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‘CutreCon, el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid’, regresa con el peor «cine espacial».
LA CUTRECON SE VA AL ESPACIO
“Es curioso ver cómo algunas de las peores cintas de la historia del cine son de ciencia-ficción y, en particular, aquellas cuyo escenario es el espacio profundo” dice Carlos Palencia, director de CutreCon. “Y es que este tipo de películas requieren una puesta en escena muchísimo más elaborada para que funcionen en una pantalla. Sin embargo, nos complace ver cómo multutud de cineastas a lo largo de la historia han intentado rodar sus propias versiones de ‘Star Wars’ o ‘Alien’ sin apenas medios, consiguiendo exactamente lo contrario de lo que se proponían y brindándonos algunas de las mayores joyas del cine cutre”.NUEVAS SEDES
La organización se complace en anunciar dos nuevas sedes, que se suman al Palacio de la Prensa (Plaza del Callao, 4) y a la Casa del Reloj de Matadero Madrid (Paseo de la Chopera, 10): el emblemático Cine Doré – Filmoteca Española (C/ Santa Isabel, 3), que acogerá la maratón gratuita del viernes 26 de enero; y los Cines Conde Duque Verdi Alberto Aguilera (C/ Alberto Aguilera, 4).
El Cine Doré – Filmoteca Española, que acogerá la maratón gratuita del viernes 26 de enero, es el epicentro de la cinefilia española: por allí pueden verse clásicos
atemporales del cine, películas inaccesibles en salas comerciales, cine de autor de todos los rincones del mundo y ciclos dedicados a reconocidos cineastas (por allí han pasado Pedro Almodóvar, Abel Ferrera o David Lynch entre otros).
“Cuando pensamos en la Filmoteca Española, inevitablemente la asociamos a cine de calidad” afirma el director de CutreCon, Carlos Palencia. “Va a ser toda una experiencia ver en la pantalla del Cine Doré algunas de las peores películas de la historia. No podríamos contar con mejor escenario para nuestro festival, es todo un honor, y desde aquí quiero darles las gracias a los responsables de la Filmoteca Española por cedernos sus instalaciones”.
Por su parte, los Cines Conde Duque Verdi Alberto Aguilera, una de las salas con más solera y tradición de la capital, serán el nuevo hogar de la maratón de la última jornada de CutreCon VII, que este año estará dedicada a las peores versiones filmadas de ‘E.T. El extraterrestre’, y que consecuentemente ha sido bautizada con el nombre de Etetón.
“Necesitábamos una sala más grande ante la creciente expectación que genera la maratón de la última jornada” explica Palencia. “Los Cines Conde Duque Verdi Alberto Aguilera son perfectos por su aforo, su situación y la comodidad de sus salas”.
TEASER PÓSTER
El póster es obra del artista gráfico Carlos Casas Carpintero, quien ha homenajeado los carteles de los filmes de extraterrestres de serie B de los años 70 que podían verse en los videoclubes de aquella época, y a la vez nos muestra la comicidad de los escasos recursos y efectos especiales con los que cuentan las películas que se podrán ver en CutreCon VII.
ENTRADAS YA A LA VENTA
Por primera vez en sus ya siete entregas, la organización del festival ha decidido poner a la venta un número muy reducido de abonos VIP que incluyen todas las sesiones de CutreCon (con asientos preferentes en las sesiones gratuitas), merchandising oficial del festival, cena con los invitados y la concesión de estatus de mecenas de CutreCon por 50 euros, que ya están disponibles a través de Entradium. Asimismo, las entradas para la maratón de la última jornada, la Etetón, que incluye cuatro películas aún por confirmar, están a la venta por 14 euros también a través de Entradium.
Todas la información y novedades del festival entará detallada y actualizada en la web oficial de CutreCon.
La CutreCon está organizada por los responsables de la web de cine y humor Cinecutre.com con el patrocinio de WTF?! Smart Sticker, la editorial Applehead Team,
junto con el apoyo del Distrito de Arganzuela de Madrid, así como con la colaboración de Filmoteca Española, el cine Palacio de la Prensa, Cines Verdi, la asociación Pop Culture España, la distribuidora Trash-O-Rama, la productora de comedia Conejornio Producciones, las tiendas Freakland y Trampantojo, la red Cortoespaña y la web Nanarland.com
Estas Navidades Gizmo quiere volver a verte… ‘Gremlins’ retorna a los cines
39 Escalones se ha propuesto que la magia retorne a los cines. Si ayer mismo anunciábamos el retorno a los cines de Terminator 2, ahora comunica que el próximo 29 de diciembre le llegará el turno a la obra maestra de Joe Dante. Sin lugar a dudas una oportunidad única de ver estas películas en todo su explendor y en el medio para el cual fueron creadas.
STEVEN SPIELBERG PRESENTA
GREMLINS
REESTRENO EN CINES de ESPAÑA – A PARTIR DEL 29 de DICIEMBRE
Dirigida por JOE DANTE
Guion de CHRIS COLUMBUS
ESTADOS UNIDOS. 1984. 106 min.
NO RECOMENDADA MENORES DE 12 AÑOS
A partir del 29 de diciembre de 2017, y durante tiempo limitado, vuelve a la gran pantalla una de las películas más icónicas de los años 80: GREMLINS. Con Steven Spielberg en la producción ejecutiva, la dirección de Joe Dante y el guion de Chris Columbus la película se convirtió en uno de los grande éxitos de taquilla de la década.
Sinopsis: Es navidad y Billy recibe un regalo de su padre: una simpática y extraña criatura, un mogwai. Para que todo marche bien solo tendrá que cumplir tres reglas muy sencillas: no darle de comer pasada la medianoche, evitar que tenga contacto con el agua y no exponerlo a la luz del sol.
Todo transcurre plácidamente hasta que las reglas se rompen…
THE SCREEN: una iniciativa para impulsar la producción audiovisual y el talento emergente español
Nace THE SCREEN: una iniciativa para impulsar la producción audiovisual y el talento emergente español
En el marco de THE SCREEN, se presenta LA INCUBADORA que abre la convocatoria para el desarrollo de proyectos de largometraje
LA INCUBADORA seleccionará cinco proyectos de largometraje que recibirán 10.000 euros en concepto de ayuda al desarrollo
También se presentan los programas OpenECAM, un nuevo espacio de COWORKING y una BOLSA DE EMPLEO
Gemma Vidal (program manager de LA INCUBADORA y Gonzalo Salazar-Simpson (director de la ECAM) Fotos: Rigel Pomares
ECAM, Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid, ha presentado su nuevo proyecto, THE SCREEN, destinado al impulso de la producción de largometrajes, al apoyo del talento emergente y a dinamizar el tejido audiovisual.
Gonzalo Salazar – Simpson, director de la ECAM y Gemma Vidal, program manager de La Incubadora han dado a conocer los detalles del nuevo sello de la escuela. THE SCREEN nace para impulsar la creación de nuevos proyectos de largometraje y con la intención de ser un puente entre la ECAM y la industria audiovisual europea. A través del programa La Incubadora abre una convocatoria a la participación de proyectos de largometraje para toda España.
“Como fundación sin ánimo de lucro, la ECAM tiene en sus principios fundacionales el deber y la voluntad de impulsar la industria audiovisual española. Con ese objetivo hemos creado THE SCREEN, el nexo de la ECAM con el sector audiovisual europeo. Para nosotros es fundamental establecer alianzas entre instituciones, empresas, organismos internacionales y los profesionales del sector. THE SCREEN da respuesta a dos objetivos fundamentales que nos planteamos hace años: acelerar la producción de largometrajes españoles y acortar la inserción laboral de los profesionales audiovisuales desde la finalización de sus estudios hasta convertirse en jefa/e de equipo” explica Gonzalo Salazar-Simpson, director de la ECAM.
THE SCREEN acogerá un conjunto de proyectos pioneros en España, algunos dirigidos a la Comunidad ECAM (alumnado, Alumni y profesores) y otros abiertos a profesionales de todo el sector, como es el caso de LA INCUBADORA, un programa de desarrollo de proyectos cinematográficos dirigido a productores, directores y guionistas emergentes residentes en España a través de mentorías, asesoramiento grupal e individual, workshops y financiación de cinco proyectos seleccionados por su calidad y potencial internacional. Cada uno de los proyectos seleccionados recibirá 10.000 € en concepto de ayuda al desarrollo.
“El objetivo de La Incubadora es generar un espacio de trabajo para cinco equipos de productores, guionistas y directores emergentes donde desarrollar sus proyectos de largometraje de la mano de expertos y asesores a la vez que reciben una ayuda económica para que se concentren en los proyectos. A mí en particular me interesa que esos cinco proyectos tengan perfiles distintos, que la directora que va a hacer su segunda película se encuentre con un director novel, que los proyectos respondan a géneros diversos… creo que en la mesa de trabajo va a ser fructífero e interesante buscar perfiles que puedan complementarse de algún modo, tanto en los proyectos como a nivel humano” destaca Gemma Vidal, program manager de La Incubadora.
La convocatoria de La Incubadora está abierta a largometrajes de cualquier procedencia y género y contará con la participación como asesores de profesionales de la industria audiovisual como:
MARISA FERNÁNDEZ ARMENTEROS, productora asociada en la división de cine de Mediapro.
KOLDO ZUAZUA, productor en Kowalski Films.
VALENTINA VISO, guionista de María (y los demás).
ALBERTO RODRÍGUEZ, director de La Peste, La Isla Mínima.
MAR COLL, directora Tres días con la familia, Todos queremos lo mejor para ella),
SUSANA HERRERAS, responsable de desarrollo de series de Movistar+.
DIEGO SAN JOSÉ, guionista de Fe de Etarras, Ocho Apellidos Vascos.
ENRIQUE URBIZU, director de No habrá paz para los malvados, Gigantes.
Además contará con la participación de representantes de fondos y programas internacionales como MEDIA, EURIMAGES, IBERMEDIA; festivales como el International Documentary Film Festival Amsterdam (IDFA) y compañías de ventas internacionales como Visit Films o Rise and Shine World Sales.
Próximamente están previstas nuevas incorporaciones de profesionales, festivales, foros y los principales operadores de contenido de pago, entre otros.
Además, THE SCREEN continúa con la línea que ha mantenido la escuela en la colaboración con más de 200 proyectos audiovisuales en los que participan Alumni a través del programaOpenECAM.
Otra novedad que acoge THE SCREEN, es la creación de un espacio de coworking de 300 m² con capacidad para 90 personas y dos salas de reuniones para el libre uso por parte del alumnado, Alumni e incubados.
Por último, con el objetivo de facilitar la inserción laboral de los graduados de las distintas titulaciones de la ECAM, tanto en Diplomaturas como Postgrado, se pone a disposición de empresas y Alumni una Bolsa de Empleo que permita conectar a los profesionales cualificados con las empresas del sector.
ECAM anunciará, a partir de 2018, nuevas iniciativas destinadas a la internacionalización del sector.
Más información y materiales de prensa en www.thescreen.es
Serendipia’s Sitges Film Festival 2017. Décima cápsula
SÁBADO 14 DE OCTUBRE Fotos: Serendipia
Y Serendipia arriba a su última jornada del festival con acusado cansancio y cuatro títulos con los que cerrar esta edición número 50. Vamos a ello:
Tras su debut en la dirección hace tres años con Let Us Pray, el irlandés Brian O’Malley fue el encargado de clausurar la 50ª edición del Festival de Sitges con The Lodgers, un cuento de horror gótico situado en la Irlanda rural de principios del siglo XX que narra la historia de los gemelos Rachel y Edward. Ambos huérfanos viven solos 
en la decrépita casa familiar la cual arrastra una maldición que se remonta a sus ancestros y que se cumplirá cuando ellos alcancen su mayoría de edad. Linajes malditos, perpetuados por la sangre y el incesto, condenados a desaparecer protagonizan esta cinta ambientada en una sociedad, la victoriana, también en proceso de desaparición (con ese punto final que marcó el estallido de la Gran Guerra, puerta de entrada hacia el siglo XX). Un relato con trasfondo lovecraftiano, en el cual entidades ocultas en lo profundo devorarán a esa estirpe decadente. Destaca su estética delicuescente, con su frío cromatismo, perfectamente acorde con lo que su director quiere transmitir. Si bien no es rabiosamente original, sí que resulta una producción correcta y convincente. El festival contó con la presencia de, además de parte de los productores, el director y su protagonista, la madrileña Charlotte Vega, actriz afincada en Sitges.
Tras una pieza de misterio de época, nuestro siguiente puerto nos hacía desembarcar de nuevo en nuestro siglo y a uno de sus problemas de más rabiosa y lamentable actualidad: el acoso y abuso escolar. Viajamos de lo imaginario a lo asfixiantemente real con el anime A Silent Voice (Naoko Yamada), adaptación del manga de Yoshitoki Oima. Usa un dibujo bastante estándar de los anime para chicas (shôjo) cuya dulzura contrasta con la dureza de su temática. La historia nos muestra los dos lados del acoso, el punto de vista del maltratador y el de quien sufre las vejaciones. Por ambos estadios transita su protagonista, Ishida, quien aprende una valiosa lección que le llevará a buscar a Nishimiya (la niña sorda a la que él acosó) después de unos años, para intentar redimir su pasado. Un relato de madurez que nos acerca a una cultura la japonesa que tiene su particular forma de vivir el bullyng (en japonés ijime) por el arraigo del sentimiento de culpabilidad y por su poca facilidad para expresar sus emociones. No es en absoluto un filme pesimista, antes al contrario, además de mostrar los traumas que provoca este tipo de comportamientos, también se podrán ver otros elementos como la superación, la amistad y algún que otro atisbo de romanticismo. Como nota curiosa, la películase inicia con My Generation, himno generacional de The Who , cosa que promete toda una garantía de calidad y buen gusto.
Nuestra sesión de tarde fue un curioso programa doble compuesto por dos películas en las antípodas la una de la otra. Si despegábamos con una de las pocas piezas de género puro que consumió Serendipia en esta edición, What 
Happened to Monday, la tarde noche se cerraba (y se clausuraba nuestro personal Sitges 2017) recalando en el surrealista imaginario de Raoul Ruiz con La telenovela Errante, cinta que fascinó a la mitad de Serendipia (a la otra psé) tanto que ni siquiera se enteró de la nutrida deserción del público del Prado.
What Happened to Monday es una distopía futurista que pone su foco sobre la superpoblación y el consecuente colapso de la sostenibilidad que conlleva. El punto distópico lo introduce la solución de proclamar la política del hijo único (no tan lejano de lo que ocurre en países que padecen el problema como es el caso del gigante chino). Y por único se entiende que sólo se podrá tener una criatura y una sola vez por familia. El principal problema serán los gemelos, muy abundantes en esa sociedad futura por los mismos desarrollos genéticos con los que se ha buscado generar alimentos, sólo podrá vivir uno, los hermanos del primogénito serán cryonizados (en teoría) a la espera de una mejor solución. Si una pareja de gemelos es problemática que no ocurrirá con siete, esta es la premisa de la que parte Tommy Wirkola en su segunda película americana. Un director ya conocido en Sitges desde que en 2009 aterrizara con sus nazis zombies y que entra con esta pieza en un cine más serio, pero sin perder su lado de desenfreno y comicidad. Nos trae, pues, la historia de siete chicas idénticassalvadas por su abuelo de ser procesadas y llevadas a congelar. Él, interpretado por un excelente Willem Dafoe, llama a las siete niñas como los días de la semana y les enseña a salir solo el día que corresponda con su nombre. Todas ellas deberán vivir la vida de Karen Settman y no podrán vivir una vida fuera de la ya establecida por su abuelo, todo ello para lograr sobrevivir. Evidentemente, la estratagema falla el día que una de ellas no regresa, a partir de aquí el componente distópico se relaja y entramos en un entretenido relato de acción. Lo que más resalta en esta producción de Netflix es su prodigio técnico para mostrar a los siete personajes interactuando juntos. Y tan importante como los aspectos técnicos resulta ser el trabajo de su(s) protagonista(s), Noomi Rapace. La actriz supera con nota la dificultad de interpretar a siete personajes a la vez idénticos y muy diferentes entre sí, todo un juego de matices, y a la vez se confirma como la heroína de acción que demostró ser en Prometheus (2012, Ridley Scott). Un último apunte sobre esta cinta es señalar la grandiosa villana que es siempre, más allá de la calidad de los guiones, Glenn Close.
Y esto se acaba, señores. Y lo hace con esa cinta perteneciente a la sección Seven Chances que es, La telenovela errante (2017) la primera película del chileno Raoul Rúiz tras su exilio que se rodó durante seis días de noviembre de 1990 permaneciendo inédita hasta hoy. Un trabajo visionario para el momento que se vivía en Chile, de cuya sociedad explora su superficie, aparentemente banal, utilizando para ello el lenguaje de la telenovela, muy representativa para su director para el que, «La realidad chilena no existe, más bien es un conjunto de teleseries. (…) Los problemas políticos y económicos están disueltos en una jalea ficcional dividida en capítulos vespertinos«. Película que estaba desaparecida y que, en «un acto de amor de ultratumba» su viuda, Valeria Sarmiento, logró recomponer dejando sus cinco horas de material en poco más de setenta escasos minutos de duración repletos de humor y un sentido del absurdo realmente adelantado en el tiempo. La telenovela errante se estrenó el pasado agosto en el Festival de Locarno.
Han sido 42 películas en 10 días. 42 Historias bien diferentes en un tour de force cinéfago del que, en nuestra última píldora, extraeremos todas las conclusiones.
Serendipia’s Sitges Film Festival 2017. Novena cápsula
VIERNES 13 DE OCTUBRE Fotos: Serendipia
Fecha fatídica en el festival de Sitges, porque ya marca el final de unos agotadores días y porque haciendo honor a su número, nos dio mal fario. Pero vayamos por partes.
Bien temprano, Serendipia inaugura su jornada cinéfaga con la que aún no sabíamos que sería la ganadora del festival. Jupiter’s Moon del húngaro Kornél Mundruczó se inicia (al igual que la comentada Purgatoryo) situando al espectador como protagonista de un momento tan fundamental como incómodo. En este caso, seremos uno más de los aterrorizados refugiados sirios que intentan cruzar la frontera húngara hacia una Europa que, lejos de lo soñado, es hostil, todo en imposible plano secuencia con el que trasmitir la tensión del momento, su enorme confusión y zozobra (literalmente esto último, los botes que les transportan se hunden y, en un alarde de cámara, nosotros los acompañamos bajo el agua). La cámara corta el plano cuando la policía abate a tiros al protagonista. Somos testigos de la muerte injusta de un inocente. O al menos eso creemos, pues ha recibido tres disparos mortales de necesidad. Un médico corrupto será el responsable de revisar el caso y testigo de un hecho excepcional: el individuo además de sobrevivir a los impactos, levita. Así que el médico descubrirá dos cosas: que los milagros existen y que pueden dar mucho dinero. Al tiempo que se pregunta si realmente existen los ángeles.
Como vemos la irrupción del fantástico tiene lugar en medio de un tema candente, al igual que ya hiciera el director con aquella revolución de los (perros) descastados en White Dog (2014). Pero en Jupiter’s Moon añade, además, referencias inequívocamente religiosas a la historia, dejando abierta la puerta a la esperanza con la redención del desencantado médico y del incansable policía.
Strangled (A Martfüi Rém, 2016) nos sitúa de nuevo en Hungría pero en esta ocasión para revisar un hecho real acontecido a mediados de los años cincuenta que sólo ha podido abordarse libremente al haber fallecido los protagonistas. La película de Árpád Sopsits, que el propio realizador pidió que viéramos con la mente abierta, relata la historia del primer asesino en serie del nuevo régimen húngaro. Un asesino que ya fue juzgado y condenado a cadena perpetua por asesinar a su novia, pero que salió libre tras cumplir tan solo siete años de condena, retomando sus actividades necrófilas mientras un inocente es condenado por sus crímenes. Realista hasta llegar a la crudeza (las imágenes de los asesinatos no nos son escatimadas y nos son presentadas sin ningún pulido), Strangled retrata magistralmente, con el carácter seco de una crónica negra, toda aquella época gris en la cual el asesino en serie, producto del capitalismo, no podía darse en las sociedades comunistas, absolutamente perfectas según sus mentores. Algo que también retrató la fantástica Ciudadano X (Citizen X, Chris Gerolmo, 1995) aquel telefilme ganador, por cierto, en categoría a mejor película, director y actor en la edición del festival de Sitges de ese año.
Tras un asesino en serie, tocó el turno de un caníbal: Issei Sagawa, criminal japonés culpable de asesinato y canibalismo cometido contra Renée Hartevelt. El 11 de junio de 1981, Sagawa estaba estudiando literatura de vanguardismo e invitó a la mujer a cenar en su casa con la pretensión de conversar sobre literatura. Después de la llegada de la estudiante y de que ella rechazase sus proposiciones, él le disparó por la espalda en la nuca con un rifle del calibre 22 que había comprado con el propósito de llevar a cabo su plan caníbal. Detenido por la policía y declarado demente tras un análisis psicológico, fue juzgado como tal, por lo que fue recluido en el hospital psiquiátrico Paul Guiraud de París. Pasados pocos meses contrajo una enfermedad que, por error médico, fue diagnosticada como terminal, situación que le supuso su repatriación a Japón, 
donde vive actualmente bajo la responsabilidad de su hermano. Este caso novelesco en el que la realidad supera la ficción ocupa el último trabajo de Verena Paravel y Lucien Castaing-Taylor, Caniba, que, considerado docuensayo, se hizo acreedor de los más diversos comentarios, si para alguno se trata de una obra que busca el impacto, para otro se habría buscado un feísmo que impidiera la empatía, mientras que aún un tercero lo vio como el intento de introducirnos en la mente de un caníbal. Opiniones para todos los gustos entre las que no existe pleno consenso. Y es que los directores de Leviatán han alumbrado un filme incómodo que hizo que una buena parte del público abandonara la sala. No es su escabrosa temática el que hace de Caniba un documental perturbador sino la decisión formal de sus autores a la hora de ponerlo en escena. Dividida en capítulos que se suceden sin solución de continuidad, la cinta repasa las motivaciones del criminal mediante diferentes recursos, insertos de sus películas pornográficas (sí, protagonizó unas cuantas una vez regresado a Japón), imágenes del manga dibujado por él en el que relata los pormenores de su “hazaña”, fotografías de su infancia, las declaraciones de su hermano (un sujeto digno de estudio él mismo por sus inclinaciones masoquistas que procuran alguno de los momentos más desagradables del filme), pero todo ello es ofrecido mediante primeros y primerísimos primeros planos fijos desenfocados. Somos conscientes de que jugar con el foco es uno de los recursos expresivos de la fotografía, y por extensión del cine, pero nos preguntamos si era necesario y/o justificado jugarlo al desenfoque durante los noventa minutos del metraje. Incómodo, perturbador, sí, pero en su significado de cargante, ese es nuestro juicio. Pero, todo y con ello, nuestra queja no va referida a su cualidad, sino a su inclusión dentro de la sección oficial. Es lícito que un festival acoja propuestas arriesgadas y se las quiera descubrir a su público, sin embargo, habiendo una sección como Noves Visions, en la que se supone que se da cabida a los puntos de vista innovadores, en ocasiones incluso experimentales, es nuestra consideración que Caniba merecía haber sido proyectada en esa categoría. Eso habría evitado la decepción de muchos, de una parte, y, de otra, la habría hecho llegar al sector que mejor podría haberla apreciado.
No sin cierto enojo, de «guatemala» fuimos a guatepeor con Compulsión. Opera prima de reducido presupuesto que resultó bastante convencional y trillada, a pesar de ser promocionada como «thriller art house». Incomprensiblemente fue proyectada formando parte de la sección Noves Visions Plus, cuando no había en ella nada novedoso ni en su fondo ni en su forma. Si parte del público del Auditori salió de ver Caniba con la sensación de que les habían tomado el pelo, con más motivo se sentirían engañados los aficionados a lo experimental con este trabajito que a duras penas justificaba su inclusión en un festival de la categoría de Sitges.
En fin, una jornada con su cara y su cruz, pero ya se sabe que, como en botica, en un festival debe haber de todo y para todos los gustos y al parecer, en esta ocasión, Serendipia no atinó con el suyo en su selección de tarde ¡Y todo esto con Frank Langella y el Dracula de John Badham en el Prado! ¡Cachis!
Star Wars, Stop-Motion y Miyazaki: Tres fantásticas novedades de Diábolo ediciones
Diábolo Ediciones nos propone para ir calentando estas próximas Navidades unas irresistibles novedades sobre cine y merchandising. Por lo pronto ponen al día su exitoso Mi vecino Miyazaki con la que posiblemente sea su edición definitiva. También nuestro amigo Adrián Encinas, que ya publicara en este mismo sello su magnífico libro ¡Bien hecho, Gromit! sobre los estudios Aardman, ahora se enfrasca en una completa historia de la animación stop-motion de la cual Diábolo publica su primera entrega: Animando lo imposible. Y eso no es todo, porque los fans de La guerra de las galaxias, así, en castellano, están de suerte pues José Gracia, elemento del cual ya le hemos hablado en estas páginas y gran especialista del universo Star Wars publica La guerra de las galaxias: Made in Spain con un primer volumen dedicado a los más talluditos del lugar, entre los cuales nos encontramos, y en el cual podremos disfrutar de todo el merchandising, del más original al más bizarro realizado en nuestro país sobre el fenómeno cinematográfico. Sin lugar a dudas tres magníficas e imprescindibles propuestas que este mes pone a la venta Diábolo Ediciones.
(PARA AMPLIAR CLICK EN LA IMAGEN)
39 Escalones reestrena en cines ‘Terminator 2: El juicio final’ en 3-D
A partir del 5 de diciembre de 2017 (coincidiendo con la misma fecha de su estreno en España en 1991) TERMINATOR 2: EL JUICIO FINAL 3D vuelve a los cines de toda España tras la restauración y remasterización realizada por James Cameron este año en 4K y 3D. Esta versión 2017 de la película se reestrenó este verano en cines de USA y Reino Unido, alcanzando el número 1 del box office en este último.
La remasterización y restauración de uno de los grandes títulos de acción y ciencia ficción de todos los tiempos viene avalada por la completa supervisión de James Cameron. El director de éxitos como Titanic o Avatar ha encabezado el equipo que ha estado a cargo de la supervisión de esta actualización en 3D. Con el objetivo de ofrecer una experiencia inolvidable a todos los fans ha trabajado durante meses con las técnicas más innovadoras en este campo, y los más modernos equipos, para conseguir una completa experiencia inmersiva en el espectador con un resultado que Cameron califica de espectacular.Sinopsis
Las máquinas, tras su intento fallido por matar a Sarah Connor (Linda Hamilton) para que no tenga descendencia, deciden cambiar de objetivo: perseguirán al adolescente John Connor (Edward Furlong), hijo de esta, al que un viajero del tiempo señaló como el salvador de la humanidad en un futuro dominado por las máquinas. Para ello envían al avanzado androide T-1000 (Robert Patrick), un prototipo letal de metal líquido que es capaz de transformarse en cualquier cosa o persona. Pero el joven Connor recibirá la ayuda de un T-800 (Arnold Schwarzenegger), que viene desde el futuro para tratar de salvarlo.
Este fin de semana tienes una cita con el mejor fantástico en ‘Fantastik, Festival de Cine Fantástico y de Terror de Granollers’
El Fantastik, Festival de Cine Fantástico y de Terror de Granollers, nace a mediados del año 2012 de manos del colectivo Fantastik con la intención de divulgar el cine de género fantástico y / o de terror de calidad, inédito en sectores comerciales convencionales y ofrecer de esta forma un evento exclusivo donde poder disfrutar de una experiencia colectiva única en la ciudad.
Ciencia ficción, terror, thriller, slasher, gore, serie b … si realmente te gusta el género, el Fantastik es tu casa y no puedes perderte la oportunidad de acudir a la sexta edición del festival, que tendrá lugar los días 17,18 y 19 de noviembre y que viene bien surtida con lo mejor de cada casa.
Demos un pequeño repaso:
LARGOMETRAJES
Entre los largometrajes que se ofrecerán destaca la candiense The Void (Jeremy Gillespie y Steven Kostanski), que se proyectará antes de su estreno en salas el próximo 8 de diciembre. Una película independiente que se inspira en el universo de Lovecraft y que tuvo un gran éxito en su proyección en Sitges el año pasado; en Megamuerte (J. Oskura Nájera, 2014) un espíritu maligno contactará con su banda Heavy favorita para abrir las puertas del infierno; Hell or High Water (David Mackenzie, 2016) una de las mejores películas que se proyectaron durante la edición de 2016 del Festival de Sitges, estrenada en nuestras pantallas como Comanchería, este western urbano es también un excelente thriller y en cualquier caso una de las mejores películas del pasado año. Imprescindible; Acción y terror japonés con dos grandes títulos basados en exitosos mangas: I am a Hero (Shinsuke Sato, 2016) y Museum (Keishi Ohtomo); y finalmente la gallega Dhogs de Andrés Goteira, controvertida película que seleccionada en la sección oficial del Festival de Sitges y ganadora en la reciente edición del Festival Nocturna de Madrid, no dejará indiferente a nadie. Están advertidos.
CORTOMETRAJES
Como festival de cortos el Fantastik ofrecerá en tres tandas una magnífica selección que incluye piezas como R.I.P, de Pintó & Caye (ganador en Sitges 2017), Cunetas (Pau Teixidor), Compatible (Pau Bacardit), M.A.M.O.N (Alejandro Damiani) o 3:36 (Jean-Philippe Ferré) de un total de 24.
Una fiesta cinéfaga que tendrá lugar, repetimos, del 17 al 19 de noviembre y que Serendipia no puede (ni debe) perderse como parte del jurado que es, teniendo la delicada tarea de escoger, de entre los interesantes cortos finalistas, los premios en las diferentes categorías que ofrece Fantastik: mejor corto, director, guión, actor, actriz, fx y producción.
Más información en: http://www.fantastikgranollers.cat/hola/
Se celebró el V Asian Film Festival de Barcelona
La programación que propuso esta quinta edición del Asian Film Festival fue, sin lugar a duda, la más variada en cuanto a géneros y procedencia que el festival ha ofrecido hasta la fecha. También la más numerosa en cuanto a títulos. Así que harto difícil se planteó reducir una tan extensa como interesante programación a una pequeña selección. Pero aún así, con las escogidas, hemos obtenido una buena panorámica de lo que ofrece el festival. Una programación en la que ha de ser el propio espectador el que, ante tan basta selección de títulos, temáticas y géneros buceé investigando y, como si en un popular mercadillo se encontrara, revolver en búsqueda de las perlas que sin lugar a dudas encontrará entre las diversas propuestas del Asian Film Festival.
Estas son algunas de las que encontramos nosotros:
La magnífica Hacia la luz (Ikari, 2017) de la japonesa Naomi Kawase es una apuesta segura. Superándose a sí misma, esta directora japonesa nos propone una profunda reflexión sobre el relato cinematográfico y de como lo sienten los diferentes espectadores, situando la acción en un universo de invidentes. Pero también es una lúcida reflexión sobre la vida y la muerte. Sobre a donde va el sol cuando se pone…
Como fans del thriller coreano, género del cual Asian Film Festival propuso varios interesantes ejemplos, pudimos disfrutar con Memoir of a Murderer de Won Shin-yun, título escogido como película de clausura que mezcla temas como los asesinos en serie, los maltratos y el alzheimer, un tan extraño como efectivo cóctel que cuenta con una magnífica interpretación de Kyoung-gu Sul como el complejo asesino que olvida que lo fue; The Prison de Na Hyun, un drama carcelario de alto voltaje cuya trama juega con el espectador hasta poner las cartas boca arriba ; o The Rule of Violence (Kang Hyo-jin, 2016) un duro drama de venganza en el cual el pasado vuelve para pasar factura a un grupo de acosadores escolares. Una denuncia en clave de crónica negra que quizás cae en el exceso. También resultó interesante demostrando, además, que no todo es thriller y acción en la cinematografía de Corea del Sur, Fantasy of the Girls (2016) de Ahn Jung-min, que trataba sutilmente el tema de un romance homosexual entre dos muchachas.
En este festival, que también tiene por misión mostrar la situación de los más débiles en los diversos universos que conforman el continente asiático, no podía faltar la difícil situación de la mujer. La programación nos ofreció varias propuestas interesantes, entre ellas Burning Birds (Sanjeewa Pushpakumara, Sri Lanka, 2016) o Bangkok Nites (Katsuya Tomita, Tailandia/Japón, 2016). Historias protagonizadas por mujeres fuertes que deben proveer a sus familias ejerciendo la prostitución en barrios rojos o miserables burdeles de sureste asiático. Relatos de superación y denuncia. Como también lo fue la producción china Mountain Cry (Larry Yang, 2016) un bello canto al amor, más aún, al sacrificio por amor. Larry yang nos trae un acendrado relato, aunque no exento de ciertos tintes sórdidos, que se desarrolla en el montañoso condado de Pingshun, un bello marco rural del que el director ha sabido extraer el mayor partido y al que le ha dado sentido narrativo. El paisaje no es solo un marco, es usado también (casi sobre todo) como una expresión de los sentimientos de su protagonista femenina, Yueting Lang, que compone con su excelente interpretación un personaje mudo complejo y carismático, expresándolo todo mediante su lenguaje corporal y los matices de su semblante en una cinta que es toda una delicia para los sentidos.
Herman Yau nos sorprendió con la comedia romántica 77 Hearthbreak (Yuen Loeng Taa 77 Chi, 2017), que analiza la relación de pareja y las razones que pueden hacer que nazca el desamor. Yau, que nos tenía acostumbrados a contundentes propuestas como The Untold Story (Bat sin fan dim: Yan yuk cha siu bau, 1993) o Ip Man, The Final Fight (Yip Man: Jung gik yat jin, 2013), demuestra que se atreve con todo y que es fiel a sus actores, como demuestra al contar, para un pequeño papel, con Anthony Wong Chau-Sang, protagonista de las dos mencionadas. También de Hong Kong llegó Happiness (Hang wan si ngo, 2016), correcta ópera prima de Andy Lo, presente en el festival como jurado de la Sección Panorama, que nos habla de la comunicación y de la memoria. Del encuentro de los diferentes y de la falta de cariño, en una película magistralmente protagonizado por la legendaria actriz Kara Hui, también presente, por cierto, en la comentada 77 Hearthbreak, interpretando a la madre de la protagonista.
Kara Hui y Carlos Chan, protagonistas de Happiness.
Filipinas ofreció, entre otros títulos, la refrescante Saving Sally (Avid Liongoren, 2016), una occidentalizada propuesta, opera prima de su director, que mezcla animación e imagen real en un derroche de imaginación con el que nos introduce en la vida de sus imaginativos personajes, Marty, un joven estudiante que dibuja comics, y su mejor amiga, Sally, una inventora de ingenios. El conflicto nace cuándo Marty se enamora de Sally y… no solo no es correspondido por esta, sino que además se vera obligado a ejercer de intermediario entre Sally y su enamorado. Diez años tardó Liongoren en terminar esta poética combinación de animación e imagen real con referencias a la cultura pop, el steampunk y los videojuegos.
También pudimos ver Winter Story (Tulga Bayarkhuu, 2017) una película proveniente de Mongolia que con cierto tono amateur navegaba entre el thriller de venganza y el drama. Todo ello con la gélida atmósfera del invierno mongol como fondo. Modesta y curiosa.as bien diferentes: La producción india The Ring Around the Rose (Jenner Jose, 2017) en la cual la propia víctima deberá resolver quien la asesinó; o la terrorífica propu
El Asian Film Festival tampoco dejó de lado el fantástico y el terror con dos propuestesta del japonés Kentaro Hagiwara, Tokyo Ghoul (2017), basada en el popular Manga. Sin olvidar la completa retrospectiva dedicada al director
PALMARÉS
Los premios concedidos en el CAFF son: el Premio del Jurado a Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guión en la Sección Oficial; el Premio de la Sección Panorama, también a Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guión; el Premio del Jurado Joven a Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guión en la Sección Oficial; y el Premio del Público. Estos son los premios, de momento simbólicos, que se han otorgado para la Sección Oficial y Panorama:
Sección Oficial a Concurso
- Mejor película: Ta’ang | Bing Wang | Hong Kong | 2016 | 146’
- Mejor director: Happiness | Andy Lo | Hong Kong | 2016 | 114’
- Mejor guión: Dawn of the felines | Kazuya Shiraishi | Japón | 2016 | 84’
- Mejor fotografía: Bangkok Nites | Katsuya Tomita | Tailandia y Japón | 2016 | 183’
- Mención especial: Baby beside me | Son Tae Gyum | Corea del sur | 2016 | 112’
- Mención especial mejor actriz ex-aequo: Mahendra Perera por Burning Birds y Kara Hui por Happiness
Sección Panorama
- Mejor película: Wolf and sheep | Shahrbanoo | Afganistán | 2016 | 86’
- Mejor director: A house of 41st street | Hamid Reza | Irán | 2016 | 90’
- Mejor guión: Mad World | Wong Chun | Hong Kong | 2016 | 101’
- Mejor fotografía: Districts | Akan Satayev | Kazajistán | 2016 | 90’
- Mención especial: Railway Children | Prithvi Konanur | India | 2016 | 120’
Sección a Concurso NETPAC patrocinada por We are Water
- Mejor película: Diamond island | Davy Chou | Camboya | 2016 | 101’
- Mención especial: Children of Genghis | Zolbayar Dorj | Mongolia | 2017 | 101’
Premio del Jurado Joven | Escuelas de cine de Barcelona
- Mejor película: A Flickering Truth | Pietra Brettkelly | Nueva Zelanda | 2015 | 91’
- Mejor director: Autumn, Autumn | Jang Woo-Jin | Corea | 2016 | 77’
- Mejor guión: Houra | Asim Raza | Pakistán | 2016 | 170’
Premi Cathay Pacific
- Mejor película: Memoir of a murderer | Won Shin-yun | Corea | 2017 | 118’
- Mejor director: A father’s will | Dastan Zhapara Uulu | Kiguistán | 2016 | 120’
- Mejor guión:Mad World | Wong Chun | Hong Kong | 2016 | 101’
- Mejor fotografía: Children of Genghis | Zolbayar Dorj | Mongolia | 2017 | 101’
Cinematografías de 22 países. Dramas solidarios, inmigración, comedia, terror, thriller, documental… todo tiene cabida en Asían Film Festival, una invitación a disfrutar de un cine que, en muchos casos, no tiene la distribución que merecería en nuestras salas y que gracias a Casa Asia podemos disfrutar los espectadores barceloneses durante diez días.
asianfilmfestival.barcelona
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 10 de noviembre *
LA LIBRERÍA (The Bookshop, Isabel Coixet, 2017)
España/UK/Alemania. Duración: 110 min. Guion: Isabel Coixet (Novela: Penelope Fitzgerald) Música: Alfonso de Vilallonga Fotografía: Jean-Claude Larrieu Productora: Green Films / A Contracorriente Films / Diagonal TV / Zephyr Films / ONE TWO Films Género: Drama
Reparto: Emily Mortimer, Patricia Clarkson, Bill Nighy, Honor Kneafsey, James Lance, Harvey Bennett, Michael Fitzgerald, Jorge Suquet, Hunter Tremayne,Frances Barber, Gary Piquer, Lucy Tillett, Nigel O’Neill, Toby Gibson, Charlotte Vega
Sinopsis: En 1959 en un pequeño pueblo de la Inglaterra una mujer decide, en contra de la educada pero implacable oposición vecinal, abrir la primera librería que haya habido nunca en esa zona.
Isabel Coixet ha declarado que se quedó prendada de la obra de Penelope Fitzgerald desde que la leyó por primera vez hace casi diez años, «me sentí completamente transportada a 1959 y realmente creía que era, en cierto modo, la ingenua, dulce e idealista Florence Green. De hecho, lo soy. Me siento profundamente conectada con este personaje, de una manera que nunca he sentido con los protagonistas de mis otras películas.” Tan bien ha sabido comprender la obra que le ha merecido el premio a la mejor adaptación literaria en la Feria del Libro de Frankfurt, la más importante del sector, que ha premiado en anteriores ediciones películas de directores tan reputados como Stephen Daldry, Anton Corbijn, Todd Haynes o Tom Ford.
Pero a este comentarista La librería no le ha llegado, a pesar de poseer los ingredientes necesarios y de primera calidad con los que construir una obra emotiva. Relatada en forma de fábula, con sus villanos, héroes e incluso caballero andante, la historia no deja de ser una oda sobre el amor a la literatura y a la vida sencilla y sincera, para la que la directora ha contado con un destacado reparto encabezado por la inglesa Emily Mortimer (La invención de Hugo, Shutter Island, Match Point, The Newsroom), que en esta cinta apenas logra descomponer la expresión de perpetua sorpresa de su rostro. Patricia Clarkson , que ya colaborara con la directora en la deliciosa Aprendiendo a conducir (Learning to Drive, 2014) y en Elegy (2008), que interpreta a la villana de la función como representación de los poderes fácticos. Y finalmente Bill Nighy (Love Actually, Su mejor historia) , ganador de un Globo de Oro y dos premios BAFTA, que realiza otra de sus completas actuaciones.
Su magnífica ambientación y las fantásticas localizaciones, con sus vetustas mansiones envueltas en el melancólico gris del otoño, no consiguen evitar que el guión resulte postizo en su ansia por agradar, careciendo del alma necesaria para que todos los elementos consigan emocionar al espectador, o al menos a este cronista de, les aseguro, lágrima fácil.
SPOOR (EL RASTRO) (Agnieszka Holand, 2017)
Polonia/Alemania/República Checoslovaca/Suecia/Eslovenia. Duración: 128 min. Guion: Agnieszka Holland, Stepán Hulík (Novela: Olga Tokarczuk) Fotografía: Jolanta Dylewska Productora: Ceská Televize / Heimatfilm / Nutprodukce Género: Drama
- Reparto: Agnieszka Mandat-Grabka, Jakub Gierszal, Katarzyna Herman, Andrzej Grabowski,Tomasz Kot, Borys Szyc, Miroslav Krobot, Marcin Bosak, Wiktor Zborowski
- Sinopsis: Janina Duszejko, ex ingeniera, astróloga y vegetariana, vive en un pequeño pueblo en las montañas de Los Sudetes. Una noche encuentra un cadáver cerca de su casa. La víctima es un cazador furtivo que murió en extrañas circunstancias. Con el paso del tiempo, se encontrarán en la zona más cuerpos: todos ellos de cazadores que, según Janina, han sido asesinados por animales salvajes.
Premios-
2017: Festival de Berlín: Premio Alfred Bauer2017: Festival de Valladolid – Seminci: Mejor actriz (ex aequo) (Mandat-Grabka)
ORO (Agustín Díaz Yanes, 2017)
España. Duración:103 min. Guion: Agustín Díaz Yanes (Libro: Arturo Pérez-Reverte) Música: Javier Limón Fotografía: Paco Femenía Productora: Apache Films / Sony Pictures España / Atresmedia Cine Género: Drama
Reparto: Raúl Arévalo, José Coronado, Bárbara Lennie, Óscar Jaenada, Luis Callejo,Juan José Ballesta, Juan Diego, Juan Carlos Aduviri, Anna Castillo,Antonio Dechent, Juan Echanove, Andrés Gertrúdix, José Manuel Cervino, Diego París
Una aventura protagonizada por unos variopintos soldados que tienen mucho que ganar y nada que perder en medio de la jungla amazónica (perfectamente recreada en Las Palmas). Un entorno salvaje en el cual deberán enfrentarse a un clima hostil, tribus de indios salvajes (incluida una tribu de sodomitas caníbales, cita directa del guión), serpientes y caimanes, entre otras alimañas, además de a las propias intrigas y traiciones que surgirán, al reclamo del oro, entre la soldadesca. Todo ello en una magnífica y atmosférica película de género que a pesar de alguna pequeña incongruencia, resulta muy entretenida y no exenta de humor, abrazando cierto delirio, de lo más sano, por otra parte, conforme se acerca a su final. Muy lejos de la película de referencia en este género, Aguirre la cólera de Dios, pero disfrutable si no le exigimos demasiada profundidad.
Protagonizada por un excelente plantel de actores, entre los cuales destacan José Manuel Cervino, José Coronado, Raúl Arévalo, Óscar Jaenada, Antonio Dechent, Luis Callejo y Juan José Ballesta, además, de una divertida intervención de Juan Diego, con Oro, su director reincide en adaptar una obra de Arturo Pérez-Reverte, pues ya se encargó de Alatriste en 2006.
ALGO MUY GORDO (Carlo Padial, 2017)
España. Duración: 87 min. Guion: Carlo Padial, Berto Romero Música: Javier Rodero Fotografía: Diego Dussuel Productora: Zeta Cinema Género: Comedia
Reparto: Berto Romero, Carlos Areces, Carlo Padial, Carolina Bang, Miguel Noguera,Didac Alcaraz, Javier Botet
Sinopsis: ¿Y si en el proceso de hacer una ambiciosa película, los cineastas no fueran capaces de contar lo que quieren contar y descubrieran que el documento de lo que están llevando a cabo es casi más importante que la ficción que pretenden lograr? Con el ritmo de comedia de enredo que narra los avatares del rodaje de una película llena de delirantes contratiempos, Algo muy gordo es una reflexión en tono documental sobre los resortes de la comedia, la industria que fagocita el arte y la vida que, en el espacio que queda entremedias, se abre camino.
Englobada en eso que se ha dado en llamar posthumor, mucho nos tememos que parte del público que vaya a ver esta película protagonizada por Berto Romero podría llevarse un chasco con lo que propone su director Carlo Padial, pues esta moderna vertiente del humor no es apto para todo tipo de público. Difícil es el definirlo, aunque a nosotros se nos ocurre un simil que puede ayudar. O no: es como una eyaculación en seco. Sin fluido. Sin sustancia, como una tortilla deconstruida. Tampoco nos pregunten el porqué lo vemos así, pero es lo que nos sugiere. No puede negarse que durante sus casi 90 minutos esta mezcla de realidad y ficción tiene algunos puntos que llaman a la risa, faltaría más, pero son más los momentos en los que uno busca la complicidad sin encontrarla por ningún lado. Como cuando varios amigos se enfrascan en una conversación repleta de bromas privadas que uno no puede entender.
Berto es un humorista que tiene la facultad de provocarnos la risa. Al igual que Carlos Areces. Pero Padial consigue que esto no suceda durante la mayor parte de Algo muy gordo, llegando incluso a un punto en el cual nos sentimos culpables de no colaborar, de no intentar buscar la risa, reír, maldita sea. Llegando a pensar que es culpa nuestra: «Lo siento, Carlo, no eres tú, soy yo«, pero no es así, el silencio reinaba en la sala durante la proyección y solo fue roto en breves momentos. Y, maldición, queremos reírnos con Algo muy gordo, queremos ser modernos y entender donde está la gracia pero, supongo que somos unos antiguos. O algo.
Lo que no impide, eso sí, que le reconozcamos a la cinta la originalidad de su propuesta que pone en primera línea el otro lado de una producción, el antes de la concreción material del producto. E incluso aceptamos que el presente necesite de nuevas formas de concebir el género de la comedia para ser expresado. Y, por supuesto, el derecho de Berto a romper con los clichés a los que parecen haberle abocado las exigencias del público. Su derecho a reinventarse. El derecho, en suma, a reformular el humor, más allá de que podamos o no conectar con sus nuevos registros. De nuevo, vayan a verla y juzguen ustedes.
YO-KAI WATCH (Yôkai Wotchi: Tanjô no Himitsu da Nyan, Shinji Ushiro y Shigeharu Takahashi, 2014)
Japón. Duración: 97 min. Guion: Takuzô Nagano, Miho Tanaka, Yôichi Katô Música: Kenichirô Saigô Productora: Level-5 / Oriental Light and Magic (OLM) / Avex Pictures / Bandai / Shogakukan / Dentsu / HTB / Big Face / TV Tokyo / Kadokawa / TSC / Toho Company Género: Comedia de animación.
Sinopsis: La historia comienza en el momento en que el joven Keita Amano se encuentra con una pequeña cápsula en el bosque para después recibir un misterioso reloj. Así es como conoce a un fantasma que se hace llamar Whisper. Este le comenta al chico que el reloj que lleva en su muñeca le ayudará a ver todo tipo de criaturas sobrenaturales, tanto buenas como malas. A partir de ese instante, Keita vivirá una gran aventura. Tendrá que viajar 60 años atrás en el tiempo para conocer a su propio abuelo de joven, y entre los dos tratar de salvar a la humanidad…
Yo-Kai Watch es toda una fábrica de personajes (AKA merchandising) dirigida a los más pequeños. Con factura televisiva, pues es un producto proveniente de ese medio, la película hace referencia a la serie, así que parte de los personajes e incluso las canciones es fácil que los más pequeños (y lo otakus) se las sepan ya, así que serán los que más disfruten de este producto.
La mecánica de estos seres, los Yo-Kai, es bastante similar a la de los pokemons: hay de muchos tipos y pelajes y para verlos será necesario un reloj especial, concretamente el del título, que utilizará el protagonista para ayudar a sus amigos a luchar contra los Yo-Kai maléficos que quieren acabar con el mundo y «espiritarte», convertirte en uno de ellos.
En nuestra opinión no deja de ser la aventura de un niño y sus amigos -y villanos- imaginarios e invisibles, que tan solo él puede ver (además del público cómplice). Unos amigos que representan la puesta al día de los ancestrales Yo-Kai, criaturas y demonios del folclore japonés en una aventura que incluye viajes en el tiempo y que puede dar pié (y seguro que ya han dado) a video-juegos y una extensa linea de merchandising para estas fiestas, entre cuyos licenciatarios se incluyen marcas como Hasbro, Nintendo o Panini.
MUSA (Jaume Balagueró, 2017)
España/Irlanda/Francia/Bélgica. Duración: 107 min. Guion: Jaume Balagueró, Fernando Navarro (Novela: José Carlos Somoza) Música: Stephen Rennicks Fotografía: Pablo Rosso Productora: Filmax / Fantastic Films / The Jokers Films / Frakas Prods Género: Terror
Reparto: Elliot Cowan, Franka Potente, Ana Ularu, Leonor Watling, Christopher Lloyd,Manuela Vellés, Joanne Whalley.
Sinopsis: Samuel Salomon, profesor de literatura, no pisa la universidad desde la trágica e inesperada muerte de su novia. Samuel sufre una recurrente pesadilla donde una mujer es brutalmente asesinada a través de un extraño ritual. De repente, la misma mujer que aparece todas las noches en su mente es hallada muerta en idénticas circunstancias a las de su sueño. Samuel se cuela decidido en la escena del crimen para averiguar la verdad, y conoce a Rachel, una joven que asegura haber soñado con el asesinato. Juntos, harán todo lo posible para descubrir la identidad de la misteriosa mujer, sumergiéndose en un oscuro mundo gobernado por las musas que han inspirado a los poetas de todos los tiempos.
Jaume Balagueró, una vez liberado de la saga [Rec] tras la floja cuarta y última parte, ofrece con Muse un claro descenso a los infiernos, tal y como se ocupa de indicarnos el director de diversos modos, bautizando incluso a uno de sus personajes, el encarnado por Manuela Vellés, como Beatriz, ya saben la amada de Dante que le guía en La divina comedia. Tras unos magníficos títulos de crédito inspirados en los grabados de Doré y en la afición del director por los atlas de medicina (cualquier película que los incluya, en este panorama actual que los ha hecho casi desaparecer, ya gana puntos ante Serendipia) Balagueró nos introducirá en un escenario de pérdida y de culpa, como ya hiciera en su primera película, Los sin nombre (1999), cinta con la que Musa guarda varias similitudes. La húmeda neblina irlandesa envuelve este relato en el que también figurará un culto malsano con asesinatos rituales y un clímax que se desarrollará en un hospital mental abandonado, motivos fetiches en la producción del director catalán. La propuesta del director, la más compleja desde Darkness (2002), nos devuelve a un imaginativo Balagueró en un registro que no agradó a muchos de los que vieron la premiere del film en Sitges, por considerar que repetía fórmulas sin motivo pero que, sin embargo, nos pareció ya entonces muy rico y digno de segundos visionados para apreciar en lo que vale ese universo de musas dañinas como furias en el que se nos invita a reflexionar sobre el arte de crear y su dialéctica con la vida. Lo que está en juego es la romántica posibilidad de componer el poema que ponga en pie a la materia, la posibilidad del hombre para crear en mayúsculas. Además, la cinta cuenta con la agradecida participación de Christopher Lloyd y nuestra admirada Franka Potente.
Serendipia’s Sitges Film Festival 2017. Octava cápsula
JUEVES 12 DE OCTUBRE Fotos: Serendipia
Por mucho que a Serendipia le apasione el cine, el agotamiento estaba haciendo mella seriamente en su organismo. Afortunadamente aún quedaban buenas piezas por descubrir. Paul Urkijo nos llamó la atención desde que viéramos uno de sus cortos, concretamente Jugando con la muerte (2011), que además de estar realizado con impecables maneras, tenía un magnífico humor negro que nos pudo. El buen hacen de Urkijo quedó confirmado con posteriores cortometrajes, así que en cuanto nos enteramos que Pokeepsie Films estaba tras el debut del director en el largometraje, Errementari, no pudimos más que estar pendientes de ella.
Inspirada en una cuento popular vasco sobre un herrero tan malvado y astuto que es capaz de engañar al mismísimo diablo, la cinta de Urkijo es un cuento de horror gótico y fantástico lleno de emoción, misterio y extrañas criaturas. Con todos sus diálogos en un casi extinto euskera alavés del siglo XIX, la acción se inicia en un pequeño pueblo de Álava, después de la Primera Guerra Carlista de 1833, donde un comisario del gobierno investiga un suceso que le llevará hasta una siniestra herrería en lo profundo del bosque, donde vive un solitario herrero del que los aldeanos cuentan oscuras historias. Fantasmagórica, la bruma inunda esta fábula con diablos tramposos y sacamantecas que con un maravilloso diseño de producción convierte esta cinta en una de las mejores sorpresas del cine fantástico estatal, con una muy natural y destacable interpretación de la niña Uma Bacaglia.
Con maravilloso sabor de boca llega el turno de una deliciosa y, para variar, optimista cinta apocalíptica. La japonesa Survival Family (Sabaibaru Famirî, 2017) plantea qué pasaría si un día no hubiera electricidad ¿El fin del mundo? pues no para el director y guionista de la película, Shinobu Yaguchi, que da la vuelta a la situación y plantea como este hecho, aparentemente grave, unirá a una familia con todos sus miembros alienados por la tecnología. Por los efectos del apagón, deberán recorrer varios kilómetros y trabajar en equipo, reencontrándose con la naturaleza y consigo mismos en esta parábola con elementos de comedia, que aboga por un retorno a la naturaleza y a las cosas sencillas de la vida, algo que propio director ya propuso en la excelente Wood Job!: Kamusari nânâ nichijô (2014) incluida en la programación de las Nits de Cinema Oriental de Vic de 2015. Un survival apocalíptico amable y positivo en el que veremos como esta familia aprenderá unida a superar todos los obstáculos.
Kiyoshi Kurosawa presentando su película.
Y de un filme optimista a otro terriblemente pesimista, A Gentle Creature (Krotkaya, 2017) el último trabajo de Sergei Loznitsa. Una adaptación libre de la novela corta de Dostoievski, La sumisa (cuyo título en inglés es, precisamente, A Gentle Creature) que, sin embargo, nos remite directamente al universo de Kafka. Y es que su protagonista, la dulce criatura del título (ningún personaje tiene nombre propio, todos son denominados por su función), igual que el agrimensor K de El castillo o el Joseph K de El proceso, busca establecer una comunicación positiva con una autoridad que desconoce, pero que la maraña de trabas administrativas que encuentra en su camino hace imposible. Vasilina Makovtseva, excelentemente estoica, da cuerpo a esta joven mujer que solo quiere entregar a su esposo, convicto por asesinato, pero inocente (como al parecer es habitual en su país), un paquete que le ha sido devuelto. Se desplazará para ello a la ciudad donde se halla la prisión, un lugar en el que el penal y el pueblo se han fundido en una doble relación de dependencia en la que el uno da sentido al otro (nuevamente como ocurre en la novela de Kafka entre el castillo y la aldea). Allí iniciará un periplo pesadillesco en el que entrará en contacto con una serie de personajes que, pretendiendo serle de ayuda frente a esa funcionaria que cada día le impide la entrada, buscarán sacar provecho de ella. El suyo es un descenso al infierno, a un infierno muy terrenal compuesto por una burocracia inaccesible y arbitraria, herencia de la administración soviética, las mafias del este, la policía corrupta y por una sociedad que, a fuerza de vivir en ese país que puede ser visto como una gran prisión dictatorial, se ha envilecido ella misma (esas pintadas en contra de la agencia de derechos humanos lo muestran). Siendo real, Loznitsa no ha buscado una narrativa realista, al contrario, su película está tocada por las tonalidades de lo surreal, un tono que alcanza su máximo en ese fragmento onírico que precede al desenlace y que no ha sido comprendido por toda la crítica. A Gentle Creature se cierra con un plano fijo de la sala de espera de la estación en la que todos duermen, por su construcción parece nuestro propio reflejo: todos esos males avanzan porque todos nosotros estamos dormidos.
Y Serendipia finaliza la jornada con su ineludible cita con Kiyoshi Kurasawa que con Before We Vanish (Sanpo suru shinryakusha, 2017) ofrece una invasión alienígena muy doméstica, protagonizada por unos gélidos body snatchers que absorven los conocimientos y sentimientos despojando de los mismos a sus víctimas humanas. Inspirada en la ciencia ficción de Serie-B americana (incluso en su banda sonora), la película de Kurosawa, basada en una obra teatral, se concentra en como afectaría esta invasión en la relación de una pareja, dejando la puerta abierta a la esperanza, al triunfo del amor por encima de todo. Algo que en estos tiempos, nunca está de más ante tanto agorero. Como vemos, la esperanza proviene de Japón. Pues nada: que pase, que pase…adelante.
Serendipia’s Sitges Film Festival 2017. Séptima cápsula
MIÉRCOLES 11 DE OCTUBRE Fotos: Serendipia
Más productiva para Serendipia que la jornada anterior fue la del miércoles 11, ya que trajo buenas y variadas películas además de, relegada en una sección equívoca que le restó el protagonismo que en nuestra opinión hubiese merecido, la gran sorpresa.
Con ecos de La noche del cazador (The Night of the Hunter, Charles Laughton, 1955) y El jinete pálido (Pale Rider, Clint Eastwood, 1985), llegó Brimstone (Martin Koolhoven, 2016), drama naturalista narrado en clave de western atmosférico con una Dakota Fanning que reclama nuestra atención tras haber sido relegada a la fila del fondo en beneficio de su ascendente hermana. El punto fantástico de la cinta viene de la mano del diabólico reverendo que encarna Guy Pearce, con mucho en común con aquel otro interpretado por Robert Mitchum en la mencionada película de Lauhgton. Una presencia que representa el mal absoluto y de la que nos preguntamos, llegado cierto punto de la trama, si no habrá venido de la muerte (ahí está su similitud con El jinete pálido) para cumplir su implacable persecución. Un monstruo real, muy real, que no cejará en su acoso a la protagonista en esta fábula terrorífica. Narrada en capítulos que rompen la linealidad del tiempo, culmina con final abierto en el que no sabemos si, acaso, todavía no ha sido derrotado el villano y su aura seguirá cayendo implacable sobre los descendientes de la protagonista. Brimstone fue, sin lugar a dudas, una de las grandes de esta edición del festival.
A continuación llegó el turno del estupendo debut en la dirección del actor Bill Watterson, Dave Made a Maze, una propuesta totalmente surrealista cargada de más significado del que a priori aparenta y sazonada con mucho humor e ingenio, que nos narra como Dave se construye un laberinto con cartones en medio del salón y en el cual no falta siquiera su propio Minotauro. Tanto él como sus amigos y novia se perderán para atravesar verdaderas peripecias dignas del mejor survival salvo que plasmadas con imaginativos recursos ¡Si hasta hay un momento en que los protagonistas se convierten en figuras de Stop-motion! Con toques, pues, de parodia a las películas de terror, la cinta de Watterson va mucho más allá, y nos trae toda una reflexión sobre la necesidad de realizarnos en nuestras obras, sobre los sueños, sobre la amistad y la pareja, y, en suma, sobre el sentido de la propia vida. La vida no es más que una sucesión de momentos incompletos de los que no podemos salir, ese es su mensaje. Un filme redondo que, en nuestra modo de ver, hubiera merecido un mayor reconocimiento compitiendo en Sección Oficial. Afortunadamente no se fue de vacío como quedará detallado en nuestro repaso del palmarés.
«La vida es una sucesión de momentos incompletos de los que no se puede salir».
No sin cierto recelo por su extenso metraje, nos embarcamos después en Salyut- 7 (Klim Shipenko) que acabó manifestándose como una muy interesante aventura espacial rusa basada en la epopeya real por la que pasaron en 1985 unos astronautas soviéticos para evitar que una estación espacial (la salyut 7 que le da título) cayera sobre la Tierra. Con la carrera espacial y la guerra fría como telón de fondo (sin faltar una crítica del sistema comunista), la película se centra en los personajes, ofreciendo de ellos un retrato psicológico y humano que ayudará a que nos situemos junto a ellos como si fuéramos un miembro más de la tripulación. Durante 40 de los 120 minutos flotaremos, además, a gravedad cero. Toda una superproducción elegantemente rodada, veraz y que mantiene la intriga hasta su último fotograma.
Presentado su película, los directores junto a Itziar Castro y David Pareja
¿Y qué mejor manera de terminar el día que con una comedia negra? Pues eso es lo que ofreció Matar a Dios, de Albert Pintó y Caye Casas, dos jóvenes talentos que tras el multipremiado cortometraje Nada S.A. (2014) se embarcan en este, su primer largo, en el que han contado con el actor principal de aquel otro filme weird que fue El milagro de P. Tinto, Emilio Gavira. Aquí el interprete encarna a un Dios vengador y cruel que ofrecerá, a una familia de merluzos que se disponen a celebrar el fin de año, la oportunidad de escoger a los dos únicos supervivientes tras el fin del mundo que planea desatar. Con un escenario de bizarra estética y unos personajes tan disparatados como realistas, la película (algo alargada) decae en su segunda mitad tras una deliciosa hora inicial totalmente costumbrista, de cuyo disfrute tiene gran parte de responsabilidad la pareja formada por los muy convincentes Itziar Castro y Eduardo Antuña, así como el diseño de producción y los afilados diálogos. Una de las películas más celebradas por el público que le concedió el honor de ser la más votada hasta alzarse con el premio.
Un fin de fiesta perfecto para una jornada redonda en la cual ya Serendipia comenzaba a sentir los efectos del cansancio, que le obligó a ejercer de montador involuntario al fundir a negro alguna de las películas. La edad no perdona…
El Festival Isla Calavera anuncia la programación de su primera edición
El Festival de Cine Fantástico de Canarias – Isla Calavera presenta la programación de su primera edición, que tendrá lugar entre el 15 y el 19 de noviembre con el patrocinio de la Universidad de La Laguna, el Área Tenerife 2030 del Cabildo Insular y la Fundación Cine+cómics. La Sección Oficial de Largometrajes fuera de concurso incluirá el thriller psicológico de viajes en el tiempo Black Hollow Cage (2017), del director Sadrac González-Perrellón, quien asistirá como invitado al festival junto al productor Diego Rodríguez para presentar su película y participar en un coloquio posterior a la proyección. Premio del Jurado al Mejor Largometraje en el Festival Internacional de Cine Fantástico de Bucheon (Corea del Sur), Black Hollow Cage participó en sección oficial en los recientes festivales de Sitges y Nocturna Madrid, en el que logró una Mención Especial del Jurado.
También podrán verse dentro de la Sección Oficial de Largometrajes el thriller de terror y humor negro Mom and Dad (Brian Taylor, Estados Unidos), protagonizado por Nicolas Cage y Selma Blair; la épica Pilgrimage (Brendan Muldowney, Irlanda/ Bélgica/ Estados Unidos), con la estrella de Spider-man: Homecoming Tom Holland encabezando el reparto; y la cinta de ciencia ficción The Osiris Child (Shane Abbess, Australia).
Asimismo, se presentará la película Bajo la rosa (2017), Premio del Público a la Mejor Película en Nocturna Madrid, un original thriller protagonizado por Pedro Casablanc. Se trata del primer largometraje del realizador tinerfeño afincado en Madrid Josué Ramos, quien acudirá al Festival Isla Calavera para dar las claves sobre su opera prima.
De otro lado, se ofrecerá una sesión especial dedicada al largometraje de animación Extraordinary Tales, de Raúl García, primer animador español que ha trabajado en los estudios Disney y ganador de un Premio Goya al Mejor Largometraje de animación por El Lince perdido. Coproducción estadounidense, belga, luxemburguesa y española, Extraordinary Tales consiste en una antología animada de relatos de Edgar Allan Poe con voces de Christopher Lee, Roger Corman, Bela Lugosi y Guillermo del Toro, entre otros.
Estos títulos se suman a los ya anunciados: El Ataúd de Cristal, como película de apertura; The Maus, como película de clausura; el ciclo dedicado al maestro del terror John Carpenter (Christine, La Noche de Halloween y La Cosa); Depredador, con motivo del 30º aniversario de su estreno en cines; Wax, con la presencia de su director Víctor Matellano y los homenajeados, el actor Jack Taylor y el maestro de los efectos especiales y maquillaje Colin Arthur; y el documental ¡Zarpazos! Un viaje por el Spanish Horror, un recorrido histórico por el fantaterror español también dirigido por Matellano.
El programa se completa con la Sección Oficial de Cortometrajes a competición, que ofrecerá dos sesiones compuestas por siete cortometrajes cada una. Los títulos seleccionados son: Bye Bye Baby(Pablo S. Pastor), Cambio (Daniel Romero), Caronte (Luis Tinoco), El Desconcierto (Alberto Carpintero), El Gigante y la Sirena (Roberto Chinet), Fe (Juan De Dios Garduño), Hay algo en la oscuridad (Fran Casanova), Jules D. (Norma Vila), La Dama de sal (Mario Venegas Lucena), Nouvelle Cuisine (Manuel Reyes Halaby), Redemption (Vasni J. Ramos), Rewind (Rubén Pérez Barrena), RIP (Caye Casas y Albert Pintó) y Ven a mí (Marcos Muñoz Flores).
Las entradas ya se encuentran a la venta en las taquillas de Multicines Tenerife (C.C. Alcampo, La Laguna) y a través de la web www.multicinestenerife3d.com.
El Festival de Cine Fantástico de Canarias – Isla Calavera es una iniciativa de la asociación cultural Charlas de Cine, la publicación especializada TumbaAbierta y Multicines Tenerife, con el patrocinio de la Universidad de La Laguna, el Área Tenerife 2030 del Cabildo Insular y la Fundación Cine+cómics. Colaboran: Innova 7, Ksa Mario, el Aula de Cine de la Universidad de La Laguna, la Fundación de Diario de Avisos, la Tenerife Film Commission y el canal Dark, el único en España dedicado íntegramente al terror, en calidad de media partner.
Premios del XXIII Salón del Manga de Barcelona
Este viernes se han entregado los Premios del XXIII Salón del Manga de Barcelona, que no tienen dotación económica y se conceden a través de las votaciones en la web de FICOMIC de los otakus, los profesionales y del público en general. Los galardones premian el Mejor autor y Mejor manga de cada género, Mejor anime y Mejor fanzine de o sobre manga publicados o emitidos en España de septiembre de 2016 a agosto de 2017.
El ganador al Mejor Shonen Manga (manga enfocado a los chicos) ha sido My Hero Academia de Kōhei Horikoshi (Planeta Cómic), el Mejor Shojo Manga (manga enfocado a las chicas) ha sido Pájaro que trina no vuela de Kou Yoneda (Ediciones Tomodomo), y el Mejor Seinen Manga (manga enfocado a los adultos) se lo ha llevado One Punch-Man de One y Yusuke Murata (Ivrea). Por lo que respecta al Mejor Manga de Autor español, el premio ha sido 
para Tabú de Marta Coca (Ediciones Imagion).
En las categorías de anime, el Mejor DVD o Blu-Ray de anime ha sido para Your Lie in April (Selecta Visión), la Mejor serie o película de anime emitida en España se lo ha llevado Yuri!!! on Ice (Crunchyroll), y la Mejor película basada en un manga, I Am a Hero (Mediatres Estudio).
El premio al Mejor autor en activo de manga de cualquier género y época ha sido concedido a Hirohiko Araki, responsable entre otras de JoJo’s Bizarre Adventure.
En cuanto al premio al Mejor fanzine de manga, entregado este jueves, el ganador fue ¡Déjame dormir! de Pussy Crazy.
Además de los premios por votación popular, el XXIII Salón del Manga de Barcelonatambién ha reconocido con el diploma de invitado de honor al director de la serie Dragon Ball Super Masatoshi Chioka, la autora del manga El monstruo de al lado Robico, el autor del manga Twin Star Exorcist Yoshiaki Sukeno, la autora del manga No me lo digas con flores Yoko Kamio, y el autor del manga Rainbow, los siete de la celda 6 bloque 2 Masasumi Kakizaki. El productor de En este rincón del mundo Masao Maruyama ya ha recibido su diploma este viernes al mediodía.
Obras ganadoras
Mejor Shonen Manga: My Hero Academia, de Kōhei Horikoshi (Planeta Cómic)
Estamos en un mundo donde abundan los superhéroes (y los supervillanos). Los mejores humanos son entrenados en la Academia de Héroes para optimizar sus poderes.
Entre la minoría normal, sin poder alguno, aparece Izuku Midoriya, dispuesto a ser una excepción y formarse en la Academia.
Mejor Shojo Manga: Pájaro que trina no vuela de Kou Yoneda (Ediciones Tomodomo)
Chikara Dômeki, ex policía recién salido de prisión, comienza a trabajar como guardaespaldas de Yashiro, un cabecilla de la yakuza lascivo, insaciable y masoquista, pero con una gran habilidad para hacer dinero. Yashiro tiene como regla no mantener relaciones con sus inferiores, pero, por alguna razón, se siente muy atraído por Dômeki. Éste, sin embargo, se mantiene impasible ante sus agresivos avances, al mismo tiempo que demuestra hacia Yashiro una ciega lealtad, lo que consigue despertar, aún más si cabe, el interés de su jefe hacia él.
Mejor Seinen Manga: One-Punch Man de One y Yusuke Murata (Ivrea)
Saitama es un superhéroe tan fuerte que derrota a cualquier clase de monstruo de un puñetazo. Aunque para él, eso no es precisamente bueno. Así comienza la leyenda del superhéroe más poderoso y apático de la historia. Su misión es buscar enemigos que sí representen un desafío para él.
Mejor Manga de Autor español: Tabú de Marta Coca (Ediciones Imagion).
Tabú es la historia de Miki, un chico manco en plena pubertad, a quien su diversidad funcional nunca le ha impedido hacer nada… ¿hasta ahora? Leo, su mejor amigo, le ayudará a salir de la espiral de odio y condescendencia en la que se ha visto envuelto.
Mejor DVD o Blu-Ray de anime: Your Lie in April (Selecta Visión)
Kôsei Arima vio truncada su carrera musical como pianista a la edad de 11 años a causa del fallecimiento de su madre. Kôsei sufrió un shock emocional durante un recital y desde entonces fue incapaz de oír el sonido que producían las teclas al tocarlas a pesar de que sus oídos estaban perfectamente. Incapacitado para seguir tocando el piano, abandonó la música y su vida se volvió monótona y aburrida. En la actualidad, Kôsei es un estudiante de secundaria que comparte instituto con sus amigos Tsubaki y Watari. Lo que no sabe es que su vida está a punto de cambiar cuando conozca a Kaori Miyazono, una extraordinaria violinista que logrará que Kôsei regrese al mundo de la música y que le enseñará a tocar de una forma más libre y menos rígida.
Mejor serie o película de anime emitida a España: Yuri!!! on Ice (Crunchyroll)
Yuri Katsuki cargaba con las esperanzas de todo Japón en el Gran Premio de Patinaje Artístico, pero sufrió una derrota aplastante en las finales. Destrozado, Yuri regresó a su pueblo natal en Kyushu y se escondió en el hogar familiar, en parte queriendo seguir mejorando en el patinaje artístico, y en parte queriendo retirarse. Fue entonces cuando el cinco veces campeón del mundo, Viktor Nikiforov, apareció acompañado de su compañero de equipo Yuri Plisetsky, un joven patinador que ya apunta maneras para superar a sus superiores.
Mejor película basada en un manga: I Am a Hero (Mediatres Estudio)
Hideo Suzuki es un mediocre dibujante de mangas que dedica la mayor parte del tiempo a soñar despierto con una realidad en 
la que consigue editar sus propias historias, su jefe le respeta, la relación con su novia funciona bien… en definitiva, que su vida no es un desastre. Lamentablemente no es así, y por ello vive desilusionado por no poder ser el héroe que siempre está dibujando. Hasta que un día, sin previo aviso, una epidemia empieza a extenderse por Japón convirtiendo a los infectados en ZQN, unos monstruos sedientos de carne humana que mantienen leves vestigios de su vida pasada. Hideo tendrá que huir de Tokio a toda prisa, movido únicamente por su cobardía y el instinto de supervivencia, y por el camino irá encontrando a nuevos compañeros que le mostrarán el verdadero rostro del ser humano.
El XXIII Salón del Manga de Barcelona se celebrará hasta el domingo 5 de noviembre, ocupando los pabellones 1, 2, 2.1, 3.1, 4 y 5 y Plaza Univers de Fira Barcelona Montjuïc.
El XXIII Salón del Manga de Barcelona cuenta con el apoyo del Ayuntamiento de Barcelona, Fundación Japón y el Consulado General de Japón en Barcelona. Nintendo es el patrocinador oficial del certamen.
Fanta Elx 2017 presenta su cartel, que rinde homenaje a la saga Star Wars
El Festival de Cine Fantástico de Elche – FANTA ELX, que se celebrará el viernes 17 y sábado 18 de noviembre en el Centro de Congresos, presenta el cartel de su quinta edición. El ilustrador Joan Martín Giménez (autor del cartel de la anterior edición) se ha encargado de diseñar la imagen del festival basándose en la saga «Star Wars», que este año cumple el 40º aniversario desde su estreno. En la ilustración aparece el personaje de la princesa Leia encarnada 
por la recientemente fallecida Carrie Fisher. En conmemoración, el festival contará con varias actividades relacionadas dentro de su programación junto a la proyección del largometraje documental «I am your father», de Marcos Cabotá y Tony Bestard. La película, que estuvo nominada a los premios Goya, se centra en la figura del actor David Prowse, que interpretó al villano Darth Vader de forma anónima y sin mostrar su rostro. La proyección del largometraje será, a modo de antesala del festival, el jueves 16 de noviembre a las 22:00h en los Cines Odeón, siendo de acceso gratuito hasta completar aforo.
El resto de actividades, también de acceso gratuito, tendrán lugar en el Centro de Congresos, y empezarán la mañana del viernes 17, de 10:30h a 13:30h, con la «Sección Gorgona», una nueva sección conducida por el Dr. Mario-Paul Martínezen representación de la Universidad Miguel Hernández UMH y del Vicerrectorado de Cultura y Extensión Universitaria. En esta sesión, centrada en la creación de personajes de género fantástico, se contará con la asistencia de José Manuel Meneses y de los Gallego Bros. José Manuel Meneses es un profesional del mundo de los FX de maquillaje que ha trabajado en el departamento de efectos especiales y maquillaje de películas como El espinazo del diablo, Hellboy, Un monstruo viene a verme o El laberinto del fauno, cuyo equipo ganó el Óscar al mejor maquillaje. Y los Gallego Bros (Emilio y Jesús Gallego) son dos profesionales del mundo de la animación, la ilustración y el diseño digital que estudiaron en la Escuela de Arte de Murcia. Entre sus trabajos destacan series de animación, ilustraciones para diversos libros, y cortometrajes que han recibido varios reconocimientos internacionales.
A lo largo de la tarde del viernes, de 16:30h a 21:00h, vendrá el turno de la «Sección Frankenstein», otra nueva actividad del festival que conducirá el escritor ilicitano Gregorio Sánchez. En este encuentro se tratará el mundo de la ciencia dentro del cine fantástico, y se contará con la asistencia de tres reconocidos especialistas en este ámbito de divulgación científica. En primer lugar, el doctor en Física Francisco Javier Martínez Guardiola impartirá la charla «Ciencia en el cine: De King Kong a las Ondas Gravitacionales». A continuación, el geólogo Nahúm Méndez Chazarra hablará sobre «Geología y astrobiología: La ciencia que nos adelantó Star Wars». Y por último, el químico Daniel Torregrosa ofrecerá la charla «El espectador con rayos X en los ojos».
La jornada de la mañana del sábado 18, de 10:30h a 13:30h, estará reservada para el coloquio «El panorama fantástico en Alicante», que conducirá un año más el periodista Óscar González. En el coloquio se darán a conocer seis proyectos de la provincia, que van más allá del área cinematográfica, de la mano de sus creadores: «El coleccionismo en el universo de Star Wars», con Gaby Navarro; el proyecto cinematográfico «Colores», con Arly Jones y Sami Natsheh; el libro «Piel Metálica», con Irene Robles; la firma ilicitana de accesorios IlustraStudios, con Jose Mojica; el libro «Metacine», con Miguel Herrero Herrero; y la asociación cultural «Star Wars Alicante», con Toni Rico.
Con la tarde del sábado, de 16:30h a 21:00h, llegará el turno de las proyecciones de cortometrajes a competición en las que se podrán ver reconocidos trabajos de fantasía, terror y ciencia-ficción, muchos de ellos proyectados por primera vez en la provincia, como el cortometraje estadounidense Flutter, de Vladimir Todorov; el español Caronte, de Luis Tinoco; o el francés The Scared One, de Romain y Thibault Lafargue, cuya proyección en el festival supondrá su estreno nacional. Y tras finalizar la segunda sesión, a partir de las 21:00h, se dará paso a la Clausura, en la que se entregarán los premios para las categorías al mejor cortometraje alicantino, cuyo ganador accederá directamente al festival «Navidades Sangrientas» de Alicante; al mejor cortometraje nacional, cuyo ganador accederá al «Festival de Cortometrajes de Terror y Fantástico 1000 Gritos de Buenos Aires», en Argentina; y al mejor cortometraje internacional, cuyo ganador accederá al «Festival Internacional de Cine de Terror de Valparaíso», en Chile.
La alicantina Carmina García, experta en imagen, coaching y PNL, será la encargada de presentar la quinta edición del festival. El evento es una iniciativa cultural dirigida por el cineasta ilicitano Fran Mateu, y en la presente edición se cuenta con el apoyo de la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Elche junto con la colaboración de Visit Elche, el Centro de Congresos «Ciutat d’Elx», la Universidad Miguel Hernández UMH, el Vicerrectorado de Cultura y Extensión Universitaria, los Cines Odeón, el Centro Comercial l’Aljub, la tienda de merchandising cinematográfico Cinema Paradiso, y la productora Cafetico Films, además de otros colaboradores que aparecen en la web oficial del festival. Con la celebración de esta quinta edición, Elche volverá a ser un punto de encuentro para los amantes del género fantástico.
Serendipia
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