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Archive for the ‘FESTIVALES Y CERTÁMENES’ Category

El tigre Fu, imagen del Festival Nits 2022, que se inaugurará con el film hongkonés ‘Anita’

Fotos: Serendipia

El Festival Nits de cinema oriental de Vic se encamina a la celebración de su 19ª edición, que tendrá lugar del 19 al 24 de julio y que ha presentado la imagen de este año junto con algunos de los títulos que formarán parte de su sección oficial.

Tipos duros antes de enfrentarse a su desagradable, pero necesaria misión: Quim ‘Peaky Blinders’ Crusellas y Domingo ‘The Myth’ López.

En la rueda de prensa, celebrada en el Espai ETC de Vic, han intervenido Bet Piella, regidora de Promoción económica, Comercio y Cultura del Ayuntamiento de Vic, Quim Crusellas y Domingo López, director y programador del certamen, respectivamente. En sus intervenciones se ha mostrado la imagen del FesNits 2022, protagonizada este año por el Fu —tigre en cantonés— y se han avanzado cinco de los títulos que formarán parte de la selección cinematográfica de este año, entre los que está el film inaugural. También se ha destacado la previsible vuelta a los aforos completos, después de dos años de restricciones.

Fu, protagonista de la imagen 2022

En las dos últimas ediciones del FesNits, marcadas por la pandemia y la aplicación de la normativa Covid, la imagen giró en torno a los equilibrismos y la remontada, con un gato haciendo malabarismos en 2020 y una carpa yendo a contracorriente en 2021. Para esta 19ª edición, se presenta una imagen inspirada en una de las tradiciones más extendidas en el sudeste asiático: la danza del león, haciendo un pequeño “giro argumental” y aprovechando que este es el año del tigre. Fu (虎), tigre en cantonés, es un personaje apasionado y curioso, con ganas de fiesta después de un periodo complicado para todo el mundo. La imagen es obra del ilustrador Xevi DomínguezXevidom, y del diseñador Jordi Farrés del estudio Partee. En el acto se ha explicado el proceso creativo hasta llegar a la imagen definitiva del Festival.Adelanto de programación, entre la acción y la emoción

En la rueda de prensa también se han avanzado las primeras películas seleccionadas para la 19ª edición, que se podrán ver entre el 19 y el 24 de julio en Vic. Todas ellas son premières de distintas procedencias. Entre ellas, la encargada de abrir el festival, Anita, de Longman Leung, la esperada obra biográfica de Anita Mui, estrella del cantopop (pop cantonés) y mítica actriz de los años dorados del cine de Hong Kong. Se trata de un relato vívido y lleno de nostalgia que narra su vida desde que debutó como intérprete infantil hasta convertirse en una de los iconos de la cultura contemporánea cantonesa. Anita es uno de los grandes títulos del cine de Hong Kong del año, con doce nominaciones a los premios de la Academia de Cine del país. El festival también proyectará dos películas de Anita Mui en sesiones de retrospectiva con copias restauradas, una de ellas dentro del programa del Més Nits!También formará parte de la Sección Oficial del Festival Nits Dostojee, film seleccionado en festivales como BFI London o Gotemburgo sobre la amistad entre dos niños y la infancia como refugio de los conflictos de los adultos, telón de fondo en esta película de verano ambientada en Bangladesh en los 90 del siglo pasado en la que los protagonistas esperan la llegada de la nueva película del conocido actor indio Amitabh Bachchan.De India y Bangladesh pasamos a Indonesia, de donde proviene Preman, un título que combina acción y crítica social con arrebatos de realismo mágico y una potente puesta en escena. Un preman, en Indonesia, es alguien que delinque para sobrevivir, personas con riesgo de exclusión social que se ven abocadas a un mundo criminal. El protagonista del sorprendente debut de Randolph Zaini es uno de ellos, un hombre sordo con un pasado turbio que tendrá que huir del pequeño pueblo donde viven con su hijo, perseguidos por un peligroso gánster.El cine de acción tendrá también un representante en forma de comedia con , una alocada película japonesa sobre unos héroes muy especiales: los Junretsuger de Sento —la casa de baños—, que tendrán que enfrentarse a la misteriosa desaparición de varios hombres guapos de los baños públicos de todo Japón. Con las autoridades totalmente desorientadas, los protagonistas intentarán resolver el caso transformándose mediante micrófonos especiales de karaoke. El tokusatsu más irresistible de la temporada lo tiene todo: artes marciales, héroes con trajes apretados, música melódica, una malvada de las buenas e ingeniosos efectos especiales.Desde China llega una película artísticamente imponente que formó parte de la sección oficial del Festival de Tokio: The Coffin Painter, film que se adentra en las tradiciones del país siguiendo a Jia, un hombre que se dedica a pintar ataúdes y que intenta superar un duro golpe del pasado dedicándose a su arte. Un buen día, llega una madre con su hija adolescente en el pueblo, y se convierten en sus vecinas. Un mundo sometido a la indiferencia acoge tres almas solitarias en esta película austera, llena de bondad y aprendizajes.

Palmarés Americana 2022, el festival continua

Americana Film Fest no ha acabado, con todo y eso ya conocemos los ganadores de las secciones oficiales del festival. Esta semana seguimos con el festival en Filmin, en la Filmoteca de Catalunya con la retrospectiva de Tim Sutton y el próximo fin de semana (del 24 al 27 de marzo) el Americana Film Fest llega al Cine Estudio del Círculo de Bellas Artes de Madrid. El festival continua también per diversas localidades con la Route 66Podéis consultar los horarios de las proyecciones en nuestra web.

A continuación os dejamos con el Palmarés que nos deja esta novena edición:

PALMARÉS 

Premio del público al mejor cortometraje

Like the Ones I Used to Know de Annie St-Pierre

Premio del público al mejor largometraje de ficción

Mass de Fran Kranz

Premio del público al mejor llargmetratje documental

Try Harder! de Debbie Lum

Premio a la mejor traducción en subtítulos (Atrae)

Zola de Janicza Bravo

Para realizar la valoración se han tenido en cuenta seis parámetros: ortotipografía, técnica, traducción, tono, estilo y dificultad de la obra. Hemos puntuado todos los aspectos del 1 al 5 para todas las pelis y después hemos debatido para llegar a la decisión final. El jurado valora muy positivamente la calidad de las traducciones y la excelente labor que se han realizado Albert Vilalta y Guillermo Parra en Zola.

Premio del jurado joven (La Casa del Cine)

Sophie Jones de Jessie Barr

Desde el jurado NEXT formado por estudiantes de crítica y teoría cinematográfica en LA CASA DEL CINE, queremos reconocer y celebrar la diversidad y originalidad de las propuestas de la sección next de este año, mayoritariamente óperas primas.Dicho esto, después de conversar y compartir diferentes puntos de vista respecto a las películas participantes queremos otorgar el premio a mejor película de la sección next en Sophie Jones, de Jessie Barr, un coming of age que traduce en imágenes el duelo de una adolecente, llena de contradicciones en pleno descubrimiento sexual.Sophie Jones respira el espíritu Indie de la Americana film fest. Su forma y narrativa consolidan el filme como una película hermética y coherente, a la vez que bella y emocional. Y la convierte en una más que destacable ópera prima.

Premio del jurado de la crítica (ACCEC)

Mass de Fran Kranz

El jurado de la crítica ACCEC, formado por Ylenia Cañadas, Júlia Gaitano y Jorge Oter, ha decidido por unanimidad que la película ganadora de la sección TOPS sea Mass, de Fran Kranz, una ópera prima que destaca por su enfoque sobre un tema sensible y candente en la sociedad norteamericana, a través de la precisión formal y notables interpretaciones de los cuatro protagonistas.

Entradas a la venta Círculo de Bellas Artes

Categorías: Americana

El Festival ‘Nits de Cinema Oriental de Vic’, presenta sus primeros títulos durante un fin de semana lleno de acción

El Festival Nits de cinema oriental de Vic, que celebrarà la seva 19a edició del 19 al 24 de juliol de 2022, presentarà la imatge d’aquesta edició i avançarà els primers títols de la programació en un acte obert al públic el dissabte 2 d’abril, a les 17.00 h a l’espai ETC de Vic.En aquesta presentació hi intervindran:BET PIELLA, Regidora de Promoció econòmica, Comerç i Cultura de l’Ajuntament de VicQUIM CRUSELLAS, Director del Festival Nits de cinema oriental de VicDOMINGO LÓPEZ, Programador del Festival Nits de cinema oriental de VicLa presentació està inclosa en una jornada d’activitats relacionades amb les cultures asiàtiques, des de sessions de cinema fins a cursos de cuina, passant per la recuperació de la Nit al Casino, posposada per l’aplicació de la normativa Covid-19.Esperem que ens acompanyeu a la presentació (es prega confirmació) i que pugueu fer difusió de les activitats.
ACTIVITATS ‘NITS’, 2 d’abril de 2022:9:30h Curs de cuina coreana amb Hara JeonQuè es cou a les sèries coreanes? Més enllà de calamarsos, pops i kimchis.Edat: Majors de 15 anys. Places limitades.Lloc: CCVic El Montseny (Avinguda Montseny, 16. Vic)12:00h Curs de cuina japonesa amb The Broccoli TribeCuinem Street Food a Osaka! Fem gyoza (farcellets japonesos).Edat: De 7 a 15 anys. Places limitades.Lloc: CCVic El Montseny (Avinguda Montseny, 16. Vic)18:00h Preestrena RAGING FIRE (Benny Chan · Hong Kong, 2021)Premiere a l’estat de la pel·lícula d’acció de l’any a Hong Kong i la Xina, protagonitzada per Donnie Yen i Nicholas Tse.Lloc: ETC22:00h Programa Doble ‘Una Nit al Casino’ROBOTRIX (Jamie Luk · Hong Kong, 1991) + THE SAINT OF GAMBLERS (Wong Jing · Hong Kong, 1995)Durant el Festival Nits del 2021 no vam poder celebrar «Una Nit al Casino» degut a la normativa Covid-19. El que és promès ha de ser atès, i per això recuperem aquesta tronada (i tronera) sessió doble.Lloc: Casino de Vic (Carrer de Jacint Verdaguer, 5. Vic)
Inscripcions i venda anticipada d’entrades a www.cinemaoriental.com

El ‘BCN Film Fest’ anuncia las películas que ofrecerá en la sección ‘China by CineAsia’

El BCN FILM FEST dedica por tercer año consecutivo una sección al cine asiático en colaboración con CineAsiaCHINA BY CINEASIA ofrecerá un amplio abanico de propuestas que van de las más autorales de directores ya consagrados a la película más taquillera de la historia de China y un documental dedicado a una de las figuras literarias más conocidas del gigante asiático. Como novedad de este año, la Fundació Institut Confuci de Barcelona se une como colaborador del BCN FILM FEST y sus instalaciones se convierten en una sede más del festival.

La cinematografía de China, apenas conocida en occidente antes de su éxito en los grandes festivales europeos a finales de los años 80, lleva más de una década viviendo un enorme auge comercial, convirtiéndola en una de las potencias cinematográficas globales. La literatura, y especialmente la historia, son dos de las bases en las que se fundamenta buena parte de su enorme producción.

A continuación las películas que conforman la sección CHINA BY CINEASIA:

LA BATALLA DEL LAGO CHANGJIN The battle at Lake Changjin»(2021) de Chen Kaige, Tsui Hark y Dante Lam. La película más taquillera de la historia de China es una epopeya bélica y épica, que retrata el paso por la Guerra de Corea de un regimiento de las tropas chinas. Basada en una batalla real, esta gran producción tiene la particularidad de estar dirigida a seis manos por tres maestros como Chen Kaige (“Adiós a mí concubina”), Tsui Hark (“Érase una vez en China”) y Dante Lam (“Operation Red Sea”). Una propuesta espectacular, sin nada que envidiar a cualquier blockbuster hollywoodiense. Première española.

FURIA ORIENTAL (1972) de Lo Wei. El mito Bruce Lee se enfrentaba a los invasores japoneses en este clásico de las artes marciales, que destaca, además de sus desencadenadas escenas de lucha, por su implicación histórica y política. Ambientada en el Shanghái de principios del siglo XX, Lee interpreta a Chen Zhen, un personaje que se convertiría en icónico, volviendo a las pantallas del cine de Hong Kong y China continental en numerosas ocasiones desde entonces, encarnado por otras estrellas del género como Jet Li o Donnie Yen.

SORGO ROJO (1987) de Zhang Yimou. La película que situó el cine de China en occidente fue esta adaptación del premio Nobel de literatura Mo Yan. Film debut como director de Zhang Yimou, junto con la que ha sido la musa durante gran parte de su carrera, Gong Li, este retrato de la vida rural recibió el Oso de Oro de la Berlinale en 1988, colocando al realizador como líder de la llamada Quinta Generación del cine chino. El gigante asiático también se abría al mundo a través del cine.

DESEO/PELIGRO (2007) de Ang Lee. De origen taiwanés, aunque afincado en Estados Unidos, el director de títulos como “La vida de Pi”, Ang Lee, volvía a su tierra natal para llevar a la pantalla una novela de Eileen Chang, nombre destacado de la literatura de Shanghái. Ambientada a principios de los años 40 durante la ocupación japonesa de China, y basada en un hecho real, el filme narra la tórrida relación entre una joven estudiante que actúa como señuelo para un atentado contra un agente especial del gobierno títere de Nankín, interpretado por Tony Leung (“Deseando Amar”).

YO NO SOY MADAME BOVARY (2016) de Feng Xiaogang. Basada en una novela de Liu Zhenyun, el llamado Steven Spielberg chino por su variedad temática y sus logros continuados, Feng Xiaogang narra la lucha de una mujer que, después de su divorcio, tendrá que enfrentarse al aparato burocrático. El filme sorprende al espectador por la forma, ya que muestra la acción a través de un círculo, un gran ojo de buey en pantalla. Ganadora de la Concha de Oro al mejor filme y la Concha de Plata a la mejor actriz en el Festival de San Sebastián de 2016.

UN SEGUNDO (2020) de Zhang Yimou. Después de una larga carrera, Zhang Yimou dedicaba una carta de amor al cine, al efecto emotivo y de comunión que produce ver una película en pantalla grande, y el propio celuloide. Con una ambientación en la Revolución Cultural, el director de “La linterna roja”  emocionaba una vez más con la historia de un preso fugado, en busca de un fotograma.

LA BATALLA DEL LAGO CHANGJIN II (2022) de Tsui Hark. Estrenada en China en febrero de este mismo 2022, la segunda parte de la película más taquillera de la historia del país se ha convertido en un nuevo éxito, convirtiéndose, hasta ahora, en el filme más taquillero del año en el mundo. Continuando la estela y los parámetros de la primera entrega, la película sigue la misma guerrilla del ejército chino en una nueva misión durante la guerra de Corea. Première española.

La Fundació Institut Confuci de Barcelona (FICB), nueva sede del festival y curso online

La Fundació Institut Confuci de Barcelona (FICB) es un organismo de difusión de la lengua y la cultura china en Cataluña, creado a partir de 2009 y formado por la Universidad Autónoma de Barcelona (UAB), la Universidad de Barcelona (UB), Casa Asia y la Universidad de Estudios Extranjeros de Beijing (BFSU o Beiwai). La FICB tiene su sede permanente en Barcelona con firme voluntad de contribuir a un mejor entendimiento y el acercamiento lingüístico, cultural y académico a China, además de facilitar el intercambio de conocimientos, culturas y proyectos de interés común.

Este año, la Fundació colabora directamente con el BCN FILM FEST, no sólo participando directamente en la sección China by CineAsia, sino también convirtiéndose en una sede más del festival. El martes 26 de abril se podrá ver de forma gratuita previa inscripción SANMAO: LA NOVIA DEL DESIERTO (2020) de Marta Arribas y Ana Pérez de la Fuente, un documental sobre la escritora china Chen Ping, cuyos viajes la acercaron a España y al Sáhara español en los años 70, convirtiendo sus relatos sobre el desierto en un auténtico fenómeno en China. Al final de la proyección se realizará un coloquio.

Para complementar su participación en el BCN FILM FEST, tanto la Fundació Institut Confuci como CineAsia pondrán en marcha un curso online dedicado a la “Literatura e Historia en el cine chino”, que empezará el 31 de marzo. Los alumnos inscritos también se beneficiarán de invitaciones para acudir a ver las películas de la sección China by CineAsia durante el BCN FILM FEST. Más información:

Curso online: «Literatura e historia en el cine chino»

Categorías: BCN Film Fest

La novena edición de ‘Americana’ llenará marzo de buen cine

28 febrero 2022 Deja un comentario

Y ya son 9 las ediciones de Americana, una de las citas indispensables para los cinéfilos de Barcelona y ahora ya del resto de Cataluña y del estado español, gracias a la Route 66, las proyecciones en Madrid y Filmin.

El festival se inaugurará en el Cine Phenomena el 15 de marzo (como siempre, con invitación) y continuará enlas tres salas de los Cinemes Girona y en el Zumzeig del 16 al 20 de marzo. En Madrid se celebrará una semana después, entre el 24 y el 27 y en Filmin tendremos una pequeña parte de la programación del 18 al 27 del mismo mes. También tendremos sesiones en la Filmoteca de Catalunya, con una retrospectiva de Tim Sutton, entre los días 16 y 27 de marzo. El director americano será uno de los grandes invitados del festival, acompañado por los directores de El ruido de los motores y Poser: Philippe Grégoire y Noah Dixon.

Este año la programación está formada por 33 largos y 15 cortos, mayoritariamente inéditos en nuestro país, de diversos géneros y que han estado y estarán presentes en Sundance, Cannes, los Oscar, San Sebastián, Venecia o Berlín, entre otros.

TOPS

Dentro de la sección con títulos más reconocibles del festival, contaremos con Zola, de Janicza Bravo (LemonGreener Grass), la primera película basada en un hilo de Twitter, donde una stripper de andar por casa, se ve involucrada en una road movie en los submundos del sexo y la prostitución con ecos de Harmony Korine y Sean Baker, nominada a todas las grandes categorías de los Independent Spirit Awards del 2022. En John y el hoyo nos encontramos con Taissa Farmiga y Michael C. Hall, sufriendo las ideas de un adolescente taciturno y sumiso, que decide encerrar, de repente y en plena noche, a su familia en un gran agujero, en un estudio sobre la maldad pura y sin coartadas al estilo Funny GamesMass, donde nos acercamos a dos matrimonios, rotos por el dolor, que se reúnen en una iglesia, tiempo después de que un hecho trágico marcara sus vidas, con la intención de buscar una salida a su infierno. Con The Last Son, de Tim Sutton, iremos al oeste lejano, donde el bandido Isaac LeMay intenta acabar con toda su descendencia después de descubrir, mediante una profecía, que morirá asesinado a manos de uno de sus hijos. Un filme protagonizado por Sam Worthington y el actor y cantante de pop-punk, Machine Gun Kelly, ídolo de la generación Z y futuro marido de Megan Fox. En Down with the King, Freddie Gibbs interpreta a un cantante de rap que se traslada a una granja intentando alejarse de la toxicidad de la industria musical y de la presión que comporta ser una celebridad. La aspirante será nuestra inauguración. Nominada a cinco categorías en los Independent Spririt Awards, entre ellas, mejor dirección y actrices, es la historia de una obsesión en la línea de Cisne Negro o Whiplash, en este caso deportiva. Catch the Fair One es un thriller violento, situado en los fríos parajes de la América profunda, con personajes tétricos y manipuladores y una cuidada estética y ritmo trepidante que recuerda a Winter’s Bone. En La Caja, pasamos de la América profunda a México, y al cine social de Lorenzo Vigas, que logró el León de Oro en Venecia con Desde allá, y que ahora vuelve a ganar en el mismo festival con esta dura coming of ageJockey, premio especial del jurado en Sundance y con dos nominaciones a los Independent Spirit, es un drama deportivo sobre un jinete veterano consumido por las lesiones, que afronta con ilusión lo que podría ser su último campeonato cuando aparece un rival que dice ser su hijo. Y acabamos Tops con la clausura, Nine days, mejor guión en Sundance y también con dos nominaciones a los Independent Spirit. En una casa aislada en una dimensión indefinida, un hombre entrevista durante nueve días a almas. Tan solo una de ellas será la elegida y se le dará la oportunidad de vivir en el mundo real. Quienes no superen la prueba de selección, desaparecerán.

NEXT

De nuevo, en la sección NEXT, nos acercaremos a aquellos directores y películas más desconocidas y apuestas de futuro. Empiezamos por Potato Dreams of America, donde el joven Potato descubre su sexualidad en la fría Unión Soviética mientras sueña con viajar a Estados Unidos con su madre y descubrir un mundo libre y diverso. En Kendra y Beth, la omnipresente Kate Lyn Sheil interpreta a una chica introvertida que encontrará una brecha de luz a su situación familiar y a las bromas sexuales que sufre de sus compañeros cuando conozca casualmente a Beth, un espíritu libre. Strawberry Mansion es una película surrealista y onírica que mira al futuro en clave de ciencia ficción low-cost retrofuturista. De los directores de la delirante Sylvio. En Mister Limbo se nos presenta un viaje hacia la introspección a través de unos individuos que vagan por un extraño desierto. Un viaje sensorial con algunos momentos mágicos de emotividad contenida y otros que rozan la comedia más absurda. Sophie Jones es la coming of age de la directora debutante Jessie Barr, un filme incómodo sobre la rebeldía de una chica de dieciséis años que, tras la muerte de su madre, deberá superar sus traumas, su adolescencia y sus estudios en el instituto. Poser nos habla de Lennon, obsesionada con el movimiento artístico underground de su ciudad, y que decidirá hacer un podcast y acabará obsesionada por las redes sociales. Y de los podcasts a los juegos de rol online en We’re All Going to the Worlds Fair donde Casey, una adolescente solitaria e introvertida, decide participar en el reto World’s Fair. Tras publicar una serie de vídeos, una figura misteriosa contacta con ella asegurando ver algo especial en sus clips. El Planeta, coproducción entre Estados Unidos y España, trata de Leonor y su madre, dos mujeres amenazadas por un desahucio, que buscan la manera de salir adelante, entre ocurrencias y conversaciones delirantes, en un tierno canto a la dignidad, en lo que parece una combinación de la soledad surrealista de la reciente Destello Bravío y de la desidia y la no acción de Extraños en el paraíso de Jarmusch. Y de Québec nos llega El ruido de los motores, donde un joven instructor de la escuela de aduanas de Canadá, empieza a ser vigilado por la policía cuando intenta descubrir el origen de unos dibujos sexualmente explícitos que perturban a los habitantes de la ciudad . Y acabamos Next con Queen of Glory, en que Sarah está preparando la mudanza a Ohio para ir a vivir con su prometido, cuando se ve obligada a quedarse en el Bronx, el barrio de su infancia, donde tendrá que replantearse su futuro y confrontar su pasado junto con un ex convicto rehabilitado y una matriarca.

DOCS

Pasamos a desvelar la sección DOCS y empezamos fuertes, con Ascension de Jessica Kingdon, nominada al Oscar y con dos premios en Tribeca, entre otros muchos reconocimientos. Una escalofriante radiografía de la sociedad china actual, que prioriza la productividad y la innovación por encima de todo. En The Man of the Monkey, David Romberg, ha recopilado a lo largo de diez años información sobre un alemán que vivía en medio de la selva con un mono, consiguiendo hacer un intrigante documental sobre la herencia personal. Y no podía faltar un true crime. En The Lost Sons, Paul Fronczak, a los ocho años, descubre en la habitación de sus padres unos recortes de periódico sobre un bebé robado en Chicago que encontraron más adelante en Newark, Nueva Jersey. La realidad se convierte en un thriller con pinceladas dramáticas y giros argumentales inesperados que profundiza en la pérdida de identidad. We were once kids nos muestra las consecuencias que el mítico filme Kids tuvo en la vida de sus protagonistas. Descubriremos los claroscuros que rodearon toda la producción de una historia de la que Harmony Korine, que tenía sólo diecinueve años cuando escribió el guion, nunca ha querido volver a comentar. All the Streets Are Silent: The Convergence of Hip Hop and Skateboarding (1987-1997) nos lleva al mismo universo de Kids: Manhattan, finales de los ochenta, el momento bullicioso en el que convergieron las dos subculturas que revolucionarían en los años noventa, el hip hop y la cultura skater. Y terminamos la sección con Try Harder: el instituto público número 1 de San Francisco es tildado de ser una cárcel que solo educa a robots. Debbie Lum se adentra en la vida de varios estudiantes en los meses previos a la criba para entrar en la universidad. Competencia feroz y falta de oportunidades en uno de los sistemas educativos más clasistas del mundo.

SHORTS

Como viene siendo habitual, el festival ofrecerá las dos tradicionales sesiones de cortos con una selección de las mejores obras de la temporada en SHORTS. Podremos ver entre otros Opera, corto de animación ganador del premio del público en SXSW y nominado al Oscar; The Wind and the Kite, de Robert Machoian, director de The killing of Two Lovers, cortos de la shortlist de los Oscar como Les grandes claquesMauvaises herbesSofa so goodFrimas o ÁguilasThe touch of the masters hand, mejor corto en Sundance, Ghost Dogs, ganador de mejor corto animado en Fantasía o Birdie, un corto surrealista protagonizado por una carretilla de palos de golf.

THE LOST SESSIONS

Y este año recuperamos THE LOST SESSIONS, una sección que pretende rescatar en pantalla grandes títulos inéditos en nuestro país. Este año tendremos dos: Chameleon Street, la gran ganadora de Sundance en 1990 y hasta ahora imposible ver, que nos presenta la historia increíblemente real de William Douglas Street Jr., un estafador de gran astucia que llevó de cabeza a la policía y Tchoupitolas, el segundo largometraje de los directores de Bloody Nose Empty Pockets, una intensa e inmensa experiencia sensorial donde tres hermanos adolescentes descubren, por primera vez, la vida nocturna de un calle de Nueva Orleans.

Por último, recordar que aparte de presentar The Last Son en TOPS, Tim Sutton disfrutará de una RETROSPECTIVA en la Filmoteca de Catalunya con sus filmes PavilionMemphis, Dark Night, Donnybrook y Funny Face.

Los precios de las entradas físicas son de 7 euros, con abonos compartibles de 6 entradas por 35 euros. Las sesiones de cortos tendrán un coste de 4 euros. Y las películas de Filmin podrán verse con la suscripción.El período de acreditaciones de prensa ya está activo y se podrán solicitar hasta el 6 de marzo.

Además, seguimos ofreciendo formación sobre crítica de festivales y cine indie en La Casa del Cine y jornadas para profesionales, que este año estarán dedicadas a la responsabilidad del audiovisual en la representación de los estereotipos sociales, la relación entre las escuelas de cine y los festivales y la comunicación de los festivales en las redes sociales.

Agradecer, un año más, a los diferentes colaboradores e instituciones, que hacen posible el festival: la Generalitat de Catalunya, l’Ajuntament de Barcelona, la Diputació de Barcelona, la Casa del Quebec y la Fundació Víctor Grífols y Lucas. Este año, también, con Acció Cinema, una iniciativa impulsada por Catalunya Film Festivals, en colaboración con la Agencia Catalana de Cooperación al Desarrollo del Departamento de Acción Exterior y Govern Obert y el Departamento de Cultura, que promueve el audiovisual como herramienta de construcción de una ciudadanía formada, crítica y movilizada por un mundo más justo.
Categorías: Americana

El 1 de marzo se abre el periodo de inscripción de largometrajes y cortometrajes para Sitges 2022

28 febrero 2022 Deja un comentario

Mañana 1 de marzo se abre el periodo de inscripción de largometrajes, documentales y cortometrajes para competir en la 55 edición del Sitges Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya 2022. Los/as directores/as, productoras y distribuidoras que lo quieran podrán presentar sus filmes hasta el 15 de julio, fecha de cierre para todas las categorías.

La plataforma Festhome es el único sistema oficial para inscribir la pieza. La organización no acepta otros formatos.

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Categorías: Sitges Film Festival

Llega la ‘Cutrecon XI’ con los dinosaurios más bochornosos como eje temático

18 febrero 2022 Deja un comentario

La undécima edición de CutreCon, Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid, arranca el próximo 23 de febrero con la que será la programación más grande de su historia. Durante cinco días, el festival proyectará un total de 28 películas y dos cortometrajes de todos los géneros, con sesiones gratuitas y de pago repartidas en sus cuatro sedes oficiales: Cineteca Madrid (Plaza de Legazpi, 5, Matadero Madrid), la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid (Avenida Complutense, 3), mk2 Cine Paz (Calle de Fuencarral, 125) y mk2 Palacio de Hielo (Calle de Silvano, 77). Este año, además, presenta una importante novedad como es la Sección oficial a concurso, en la que cinco títulos competirán por alzarse con el Premio del público al filme de bajo presupuesto más divertido, que elegirán los espectadores con sus votos.

Los dinosaurios más cutres y bochornosos que jamás hayan habitado una pantalla de cine son el eje temático elegido para esta edición, en la que el público descubrirá con asombro cómo su idea preconcebida de estos animales prehistóricos, gracias a Parque Jurásico, salta por los aires al ver las demenciales películas que trae CutreCon. No obstante, en su variada y extensa programación hay hueco para mucho más que dinosaurios: ninjas,
monstruos gigantes, robots turcos, un John Wick a la asturiana, musculosos héroes de acción y hasta los mismísimos Power Rangers.

MIÉRCOLES 23 DE FEBRERO

Con motivo de los actos de celebración del 50º aniversario de la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid, el festival CutreCon tiene el honor de haber sido invitado a ser parte de los mismos, y lo hace acercando al público, siempre en sesiones gratuitas, una serie de películas escogidas acompañadas de coloquios sobre este tipo de cine de serie B y Z que enriquecerán la experiencia de los asistentes.

Para comenzar el festival, los que se acerquen hasta el Salón de actos de la Facultad de Ciencias de la Información a las 11:00 horas viajarán nada menos que hasta un pequeño suburbio de Kampala, capital de Uganda, que se ha convertido en la meca del cine de acción africano, bautizada como Wakaliwood, que es todo un fenómeno mundial gracias a Youtube.

Con apenas 150 dólares de presupuesto, estas películas derrochan humor, litros de sangre, explosiones, tiroteos entre chabolas y mucha diversión, sin olvidar la crítica social. Bad Black, uno de los filmes más ambiciosos de  esta modesta pero boyante factoría cinematográfica, es el título elegido para abrir la undécima edición de CutreCon. Su director y genio detrás de Wakaliwood, Isaac Nabwana (apodado el Tarantino de África), recibirá el Premio CONFISLAB Jess Franco 2022 por su aportación al cine de bajo presupuesto y por crear una industria desde la nada: su equipo de rodaje consiste en un croma, una cámara y un ordenador montado a partir de piezas recogidas en vertederos, con los que ha rodado más de 50 filmes.

Para recoger el Premio CONFISLAB Jess Franco en nombre de Nabwana viajará hasta Madrid Alan Hofmanis, un estadounidense que, cautivado por las películas de Wakaliwood, dejó su vida en Nueva York y se trasladó a Uganda para formar parte del proyecto.

Tras Bad Black y para entender mejor todo lo que ha supuesto el fenómeno Wakaliwood, se proyecta Once upon a time in Uganda, documental que nos enseña cómo se ruedan estas disparatadas películas y que recoge las impresiones de los espectadores de todo el mundo que las han disfrutado.

A las 16:00 horas llega la inclasificable Mi adorado Monster, que narra la caótica gestación de Los resucitados, filme español que tardó más de dos décadas en completarse y estrenarse, en el que aparecen actores como Santiago Segura o Manuel Tallafé (sin saber muy bien lo que hacían), bajo las órdenes de un director, Arturo de Bobadilla, que asegura que le persigue un monstruo. En clave de comedia, pero también con mucha creatividad y un toque de drama y ternura, Víctor Matellano, autor de la película, nos introduce en el universo de este curioso personaje. El propio Matellano acudirá a la proyección para presentar la cinta junto con otros miembros del equipo.

La primera jornada de CutreCon 11 concluye con la sesión inaugural a las 21:00 horas de New York Ninja (1984) en la emblemática Cineteca Madrid. Se trata de un filme protagonizado y dirigido por John Liu, un taiwanés que intentó labrarse una carrera en el cine a la sombra de Bruce Lee, pero que se quedó en imitador de saldo, eso sí, con una filmografía que daría para diez festivales de cine cutre. Liu, que llegó a residir y rodar en España, tuvo varios problemas con la ley (llegó a ser conocido en nuestro país como Juanito Líos) y fue incluso encarcelado en Zaragoza por pertenecer a una red de trata de blancas.

New York Ninja, su única incursión en el cine americano, es una joya de 1984 que ha tardado casi cuatro décadas en ver la luz, ya que su producción se interrumpió de forma abrupta quedando solo el negativo original en 35 mm, perdiéndose por el camino el guion, los storyboards y las pistas de sonido. La distribuidora Vinegar Syndrome rescató de las catacumbas el material y, a través de un minucioso proceso de reconstrucción, consiguió terminar el filme restaurando la imagen en 4K, finalizando el montaje y la sonorización y doblando las voces del reparto original (gracias a la ayuda de expertos en lectura labial) con actores míticos del cine de acción como Cynthia Rothrock o Don “The Dragon” Wilson.

JUEVES 24 DE FEBRERO

De nuevo, la Facultad de Ciencias de la Información abre la jornada desde las 11:00 horas con Trog (1970), película que tiene el dudoso honor de ser el último papel en el cine de la legendaria actriz Joan Crawford (¿Qué fue de Baby Jane?, Johnny Guitar), que se podía haber quedado en su casa en vez de rodar este esperpento. La película cuenta cómo la doctora Brockton (Crawford) se encuentra a un troglodita en una cueva y decide educarlo como si de su hijo se tratase, hasta que, claro, este decide escaparse dejando a su paso una orgía de destrucción y sangre.

Le sigue a las 12:30 The last dinosaur, una película cuyos responsables no terminaron de decidir si iría dirigida al público infantil o adulto y tiraron por la calle del medio metiendo canciones, escenas gore, amor y hasta un torpe tiranosaurio que camina como si llevara una cogorza. El resultado es tan divertido como sorprendente. La sesión vespertina en la Facultad de C.C. De la Información está dedicada a uno de los clásicos del cine trash patrio: La matanza caníbal de los garrulos lisérgicos (1993), filme de culto rodado en vídeo que homenajea a La matanza de Texas mezclando sin complejos gore y crítica social, con la situación del rural gallego como telón de fondo. Una obra loquísima dirigida por el malogrado Toñito Blanco y Ricardo Llovo, este último encargado de presentar la sesión en CutreCon junto a algunos de los miembros del reparto como la actriz Silvia Superstar (Killer Barbys) o el cantante César Strawberry (Def Con Dos).

Precisamente, la figura del mencionado Toñito Blanco protagoniza el documental que irá a continuación, Toñito Blanco Só, perdido e vicioso, que a través de imágenes inéditas y entrevistas con familiares y amigos, nos descubre a un artista transgresor y a un complejo ser humano cuyo trágico final, con apenas 30 años, nos habla también de la cara oscura de la sociedad de finales de los 80 y principios de los 90. La sesión contará con la presencia de Nico Campos, autor del documental.

Para finalizar la jornada, CutreCon 11 se traslada hasta el céntrico mk2 Cine Paz a las 21:00 horas, con una de las sesiones estrella de esta edición, bautizada como Turksploitaion, en la que se verán dos películas turcas cuyo respeto por los derechos de autor harían estallar la SGAE. En primer lugar Dunyayi Kurtaran Adam (1982), también conocida como el Star Wars turco, ya que a parte de copiar los elementos de la saga creada por George Lucas (robots, naves espaciales, guerreros con poderes, siniestros emperadores), roba literalmente planos de La guerra de las galaxias de 1977.

Así, pasaremos de la Capadocia turca a ver el Halcón Milenario o la Estrella de la muerte, acompañados de una banda sonora de lujo compuesta por John Williams, eso sí, para Indiana Jones, que de Star Wars ya habían saqueado lo suficiente. Uno de los mayores clásicos del cine cutre que podrá contemplarse en pantalla grande y en Alta Definición 2K, en un montaje inédito con escenas añadidas. Turksploitation se completa con Death Warrior (1984), protagonizada, al igual que Dunyayi Kurtaran Adam, por la estrella otomana Cuneyt Arkin, que da vida a un policía que ha de enfrentarse a un ejército de ninjas, en una trama sin el menor atisbo de lógica en la que al espectador solo le queda claro que no ha parado de reírse durante
los 70 minutos de película.

VIERNES 25 DE FEBRERO

CutreCon 11 se despide de la Facultad de C.C. de la Información de la UCM a las 11:00 horas con 2019: Tras la caída de Nueva York (1983). El lector malpensado habrá levantado una ceja con el título, que se parece sospechosamente a 1997: Rescate en Nueva York (1981) de John Carpenter... Y estará en lo cierto, porque se trata de un “plagio”, concepto tan de moda en los 80, donde a un éxito le salían copias apócrifas de videoclub por doquier. 2019: Tras la caída de Nueva York es una de esas excepciones en la que la copia no solo se deja ver, sino que es un magnífico entretenimiento. En este caso, el director italiano Sergio Martino, quien defenderá su película en CutreCon 11 en un coloquio donde charlará con el público, consigue hacer algo distinto a la original, dándole su propia personalidad al filme.

Por la tarde arranca la esperada Sección oficial de CutreCon ya en mk2 Palacio de Hielo, que será la sede del festival durante todo el fin de semana. La primera película a concurso llega a las 15:15 horas: ¡Maldición! He vuelto a cambiar, del director underground Juan Carlos Gallardo. Se trata de una vuelta de tuerca del cine de superhéroes en la que dos hermanos científicos crean un compuesto que, tras varias alteraciones, acaba transformando a uno de ellos en un monstruo de color rojo.  Como si de cine Dogma se tratase, Gallardo filma con cámara de vídeo casera (podemos ver hasta la hora y la fecha) y sin artificios, desconcertando al espectador, que no termina de saber a qué se está enfrentando: si a la obra de un artista visionario y adelantado a su tiempo o a un completo desastre cinematográfico. Mención aparte merece el cartel de la película, hecho a mano y pintado con rotuladores, demostrando que el Adobe Photoshop está sobrevalorado.

El segundo título a concurso nos traslada hasta el levante a partir de las 17:00 horas con Balas de venganza. Un thriller de acción amateur hecho sin un duro pero con mucho cariño, que cuenta la historia de un chaval que es adoptado por una familia mafiosa pero que reniega del crimen organizado. Un filme rodado por colegas con más voluntad que oficio pero que consigue salir adelante y entretener al espectador.

Jostissi de Carreró, también en la Sección oficial a concurso, nos lleva hasta las Islas Baleares para contarnos la historia de Golam, un hombre solitario que regresa a Porto Cristo, su pueblo natal, y descubre que este vive bajo la amenaza de una banda criminal que tiene sometidos a sus habitantes. Golam decide tomar cartas en el asunto y hacer justicia en este divertidísimo y desvergonzado homenaje a la cultura pop y a las películas de videoclub y cines de los 80 y 90.

La sesión estrella del viernes es nada menos que un clásico de los años 60, King Kong contra Godzilla, el montaje americano, a las 21:00 horas. La película (cuyo remake se estrenó el año pasado en cines) da exactamente lo que promete su título: los dos monstruos gigantes más famosos del cine repartiéndose bofetones entre sí en escenarios de cartón piedra y utilizando las maquetas y los coches de juguete como armas arrojadizas. Una coproducción de Japón y Estados Unidos que tuvo un montaje para cada país, siendo el de este último mucho más divertido gracias a sus numerosos defectos.

CutreCon 11 recupera las sesiones golfas de fin de semana (un concepto últimamente olvidado por las salas debido a la pandemia) y lo hace con Crabs, en la que unos cangrejos asesinos atacan una pequeña localidad costera y, mientras siembran el pánico, se marcan unos cuantos bailes de instituto. Un filme paródico y autoconsciente en la línea de Zombievers o Turbo Kid que homenajea sin tapujos el cine cutre, y que peleará por alzarse con el Premio del público en la Sección oficial a concurso.

SÁBADO 26 DE FEBRERO

Dos euros y medio. Eso es lo que cuesta la sesión low cost de CutreCon 11, a partir de las 11:00 de la mañana, con la que arranca la jornada del sábado. Y es que cobrar más por Mi amigo Godzilla (2012), un engendro del sur de la India donde no aparece Godzilla por ninguna parte, sería un verdadero atraco. Se trata, según sus responsables, del primer filme indio de dinosaurios en 3D, pero visto el resultado más que sacar pecho por semejante hito, mejor harían en esconderse en una cueva para no salir nunca.

Tampoco están para ponerse medallas los hermanos Polonia con Saurians (1994). La otra sesión low cost de CutreCon 11 es el proyecto personal (y casero) de estos dos hermanos que quedaron tan fascinados por Parque jurásico que decidieron hacer su propia película de dinosaurios. El problema es que sin dinero y, sobre todo, sin talento, te sale lo que te sale: una sucesión de imágenes que combinan el stop motion chusco, marionetas salidas de una clase de educación infantil y hasta CGI rudimentario. Por algún inexplicable motivo, llegó a tener distribución en VHS.

Tras reponer fuerzas, a las 15:15 horas llega la doble sesión Cyberjunk 2022, donde los robots, tan queridos por los espectadores habituales de CutreCon, toman el protagonismo. En primer lugar, Future War (1997) nos cuenta la historia de un cyborg (interpretado por Daniel Bernhardt, conocido como “el Van Damme suizo”) que va repartiendo puñetazos a los dinosaurios que se le ponen por delante. La sigue Destroyer, brazo de acero (1986), una copia italiana descarada de Terminator protagonizada por un amigo de gimnasio de Stallone que en aquel momento salía en Falcon Crest, y que trata de un robot llamado Paco (sic) que se rebela ante sus creadores y es perseguido entre tiros, explosiones y toneladas de desvergüenza. Sergio Martino, su director, recibirá el Premio Applehead Team Sah-Di-Ah y compartirá anécdotas con los espectadores en un coloquio tras la proyección de la cinta.

Mujeres en bikini con metralletas, un actor con un asombroso parecido a Keanu Reeves, coches de lujo, tiroteos, el Chapo Guzmán y Pablo Escobar… Todo esto nos ofrece L.J. Detective a las 19:00 horas, serie asturiana de la que se proyectarán los dos primeros episodios, que es un homenaje al cine de acción de los 90 y a títulos como Corrupción en Miami, Fast and Furious o la saga John Wick. Su combinación de acción, diálogos forzados, absoluta diversión y el no tomarse en serio a sí misma, ha hecho que la organización de CutreCon la eligiera para competir en su Sección oficial pese a no ser una película. Dirigida y protagonizada por Eduardo Castejón, conocido como el Keanu Reeves asturiano, L.J. Detective promete ser una de las sesiones más recordadas de la undécima edición.

¡A metamorfosearse! Esta es, sin duda, una de las frases más pronunciadas por los niños de los años 90, década en la que una serie de televisión donde un grupo de adolescentes se ponían un pijama para combatir contra cómicos muñecos de plástico, arrasaba en todo el mundo. Hablamos, claro, de Power Rangers, franquicia que, en 1995 y a raíz del éxito de la serie, dio el salto a la pantalla grande con su propia película. El problema es que el salto fue al vacío y por el camino traumatizó a toda una generación, que casi 30 años después podrá cobrarse su venganza riéndose sin complejos del filme en CutreCon a partir de las 21:00 horas. La sesión, patrocinada por Impact Game, sacará al niño que todos llevamos dentro para mofarse de los Power Rangers una vez más.

El sábado por la noche es, tradicionalmente, momento para salir de fiesta. Y festiva va a ser sin duda la sesión golfa de CutreCon 11, que va a tener juerga equivalente a todas las discotecas de Madrid. A las 23:00 llega un héroe que cambiará por completo nuestras vidas, Krack (2021), un superpolicía que derrocha testosterona, carisma, mala leche y socarronería. Un éxito de taquilla en su país de origen, India, que cayó rendido a los pies de este filme de acción exageradísima llena de planos imposibles y montaje frenético, aderezado con números musicales tan del gusto de aquel país. Un alucinógeno viaje sin salir de la sala de cine y sin necesidad de consumir bebidas espirituosas.

DOMINGO 27 DE FEBRERO

CutreCon 11 pone el punto final con no una, sino dos maratones. A las 12:00 de la mañana tendremos tres horas de absoluta diversión con Kaijutón, una épica compilación de material audiovisual japonés que incluye cortos, mediometrajes, capítulos de series de televisión, tráilers y otras sorpresas, del género Kaiju Eiga o, lo que es lo mismo, monstruos gigantes que van arramplando con todo lo que pillan. Una sesión patrocinada por Retrotoys Store donde la variedad de piezas locas en estos 180 minutos de desenfreno es tal que es imposible no tener un ataque de risa.

La despedida de esta undécima edición llega con la tradicional maratón temática de cuatro películas. Este año, con los dinosaurios como “estrellas” invitadas, no podía llamarse de otra forma que Dinotón, que desde las 16:00 horas nos recordará por qué los dinosaurios se extinguieron: para que millones de años después podamos reírnos de ellos sin contemplaciones.

Cuatro joyas del humor involuntario como la tailandesa Magic Lizard (1985) protagonizada por un lagarto gigante con chorreras; El planeta de los dinosaurios (1977), patrocinada por La Frikilería, donde unos astronautas con monos de pintor se enfrentan a los dinosaurios con secadores y espumaderas; The Phantom Empire (1988) película que se supone está basada en hechos reales en la que aparecen dinosaurios, robots, alienígenas y cualquier cosa que se les ocurriera a sus perturbados creadores; y por último, un filme sorpresa que será desvelado según se acerque el evento, pero que estará a la altura de la expectación generada.

ENTRADAS YA A LA VENTA
Las entradas para las diferentes sesiones están disponibles en los enlaces habilitados en http://www.cutrecon.com así como en las páginas web de las sedes correspondientes a casa sesión de Cineteca Madrid y mk2 Cine Paz y mk2 Palacio de hielo. Las sesiones de la Facultad de Ciencias de la Información de la UCM son gratuitas con entrada libre hasta completar aforo.

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La undécima ‘CutreCon’ se inaugura con un film inédito protagonizado por John Liu

La undécima edición de CutreCon, Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid, se inaugura por todo lo alto con el estreno en España de New York Ninja (1984), el miércoles 23 de febrero a las 21:00 horas en la emblemática Cineteca Madrid (Plaza de Legazpi, 8, Matadero Madrid). La película es, literalmente, una joya arqueológica rescatada de las catacumbas cinematográficas por la distribuidora estadounidense Vinegar Syndrome, que a partir del negativo original ha finalizado la posproducción del filme casi 40 años después restaurando la imagen, añadiendo el sonido y doblando a los actores originales con las voces de otros intérpretes.

Y es que New York Ninja, escrita y dirigida por el actor taiwanés John Liu (un imitador de Bruce Lee sin un ápice del talento de este), detuvo su producción repentinamente y, con prácticamente todas las escenas rodadas, se perdieron el guion, los storyboards y los materiales de sonido original, quedando solo el negativo en 35 mm.

Devolverla a la vida tantos años después parecía, pues, una empresa casi imposible, hasta que la productora y distribuidora Vinegar Syndrome decidió que no podía privar al mundo de ver semejante joya de lo cutre, por lo que completó la posproducción de la película restaurando la imagen en 4K, añadiendo la música y el sonido y, lo que es más importante, reconstruyendo los inaudibles diálogos (con expertos en lectura labial) y sustituyendo las voces de los actores por las de otros intérpretes conocidos en el cine de acción y artes marciales (y estrellas de videoclub)
como la mítica Cynthia Rothrock (China O’Brien), Don “The Dragon” Wilson (Bloodfist) o Michael Berryman (Las Colinas Tienen Ojos). El resultado es una desternillante comedia involuntaria repleta de absurdas peleas y ninjas de
andar por casa combatiendo en plena Nueva York, que no debe tomarse nada en serio y que permitirá a los espectadores de CutreCon contemplar finalmente la primera y única película de John Liu rodada en Estados Unidos.

SOBRE JOHN LIU

Conocer a John Liu (Taiwan, 1944) es conocer probablemente a uno de los personajes más enigmáticos, impresentables e inmorales de la historia del cine. Liu, cuya biografía no está del todo clara, era un luchador de kung fu que durante los años 70 comenzó a rodar en Taiwan cintas de artes marciales de bajo presupuesto a raíz del éxito meteórico de Bruce Lee. No obstante, Liu nunca llegó a triunfar a nivel internacional, quedando como un imitador de poca monta de Lee (aunque iba diciendo que era su amigo), carente de todo talento y carisma, pero al
que desde luego no se le puede achacar su tenacidad a la hora de buscar el éxito.

Tras rodar en su país de origen, desembarcó en Europa, concretamente en París, donde rodó, Liu in Paris (1981), hasta que abandonó la capital francesa por asuntos que no están del todo claros. Sin embargo, la reciente España democrática le abrió las puertas de par en par y Liu, quien decía ser príncipe de un remoto país asiático, consiguió rodar en Canarias Dragon Blood: Liu in Mexico (1982) escrita y dirigida por él mismo, y la que es sin duda su “obra maestra” Made in China (1982). La película, una coproducción entre Hong Kong y España (Liu engatusó a varios productores españoles para que le financiaran su engendro), es un trampantojo en el que aprovecha material
de otros filmes no acabados para unirlos al nuevo metraje, que da como resultado una trama en la que solo queda claro que John Liu se enfrenta a la CIA, que está desarrollando una peligrosa arma de control mental. Por el camino pega patadas, seduce a bellas mujeres y se ríe de los discapacitados.

Rodada íntegramente en la Costa Brava, aunque ambientada en Zambia o Francia, en los rótulos de las calles podemos leer “Carnicería María” o “Cerámicas Ana”, quedando patente la falta de vergüenza de su creador. Sin embargo, el momento álgido del filme es sin duda su desenlace, en el que es quizá el plano más infame, inmoral y cuasidelictivo de la historia del cine. Durante el rodaje de la escena final, el equipo se encontraba cerca de un aeródromo debido a que estaban grabando planos con helicópteros y avionetas. En ese momento, uno de los aparatos, que pilotaban unos turistas alemanes, sufrió un accidente. Antes de que los servicios médicos llegaran
al lugar, Liu ordenó al equipo llevar la cámara hasta la avioneta siniestrada y filmar un plano en el que se ven los cadáveres calcinados de las víctimas, y que este insertó en el montaje final, si bien durante la película una voz en off nos recuerda que “el equipo les rinde sus máximos respetos”.
Vista la catadura moral del personaje, no sorprenderá descubrir que poco tiempo después fue acusado de participar en una red de trata de blancas, por lo que acabó recluido en una cárcel de Zaragoza. Tras salir de prisión (hay rumores que dicen que escapó durante un permiso), su paradero actual parece ser Vietnam, donde residiría en una cabaña en la selva aislado del mundo, sin Internet ni teléfono.

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ENTRADAS YA A LA VENTA
Las entradas para la sesión inaugural de CutreCon 11 con New York Ninja el 23 de febrero a las 21:00 horas en Cineteca Madrid (Plaza de Legazpi, 8, Matadero Madrid) ya están a la venta en los enlaces habilitados en http://www.cutrecon.com y en http://www.cinetecamadrid.com.

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El BCN Film Fest avanza la programación de su 6ª Edición

BENEDICT CUMBERBATCH, CHARLOTTE GAINSBOURG,GÉRARD DEPARDIEU, SALLY HAWKINS,OLIVER STONE Y JEREMY THOMAS,ALGUNOS DE LOS PROTAGONISTAS DEL BCN FILM FEST 2022

El festival rinde homenaje al productor Jeremy Thomas con el diseño del cartel oficial y una retrospectiva en la sección de Imprescindibles

El Festival Internacional de Cine de Barcelona-Sant Jordi (BCN FILM FEST), que este año se celebra del 21 al 29 de abril en los Cines Verdi de Barcelona como sede principal, ha presentado esta semana el cartel oficial de su 6ª edición y las primeras novedades confirmadas de su programación. El acto ha estado presentado por la directora del BCN FILM FEST, la periodista y crítica de cine Conxita Casanovas. «El éxito rotundo de la edición del año pasado, con las figuras que nos visitaron haciendo que Barcelona llamara la atención cinematográficamente y la buena respuesta de público que tuvimos nos pone el listón muy alto, pero pensamos que tenemos buenos argumentos para seguir superándonos. Seguimos trabajando en la idea de que el BCN FILM FEST sea un festival inspirador, un lugar donde repensar la cultura, donde el cine conecte al espectador con diferentes visiones del mundo y de la vida», comenta Conxita Casanovas. Entre las visitas confirmadas, Casanovas ha anunciado la presencia de Jeremy Thomas, consagrado productor de películas como “El último emperador” o «Soñadores”, a quien el festival dedica su Sección de Imprescindibles, el director Mark Cousins, que presentará su documental sobre la figura de Thomas, y el que fuera campeón mundial de ajedrez, Anatoli Kárpov, figura protagonista de “The World Champion”, película que cuenta la historia de la rivalidad por el título mundial entre el jugador de ajedrez ruso y su compatriota Viktor Korchnoi. Este año reivindicamos la figura del productor y su importancia y nadie mejor para ponerlo en relieve que Jeremy Thomas, protagonista, a través de sus películas, de la sección Imprescindibles”, añade Casanovas. El BCN FILM FEST, fiel al espíritu cultural de Sant Jordi, vuelve a ofrecer películas que giran en torno del eje temático Cine-Literatura-Historia dentro de la Sección Oficial, centrándose, sobre todo, en adaptaciones literarias, biopics de grandes personalidades y eventos históricos de relevancia. Como en ediciones anteriores, el festival contará con 6 secciones: Sección OficialCinema amb Gràcia (dedicada a las comedias), Zona ObertaArt al Cinema (dedicada a grandes documentales de arte), Imprescindibles (dedicada a clásicos del cine de autor, este año al productor Jeremy Thomas) y una sección dedicada al cine de un país invitado: China by CineAsia.

CARTEL OFICIAL

El cartel del BCN FILM FEST 2022 es un homenaje al protagonista de nuestra sección Imprescindibles, el productor Jeremy Thomas. “El último emperador” es una de sus películas más emblemáticas y, con sus 9 premios Oscar, el mayor éxito comercial de su filmografía. El cartel, un trabajo del diseñador Joel B. García, remite a la imagen más recordada de la película de Bertolucci, un momento fascinante que se ha convertido, sin duda, en un icono del cine moderno. Además de un tributo a Jeremy Thomas, el cartel del festival también supone un guiño a la sección China by CineAsia, en la que se ofrece un pequeño repaso por el cine chino basado, igual que las películas de la Sección Oficial, en obras literarias o hechos históricos. AVANCE DE LOS PRIMEROS TÍTULOS DEL BCN FILM FEST 2022 La 6ª edición del festival contará con una programación de alrededor de 60 títulos entre sus diferentes secciones. A continuación, un primer avance de la programación:

SECCIÓN OFICIAL  

 EUGÉNIE GRANDETDe Marc Dugain / Con César Domboy, Olivier Gourmet, Joséphine JapyFrancia / Première española JFK REVISITED: THROUGH THE LOOKING GLASSDe Oliver Stone / Narradores: Donald Sutherland, Whoopi GoldbergEstados Unidos / Première española LES CHOSES HUMAINESDe Yvan Attal / Con Ben Attal, Suzanne Jouannet, Charlotte GainsbourgFrancia / Première española MAIGRET De Patrice Leconte / Con Gérard Depardieu, Aurore ClémentFrancia / Première Española THE ELECTRICAL LIFE OF LOUIS WAINDe Will Sharpe / Con Benedict Cumberbatch, Claire FoyReino Unido / Première española THE PHANTOM OF THE OPEN De Craig Roberts / Con Mark Rylance, Sally Hawkins, Rhys IfansReino Unido / Première española

SECCIÓN OFICIAL (FUERA DE COMPETICIÓN) THE STORMS OF JEREMY THOMASDe Mark Cousins / Con Tilda Swinton, Debra Winger, Jeremy ThomasEstados Unidos / Première española THE WORLD CHAMPIONDe Aleksey Sidorov / Con Ivan Yankovsky, Konstantin JabenskiRusia / Première española I WANT TO TALK ABOUT DURAS (VOUS NE DÉSIREZ QUE MOI)De Claire Simon / Con Swann Arlaud, Emmanuelle Devos, Christophe PaouFrancia / Première catalana

CHINA BY CINEASIA

(Con la colaboración de Fundación Instituto Confucio de Barcelona) THE BATTLE AT LAKE CHANGJINDe Chen Kaige, Dante Lam, Tsui Hark / Con Jing Wu, Jackson YeeChina / Première española  IMPRESCINDIBLESRETROSPECTIVA:  JEREMY THOMAS. EL PRODUCTOR-AUTOR FELIZ NAVIDAD, MR LAWRENCE (1983)De Naguisha Ôshima THE HIT (LA VENGANZA) (1984)De Stephen Frears INSIGNIFICANCIA (1985)De Nicolas Roeg EL ÚLTIMO EMPERADOR (1987)De Bernardo Bertolucci

TODO EL MUNDO GANA (1990)De Karel Reisz EL CIELO PROTECTOR (1990)De Bernardo Bertolucci EL ALMUERZO DESNUDO (1991)De David Cronenberg BLOOD & WINE (SANGRE Y VINO)(1996)De Bob Rafelson CRASH (1996)De David Cronenberg EL OGRO (1996)De Volker Schlöndorff TODOS LOS ANIMALES PEQUEÑOS (1998)De Jeremy Thomas

SEXY BEAST (2000)De Jonathan Glazer HARA KIRI: MUERTE DE UN SAMURÁI (2011)De Takashi Miike

SOLO LOS AMANTES SOBREVIVEN (2013)De Jim Jarmusch


RETROSPECTIVA: JEREMY THOMAS. EL PRODUCTOR-AUTOR(EN COLABORACIÓN CON LA FILMOTECA DE CATALUNYA)

Desde su labor como productor independiente, al margen de los poderosos engranajes de Hollywood, Jeremy Thomas ha levantado títulos esenciales de la historia del cine moderno, como “Feliz Navidad, Mr. Lawrence”, “El último emperador”, “El cielo protector”, “Crash” y “Soñadores”, preservando los dos aspectos que fundamentan su manera de trabajar: la ambición artística y la aspiración comercial.

La lista de los directores con los que ha colaborado, como Nagisha ÔshimaBernardo BertolucciDavid CronenbergJonathan GlazerVolker Schlöndorff, Jim Jarmusch y Terry Gilliam, entre otros, y los éxitos alcanzados prueban que ha tenido presente esta visión dual durante toda su carrera.

La trayectoria de Jeremy Thomas supone una reivindicación de la importancia de los productores en el proceso de la creación de las películas, del papel del productor como cineasta.

CORTOS ESCAC A COMPETICIÓN El BCN FILM FEST programará una selección de 10 cortometrajes de jóvenes realizadores propuesta por el ESCAC, en la que los trabajos de los alumnos seleccionados competirán por el Premio ESCAC al Mejor Cortometraje, con dotación económica. Con esta alianza entre festival y la Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya, el BCN FILM FEST busca dar visibilidad y apoyar al talento emergente, construyendo puentes entre formación e industria. Las sesiones de CORTOS ESCAC serán abiertas al público y gratuitas.

NUEVOS PATROCINADORES El festival se alegra de continuar con todos los patrocinadores, socios y medios oficiales de las ediciones anteriores e incorpora en esta sexta edición a NETFLIX (plataforma de streaming) como COLABORADOR OFICIAL y a GRUP62 (grupo editor en lengua catalana) como PARTNER ESPECIAL.

LA SEMANA DE LA ESCOLA DEL BCN FILM FEST Se celebrará del 4 al 8 de abril, fuera de las fechas oficiales del festival, con una programación de ocho títulos que incluyen algunas de las películas que más han destacado por sus valores educativos. Dirigida a profesores y alumnos, la programación de esta edición cuenta con títulos como “Chavalas”, “Mediterráneo”, “Pequeño país”, “Impuros”, “Belle” o “El último emperador”.

SEDES Y ENTRADAS El festival contará con proyecciones en los CINES VERDI, FILMOTECA DE CATALUNYA, INSTITUT FRANÇAIS, CAIXAFORUM y el INSTITUT CONFUCI DE BARCELONA, y presentaciones de libros en la CASA SEAT y CASA DEL LLIBRE. Las entradas del Festival continuarán a un precio popular de 3,90€ y con sesiones gratuitas en centros cívicos de la ciudad de Barcelona como El Pati Llimona, Fort Pienc, Can Clariana, Vil·la Florida o Can Basté. A continuación un vídeo resumen de la edición de 2021 del BCN FILM FEST que contó con más de 11.000 espectadores con el aforo limitado al 50%.

 

El BCN FILM FEST cumplirá con todas las medidas sanitarias y de seguridad, así como el máximo de aforo previsto que marque la ley en el momento de la celebración del festival.

Toda la actualidad del BCN FILM FEST en:

Web del festival: www.bcnfilmfest.com

Instagram y Twitter: @bcnfilmfest

Facebook: BCN Film Festival

Categorías: BCN Film Fest, Paul Naschy

Palmarés y clausura de FantaElx (Festival Internacional de Cine Fantástico de Elche) 2021

2 diciembre 2021 Deja un comentario

El Festival Internacional de Cine Fantástico de Elche – FANTAELX ha anunciado las obras premiadas de su novena edición, cuya Clausura ha tenido lugar la tarde del sábado 27 de noviembre en el Auditorio del Centro de Congresos «Ciutat d’Elx», contando con la asistencia de Marga Antón Bonete, concejala de Cultura y Juventud del Ayuntamiento de Elche. En la presente edición, además de proyectarse el largometraje documental Arcadeología, de Mario-Paul Martínez, se han proyectado un total de 58 cortometrajes, tratándose de la edición en la que se han proyectado más obras alicantinas, nacionales e internacionales. Entre ellas, además de la sección oficial, han tenido lugar estrenos especiales o trabajos de estudiantes universitarios, como un Falso Tráiler rodado por alumnos de la Universidad Miguel Hernández en las instalaciones del Museo Paleontológico de Elche (MUPE). A todo ello, asimismo, se le deben añadir las «Sesiones Aljub», una antesala celebrada los días previos al festival en la megapantalla de dicho centro comercial, tratándose de la pantalla LED interactiva más grande instalada en una gran superficie española.

En relación al palmarés, el cortometraje Dar-Dar, del cineasta vasco Paul Urkijo Alijo, ha obtenido el premio al mejor cortometraje nacional, dándole acceso directo al Festival de Cortometrajes de Terror y Fantástico 1000 Gritos de Buenos Aires (Argentina). Por su parte, los cineastas estadounidenses Minsun Park y Teddy Tenenbaum han ganado el premio al mejor cortometraje internacional con su obra Koreatown Ghost Story, accediendo directamente al Festival Internacional de Cine de Terror de Valparaíso (Chile). Y por otro lado, el premio al mejor cortometraje alicantino ha sido ex aequo, premiándose los cortometrajes Dana, de Lucía Forner Segarra, y La increíble vacuna del Dr. Dickinson, de Alex Rey. Ambos cineastas han recogido sus premios en la sala del Auditorio, el cual les da acceso directo al festival Navidades Sangrientas – Weekend Horror Awards de Alicante, que se celebrará los días 17 y 18 de diciembre. Asimismo, también se ha concedido dos menciones especiales para los cortometrajes Wayback, de Carlos Salgado, y Good Night Mr. Ted, de Nicolas Solé, que también ha recogido su premio durante la Clausura.

El jurado de la novena edición del festival, dirigido por Fran Mateu, lo han compuesto la actriz, directora y cantante Adriana Gil, que también se ha encargado de presentar la gala de Clausura; la artista visual Beatriz Galiano; el director, guionista e ilustrador Joan Martín Giménez; el cineasta ilicitano Paco Soto; y Mario-Paul Martínez, profesor del Departamento de Arte de la Universidad Miguel Hernández, director del Grupo de Investigación Massiva, y co-director del congreso internacional desarrollado en el festival. Asimismo, en la Clausura también se ha contado con la participación, entre otros, de Vicente Javier Pérez Valero, vicedecano de proyección del Grado en Comunicación Audiovisual de la Universidad Miguel Hernández; la actriz Gala Bichir; la actriz y presentadora de uno de los coloquios celebrados este año en el festival Asunción Marhuenda; y Miguel Herrero Herrero, director del Festival Internacional de Cine de Sax.

La presente edición festival ha sido organizada por la Asociación Unicornio Negro, el Departamento de Arte de la Universidad Miguel Hernández y el Grupo de Investigación Massiva; y ha contado con el apoyo de organismos como la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Elche, Visit Elche, el Vicerrectorado de Cultura y Extensión Universitaria de la Universidad Miguel Hernández, el centro comercial l’Aljub, la publicación sobre artes plásticas y visuales Negromundo, o la tienda alicantina Cinema Paradiso, entre otros. Con esta nueva edición, Elche ha vuelto a ser un punto de encuentro cultural para los amantes del género fantástico.

Más información acerca del festival en http://www.festivalcinefantaelx.com/

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Diario de Serendipia en Sitges 2021: Palmarés y conclusiones

23 noviembre 2021 Deja un comentario

Bueno, pues el 54 Festival de Sitges 2021 ya es historia. Ahora toca hacer una reflexión sobre qué tal ha ido esta edición y listar el Palmarés. Durante el año, Serendipia irá recuperando algunas de las películas que le han quedado pendientes de ver y repasará algunas de las vistas mientras se vaya preparando una nueva edición que, esperemos, ya se celebre con total normalidad. 

Confieso que, como todas las cosas que se aman, con el festival de Sitges guardo una relación de amor/odio. Cada vez que se inicia, con las complicaciones de acceder a algunos de los pases deseados o las decisiones de la organización con respecto a prensa, además de la cuesta arriba de preparar todo para esos días de festival, raro es el año en que no proclamo que el próximo año quizás sea un buen momento para descansar. Pero una vez sumergidos en la vorágine de “nuestro Sitges”, lo cierto es que comprendo algo que Montse no se cansa de decirme y demostrarme, que esta burbuja de tiempo, este plano de realidad nos es realmente imprescindible. Es nuestro viaje particular, nuestro Nunca Jamás, ese lugar en el que todo es posible.

Cuando indico “nuestro Sitges” lo hago de manera ambivalente. Por un lado porque tod@s y cada uno de los asistentes a esta torre de Babel del fantástico viven un festival totalmente diferente. Para un@s habrá tenido un nivel excelente, mientras que para otr@s la calidad de la selección cae, año tras año, en picado. Un@s habrán conseguido acceder a todas las películas que deseaban ver, mientras que otr@s se habrán quedado sin poder ver todas sus favoritas. Una película a un@s les parecerá la mejor y para otr@s será la peor. Mientras algun@s, cínicamente no dejarán de señalar las cintas que no les han agradado, raramente dirán de manera espontánea las que sí.

Y todo es verdad.

Y todo es mentira.

Todo dependerá del cristal con el cual se mira.

Pero de uno u otro modo todos, todos volvemos a Sitges. Pues todos tenemos “nuestro Sitges”. Estoy tentado a decir que este ha sido muy especial, pues de una manera u otra todos lo son por diferentes razones. Esta vez hemos vivido el festival y formado parte del mismo desde otras perspectivas: desde la butaca, desde luego, pero también desde el escenario y hasta desde la pantalla de la televisión. Asimismo, proyectos de los que cuales hemos formado parte, han visto la luz y con mucho éxito.

Así que, ¿de qué quejarse? si el mismo Carlos Pumares, gran ausencia este año, siempre se quejaba de todo, pero  admitía que el festival de Sitges era su favorito.

Pues eso.

En ese ente llamado Serendipia conviven dos personalidades muy diferentes en cuanto a la manera de ver y vivir el cine: la parte bella y más cultivada, analiza las imágenes en su mente de manera fría; mientras que para la parte más tosca del ente, el cine es pura evasión a otros mundos y todo lo relacionado con él pura magia. Ese es el que colecciona películas y material cinematográfico, trayendo al festival libros y carátulas para que se las firmen los actores y directores que se va encontrando, de manera casual, por el camino. Ha aprendido que esa es tan solo una de las partes de “su Sitges” y que no debe obsesionarse, dando prioridad a otras cosas, dejando así que sea el azar el que permita que “el milagro” suceda.

Y unas veces sucede, y otras no.

Uno tiende a sentirse herido por las pequeñas inquinas que se encuentra por el camino, en forma de individuos maleducados con un mal día que descargan su frustración en los demás, ya sea con una inesperada mirada de odio o un comentario desagradable sin motivo, que destaca precisamente por el contraste entre tantas y tantas personas, tantos y tantos amigos y compañeros que uno saluda día tras día. Una rueda que no cesa al incorporar a nuestro imaginario a nuevas personas que, como nosotros, viven su propio Sitges particular.

Voluntarios y sobre todo una seguridad amable, educada. No invasiva, que ha permitido que la mayoría de los equipos de las películas se movieran libremente por el festival y les permitieran, si así lo deseaban, relacionarse con todo aquel que se les acercaba para pedirles un autógrafo o una fotografía, pues todo forma parte del cine y, particularmente, de cada uno de los diferentes Sitges que se viven en el festival. Unos serán felices haciéndose una foto en un photocall como si fueran estrellas; otros con una firma o una foto con un director admirado; otros disfrutando de una rara película; o con la charla de un amigo compartiendo mantel; o con un paseo, continuamente interrumpido por el encuentro con viejos conocidos; o corriéndose una juerga nocturna; o con todo ello.

Pero para cada uno de ellos será “su” Sitges particular, ese al que, pase lo que pase, volverán cada año.

Avanzamos. Recordamos cuando el año anterior, durante la edición del festival, fueron endurecidas las medidas anti-covid con lo que los bares y restaurantes tuvieron que cerrar. Aquello dejó una imagen triste y desolada en algunas zonas de Sitges, como reflejamos en nuestro artículo. En esta edición, muy al contrario, durante el segundo fin de semana el Procicat suavizó las medidas sanitarias permitiendo el 100% del aforo en los cines, razón que facilitó que se añadiera una sesión doble la noche del sábado al domingo en el Auditorio. Ahora, la esperanza es que la edición número 55 del Festival de Sitges sea la de la vuelta a la normalidad. A vernos las caras. A respirar y sonreir en los cines.

PALMARÉS SITGES 2021

SECCIÓ OFICIAL FANTÀSTIC A COMPETICIÓ / SECCIÓN OFICIAL FANTÀSTIC A COMPETICIÓN / OFFICIAL FANTASTIC SECTION IN COMPETITION

Millor pel·lícula / Mejor película / Best Feature Lenght Film
Lamb(Valdimar Johánnsson)

Premi especial del jurat / Premio especial del jurado / Special Jury Prize
After Blue (Bertrand Mandico)

Millor direcció / Mejor dirección / Best Direction
(sponsored by Moritz)
Justin Kurzel (Nitram)

Menció a pel·lícula / Mención a película / Mention to Feature Lenght
The Innocents(Eskil Vogt)

Menció especial a òpera prima / Mención especial a ópera prima / Mention to
Ex-aequo:
The Blazing World(Carlson Young)
The Execution (Lado Kvataniya)

Millor interpretació masculina / Mejor interpretación masculina / Best Actor
(sponsored by Vilamòbil)
Ex-aequo:
Caleb Landry Jones (Nitram)
Franz Rogowski (Luzifer)

Millor interpretació femenina / Mejor interpretación femenina / Best Actress
(sponsored by So de Tardor)
Ex-aequo:
Noomi Rapace (Lamb)
Susanne Jensen (Luzifer)

Millor guió / Mejor guion / Best Screenplay
Silent Night(Camille Griffin)

Millors efectes especials / Mejores efectos especiales / Best Special Effects
(sponsored by Kelonik & Antaviana)
Mad God(Phil Tippett)

Millor fotografia / Mejor fotografía / Best Photography
(sponsored by Lavazza)
Limbo (Cheng Siu Keung)

Millor música / Mejor música / Best Music
(sponsored by Primavera Sound)
Daniele Luppi (Mona Lisa and the Blood Moon)

NOVES VISIONS

Millor pel·lícula / Mejor película / Best Feature Film
El apego (Valentín Javier Diment)

Menció a la pel·lícula / Mención a la película / Mention to the Film
2551.01 (Norbert Pfaffenbichler)

Millor direcció / Mejor dirección / Best Direction
Anita Rocha da Silveira (Medusa)

Millor curt Noves Visions Petit Format / Mejor corto Noves Visions Petit Format / Best Noves Visions Petit Format Short
Brutalia, Days of Labor(Manolis Mavris)

SITGES DOCUMENTA

Premi a la millor pel·lícula / Premio a la mejor película / Award Best Motion Picture
Inferno Rosso. Joe d’Amato Sulla Via Dell’Ecccesso (Manlio Gomarasca, Massimiliano Zanin)

BLOOD WINDOW

Premi Blood Window / Premio Blood Window / Blood Window Award
A nuvem rosa (Iuli Gerbase)

JURAT DE LA CRÍTICA / JURADO DE LA CRÍTICA / CRITICS’ JURY

Premi de la Crítica José Luis Guarner / Premio de la Crítica José Luis Guarner / José Luis Guarner Critic’s Award
Ex-aequo:
After Blue (Bertrand Mandico)
Mad God (Phil Tippett)

Premi Citizen Kane a la direcció revelació / Premio Citizen Kane a la dirección revelación / Citizen Kane Award for Best New Direction
Valdimar Johánnsson (Lamb)

Premi de la crítica al Millor curtmetratge de Secció Oficial / Premio de la crítica al Mejor cortometraje de Sección Oficial / Critics’ Award for Best Official Selection Short Film
(sponsored by Fotogramas)
Los huesos (Cristóbal León y Joaquín Cociña)

MÉLIÈS D’ARGENT

Premi al Millor Curtmetratge /Premio al Mejor Cortometraje / Award for Best Short Film
T’es morte Hélène(Michiel Blanchart)

Premi a la Millor Pel·lícula / Premio a la Mejor Película / Award for Best Feature Film
Tres (Juanjo Giménez)

MÉLIÈS D’OR

Mejor película para Censor(Prano Bailey-Bond)Mención especial para The Feast (Gwledd)(Lee Haven Jones)Mejor cortometraje para Last Dance (Danny Gibbons y Alex Scott)Mención especial para T’es morte Hélène (Michiel Blanchart)

Méliès Career Award (concedido por la Méliès International Festivals Federation (MIFF))

Lucile Hadzihalilovic 

CARNET JOVE

Premi Jurat Carnet Jove al millor llargmetratge de gènere fantàstic / Premio Jurado Carnet Jove al mejor largometraje de género fantástico / Carnet Jove Award for Best Fantasy Genre Feature Film
Mona Lisa and the Blood Moon (Ana Lily Amirpour)

Premi al millor llargmetratge d’animació / Premio al mejor largometraje de animación / Award for Best Animated Feature Film
Cryptozoo(Dash Shaw)

Premi al millor curtmetratge d’animació / Premio al mejor cortometraje de animación / Award for Best Animated Short Film
Other Half (Lina Kalcheva)

BRIGADOON

Premi Brigadoon Paul Naschy / Premio Brigadoon Paul Naschy / Paul Naschy Brigadoon Award
Unheimlich (Fabio Colonna)

Menció especial del Jurat / Mención especial del Jurado / Mention to
Viewers : 1 (Daigo Hariya y Yosuke Kobayashi)

PREMIS SGAE NOVA AUTORIA / PREMIOS SGAE NOVA AUTORIA / SGAES’ NOVA AUTORIA AWARDS

Millor direcció / Mejor dirección / Best Direction
La caída del vencejo (Gonzalo Quincoces)

Millor guió / Mejor guión / Best Screenplay
Goodnight Mr. Ted (Nicolas Solé)

Millor música original / Mejor música original / Best Original Music
Goodnight Mr. Ted (Gonçal Perales)

En total, 103.038 espectadores que confirman la recuperación tras el flojo, por el tema de todos conocido, 2020, un dato que supera ampliamente la asistencia del año pasado, con 59.315 espectadores, y se encamina hacia los números prepandémicos de 2019, año en que se contabilizaron 130.206 asistentes. En cuanto a las cifras, esta edición del certamen ha superado las 60.000 entradas vendidas, toda una celebración de retorno a la normalidad que casi se acerca al dato de 2019 (66.000 entradas) después de un 2020 en el cual se vendieron 34.000.El Festival, además, ya ha anunciado las fechas de su 55ª edición, que tendrá lugar del 6 al 16 de octubre de 2022 y que celebrará el 40º aniversario de grandes hitos del cine de género como Tron (Steven Lisberger, 1982), La cosa (John Carpenter, 1982) y Conan el Bárbaro (John Milius, 1982).

 

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Diario de Serendipia en Sitges 2021: Remontando la pandemia. Décima cápsula y Coda

23 noviembre 2021 Deja un comentario

Y llega la última jornada. Y lo cierto es que el cansancio ya -casi- puede con Serendipia. No va a ser un día maratoniano, tan solo tres películas. Si ayer nos despedíamos por todo lo alto del cine Prado hasta el próximo año (el Retiro no lo hemos pisado en esta edición), este será el día en que lo hagamos del Tramontana, donde hemos visto 22 películas de las 40 del total. 

Fotos: Serendipia

El último madrugón del festival y con una película que, a priori, promete ser la más divertida y loca del festival, pues, ¿Qué puede fallar con la unión del director japonés Sino Sono y del actor Nicolas Cage? ¿Qué puede salir mal? Pues las expectativas en gran medida fallaron, pues Prisoners of the Ghostland (2021), última película de Sono, no ha gustado a casi nadie. Y eso que es una locura protagonizada por Cage embutido en cuero en un ciudad del siglo XXI habitada por  samuráis, vaqueros y geishas. Pero esta versión de Mad Max salida de la pluma de un loco no llega a convencer, a pesar de contar con la participación de la actriz argelina Sofia Bouteda, a la que pudimos ver como letal agente en Kingsman: Servicio Secreto (Kingsman: The Secret Service, Matthew Vaughn, 2014); como princesa resucitada en La momia (The Mummy, Alex Kurtzman, 2017) o en Climax, de Gaspar Noé, donde también tuvo ocasión de exhibir sus habilidades con la danza; y que es lo mejor de este show. Poderosa en el plano de lo visual, esta parodia casi onírica de las películas de acción, no termina de cocinar bien sus dosis de excentricidad y acaba desperdiciando su potencial. Su calificación en Rotten Tomatoes demuestra que, la cierta indulgencia con la que la ha visto la crítica, no ha calado en el público (6,3 de los profesionales, frente al 2,5 de la audiencia) y esto es casi lo peor que podía pasarle a un filme de estas características.

Tides (Tim Fehlbaum, 2021) fue la siguiente propuesta y última que vimos dentro de la sección Oficial Fantàstic Competició, una correcta producción germano-suiza de ciencia-ficción de cariz ecologista ambientada en un escenario postapocalíptico, con todo lo cual no extrañará a nadie que esté producida por Roland Emmerich. Una nave retorna a la Tierra para comprobar si vuelve a ser habitable, pues a causa de las guerras, las pandemias y el cambio climático ha habido un éxodo de la especie hacia el exoplaneta Kepler-209, cuya atmósfera ha vuelto estériles a sus habitantes. Antes de ellos hubo una nave avanzadilla, la Misión Ulises, con la que se perdió el contacto. En ella iba el padre de Blake, la protagonista (Nora Arnezeder), que embarcó en esta segunda misión con la esperanza de encontrarlo. Con una primera parte muy similar a El planeta de los simios (hablo de la original de 1969), incluidos los humanos asilvestrados, la intriga se va desarrollando y, naturalmente, Blake, única superviviente de la nave descubrirá lo que pasó con los integrantes de la Ulises y con su padre. También por primera vez le vendrá el periodo. Conclusión: no tenemos remedio pero… siempre hay una pequeña  esperanza (al menos en la ficción). Todo en una interesante cinta que, con su crítica social y su denuncia del espíritu del colonialismo, se alzó con cuatro estatuillas en los Premios del cine alemán, incluyendo el de banda sonora. La película de Fehlbaum se estrenará comercialmente con el título internacional en inglés, The Colony. Ya nos pilló con todo el agotamiento del mundo pero lo cierto es que gana enteros cuando la recordamos con perspectiva, lo que no obsta para concluir que con un poco más de pulso y mejor calibrado de la intriga podría haber salido de la medianía en la que se instala. Tides fue proyectada en compañía de un cortometraje de lujo, Mask of Evil Apparition, de Alex Proyas, que parecía más el teaser de una producción de más envergadura. En sus veinte densos minutos de duración puede apreciarse todo el imaginario del mejor Proyas (clones, gemelos, ciudad nocturna, art decó…), que también es guionista del proyecto.

Para esta jornada tan solo nos quedaba una sesión, el pase de prensa de la cinta de clausura, The Green Knight (David Lowery, 2021), que pudimos ver en Tramontana junto al cortometraje Goya 3 de mayo (2021), de Carlos Saura, el cual en 14 minutos recrea los antecedentes que culminan en la escena que inspiró a Goya una de sus grandes obras maestras. De factura impecable, nos pareció mucho más interesante su inicio, donde la imagen nos sumerge en el horror por medio de los grabados que componen la serie Los desastres de la guerra, que el cuerpo del relato, pues no logra transmitir el dramatismo de la pintura de Goya. Y de un viaje a la historia de nuestras tierras, por arte de magia de la sala oscura, descendimos sobre un lienzo cinematográfico pintado por David Lowery en el que nos remontamos todavía más en la historia, hasta la Edad Media, pues The Green Night es la última adaptación del romance artúrico Sir Gawain y el Caballero Verde, un poema que representa la típica fábula de tentación de la literatura medieval en la que el héroe es sometido una serie de adversidades reunidas como exámenes o «pruebas» de la virtud moral. El director de A Ghost Story (2017) despoja al relato de cualquier asomo de ropaje épico, baja a los héroes de Camelot a pie de calle con una clara voluntad desmitificadora, pero, lejos de convertirlo en un sumario prosaico, lo dota de la poesía que se desprende de lo usual si se tiene la suficiente sensibilidad para verlo. Descender a la altura de lo diario lo que la tradición ha enaltecido como maravilloso es una carta que ya jugaba en su obra de 2017 (y que agradó más a Serendipia que la que nos ocupa), Lowery parece explorar nuestro mundo desacralizado a través de los tropos de lo fantástico, haciendo que sumen del mismo lado fuerzas contrapuestas como pueden ser la voluntad de desmitificar y la capacidad de crear nuevas fantasías, en su obra nos encontramos con la magia que permanece después de eliminar lo insólito y extra-ordinario. Podría decirse que hace humano al misterio. Su Sir Gawain es el héroe menos heroico que nos ha regalado cualquier viaje a lo artúrico, la cinta de Lowery se aparta de las adaptaciones hollywoodienses, pero también, en buena medida, de la Excalibur de John Boorman con la que buena parte de la crítica se empeña en ponerla en relación, cuando lo único que comparten es ser dos tratamientos autorales del material legendario. Lowery cuestiona la idealización en una medida en que Boorman no lo hace, reduce lo feérico a lo imprescindible y el peso de su relato lo tiene la condición trivial del sobrino de Arturo, movido más por lo que otros esperan, que por su propia aspiración. Dev Patel encarna a un Gawain aniñado que obra conforme se espera de un aspirante a caballero de la mesa redonda, más que bravura lo que posee es una inocente inconsciencia y un gran afán por agradar, cuando concluya su viaje y haya madurado, ante la visión de lo que le deparará el futuro, declinará la oferta del destino y preferirá acabar antes de haber empezado. El viaje de aprendizaje y prueba es ocasión para que fluya lo sobrenatural, Lowery no lo escatima, pero parece más interesado en dejar ver la parte más humana (más mísera, si se quiere) que la leyenda ocultaba o, mejor dicho, sublimaba. El director de Milwaukee no es un materialista, pero sí que busca ser naturalista, lo imaginario es subsidiario de lo real en su obra, poblada esta por antihéroes con una pátina de melancolía que les confiere cierta magia. La magia de lo humano florece sirviéndose de lo feérico para dejarlo atrás, en un mundo que siempre tiene carácter pictórico gracias a la estrecha colaboración de Andrew Droz en la dirección de fotografía de sus dos últimos filmes. La cadencia narrativa de Lowery no es plato de gusto para todos los paladares, pero, sin duda, el suyo es uno de los nombres que habrá de ser tenido en cuenta cuando hablemos del fantástico del S. XXI (dejemos, lo de si es elevado o no, para otros más amantes de las etiquetas).

Serendipia se recogió con buen sabor de boca, mientras iba tropezándose con las opiniones más dispares sobre lo que acababa de ver. Y es que Sitges es más que un certamen, hay casi tantos festivales personales como espectadores convoca.

CODA: Diario de Serendipia en Sitges 2021: Remontando la pandemia. Décima cápsula y 1/2

El domingo es un día habitualmente dedicado a maratones cinéfagos para el público en general pero, en tiempos de pandemia, ha pasado a ser una jornada más tranquila con sesiones individuales de películas ya ofrecidas durante el festival. Es una jornada que Serendipia suele emplear en dormir y en preparar el equipaje para la vuelta, pero este año se ofreció la película sorpresa en domingo, lo que daba opción a verla como prensa, así que nos apuntamos. Además, tocaba degustar un menú especial en Aigüadolç con unas personas también muy especiales, Quim Crusellas y Víctor. Y vaya si el menú fue especial, ¡basta ver la foto que lo inmortaliza!  Previamente al ágape, en l’Auditori, Serendipia tuvo ocasión de hablar con Emilio Gutiérrez Caba, toda una institución del cine y teatro español que forma parte de la memoria sentimental de varias generaciones y que, además, es un señor muy amable y muy cercano que se fue a casa con un merecidísimo Premio Nosferatu. También nos topamos, y no nos lo esperábamos, con Carlos Saura, a quien pudimos saludar brevemente y que recibió el Gran Premio Honorífico.

Y con el estómago agradecido nos aventuramos a ver la película sorpresa, con la que nos despediríamos este año, de l’Auditori y del festival. Dashcam (2021) es una divertida propuesta de Rob Savage, el director que, hasta ahora, ha sacado más rédito de la pandemia con Host, una fantasía de terror que se desarrolla durante una llamada de Zoom entre varios amigos que, como esta, tan solo puede entenderse en este marco que estamos viviendo. Tanto una como otra, representan un tipo de cine, de carácter totalmente independiente, que conecta más con el público joven, pues le habla en el mismo idioma que ellos utilizan a diario. En esta ocasión el director llevará al espectador a una emisión en streaming protagonizada por una negacionista del Covid y activista pro-Trump que se encontrará cara a cara con el terror y que, en lugar de huir despavoridamente, se meterá de cabeza en el mismo. Con mucho de comedia, servida por la protagonista, Annie Hardy, y por supuestos espectadores que van dejando comentarios en vivo durante la sesión, Dahscam es terror del siglo XXI realizado con los medios y el lenguaje del siglo XXI, y cuenta con el apoyo de Blumhouse, compañía que ha sabido ver el filón y con la que Savage ha firmado un contrato para tres películas.

Finalizada la proyección, tanto el director como su alocada protagonista saltaron a la arena de l’Auditori para hacer frente a una sesión de Q+A, pero Serendipia optó por retirarse y recogerse. Habían sido 10 días sumergidos en una burbuja de cine con muchos amigos dentro, y ya era hora de ir volviendo a la (cruda) realidad.

Tan solo quedan las conclusiones de esta edición y el Palmarés, pero serán en la próxima, y última, entrada en el Diario de Serendipia en Sitges 2021.

Categorías: Sitges Film Festival

Diario de Serendipia en Sitges 2021: Remontando la pandemia. Novena cápsula

22 noviembre 2021 Deja un comentario

Ante el ya inevitable agotamiento vamos recortando pases. Así que la jornada será más llevadera, todo lo cual no evitará que Serendipia vuelva a pegarse el eterno madrugón para asistir a la sesión despertador, nunca mejor dicho, de l’Auditori. También se meterá entre pecho y espalda un documental en Tramontana y terminará el día con una estupenda visita (menú incluido) al centro de Sitges para ver la materialización de un milagro cinematográfico ¿No creen en los milagros? Pues eso es porque no han estado en el Festival de Sitges.

Fotos: Serendipia

El que Nitram, la película con la que Serendipia iniciaba las 8.30 su jornada cinéfaga estuviera firmada por el australiano Justin Kurzel, responsable de la tan dura como recomendable Snowtown (2011), fue suficiente para que fuéramos con las expectativas muy altas. Unas expectativas que, no tan solo se cumplieron, también se superaron. Nitram es un relato sórdido y abocado hacia la fatalidad sobre dos desheredados que unen sus destinos. El joven Nitram (un gran Caleb Landry Jones), cuyos problemas mentales le convierten en un niño grande, presa de peligrosos ataques de ira, vive con su padre y su dominante madre (una excelente Judy Davis). Pero todo cambiará cuando conozca a Helen (Essie Davis), una artista desequilibrada y retirada que vive sola con su fortuna. Cuando, jugando con el volante, Nitram causa un accidente en el que Helen pierde la vida, algo terminará de explotar en su perturbada mente y comenzará a gastar el dinero heredado en armas de fuego. Kurzel, que ya había demostrado que sabía retratar la violencia y brutalidad con Snowtown, vuelve a un escenario similar, aunque en este caso no se detenga en los resultados, sino más en los antecedentes que pueden hacer que se desate una tragedia como la que le sirvió de inspiración, la matanza de Port Arthur, en Tasmania, en el año 1996.  Eludir la masacre, de la que tendremos noticia por su repercusión en los informativos, en una elegante elipsis que deja en suspensión el acto de Martin Bryant para llevarnos a un plano de la madre que ha abandonado el salón donde los noticieros vomitan los hechos, no hacerla explícita, permite a Kurzel tratar al monstruo desde su faceta humana, en un logrado esfuerzo por comprenderle. El tratamiento del personaje, junto a la matizada interpretación de Landry, hace nacer en nosotros una empatía malsana, la misma que sintieron los primeros espectadores de Psicosis por Norman Bates, porque estamos esperando que el joven rompa la asfixia cotidiana, que estalle la olla a presión de su desarrollo en un entorno que lo aparca por no ser como todos. Nada escapa a este análisis de lo atroz, todas las variables son puestas en la balanza -su discapacidad mental, la influencia de un padre depresivo y una madre rígida, el ‘bullying’ del que fue objeto, el fácil acceso a las armas de fuego- para que cada cual asuma sus propias responsabilidades, sin que ello suponga considerar a Nitram como víctima. La matanza fue la obra de una persona que tomó voluntariamente la decisión, pero Kurzel susurra (que no grita) que el pecado colectivo también existe. Esta pieza, casi ensayística, que se detiene en los detalles que inauguran los interrogantes sobre la gestación de la brutalidad, fue considerada por Variety como uno de los mejores ejemplos, hasta la fecha, de cine sobre tiroteos de masas.

Y vuelta al Tramontana, en esta ocasión para ver un documental, The Taking (2021), realizado por Alexandre O. Philippe, notable director de documentales sobre cine que ha ofrecido perlas como 78/52: la escena que cambió el cine (78/52, 2017) centrado en la escena de la ducha de Psicosis; Memory: The Origins of Alien (2019) o Leap of Faith: William Friedkin on The Exorcist (2019). En esta ocasión analiza un escenario, el iconográfico Monument Valley, lugar que tanto fascinó a John Ford y otros cineastas. Y lo hace recurriendo a valiosas escenas de archivo de numerosos westerns, así como imágenes publicitarias, mezclando todo con la historia del pueblo Navajo, tribu que habitaba ese lugar, que terminó siendo símbolo del sueño americano tras desposeer de sus tierras a sus habitantes originales y convertirlos en una parodia de sí mismos como figurantes en aquellos mismos westerns. Con declaraciones en off de especialistas como Jennifer Nez Denetdale, Liza Black o Christopher Frayling, el director evita mostrar bustos parlantes, con excepción de unas, tan reveladoras como divertidas, imágenes de archivo pertenecientes a una entrevista con John Ford. Espectacular y emocionante, The Taking es un viaje, siempre necesario, a la historia del cine.

Y esa misma tarde Serendipia tenía otra cita, también histórica, pues iba a exhumarse un film, hasta ahora perdido,  de José Mojica Marins: A Praga.

Ese mediodía decidimos comer en el pueblo para estar cerca del Prado, donde dentro de la sección Seven Chances, tendría lugar la proyección del film de Mojica Marins. Y desde la terraza de un restaurante Serendipia divisó la inconfundible figura de nuestro amigo, el crítico y analista cinematográfico Carles Mir, que se sentó con nosotros presto a tomar unos vinos, enriqueciendo la comida con su divertida y cultivada charla. Le comentamos lo de A Praga y, no solo se suma entusiasmado a venir a verla, si no que nos cuenta que entrevistó a José Mojica Marins durante la segunda visita que hizo al Festival de Sitges, al que acudió en compañía de Satán, un imponente guardaespaldas negro.

Basada en el cómic (quadrinhos en Brasil) A Praga, escrito por el habitual Francisco Lucchetti y publicado en el segundo número de O Estranho Mundo de Zé do Caixão, la historia se adaptó como guion y pasó a formar parte de la serie televisiva Além, Muito Além do Além (Más allá, mucho más allá), que presentaba Zé Do Caixâo, el ya mítico personaje creado por Mojica Marins, pero este metraje se perdió en un incendio. En 1980, el director brasileño volvió a rodar A Praga en Super-8, con muy pocos actores y un nivel de producción del todo humilde, que quedó inconclusa y largamente olvidada en los estantes debido a la falta de recursos para terminarla. Durante los preparativos de una gran retrospectiva de la obra de Mojica Marins que tuvo lugar en São Paulo y Brasil en 2007, para la que se realizaron nuevas copias en 35 mm de no menos de 25 películas, Mojica y el productor Eugenio Puppo encontraron los rollos de A Praga y decidieron terminarla. Puppo armó la materia prima (con ayuda del cómic, pues no había guion que seguir para realizar el montaje); filmó escenas adicionales en digital con Mojica Marins caracterizado como Zé Do Caixâo, así como un epílogo, supervisado por el propio Mojica; recuperó el audio mediante lectura de labios; editó y supervisó el proceso de postproducción; y el resultado, que tenía una duración de 51 minutos, se mostró durante la retrospectiva. Puppo y Mojica intentaron transferir el resultado a 35 mm. para que pudiera ser exhibido en festivales internacionales, pero hubo que esperar hasta 2020 y a que Heco Produções se encargara de digitalizar A Praga en 4K, gracias a lo cual ha podido ser disfrutada desde la pantalla del cine Prado. El filme, que fue presentado por uno de sus hijos, Crounel Marins, cuenta como una joven pareja, Juvenal y Mariana, se van de viaje y Juvenal, sin saberlo, toma algunas fotos de una extraña anciana (interpretada por Wanda Kosmo) que finalmente se revela como una bruja siniestra. La bruja lanza una maldición sobre el hombre por fotografiarla. Una herida comienza a abrirse en su costado que tiene un hambre insaciable de carne cruda que debe alimentar constantemente para detener el dolor ardiente. Ante la perplejidad de sus médicos, la herida de Juvenal se vuelve más hambrienta a medida que avanza la película, el hombre delira y asesina a su esposa, pensando que ella lo dejará por su condición. Luego, la bruja reaparece y lo convence de que alimente la herida con el cuerpo de su esposa muerta. Meses después, la policía descubre los esqueletos separados de la pareja uno al lado del otro. Se ofreció conjuntamente con el documental A Ultima Praga de Mojica, donde en poco más de 20 minutos, se narra todo el proceso de recuperación de la película.

Tras el pase, Crounel Marins habló con todos nosotros, incluido Carles Mir, que le contó el encuentro que tuvo con su padre. Todo en una velada irrepetible, un auténtico milagro cinematográfico que consiguió traer de nuevo, al año de su fallecimiento, a José Mojica Marins y a su alter ego, Zé do Caixâo, al Festival de Sitges. Y con honores póstumos de estreno.

Finalmente, y aunque la vimos con posterioridad por cortesía de su director, Javi Camino, este día también se estrenó en Sitges Jacinto, una producción gallega -y en gallego- protagonizada por Jacinto (Pedro Brandariz Gómez), un aniñado gigante que no habla y que vive en Mallou, una sombría aldea abandonada entre las montañas, con sus padres y su amigo, el cerdo Martiño. Rodeado de películas de terror en VHS e inmerso en la religión, su mundo cambiará con la llegada de dos nuevas vecinas amantes del heavy metal extremo -y satánico- (Anxela Baltar y Corinna Rautenberg). Jacinto sospecha que las recién llegadas son vampiras que planean acabar con su familia, así que para impedirlo pondrá en práctica todo lo que ha aprendido viendo pelis de terror. También contará con los nefastos consejos de su hermano Millán (Juanma Buiturón), más interesado en sacar provecho de las tierras de sus padres. Como es de suponer, Jacinto reventará en una explosión final bañada de sangre. Todo en una auténtica obra de orfebrería, bien realizada y cuidada al extremo, todo lo cual no evita que se cuele un indiscreto micrófono en plano que, seguro, se habrá convertido en la peor pesadilla de su director y guionista, Javi Camino, pero que para nada empaña el buen resultado de Jacinto. La película, basada en parte en los crímenes sucedidos en Santoalla (Petín, Ourense), es también para su director, «un relato de mi infancia y adolescencia. El mundo de Jacinto es muy parecido a mi propia infancia. Sus pasatiempos son cosas que yo mismo solía hacer de pequeño: disfrazarme en carnaval y pedir puerta a puerta, hacer tirachinas, enterrar tesoros, ver películas VHS… Pese a estar encarnado por un hombre de 50 años no deja de ser un niño, dependiente de sus padres, como todos lo fuimos en algún momento«. Una perfecta cinta festivalera, que a pesar de haberse realizado con pocos medios, hubiera merecido, en nuestra opinión, competir en Oficial Fantàstic Competició, donde si lo hicieron otras producciones españolas con más presupuesto y pretensiones, amparadas por potentes  distribuidoras, pero cuyos resultados dejaban mucho que desear. Apostar por nuevos talentos. Descubrir. Y Jacinto fue celebrada por los espectadores de Sitges, que le otorgaron el premio Panorama Fantástico. Ha iniciado una larga ronda por diversos festivales en los cuales la acogida ha seguido siendo más que favorable.

Categorías: Sitges Film Festival

Diario de Serendipia en Sitges 2021: Remontando la pandemia. Octava cápsula

19 noviembre 2021 Deja un comentario

Sin llegar a convencer del todo a Serendipia, que en cuestiones de los años sesenta y su iconografía pop es muy exigente, ese día vería una de las películas que más le gustó y que será, sin lugar a duda, uno de los bombazos de estas Navidades, pero también otras como Agnes de Mickey Reece, The Blazing World de Carlson Young y Here Before de la irlandesa Stacey Gregg.

Fotos: Serendipia

Última noche en el Soho (Edgar Wright, 2021) es una delicia que, sin duda, será una de las bombas de estas fiestas. La gran mayoría de medios han situado la acción en el Londres del Swinging London, lo que es un error, pues si bien se desarrolla en aquella época, refleja otro tipo de ambiente nocturno, muy alejado del brillo kaleidoscópico y Pop-Art que tanto idolatran sus protagonistas Eloise (Thomasin McKenzie) y Sandie (Anya Taylor-Joy), la fantasmal presencia del pasado que, al igual que Eloise, fue a Londres buscando brillo y encontró sombras. Mediante la fantasmal presencia de Sandie será como Eloise aprenderá que no puede idealizar el pasado dejándose cegar tan solo por su resplandor, pues tras él conviven las tinieblas. El Londres que muestra el film es un fiel reflejo del original, que tuvo en el Soho uno de sus epicentros, con locales como el Marquee, Ronnie Scott’s y Flamingo (cuya marquesina se ve fugazmente), frecuentados por los Mods con sus brillantes Scooters y los grupos que, más tarde, formarían parte de todo aquel universo, bastante comercial y ya cercano al mainstream, que dio en llamarse Swinging London. Un universo que convivía con el de cabarets y locales de mala nota que protagoniza Última noche en el Soho, frecuentados por prostitutas, clientes con sus chulos,  repletos de vicio y sueños rotos y en los que los ecos del Pop-Art y de ese Londres joven y moderno estaban totalmente ausentes. De ahí que la banda sonora se nutra, principalmente, de canciones standards de la época pero musicalmente mainstream (Cilla Black, Dusty Springfield o Sandie Shaw), dejando a los grandes grupos como The Kinks o The Who de fondo, como la música de la idealizada época que escucha la protagonista en sus modernos auriculares. Dejando aparte este error, del que no es culpable el director, sino la costumbre de algunos periodistas de repetir como loros lo que leen, Última noche en el Soho es una película impecablemente ambientada y muy bien narrada. Una fantasía situada entre dos épocas que terminarán mezclándose. Plena de intriga, horror, sordidez, bajos fondos, denuncia social y también  glamour, mucho glamour personalizado en la estupenda Anya Taylor-Joy, que se atreve incluso a interpretar una sobrecogedora versión de Downtown, el éxito de Petula Clark.

Edgar Wright, viejo conocido del aficionado gracias a estupendas comedias como Zombies Party (2004) y Bienvenidos al fin del mundo (The World’s End, 2013), o la más reciente, Baby Driver (2017), ha tenido el detalle de contar con dos de las estrellas originales de aquel Swinging London de los sesenta, los actores Terence Stamp y Diana Rigg, recientemente fallecida y que como la agente Emma Peel revolucionó, entre 1965 y 1968, el mundo de la televisión junto a Patrick Macnee con la serie Los Vengadores (The Avengers).  A ella ha dedicado Edgar Wright el que es el último trabajo de la actriz,  que con su papel en Última noche en el Soho, se despide por todo lo alto.

Por cierto, gracias a la banda sonora del filme, muchos se enteraron (y se enterarán) de que Eloise, el gran (y casi único) éxito del fallecido cantante Tino Casal, era un versión de un tema popularizado por el olvidado Barry Ryan.

A continuación Serendipia deseaba haber visto We Need to do Something (Sean King O’Grady, 2021), pero, por lo que ya a estas alturas se pueden suponer, no fue posible, así que nos tomamos un merecido respiro y después… ¿Qué sería de Serendipia sin Noves Visions? Pues de cabeza al Tramontana para ver Agnes de Mickey Reece, cineasta independiente con base en Oklahoma City que ha dirigido más de veinte películas en la última década, esta su última obra concluida se anunciaba como película con monjas poseídas, sacrílego subgénero que agrada y reconforta mucho a Serendipia. Y lo que nos encontramos fue una cinta en la que una monja deberá ser exorcizada por un cura acusado de pederastia y un neófito, no ordenado todavía, como ayudante. Como no resulta eficaz su práctica, habrá de hacerse un segundo exorcismo para el que acudirán a un mediático sanador que la iglesia no reconoce como propio. Pese a lo espectacular de sus modos, también fracasará y todo acaba en un festival guiñolesco. Una trama con gotas de comedia que, de forma desconcertante gira radicalmente, tras un marcado intermedio, convirtiéndose en otra película. Y en una película muy extraña que supondrá una original reflexión sobre la crisis de fe. Extravagante e inusitada, dejó al público perplejo sin saber muy bien cómo debía posicionarse ante lo visto. Pero es indudable que hay algo que Reece pone en juego: la ausencia de respuestas definitivas. Como también hay que admitir que esta aproximación al subgénero de monjas poseídas supone un punto de vista rompedor que desancora los tópicos.

La extrañeza siguió flotando en el ambiente del Tramontana con la inclasificable The Blazing World (Carlson Young, 2021), perteneciente a la sección Oficial Fantàstic Competició y que, en realidad, sí supone una nueva visión de lo fantástico. Basado libremente en uno de los títulos fundacionales de la ciencia-ficción, de idéntico nombre (casi), escrito por Margaret Cavendish, la única obra conocida de ficción utópica escrita por una mujer en el siglo XVII, el mundo abrasador de Carlson Young, se erige como una creación visual rabiosamente personal  que hizo evocar a Serendipia aquel The Love Witch (2016) de Anna Biller, no porque guarden relación temática o estilística alguna, sino porque en ambos casos nos encontramos ante la creación de un imaginario propio pintado desde la inspección de la mirada femenina sobre lo fantástico. La propia directora interpreta al personaje central, Margaret, que no ha podido olvidar el recuerdo de ver a su hermana ahogarse mientras sus padres tenían una brutal discusión. Recuerdo imborrable que la irá arrinconando, en el cuadrilátero de la vida, en la esquina de la locura y el suicidio en tentativa. Young podría haber elegido otro género para dar salida a este viaje por el duelo no resuelto, pero ha escogido el más querido para el público de Sitges y lo ha hecho de tal modo que, cuanto más se adentra su película en lo simbólico, en lo onírico, en lo fantástico, más esplendorosa luce, auspiciada como está por la mirada acuosa del gran Udo Kier. Una obertura de corte operístico da inicio a un desbordado relato que nunca (casi) elude el exceso, así, desde el minuto cero, sabremos que estamos ante una obra nacida de la osadía del primerizo que no impactará a todos por igual, ni llegara de la misma manera a cada cual. La crítica americana la recibió con uñas afiladas, el jurado del festival de esta edición, en cambio, lo haría con los brazos abiertos como podremos comprobar cuando comentemos el palmarés. El descaro con el que Young aborda este su primer trabajo no deja indiferente, pero los que logren conectar con la propuesta serán fascinados. La directora no parte de cero, este largo continúa al anterior trabajo en corto, y el cambio de metraje hace titubear al relato en el cuarto inicial que continúa al preludio, pero ya desde el segundo acto encontrará su tono y se enfilará sin  mirar atrás en una espiral que es guiada por su propia pretensión. Algunos la tildaron de inverosímil, cuando, en realidad, es una de las obras más coherentes consigo mismas que hemos podido ver en un debut. Como guionista, como directora y como actriz  principal, Young pone la directa y nos deja caer en un submundo, el de los terrores y dolores de la protagonista, que parece trenzado con los materiales del carrolliano país de las maravillas, porque cuando la cinta despega lo hace a modo de cuento de hadas pasado por la psicodelia más desenfrenada. Cielos rosas, cuartos fluorescentes, neblina verde y muchos colores vibrantes acompañan nuestra travesía hasta la catarsis del reencuentro y el final feliz, guiados por Udo Kier como maestro de ceremonias, un Virgilio enigmático que es en sí mismo epítome de la desmesura de la novel autora. No todo es bueno en The Blazing World, su escaso presupuesto se hace notar en la tosca factura de algunos de sus efectos y la directora no repara en regar la cinta con abundancia de ellos, cosa que puede llegar a sacarnos de la historia, pero hay una fuerza especial en esta inexperiencia audaz que le hace las veces de red que impide su precipitación al vacío. La fuerza creativa de Young, además, cuenta como respaldo con el acendrado trabajo de diseño de arte de Rodney Becker y el sabio pulso en la fotografía de Shane F. Kelly.

The Blazing World es una ocurrencia con todas las connotaciones positivas y negativas que pueda tener el término, pero es una ingeniosidad con un marcado sabor de promesa. Solo el tiempo lo dirá.

Nos despediríamos de la jornada con Here Before (2021) de la irlandesa Stacey Gregg, quien, tras diez años de experiencia en televisión, debuta en cine con otro acercamiento a la resolución del duelo, al drama de la pérdida de una hija de corta edad, narrado en clave de thriller psicológico. Andrea Riseborough, la impasible asesina protagonista de Possessor (2020, Brandon Cronemberg), interpretará aquí, con su habitual solvencia, a Laura, una ama de casa de sonrisa nostálgica que está afrontando con su mejor disposición la muerte en accidente de tráfico de su pequeña. Los días se han ido doblegando a su firme voluntad y mantiene una vida apacible junto a su esposo y su hijo mayor, pero la llegada de nuevos vecinos pondrá a prueba su resistencia. Laura observa con estupor a Megan, la hija de los recién llegados, una niña de diez años con un parecido más que razonable a su propia infante. La conducta de Megan, además, alimenta su sugestión, nueva en el barrio, parece recordar situaciones y objetos referidos a la desaparecida. Here Before juega a la ambivalencia, la figuración sobrenatural planea como un murmullo sobre la trama, pero sin presentarla nunca como hipótesis principal, lo enigmático podría ser solo una proyección de los frustrados deseos de la protagonista. El relato reservará muchas sorpresas y giros al espectador más allá de esa naciente creencia y obsesión de la madre. Con la lluviosa ciudad de Belfast como telón de fondo, la bien construida intriga juega al despiste y Gregg sabe muy bien cuándo introducir el viraje definitivo que asombrará, casi desencantará, al público al devolverlo a la cruda realidad y a las explicaciones humanas, demasiado humanas. Si no excelente, sí es un debut notable, una opera prima que sabe navegar en el suspense y dejar por momentos la expectativa de lo fantástico como explicación, sin duda esto es lo que ha motivado su inclusión en la competición oficial de esta edición. De nuevo nos movemos por las orillas del género y de nuevo insinuamos que la delimitación del fantástico y del terror es una materia apasionante.

Y ya Serendipia inicia la recta final de un festival que todavía le tenía reservadas varias sorpresas, pero antes les dejamos con el penúltimo video-montaje de nuestro amigo Quim Crusellas, que tras una divertida introducción, les dará oportunidad de sumergirse en los entresijos del festival, incluida algunas imágenes de la presentación de El aullido del diablo, en la que pueden ver al que esto les está contando junto a Ángel Sala y Sergio Molina. Todo lo cual fue un lujo para Serendipia.

Categorías: Sitges Film Festival

Diario de Serendipia en Sitges 2021: Remontando la pandemia. Séptima cápsula

18 noviembre 2021 Deja un comentario

Una nueva jornada en la que el cansancio comienza a hacer mella en Serendipia. Las películas se van editando en duración y sus argumentos mezclándose debido al sueño y las breves cabezaditas que van produciéndose… Pero afortunadamente encontramos un momento para cargar las baterías dando un paseo por la costa y visitando la King Kong Area:

Fotos: Serendipia

INCISO

KING-KONG AREA / COLECCIÓN FANTATERROR  (Ediciones Setanta-Nou)

A la zona de tiendas que hay en la linea de costa, se les ha añadido otra de actividades y bares que consiguen empalmar con la zona de tracker food, consiguiendo un paseo temático y en cierto modo un oasis entre cines que tuvo gran afluencia de público. Nuestra intención primera, eso sí, era poder ir a nuestro establecimiento preferido del festival, El Setanta-Nou, lugar de parada obligatoria para todo asistente y fan del cine de terror, pues allí podrá comprar a un precio sin competencia, lo mejor del cine fantástico y de terror en formato DVD y Blu-ray. Y ya habían llegado nuestros niños, bueno, nuestros en parte, pues Serendipia ha puesto su granito de arena para que salgan lo mejor posible, pues se trata de las primeras cuatro entregas de la Colección Fantaterror, bajo cuyo genérico nombre se reúne lo mejor del cine fantástico y de terror español en una necesaria iniciativa editada por el propio sello de la tienda, Ediciones Setanta-Nou. Cuatro titulazos cuyas ediciones especiales (con póster, libreto y slipcover) fueron las estrellas del festival: Pánico en el Transiberiano (Eugenio Martín, 1972), No profanar el sueño de los muertos (Jordi Grau, 1974), Ceremonia Sangrienta (Jordi Grau, 1973) y Misterio en la isla de los monstruos (Juan Piquer Simón, 1981). Cuidadas ediciones, con numerosos extras y con ánimo de continuidad, pues pendiente quedó El bosque del lobo (Pedro Olea, 1970) por falta de dos tempranos cortometrajes del director, El parque de juegos (1962) y Anabel (1963), ambos de temática fantástica, con los que Olea se graduó como director en la Escuela Oficial de Cinematografía (EOC) y que quedaron pendientes de servir por la Filmoteca Española. Además, durante la presentación de El aullido del diablo, Sergio Molina anunció parte de los nuevos once títulos de su padre con los que la colección proseguirá su andadura durante el próximo año. Así que se abre un 2022 interesante, seguro, para los amantes del cine de terror español y en particular los de Paul Naschy. También se presentaron, fuera de colección, dos estupendas ediciones en Blu-ray: una en formato doble dedicada a Elio Quiroga con No-Do (2009) y La hora fría (2006), y Amigo, la fenomenal opera prima de Óscar Martín, directores ambos presentes durante el festival, Óscar brevemente, pues partía hacia otro situado en los Cárpatos (no es broma) y Elio como jurado de la sección Noves Visions.

EXPOSICIÓN: LOS MUNDOS DE WALDEMAR DANINSKY

En un año dedicado a la bestia interior, con el hombre lobo en cabeza, no podía faltar un homenaje a nuestro licántropo particular y el más prolífico en el cine, Paul Naschy. Así, además de poder disfrutar en pantalla grande de El retorno del hombre lobo (Jacinto Molina, 1981), dentro de la retrospectiva dedicada a las películas del mito y con la actriz Silvia Aguilar como presentadora de lujo, se le sumó la exposición Los mundos de Waldemar Daninsky, comisariada por Diego López y que contó con material de su propia colección, así como perlas pertenecientes al propio Naschy, dentaduras, la katana original del film coproducido con Japón, La bestia y la espada mágica (Jacinto Molina, 1983) y guiones, entre ellos el santo grial, el manuscrito de Satanás contra el hombre lobo, que dio pie a La noche de Walpurgis (León Klimovsky, 1971). También había unas estupendas fotografías originales que muestran el proceso de maquillaje utilizado en La maldición de la bestia (Miguel Iglesias Bonns, 1975), realizadas por el artista Pierrot, publicadas en su revista, Vudú y aportadas por su biógrafo y autor del documental, Lentejuelas de sangre (2012), Eduardo Gión. Todo en una pequeña gran exposición de la que compartimos un video realizado y publicado por el canal de YouTube Los mundos de ENORM. Hemos intentado comunicarnos con su responsable para pedir permiso para hacerlo, pero de momento la búsqueda ha sido infructuosa. En todo caso, clicando en el nombre del canal, pueden acceder a muchas más entradas con un nexo común, el cine, especialmente fantástico y de animación: coleccionismo, figuras, muñecos, libros, cómic, VHS… , y todos esos objetos de los que se nutren nuestros sueños.

Pero después de este necesario inciso, vayamos a por más películas:

Y el día comienza con el madrugón habitual en la sesión despertador de l’Auditori, donde nos espera Antlers (Scott Cooper, 2021), una cinta que debe mucho al Festival de Sitges, como confesaba su guionista principal, y autor del cuento en el que se inspira el guion (y que puede leerse íntegro aquí, Nick Antosca (presente en esta edición por ser uno de los galardonados con el Premi Màquina del Temps): «es curioso, porque el proyecto de ‘Antlers’ nació aquí mismo [en el festival de Sitges de 2017] en el año que vino Guillermo del Toro. Yo vine como invitado para una masterclass a raíz del estreno de ‘Channel Zero’ y él presentaba ‘La forma del agua’. Yo soy un admirador de su trabajo y la sorpresa llegó cuando me dijo que quería trabajar conmigo. De ahí viene el hecho de que haya sido el productor de la película» (en la entrevista concedida a  eCartelera). Antosca es uno de los jóvenes valores del cine norteamericano (hasta ahora vinculado al audiovisual televisivo), para algunos al mismo nivel que Ari Aster o Jordan Peele gracias a su manejo de temáticas sobrenaturales contrapuestas con situaciones cotidianas y dramáticas. En The Quiet Boy, el cuento de partida, el escritor sigue la historia de Julia, una joven maestra de buenas intenciones, atrapada en la monotonía de un poblado en West Virginia quien, en su afán por ayudar al niño introvertido y desnutrido de su clase de cuarto año, termina por desatar una serie de sucesos violentos y atroces a manos de una fuerza sobrenatural que se alimenta del dolor. En su traslado al guion literario a esta trama principal se le sumaba la intención de anclar la historia la mitología de la tradición nativa americana y el espíritu diabólico ancestral del Wendigo. Folk Horror de raigambre norteamericana, ideada por un joven talento y producida por Guillermo del Toro, nada podía pintar mejor, sin embargo, el resultado no está a la altura de las expectativas: nos pareció bastante rutinaria y carente de ritmo, algo quizás achacable al cansancio acumulado por Serendipia, pero en sintonía con los comentarios que clamaba el murmullo de los espectadores. Es posible que la cinta se resienta del cambio de director a principios del rodaje y por los numerosos reshoots (retoques de filmación posteriores para mejorar lo insuficiente), con el consiguiente retraso de producción, pero lo cierto es que la versión final va falta de timón, no logra integrar las distintas capas de lo relatado, no consigue ensamblar bien el thriller psicológico de la maestra y el alumno introvertido con el terror sobrenatural de la maldición indígena. Pudiendo haber sido sugerente malbarata su atmósfera para convertirse en una monstermovie común y corriente. En todo caso pronto podrán comprobar por ustedes mismos si la cinta tiene carencias o fue Serendipia la que no estuvo atinada, pues tendrá estreno en cines el 19 de noviembre de la mano de Disney como Antlers: Criatura oscura.

A continuación deseábamos haber visto Offseason (Mickey Keating, 2021), pero la ya habitual escasez de tickets para medios en los, insistimos, pases de prensa abiertos al público, causó que se agotaran en escasos minutos haciendo que volviéramos a Tramontana y a la sección Noves Visions y tuviéramos que escoger una película que en principio nos inspiraba cierto rechazo, Mayday (Karen Cinorre, 2021). Nuevamente el azar jugó bien sus cartas, pues, sin ser un descubrimiento de primera, resultó ser todo un soplo de aire fresco y una oda a la libertad e igualdad en forma de cuento de hadas. En clave femenina y con elementos de Peter Pan y Alicia en el país de las maravillas, en Mayday el enemigo a combatir, inicialmente, serán  los hombres, a los cuales cual sirenas, el grupo de mujeres protagonista dirigirán hacia la perdición. Pero ese enfrentamiento, retratado como una guerra basada en el exterminio mutuo, no satisfará a la protagonista, Ana (Grace Van Patten) que, a pesar de que en principio ha encontrado fuerza en ese nuevo mundo, escogerá buscar su lugar luchando y compitiendo como una mujer, y no a la manera del hombre. Contada en clave fantástica, entre bélica y de aventuras, la película está protagonizada por un estupendo elenco femenino (ademas de Van Patten, Mia Goth, Soko, Juliette Lewis) y con ella ha debutado en el largometraje su directora y guionista, Karen Cinorre.

Más Noves Visions con Vampir (Branko Tomovic, 2021), una producción británica con un inicio similar al de Drácula (y por extensión a casi todas las historias vampíricas), con la llegada de un forastero a una pequeña población, en este caso situada en Serbia y en la actualidad, en la que su protagonista, un escritor inglés (interpretado por el propio director, productor y guionista del film), se instalará en busca de tranquilidad, aceptando un empleo como sepulturero que le dará opción a una vieja casa adyacente al cementerio. Allí se dará cuenta de que los habitantes, además de tener un folklore y unas costumbres un tanto bizarras, tienen un tono de piel de lo más pálido. Pero no se adelanten, pues la historia no irá por donde pueden imaginar, y ahí, además de en la angustiante claustrofobia que el personaje nos contagia , radica la originalidad de esta interesante opera prima. El bajo presupuesto de Vampir es obvio, pero también lo es la capacidad de Tomović para crear una atmósfera con escasos medios.

Para terminar el día, una nueva cita en Sitges con un viejo conocido del Festival, Fabrice du Welz, que presentaba Inexorable (2021) dentro de la sección Oficial Fantàstic Competició. Una historia de obsesiones y mentiras protagonizada por un escritor, Marcel Bellmer (Benoît Poelvoorde), en busca de inspiración, padre de una niña angelical y felizmente casado con la hija del editor que convirtió su novela, Inexorable, en un bestseller. Todo es luz y espacio abierto cuando arranca la cinta, la familia acaba de mudarse a la, recientemente heredada, finca del editor, una mansión noble en la pacífica campiña belga, hasta «estrenan» perro para la pequeña ahora que han abandonado la ciudad. Completamente idílico e impoluto. Pero pronto ese espacio ideal será invadido por un elemento discordante que tendrá tanto de seductor como de turbador: la joven Gloria (Alba Gaïa Bellugi), un personaje que resulta ser un perfecto cruce entre la Annie Wilkes de Misery (novela llevada al cine en 1990) y la Alexandra «Alex» Forrest de Atracción Fatal (1987), con suaves toques de la Peyton Flanders de La mano que mece la cuna (1992). En la secuencia de presentación de la misteriosa Gloria, du Welz emplea espacios urbanos, cerrados y nocturnos, una elección de puesta en escena que ya muestra las dos fuerzas antagónicas que van a cortocircuitarse en el filme, sin necesidad de explicar más de lo necesario sobre el origen o la razón que mueve a la joven. La colisión entre los dos mundos, en un primer momento, no podría ser menos amenazante, Gloria aparece en el jardín familiar acompañando al perro de la niña, que se había extraviado en un descuido. Un gesto servicial que permite a la joven introducirse en el universo burgués  como un engranaje indispensable para el buen funcionamiento de ese hogar. Lo de Gloria es una auténtica home invasion seductora, sensual, de hecho. Nada saben de la extraña, más allá de esa afabilidad y diligencia que la hacen querida y necesaria, pero ella sabe todo sobre sus antagonistas e incluso se hará con la información más oculta, que, con sus manejos, acabará desmantelando el equilibrio del hogar hasta su aniquilación absoluta y trágica. Sabremos lo justo para definírnosla, es una admiradora del autor, la más acérrima, una verdadera fan fatal, que busca hacerse central para reactivar el genio  creativo del novelista, convirtiéndose para ello en su fantasía erótica primordial. Se quiere musa y quiere serlo a través de la pulsión sexual y la total posesión, aun en el caso de que ello conduzca a la muerte del artista y de ella misma. Nuevamente, pues, du Welz, se adentra en una radiografía de la pasión desmesurada, lo hace esta vez bajo el envoltorio del suspense, del thriller de personaje a la guisa en que tanto nos ofreció en los últimos ochentas, primeros noventas. Pero el belga usa los tópicos del género y los modos hollywoodienses con una impronta personal que, en el fondo, dinamita las estructuras morales del mismo en las producciones mainstream. Porque no hay una línea divisoria que separe a los personajes positivos de los negativos, puede que Gloria sea el lobo, pero en su intención podría estar el deseo de subvertir el darwinismo social que impide el flujo de una clase a otra. Lo que está claro es que los Bellmer del mundo no son ovejas, su ansia de control y poder es incisiva, por eso basta con rascar un poco la superficie de su aparente orden para descubrir su realidad disfuncional. En Inexorable nada nos mueve a la empatía, no es una pieza para el gran público, a pesar de ser una de las obras más convencionales del belga. No será la mejor de su filmografía, pero maneja bien la tensión y, sobre todo, tiene carácter.

¿Qué más podríamos decir? Quizás señalar que el elemento fantástico brilla por su ausencia y, en cuanto al terror, sólo se acerca a él en la medida en que lo fatídico y lo funesto son fuentes de trauma y angustia (tres términos que la teoría psicoanalítica ve concomitantes). Nos moveríamos, pues, en las arenas movedizas de lo limítrofe. Sólo lo apuntamos. ¡No hemos venido aquí para hablar de los límites del fantástico!

Y para finalizar inmejorablemente la jornada, nada mejor que una buena mesa compartida con amigos. En este caso Serendipia disfrutó de la compañía de su viejo amigo José Miguel Rodríguez, responsable del blog Dioses y Monstruos y uno de los fundadores de la recordada editorial Tyrannosaurus Books.