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El cine en zapatillas: La Frusta e il Corpo
La frusta e il corpo (Mario Bava, 1963) Blu-ray Regia Films
Duración: 87 min. Guión: Ernesto Gastaldi, Ugo Guerra y Luciano Martino Fotografía: Ubaldo Terzano y Mario Bava Música: Carlo Rustichelli
Reparto: Daliah Lavi, Christopher Lee, Tony Kendall, Ida Galli, Harriet Medin, Gustavo De Nardo, Luciano Pigozzi, Jacques Herlin
Sinopsis: S. XIX, Este de Europa: Kurt Menliff (Christopher Lee) regresa a su hogar familiar, un aislado castillo situado en un acantilado junto al mar, para felicitar a su hermano Cristiano (Tony Kendall) por su reciente matrimonio con Nevenka (Daliah Lavi), antigua amante de Kurt. Pero tras su llegada, Kurt no tardará en sentir el rechazo de su familia y el rencor de la sirvienta del castillo, Giorgia (Ida Galli), quien culpa a Kurt de seducir a su hija Tania y provocarle la muerte años atrás, augurándole a él la misma muerte que sufrió su hija…
BLU-RAY:
Montaje francés (87 min.) Video 1080p FULL HD 1,85:1 – 16:9
Audio DTS-HD italiano e inglés + Español neutro 2.0
Subtítulos en castellano específicos para audio italiano y específicos para audio inglés+ DVD de Extras:
La película en su montaje italiano (83 min.) y calidad SD
Trailers italiano, alemán y francés
Créditos versión USA (What)
LIMITADA A 1000 EJEMPLARES
Slipcover numerada
Contiene libreto ilustrado de 20 páginas a color escrito por Roberto García-Ochoa Peces y Carlos Díaz Maroto
De nuevo Regia Films apuesta por el cine italiano de terror y de nuevo por hacerlo con calidad, ya que de excelente puede (y debe) calificarse la edición que ha lanzado de uno de los títulos malditos en España de Mario Bava. Maldito porque no se estrenó en nuestras salas en su momento, y me aventuro (corríjanme si me equivoco) que tampoco en formato videográfico. Así que por fin se ha hecho justicia a este clásico con mayúsculas.
La figura de Mario Bava cubre todo el espectro de lo mejor que ha dado el género fantástico italiano. No en vano, como bien dice Carlos Aguilar, «arranca en La máscara del demonio y concluye en Shock. Entraña virtualmente el origen, la efervescencia y la agonía de la etapa dorada del cine italiano de género» (1). Pero su vinculación al cine fantástico comienza antes, como colaborador de Riccardo Freda en dos de las obras capitales del género en Italia: Los vampiros (I Vampiri, 1957) y Caltiki, el monstruo infernal (Caltiki, el mostro inmortale, 1959), dos películas que, como ya les comentamos aquí mismo, tuvo que terminar de dirigir, sin acreditar, el propio Bava. Tras La máscara del demonio (La maschera del demonio, 1960) Bava dirige péplum, inventa el giallo y vuelve al gótico con La frusta e il corpo, esta vez demostrando que su tratamiento del color no está reñido con las luces y sombras del gótico más exacerbado. Pues aunque en nuestra opinión habría funcionado igual de haberse rodado en blanco y negro, si algo nos agrada personalmente de Bava son esos colores tan deudores del mundo del cómic que tan bien supo incorporar, por ejemplo, Emilio Foriscot en La marca del hombre lobo (1968) o Dario Argento en Suspiria (1977), entre otras de sus películas. Tonalidades dramáticas, teatrales, que Bava demostraría que también se adaptaban perfectamente a la ciencia-ficción con Terror en el espacio (Terrore nello spazio, 1965). Pero no divaguemos. No solo es estéticamente hermosa la cinta de Bava, también posee un fondo de perversión que es lo que la hace atractiva y diferente con respecto a otras películas de terror. Si el año antes Freda dirigió la magnífica El horrible secreto del doctor Hitchcock (L’orribile segreto del Dr. Hichcock) con la necrofilia como fondo, Bava dirige esta cinta, de atmósfera gótica también, con un sólido trasfondo sadomasoquista y de amor fou. Y es que para introducir el terror, el director no requiere monstruos: «no existen en mis películas, estos son las visiones deformadas de los personajes que se aventuran a bordo de la enfermedad mental, de la aberración sexual, en busca de emociones fuertes» (2). Tan solo le ponemos un pero a la película y es esa tan innecesaria como incómoda explicación final, que busca eliminar la posible vertiente fantástica de la historia afortunadamente sin conseguirlo, por cierto. Deberían haber mantenido la ambigüedad en la acción, dejado a elección del espectador el explicarse los hechos como producto de la locura de la protagonista o como un hecho sobrenatural producto del dominio del ser vuelto del más allá.
Bava contará con la presencia de dos recién llegados a Italia. Daliah Lavi, una atractiva actriz nacida en Palestina que ya tenía una prolífica carrera en Francia y Alemania cuando llegó a Italia para interpretar a una de las primeras endemoniadas del cine en la muy interesante coproducción italo-francesa El demonio (Il demonio, 1963) de Brunello Rondi, fue incorporada al reparto de La frusta e il corpo aprovechando que ambas cintas estaban producidas por la misma compañía, Vox Films. Y su participación supuso todo un acierto pues Daliah Lavi se revela como la auténtica protagonista de la película, a pesar de que el filme cuenta también con la imponente presencia de Christopher Lee, que tras su revelación como el monstruo por autonomásia de la Hammer, decidió dejarse querer fuera de Inglaterra instalándose en Suiza y acudiendo a trabajar allí donde fuera solicitado, coincidiendo años antes con el propio Bava en el pintoresco péplum Hércules en el centro de la tierra (Ercole al centro della Terra, 1961). Esta etapa italiana, previa al retorno del actor a Inglaterra, donde de nuevo bajo Hammer interpretó (al parecer guardándose el orgullo), todas las secuelas posible del conde Drácula, el actor la recuerda con bastante simpatía en su autobiografía (3), donde narra el vertiginoso ritmo de producción en el que se vio envuelto. Tras La frusta e il corpo marchó a Roma, sin tiempo para descansar, para interpretar a un oficial de la SS en El justiciero rojo (La Vergine de Norimberga, 1963) para Antonio Margueriti; a continuación y en el sur del país pasó a encarnar al conde Karnstein en La maldición de los Karnstein (La cripta e l’incubo, 1963) para Camillo Mastrocinque, que es una indisimulada versión del clásico vampírico Carmille de Le Fanu; y finalmente, y de nuevo volviendo al centro de Italia, interpretó al conde Drago (¿?) para Luciono Ricci en Il castello dei morti vivi (1964).
Y es que la intervención de Lee, aunque valiosa (¡Qué saber estar! ¡Qué expresión de satisfacción al fustigar!), no deja de ser casi episódica, ya que sorprendentemente ocurre que… descuiden, no se lo pensamos destripar. Pero vamos, que pasa a ser una presencia constante, etérea y anhelada, por otra parte, por su antigua amante que no es otra que Menenka Menliff, esposa de su hermano y personaje maravillosamente encarnado por la actriz israelí. A este importante dúo protagonista se les suma Toni Kendall (Luciano Stella en su 
partida de nacimiento), otro actor trotamundos especializado en papeles de galán que en esta, su segunda cinta, interpreta a Christian Menliff , el hermano de Kurt , bastante antes de ponerse a las órdenes de Amando de Ossorio en las inolvidables El ataque de los muertos sin ojos (1973) y Las garras de Lorelei (1974). Toni Kendall, que tiene una abultada filmografía, interpretó en siete ocasiones entre 1966 y 1971 al Komissar X en un pequeña saga de películas de espionaje surgidas a rebufo de la moda impuesta por James Bond. Habitual también en el cine de género italiano era asimismo Ida Galli, una actriz que en la cinta de Bava trabajó con el seudónimo de Isli Oberón pero que realizó el grueso de su fructífera carrera bajo el nombre de Evelyn Stewart. En la cinta de Bava interpreta a Katia, la prima de los hermanos y amante en secreto de Christian.
Mario Bava firma su película con el pseudónimo John M. Old, suponemos que más que por tratarse de un encargo, con el objetivo de poder venderla en el exterior e incluso en el propio mercado italiano como una cinta británica, pues todos los implicados tienen seudónimo anglosajón, incluido el responsable de la magnífica partitura, Jim Murphy (Mario Rustichelli), un veteranísimo compositor tan prolífico que no resulta extraño que vuelva a coincidir con Bava en, por ejemplo, Seis mujeres para el asesino (Sei donne per l’assassino, 1964). Bava contó con la colaboración sin acreditar de Sergio Martino como ayudante de dirección. Martino, que venía de trabajar junto a Brunello Rondi y Daliah Lavi en Il demonio, poco después iniciaría una prolífica carrera cinematográfica en la que sin duda influyó el bagaje adquirido con Bava.
Estrenada en Italia en agosto de 1963 con cuatro minutos menos que la versión estrenada en Francia tres años después, fue una película invisible durante mucho tiempo para la crítica española, de ahí la ausencia de comentarios sobre ella en artículos sobre el director. Y precisamente por no haber contado con carrera comercial en España, la copia que nos ofrece Regia Films carece de doblaje español, aunque lo que sí se ofrece es su doblaje en castellano neutro, al haber sido estrenada en Argentina. Pero se trata de un mal menor. Rodada en inglés, lamentablemente Christopher Lee no se dobló a sí mismo aunque, curiosamente, sí en italiano, así que si quieren oír su imponente voz, deberán verla en ese idioma.
Regia nos ofrece dos versiones: la francesa, más completa y con 87 minutos de duración; y la italiana, de 83 minutos. También en los extras se ofrecen los títulos de crédito internacionales, así como trailers. Se echan de menos imágenes de los diferentes carteles, pero alguno de ellos ilustra el magnífico libreto de 20 páginas escrito por Roberto García-Ochoa Peces y Carlos Díaz Maroto.
Otra perla más que incluir en nuestra colección gracias a Regia Films.
(1) Aguilar, Carlos, «Mario Bava. El arte, la magia, la líbido» en Del giallo al gore. Cine fantástico y de terror italiano. Donostia Kultura, 1997. Pág. 80
(2) Sala, Ángel, «El fantástico, un género a la italiana» en Del giallo al gore. Cine fantástico y de terror italiano. Donostia Kultura, 1997. Pág. 43
(3) Christoper Lee, Tall, Dark and Gruesome. Midnight Marquee Press, 1999.
CARTELES
Hemos querido incluir una selección de carteles originales de La fruta e il corpo, colección en la que podemos ver que el italiano ha sido el que ha inspirado a prácticamente todo el resto. La belleza de la cartelería italiana, así como los magníficos fotomontajes que realizaban para las fotobustas, siguen siendo piezas magníficas. El motivo de estos posters casi siempre se centra en Daliah Lavi, ya sea mostrando su rostro o de forma más sexual, su cuerpo. Y naturalmente en la estrella, Christopher Lee, con el látigo en ristre. El título casi siempre se ha respetado, aunque destaca por lo contrario uno de los títulos con los que la película se exhibió en Estados Unidos, What, así como el que se puso en Inglaterra, Night is the Phantom, que prescindió del látigo en su cartel y en su título. Y eso que el Reino Unido es la cuna de la denominada disciplina inglesa. Finalmente destacar el póster alemán, cuyo título se traduciría como El demonio y la virgen.
LA FRUSTA E IL CORPO (ITALIA)
LOCANDINA
PÓSTER
FOTOBUSTAS
LE CORPS EL LE FOUET (FRANCIA)
PÓSTER
LE CORPS ET LE FOUET / HET GEGESELD LICHAAM (BÉLGICA)
POSTER
DER DÄMON UND DIE JUNGFRAU (ALEMANIA)
PÓSTER
CARTELERAS
THE WHIP AND THE FLESH / WHAT (USA)
PÓSTER
LOBBY CARDS
THE WHIP AND THE FLESH (¿ISRAEL?)
PÓSTER
NIGHT IS THE PHANTOM (UK)
PÓSTER
LOBBY CARDS
PRESS BOOK
EL LÁTIGO Y LA PIEL (¿ARGENTINA?)
POSTER
VIDEO ART
BSO
Los Cántabros: un péplum en la filmografía de Paul Naschy
Tras ser uno más de los géneros producidos en la España de los sesenta, principalmente en régimen de coproducción, el peplum, las populares ‘películas de romanos’, hacía tiempo que habían dejado de producirse en nuestras tierras, así que la aventura de rodar un peplum en la España de los ochenta era todo un anacronismo y una aventura de lo más descabellada.
Dan Barry (Joaquín Gómez Sáinz de Rozas) actor, guionista, productor y director cántabro comenzó su andadura, al igual que Paul Naschy, en el mundo del deporte, obteniendo galardones en halterofilia y lucha grecorromana. Su físico le llevó a realizar papeles en el cine como actor y especialista en diversas producciones internacionales y españolas, la mayoría de género, hasta que en 1980 tuvo la oportunidad de poner en marcha un proyecto largamente acariciado, Los Cántabros, que narraba la lucha entre las tribus cántabras acaudilladas por Corocotta y las tropas romanas lideradas por Marco Vespaciano Agripa.
Un magnífico cartel de Mac, aunque algo extraño en su concepción con el personaje de Naschy de espaldas.
La tesis tradicional presenta a Corocotta como héroe de la resistencia ante Roma, como unificador y caudillo local durante las Guerras Cántabras de Augusto durante los años 29 a 19 a. C., pero la única constancia de la existencia de Corocotta se basa en una cita del historiador romano Dión Casio, que tradujo Adolf Schulten:
“Irritóse tanto [Augusto] al principio contra un tal Corocotta, ladrón hispano muy poderoso, que hizo pregonar una recompensa de doscientos mil sestercios a quien lo apresase; pero más tarde, como se le presentase espontáneamente, no solo no le hizo ningún daño, sino que encima le regaló aquella suma.”[1]
Este episodio, que naturalmente se muestra en el largometraje, es el que ha creado toda la leyenda sobre el supuesto cántabro Corocotta (hay quien dice que su origen es norteafricano) motivando que su figura sea realzada como símbolo cultural y turístico de Cantabria. Y apoyándose en esta tesis, la más conocida y difundida, Dan Barry quiso inicialmente realizar una serie televisiva, aunque desechó la idea optando por un largometraje, que comenzó a dirigir el veterano Amando de Ossorio, tal y como recuerda el propio Barry:
“Amando de Ossorio, en efecto, incluso llegó a rodar una primera versión, pero cuando acudimos a los lugares de Cantabria que yo había escogido como escenarios del rodaje, como los Picos de Europa y otros, no hubo forma de hacerle llegar a aquellos parajes; siempre quería rodar los planos desde la carretera, por lo que no me quedó más remedio que sustituirle.”[2]
Dan Barry y Verónica Miriel en un fotocromo de Los Cántabros
Con Amando de Ossorio fuera del proyecto, hubo que buscar rápidamente un sustituto. Paul Naschy asegura que la dirección del filme se la ofreció Augusto Boué, jefe de producción de Los Cántabros, pero según Dan Barry, fue él mismo el que se lo propuso a Jacinto Molina, por entonces compañero suyo en el gimnasio Guzmán el Bueno. En todo caso Paul Naschy no aceptó utilizar lo rodado por Ossorio, y quiso reescribir el guión de este proyecto, que sin duda también le atrajo por las favorables condiciones de rodaje: “Por primera vez voy a trabajar con un presupuesto por encima de los treinta millones, que no podía ni soñar. Por primera vez dispongo de cinco semanas para rodar.”[3] Un holgado presupuesto que cuesta apreciar tras ver los resultados del film en pantalla. Cuestión que también ha sabido ver Adolfo Camilo Díaz al definir Los Cántabros como “un cómic con pocos medios y muchas ideas.”[4] El mismo director narró como se las tuvo que ingeniar para suplir la falta de vestuario: “Carecíamos de suficientes armaduras y cascos romanos, y logré un ataque de la caballería de Marco Vespasiano Agripa -mi maravilloso personaje- haciendo pasar al mismo grupo de caballistas una y otra vez, emergiendo de un gran montículo.”[5] Quizás esta pobreza de medios sea la responsable de que una lucha entre gladiadores tenga lugar en el salón del palacio del César y no en el habitual circo romano. O que la batalla final entre ambos ejércitos se represente con un solitario duelo entre Corocotta y Marco Vespasiano.
Sin olvidar los problemas ocasionados por una huelga de extras y el accidentado rodaje a 40 grados bajo cero, que causó la muerte de algunos caballos.
Lo cierto es que con la reescritura del guión el personaje de Marco Vespasiano Agripa, encarnado por Paul Naschy, resultó muy reforzado, erigiéndose en auténtico protagonista de la trama y restando protagonismo al líder cántabro interpretado por Dan Barry. El personaje de Naschy también protagoniza el romance con Elia (Verónica Miriel), la hermana de Corocotta. Y aunque se ha comentado que Paul Naschy fue el responsable del giro argumental hacia el subgénero de ‘espada y brujería’, este era un ingrediente supuestamente aportado al guión por Amando de Ossorio, que declaró su intención de: “(…) hacer una película de ‘espada y brujería’ con druidas, magia, los romanos en contra de todos estos ritos, etcétera.”[6] Aunque naturalmente Naschy dotó al guión de Los Cántabros de elementos fantásticos, así como de pequeñas dosis de humor. Es posible que el director se dejara influenciar por el Asterix de Uderzo y Goscinny, algo que resalta especialmente en las caricaturas de los romanos, de entre los que destaca un muy improbable Luis Ciges.
Al recaer la dirección en Paul Naschy, este se rodeo de actores habituales en sus películas. Como Andrés Resino que intervino en La noche de Walpurgis (León Klimovsky, 1971) y Jack el destripador de Londres (José Luis Madrid, 1975), y que en Los Cántabros interpreta eficazmente a César Augusto. Sobre el rodaje de este film, el actor comentó un curioso detalle al especialista cinematográfico norteamericano Mirek Lipinski: “(…) Naschy no se aprendía sus líneas por estar muy ocupado haciendo y planeando esto y aquello, por lo que usaba un apuntador cuando tenía que hablar. Así que uno tenía que esperar a que el apuntador hablara primero y luego Naschy. Esto afectaba al otro actor, pero bueno, si Naschy no memorizaba sus diálogos es porque estaba muy liado con la producción y negociando cosas. Esto es lo único reprochable, pero hay que perdonarle porque tenía muchas cosas que hacer en esta película.”[7]
Verónica Miriel y Paul Naschy en un fotocromo de Los Cántabros.
El film también contó con la ya mencionada Verónica Miriel, una preciosa y aniñada actriz a la que también pudimos ver en La maldición de la bestia (Miguel Iglesias, 1975); Julia Saly, que mantenía una relación profesional con el actor y director que se extendió durante diez años; la encantadora Blanca Estrada, una de la actrices más populares en la época del ‘destape’ y que intervino junto a Naschy en El francotirador (Carlos Puerto, 1978), El caminante (Jacinto Molina, 1979) y, tras Los Cántabros, en Misterio en la isla de los monstruos (1981) de Juan Piquer Simón; el veterano Alfredo Mayo, como el druida, uno de los personajes más pintorescos de Los Cántabros, mezcla de Panorámix y Gandalf. Pepe Ruiz y Ricardo Palacios, representan el contrapunto cómico de la película con un papel similar al que realizaron en El retorno del hombre lobo (Jacinto Molina, 1981).
También intervienen otros actores habituales en el cine de Naschy realizando pequeños papeles, como Antonio Iranzo, Paloma Hurtado, Frank Braña, Mariano Vidal Molina, el ya nombrado Luis Cigés, o Jenny Llada. Así como Antonio Mayans, que recuerda como: “gracias a Juana de la Morena y Augusto Boué [Naschy] me volvió a contratar en Los Cantabros. Yo hacía de mensajero que llegaba, entregaba el mensaje y moría.”[8] Y David Rocha, 
que mantiene un buen recuerdo de su también breve participación en el filme: “recuerdo, además de a Paul que la dirigió e interpretó y con el que me sentí muy unido, a otros actores con los que coincidí en alguna otra película y de los que tengo bonitos recuerdos. Por ejemplo Frank Braña, que trabajó en Los Cántabros y en La herencia del mal, que dirigió Dan Barry; Blanca Estrada, con la que coincidí en El Caminante; y a algunos otros actores que trabajaron conmigo en doblaje en diferentes series y películas que dirigí. Pero a quien recuerdo con más cariño es a Antonio Iranzo.”[9].
En la parte técnica también encontramos rostros familiares en el cine de Paul Naschy como Ángel Arteaga, responsable de la banda sonora que también compuso las de La marca del hombre lobo (Enrique López Eguiluz, 1968) y La furia del hombre lobo (José María Zabalza, 1972) y al que el propio director confió la de El huerto del francés (Jacinto Molina, 1978) y Alejandro Ulloa, director de fotografía que tanto contribuyó a crear las mágicas atmósferas de El caminante y El retorno del hombre lobo, en la que también participaron el montador Pedro del Rey y León Revuelta diseñando vestuario.
Lamentablemente no hubo un buen ambiente de rodaje, y los dos antagonistas en la ficción también lo fueron en la realidad. Dan Barry se arrepintió de haber contado con Paul Naschy como director, llegando a declarar que “hubiese sido mejor seguir con Ossorio que con Paul Naschy, que a la hora de la verdad rodó 
casi toda la película en Torrelaguna, en paisajes que nada tienen que ver con los cántabros.”[10] Por su parte Naschy se quejaba de la poca fotogenia de Dan Barry (cuya voz fue doblada por José Guardiola): “No sé (…) si es que fui muy autoritario en el rodaje y él no estaba acostumbrado o si es que le llegaron unos comentarios del equipo de fotografía sobre que era imposible fotografiarlo de lo feo que era, pero la tomó conmigo y se vengó quitándome el nombre de los carteles.”[11]
Según Ángel Sala, para quien Los Cántabros “fue un más que aceptable film de aventuras que recuperaba en parte el espíritu del peplum clásico de los años sesenta[12]”, la película resultó un fracaso comercial que “casi no pudo verse en su estreno, lastrada por unos distribuidores y exhibidores que no confiaron en el proyecto[13]”
Para Paul Naschy fue un dignísimo peplum de acción sin buenos ni malos y una muy bella película, rodada en una época en la que Naschy estaba profesionalmente en estado de gracia, ejerciendo como director, guionista y actor en sus películas, había estrenado poco antes dos de sus mejores títulos: El huerto del Francés y El caminante e iniciaría una relación con una productora cinematográfica japonesa que le llevaría a rodar varios documentales y largometrajes, ofreciéndole unos años de estabilidad y prosperidad que, lamentablemente se truncaron en 1984 con el fracaso de Operación Mantis.
Por su parte Dan Barry, tras interpretar pequeños papeles en varias cintas, intervino en 1982 en Estirpe de dioses (Diego Santillán), film de espada y brujería, un subgénero muy en boga por entonces gracias al estreno ese mismo año de Conan el bárbaro (Conan, the Barbarian, John Milius), pero que no llegaría a estrenarse. Al año siguiente dirigirá Tunka el guerrero, rodada en 1983 pero estrenada tres años después, otra cinta de espada y brujería pura y dura con gotas de cine apocalíptico que será seguido en 1987 por La herencia del mal, película de terror que tampoco llegará a estrenarse y tras la que la labor cinematográfica de Dan Barry se limitará a la dirección de algunos docudramas de carácter cultural durante los años noventa.
[1] Schulten, A. Fontes Hispaniae Antiquae, vol. V. Emporium, Barcelona, 1940. Pág. 335
[2] Salvador Estébenez, J. L.: Dan Barry, el Conan español. https://cerebrin.wordpress.com/2008/01/07/dan-barry-el-conan-espanol/
[3] Sáinz, S.: ‘Diálogos de la luna llena’. Transilvania Express Nº 2, 1981. Pág. 51
[4] Camilo Díaz, A.: El cine fantaterrorífico español. Santa Bárbara, S.L., Gijón, 1993. Pág. 159.
[5] Molina, J.: Paul Naschy. Memorias de un hombre lobo. Alberto Santos Editor, Madrid, 1997. Pág. 132.
[6] Olano, J. y Crespo, B.: ‘Entrevista a Amando de Ossorio’. Cine fantástico y de terror español 1900-1983. Donostia Kultura, S. Sebastián, 1997. Pág. 371
[7] Lipinski, M.: ‘The Andrés Resino Interview’. Latarnia Fantastique International Nº 1, 2010.
[8] Mensaje personal al autor de este artículo.
[9] Mensaje personal al autor de este articulo.
[10] Salvador Estébenez, J. L.: Opus cit.
[11] Agudo, A.: Paul Naschy. La máscara de Jacinto Molina. Scifiworld, Pontevedra, 2009. Pág. 225.
[12] Sala, A.: Profanando el sueño de los muertos. Scifiworld, Pontevedra, 2010. Pág. 67
[13] Ibídem.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 2 de septiembre *
LEJOS DEL MAR (Imanol Uribe, 2015)
España. Duración: 105 min. Guión: el Cebrián, Imanol Uribe Productora: Suroeste Films / Maestranza Films Género: Drama
Reparto: Eduard Fernández, Elena Anaya, José Luis García Pérez, Ignacio Mateos
Sinopsis: Santi sale de la cárcel y viaja al sur para visitar a Emilio, un antiguo compañero de celda que está enfermo. La casualidad hace que tropiece con Marina, la doctora que atiende a su amigo, con quien Santi tuvo un encuentro terrible hace muchos años y que ha marcado desde entonces la vida de ambos. Este reencuentro les hará enfrentarse a su pasado.
Imanol Uribe vuelve a abordar el tema de la lucha armada en el País Vasco. ETA es uno de los protagonista de esta historia pesimista que no podía haber contado con mejores actores: Eduard Fernández está inmenso en su papel de Santi, un muerto andante que quiere reincorporarse a la vida. Víctima, al igual que Marina (Elena Anaya), que tendrán en el dolor su nexo de unión. Pero no les resultará fácil retomar esa vida, tal como nos demostrará Uribe. Lejos del mar ya comenzó a desarrollarse en 1995: «(…) después de cerrar el ciclo de ‘Días Contados’, comencé a trabajar en un nuevo proyecto, titulado provisionalmente ‘La Casa del Padre’, que llegué a localizar incluso en la Costa Brava. Pero la película se quedó, como muchas otras, en el cajón de los proyectos porque no se daban ni las condiciones ni las circunstancias para abordar en aquel momento un tema de esta naturaleza: las heridas íntimas y profundas provocadas por la violencia que vuelven a reabrirse a medio y largo plazo. Me faltaba perspectiva. Veinte años después he rescatado el tema, porque creo que ahora comienzan a darse las condiciones mínimas para poder asomarse a ese precipicio e intentar reflexionar sobre el odio, la venganza, el arrepentimiento o la locura que generaron estos años de violencia. Y probablemente tendrán que pasar todavía algunos más para poder hablar también del perdón y el olvido». La culpa que experimenta el verdugo y el dolor de la víctima son factores protagonistas en esta cinta. Nadie más que ellos pueden entender como el odio puede unir. Pero Uribe nos deja un final abierto ¿no hay esperanza para ninguno? ¿se trata de una venganza terrible? Todo con un trasfondo un tanto retorcido, que se describe en algún momento como síndrome de Estocolmo, pero que va mucho más allá y está más cerca de Liliana Cavani y su Portero de noche (Il portiere di notte, 1974), aunque sin llegar a su truculencia.
El director sitúa su historia en una Almería, desierta y gris, sin sol, «He localizado en el Cabo de Gata donde ya rodé ‘Bwana’, también en los 90. Ese paisaje, tan hermoso y tan terrible en su aspereza, envuelve perfectamente este encuentro estéril y brutal entre nuestros dos protagonistas, Marina y Santi».
Cerca del mar, muy a pesar del título, la tragedia se desencadena en la playa de la Concha. El amor y la muerte cerca del mar. Todo deja de tener sentido a la orilla del mar.
BLOOD FATHER (Jean-François Richet, 2016)
Francia Duración: 88 min. Guión: Peter Craig, Andrea Berloff (Novela: Peter Craig) Música: Sven Faulconer Fotografía: Robert Gantz Productora: Why Not Productions / Icon Film Distribution Género: Thriller
Reparto: Mel Gibson, Elisabeth Röhm, William H. Macy, Diego Luna, Thomas Mann, Erin Moriarty, Ryan Dorsey, Michael Parks, Dale Dickey, Richard Cabral, Raoul Trujillo, Daniel Moncada
Sinopsis: Lydia, una joven de 16 años, es acusada de haber robado una fortuna a un cartel, pero en realidad es una trampa fraguada por su novio traficante. La chica tiene que escapar con el único aliado que tiene en el mundo: su padre, John Link, un eterno fracasado, antiguo motero rebelde y ex presidiario, que se verá en la obligación de vincularse nuevamente con un pasado del que huía para poder salvarla a ella.
Cuando la hija adolescente de Mel Gibson, que en esta cinta encarna a un ejemplo de lo que se ha dado en llamar White Trash, se lía con malotes y se mete en líos, papi tendrá que sacarle las castañas del fuego y poner orden ¡Y vaya si lo hace!
Este podría ser a bote pronto el argumento de esta película en la que el actor australiano interpreta a un duro perdedor ex-presidiario, ex-alcohólico y ex-motero en una banda de forajidos que se redime protegiendo a su hija de los pandilleros hispanos que quieren matarla.
Blood Father, si bien no nos cuenta nada nuevo ni original, pues el planteamiento está más que manido, al menos resulta entretenida de ver gracias al tratamiento que ha realizado el director de esta eterna historia de redención, además de a la correcta actuación de los protagonistas, especialmente de Gibson como crepuscular perdedor, pero también del desaprovechado y siempre eficaz William H. Mazy y el inquietante Michael Marks que interpretan eficazmente roles secundarios.
LA PUERTA ABIERTA (Marina Seresesky, 2016)
España. Duración: 84 min. Guión: Marina Seresesky Música: Mariano Marín Fotografía: Roberto Fernández Productora: Meridional Producciones Género: Drama
Reparto: Carmen Machi, Terele Pávez, Asier Etxeandia, Mar Saura, Emilio Palacios, Christian Sánchez, Paco Tous, Yoima Valdés, Monika Kowalska, Sonia Almarcha, Hugo Ndiaye, Lucía Balas
Sinopsis: Rosa es prostituta, heredó el oficio de Antonia, su madre, quien ahora se cree Sara Montiel y convierte su vida cotidiana en un infierno. Rosa no sabe ser feliz. No puede. Pero la llegada inesperada de un nuevo integrante a su particular (y absurda) familia le dará una oportunidad única para lograrlo.
Drama con regusto a Almodóvar magníficamente interpretado pero carente de la ironía que caracteriza al manchego. Una historia protagonizada íntegramente por mujeres con la prostitución como telón de fondo en una corrala madrileña en la que malviven las protagonistas, que interpretan Carmen Machi, como una prostituta con el corazón enquistado y sobre todo Terele Pávez, que como su odiosa madre ofrece, a su pesar, los momentos de comedia que desengrasan tanta situación dramática que abusa de los recursos expresivos de los planos cortos con los detalles en profundidad de campo. Debut en el largo de Marina Seresesky, que también firma el guión.
EL ELEGIDO (Antonio Chavarrías, 2016)
España/México. Duración: 125 min. Guión: Antonio Chavarrías Música: Joan Valent Fotografía: Guillermo Granillo Productora: Oberón Cinematográfica / Alebrije Cine y Video Género: Thriller
Reparto: Alfonso Herrera, Hannah Murray, Julian Sands, Elvira Mínguez, Frances Barber, Henry Goodman, Gustavo Sánchez Parra, Emilio Echevarría, Javier Godino, Luis Rosales, Brontis Jodorowsky, Alejandro Calva
Sinopsis: España, 1937. Un joven oficial republicano llamado Ramón Mercader es reclutado por el servicio de espionaje soviético para participar en una misión de alto secreto ordenada por el propio Stalin: asesinar a León Trotsky, a quien considera un traidor. Tras prepararse en Rusia, Ramón deja su vida y viaja a París bajo una nueva identidad, la de un belga adinerado llamado Jacques Mornard. Allí conoce a Sylvia, una joven trotskista, quien no tardará en ser seducida por Jacques. En 1940 se reencuentran en México, país en el que Trotsky vive exiliado. Ramón dice refugiarse de la Guerra que asola Europa y Sylvia trabaja como secretaria de Trotsky. Ajena a los verdaderos planes de su amado, Sylvia le abre las puertas de su vida y le introduce en el círculo íntimo de su objetivo
Recién cumplido el 76º aniversario de la muerte de Trotsky, El elegido recrea aquellos hechos centrando su acción en Ramón Mercader, el joven comunista español reclutado por el servicio secreto soviético que está encarnado por el mexicano Alfonso Herrera, y su amante y esposa Sylvia Ageloff, que interpreta la británica Hannah Murray (Juego de Tronos y premios a la Mejor Actriz en Tribeca por Bridgend y especial del Jurado en Sundance por God save the girl). Además de Elvira Mínguez, que encarna a la madre del protagonista, Julian Sands y Roger Casamajor, entre otros.
El asesinato de Trotsky, tal y como fue maquinado y que conocimos en profundidad por el excelente documental Asaltar los cielos (Linares/Rioyo, 1996) podría ser tomada como demasiado fantasioso de haber sido concebido como relato de ficción. El adoctrinamiento y la posterior programación que sufrió Ramón Mercader en la Unión Soviética con el objeto de transformarlo en otra persona totalmente diferente, entra en la más descabellada ciencia-ficción, pero fue un hecho totalmente real. El hermano de la actriz María Mercader se introdujo en los círculos íntimos del político ruso durante su destierro en México gracias a Sylvia Ageloff, a la que previamente en París había enamorado. Simpatizante primero y más tarde secretaria de Trotsky, Mercader la seguirá hasta México, donde esta le introducirá en el círculo íntimo del político y desde donde se maquinará el asesinato tras infructuosos intentos anteriores.
La cinta nos muestra la relación de dependencia emocional que Ramón mantuvo con su madre Caridad, fría y fanatica jerifalte comunista magníficamente interpretada por Elvira Mínguez, que no duda en sacrificar a dos de sus hijos por el Partido. La mentira y la manipulación del otro está representada por el propio Ramón, pero también por su engañada compañera Sylvia, que no se imagina que el hombre con el que convive no existe. Que es una fantasía creada con el único objetivo de cumplir una misión. Tarea en la que ella misma es únicamente una pieza más. Hanna Murray nos trasmite esa tragedia con su sensible interpretación en esta intriga magníficamente construida, impecable e implacable en su ejecución y en el detalle de su ambientación y vestuario, que consigue que en ningún momento podamos ver ‘el cartón’. Sin duda se nota la profesión y experiencia de Chavarrías en el campo del thriller y el género policíaco, ya que consigue construir una envolvente intriga que funciona más allá del biopic o del mero filme basado en hechos reales.
BEN-HUR (Timur Bekmambetov, 2016)
USA. Duración: 124 min. Guión: Keith R. Clarke, John Ridley (Novela: Lewis Wallace) Música: Marco Beltrami Fotografía: Oliver Wood Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) / Paramount Pictures / Sean Daniel Company Género: Drama
Reparto: Jack Huston, Toby Kebbell, Morgan Freeman, Rodrigo Santoro, Nazanin Boniadi, Pedro Pascal, Olivia Cooke, Ayelet Zurer, Sofia Black-D’Elia, Alisha Heng, Marwan Kenzari, Nico Toffoli
Sinopsis: Se nos narra la épica historia de Judah Ben-Hur (Jack Huston), un príncipe judío falsamente acusado de traición por su hermano adoptivo Messala (Toby Kebbell) tribuno del ejército romano. Despojado de su título, separado de su familia y de la mujer a la que ama (Nazanin Boniadi), Judah tiene que vivir como un esclavo. Después de varios años en el mar, Judah regresa a su tierra en busca de venganza pero encuentra la redención.
Nueva adaptación de la novela homónima de Lewis Wallace (1880) que ya fuera trasladada al celuloide con gran éxito en la etapa muda por Fred Niblo (1925) y posteriormente en 1959 por William Wyler como espectacular superproducción en Technicolor. Con tan recordadas adaptaciones se hace difícil la necesidad de una nueva versión de este clásico, pero Timur Bekmambetov, productor y director que a lo mejor recuerdan por algunas simpáticas películas de terror como Guardianes de la noche, Guardianes del día o Abraham Lincoln: cazador de vampiros, se ha liado la manta a la cabeza y se ha hecho cargo de este encargo que, como se veía venir, hace aguas por todos lados.
Quizás el que uno se temiera lo peor consiguió que gran parte de la película nos resultara altamente entretenida y digna, pues se aleja totalmente del remake y apuesta por adaptar la obra de Wallace de forma totalmente diferente a sus predecesoras. Los efectos CGI no chirrían como eran de esperar y se apuesta por el rodaje en escenarios naturales de Italia así como en las colinas de California huyendo, en su inicio, de acción espectacular y ofreciendo un relato intimista, centrando la acción en primeros planos. Y todo eso a pesar de un inicio de esos de cámara nerviosa que hacen preveer lo peor. También a su favor cabe decir que el director actualiza la obra de Wallace dirigiéndola al público de hoy. Introduciendo mensajes conciliadores y, en principio, evitando mostrar milagros y prodigios y retratando a Jesús de Nazareth sencillamente como un hombre de paz.
Pero todo cambia más o menos cuando hace su entrada el exótico personaje que interpreta un Morgan Freeman de lo más rastafari: comenzará la acción desaforada con su cenit en la espectacular, y a veces desbocada, carrera de cuadrigas a lo autos-locos. Y los sentimientos entre hermanos evolucionarán inexplicablemente del más irreconciliable odio al cariño más puro. Además, llegarán los milagros. Todo ello como si de un pegote o una imposición se tratara. Eso si, enmarcado en un espectáculo de lo más blanco ideal para toda la familia.
Protagonizada por Jack Huston, Morgan Freeman, Toby Kebbell, Rodrigo Santoro y Nazanin Boniadi entre otros, mucho nos tememos que este Ben-Hur pasará con más pena que gloria por las carteleras españolas al igual que ha pasado por las americanas. Y es lástima, pues buenas intenciones y algunos momentos interesantes tiene, pero repito, al final todo parece tirarse por la borda dejando en este espectador un gesto de incredulidad.
Fimucité anuncia los títulos que competirán por el premio Alex North
FIMUCINEMA, la sección oficial a concurso del Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife, ha recibido este año alrededor de 1.200 inscripciones, entre las que se han seleccionado 40 cortometrajes, 6 documentales y 5 largometrajes de ficción.
- La película documental “Playing Lecuona” abrirá el programa de proyecciones con su proyección fuera de concurso.
Por cuarto año consecutivo, el Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ) ofrece su sección oficial a concurso FIMUCINEMA, donde se premia el apartado de composición musical tanto para largometrajes de ficción, documentales y cortometrajes y que se desarrollará de manera paralela al festival entre el 23 de septiembre y el 1 de octubre. FIMUCINEMA se inaugurará con la proyección fuera de concurso de la película documental “Playing Lecuona”, de los directores Pavel Giroud y Juan Manuel Villar Betancort, sentido homenaje al legado musical de Ernesto Lecuona que no sólo analiza su valor histórico, sino su relevancia hoy en día a través de la visión de diferentes músicos consagrados como Chucho Valdés, Michel Camilo o Gonzalo Rubalcaba.
Este año FIMUCINEMA ha experimentado otro salto de gigante con respecto a las ediciones anteriores. En lo que se refiere al índice de participación, entre las tres categorías han sido alrededor de 1.200 los trabajos recibidos, con producciones procedentes de todas partes del mundo, con especial aportación de Estados Unidos, España, La India, Italia, Francia, Brasil, Irán, Reino Unido y Alemania.
En total, la selección a concurso consta de 40 cortometrajes, 6 documentales y 5 largometrajes de ficción, que competirán por el Premio Alex North a la mejor partitura escrita para largometraje de ficción y el Premio FIMUCINEMA a la mejor música en las categorías de documental y cortometraje, así como a la mejor canción original.
Como cada año, las proyecciones tendrán lugar en TEA Tenerife Espacio de las Artes entre el lunes 26 y el jueves 29, a partir de las 17.00 horas, con entrada gratuita previa retirada de invitación en taquilla. No obstante, en esta cuarta edición, FIMUCINEMA contará también con la participación del Aula de Cine de la Universidad de La Laguna, Charlas de Cine y Multicines Tenerife, que acogerán la proyección inaugural de «Playing Lecuona» el sábado 24 de septiembre y la apertura de la sección a concurso el domingo 25, además de la proyección final del las películas ganadoras el domingo 2 de octubre, tras ser anunciado el palmarés durante el concierto del viernes 30 en el Auditorio de Tenerife “Adán Martín”.
De entre los trabajos presentados, ha llamado la atención a la organización la cantidad y la calidad de producciones de animación presentadas, de ahí que se haya decidido dedicar un día especial a estos trabajos con un maratón de cortometrajes de animación y la presentación del largometraje de producción francesa “Battledream Chronicle”, una cinta de ciencia ficción que combina referencias al mundo de los videojuegos, el manga y el cómic europeo.
Los otros largometrajes seleccionados son la estadounidense “Native”, la argentina “Pájaros Negros” (nominada a los Premios Cóndor 2016 a Mejor Música Original para Pablo Salas) y las españolas “El Destierro” y “Los Días Vacíos” (esta última, representante canaria en esta categoría).
El apartado de documental está integrado por diferentes trabajos en los que se mantiene la importancia del legado a la hora de trasmitir la historia y la idiosincrasia de las culturas que representan. Así, encontramos los títulos “Ecuador”, “Más Arriba de Todos”, “Mujeres de la Mar”, “Bocagrande”, “Lembranza” o “La Habitación del Fondo” (acerca de la poeta canaria Pino Ojeda).
Dentro de la selección de trabajos nacionales, destaca la presencia de algunos nombres ya consagrados en la industria, como Luis Ivars, Lucas Vidal o César Benito, así como la participación de compositores ascendentes como Ginés Carrión, Luis Hernaiz, Josué Vergara, Alberto de la Rocha, Iván Capillas o Iván Ruiz Serrano. Si bien, se ha procurado que la selección sea lo más internacional posible, como cada año FIMUCINEMA se mantiene fiel también a su compromiso con la producción canaria, con representantes del sector audiovisual de las islas en las tres secciones a concurso, con candidaturas para los compositores René Martín, Carlos Gherrera, Aarón Barreiro, Ner Suárez y Jonay Armas.
El Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ) celebra este año su décima edición gracias al patrocinio del Cabildo Insular de Tenerife, el Gobierno de Canarias y el Ayuntamiento de Santa Cruz.
30 años de Brigadoon: algunas novedades de la edición2016
Terele Pávez recibirá el Premio Nosferatu de la sección, que además rendirá homenajes al director italiano Corrado Farina y a la actriz catalana Emma Cohen
«Brigadoon es también el nombre con que bautizamos a un recién nacido muy particular, a quien deseamos larga vida. Un complejo en los jardines de El Retiro, con salas de vídeo, librería, bar, exposiciones, etc.» Así se describía en el catálogo del Festival de Sitges de 1986 la nueva sección que se inauguraba ese año a cargo de José Antonio Atanes. En Sitges 2016, Brigadoon (en referencia a la extraordinaria película de Vincente Minnelli de 1954, que podrá además recordarse y verse este año dentro de la programación) celebra su 30 aniversario. Una sala interior con entrada gratuita ubicada en el recinto de L’Escorxador donde se puede gozar de una programación fantástica alternativa. Un espacio que ha ido creciendo a lo largo de los años y por el que han pasado nombres tan importantes para el Festival como el propio Ángel Sala, Hernán Migoya, Juanma Pastor o Diego López, este último responsable del Brigadoon desde el año 2010.
La actriz Terele Pávez, nacida en Bilbao en 1939, recibirá este año el Premio Nosferatu de la sección Brigadoon del Festival de Sitges, donde se proyectarán algunos títulos de su filmografía, como 99.9 de Agustí Villaronga. Actriz de tradición familiar, con cerca de cien títulos en su filmografía entre sus papeles en TV y cine, consiguió su primer papel en la película Novio a la vista (1954) de Luis García Berlanga, gracias a la mediación de Jesús Franco, amigo de la familia. Terele Pávez participó en títulos tan importantes para el cine español como Los santos inocentes (Mario Camus, 1984) o El aire de un crimen (Antonio Isasi-Isasmendi, 1988); el aficionado al fantástico la recordará por su vinculación con el director Álex de la Iglesia en trabajos como El día de la bestia (1995), La comunidad (2000), 800 balas (2002) o Balada triste de trompeta (2010), culminando en 2013 con su extraordinaria actuación en Las brujas de Zugarramurdi.
En Brigadoon también se rendirá homenaje al realizador, novelista, documentalista y publicista italiano Corrado Farina, fallecido el pasado mes de julio, director de dos films de culto dentro del cine de género proveniente de Italia de los años 70. Baba Yaga (1973), la segunda película de Farina basada en una de las más populares series de cómic adulto italiano (Valentina), podrá disfrutarse en Brigadoon. Y cómo no, el Festival de Sitges no podía olvidarse de la actriz catalana Emma Cohen, fallecida también este mes de julio. Nacida en Barcelona en 1946, en Brigadoon podrán verse dos de sus películas más aclamadas: Al otro lado del espejo (Jesús Franco, 1973) y ¡Bruja más que bruja! (Fernando Fernán Góme z, 1977). Estos dos tributos se unen al ya anunciado el pasado mes de julio en rueda de prensa: el homenaje al realizador Joan Bosch, que murió el pasado mes de noviembre, con la proyección de sus films A sangre fría o La muerte llama a las diez.
Entre los estrenos que este año presenta la programación de Brigadoon, destaca Ibiza Undead del director británico Andy Edwards, en el que un grupo de veraneantes en la isla de Ibiza se encontrarán con unos anfitriones de lo más ‘interesantes’: zombis. Humor y gore están asegurados. También resalta otro estreno: la nueva película del director italiano Luigi Cozzi (Premio Nosferatu 2012) que estará en 
Sitges para presentar Blood on Méliès’ Moon,un thriller de ciencia ficción que cuenta con la presencia de Dario Argento y Lamberto Bava interpretándose a sí mismos. Junto a la película podrá verse el documental FantastiCozzi, dirigido por Felipe M. Guerra y centrado en la figura del realizador. Siguiendo con el género documental, dos son los tí tulos que también podrán verse en Brigadoon: el documental SPUTNIK!, dirigido por Asier Abio, que analiza, a través de directores y festivales, la situación del cine fantástico independiente y de bajo presupuesto realizado en Catalunya, y The Unauthorized Hagiography of Vincent Price, documental dirigido por Michael Lane, una biografía no autorizada del icono del cine de género, Vincent Price, un curioso mediometraje narrado con la propia voz y los personajes del llamado Maestro de lo Macabro. Tres documentales más a sumar a los ya adelantados por el Festival: Joe D’Amato Totally Uncut: the Horror Experience, dirigido por Manlio Gomarasca y Davide Pulici; el documental Me Me Lai Bites Back: Resurrection of the Cannibal Queen, dirigido por Naomi Holwill, y Satan’s Blood. Memorias de Escalofrío, de Luis Esquinas, centrado en la película Escalofrío (Carlos Puerto, 1978).
Además de los largometrajes de ficción ya desvelados de la programación del Brigadoon de este año como son Peelers, de Sevé Schelenz, o Therapy, found footage dirigido por Nathan Ambrosioni, otro estreno en este espacio será el film catalán de ficción y muertos vivientes, Infección Zombi, opera prima del director Jacint Espuny producida por Kutrefacto Films: una historia post-apocalíptica de zombis con acción y gore hasta hartar.
Para finalizar, como ya es habitual, la tradicional Sitges Zombie Walk tendrá lugar el primer sábado del Festival, que será el 8 de octubre y que volverá a llenar la ciudad de zombis llegados de todas partes.
Las lecturas de Serendipia: Godzilla y compañía pisotean Tokio
LUCHA DE GIGANTES. Godzilla, Gamera, Mothra y otros monstruos enormes de Japón
Juan Luis Sánchez y Luis Miguel Carmona (Tapa dura, 234 págs. Diábolo Ediciones)
Ahora que en breve retornará Godzilla a las pantallas protagonizando una superproducción y que se avecinan encuentros entre el saurio japonés y King-Kong, el entrañable gorila, es un buen momento para echar un profundo vistazo al Kaiju eiga, un subgénero que inundó las pantallas del mundo de actores en traje de monstruo pisoteando detalladas maquetas de Tokio. En España los niños que crecieron durante los años sesenta y sobre todo setenta, pudimos ver cintas como La batalla de los simios gigantes, King-Kong se escapa o Gorgo y Superman se citan en Tokio, películas que desataron nuestra fantasía desde los cines de barrio. Este subgénero, heredero del terror atómico que perduró en el pueblo japonés tras los innecesarios lanzamientos de las bombas en Hiroshima y Nagasaki, dio pie a un buen número de películas con monstruo gigante que, partiendo en 1954 con Godzilla y Japón bajo el terror del monstruo (Gojira, Ishirô Honda) ha llegado hasta nuestros días. Juan Luis Sánchez y Luis Miguel Carmona recopilan en este ameno libro un buen puñado de datos sobre las películas, cómics, merchandising y en general todo lo que ha generado el mundo del Kaiju a su alrededor, con especial dedicación a Godzilla, el primero y más popular de todos ellos, pero dando un repaso a otro populares seres como Mothra, Gamera, Megalon o Rodan y sus respectivas sagas. Los autores, a pesar de declararse fan absolutos de estas cintas, aceptan la pobreza de medios de algunos de estos títulos, que no dudan en calificar como pésimos. Y esa objetividad se agradece.
Gracias a este libro el neófito podrá saber que el Kaiju se divide en de tres épocas: Showa (1954-75), Heisei (1984-1995) y Millennium (1999-2004), cada una de ellas con sus propias características, además de otros datos sorprendentes ¿Saben lo que es el Jumping Shie? o ¿han oído hablar sobre la leyenda de los dos finales de King-Kong contra Godzilla? ¿Sabían que en una de las películas de la saga Godzilla habla? ¿Conocen al ridículo hijo de Godzilla? ¿Y sabían que tanto el padre como el hijo mueren en una de las cintas y que tuvieron que revivirlos ante el fracaso del filme de Emmerich? Pues todas estas cuestiones y muchas otras de más calado encuentran respuesta en las paginas de Lucha de gigantes, sin olvidar las versiones americanas de estas cintas, muchas con diferentes bandas sonoras y duración reducida.
Pero los autores, además de detallar el universo Godzilla, repasando los títulos que protagonizó el lagarto atómico en las tres épocas del Kaiju eiga, se detienen, tal y como ya hemos indicado, en otros derivados como Ultraman y sus kaijus televisivos; el merchandising que ha invadido el planeta de muñecos, cómics o video-juegos; y las filmografías de Godzilla y otros monstruos japoneses, todo ello ilustrado con llamativos posters originales y fotografías a todo color.
Sin lugar a dudas resulta una lectura amena con la que introducirse en el apasionante y pintoresco mundo de los Kaiju eiga.
AL HABLA CON JUAN LUIS SÁNCHEZ: «Conforme pasan los años, los Kaiju adquieren nuevos significados»
Juan Luis Sánchez es uno de los autores de Lucha de gigantes. Nacido en Madrid en 1972, es Licenciado en Ciencias de la Información y redactor y crítico de decine21.com. Ha formado parte de la plantilla de medios como diario Ya, Gaceta de los negocios, Estrenos de cine y Época, entre otros. Ha escrito Audrey Hepburn: Icono de la gran pantalla (Ed. Jaguar) y, junto a Luis Miguel Carmona, Peter Jackson: de Mal gusto a El hobbit (Ed. Jaguar), Tim Burton y sus mundos de fantasía (Ed. Jaguar) y De Perdidos a Star Wars, J. J. Abrams: un hombre y sus sueños, también para Diábolo Ediciones.
¿Por qué has escogido escribir sobre los Kaiju eiga?
Siempre ha sido mi placer culpable. Es decir, los críticos de cine ‘serios’ aseguran que en general tienen baja calidad. Pero no puedo evitar que me encanten, y me recuerden la fascinación que sentía por ellos de niño. Compartía esa pasión por Luis Miguel Carmona, y ahora que está de moda todo lo japonés, y que salía otra versión nipona de Godzilla era el momento genial para lanzar un libro.
¿No te parece que el Kaiju nació en una época y con un mensaje muy concreto que se ha ido diluyendo conforme ha evolucionado en sus tres etapas?
Nació en plena época del terror nuclear, cuando los japoneses todavía estaban conmocionados por la bomba atómica de Hiroshima y Nagasaki. A lo largo del tiempo este mensaje se ha quedado anticuado, ya no tenemos el mismo miedo que entonces, pero seguimos teniendo pánico a que nos destruyan nuestra casa, y a quedarnos sin nada, por lo que conforme pasan los años, los kaiju adquieren nuevos significados.
¿Piensas que el kaiju puede ser bien adaptado por otros países que no sean asiáticos?
Las asíáticas, no sólo las japonesas, sino también sobre todo las coreanas tienen un encanto especial. Pero ha habido excelentes cintas occidentales, destaco sobre todo Gorgo, de 1961, una producción británica dirigida por Eugéne Louirié, rodada con amplio presupuesto y que es realmente buena.
¿Cuál es tu opinión sobre las adaptaciones americanas, en concreto esta última y los proyectos que hay en camino?
En la peli de Gareth Edwards, las escenas de monstruos son brillantes, pero los humanos dejan mucho que desear, cuando dejan de salir los personajes de Bryan Cranston y Juliette Binoche, el film hace aguas. Pero es mucho mejor que la de Roland Emmerich, de 1998, una sucesión absurda de destrucciones que no acaba de funcionar.
¿Para ti cual sería la mejor película con monstruo gigante?
Me quedo con Japón bajo el terror del monstruo (1954), de Ishiro Honda, porque inventó el género, en lugar de abusar de imágenes del monstruo, sugiere mostrando partes del mismo, y compone una atmósfera muy sugerente en blanco y negro. Además, me encantó Gamera 3, la venganza de Iris, de Sushuke Kaneko, menos conocida, pero estupenda.
¿Recuerdas cual fue el primer Kaiju que viste?
Gorgo y Superman se citan en Tokio, en una proyección en el colegio, con los compañeros. Primero fue decepcionante porque no era el Superman que conocíamos, sino un robot gigante que se llamaba en realidad en el original Jet Jaguar, Gorgo no era el monstruo británico, sino Godzilla, y para colmo de males… ¡jamás llegan a Tokio! Pero al final acabamos fascinados por esos monstuos gigantes que nos atemorizaban, pero nos encantaban.
Es vuestro cuarto libro en colaboración ¿De qué forma os repartís la tarea? ¿Os habéis repartido las películas a la hora de comentarlas?
La verdad es que somos un poco caos, pero básicamente nos reunimos mucho para hablar de lo que vamos a poner, y nos repartimos los capítulos. Cuando cada uno acaba de escribirlo, el otro le añade retoques.
¿Por qué habéis dado al libro un lenguaje tan coloquial?
Creemos que así resulta más ameno y accesible a todo el mundo. Ya existen otros libros de cine que pretenden sentar cátedra, con un tono más sesudo, pero creemos que se hace más divertido si lo hacemos más distendido, sin perder la rigurosidad en la documentación y los datos. Hasta ahora nos ha funcionado muy bien en los libros de Diábolo.
Novedad Applehead Team: ‘Héroes de papel y celuloide Vol. 1’ de Alex Medina
De un tiempo a esta parte, los cómics suponen una de las principales fuentes de inspiración de Hollywood, nutriendo a las superproducciones más espectaculares de héroes y villanos que forman parte de una mitología arraigada con fuerza en el imaginario 
colectivo. Sin embargo, lo de adaptar viñetas al celuloide no es algo tan reciente como podríamos pensar, presentándose esta relación entre ambos medios casi desde los orígenes de los mismos. Así, la cantidad de adaptaciones cinematográficas o televisivas de historias nacidas en los cómics puede parecer inabarcable para cualquier lector o espectador que se atreva a investigar sobre ello. Para hacer esta aventura más fácil, Héroes de papel y celuloide, de Alex Medina, desglosa alfabéticamente todas las historietas que han sido trasladadas al medio audiovisual, relatando los orígenes de cada personaje y analizando todas y cada una de sus adaptaciones en imagen real.
Héroes de papel y celuloide es el resultado de un proceso que se ha prolongado durante quince años y que toma forma ahora en publicación impresa a través de la editorial Applehead Team Creaciones, dividida en dos volúmenes debido a la longitud del estudio. En esta primera parte, el autor se centra principalmente en DC Comics, casa de la que han emergido titanes como Batman, Superman, The Flash o Wonder Woman, repasando desde los primeros seriales que daban vida a esos personajes hasta las más recientes producciones cinematográficas y televisivas.
Pero, aunque el grueso del libro esté dedicado a DC, hay hueco también en este primer volumen para tratar las adaptaciones surgidas de cómics de otras editoriales: Archie, Avatar, Boom, Los Comex, Condé Nast, Dark Horse, Darkstorm, EC, Event, Fantagraphics, First, Fleetway o Harris, de las que han surgido El Cuervo, La Máscara o Juez Dredd, entre muchos otros. El segundo volumen, de próxima aparición, se ocupará de Marvel y de otro grupo de editoriales anglosajonas.
Héroes de papel y celuloide es una guía imprescindible para cualquier aficionado a los cómics y especialmente para aquellos interesados en profundizar en su traspaso a las imágenes en movimiento.
Más información:
Samara ha vuelto… ‘Rings’ de Javier Gutiérrez: Tráiler y póster
En esta entrega de la saga de culto de terror Ring, que se estrenará el 2 de diciembre, una joven angustiada por su novio, que investiga la oscura subcultura que rodea una misteriosa cinta de video, de la que se dice que asesina a sus espectadores a los siete días de haberla visto, decide sacrificarse para salvarle, y al hacerlo, un descubrimiento le hiela la sangre: hay una «película dentro de la película» que nadie ha visto jamás…
Dirigida por el español F. Javier Gutierrez (“Tres días”) supone su debut cinematográfico en la meca del cine, dirigiendo a actores como Matilda Lutz, Alex Roe, Johnny Galecki, Aimee Teegarden, Bonnie Morgan y Vincent D’Onofrio.
Fimucité presenta el spot y el cartel de su décima edición
Los ejes temáticos del Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife, la música de Howard Shore y las space operas, se dan la mano en su póster oficial.
El spot publicitario de la décima edición del Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ) y su cartel promocional ya están disponibles. La sugerente pieza audiovisual del festival, que tendrá lugar entre el 23 de septiembre y el 1 de octubre con el patrocinio del Cabildo Insular de Tenerife, el Gobierno de Canarias y el Ayuntamiento de Santa Cruz, ha sido realizada por Vasni Ramos y recuerda el paso por la isla de numerosos compositores que forman parte del Olimpo de la música de cine, renombrados directores de orquesta y otros destacados invitados que han protagonizado momentos estelares en estos diez años. El spot cuenta con imágenes cedidas por I Love Santa Cruz.
De otro lado, FIMUCITÉ celebra la participación en su décimo aniversario del oscarizado autor de las bandas sonoras de las trilogías de “El Señor de los Anillos” y “El Hobbit” Howard Shore dedicándole el cartel de este año. El concierto programado para la Gala de Clausura del festival, que acogerá el 1 de octubre el Auditorio de Tenerife “Adán Martín”, recorrerá la filmografía de Shore con la interpretación de piezas pertenecientes a «El Silencio de los Corderos», «Se7en» y «El Aviador», entre otras películas, por parte de la Orquesta Sinfónica de Tenerife, bajo la batuta de Diego Navarro, el Tenerife Film Choir y el Coro de Voces Blancas del Conservatorio de Santa Cruz de Tenerife.
Obra de Guillermo de la Peña López, el póster rinde también homenaje de forma especial al cine de ciencia ficción y al subgénero de las space operas, que centrarán el concierto del viernes 30 de septiembre que será dirigido por Christian Schumann en la ejecución de la música escrita por John Williams, Jerry Goldsmith, Michael Giacchino, Eric Serra, Hans Zimmer o Steven Price para acompañar las historias y aventuras de los personajes de sagas como “Star Wars” y “Star Trek” y otros títulos imprescindibles del género como «El Quinto Elemento», “Interstellar” o “Gravity”.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 26 de agosto de 2016 *
EXPERIMENTER: LA HISTORIA DE STANLEY MILGRAM (Experimenter, Michael Almereyda, 2015
USA. Duración: 90 min. Guión: Michael Almereyda Música: Bryan Senti Fotografía: Ryan Samul Productora: BB Film Productions / FJ Productions / Intrinsic Value Films Género: Drama biográfico
Reparto: Peter Sarsgaard, Winona Ryder, Taryn Manning, Kellan Lutz, Anton Yelchin, John Leguizamo, Dennis Haysbert, Lori Singer, Josh Hamilton, Anthony Edwards, Jim Gaffigan, Vondie Curtis-Hall
Sinopsis: En 1961, Stanley Milgram llevó a cabo una serie de experimentos sobre la obediencia en la Universidad de Yale. La investigación, planteada a raíz del juicio a Adolf Eichmann (el criminal de guerra nazi que alegó obediencia debida en su defensa durante su juicio en Israel), pretendía dilucidar la relación de las personas con la autoridad. Pronto el doctor comenzó a comprobar ciertos aspectos del comportamiento humano que no habían sido descubiertos, lo que provocará una de las polémicas más impactantes del siglo XX. La violencia del experimentos hizo que Milgram fuera, además, tildado de sádico.
Estrenada en el festival de Sundance, esta película pudimos verla en el Festival de Sitges, en el que fue proyectada dentro de la Sección Órbita. Dirigida por el director de Nadja (1995), cinta que nos ofrecía una visión ultracool del vampirismo a todo blanco y negro, esta película nos propone una atípica y experimental mirada a varios experimentos que dieron pie a teorías que el triunfo de Pokemon Go! y la adicción al móvil en general han confirmado años después: que el humano es fácilmente influenciable y que cuestiona poco o nada la autoridad, a pesar de tener libertad de acción. Va por donde le mandan y adopta con suma facilidad posiciones borreguiles. Y todo ello Almereyda nos lo muestra de forma poco o nada convencional. Sino ¿Qué explica la presencia de niños verdes, elefantes y el continuo hablar a cámara del protagonista? Todo forma parte de esta interesante extravagancia que, lamentablemente, resulta a momentos aburrida y que cuenta con Peter Sarsgaard (al que hemos visto recientemente en El caso Fischer), interpretando a Stanley Milgram y una recuperada Winona Ryder.
HEIDI (Alain Gsponer, 2015)
Alemania/Suiza. Duración: 106 min. Guión: Petra Biondina Volpe (Novela: Johanna Spyri) Música: Niki Reiser Fotografía: Matthias Fleischer Productora: Claussen Wöbke Putz Filmproduktion / Zodiac Pictures International / Schweizer Radio und Fernsehen (SRF) Género: Drama
Reparto: Bruno Ganz, Katharina Schüttler, Jella Haase, Anuk Steffen, Maxim Mehmet, Peter Lohmeyer, Rebecca Indermaur, Hannelore Hoger, Isabelle Ottmann, Quirin Agrippi, Michael Kranz, Heinrich Giskes, Anna Schinz, Monica Gubser, Peter Jecklin, Markus HeringS
Sinopsis: La huerfanita Heidi (Anuk Steffen) pasa los días más felices de su infancia junto a su solitario abuelo, el Viejo de los Alpes (Bruno Ganz), aislado en una modesta cabaña de los Alpes, en las montañas Bündner. Junto a su amigo, Pedro (Quirin Agrippi), cuida de las cabras del abuelo y disfruta de la libertad en las montañas. De repente los días felices llegan a su fin, cuando su tía Dete (Anna Schinz) se la lleva a Frankfurt. Allí, en la familia del adinerado señor Sesemann (Maxim Mehmet), se convierte en la inseparable amiga de Clara (Isabelle Ottmann), una jovencita paralítica que debe aprender a leer y a escribir bajo la supervisión de su estricta institutriz, la señorita Rottenmeier (Katharina Schüttler). A pesar de que las dos niñas se hacen amigas pronto y de que la abuela de Clara (Hannelore Hoger) despierta en Heidi la pasión por leer y escribir, la añoranza por sus queridas montañas y el abuelo es cada día mayor…
Bruno Ganz cambia de registro y pasa de un papel tan extremo como el de Adolf Hitler a otro bien diferente, el del duro, pero de corazón de oro, abuelo de Heidi en esta cinta que adapta la inmortal obra de Johanna Spyri que los niños de mi generación vimos en forma de anime. Así que es inevitable no comparar a los personajes con los recordados caracteres de la serie de animación japonesa. Pero dejando aparte comparaciones, esta cinta es verdaderamente notable. Contiene bellos paisajes de las montañas, pues ha sido rodado en Sufers, Splügen y Bergün, en el Cantón de los Grisones. Pero además muy buenas actuaciones, no tan solo del siempre brillante Bruno Ganz, sino también de la sorprendente Anuk Steffen, actriz de 9 años que resultó seleccionada de entre 500 competidoras en un casting y que interpreta a Heidi a la perfección gracias a su alegría e inocencia. Lo único es que, el recuerdo de la serie hace que las cosas parezca que sucedan más rápido en el filme. Pero ya se sabe, el formato es el formato, y el filme tiene que introducir a todos los personajes, tomando forma física, además del abuelo y Heidi, Clara, Pedro o la Señorita Rottenmeier.
Por cierto, no sale el perro Niebla ¡Cáscaras!
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 19 de agosto *
SECUESTRO (Mar Tarragona, 2016)
España. Duración: 105′ Guión: Oriol Paulo Música: Marc Vaillo Fotografía: Sergi Bartoli Productora: Rodar y Rodar Cine Género: Thriller
Reparto: Blanca Portillo, José Coronado, Antonio Dechent, Macarena Gómez, Vicente Romero, Nausicaa Bonnín, José María Pou, Marc Domenech
Sinopsis: Patricia es una abogada que ve su vida trastornada cuando su hijo Víctor desaparece del colegio. Cuando el chico regresa a casa, asegura que un hombre ha intentado secuestrarlo y lo reconoce en una rueda de identificación. Pero como las pruebas no son definitivas, el sospechoso queda en libertad. Temerosa de que algo pueda pasarle a su hijo, Patricia decide quebrantar los principios y tomarse la justicia por su mano, lo que acabará teniendo consecuencias imprevisibles.
Mar Targarona, directora fraguada en televisión, no puede escapar de lo peor de esa factura con este thriller que se queda en el camino sin alcanzar otros productos mejor acabados como No habrá paz para los malditos o La isla mínima. Nadie está convincente en su papel, y los personajes no están bien perfilados, no consiguiendo que empaticemos con ellos en ningún momento. La intriga no está lo suficientemente bien asentada, de modo que el giro final no resulta siquiera verosímil al estar tan mal trazada la coherencia interna del relato.
Y es una lástima, ya que en Secuestro se reencuentran tres de los protagonistas de la memorable serie Padre Coraje (Beníto Zambrano, 2002), Antonio Dechent, siempre convincente como policía, Macarena Gómez y Vicente Romero, un muy eficaz actor en papeles lumpen que aquí ejerce en el lado de la ley.
STAR TREK: MÁS ALLÁ (Star Trek Beyond, Justin Lin, 2016)
USA. Duración: 120 min. Guión: Simon Pegg, Doug Jung, Roberto Orci, John D. Payne, Patrick McKay (Personajes: Gene Roddenberry)Música: Michael Giacchino Fotografía: Stephen F. Windon Productora: Paramount Pictures / Bad Robot / Skydance Productions Género: Ciencia ficción.
Reparto: Chris Pine, Zachary Quinto, Zoe Saldana, Karl Urban, Simon Pegg, Anton Yelchin, John Cho, Idris Elba, Sofia Boutella, Joseph Gatt, Deep Roy, Lydia Wilson, Joe Taslim, Adam DiMarco, Ashley Edner, Christian Sloan, Jodi Haynes
Sinopsis: El USS Enterprise, la nave insignia de la Flota Estelar liderada por el capitán James T. Kirk (Chris Pine), vuelve a surcar el universo para asegurarse de la protección de la Tierra y del resto de planetas aliados. Pero la tranquilidad durará poco y el peligro acecha. La primera etapa de su misión les llevará a un territorio desconocido, y su travesía de vigilancia pronto se convertirá en una carrera por la supervivencia espacial cuando se enfrenten a un nuevo y fiero enemigo, Krall (Idris Elba), una especie alienígena avanzada. Para frenar sus siniestros planes, Kirk deberá reunir a su equipo y usar todo sus recursos para resolver los desafíos a los que se enfrentarán. A la vez que intentan encontrar el modo de volver a la Tierra, su misión será proteger el futuro de la raza humana y preservar la armonía entre especies…
Esta entrega de la nueva saga de Star Trek es la más floja de las tres, pero eso no significa que nos parezca mala o aburrida. Ni mucho menos. Casi desde el principio no da respiro al espectador, ofreciendo acción desbocada y humor en un espectáculo pirotécnico que, de acuerdo, tiene un argumento muy básico que podría ser el de alguno de los episodios originales. Tan bien arropado y desarrollado como exento de trascendencia. Los personajes han conseguido conquistarnos, hemos empatizado con ellos y tras su climax de impacto dejan al espectador con ganas de más. Bien, de nuevo, por la tripulación del Enterprise y por esta emocionante y bien construida Space Opera a la que se ha incorporado la atractiva Sofia Boutella, actriz a la que ya vimos en acción (y con menos maquillaje) en Kingsman (2014) y a la que volveremos a disfrutar encarnando a la momia en la producción del mismo nombre que está ultimando Alex Kurtzman.
LA ESTACIÓN DE LAS MUJERES (Parched, Leena Yadav, 2015)
India. Duración: 116 min. Guión: Supratik Sen, Leena Yadav Música: Hitesh Sonik Fotografía: Russell Carpenter Sachdeva Productora: Ashlee Films / Blue Waters Motion Pictures / Brillstein Entertainment Partners Género: Drama
Reparto: Adil Hussain, Radhika Apte, Surveen Chawla, Tannishtha Chatterjee, Sayani Gupta, Sumeet Vyas, Mahesh Balraj, Lehar Khan, Chandan Anand, Riddhi Sen, Farrukh Jaffar, Tanya
Sinopsis: En un pequeño pueblo del estado de Gujarat, en la India actual, cuatro mujeres se atreven a oponerse a los hombres y a las tradiciones ancestrales que las esclavizan. Alentadas por su amistad entre ellas y su deseo de libertad, se enfrentan a sus demonios y sueñan con el amor y otro mundo.
La directora Leena Yadav, que debutó con un drama musical protagonizado por la súper estrella femenina Aishwarya Rai y más tarde realizó un thriller con el Teem Patti (juego de cartas indio) y Ben Kingsley como protagonistas, se ha decantado con esta, su tercera cinta, por abordar de forma muy optimista algo que no deja de ser un drama: la condición femenina en la India. Consigue ese optimismo a base de poner, con gran ingenio, mucho humor y una contagiosa vitalidad en las protagonistas de unas historias de mujeres aplastadas por la religión, la tradición y el varón. La estación de las mujeres es un canto a la rebeldía femenina en la que se denuncian ritos y tradiciones ancestrales como el matrimonio concertado, tradiciones que resultarán aún más chocantes para el espectador occidental cuando vea como la misma madre que negocia una esposa para su hijo, responde a una llamada con el móvil que acaba de comprar. La modernidad no borra por ella misma las lacras de la costumbre ancestral, pero sí le introducen ironía, una ironía que al final sí acabará siendo subversiva.
Una prostituta, una mujer maltratada, una viuda joven y una esposa comprada. Mujeres que creen a pies juntillas (o sólo comienzan a pensar que, a lo mejor, no es cierto) el dicho de que «las mujeres que leen no son buenas esposas», protagonizan esta película independiente que muestra una realidad muy diferente a la que nos narra la industria cinematográfica de Bollywood. Destacan las magníficas actuaciones de las protagonistas, así como el tono de auto denuncia que tiene el filme, en el que esas mujeres heridas, maltratadas, encontrarán su momento de libertad y paz gracias a la amistad.
Una magnífica cinta que hay que ver, no tan solo por lo que narra, sino por como lo narra.
LOS CABALLEROS BLANCOS (Les chevaliers blancs, Joachim Lafosse, 2015)
Bélgica/Francia Duración: 112 min. Guión: Zélia Abadie, Bulle Decarpentries Fotografía: Jean-François Hensgens Productora: Versus Production / Les Films du Worso Género: Drama
Reparto: Vincent Lindon, Louise Bourgoin, Valérie Donzelli, Reda Kateb, Yannick Renier, Stéphane Bissot, Tatiana Rojo, Philippe Rebbot, Tibo Vandenborre, Jean-Henri Compère
Sinopsis: Jacques Arnault, presidente de la ONG ‘Move for kids’, planea una gran operación: él y su equipo piensan sacar del Chad a 300 huérfanos, víctimas de la guerra civil, y entregarlos a parejas francesas que han tramitado solicitudes de adopción. La periodista Françoise Dubois los acompaña para cubrir la información. Inmersos en la brutal realidad de un país en guerra, los miembros de la ONG empiezan a desmoralizarse y empiezan a preguntarse cuáles son los límites de una intervención humanitaria.
El director, Joachim Lafosse, se ha apoyado en un suceso real (conocido como el caso del Arca de Noé) para desarrollar esta narración que trata sobre el relativismo moral y las difusas fronteras entre el bien y el mal. “Me apasiona el tema del infierno lleno de buenas intenciones”, explica el director, quien se vio muy interesado por una historia en la que personas con buenos propósitos terminan por llevar a cabo actos inmorales. Como sigue explicando Lafosse, «Con Los caballeros blancos deseé ponerme del lado de los africanos que ignoran totalmente las intenciones reales de los humanitarios franceses. Les dicen que se harán cargo de huérfanos hasta la edad de 15 años, que les alimentarán, alojarán e instruirán… y se lo creen. Algunos llegan a entregar a sus hijos con la muy loable intención de ponerles a salvo y alejarles de la miseria. Su actitud está dictada por la necesidad y no tiene nada que ver con la de los supuestos profesionales del humanitarismo, que planean llevarse a esos niños porque unas familias francesas desean adoptarlos, partiendo del principio de que su futuro será mejor en Francia que en un país en guerra». Algo muy similar a lo que nos mostró, en clave de terror, el francés Pascal Laugier en su incomprendida El hombre de las sombras (The Tall Man, 2012), aunque enmarcado dentro de un conflicto clasista.
Protagonizada por Vincent Lindon, actor al que vimos recientemente en la fantástica La ley del mercado, da vida a Jacques Arnault, el principal responsable de la misión ‘humanitaria’. Tal y como explica el director: «Vincent aporta al personaje la dimensión necesaria para que el espectador se adhiera a la idea: no es un hombre interesado, es generoso, y si se ha dejado llevar por una acción moralmente inaceptable, ha sido de forma inconsciente. Para él, «salvar a los niños» basta para justificar las mentiras y la realidad: el rapto de niños. Al contrario de su compañera Laura, interpretada por Louise Bourgoin, que tiene fe en la misión – casi parece sacada de «Los justos», de Albert Camus -, el personaje de Arnault, a fin de cuentas, solo cree en sí mismo. Él es lo sagrado, él es la ley. No habría podido hacerlo sin Vincent Lindon, me ofreció su inteligencia».
El peliagudo tema de las ONG’s visto en clave negativa, reflejando la relación del primer mundo con los dramas del tercero y el papel mesiático adoptado por estos salvadores de pacotilla occidentales que lo único que buscan finalmente es, como siempre, el expolio y el robo, en este caso de niños. Con la acción ubicada en Chad pero rodada en Marruecos, el director ha querido darle un aire documental, por lo cual ha prescindido de banda sonora optando también por un rodaje cámara en mano, directo y de aspecto descuidado para dar verosimilitud a su cinta, algo que sin duda ha convencido ya que el director se hizo con la Concha de Plata al mejor director en el Festival de cine de San Sebastián.
‘Inside’, de Miguel Ángel Vivas, inaugurará Sitges 2016
La producción catalana es un remake de la cinta francesa ‘À l’intérieur’, escrito por Jaume Balagueró y Manu Díez, con reparto internacional y rodado en inglés
El Festival de Sitges levantará el telón de su 49ª edición con la première europea de la terrorífica Inside, una cinta dirigida por Miguel Ángel Vivas (Secuestrados, Extinction), con guión de Jaume Balagueró y su colaborador habitual Manu Díez, y protagonizada por Rachel Nichols y Laura Harring. Se trata de una producción de Adrián Guerra y Núria Valls (Nostromo Pictures).
Los peores temores de la audiencia cobrarán vida en Inside, película inaugural de la 49ª edición del Sitges – Festival Internacional de 
Cinema Fantàstic de Catalunya, que tendrá lugar del 7 al 16 de octubre. El certamen apuesta, una vez más, por la producción autóctona en su gala de apertura, reafirmando su compromiso con el cine catalán.
La historia de Inside sigue los pasos del film en que se basa, À l’intérieur, dirigido por Alexandre Bustillo y Julien Maury, que impactó el público en Sitges 2007 y se ha convertido en una cinta de culto. Así, una joven viuda, embarazada y deprimida, intenta reconstruir su vida después del fatídico accidente de tráfico en el que perdió a su pareja y su oído de manera parcial. Ahora, a punto de dar a luz, vive en una casa aislada de un suburbio cuando, una noche de Navidad, recibe la visita inesperada de otra mujer con un objetivo demoledor: arrebatarle el bebé que lleva dentro. Pero la furia de una madre para proteger a su hijo nunca puede ser subestimada. Rachel Nichols (The Loop, Tokarev, Cuatro Fantásticos) y Laura Harring (Mulholland Drive, Inland Empire, El amor e n los tiempos del cólera, The Punisher) interpretan los dos papeles principales en esta lucha cuerpo a cuerpo, brutal y sangrienta.
Inside está producida por Nostromo Pictures, una compañía con base en Barcelona que ha estado detrás de los films de Rodrigo Cortés Buried y Red Lights; Grand Piano, que inauguró el Festival de Sitges en 2013 o el éxito de taquilla Palmeras en la nieve. Tiene en marcha los thrillers El guardián invisible y Contratiempo.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 12 de agosto *
EL CASO FISCHER (Pawn Sacrifice, Edward Zwick, 2014)
Algo que a priori podría resultar (al menos para algunos) soporífero, como es un campeonato de ajedrez, se convierte en una emocionante intriga gracias a una perfecta conjunción de elementos. Y es que el magnífico guión de Stephen Knight (Promesas del Este) y la acertada dirección de Edward Zwick no habrían tenido tan buen resultado de no contar con dos protagonistas de peso, como son Tobey Maguire, como el jugador americano Bobby Fischer, y Liev Schreiber como Boris Spassky, jugador ruso a quién ganarle representará toda una obsesión para Fischer. Una partida de ajedrez que será mucho más que eso: será el objeto de la vida del americano. Schreiber, que por cierto, interpreta todo su papel expresándose en ruso, realiza un perfecto trabajo en esta cinta magníficamente medida. Y lo mejor es que no se trata de una película para forofos del ajedrez, muy al contrario, las jugadas no serán mostradas, pero sabremos, por las expresiones de los actores, el grado de dificultad o la maestría demostrada por el contrincante. Seremos testigos de la paranoia que persigue al jugador americano y que finalmente le hace perder la cabeza. Y es que la linea divisoria entre la genialidad y la locura es, muchas veces, muy delgada. Pero todo esto queda en segundo plano. El biopic, al igual que hiciera Tim Burton con su obra maestra Ed Wood, deja al biografiado en su momento más dulce, evitando narrar su caída.
CAZAFANTASMAS (Ghostbusters, Paul Feig, 2016)
Reparto: Melissa McCarthy, Kristen Wiig, Leslie Jones, Kate McKinnon, Cecily Strong, Chris Hemsworth, Andy Garcia, Michael Kenneth Williams, Neil Casey, Matt Walsh, Nate Corddry, Mark Burzenski, Pat Kiernan, Nick Austin, Bill Murray, Ernie Hudson, Sigourney Weaver
Sorteamos dos entradas dobles para el preestreno de ‘Nunca apagues la luz en’ Barcelona
«una película de terror sorprendentemente maternal que confía tanto en unos conflictivos lazos emocionales como en el suspense sobrenatural para crear tensión (…) Un sólido debut para el director sueco David F. Sandberg»
The Hollywood Reporter
Proyecto Naschy y Blogos de Oro sortean dos entradas dobles para el estreno terrorífico de este verano.
¿Qué has de hacer para venir con nosotros al preestreno de Nunca apagues la luz el próximo jueves 18 a las 20h en los Cines Bosque de Barcelona? Sencillo:
- Pon ‘Me gusta’ en: https://www.facebook.com/BlogosDeOro/?fref=ts
- Responde bajo esta entrada a la siguiente pregunta: ¿Cuál fue el primer cortometraje dirigido por James Wan?
Las dos primeras personas en contestar en esta entrada del blog tendrán a su disposición dos invitaciones dobles para el preestreno en Barcelona de ‘Nunca apagues la luz’, que tendrá lugar el jueves 18 de agosto a las 20 horas en los cines Bosque.
¡¡Gracias por participar!!
Sinopsis: Hace tiempo que Rebecca se fue de casa. La joven estaba convencida de haber dejado atrás sus miedos de la infancia, al fin y al cabo, ¿qué niño no ha temido la oscuridad y lo que en ella puede ocultarse? Pero ahora Martin, su hermano pequeño, está experimentando los mismos escalofriantes sucesos que casi le hicieron perder la cordura a ella. Ambos ven amenazada su seguridad al ser perseguidos por una extraña y peligrosa criatura que solo aparece cuando reinan las sombras.
Sitges 2016 se prepara con dos sesiones de cortos fantásticos al aire libre
Faltan menos de dos meses para la 49ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya y, para hacer más agradable la espera, el Festival organiza dos sesiones de cortometrajes en el Port de Sitges – Aiguadolç y en la Piscina Municipal, los próximos días 14 y 19 de agosto.
Esta iniciativa se celebra desde hace cuatro años. En esta ocasión, se proyectarán doce cortos de género fantástico seleccionados por responsables del comité de programación del Festival, que presentarán las sesiones. También se contará con la presencia de algunos de los realizadores.
Programa
Domingo, 14 de agosto, a las 23 horas
Port de Sitges – Aiguadolç (Moll de Llevant)
Entrada gratuita
Duración total: 67 minutos
Madre de Dios, de Gigi Saul Guerrero. Una mujer se despierta atada en un altar totalmente indefensa y es transformada en una estatua por un par de viejos brujos, los cuales tienen el propósito de consumar un conjuro para invocar al Anticristo. (7 minutos)
Marta Juega sola, de Carlos Molinero. Diana y su madre llegan a una casa nueva. Una casa con mucha luz, con un pasillo enorme y con alguien que lleva demasiado tiempo jugando sola. (12 minutos)
Vamp, de Denise Castro. Vamp y Vlad, dos vampiros enamorados, huyen de la destrucción de su planeta natal, viajando a través de la galaxia hasta un planeta abandonado, pero… ¿qué harán cuando se acaben las reservas de sangre? (10 minutos)
Disco inferno, de Alice Waddington. Una funcionaria infernal tiene la misión de rescatar a su superior. Pero el Diablo está dispuesto a volver a su rutina diaria… (12 minutos)
Sirena negra, de Elio Quiroga. Adaptación de la obra teatral de Vanessa Montfort, esta es la historia de la Sirena Negra, que vive oculta en las cloacas, bajo la gran ciudad. (18 minutos)
Caradecaballo, de Marc Martínez. Thriller, terror, comedia, ciencia ficción y drama con veinte euros de presupuesto y protagonizado por el director y su abuela. (8 minutos)
Viernes, 19 de agosto, a las 22 horas
Piscina Municipal (Camí de la Fita, s/n)
Entrada Gratuita
Duración total: 59 minutos
They Will All Die in Space, de Javier Chillon. El transbordador espacial Tantalus viaja a la deriva. (15 minutos)
El encendedor cuántico, de Pau Escribano. Una pareja está en un bar. Cuando él vuelve del baño le dice que no es él, que viene del futuro, y le pide que haga algo que ella no habría pensado nunca que tendría que hacer. (5 minutos)
Restart, de Olga Osorio. Andrea está atrapada en un bucle temporal. ¿Conseguirá romperlo? (15 minutos)
Djävulen, de K. Prada, J. Prada. El diablo. (4 minutos).
Formas de jugar, de Gemma Blasco. En una habitación de hotel aparece un cadáver. Durante los minutos anteriores y posteriores al descubrimiento del muerto, cuatro personajes han estado muy cerca. Un juego de pistas que busca la verdad. (11 minutos)
Silente, de Paco Ruiz. Anori es un esquimal que vive en el planeta Silent. Un día se ve sorprendido por un artefacto caído del cielo. (9 minutos)
Serendipia
Proyecto Naschy 
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