director muy elegante, que utiliza un buen número de planos con su inquieta cámara, que sigue a los personajes, se mete por huecos, busca a los actores, todo para trasmitirnos el estado de ánimo que desea. Preciosista, aplicado en la planificación, mide los tempos para los inevitables sustos, intentando, en lo posible, que no resulten demasiado predecibles. Momentos que no serían lo mismo si no contara el director con los crispantes violines de la partitura de Joseph Bishara, habitual en las cintas de Wan y responsable también, de que el espectador salte de la butaca.
Pero Expediente Warren: El caso Enfield es mucho más que una colección de sustos y carreras. No sería lo mismo si no contara con unos personajes tan atractivos como son el matrimonio Warren, encarnado de nuevo por Vera Farmiga y Patrick Wilson, apoyados por un elenco del que sobresale la joven Madison Wolfe. Atmosférica, oscura, ambientada en una Inglaterra en la que nunca luce el sol, gris, como la casa semiderruida en la que sobrevive esta familia, Wan sabe aprovechar el proverbial miedo atávico a la oscuridad, jugar con los sonidos y conseguir una emocionante cinta que ofrece justo lo que busca el espectador que disfrutó pasándolo mal con la primera. Y todo ello sin renunciar a momentos de sutil humor.
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NINJA TURTLES: FUERA DE LAS SOMBRAS (Teenage Mutant Ninja Turtles: Out of the Shadows, Dave Green, 2016)
USA/China. Duración: 112 min. Guión: Josh Applebaum, Andre Nemec (Personajes: Peter Laird, Kevin Eastman) Música: Steve Jablonsky Fotografía: Lula Carvalho Productora: Paramount Pictures / Nickelodeon Movies Género: Acción infantil
Reparto: Megan Fox, Will Arnett, Laura Linney, Tyler Perry, Alan Ritchson, Jeremy Howard, Pete Ploszek, Noel Fisher, Brian Tee, Tony Shalhoub, Stephen Amell, Brittany Ishibashi, Stephen Farrelly, Gary Anthony Williams
Sinopsis: El súper villano Shredder (Brian Tee) escapa de prisión y une sus fuerzas con el científico loco Baxter Stockman (Tyler Perry) y sus dos secuaces, Bebob (Gary Anthony Williams) y Rocksteady (la súper estrella de la WWE Stephen “Sheamus” Farrelly), para llevar a cabo un diabólico plan para conquistar el mundo. Mientras las Tortugas se preparan para enfrentarse a Shredder y su banda, tendrán que luchar también con un nuevo enemigo, incluso más poderoso, y también con intenciones malignas: El General Krang (Brad Garrett).
Segunda entrega de esta nueva serie dedicada a la Tortugas Ninja, unos personajes que nacieron de la mano de Kevin Eastman y Peter Laird como parodia del Frank Miller de Ronin y que de la noche a la mañana se convirtieron en todo un éxito. Lo que era un cómic independiente en blanco y negro se transformó en un filón que generó dibujos animados, cromos, figuras articuladas, cómics (pero de carácter más infantil), series de televisión y, por supuesto, películas. El Acid House con sus colorines chillones, influyó en el merchandising y en los personajes, y se ha mantenido hasta esta séptima película con las Tortugas Ninja como protagonistas.
Michelangelo, Donatello, Leonardo y Raphael regresan junto con April O’Neil (Megan Fox), Vern Fenwick (Will Arnett) y un nuevo vigilante enmascarado, Casey Jones (Stephen Amell) en esta cinta que demuestra que el habitat natural de las Tortugas Ninja es la tecnología digital. Y es que los personajes están realmente muy conseguidos. Con un tono marcadamente infantil, esta cinta incide en las constantes del cine dirigido a los más pequeños: lo positivo que es el trabajo en equipo y el aceptarse uno a sí mismo. En cuanto a Megan Fox, parece un personaje más de animación. Y no el mejor.
Ninja Turtles: fuera de las sombras, está producida por Michael Bay y dirigida por Dave Green, que debutó en el largometraje hace dos años con Tierra a Eco (Earth to Echo).
LA LEYENDA DE BARNEY THOMSON (The Legend of Barney Thomson, Robert Carlyle, 2015)
UK. Duración: 96 min. Guión: Richard Cowan, Colin McLaren Fotografía: Fabian Wagner Productora: Trinity Works Entertainment / Sigma Films Género: Comedia negra
Reparto: Robert Carlyle, Ray Winstone, Emma Thompson, James Cosmo, Ashley Jensen, Samuel Robertson, Martin Compston, Tom Courtenay, Brian Pettifer, Kevin Guthrie, Stephen McCole, Ruari Cannon
Sinopsis: Barney Thompson es un torpe y tímido barbero de una peluquería de Glasgow. Lleva la vida mediocre de soltero empedernido, ninguneado en el trabajo y en casa, donde debe lidiar con una madre dominante. Su gris rutina sufre un cambio inesperado el día que su jefe le comunica que va a ser despedido por su incompetencia con las tijeras y por su mal talante con los clientes. Es entonces cuando un homicidio involuntario lo convierte en el principal sospechoso de ser el responsable de una serie de macabros crímenes, obra de un psicópata. El acoso del incompetente cuerpo de policía le obligará a mentir e improvisar sobre la marcha para evitar que todo se venga abajo en cualquier instante.
Comedia negra británica con la que debuta en la dirección su también protagonista Robert Carlyle, que interpreta a un barbero que, por un conjunto de desafortunados accidentes, termina siendo sospechoso de ser un asesino en serie. Su admirable diseño de producción destaca en los detalles de la barbería y, sobre todo, en la casa de la madre del protagonista, auténtico templo kitch, museo del horror y del souvenir absurdo (¿hay de otro tipo?). Cemolina, la madre de Barney, está magníficamente Interpretada por Enma Thompson, que a pesar de llevarse tan solo dos años con Carlyle, queda totalmente convincente como repulsiva anciana gracias a su solvente actuación y al magnífico maquillaje. En el reparto también destaca el inspector de policía Holdall, interpretado por Ray Winstone, que tendrá su infierno particular en la Inspector Detective June Robertson (Ashley Jensen). Cadáveres, maravillosos y sucios diálogos con acento cockney, y ese humor británico que tanto nos gusta.
Expediente Warren: El caso Enfield, no puedo evitar enamorarme de ti
¿Nunca les ha ocurrido que una película se les quede puesta como un chal sobre los hombros y vuelva a proyectarse en su interior, una y otra vez, sobre el telón de los párpados cerrados? A mí me ha pasado en varias ocasiones, cito al azar, con Tiempo de amar, tiempo de morir (1958, Douglas Sirk), con El Gatopardo (1963, Luchino Visconti), con Avanti (1972, Billy Wilder), con La vida privada de Sherlock Holmes (1970, Billy Wilder), y podría seguir. Lo curioso del caso es que esa proyección íntima se pone en marcha siempre en la misma escena, como si fuera una canción seleccionada en repeat, y esas escenas pasan a configurar mi/nuestra personal antología de grandes momentos del cine. Eso justamente ha vuelto a ocurrirme con The Conjuring 2 (su título español encabeza este artículo) la última cinta del maestro James Wan que afortunadamente no ha cumplido su intención de no volver a dirigir una película de miedo.
Desde que la vi por primera vez en el marco del Festival Nocturna, una melodía sobreviene a mí inesperadamente y vuelvo a ver a Ed Warren (Patrick Wilson), guitarra en mano, cantando «Can’t Help Falling in Love» de Elvis Presley. Esa es la escena. Esa es mi escena. Y no puedo evitar insertarla:
No es ya sólo la exhibición de saber hacer en la puesta en escena, de ella se hace gala en toda la cinta, es que esta secuencia se me antoja el corazón del filme en toda su polisemia. The Conjuring 2 va mucho más lejos de la pericia en la construcción del sobresalto, mucho más allá de escribir un argentado capítulo dentro del subgénero de casas encantadas, The Conjuring 2 es una película de amor, un canto al hogar y al cobijo de la familia, y un alegato sobre la importancia de la comprensión y la confianza como pedestal sobre el que asentar nuestras propias diferencias, esas que nos hacen especiales pero que también pueden llegar a aislarnos. Valores, todos ellos, que ya adornaban la primera entrega, no en vano Wan encargó a Mark Isham el tema principal del score (dejando el resto a su músico de cabecera, Joseph Bishara), el que más grabado se nos queda, y que se titula, precisamente, The Family; pero que en este segundo episodio, esos valores, tienen un desarrollo más amplio, más elaborado y ocupan un lugar mucho más central. Lo que la película de 2013 inauguraba, la de 2016 lo confirma y consolida.
James Wan repite fórmula, su díptico tiene modos de serial (y por nosotros puede seguirle añadiendo los episodios que guste siempre que los dirija él). Un prólogo marcado que constituye en sí un pequeño filme dentro del filme (y que, en ambas ocasiones, introduce personajes a los que dedicarles después un spin-off), da paso al cuerpo del relato en el que circulan dos tramas condenadas a encontrarse: la peripecia personal de la pareja Warren (el ya mencionado Patrick Wilson y Vera Farmiga) y el caso del que acabarán ocupándose, en esta ocasión el poltergeist de Enfield, conocido también como el Amityville británico. El desarrollo es un crescendo de ritmo perfecto que va desde las primeras manifestaciones de lo sobrenatural hasta la aparición del elemento demoníaco que constituye el clímax de la narración, un clímax en el que todas las líneas del texto quedan cerradas y concluidas. Para acabar con un epílogo esperado: Ed Warren depositando en su pequeño museo de los horrores un objeto que ha cumplido un papel protagonista dentro del caso, una auténtica reliquia que cumple la función de colofón. Una estructura casi robada a la televisión que permite aglutinar lo mejor de los dos medios en una era en la que las series, para cierto sector del público al menos, le están ganando terreno al séptimo arte. Wan demuestra así que aún le queda larga vida al cine, sólo tiene que saber recoger la afrenta de la modernidad y adaptarla a su terreno.
Y es que si algo domina Wan es la gramática cinematográfica. The Conjuring y The Conjuring 2 son pruebas de que en cine importa casi más el cómo se cuenta que lo contado en sí. Ambas son perfectamente disfrutables aunque no se sea amante del género, no por ser productos maisntream (que lo son) sino porque son dos ejercicios de virtuosismo con la cámara. Wan sabe siempre dónde plantarla, qué movimiento es el más acorde al sentimiento que busca provocarnos, donde cortar el plano en aras del interés argumental y de paso conducirnos por los temas que nos va a destacar con un simple encuadre. Esto es algo que ya comentábamos en 2013, The Conjuring 2 viene a confirmar que aquello no era un acierto puntual sino todo un signo de autoría. Siendo una película de miedo, hay que hacer hincapié en como Wan consigue dotar a la cinta de la dosis exacta de sobresaltos para mantener al espectador pegado a la butaca (o botando en ella si se quiere) sin convertirla en un mero tren de la bruja, su dominio de los recursos le permite amagar el susto cuando le conviene o desplazarlo los segundos justos para que nos hayamos confiado y nos pille desprevenidos a pesar de haberlo estado anticipando.
¿A quién quieres más a mamá o a papá? Difícil elección. La misma dificultad tiene decidir cual de las dos entregas es mejor. Ambas son grandes obras, la diferencia quizás es que en la segunda Wan ya se siente confiado en su producto, el éxito de la primera no le ha supuesto presión (o no lo parece). Al contrario, parece dejarse llevar más por su instinto y así retoma ese humor que se respiraba en su primer Insidious (incluso en el clímax se permite introducir un ligero gag sin despeinarse y sin que ello rompa el ritmo y la tensión dramática). Ese toque de ligereza, paradójicamente, da más profundidad a los personajes y contraste a las situaciones. Queremos a papá y a mamá, no renunciamos a ninguna, sin que ello obste para señalar que la segunda es un producto ya maduro que luce con mayor esplendor.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 10 de junio *
SI DIOS QUIERE (Se Dio vuole, Edoarde Maria Falcone, 2015)
Italia. Duración: 77 min. Guión: Edoardo Maria Falcone, Marco Martani Música: Carlo Virzì Fotografía: Tommaso Borgstrom Productora: Wildside / Rai Cinema Género: Comedia
Reparto: Marco Giallini, Alessandro Gassman, Laura Morante, Ilaria Spada, Edoardo Pesce, Enrico Oetiker, Carlo De Ruggeri, Giuseppina Cervizzi, Alex Cendron, Fabrizio Giannini, Silvia Munguia
Sinopsis: Tommaso, un cardiólogo de fama, es un hombre de firmes creencias ateas y liberales. Está casado y tiene dos hijos. Uno de ellos, Andrea, prometedor estudiante de medicina, revoluciona a la familia cuando les anuncia que quiere hacerse cura.
(Reseña completa en un CLICK)
DOS BUENOS TIPOS (The Nice Guys, Shane Black, 2016)
UK/USA. Duración: 116 min. Guión: Shane Black, Anthony Bagarozzi Música: David Buckley, John Ottman Fotografía: Philippe Rousselot Productora: WB / Silver Pictures / Waypoint Entertainment / Misty Mountains Género: Comedia
Reparto: Ryan Gosling, Russell Crowe, Matt Bomer, Kim Basinger, Yvonne Zima, Keith David, Margaret Qualley, Beau Knapp, Angourie Rice, Daisy Tahan, Abbie Dunn, Michael Beasley, Joanne Spracklen, Dale Ritchey, Terence Rosemore, Chace Beck,
Sinopsis: Ambientada en Los Ángeles durante los años 70, gira en torno al policía Holland March (Ryan Gosling) y el detective y matón a sueldo Jackson Healy (Russell Crowe), los cuales se ven forzados a colaborar para resolver el caso de una joven desaparecida, la muerte de una estrella porno y una conspiración criminal que llega hasta las altas esferas.
Competente comedia, casi una parodia de las que se realizaban en otros tiempos con un buen punto de partida que deja al espectador pegado en la pantalla pendiente de los continuos gags, muy aceptables, que convierten la cinta en una película de lo más disfrutable, y con un impecable diseño de producción que nos traslada, sin chirriar, a los años setenta. Vale la pena aunque solo sea por ver a estos actores, Gosling y Crowe, siempre tan duros y serios, parodiándose a sí mismos con resultados altamente gratificantes. Aunque, para qué engañarles, la función se la arrebata por la banda la joven actriz Angourie Rice, de la que ya les avisamos que estuvieran pendientes tras verla en el filme apocalíptico Las últimas horas (These Final Hours, Zak Hilditch, 2013). Con más que saludables brotes de incorrección política; lenguaje deslenguado; Crowe repartiendo leches como panes y Gosling homenajeando a Lou Costello, esta cinta, reencuentro de Kim Basinger y Russell Crowe 19 años después de L. A. Confidential, cumple perfectamente con su objetivo de hacer pasar un buen rato al espectador. ¿Intrascendente?, puede, sí, pero, ¿no les apetece a veces pasar sencillamente un buen rato? Pues qué mejor que pasarlo con Dos buenos tipos
RUMBOS (Manuela Burló Moreno, 2016)
España. Duración: 93 min. Guión: Manuela Burló Moreno Música: Mikel Salas Fotografía: Unax Mendía Productora: Arcadia Motion Pictures / Jano Pictures AIE / Atresmedia Cine Género: Comedia dramática
Una ciudad nocturna y las especies que la habitan a esas horas. Putas, ambulancias, policías, borrachos, camioneros … con la radio como fondo. Historias que se cruzan, algunas inconclusas, otras fracasadas. Mentira, esperanza y soledad son solo tres de las viñetas que componen estos retratos que entrecruzarán sus rumbos en ese Scalextric gigante que circunda esa ciudad dentro de la ciudad. Y todo bien narrado por su directora y guionista, Manuela Burló, pero sobre todo bien interpretado por un amplio elenco que comprende tanto a veteranos como nuevas caras del cine español: a Carmen Machi, Karra Alejalde, Ernesto Alterio o Pilar López de Ayala, se le suman jóvenes valores como Miki Esparbé, Christopher Torres o un Emilio Palacios que ya demostró su altura en Los héroes del mal, de Zoe Berriatúa. Aunque la acción se desarrolla en tiempo real, no llega a la perfección de Hablar, cinta de Joaquín Oristrell que posee elementos en común con Rumbos. Aquella, a pesar de estar rodada enteramente en plano secuencia, mantenía mucho mejor el ritmo, que quizás es de lo que se resiente Rumbos, que durante su periplo por la ciudad durmiente, habla sobre todo de amor. De amor muerto, de enamoramiento, de desamor y de amor no correspondido.
SUMMER CAMP (Alberto Marini, 2015)
España. Duración: 85 min. Guión: Alberto Marini, Danielle Schleif Música: Arnau Bataller Fotografía: Pablo Rosso Productora: Filmax / The Safran Company / Rebelión Terrestre Género: Terror
Reparto: Diego Boneta, Maiara Walsh, Jocelin Donahue, Andrés Velencoso, Mark Schardan, Rick Zingale, Xavier Capdet
Sinopsis: En la búsqueda de diversión y nuevas experiencias, tres jóvenes estadounidenses y uno autóctono, se apuntan como monitores en un campamento de verano en Europa. Están preparados para todo: insectos, noches en vela, niños gamberros… pero no para que ese sea su último verano. Al llegar al campamento, una extraña infección que causa furia extrema sumerge al grupo en una espiral de terror y locura. Comienza entonces una carrera a contrarreloj para encontrar la fuente del contagio y poder salvar sus vidas. ¡Bienvenidos a Summer Camp!
(Reseña completa en un CLICK)
Summer Camp: un cierto desconcierto
A pesar de que la habíamos visto en su pase durante el Festival de Sitges, quisimos revisarla para ver si nos convencía en esta ocasión. A veces, el gran número de películas que se digieren en un certamen, pueden conseguir que los posibles valores de una cinta puedan pasarnos desapercibidos. Así que le dimos otra oportunidad … pero mantenemos aquella primera crítica.
SUMMER CAMP (Alberto Marini, 2015)
España. Duración: 85 min. Guión: Alberto Marini, Danielle Schleif Música: Arnau Bataller Fotografía: Pablo Rosso Productora: Filmax / The Safran Company / Rebelión Terrestre Género: Terror
Reparto: Diego Boneta, Maiara Walsh, Jocelin Donahue, Andrés Velencoso, Mark Schardan, Rick Zingale, Xavier Capdet
Sinopsis: En búsqueda de diversión y nuevas experiencias, cuatro jóvenes estadounidenses se apuntan como monitores en un campamento de verano en Europa. Están preparados para todo: insectos, noches en vela, niños gamberros… pero no para que ese sea su último verano. Al llegar al campamento, una extraña infección que causa furia extrema sumerge al grupo en una espiral de terror y locura. Comienza entonces una carrera a contrarreloj para encontrar la fuente del contagio y poder salvar sus vidas. ¡Bienvenidos a Summer Camp!
Con este argumento que hemos resumido, se nos abría el apetito de acercarnos a Summer Camp. Teníamos ganas de ver este nuevo filme presentado por Filmax, principalmente, porque nos declaramos fans de la labor que viene realizando esta productora por el fantástico en España (y que parece que no se valora lo suficiente). Pero también, en segundo lugar, porque es el debut en la dirección (de un largo, ya que previamente había dirigido dos cortos) de Alberto Marini, conocido sobre todo por ser guionista de algunas de las más interesantes películas que ha dado el género que nos ocupa en su renacimiento de las últimas décadas, como son Mientras duermes (2011) de Jaume Balagueró, cinta cuyo argumento nos encantó por su reflejo de la cara oculta de la cotidianidad y de la muy interesante El desconocido (Dani de la Torre, 2015), entre otras.
Definida por su propio director como “una peli de terror gamberro“, Summer Camp pretende ser exactamente eso, entretenimiento puro y duro. Es quizás por ello que, ni Marini ni su compañera de guión, Danielle Schleif, se han estrujado mucho el cerebro en su escritura, poniendo más el acento en los efectos sangrientos y en las persecuciones que en la trabazón de la historia. Summer Camp mezcla comedia, terror y diversos fluidos a golpe de efecto con mucho de Posesión infernal (incluido un plano que homenajea su cartel). El resultado no deja de ser entretenido, cierto, pero sobre todo lo que es, es manido. Caer en lo tópico, pese a contar con un elemento atractivo (los efectos de la infección aparecen y desaparecen a lo largo de la acción en un twister imprevisible), no es lo peor de la cinta con la que debuta Marini; lo peor es que no parece encontrar el correcto tono narrativo. Esto es, la película viene lastrada por un primer acto insulso en el que se dan detalles que no tendrán la menor relevancia en el resto de la trama, y en el que no llegamos a saber si estamos viendo una parodia o un filme que se toma en serio a sí mismo pero cae repetidamente en el humor involuntario. Según parece, en el montaje previo que fue exhibido en Estados Unidos, el elemento cómico era patente, pero no funcionó con los espectadores americanos, motivo que llevó a sus creadores a remontar el primer acto reduciendo su comicidad. A todas luces un gran error, porque lo único que se logra con el montaje proyectado en Sitges es que dé la impresión de que la película no arranca ni se define, para cuando encuentra su camino humorístico ya es demasiado tarde para conferirle ese tono de cine gamberro que se prometía en la promoción de la obra.
Rodada en inglés con reparto internacional y repleta de efectismos y sustos de esos que se ven venir, lo mejor de la película es que el personaje interpretado por Andrés Velencoso muere al poco de comenzar la acción… y no vuelve.
Si Dios quiere, la posibilidad del milagro
«Comprended que si supiera el dueño de casa a qué hora de la noche viene el ladrón, estaría en vela y no dejaría abrir un boquete en su casa» reza la parábola en el Evangelio según San Mateo para advertir a los humanos que la muerte llega sin avisar y es mejor estar preparado para ello. Contra la muerte lucha Tommaso (Marco Giallini), cardiólogo de fama y hombre de firmes creencias, ateo y liberal. Cree en la ciencia y niega los milagros. Pero el mundo de Tommaso dará un vuelco cuando Andrea, su hijo y prometedor estudiante de medicina, revolucione a la familia con su noticia: quiere hacerse cura. La supuesta vocación de Andrea pondrá sobre la mesa la disfuncionalidad de su familia, acomodada y aparentemente ejemplar; pero el principal cambio que introduce es el encuentro entre su padre y el reverendo Don Pietro (Alessandro Gassman), figuras opuestas que acabarán tomando conciencia de que son las dos caras de la misma moneda. Se acabarán reconociendo como el otro, el mismo.
Edoardo Maria Falcone debuta en la dirección con este largometraje (del que es además autor del guión) y nos ofrece una comedia ágil apoyada, fundamentalmente, sobre el carisma de sus dos interpretes principales. Marco Giallini está soberbio en su encarnación de ese médico, sobresaliente por su talento, que destaca por su cinismo (como el Dr. House televisivo), tanto en sus planteamientos vitales como en el trato que da a sus colegas y pacientes. 
Descree de los milagros y no contempla la existencia de Dios, confía únicamente en la ciencia y la inteligencia humana. Y Alessandro Gassman le da la réplica a la perfección encarnando a ese reverendo poco ceremonioso, nada canónico, que levanta pasiones entre sus feligreses con su verbo ágil y coloquial. Exconvicto, Don Pietro es otro de esos personajes de carácter que llenan la escena con su sola presencia, un cura atípico, un tanto anárquico, que se gana la voluntad de quienes le escuchan por sus modos desenfadados, no por ello poco profundos. Del choque de ambos personajes, conducido por un excelente tratamiento de la intriga (aquí, ver quién puede dirigir la voluntad del joven Andrea), nacen momentos y situaciones hilarantes, bien coreadas por el resto de secundarios (tan bien dibujados como los protagonistas), con ciertos toques de caricatura en ocasiones y buen uso de la ironía siempre.
Falcone no sólo ha cuidado el diseño de los personajes y sus arcos de transformación, también ha atado en corto otro de los factores decisivos en toda comedia: el ritmo. Si Dios quiere modula a la perfección su tempo, agitado y percutante en algunas secuencias (con esa banda sonora que 
amplifica las acciones), moderado y cadencioso cuando lo requiere la situación, solemne cuando se hace presente el momento dramático, para acabar con una coda que resume todos los movimientos dejándonos una sonrisa agridulce en su final. El director se muestra hábil en la dosificación de las situaciones cómicas, nos gana con la ración justa de risas desde el principio, de modo que conforme avanza la trama y llega el último acto con su giro dramático, ya somos totalmente suyos y hemos evolucionado a la par que los personajes y su peripecia.
Quedarnos sólo con que Si Dios quiere es una de las mejores comedias que han llegado a nuestras pantallas este año, siendo cierto, sería caer en un reduccionismo que no haría justicia a la cinta. Porque esta ópera prima envuelve con ropajes de liviana comicidad reflexiones existenciales de alto calado, que son introducidas con la misma suavidad y precisión con las que un cirujano practica una incisión. En clave de humor, Falcone nos hace recapacitar sobre la familia, sobre los vínculos y los roles, nos mueve a considerar los límites de la tolerancia (o mejor nuestra propia limitación para tolerar pese a pretendernos liberales y demócratas), pero sobre todo nos obliga a meditar sobre nuestra condición humana.
A seis mil pies de altura, frente al lago de Silvaplana, más allá del hombre y del tiempo, en un momento, pues, de éxtasis, tuvo Nietzsche la revelación del Eterno Retorno, su particular manera de entender la eternidad. En un paraje similar, también frente a un lago, Pietro vivió su «camino de Damasco», su conversión; solo y desconectado, aprehendió el Deus sive Natura de Spinoza. Su fe sólo toma la forma del cristianismo como falsilla a través de la que hacer patente su convicción: Dios está en la naturaleza y el hombre es sólo una figura minúscula en esa inmensidad. El prodigio no es más que el desplegarse de la naturaleza en su armonía silenciosa. Ese es el rostro omnipotente de Dios. Comprenderlo así es el único milagro. Así lo aprehenderá también Tommaso, por eso no importa si el milagro que desearían los espectadores, para que Si Dios quiere tuviese un final feliz, se haya dado o no. El verdadero milagro (que es también la redención del cirujano) ya se ha producido.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 3 de junio *
FÁTIMA (Phipippe Faucon, 2015)
Francia/ Canadá Duración: 79 min. Guión: Philippe Faucon Fotografía: Laurent Fenart Productora: Istiqlal Films / Arte France Cinéma / Possibles Média / Rhône-Alpes Cinema Género: Drama
Reparto: Soria Zeroual, Zita Hanrot, Mehdi Senoussi, Franck Andrieux, Yolanda Mpele
Sinopsis: Fátima es una musulmana inmigrante de origen árabe que vive sola con sus dos hijas: Souad, adolescente rebelde de 15 años, y Nesrine, que, con 18 años, comienza sus estudios de medicina. Fatima no domina el francés y lo vive como una frustración en la relación cotidiana con sus hijas. Ambas son su mayor orgullo, su motor y su inquietud. Con el fin de ofrecerles el mejor futuro posible, Fatima trabaja como señora de la limpieza con turnos de trabajo poco convencionales.
Un día, se cae por las escaleras. Durante su paro laboral, Fatima empieza a escribir en árabe lo que no ha podido decir en francés a sus hijas hasta ese momento.
Fátima, es la ganadora de la última ceremonia de los Premios Cesar con tres de los premios «gordos», Mejor Película, Mejor guión adaptado y mejor actriz revelación Zita Hanrot. La película adapta los poemarios «Prière à la lune» y «Enfin je peux marcher toute seule de la marroquí Fatima Elayoubi, que sin saber el idioma emigró a Francia siguiendo a su marido a principios de los ochenta. Elayoubi ha trabajado en París como limpiadora de hogar. Comenzó a escribir un diario en árabe en 2001, cuando convalecía de una caída causada por el agotamiento al que la sometía su empleo. Tras peregrinar por numerosos hospitales, donde no identificaban su dolencia, una doctora de Nanterre tradujo sus escritos al francés, y le encontró diagnóstico: «Las radiografías no revelan nada / pero su malestar es el de una madre que sufre / porque para alimentar a sus hijas / tan solo tiene su cuerpo herido», dicen unos versos de «Prière à la lune».
Rodada de forma casi documental, Fátima refleja las nuevas realidades a las que deberán enfrentarse tanto las protagonistas, emigradas, como los naturales del lugar ante los recién llegados. Fátima deberá afrontar, además, el choque cultural que se produce en su propio hogar, con unas hijas que se adaptan fácilmente a las costumbres de su país de adopción. Viviremos jirones, retazos del día a día de esta mujer y sus hijas en los que la fortaleza del débil se abrirá paso para sobrevivir en ese gris extrarradio en el que a veces, los iguales, pueden ser los peores enemigos. Todo ello en una sociedad en la que se respira un sutil racismo.
WARCRAFT: EL ORIGEN (Warcraft: The Beginning, Duncan Jones, 2016)
USA/China. Duración: 123 min. Guión: Charles Leavitt, Duncan Jones (Historia: Chris Metzen) Música: Ramin Djawadi Fotografía: Simon Duggan Productora: Universal Pictures / Legendary Pictures / Blizzard Entertainment Género: Fantástico
Reparto: Travis Fimmel, Robert Kazinsky, Ben Foster, Toby Kebbell, Dominic Cooper, Paula Patton, Daniel Wu, Clancy Brown
Sinopsis: El pacífico reino de Azeroth está a punto de entrar en guerra para enfrentarse a unos terribles invasores: orcos guerreros que han dejado su destruido mundo para colonizar otro. Al abrirse un portal que conecta ambos mundos, un ejército se enfrenta a la destrucción, y el otro, a la extinción. Dos héroes, uno en cada bando, están a punto de chocar en un enfrentamiento que cambiará el destino de su familia, su pueblo y su hogar.
«De la luz viene la oscuridad y de la oscuridad la luz»
Desde que Gene Kelly y el ratón Jerry bailaron juntos en la fantasía musical Technicolor Levando anclas (Anchors Aweigh, 1945) de George Sidney, muchas veces la animación y los personajes reales han compartido plano con mejor o peor fortuna. Esta adaptación del popular videojuego homónimo es, contra todo agorero pronóstico para el profano es estas cuestiones, una muy entretenida mezcla de elementos de Tolkien con fantasía heroica. Su guión prescinde de enrevesadas cuestiones filosóficas que posiblemente hubieran terminado convirtiendo la película en un ridículo espectáculo apostando por ofrecer un relato apto para todos los públicos, con el que Duncan Jones consigue una sencilla pero efectiva narración fantástica. Desde luego para los enemigos de los universos digitales esta es otra nueva pesadilla que, por otra parte, hubiese sido imposible de representar en toda su espectacularidad careciendo de ellos. Hay que ser realista, hubiera hecho falta mucho látex y multitud de extras para representar el universo Warcraft con cierto realismo.
La película, que está funcionando mucho mejor en el mercado europeo que en su país de origen es, en algunos momentos, una cinta de pura animación con un efectivo 3-D que nos introduce en un mundo de portales interdimensionales, bravos guerreros, horribles orcos y hechiceros. Una lucha entre el bien y el mal que aboga por los mensajes positivos como la paz, el respeto al diferente y el mestizaje, principios que no por reiterativos conviene olvidar.
Así que en nuestra opinión, lo que en principio parece ser un simple encargo, casi un marrón para un interesante director como es Duncan Jones, se salva con mucha dignidad. Y para ello ha sido también necesario el haber contado con un buen plantel de actores como Travis Fimmel, popular protagonista de la serie Vikingos; o Paula Patton ¿les había confesado alguna vez mi debilidad por las chicas con piel verde y colmillos?, que hacen más interesante este primer acercamiento a la saga Warcraft que suponemos, a tenor de los escenarios que deja abiertos, tendrá continuidad. Pero eso es algo que deben decir los números.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 27 de mayo *
¿QUÉ INVADIMOS AHORA? (Where to Invade Next, Michael Moore, 2015)
USA. Duración: 119 min. Guión: Michael Moore Fotografía: Jayme Roy, Richard Rowley Productora: Dog Eat Dog Films / IMG Género: Documental
Sinopsis: Sátira en la que Moore se embarca en una «invasión» por Europa para encontrar soluciones que se puedan aplicar a los problemas internos de Estados Unidos.
Este nuevo documental de Michael Moore está lejos de la sardónica mala leche que demostró en Bowling for Columbine (2002). En esta ocasión el director viaja por Europa y parte de África con la intención de, tal y como llega a admitir, «coger las flores, no la hierba» y demostrar que en el resto del mundo se vive mejor que en la tierra de las oportunidades. Su misión es realizar una invasión pacífica en diversos países ‘apropiándose’ de lo que es mejor que en su país: las vacaciones pagadas de Italia; la educación de Finlandia; el sistema carcelario de Noruega, etcétera. Pero claro, sin ver las deficiencias, por lo que se muestra muy superficial. Recuerden: solo las flores.
De lo que se trata es de alabar el estado de bienestar que tanto costó conquistar y lo innegablemente beneficioso que resulta para todos frente al competitivo estado liberal. Pero no todos los países han llegado a tener ese ansiado estado del bienestar y otros, lo hemos ido perdiendo progresivamente a base de recortes. Así que el resultado es, como es habitual cuando el americano sale de su país, muy superficial e incompleto.
Además, lo que parte como una crítica de dos horas al sistema americano termina realzando patrióticamente que las ideas que se han aplicado con éxito en Europa tienen su origen precisamente en Estados Unidos. Otra de las razones por la que la película de Michael Moore nos ha dejado un tanto fríos. Se agradece que todavía alguien haga autocrítica del American Way of Life pero, en esta ocasión, le ha faltado mordiente.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 20 de mayo *
NOCHE REAL (A Royal Night Out, Jukian Jarrold, 2015)
UK. Duración: 97 min. Guión: Trevor De Silva, Kevin Hood Música: Paul Englishby Fotografía: Christophe Beaucarne Productora: Ecosse Films / Scope Pictures Género: comedia
Reparto: Sarah Gadon, Emily Watson, Jack Reynor, Rupert Everett, Bel Powley, Roger Allam, Jack Laskey, Ruth Sheen, Anastasia Harrold, Jack Gordon, Geoffrey Streatfeild, Sophia Di Martino
Sinopsis: 8 de mayo de 1945, día de la Victoria en Europa. La ciudad de Londres celebra el final de la guerra, y en Buckingham Palace, la princesa Margarita y su hermana Isabel, están deseando ser parte de la alegría fuera de palacio. A ambas se las permite salir de incógnito para formar partes de las celebraciones, dando comienzo a una noche llena de emoción, peligro y romance.
Una deliciosa fantasía perfectamente equilibrada. Con las dosis exactas de humor y crítica social, así como algunas medidas de patriotismo que, sin llegar a resultar trasnochado, nos recuerda, entre sonrisas, que no hace tanto los regímenes democráticos occidentales tuvieron una dura lucha contra el fascismo en cuya victoria el tan maltratado como denostado proletario resultó ser una pieza fundamental. Con el aroma de las comedias de antaño (creo sinceramente que ni Lubitsch ni Wilder se avergonzarían de haber firmado el guión), Noche real nos sumerge, a toda marcha, en un carrusel nocturno a ritmo de swing. No busquen rigurosidad histórica, por supuesto, es tan solo una fantasía, un regalo para la monarca británica que más tiempo ha estado sentada en el trono de Inglaterra y a la que uno puede imaginarse sonriendo por lo bajini con las aventuras de unas princesas Isabel y Margarita con las hormonas revolucionadas perdidas por los peores tugurios de la capital británica. Todo ello con el muy inteligente contrapunto del personaje interpretado por Jack Reynor, un John Doe, un simple soldado que, además de aportar la nota romántica, añade un baño de realidad poniendo los pies de la princesa en el suelo. Eso sí, previa reparación del tacón de su zapato.
Los actores están todos magníficos, tanto los eficaces Emily Watson y Rupert Everett, de eficacia probada, como los jóvenes Reynor, Sarah Gadon y, en especial, la desternillante Bel Powley, que ya nos sorprendió en la también magnífica The Diary of a Teenage Girl.
Con ecos de Vacaciones en Roma (Roman Holiday, W. Wyler, 1953), El cisne (The Swan, Charles Vidor, 1956), El príncipe y la corista (The Prince and the Showgirl, Laurence Olivier, 1956) e incluso de leyendas urbanas como las de Campechano I y sus incursiones en moto entre la plebe, Noche Real tiene los ingredientes necesarios para ofrecer al espectador una magnífica velada en el cine, que no es poco.
Ideal para formar parte en un triple programa que se iniciaría con la magistral El discurso del rey (The King’s Speech, Tom Hooper, 2010) y finalizaría con la agridulce La reina (The Queen, Stephen Frears, 2006)
X-MEN. APOCALIPSIS (X-Men: Apocalypse, Bryan Signer, 2016)
USA. Duración: 143 min. Guión: Mike Dougherty, Dan Harris, Bryan Singer, Simon Kinberg Música: John Ottman Fotografía: Newton Thomas Sigel Productora: Twentieth Century Fox Film Corporation / Dune Entertainment / Marvel Entertainment Género: Acción
Reparto: Michael Fassbender, James McAvoy, Jennifer Lawrence, Hugh Jackman, Oscar Isaac, Nicholas Hoult, Evan Peters, Rose Byrne, Kodi Smit-McPhee, Sophie Turner, Chaning Tatum, Alexandra Shipp, Tye Sheridan, Olivia Munn, Lucas Till, Lana Condor
De todas las franquicias basadas en los cómics Marvel, sin lugar a dudas la que resulta más redonda es la dedicada a los X-Men. Salvo dos tropezones con Lobezno, que representan el punto más bajo de la saga, las historias de estos mutantes adolescentes han mantenido cierta coherencia, a pesar de que, como sucede en los cómics, se haya tenido que rejuvenecer a los personajes. La forma en la cual se ha realizado esta renovación, yendo hacia atrás en el tiempo, realmente ha sido ingeniosa, dotando a la serie de frescura con X-Men: First Class (Matthew Vaughn, 2011) y conservándola durante las dos siguientes entregas que, cual pez que se muerde la cola, están condenadas a reencontrarse con aquella primera película de la serie dirigida, al igual que esta, por Bryan Singer.
X-Men: Apocalipsis mezcla los referentes de las anteriores: cambios fisiológicos en la adolescencia (más dramáticos y acentuados que el acné o las poluciones nocturnas de los humanos no mutantes); el respeto a la diferencia; y la lucha entre el bien y el mal. A las que se les suma el concepto de Dios que aporta Apocalipsis, un villano con cierto regusto pulp heredero del mito de la momia. Acción a raudales, un buen puñado de personajes, viejos conocidos que da gusto reencontrar y que nos dan algunas pistas de la próxima entrega de la saga mutante (la mini-serie Arma-X) y muchas referencias a anteriores cintas de la saga, que conviene tener frescas en la memoria para disfrutar de esta entrega en su totalidad. Algunos de los mejores momentos, así como los más distendidos, están protagonizados por el mutante Mercurio.
Resumiendo, los mutantes siguen gozando de muy buena salud, ofreciendo acción apabullante, atractivos personajes y una coherencia como saga de la que otras franquicias, como la del arácnido o Fantastic Four, no pueden presumir.
MÁS ALLÁ DE LAS MONTAÑAS (Shan he gu ren, Jia Zhang-Ke, 2015)
China/Francia/Japón. Duración: 131 min. Guión: Jia Zhang Ke (AKA Jia Zhangke)Música: Yoshihiro Hanno Fotografía: Yu Lik-wai Productora: Shanghai Film Group / Xstream Pictures / Arte France Cinéma / Office Kitano Género: Melodrama
Reparto: Tao Zhao, Zhang Yi, Liang Jingdong, Dong Zijian, Sylvia Chang
Sinopsis: China, a finales de 1999. Tao, una joven de Fenyang, es cortejada por sus dos amigos de la infancia, Zang y Lianzi. Zang, propietario de una estación de gasolina, está destinado a un futuro prometedor, mientras que Liang trabaja en una mina de carbón. Su corazón está dividido entre los dos hombres, y debe tomar una decisión que sellará su destino y el de su futuro hijo.
¿Es el tiempo humano una dimensión lineal o tiende más bien a la circularidad? Más allá de las montañas es una de esas películas que se cierran en círculo sobre sí mismas: la misma canción, Go West de los Pet Shop Boys, viejo éxito de los 90, abre y cierra la trama, al principio con una animada coreografía coral y al final cantada y bailada en solitario por Shen Tao, la protagonista femenina, en una escena que nos recuerda el baile bajo la nieve de Wynona Ryder en Eduardo manostijeras. Pero a la vez la película tiene estructura de fuga, el sujeto temático es reinterpretado por distintas voces que se persiguen. Una fuga sin coda, además, porque nada vuelve a converger realmente por mucho que haya cosas que no se pierdan con el tiempo.
El tiempo es el gran protagonista de la cinta de Zhang-Ke, cosa que es tanto como decir que lo es la vida. Dividida en tres segmentos (rodados en distinto formato) la película recorre su anécdota desde un pasado reciente hasta un futuro inminente, pasando por el presente, dejando que las tramas se pierdan y los detalles se conserven, porque así es la vida: una sucesión de aconteceres que a veces nos acompañan perennes, otras son meramente puntuales, e incluso alguna veces los hay que reaparecen fugazmente para volver a perderse, a perderse abruptamente es más (¿quién no ha perdido totalmente la pista de personas que fueron fundamentales en su momento?). Así sin más explicaciones. La película de Zhang-Ke es un fluir. Un fluir en el que está en juego la identidad, la individual y la social, bajo la trama intimista central subyace toda una lectura del papel que le ha tocado jugar a China en la historia reciente y el que está abocada a representar, posiblemente la próxima potencia mundial que habrá ganado su hegemonía a costa de dejarse por el camino su propia singularidad.
El realizador chino aborda aspectos como la amistad, el amor y los lazos familiares, relacionados con el tema que engloba toda la película: el paso del tiempo. El cambio y el progreso, tanto a nivel social como a nivel personal quedan excelentemente plasmados en la filmación de Jia Zhang-Ke (quien cambia de formato dependiendo del período, mostrando las diferentes épocas a través del lenguaje cinematográfico, expresivamente en el uso de la propia pantalla como recurso significativo) y en el trabajo de los actores, destacando la brillante interpretación de la actriz Zhao Thao, la musa del director a quien vemos evolucionar desde su juventud hasta su madurez/vejez.
Coproducción china y francesa, participó en Cannes a concurso y logró la empatía del público en el Festival de San Sebastián 2016, donde se alzó con el Premio del Público a Mejor Película Europea.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 13 de mayo *
CORAZÓN GIGANTE (Fúsi, Dagur Kári, 2015)
Islandia/Dinamarca Duración: 94 min. Guión: Dagur Kári Fotografía: Rasmus Videbæk Productora: Nimbus Film Productions / RVK Studios Género: Drama
Reparto: Gunnar Jónsson, Sigurjón Kjartansson, Arnar Jónsson, Ilmur Kristjánsdóttir, Margrét Helga Jóhannsdóttir, Franziska Una Dagsdóttir, Sigurður Karlsson
Sinopsis: Fúsi (Gunnar Jónsson), de 43 años, es un tipo inadaptado y con sobrepeso que nunca tuvo una novia y cuyo único interés son las batallas de la Segunda Guerra Mundial, que reproduce en miniatura en el apartamento en el que vive con su madre. Un día Fúsi recibe un cupón para acudir una escuela de baile, donde conoce a Sjöfn (Ilmur Kristjánsdóttir), otra alma solitaria como él, y una mujer con profundas heridas psicológicas.
Resulta más que sorprendente que habiendo por el mundo tantos personajes como los que se retratan en Corazón gigante, existan tan pocas películas basadas en ellos. Uno puede encontrarse en las carteleras cine social protagonizado por mujeres árabes o sudamericanas (o mujeres simplemente) que deben de luchar a brazo partido para llevar adelante a su familia en un hábitat hostil o (y) desconocido; o que deben defenderse ante un mundo jerarquizado por el varón; o sobre niños que en países pobres anteponen a todo su pasión por aprender y por la cultura; o sobre homosexuales que deben luchar por ser aceptados. Loables historias de superación, sin duda, sobre las que hay mucho que contar. Y se cuenta. Pero hablar sobre el invisible, el que tenemos al lado y que nunca llegaremos a conocer ni nos llegará a importar. Sobre ese ser diferente que ninguno queremos ser y cuya existencia nos importa bien poco es otra cosa. Porque parece ser que no tienen vida ni nada que contar. Todos conocemos a alguien así. Pero Corazón gigante, nombre acertado que ha puesto la distribuidora española y que supone, en sí mismo, todo un spoiler, se detiene en la aparentemente vacua existencia de Fusi, un gigantesco individuo que gusta de jugar a batallas de la segunda guerra mundial con su tablero y que todavía guarda los Action Man de su infancia ¿les suena? Un individuo tímido al que solo parecen valorar los que, como él, son diferentes. Con pocos amigos, una madre posesiva y unos compañeros de trabajo que le acosan, Fusi aprenderá a vivir por sí mismo aunque para ello tenga que conocer tarde, pero intensamente, el amor (y el desamor). Una magnífica película, con unos actores naturales y solventes de los que hacen sentir, y un ritmo maravilloso. Nada moralista ni con soluciones de ciencia-ficción, Corazón gigante es una película repleta de sensibilidad (que no sensiblera) e inteligencia, que apetecerá repetir y con un protagonista de categoría.
«Siempre había querido trabajar con Gunnar Jóhsson. El guión estaba escrito para él. Él es la película, y no se habría realizado sin él. Su talento es enorme y su presencia en pantalla es única.»
Dagur Kári (Director)
LA BRUJA (The Withch, Robert Eggers, 2015)
USA/UK/Brasil/Canadá. Duración: 92 min. Guión: Robert Eggers Música: Mark Korven Fotografía: Jarin Blaschke Productora: A24 / Code Red Productions / Pulse Films / Scythia Films / Rooks Nest / Maiden Voyage Pictures / Mott Street Pictures Género: Terror
Reparto: Anya Taylor-Joy, Ralph Ineson, Kate Dickie, Harvey Scrimshaw, Lucas Dawson, Ellie Grainger, Julian Richings, Bathsheba Garnett, Sarah Stephens, Jeff Smith
Sinopsis: Nueva Inglaterra en el año 1630. Una familia de colonos cristiana, formada por un matrimonio y sus cinco hijos, vive cerca de un bosque que, según las creencias populares, está controlado por un mal sobrenatural. Cuando su hijo recién nacido desaparece y los cultivos no crecen, los miembros de la familia se rebelan los unos contra los otros. Más allá de sus peores temores, un mal sobrenatural les acecha en el bosque cercano.
(Ver reseña completa aquí)
ANGRY BIRDS. LA PELÍCULA (The Angry Birds Movie, Clay Kaytis y Fergal Reilly, 2016)
Finlandia/USA. Duración: 97′ Guión: Jon Vitti Música: Heitor Pereira Productora: Rovio Mobile / Sony Pictures Animation / Sony Pictures Imageworks (SPI) Género: Comedia de animación
Estos personajes, surgidos de unos video juegos finlandeses creados en 2009, han dado pie a toda una franquicia a la que se le ha sumado esta cinta de animación eficaz, divertida y llena de porrazos al más puro estilo Warner. Su protagonista, Red (doblado en su versión en castellano por Santiago Segura), es un tipo que se rebela, casi siempre justificadamente, contra el buen rollo fatuo, por lo que tiene que acudir a clases para tratar lo que le es diagnosticado como problemas de ira. No se entiende: todos odiamos a los mimos, el tai-chi o a la gente que ofrece ‘abrazos gratis’. Allí conocerá a otro compañeros inadaptados, como Chuck (doblado por José Mota), del que los guionistas dejarán entrever que, además de hiperactivo, es homosexual. Podría haber sido más políticamente incorrecta, hubiera sido más deseable, pero en todo caso, Angry Birds resulta simpática y entretenida, ideal para los más pequeños y soportable para los adultos.
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EL HOMBRE PERFECTO (Un homme idéal, Yann Gozlan, 2015)
Francia. Duración: 104 min. Guión: Yann Gozlan, Guillaume Lemans, Grégoire Vigneron Música: Cyrille Aufort Fotografía: Antoine Roch Productora: 2425 Films / Mars Films / TF1 Films Production2425 Films / Mars Films / TF1 Films Production / Wy Productions Género: Drama
Reparto: Pierre Niney, Ana Girardot, Ludovic Berthillot, Valeria Cavalli, Marc Barbé, André Marcon, Laurent Grévill, Thibault Vinçon
Sinopsis: A sus 25 años, Mathieu, sigue aspirando a convertirse en un autor de prestigio: un sueño que le parece inaccesible porque, a pesar de todo su esfuerzo, no consigue que le editen nada. Mientras tanto, se gana la vida en la empresa de mudanzas de su tío. Su destino dará un vuelco el día en que, por casualidad, se tope con el manuscrito de un anciano solitario que acaba de fallecer. Mathieu dudará al principio pero acabará por hacerlo propio y publicarlo bajo su nombre. Convertido, así, en la nueva promesa de la literatura francesa, de la que ya se espera con impaciencia la segunda novela, Mathieu, ahora enamorado, se sumergirá en una espiral de mentiras y muerte para preservar a toda costa su secreto.
Con tres planos el director nos sitúa donde quiere. De forma elegante nos muestra la situación del protagonista, sus anhelos. Gozlan nos lleva por el auge y caída de este ladrón de libros, pero también nos habla sobre el éxito, la hipocresía que se crea a su alrededor, su vacuidad. Dibujando los complejos y las inseguridades del protagonista, que se instala en un mundo ajeno, que no le corresponde. En el que es doblemente farsante con su personaje ficticio creado en base a una mentira. Como le dice su suegro «la mujeres siempre acaban sabiendo quienes somos«. Y todo ello nos lo ofrece Gozlan mediante una intriga bien construida, que no evita algún guiño al maestro Hitch y que con quince minutos menos hubiera resultado redonda. Una historia con antecedentes en su argumento, alguno reciente, como El ladrón de palabras (The Words, Brian Klugman y Lee Sternthal, 2012).
HIGH-REISE (Ben Wheatley, 2015)
UK/Irlanda/Bélgica. Duración: 118 min. Guión: Amy Jump (Novela: J.G. Ballard) Música: Clint Mansell Fotografía: Laurie Rose Productora: Recorded Picture Company (RPC) / British Film Institute (BFI) / Film4 / Embargo Films Género: Ciencia ficción
Reparto: Tom Hiddleston, Sienna Miller, Jeremy Irons, Luke Evans, Elisabeth Moss, James Purefoy, Keeley Hawes, Reece Shearsmith, Peter Ferdinando, Sienna Guillory,Stacy Martin, Enzo Cilenti, Augustus Prew, Tony Way, Dan Renton Skinner
La bruja, con el infierno en el interior
LA BRUJA (The Withch, Robert Eggers, 2015)
USA/UK/Brasil/Canadá. Duración: 92 min. Guión: Robert Eggers Música: Mark Korven Fotografía: Jarin Blaschke Productora: A24 / Code Red Productions / Pulse Films / Scythia Films / Rooks Nest / Maiden Voyage Pictures / Mott Street Pictures Género: Terror
Reparto: Anya Taylor-Joy, Ralph Ineson, Kate Dickie, Harvey Scrimshaw, Lucas Dawson, Ellie Grainger, Julian Richings, Bathsheba Garnett, Sarah Stephens, Jeff Smith
Sinopsis: Nueva Inglaterra en el año 1630. Una familia de colonos cristiana, formada por un matrimonio y sus cinco hijos, vive cerca de un bosque que, según las creencias populares, está controlado por un mal sobrenatural. Cuando su hijo recién nacido desaparece y los cultivos no crecen, los miembros de la familia se rebelan los unos contra los otros. Más allá de sus peores temores, un mal sobrenatural les acecha en el bosque cercano.
Con La bruja, su director Robert Eggers debutaba en el cine y obtenía el premio a la mejor dirección en el último Festival de Sundance. Basada en un guion suyo y ambientada en Nueva Inglaterra (lugar de origen de Eggers), en el siglo XVII, nos narra como una familia que vive sola en el bosque es pasto de lo que en principio parecen ser supersticiones: un bebé desaparece, una cabra comienza a dar sangre en lugar de leche… Todo situado en un ambiente inquietante, el bosque como lugar donde habita el mal, acompañado de la sobrecogedora banda sonora de Mark Korven y una bella fotografía plagada de colores lavados y sombras marcadas que nos llevan a pensar directamente en el tratamiento de las sombras y luces de Rembrandt, pero cruzado con la imaginería de Gustavo Doré. La trama se desarrolla como una sucesión de tableaux vivants separados entre sí por intermitentes fundidos en negro, convirtiéndola casi en una narración dividida en capítulos. A través de esa estructura pictórica y capitular se consigue un progreso in crescendo de la tensión dramática, en la que la atmósfera va haciéndose cada vez más lóbrega y opresiva.
Basada en varias leyendas de la Nueva Inglaterra del siglo XVII, La bruja es un extraño cruce de cuento folklórico de terror y tragedia familiar. En el origen del conflicto está la soberbia del padre (Ralph Inneson); de creencias más estrictas que la de los mismísimos puritanos, es expulsado (y con él su familia) de la comunidad. Fanático hasta la médula, contagia a los suyos la obsesión por la condición empecatada de todo mortal, nadie nace libre de la mácula ni nadie sabe qué tendrá dispuesto para él el Señor. Su fervor religioso le hace inútil para dar calor y consuelo a su familia incluso en los momentos más críticos. Igual de ineficaz se muestra en las tareas de la granja, le intuimos responsable de su marcha a la colonia (le obsesionaba predicar el Evangelio) dejando atrás el confort de su casa en Inglaterra (un cáliz de plata es testimonio de su mejor vida), y una vez se ven aislados en los límites del bosque es incapaz de asegurar a la familia el sustento más básico (sólo descarga compulsivamente su impotencia cortando leña). Por su empecinamiento, la familia vive en condiciones cada vez más infrahumanas, mezclada esa escasez con la severidad religiosa, la circunstancia que les envuelve es cada vez más aterradora, hasta los juegos de los niños cobran una apariencia perturbadora. Los temores delirantes que van adueñándose de la familia (especialmente de la madre) serán proyectados sobre la hija mayor a la que llegan a encerrar en el establo para ser juzgada como bruja. Así van trenzándose los hilos de la trama para acabar convirtiendo la crónica de una devastación familiar en una cinta de terror sin ninguna concesión a los tópicos del género.
La película tiene más de una lectura: funciona como retrato de la superstición e ignorancia que explica todo mal como producto del diablo; también como parábola de una nación, la americana, que está naciendo envuelta por la obsesión por la culpa; pero además, y quizás sobre todo, es una crítica a los males del patriarcado que relegan a la mujer a un papel pasivo de sumisión y a verlas como fuente de condenación si osan tener mayor protagonismo, es por eso que el final puede (es más, debe) interpretarse como el acto de liberación de la feminidad de la protagonista. ¿Y lo sobrenatural? Eggers da el mismo trato realista a las fugaces apariciones de seres siniestros que a los personajes principales, no puede descartarse el carácter de alucinación, el argumento y la evolución de los personajes permiten pensar así, pero la película siembra también la inquietud sobre la posibilidad de la existencia de un mal autónomo en sí mismo que se cierne sobre los protagonistas. Esa ambivalencia de interpretaciones es una de las mayores bazas de este filme de bajo presupuesto que está llamado a ser uno de los mejores títulos de género que veremos en nuestras pantallas comerciales este 2016.
Cinta inaugural en el Festival de Sitges 2015, sin duda La bruja es una de esas cintas que dejan poso, que apetece volver a revisar, algo en lo que también influye la actuación de sus protagonistas, especialmente el trabajo de, la también debutante, Anya Taylor-Joy en el papel de hija mayor.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 6 de mayo *
AHORA SÍ, ANTES NO (Ji-geum-eun-mat-go-geu-ddae-neun-teul-li-da, Hong Sang-Soo, 2015)
Corea del Sur. Duración: 121 min. Guión: Hong Sang-soo Música: Jeong Yong-jin Fotografía: Park Hong-yeol Productora: Jeonwonsa Film Género: Drama
Reparto: Jeong Jae-yeong, Kim Min-hee, Yoon Yeo-jeong, Gi Ju-bong, Choi Hwa-Jeong, Yoo Joon-sang, Seo Young-hwa, Ko Ah-sung
Sinopsis: Un director de cine independiente llega a su destino un día antes por error. Aprovechando el exceso de tiempo libre, entra en un palacio restaurado donde conoce a una joven artista con la que pasa el resto del día: visitando su estudio, conociendo su obra, cenando, tomando algo juntos… Hasta que ella plantea una pregunta cuya respuesta lo cambia todo. Es probable que si el día volviera a comenzar ambos se comportarían de forma diferente, pero eso ya no se podrá saber ¿o tal vez sí?
- Premios:
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2015: Festival de Locarno: Mejor película y Mejor actor (Jeong Jae-yeong)2015: Festival de Gijón: Mejor película, mejor actor (Jeong Jae-yeong)
A veces pequeños gestos, una vacilación, dejar de hacer algo o decir algo de más puede cambiar totalmente una situación. Seguro que algunas vez se han llegado a preguntar en qué podría cambiar su vida de, por ejemplo, dejar marchar un autobús o correr para que no se pierda. Pues bien, algo así es lo que nos propone la última obra de Hong Sang-soo (autor de películas como Noche y Día, The Day He Arrives o En otro país), un experimento fílmico que resulta delicioso, construyendo al detalle una posible historia de amor contada dos veces con pequeñas variaciones. El director planta la cámara ante los actores para rodar largos planos de diálogos de los dos protagonistas, la pintora, que interpreta Kim Min-hee y el director de cine (Jung Jae-young), oficio el de este último que inevitablemente el realizador tiñe con detalles personales, como esa clase magistral en la que entre el público hay un listillo. O las reacciones de las admiradoras de su cine.
Una buena propuesta. Diferente, arriesgada y estrambótica, ha tenido buena acogida en diversos festivales. La Aventura/Good Films, siempre dispuestos a apostar por el buen cine, la estrena en nuestras pantallas. Ideal para los que buscan un tipo de cine alternativo.
MAYO DE 1940 (En mai, fais ce qu’il te plaît, Christian Carion, 2015)
Francia. Duración: 114 min. Guión: Andrew Bampfield, Christian Carion, Laure Irrmann Música: Ennio Morricone Fotografía:Pierre Cottereau Productora: Nord Ouest films / Pathé Género: Drama
Reparto: August Diehl, Olivier Gourmet, Mathilde Seigner, Alice Isaaz, Matthew Rhys, Joshio Marlon, Thomas Schmauser, Laurent Gerra, Jacques Bonnaffé
Sinopsis: Mayo de 1940, en pleno hundimiento de Francia, cuando millones de personas se hicieron a la carretera, temerosas del avance del ejército alemán, se nos cuenta la historia de un alemán que ha escapado del nazismo y busca a su hijo, llevado por una maestra de un pueblo a la que lo había confiado.
Una película muy oportuna para entender el drama de los refugiados. La acción se sitúa a comienzos de la Segunda Guerra Mundial, en una Francia que va cayendo bajo la bota nazi. Los alcaldes de las poblaciones del norte reciben la orden de desplazar a toda la población hacia el sur, pero aunque todo resultará inútil, por el camino veremos varias historias de solidaridad en las cuales la nacionalidad del individuo será lo de menos ante el enemigo común, el totalitarismo. Otro punto argumental será el de la búsqueda de un padre separado de su hijo. El padre, huido de Alemania por su ideología de izquierdas, tendrá que enfrentarse a la cárcel en Francia por su nacionalidad.
MAYO DE 1940 es la cuarta película de Christian Carion (El caso Farewell, Feliz navidad, La chica de París). Para el desarrollo de la narración, Carion se ha basado en la memoria de sus padres, quienes vivieron el éxodo en primera persona. Además, ha recopilado numerosos testimonios de ciudadanos que vivieron la misma situación. El resultado es una película llena de emoción en la que la implicación personal del director y su solidaridad con los franceses que vivieron esa experiencia está presente en cada plano.
Un drama, a pesar de todo, optimista, vital, muy bien construido que sirve para ponernos en el pellejo de todos los refugiados, de todos los desplazados por el terror. No hay ninguna referencia a los refugiados de otra guerra cercana que tuvieron que huir por la frontera francesa para encontrarse hacinados por el gobierno francés en campos de refugiados, de los que luego muchos pasaron a los campos de trabajo alemanes pero…
Plena de humanidad, este viaje a ninguna parte cuenta con una lírica banda sonora de Morricone y una actuaciones a la altura del filme, con August Diehl como Hans, el refugiado alemán; Olivier Gourmet en el papel del alcalde; la dulce Alice Isaaz, como Suzanne, la decidida maestra de escuela; o el magnífico Matthew Rhys como el Percy, el oficial británico. También en esta cinta el director recupera, quince años después, a la protagonista de su primer filme, Mathilde Seigner.
Mayo de 1940 es un canto a la hermandad frente a un enemigo común, una cinta bélica para los que no gustamos del cine bélico, en la línea de grandes obras pacifistas del pasado como las escritas por Erich Maria Remarque de las que también tantas bellas adaptaciones nos ha ofrecido el séptimo arte.
LA VENGANZA DE JANE (Jane Got A Gun, Gavin O’Connor, 2016)
USA. Duración: 98 min. Guión: Brian Duffield Música: Marcello De Francisci, Lisa Gerrard Fotografía: Mandy Walker Productora: Weinstein Company / Scott Pictures / 1821 Pictures / Unanimous Pictures / Handsomecharlie Films Género: Western.
Reparto: Natalie Portman, Joel Edgerton, Ewan McGregor, Rodrigo Santoro, Noah Emmerich, Boyd Holbrook, Todd Stashwick, River Shields, Jacob Browne, Sam Quinn
Sinopsis: Después de que su marido vuelva a casa con ocho balas en el cuerpo y apenas con vida, Jane (Natalie Portman) contacta a regañadientes con su ex amante (Joel Edgerton), que no ha visto en más de diez años, para que la ayude a defender su granja de la banda del cruel Bishop (Ewan McGregor) que le persigue a ella y a su marido.
La película, dirigida por Gavin O’Connor, realizador de Warrior y Cuestión de honor, que estrenará en octubre The Accountant con Ben Affleck y Anna Kendrick, está protagonizada por Natalie Portman, que también ejerce de productora. Acompañan a la actriz, Joel Edgerton (al que hemos podido ver recientemente en El regalo con la que también debutó en la dirección), Ewan McGregor, que compartió reparto con Natalie Portman en la segunda trilogía de Star Wars y Rodrigo Santoro.
Natalie Portman encarna a una de esas heroínas del western como en el pasado fueron Barbara Stanwyck en Cuarenta pistolas (Forty Guns, 1957) de Samuel Fuller; Joan Crawford en Johnny Guitar (1954) de Nicholas Ray; o más recientemente una fabulosa Hilary Swank en Deuda de honor (The Homesman, Tommy Lee Jones, 2014).
La venganza de Jane quiere, así, sumarse a este revival del western que apuesta por redefinir los esquemas del género, pero no está a la altura de los últimos títulos que han llegado a nuestras pantallas, como la ya mencionada Deuda de honor, Slow West (John McClean, 2015), The Salvation (Christian Levrin, 2014), Bone Tomahawk (Craig Zahler, 2015) y, por supuesto, Los odiosos ocho (The Hateful Eight, 2015) de Tarantino. La película de Gavin O’Connor ahoga el relato con una maraña de flashbacks que no permiten que los personajes se vayan construyendo conforme avanza la acción, simplemente cuando es necesario (o no) se inserta el antecedente a modo de recuerdo. Unos flashbacks que recurren a los tópicos más manidos para su introducción: nada más sobado que contemplar una imagen colgada en la pared para llevarnos hacia el pasado. Por otra parte, y ya desde el título, quiere nombrarse como protagonista al personaje femenino, pero este no llega a tener nunca entidad propia, pese a su remarcable interpretación, Natalie Portman, no nos convence de su dureza y su personaje parece estar supeditado a sus compañeros de aventura.
Un western, como todos los recientes, deudor de los realizados en Almería: repleto de polvo, sudor, personajes severos, paisajes inhóspitos y muertes sangrientas, pero muy tibio en su conclusión.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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