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La saga [REC] finaliza con una gran exposición en Sitges

15 septiembre 2014 Deja un comentario

Sitges 2014
Casa Bacardí Sitges acogerá, del 3 al 12 de octubre, la exposición “[REC], una saga indomable”. Una oportunidad única e irrepetible de ver los orígenes y la evolución de la saga de terror más famosa del país.

La muestra, creada por BACARDÍ y FILMAX, incluirá una completa selección de todo tipo de materiales (la mayoría inéditos o nunca vistos fuera de la gran pantalla), que van desde carteles hasta una cuidada selección de fotografías, atrezzo, vestuario, efectos especiales o story-boards.

UNA EXPOSICIÓN ÚNICA

Camiseta que portaba  Manuela Velasco en [REC]1

Camiseta que portaba Manuela Velasco en [REC]1

[REC]: Una saga indomable es un exhaustivo repaso visual, auditivo y táctil a una de las sagas de terror más famosas de la historia del género a través de docenas de fotografías, carteles inéditos, story-boards, dibujos, bocetos, vestuario, atrezzo y un buen número de objetos que nunca se han visto fuera de la gran pantalla, como la camiseta de Manuela Velasco en [REC] o el vestido de novia que llevaba Leticia Dolera en [REC] 3, entre otros.

Dividida en cuatro grandes zonas, cada una de las áreas de esta exposición persigue que el visitante se sumerja en la saga [REC], producida por Filmax, y que se prepare

Casco de Geo [REC]2

Casco de Geo [REC]2

para el estreno de la última entrega. Otra primícia será la proyeccuón de una pieza audiovisual realizada por el mismo Jaume Balagueró que repasa la cuatrilogía [REC] y que seguro hará la boca agua a los fans.

Al termino de la visita, los visitantes podrán degustar una serie de cócteles inspirados en las entregas de [REC] elaborados por los alumnos del Centro Internacional de Formación CETT con BACARDÍ Superior, BACARDÍ 8 años y BACARDÍ Heritage. Unas copas que no dejarán a nadie indiferente.

Casa Bacardí será el único lugar de España donde -durante unos días- se podrán probar estos cócteles.

Del 3 al 12 de octubre en Casa Bacardí Sitges
(Excepto el día 9 de octubre que la exposición permanecerá cerrada).

Abierta de las 17 h. a las 22 h.
Entrada gratuita. Los menores de 18 años deberán ir acompañados de un adulto.

Vestido de novia de Leticia Dolera [REC]3

Vestido de novia de Leticia Dolera [REC]3

Casa Bacardí Sitges

Mercat Vell de Sitges
Plaza del Ayuntamiento, 11
08870 Sitges
Barcelona

Casa BACARDÍ es un centro de visitas permanente localizado en Sitges, ciudad de nacimiento de Facundo Bacardí Massó. Abrió sus puertas en julio de 2010 con el objetivo de convertirse en un centro de visitas internacional, equivalente europeo del  museo situado en Puerto Rico. El centro de visitas está instalado en el histórico Mercat Vell, edificio modernista construido en 1890 por el arquitecto Gaietà Buigas y situado en el casco antiguo de Sitges, junto al Ayuntamiento.

Imagen exterior de Casa Bacardí (2) (1)

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Categorías:Sitges Film Festival

ENTREVISTA A JÖRG BUTTGEREIT: DE NEKROMANTIK A GERMAN ANGST

13 septiembre 2014 Deja un comentario

Ya desde que conocí por fanzines los films de Jörg Buttgereit me interesé por ese rubio teutón, alto, delgado y de expresión divertida. Desprendía jovialidad y salud, muy al contrario que sus películas, en las que trataba temas, digamos, que bastante más sombríos, tal y como pude comprobar tras ver su filmografía: La muerte, el amor, el suicidio, la locura y la pérdida de toda esperanza se mezclaban en sus cuatro largometrajes y en su mediometraje Hot Love (1985). Pero no siempre fue así. Los inicios de Jörg Buttgereit en el campo del cortometraje en súper 8, bastante amateur todo hay que decirlo, combinan el humor y un profundo amor por los monstruos clásicos y los súper héroes, desfilando en ellos referencias a Frankenstein, la momia, Godzilla, Bruce Lee o Spiderman, todo ello realizado de forma artesanal, desprovisto de prejuicios y con toda la energía adolescente que vivía el joven Jörg en el Berlín de los ochenta, todavía segregado por el muro y  que se abría al Punk y la New Wave a principios de los ochenta.

Han pasado varios años desde que el díptico Nekromantik (1988/1991)  pudo verse cómodamente desde nuestro sillón orejero y tras una última película, Schramm (1993), vino un silencio respecto al director solo roto por su numeroso grupo de seguidores. Ahora, en plena era digital, podemos ver que Jörg Buttgereit  no solo no ha estado quieto durante este nuevo milenio, sino que sigue siendo alto (por supuesto), delgado (todavía) y  rubio (aunque…) pero ante todo conserva esa expresión de pasarlo muy bien con lo que hace, retomando viejos personajes y creando en varios campos: radio, televisión, teatro, cómic, literatura  y, de nuevo, cine. Así que hemos pensado que es buen momento para hablar con él del pasado, del presente y del futuro de un artista que nos sigue interesando y que mantiene una de las virtudes que desde aquí más valoramos: que sigue siendo totalmente libre e independiente.

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¿Como se te ocurrió la idea de rodar un film sobre la necrofilia?

¿Te refieres a Nekromantik (1988)? Verás, durante los 80 cuando se hizo la película había un movimiento muy fuerte de censura en Alemania. Nekromantik fue algo así como una especie de protesta contra ese movimiento. También estaba leyendo libros sobre Ed Gein, que inspiró Psicosis (Psycho, Alfred Hitchcock, 1960), El silencio de los corderos (The Silence of the Lambs, Jonathan Demme, 1990) o La matanza de Texas (The Texas Chainsaw Massacre, Tobe Hooper, 1974). Este tipo de atmosfera me influía mucho en esa época.

¿Qué querías expresar con la película?

Bueno realmente quería hacer una película de terror en Alemania, donde no es fácil hacer películas de este tipo y tienen muy mala reputación. Aunque no tenemos una tradición de cine terror, siempre he sido muy fan del género, por lo que quería hacer una película de terror por mi cuenta, sin pedir permiso a las autoridades, sin pasar por la censura. Seguí el espíritu del cine underground y una gran influencia fue John Waters y sus películas de finales de los 70. Él hizo cine underground y ese era mi objetivo. Si lo piensas es una mezcla entre cine underground y cine de terror, pero si prestas atención te darás cuenta de que no hay tensión ni elementos grotescos, ni música de terror. En mi opinión no es realmente una película de terror. Por suerte el público de terror fue muy abierto.

Buttgereit con John Waters en Indianápolis.

Buttgereit con John Waters en Indianápolis.

Es verdad, pero la película provoca repulsión en el espectador y sentimientos de rechazo, así que aunque no sea puro terror acaba provocándolo.

Si, quizás; pero hay muchas escenas que no funcionan si las pones en un contexto de terror. Por ejemplo, la última escena puedes decir que es asquerosa, pero en realidad es lo opuesto. Funciona por contraste con la música, me gusta trabajar así

Volviendo a lo que decías, tras tus películas pioneras ¿es más común hacer cine de género en Alemania ahora?

Realmente no. Ahora estoy en medio de la producción de German Angst (Jörg Buttgereit, Michael Kosakowski y Andreas Marschall, 2014) y es muy difícil encontrar dinero. La reputación de las películas de terror no ha cambiado. Para esta película fueron  mis co-directores quienes me convencieron para participar, ya que yo no creía que se pudiesen hacer películas de terror en Alemania. La gente no las aprecia, las odian, y así no tiene ningún sentido hacerlas. Los fans del terror aquí son muy fieles y apasionados, pero hay muy pocos.

A lo mejor es porque tus películas van en contra del sistema y son muy independientes porque recuerdo que Anatomía (Anatomie, Stefan Ruzowitky, 2000) llego a tener incluso una secuela.

Si, pero Franka Potente fue muy criticada por participar en este película. Y lo mismo le ocurrió cuando participó en Creep (Christopher Smith, 2004).

¿Qué piensas de tus películas ahora casi 30 años después? ¿Piensas que han madurado bien? ¿Las ves tan transgresoras como entonces?

Es muy difícil para mí responder a esta pregunta ya que no tenía mucha fe en la primera cuando la hice. Piensa que la hicimos los fines de semana un grupo de amigos y jamás pensé que la gente se la tomaría tan en serio. La rodamos en Super 8 y fue muy difícil venderla, solo a unos pocos países. Para mi siguen siendo underground, ya que incluso para hacer el máster HD desde el súper 8 es muy, muy difícil.

¿Qué es lo mejor y lo peor que has escuchado sobre tu cine o sobre ti como creador?

Lo peor es que la gente asume que las cosas que muestras en tus películas son cosas que te gustan en la vida real. Otra cosa muy mala es que muchas de las críticas más duras vienen de críticos que ni siquiera han visto la película, ya que están disgustados por el solo pensamiento de verla. Eso me molesta porque mucha gente que me ha criticado ni siquiera las ha visto y no saben de qué están hablando. Yo no pienso que mis películas sean muy violentas, son más bien sensibles.

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¿En cuántos países se han prohibido o continúan siendo prohibidas a día de hoy las dos Nekromantik?

Es que son películas que ni siquiera se consideran para ciertos países, porque obviamente serían prohibidas. Se ven en festivales de cine. Nekromantik pudo verse legalmente el año pasado en Inglaterra, ya que por fin la censura dejó que se proyectara.  Es curioso porque la película tiene 25 años pero sigue prohibida en muchos países. Con decirte que solo se ha estrenado en 5 países ya se explica bastante sobre mis problemas con la censura.

En vista del éxito obtenido por Nekromantik ¿piensas que la gente se la tomó más como una película arty en lugar de terror?

Ahora seguro. Hace poco estuve en Los Ángeles, donde pusieron la película en la Filmoteca Americana. Estoy seguro de que esto no hubiese pasado hace 25 años, así que han envejecido bien.

¿Cuál es la edición de Nekromantik más mutilada que has visto?

Solo la japonesa, que no estaba realmente cortada pero le pusieron un desenfoque en los genitales. Es la única cosa que se censuró ya que si no tendrían que cortar toda la película, y si lo hiciesen no tendría ningún sentido.

¿Cómo decides hacer la segunda parte de Nekromantik? ¿La considera mejor?

Nekromantik 2 es muy diferente. Está basada en una entrevista con una necrófila que leí en un libro. El punto de vista es el de una mujer.  Otra gran diferencia es que la rodamos en 16 mm y creo que cambia mucho en lo que se refiere a la atmosfera, ya que es muy lenta. Esta sí que la considero una película arty. La primera es una broma underground, pero en la segunda puedes ver que está hecha por gente que lo ha tomado muy en serio. A mucha gente que le encanta la primera no le gusta la segunda porque es muy lenta.

¿Nekromantik 3? ¿Has pensado alguna vez en rodarla o con la úlcera que te motivó el rodaje de la segunda tienes suficiente?

La verdad es que no. Como te decía antes las dos primeras eran una especia de protesta y son películas que se han pirateado tanto, que creo que si hiciese una película como esta hoy en día, es decir, que consiguiese el dinero para rodarla con la situación actual, no creo que tuviese una sola oportunidad de recuperarlo. En la era digital estaría en la red al día siguiente de acabarla. Internet está eliminando la oportunidad de hacer este tipo de películas y recuperar tu dinero. Por ejemplo hice una obra de teatro en Berlin llamada Captain Berlin vs Hitler (2009), el personaje de cómic que cree yo, así que también la rodamos en video y la sacamos en DVD. Dos días después de sacarlo a la venta ya estaba para descargar en internet. Si hubiese sido una película y no una obra de teatro me hubiese sido imposible recuperar el dinero. Ahora he rodado este episodio para German Angst y tengo un productor, y tengo curiosidad por ver si recuperará su dinero. Por supuesto, lo que está intentando hacer es vender la película antes. Cuando hice mis películas la única manera de recuperar el dinero era ponerlas en el mercado en VHS y ganar algo vendiéndolas, al menos la piratería no era tan rápida en esa época. Nekromantik llegó a ser la película mas pirateada de la historia, pero tardo mucho, había que hacer la copia, enviarla, etc. Resumiendo, que no tengo intención de hacer Nekromantik 3, para mí es un concepto demasiado ochentero.

¿Te molesta años después ser conocido y recordado como el director de Nekromantik?

Es divertido, porque eso depende del país en el que esté. En Alemania me conocen por mis películas, pero soy mucho más famoso como director de teatro. He hecho El hombre elefante (Der Elefantenmensch, 2013)  y es por eso por lo que me conocen. Para ellos soy un director de teatro.  También hice una obra sobre Ed Gein que se llamaba Cannibal and love (Kannibale Und Liebe, 2012), y tiene algo que ver con mis películas, pero al hacerse en el teatro es mucho más fácil porque el ambiente es diferente, en el teatro tengo total libertad artística y además las obras de teatro no se pueden piratear. También para la radio he dirigido mucho teatro y he escrito criticas. Hay gente que ni siquiera sabe que yo hice esas películas.

Kannibale Und Liebe, 2012

Kannibale Und Liebe, 2012

Visitaste muchos festivales ¿Dónde fuiste mejor y peor recibido?

Es difícil de decir, porque en cada festival el público es particular. Las reacciones más raras u oscuras fueron en Corea del Sur, donde había 700 personas en la sala y muchos eran estudiantes de cine. También recuerdo un gran pase en Donostia, en Sitges y en Gran Bretaña. A veces la ves en un país que tiene censura y la aprecian más.

Cuéntanos alguna anécdota ¿Conociste a alguno de tus “héroes” del cine?

Si, como también escribía sobre cine, ya había tenido la oportunidad de conocer a algunos y entrevistarles. Yo soy muy fan de los kaiju eiga, así que cuando fui a Japón a rodar un documental sobre el tema para la televisión alemana, pude encontrarme con los creadores de esas películas. Hice un documental llamado Monster Island (Die Monsterinsel, 2002) y otro llamado Monsterland (2008), así que gracias a este trabajo encontré a muchos creadores de efectos especiales de Estados unidos, Suiza, etc También pude conocer al actor de Godzilla (Gojira, Ishirô Honda, 1954). Conocí a mucha gente de esta manera. También en los festivales, por supuesto.

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De tus películas, ¿Cuál piensas que es la que te quedó mejor? ¿Tu favorita?

Es difícil decirlo. La gente me dice que El rey de la muerte (Der Todesking, 1990) es la que más les gusta y paradójicamente es la que menos se vende. La más famosa es la primera Nekromantik. Pero las mejores críticas las he tenido por El rey de la muerte y Schramm (1993). No sé realmente cual es la mejor para mí.

Has editado recientemente todas tus películas en un formato lujoso[1] Dado que has vuelto al cine, ¿es una forma de dejar cerrado el pasado?

El caso es que estas películas ya no se encontraban disponibles. Todos los derechos habían caducado en los respectivos países, por lo que éramos los únicos que las distribuíamos en ese momento. Puede que la situación cambie a finales de año, ya que Nekromantik va a ser editada en USA, Alemania, Japón y quizás en Inglaterra,  pero a día de hoy somos los únicos que sacamos ediciones oficiales de mis películas. Los estudios tienen gente que se ocupa de esto, pero como no quiero que mis películas sean alteradas o cortadas, ahora mismo somos los únicos que las podemos sacar sin cortar. Así que la razón ha sido sacar ediciones cuidadas de  las películas.

992862_10151646339333485_169322137_nPor cierto, en la edición Hardbox de Nekromantik 2 (1991) se incluye como extra un CD con un concierto que recrea la banda sonora en el que participa Monika M. ¿Cómo es que habéis vuelto a colaborar después de tanto tiempo? ¿Te gustaría volver a rodar con ella?

Bueno, ella vive muy cerca de mí y trabaja en diferentes campos, siempre hace la música para mis programas de radio, por ejemplo. Trabajamos mucho juntos. Ha cantado en algunas de mis obras radiofónicas. Lo que pasa es que ya no actúa, canta y trabaja para la televisión, pero detrás de las cámaras.

Después de tu cuarto largometraje, Schramm, no volviste a rodar ¿Por qué? ¿Nos cuentas algún proyecto que no siguiera adelante?

Sí, hubo proyectos tras Schramm, pero finalmente los convertí en obras para la radio o el teatro. Si no puedo hacer un proyecto en un medio pero tengo la oportunidad de hacerlo en otro, entonces sencillamente cambio de medio. El problema es que estos trabajos, al estar realizados en lengua alemana, no son conocidos fuera de mi país ya que no puedes retransmitir en directo en otra lengua. He hecho algunas obras de teatro en estudio con actores muy famosos que fueron retransmitidas por la radio a nivel nacional y que después podían ser descargadas de manera gratuita, pero solo en Alemania.

Der Elefantenmensch, 2013

Der Elefantenmensch, 2013

En las entrevistas que te hacían en los noventa siempre decías que no firmabas con ninguna productora por temor a que no te dejaran hacer lo que quisieras. Has seguido independiente. ¿Piensas que perdiste la oportunidad de seguir haciendo cine? ¿Qué piensas sobre la decisión que tomaste?

Nunca se me acerco ningún estudio grande, pero sí que hice algún trabajo de segunda unidad y de FX. Por ejemplo fui director de FX para El condón asesino (Kondom des Grauens, Martin Waltz, 1996) e hice los maquillajes de varios episodios de Lexx (1997) una serie de ciencia ficción canadiense, o sea que si que hice trabajos profesionales, pero era muy aburrido ya que no eran mis proyectos. Era un trabajo más. Y ahora German Angst es de nuevo una producción independiente. Tiene un presupuesto muy ajustado, está producida por Michal Kosakowski, que trabajó en producción conmigo durante los 80 y 90, pero sigue siendo independiente, lo cual creo que es importante.

¿Piensas que tu cine no fue entendido?

Todavía sigue sin ser entendido por la mayoría de la gente. Sabes, a final del año sale Nekromantik en Blu Ray y tengo curiosidad por ver que pasa, ya que para mucha gente va ser la primera vez que la vean. Es difícil de saber, pero tengo curiosidad por saber cómo funcionará la película hoy en día, puesto que es muy diferente a todo lo que se ve actualmente. El hecho de que esté filmado en súper 8 hace que tenga un estilo muy arty. Si miras muchas películas de los 80, ya estaban rodadas en vídeo y tienen un aspecto horroroso.

1017444_427342660714585_1250473359_n¿Puedes contarnos algo más de tu actividad teatral?

Algunas de mis obras están editadas en DVD, pero es difícil saber si son interesantes para la gente de fuera de Alemania. Acabamos de sacar un DVD que se llama Monsters of Arthouse que recopila tres obras de teatro que he hecho[2] Pero aun teniendo subtítulos en inglés no la han comprado mucho fuera de Alemania. El concepto es muy extraño… es algo complicado de explicar, tú ves a los actores en el escenario y este reproduce un cine, así que el público tiene la sensación de que está en un cine y los actores pretenden reinterpretar lo que ven en la pantalla, pero en realidad no hay nada en esta. Asi que pretenden estar viendo una película de monstruos japonesas, la obra llamada Green Frankenstein (2011) que es algo así como una película de monstruos ecológica. Luego tengo otra que es como un sexploitation de los 70 llamada SexMonster! (2011), basada en una obra de radio. O sea que hago cosas con estos géneros pero lo hago en el teatro. Y eso es raro ya que no trato los temas habituales que se suelen hacer en la escena, hago las obras con mi subcultura y mi estética de trash films, por lo que mi público de teatro está compuesto mayormente por cinéfilos, no gente de teatro. Mi misión es llevar este tipo de cultura a los teatros normales.

¿Haces tú mismo los FX del teatro?

Sí, más o menos. Cuando hicimos Sexmonster!… ¿has visto Berberian sound studio (Peter Strickland, 2012)?, pues es un poco como allí, lo oyes todo pero no ves nada. Pero cuando hice El hombre elefante, que se está representando ahora en Dortmund, era una cosa mas convencional, o sea, que construimos un cuerpo entero con maquillaje muy profesional, pero no lo hice yo, ¡soy el director! Es algo que solo hago cuando no hay más remedio. Además, últimamente estoy muy perezoso. Lo que me gusta de hacer esta obra es que te da la oportunidad de hacer los maquillajes en directo. Lo bueno del teatro es que no puedes usar efectos digitales, que no me gustan nada.

¿A qué se debe que hayas recuperado tu súper héroe paródico Captain Berlin que creaste en 1982? Con el personaje no solo has realizado, además de dos cortos en la época, una obra de teatro (Captain Berlin Vs. Hitler) y un cómic cuyo primer número, de estética totalmente Kirby, acaba de salir a la venta.  

Era una película que hice en súper 8, Captain Berlin – Retter der Welt (1982), y ahora acaba de salir el primer número del cómic book. Primero fue una película, luego, hace 8 años, una obra para la radio, después teatro, más tarde un DVD[3] y ahora un cómic. Y el cómic va ser una serie, ya que estamos escribiendo el segundo número. Siempre evoluciona en algo diferente.

weissblech-captain-berlin-650¿Porque vuelves siempre a él?

Porque es divertido hacer todo tipo de cosas con este personaje. En los 80 era una parodia de los súper héroes USA. Pero ahora podemos ver en el primer numero del cómic como viaja a Japón para enfrentarse al monstruo  de Fukushima y este tipo de cosas. Es el típico héroe antinazi. En Alemania no tenemos superhéroes y creo que los alemanes necesitamos este tipo de héroes positivos. Quizás por esto el cómic ha tenido una respuesta tan positiva. Fuimos muy inexpertos: del primer número  sacamos 1000 copias en edición limitada y tras unas pocas semanas ya se había agotado, así que además del segundo número, tendremos que hacer un reimpresión del primero. Y  el año que viene el número tres.

¿Dónde pueden adquirirlo los interesados de fuera de Alemania?

En amazon.de. Es un distribuidor muy pequeño que lleva la editorial él solo. Totalmente independiente. Puede pedirse directamente a él[4] También esta publicando cómics de terror en la línea de EC. Captain Berlin es más como un cómic Marvel de los 60 pero con referencias políticas. Soy fan de los comics desde pequeño y esto es como un sueño hecho realidad.

Cuéntanos algo sobre tu reciente retorno al cine, German Angst, y el segmento que has dirigido, Final Girl, así como sobre sus actores y actrices.

Es un concepto muy básico, como las películas que hice en los 80, muy básico. Será el primero de los tres episodios de la película[5] El protagonista (Axel Holst) que es el mismo actor que hizo de Ed Gein en mi obra de teatro,  interpreta a un hombre de 50 años. Luego tenemos a nuestra actriz principal (Lola Gave), muy joven y que  no tiene ninguna experiencia; es amiga de la hija del productor y era un poco complicado, ya que al ser tan joven y trabajar en una película de terror hemos tenido que doblarla con especialistas constantemente, supongo que es el mismo problema que tuvieron en El exorcista (The Exorcist, William Friedkin, 1973) La historia está en la línea de Nekromantik 2. La chica decide que está harta de ser la víctima, ya que en el terror la joven es siempre la víctima pero esta vez…realmente no quiero revelar demasiado de esta película…

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El director y Lola Gave durante el rodaje de Final Girl, segmento de Buttgereit en el film German Angst.

¿Cuándo estará lista?¿La presentareis en festivales? ¿Visitarás Sitges de nuevo con el film? 

Eso espero. El  caso es que mientras hablamos están rodando el segundo episodio, que estará terminado la semana que viene. Y dentro de tres semanas empiezan a rodar el tercer episodio. Y este último es muy complicado. Así que a lo mejor estará acabado al final del verano, si no se nos acaba el dinero antes. Sería muy grande estrenarla en Sitges.

¿Nos puedes decir alguna película que te haya impactado últimamente?

Bueno estoy esperando ver la nueva de Godzilla (Gareth Edwards, 2014), el director me parece muy interesante, me gustó su anterior película,  Monsters (2010). Lo que me parece curioso y divertido es que lo mas interesante no viene de USA. Los franceses están haciendo una películas muy intensas de terror. Berberian Sound Studio, que tenía un concepto diferente, me gusto. La verdad es que me aburren las películas de terror convencionales.

Hablando con el director de Thanatomorphose (Éric  Falardeau, 2012) salió tu nombre como referencia.

Le conocí en Texas. Estaba muy contento porque fui a ver su película en el festival de Austin  y pude comprobar que mis películas le habían influido.

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Axel Holst en aprietos en Final Girl (German Angst)

Y para terminar, ¿Tienes algún recuerdo especial de tus estancias en España?

Sí, claro. Cuando estuve en Sitges por primera vez y fui jurado fue una gran experiencia. Conocí a Ken Russell. Una noche estuve hablando de la saga de Gamera con Quentin Tarantino. También conocí a Barbara Steele. Además cuando fui era muy joven y a veces me preguntaba qué hacía allí con mi película casera.

Un gran agradecimiento a Jörg Buttgereit por su total disponibilidad para atender esta entrevista y por su amabilidad. Y también a Gonzalo López, que no solo dio la cara traduciendo las preguntas que preparé y conversando con Buttgereit, sino que también añadió varias sugerencias y cuestiones de su cosecha que han enriquecido mucho esta extensa entrevista, que también se ha ocupado de transcribir. Sin él no hubiera sido posible realizarla.

[1]http://www.joergbuttgereit.com/english/home/dvd/

[2] Green Frankenstein, Sex Monster y Video Nasty.

[3] Captain Berlin Versus Hitler (2009)

[4] (https://weissblechcomics.com)

[5] Los otros dos segmentos, Make a Wish y Alraune,  están dirigidos por Michal Kosakowski  y Andreas Marschall, respectivamente.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Entrevista a Quim Crusellas: “Les Nits pueder crecer sin perder su espíritu”

12 septiembre 2014 Deja un comentario

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Desde que en 2011 nos dimos un paseo por el festival Nits de Cinema Oriental, supimos que teníamos que volver y vivirlo en toda su intensidad. Han tenido que pasar dos años para que Proyecto Naschy se haya podido permitir acudir y disfrutar de todo el festival: los golpes nocturnos, los allanamientos de morada estivales y el tráfico de cristal han conseguido que Serendipia se hiciera con el suficiente capital como para poder permitirse vivir el festival en su totalidad. Por otra parte, afortunadamente este año han conseguido no pisarse fechas con Cryptshow, otro de nuestros festivales de cabecera, como ha sucedido en otras ocasiones, así que era el momento ideal. La crónica de los hechos pudieron leerla aquí. También un artículo sobre los invitados y una reseña de los diferentes espacios que componen la muy completa infraestructura del festival. Pero nos quedaba publicar esta entrevista con uno de los responsables, concretamente el pez gordo: el director del festival, Quim Crusellas, con el que podremos echar un vistazo a como comenzó todo esto y hacia donde se dirige, deteniéndonos por el camino para tomar unos sakes.

A continuación todo lo que siempre quiso saber de las Nits de Cinema Oriental 

* ¿Cómo nace tu pasión por el cine oriental?

DSC_0151Soy el pequeño de ocho hermanos y me llevo bastante distancia de edad con ellos. Eso hizo que, de pequeño, me llevarán todos al cine y no precisamente a ver películas infantiles. La afición de uno de mis hermanos por el cine de kung fú, ninjas, su devoción por Bruce Lee se me contagió. También me encantaba la serie chino-japonesa ‘La frontera azul’. Luego, en el Sitges de 1987 descubrí ‘A Chinese Ghost Story’, convertida en una de mis películas de cabecera.

* ¿Cómo decides ‘pasar a la acción’ y montar un festival? ¿Cómo nacen las Nits y como fueron inicialmente?

Siempre hemos estado metidos en entidades y asociaciones que hacen difusión del cine, sobretodo el cine más maltratado en nuestras carteleras, cine inédito, y decidimos proponer al ayuntamiento la celebración de una sesión de cine al aire libre diferente: proyectaríamos una producción comercial asiática acompañada de una cena. La apuesta fue un éxito. Proyectamos ‘Shaolin Soccer’, que por aquel entonces tenía Lauren Films aunque nunca llegó a estrenarla, y la gente flipó con esa mezcla de artes marciales, humor absurdo, dinamismo y efectos especiales cartoonianos. Hubo ganas de más y al año siguiente duplicamos la sesión, añadiendo una noche india. En Vic hay más de 200 familias indias y su participación en el certamen, desde su asociación social y cultural, se ha repetido hasta la actualidad. El 2004 fue una “Nit”, y en 2005, el segundo año, ya fueron las “Nits”, y así hasta ahora. En 2010 pasa a ser un festival, con su sección oficial, sesiones paralelas, diversas actividades complementarias… cada edición hay un país invitado al que dedicamos especial atención, con una muestra de su cine reciente más esperado y con revisiones de sus títulos más míticos.

* ¿Cómo han ido evolucionando y cuando alcanza el formato actual de seis días?

Las “Nits” han tenido una progresión natural, paralela a la aceptación del público, de la participación de la industria (distribuidoras, productoras asiáticas), y el apoyo de las administraciones. Los primeros años las noches de cine estaban repartidas en diferentes semanas y solo había cine al aire libre. Desde que paso a ser “Festival Nits de cinema oriental de Vic” se añadieron las sesiones en sala, el cine infantil, retrospectiva, la concurrida y participativa sesión golfa, una maratón de terror, etc. Hace tres años se apostó por celebrar menos días de festival pero con un aumento de programación considerable. La sección oficial pasó a tener entre 16 y 18 títulos y se proyectaban entre 5 y 8 películas al día. Esa estructura más sólida provocó que el público se quedara en la ciudad los 6 días para ver el máximo de películas posible.

La breve pero intensa primera escapada de Serendipia al Vic oriental.

La breve pero intensa primera escapada de Serendipia al Vic oriental.

* ¿Con que apoyos constasteis inicialmente y en la actualidad? ¿Se portan bien las instituciones?

Inicialmente el ayuntamiento de la ciudad nos pagó el montaje en el exterior de pantalla, proyector, mesas, sillas, y carpas del restaurante.

Luego ese compromiso económico ha ido creciendo y se han sumado recursos buscados, y encontrados, por la propia Associació Nits de cinema oriental, que organiza el festival. Desde embajadas, consulados, hasta todo tipo de patrocinadores que apoyan el festival con intercambios comerciales o ejecutan la función de proveedor con tarifas rebajadas. La Generalitat empezó a apoyar el festival hace 3 años, a través del ICEC. No hay ninguna subvención del Ministerio (Misterio) de Cultura. La relación con el ayuntamiento es óptima y se está trabajando para profesionalizar una parte del festival, consolidando su función de mercado (exhibición de filmes inéditos para las distribuidoras de aquí, para valorar su compra), y asegurando que su tirón popular sea conservado y potenciado por mucho tiempo. Las “Nits” han crecido mucho y no pueden vivir solo del voluntariado. Creemos que la ciudad debe aprovechar su corta pero intensa vida, repercusión y posibilidades.

* ¿Estás satisfecho con el apoyo de la ciudad de Vic?

La ciudad, su gente, es brutal. Las sesiones en la Bassa dels Hermanos, la sala al aire libre que se llena hasta la bandera cada noche, son el alma del festival: con su espíritu participativo, festivo, de hambre cultural y ganas de descubrir algo nuevo. Tenemos un público increíble, capaz de aguantar estoicamente bajo la lluvia para ver el final de una u otra película. El ayuntamiento lo apoya con una dotación económica y técnica pero cabe esperar una mayor participación, incluso en otras ramas del certamen. La UVic, Universidad de Vic, ha colaborado con nosotros desde hace unos años, con la organización conjunta de algún ciclo y exposición. La Biblioteca, diversas entidades y asociaciones, y, por supuesto, la comunidad asiática de la ciudad, cada vez más consciente e involucrada en el festival. La ciudad ya tiene el festival como una referencia del verano y cada vez hay más gente que viene de otros puntos, mayoritariamente Barcelona.

Velando porque las cosas salgan bien...

Velando porque las cosas salgan bien…

* ¿Cómo se realiza la selección de títulos? ¿A que festivales acudís?

Hay poco presupuesto y mucho festival. Así que con Domingo López, programador, hacemos un trabajo de auténticos arqueólogos de cine asiático virgen. Desde títulos enviados por las propias productoras y distribuidoras hasta el viaje anual al Film Art de Hong Kong (donde cerramos un 60% de la programación), pasando por “enviados especiales” a diversos festivales, programadores y periodistas que nos pasan informes de las películas que han podido ver. Otro punto obligado para la selección de títulos es el Far East Film de Udine, el gran festival europeo del cine asiático, un modelo a seguir por su perfecta organización y brillante trayectoria.

* ¿Tenéis problemas para conseguir ciertos títulos?

Aún somos un festival pequeño, aún así la mayoría de distribuidoras asiáticas nos conocen y algunas de ellas nos ofrecen su catálogo para que seleccionemos títulos para el festival. Para otros títulos es más complicado, muchas veces son varios festivales de un mismo país que quieren una misma película y ahí los festivales más grandes (San Sebastián, Sitges) son la primera opción. Por eso también hemos apostado por un cine no visto. No visto en festivales ni mercados, pequeñas joyas que se encuentran escondidas entre otros títulos mucho más “atractivos”. Luego, está el cuerno de la abundancia que es el cine asiático, con miles de películas y, por lo tanto, con muchas posibilidades de repartir sin pisarnos las programaciones. Con Sitges la relación es estupenda. De hecho , colaboramos habitualmente y nos echamos cables muy a menudo.

Presentando la última edición en el Consulado Filipino.

Presentando la última edición en el Consulado Filipino. Nótese la abundante presencia femenina en primeras filas, sin duda atraídas por el magnetismo de Quim.

* ¿Piensas que las Nits pueden seguir creciendo hasta tener repercusión internacional?

 Ese es el objetivo del festival ahora mismo. Hemos demostrado que el certamen puede crecer sin perder su espíritu y las delegaciones de los diferentes países asiáticos que lo han visitado nos han pasado informes destacando el potencial de la actividad. Vamos a seguir trabajando en esa doble línea, la de un festival con películas, invitados, actividades culturales paralelas y la gastronomía, por un lado, y una mayor incidencia en las posibilidades de negocio con Asia, por otro. Sólo por ser un festival asiático ya somos un festival internacional pero debemos conseguir que público y medios de fuera de España se interesen por nuestro festival y acudan a él.

* ¿Qué piensas que le falta al festival?

Le falta una estructura más profesional. Ahora mismo somos un equipo muy reducido, muy apasionado, un grupo de amigos que dedica mucho tiempo y esfuerzos a que el festival luzca. Y lo hacen porque les gusta. Ha llegado un momento, por la estructura y crecimiento del certamen, que necesitamos profesionalizar una parte del certamen. Así podremos conseguir, por ejemplo, tener más invitados y crear mayor difusión de nuestras actividades. Hace unos años nos poníamos como objetivo conseguir algunos de los títulos más sonoros de la temporada, pero esto se ha conseguido en las últimas ediciones. Este 2014, por ejemplo, Yash Raj nos cedió ‘DHOOM 3’, la superproducción más cara de toda la historia del cine indio, para hacer la premiere española en las “Nits”. Eso, para nosotros, no tiene precio.

Quim y el paciente traductor junto a uno de los invitados de la edición de 2014, Andrew Leavold.

Quim y el paciente traductor junto a uno de los invitados de la edición de 2014, Andrew Leavold.

* Cuéntanos lo mejor y lo peor que has vivido durante el festival

Lo mejor: la gente, el ambiente. Realmente es la mejor recompensa: ver, por ejemplo, como en el segundo año cae una tormenta apoteósica durante la proyección de la hongkonesa “The Twins Effect” y que el público aguanta hasta el final. Eso te anima a continuar y dejar atrás malos ratos. En la parte negativa diría que no hay nada, los nervios y alguna negociación frustrada por algún título, quizás…

* ¿Desde cuando tiene mascota el festival? ¿Qué proceso seguís para escogerla?

El festival tiene mascota desde el 2008. No sé si llamarle mascota, la Asociación tiene al Maneki neko como su emblema, luego, dependiendo del país protagonista de cada año, se escoge una imagen u otra, un animal o ser representativo de la cultura y folklore del país. La mano sensible y sabia de Xevi Domínguez, autor de los personajes que pueblan los carteles anuales de las “Nits”, ha dibujado ese Maneki neko, luego un cerdo vietnamita, un demonio tailandés, el rey mono chino Sun Wukong, el dragón cantonés Siu Lung, el oso negro de Formosa Xi Wang, y el tarsio Gwapo, de Filipinas. Xevi ha trazado una línea de dibujo que respeta año tras año y se enriquece con el diseño posterior de Christian Inaraja y Sílvia Ferrán.

20092008* En cuanto a la infraestructura del festival ¿las salas han sido siempre las mismas? ¿Desde el principio se celebró la parte al aire libre en la Bassa dels Hermanos?

La Bassa fue el primer emplazamiento de las Nits y sigue siendo su “sala” más especial y querida. Es el resumen de las Nits: cine, comida, participación de la masa social de la ciudad, un público entregado… Luego se incorporó el Edifici El Sucre, durante unos años, después l’ Espai ETC, donde se proyectan las sesiones infantiles y retrospectivas, y más tarde el Cinema Vigatà, justo detrás de la bassa. Un cine equipado con dos salas y los últimos requerimientos técnicos. Ahora mismo el triangulo de salas de exhibición del festival lo forman la Bassa, el Vigatà y el ETC. En las Biblioteca Joan Triadú también se hacen sesiones previas, como el ciclo de clásicos de Kurosawa restaurados, que se celebró este mismo año.

* ¿Consideras que el modelo actual de festival es el definitivo? ¿Qué cambiarías?

El modelo es bueno, pero hay que consolidarlo aún más y completarlo con más invitados, ruedas de prensa, conferencias… me gustaría hacer unas sesiones de preview, con primeros pases de trailers, imágenes inéditas, avances de los títulos más esperados. Pero creo que el modelo de sección oficial funciona. Para el próximo año vamos a añadir un jurado profesional y otro premio DSC_0246entregado por los Nitòmans, los seguidores del festival que adquieren el bono con toda la programación. Así habrá un jurado para escoger la mejor película del certamen, un jurado Nitòman, y luego el premio del público, que es le que se viene entregando desde hace 4 años, el Gat de la Sort: The Lucky Cat Award.

* Una parte importante y muy popular de las Nits son las cenas y las exhibiciones ¿Es muy difícil coordinar toda esta actividad?

Era difícil. Ahora, cuando estas actividades se van multiplicando, es más fácil. La experiencia aprendida cada año ha conseguido que esas actividades entren en el puzzle de las Nits tranquilamente. El espectáculo de Bollywood y danzas indias, por ejemplo, viene haciéndose desde los primeros años y Sara Barrera y su equipo ya lo organiza con cierta inercia. Su talento y conocimiento del festival hacen que encaje sin fisuras. Lo mismo con las cenas. Desde el primer año las coordinaba Lim Boon Chanh, propietario de un restaurante asiático en la ciudad, en 2014 esa función se ha diversificado y han entrado más organizaciones y entidades para preparar las cenas. También, este año, ha entrado una persona en el quipo encargada de supervisar las cenas y otra para coordinar las actividades paralelas. Año tras año se han multiplicado las exhibiciones de artes marciales, uno de los atractivos de las Nits en la Bassa, un prólogo ideal de la película estrella del día, que se exhibirá justo después.

* ¿Quieres añadir algo más?

Sí, dar las gracias a todo el equipo que hace el festival. Son un grupo que disfruta preparando las Nits y ese entusiasmo lo transmiten durante el festival. El agradecimiento es extensivo al participativo público y a los medios de comunicación, acreditados y colaboradores que han entendido perfectamente el espíritu del festival y se lo han hecho suyo. Así que no nos cabe otra que seguir trabajando para que el festival esté a su altura.

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Ya solo queda agradecer efusivamente a Quim Crusellas su colaboración respondiendo a esta extensa entrevista. Hacía tiempo que queríamos realizarla y ahora se ha producido la ocasión perfecta. Por nuestra parte decir que nos hemos convertido en  incondicionales de este festival y que nuestra intención es, siempre que nuestra actividad delictiva nos permita hacernos con el mínimo capital que nos permita cubrir estancia y sustento, no perdernos ninguna de las futuras ediciones. Tan bien lo pasamos y tan buenas películas vimos, que se nos hace imposible no incluir las Nits de Cinema Oriental entre los destinos anuales de Proyecto Naschy. 

Yo de ustedes no me las perdería…

El mejor cine fantástico internacional tiene una cita en Sitges 2014‏

9 septiembre 2014 Deja un comentario

Antonio Banderas recibirá el Gran Premio Honorífico por su trayectoria cinematográfica y presentará ‘Autómata’, de la que es protagonista

Producciones de género que han despertado un gran interés en Cannes, Venecia, Toronto o Sundance estarán en la Sección Oficial Fantàstic Competició de Sitges 2014. El Festival recoge la variedad temática y conceptual del género de nuestros días destacando la presencia de óperas primas y talentos emergentes, al lado de nombres consagrados.

La Sección Oficial Fantàstic a Competició de Sitges 2014 incluye Goodnight Mommy, del dúo austriaco emergente formado por Veronika Franz y Severin Fiala, una película que llega del Festival de Venecia en la que el terror psicológico empieza cuando dos gemelos sospechan que su madre no es su madre, sino alguien que se está haciendo pasar por ella. Spring es el nuevo título de Justin Benson y Aaron Morread, que también entra en la programación de Sitges 2014 y que estos últimos días ha triunfado en el Toronto Film Festival: en él, los responsables de Resolution (2012) explican la historia de un joven que emprende un viaje hasta un pueblo del sur de Italia, allí vivirá un romance con Louise, de la que pronto descubrirá que esconde un secreto que podría destruir la historia que habían empezado a construir. Un film que ha tenido muy buena acogida en Cannes es When Animals Dream, de Jonas Alexander Arnby, que estará en Sitges para mostrar como una adolescente de diez y siete años padece una enfermedad degenerativa que la va convirtiendo en licántropo. Durante su transformación, inválida en una silla de ruedas, tendrá que lidiar con su familia y los habitantes del pueblo que la van acorralando para acabar con su potencial peligro animal.

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Aún dentro de la Secció Oficial Fantàstic a Competició, hay que destacar los títulos siguientes: la producción catalana L’altra frontera, de André Cruz Shiraiwa; The Signal, de William Eubank; Réalité, de Quentin Dupieux; Over Your Dead Body de Takasi affiche-concept-art-aux-yeux-des-vivants201434165406Miike; la española Pos eso, de Samuel Ortí Martí; Oculus, de Mike Flanagan;Cub,de Jonas Govaerts; I Origins, de Mike Cahill; Jamie Marks is Dead, de Carter Smith; These Final Hours, de Zik Hilditch; Sword of Vengeance, de Jim Weedon. Estos films se suman a los ya anunciados  Aus yeux des vivants, de Alexandre Bustillo i Julien Maury; Alleluia, de Fabrize Du Welz; It Follows,de David Robert Mitchell; The Babadook, de Jennifer Kent; A Girl Walks Home Alone at Night, de Ana Lily Amirpour y The Voices, de la reconocida autora de cómicos Marjane Satrapi. La lista completa se dará a conocer la semana que viene.

En cuanto a la Secció Fantàstic Panorama, Sitges 2014 contará con Let us Prey, del irlandés Brian O’Malley; Fièvre, de Louis Deluc; Preservation,de Critopher DenhamHoneymoon, de Leigh Janiak y Creep, de Patrick Brice. Títulos que se unen a Late Phases, de Adrian García Bogliano y a la neozelandesa Housebound, dirigida por Gerard Johnstone.

Fantàstic Panorama también programa tres películas incluidas en la tipología de films codirigidos por diferentes directores y presentados en formato de capítulos. Por un lado, las norteamericana V/H/S Viral, dirigida por Marcel Sarmiento, Nacho Vigalondo, Gregg Bishop, Todd Lincoln, Justin Benson y Aaron Moorhead, y ABC’s of Death 2,la esperada secuela de cortometrajes de terror realizada por 26 directores, entre los que figuran Álex de la Iglesia, Alexandre Bustillo, Sion Sono o Vicenzo Natali. I por el otro, la mexicana México Bárbaro, dirigida por Jorge Michel Grau, Isaac Ezban, Laurette Flores Born, Ulises Guzmán, Edgar Nito, Lex Ortega, Gigi Saul Guerrero y Aaron Soto. Esta última también estará enmarcada en la nueva sección Blood Window, que reúne títulos de género producidos en Latinoamérica y que se organiza en colaboración con el proyecto del mismo nombre en el mercado de cine Ventana Sur de Buenos Aires.

La Secció Oficial Fantàstic Especials contará con dos sesiones especialmente destacables. La española Autómata, dirigida por Gabe Ibáñez y protagonizada por Antonio Banderas, que estará presente en Sitges 2014 para recoger el Gran Premio Honorífico por su trayectoria cinematográfica. También se proyectará Tusk, la esperada nueva producción de Kevin Smith, quien en el 2011 se llevó el Premio a la Mejor Película por Red State.

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Las últimas producciones de grandes nombres como David Cronenberg (Map to the Stars), Jean Luc Godard (Adieu au langage), Kim Ki-duk (One on One) o Takashi Miike (The Mole Song: Undercover Agent Reiji) así como la inauguración con la esperada REC 4, de Jaume Balagueró, o la producción de Álex de la IglesiaMusarañas, centran Sitges 2014. Una edición que reconocerá con un Gran Premio Honorífico la carrera de Roland Emmerich, el director que ha destruido el mundo en más ocasiones y de la forma más espectacular, y que contará también con la presencia destacada de Pablo Helman, el genio de los efectos especiales de las películas de Steven Spielberg y George Lucas.

Categorías:Sitges Film Festival

Paul Naschy en…La venganza de la momia

6 septiembre 2014 Deja un comentario
Interior de la guía publicitaria.

Interior de la guía publicitaria.

Los misterios del antiguo Egipto y sus faraones que sirvieron de inspiración para la literatura y el cine, naturalmente también nutrieron al género fantástico, que creó uno de sus personajes clásicos, la Momia revivida, a la que los estudios Universal dotaron de existencia en diversas ocasiones hasta su decadencia en las garras de Abbott y Costello, quienes al igual que al resto de los monstruos clásicos, convirtieron a la Momia en objeto de sus bufonadas[1]. Afortunadamente quedó el gran clásico protagonizado por Boris Karloff[2], al que se dio continuidad en los años cuarenta por medio de cuatro disfrutables secuelas[3] realizadas, eso sí, con menos imaginación, menos presupuesto y otra momia protagonizándola, ya que en lugar de Imhotep, recibe el nombre de Kharis. En años posteriores, con los nuevos tiempos, Hammer Films también revisitará al personaje[4], que irá dejándose ver por las pantallas con menor asiduidad que sus compañeros de tropelías. Y así llegamos a Jacinto Molina, cuya confesa admiración por los monstruos clásicos anima a escribir un guión sobre el personaje, incrementando el pandemónium de mitos interpretados por su alter ego Paul Naschy.

A principios de los años setenta Paul Naschy vivía uno de sus momentos de mayor popularidad y actividad. Había interpretado a su hombre-lobo, Waldemar Daninsky, en cinco ocasiones, además de a otros personajes como Drácula, el jorobado Gotho, Mr. Hyde e incluso al propio diablo, entre muchos otros. Así que cuando el actor  firmó con Lotus Films para rodar dos largometrajes en coproducción, uno con Venezuela y otro con México se apostó, por un lado a lo seguro rodando una nueva entrega de su hombre-lobo, El retorno de Walpurgis, y por el otro afrontando un nuevo personaje con La venganza de la Momia, donde Naschy podría encarnar por primera y única vez a otro de sus queridos mitos clásicos, a los que el actor pensaba dar un descanso, tal y como declaró en la época: (El retorno de Walpurgis) “será mi último hombre-lobo, porque he decidido seguir el camino de otros personajes más en la línea actual y abandonar para siempre quizá, la piel de los monstruos más o menos clásicos[5]

La venganza de la momia 001

El cartel original español…

Centrémonos pues en La venganza de la Momia, una coproducción entre la española Lotus films y la venezolana Sara Films, compañía esta cuyo capitalista era Renny Ottolina, un conocido ‘showman’ de la televisión. Mientras Lotus Films realizaría una prolífica lista de títulos, Sara Films quedaría como una productora fundada con el objetivo único de rodar este título, en el que la hija del productor, Rina Ottolina, debutará a los 19 años como actriz.

Se inicia así un rodaje a caballo entre Londres y España con un argumento que tiene como modelo a sus antecesores de Universal y Hammer y en los que no pueden faltar “Sarcófagos policromados, aventureros, trampas mortales, misteriosos ritos funerarios y descubrimientos arqueológicos, (…) elementos imprescindibles en cualquier historia referida a la Momia”.[6] Veamos sino su trama: Amenhotep (Paul Naschy), un sanguinario faraón y su concubina favorita, Amarna (Rina Ottolina), son traicionados por Anchaff (Fernando Sánchez Polack), sumo sacerdote de Amon-ra, que mata a Amarna y momifica en vida al faraón. La momia es descubierta siglos después por una expedición inglesa dirigida por el profesor Nathan Stern (Jack Taylor) y su esposa Abigail (María Silva) y es transportada al museo de Sir Douglas Carter (Eduardo Calvo), en Londres, donde es revivida por los egipcios Assad Bey (Paul Naschy) y su bella ayudante Zanufer (Helga Liné) con la intención de castigar a todos los que han violado los secretos de Egipto. Una vez vuelta a la vida, la momia buscará un cuerpo que pueda alojar el espíritu de Amarna, encontrando a la reencarnación de su amada precisamente en Helen (Rina Ottolina), hija de Sir Douglas Carter.

La influencia de los films clásicos en el guión se deja notar: si la momia interpretada por Karloff se llamaba Imhotep, la de Naschy se llama Amenhotep, y ambos son enterrados en vida retornando siglos después en búsqueda de su amor. En ambos filmes la reencarnación de su  amada se llama Helen, huérfana de madre egipcia también en los dos casos. Amarna, el nombre de la concubina del faraón, suena bastante similar a Ananka, nombre que recibe tanto la actriz Ramsay Ames en The Mummy’s Ghost como Virginia Christine en The Mummy’s Curse, ambas producciones Universal, a las

Este no pudo ser... no fuera que los españolitos pecaran de pensamiento (y en la intimidad de facto)

… y el cartel que no pudo ser… no fuera que los españolitos pecaran de pensamiento (y en la intimidad de facto)

que también Hammer Films recurrió al llamar al personaje interpretado por Ivonne Furneaux Ananka y a la momia, Kharis. Por cierto, también la forma favorita de eliminar al monstruo se repite, siendo los procedimientos más populares las llamas y las arenas movedizas. Y si todos los films sobre el mito de la Momia poseen bastantes similitudes argumentales entre sí, justo es destacar las semejanzas entre el film original de Karl Freund y la adaptación de Drácula que Tod Browning dirigió un año antes. Así que subrayemos una variante que Naschy introdujo en su Amenhotep: “convierte a la Momia en un ser totalmente maligno y salvaje. Los personajes interpretados por Karloff, Chaney y Lee acabaron prematuramente convertidos en momias porque se les había sorprendido quebrantando los tabúes del templo en nombre del amor, pero Naschy es momificado en vida por la única razón de que era un faraón sádico, mal bicho e insoportable”[7] Y aquí sí que tenemos un leitmotiv desarrollado por Naschy con anterioridad, ya que dos crueles sujetos que son ejecutados y revividos en el futuro para instaurar un reino de terror, nos lleva de cabeza a El espanto surge de la tumba (1973, Carlos Aured), donde Alaric de Marnac (Paul Naschy) y Mabille de Lancré (Helga Liné), representan personajes similares.

Para Naschy “Este es un film muy pasional, con un amor más allá de la tumba, de la muerte y del

Una de las escenas de la doble versión para exportación. Una versión que de momento no se ha encontrado ni siquiera en VHS

Una de las escenas de la doble versión para exportación. Una versión que de momento no se ha encontrado ni siquiera en VHS

tiempo, con ese faraón Amenhotep locamente enamorado de su faraona… Tiene una escena con un beso entre la momia y la chica que es el máximo de lo romántico y de lo horrible al mismo tiempo[8]”. Romanticismo al que se tuvieron que añadir otros ingredientes: “Nosotros queríamos hacer una película sobre el mito de la momia, lo cual era un desafío, ya que se trata e un personaje bastante estático. Por esta razón se hizo necesario mostrar elementos que pudieran mantener el interés del espectador, y la violencia y la sangre fueron una buena solución”[9]. Y realmente el film contiene altas dosis de gore, que sin llegar a la altura de El espanto surge de la tumba, realmente resulta efectivo, destacando la escena en la que la Momia aplasta el cráneo de tres doncellas. Además de sangre se incluyó la cuota habitual de erotismo, especialmente destinado a la versión para el extranjero, para lo que se recurrió a la doble versión: “La verdad es que estaba un poco harto de tener que filmar la misma escena dos veces, una con la actriz vestida y otra con ella sin ropa. Yo pensaba que la historia no necesitaba más erotismo que el que se generaba en torno a la propia momia”[10].

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El presupuesto destinado a La venganza de la Momia, que según Luis Méndez, ejecutivo de Lotus Films fue de 10 millones de pesetas, repercutió en el aspecto general de la cinta, especialmente en los apartados de efectos especiales de maquillaje y vestuario, así como en las localizaciones. Tras el maquillaje se encontraba Miguel Sesé, un veterano profesional con una carrera que abarca desde 1960 a la actualidad. A él se debe el maquillaje de otras películas pertenecientes al boom del Fantaterror como Doctor Jekyll y el hombre lobo (León Klimovsky, 1972), El jorobado de la morgue (Javier Aguirre, 1973), La rebelión de las muertas (León Klimovsky, 1973) o La saga de los Drácula (León Klimovsky, 1973) entre otras: “La realización del personaje de la momia, a cargo del maquillador Miguel Sesé es admirable. Para que tengan una idea aproximada de la minuciosidad de este trabajo, piensen que cada vez que me caracterizaba para este cometido su trabajo se aproximaba a las tres horas.[11]”. Naturalmente este minucioso maquillaje ocasionó no pocas molestias al actor:“Fue una película muy dura de hacer. No podía ir al baño por las vendas y me pusieron el maquillaje más difícil que he llevado nunca. Me embadurnaban la cara para hacer la piel y si el que usábamos en los planos medios era durísimo de llevar, el que me ponían para los primeros planos requería de una preparación que me desesperaba.”[12] . Por otra parte el director no quedó del todo satisfecho con que la Momia fuera interpretada por Paul Naschy: “creo que la corpulencia de Paul Naschy era un lastre para el personaje de una momia.”[13]

Diseño original de la vestimenta de la momia

Diseño original de la vestimenta de la momia

Como hemos indicado la ambientación, a caballo entre dos siglos, fue especialmente cuidada. Quizás fuera debido en parte a que, según desvela el director Carlos Aured: “(…) los decorados y el vestuario del antiguo Egipto fueron los usados en la película que sobre Cleopatra rodó Charlton Heston en España como director y actor[14]. El productor era el mismo para ambos títulos”[15]. También la protagonista, Rina Ottolina,  quedó satisfecha con el vestuario, especialmente con el proporcionado por Peridis Hnos.: “Soy una enamorada del novecientos. Creo que sólo el vestuario de la película tiene un costo de un millón de pesetas, porque los trajes que lucimos Helga Liné, María Silva y yo se han hecho con telas y encajes de la época”[16]

Muchos exteriores fueron rodados en Londres, un Londres dominado por el viento, tal y como puede apreciarse en algunas de las escenas compartidas entre Jack Taylor y María Silva. Jack Taylor nos contó que “La venganza de la momia (1973) es muy lujosa para la época. Está muy bien. Rodamos en el Castillo de Viñuelas. Hay secuencias con Helga Liné que rodamos en la antigua embajada de Santo Domingo. Estuvimos en el Puente de Londres rodando, y al ver la película terminada vi un autobús cruzando el puente (risas).”[17]Para Naschy se trata de “Una película, en mi opinión, muy bien ambientada, con muchos logros. La persecución por las alcantarillas de Londres es antológica. Fue difícil, muy difícil de rodar por eso, era muy desagradable el lugar. (…) Creo que Carlos Aured realizó un magnífico trabajo y la considero una película de las más interesantes de aquella etapa”.[18] Considerando también el actor que “La época está muy bien reproducida y se cuidó especialmente el vestuario.”[19]

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La venganza de la Momia inicialmente iba a ser dirigida por el todoterreno León Klimovsky, pero al no estar disponible fue el propio Naschy quien recomendó al ayudante del director, Carlos Aured, para realizar la labor. Carlos Aured había debutado como director con la nombrada El espanto surge de la tumba, y dirigiría otros títulos protagonizados por Naschy como El retorno de Walpurgis (1973) y Los ojos azules de la muñeca rota (1973). Jack Taylor no duda en defender esas películas y directores: “Carlos Aured también era un gran artesano. Todos estos directores cumplían muy bien su cometido y tengo la suerte de haber sido amigo de todos, de Leo, de Carlos, de todos. A todo ese cine lo que le faltaba era dinero, por supuesto, pero con lo poco que había se hizo mucho. Todas estas películas eran modestas, digamos que eran de serie-B, pero lo curioso es que de más de una película de serie-A nadie se acuerda, pero de estas sí.”[20]

Como vemos, en el reparto figuraba lo más granado del Fantaterror español, con Paul Naschy en cabeza: Jack Taylor, con quien Naschy había rodado Dr. Jekyll y el hombre lobo (1972) de León Klimovsky; María Silva, una gran actriz que también formaría parte del reparto del siguiente titulo producido por Lotus Films, El retorno de Walpurgis (Carlos Aured, 1973); Helga Liné, que ya había trabajado con Naschy y Aured en El espanto surge de la tumba (1973), además de en otros films señeros del Fantaterror de los setenta como Pánico en el Transiberiano(Eugenio Martín, 1972), Las garras de Lorelei (Amando de Ossorio, 1974) o El asesino de muñecas (Michael Skaife, 1975). El film también contó, ya en papeles secundarios, con los característicos Eduardo Calvo y Fernando Sánchez Polack, presentes asimismo en el siguiente film de la productora, así como con Ana María momia 9 001Pol, que debutó con La residencia (1969) de Narciso Ibáñez Serrador y Pilar Bardem, que interpretaba un pequeño papel. Y no nos olvidamos de la protagonista, la venezolana Rina Ottolina, de la que Jack Taylor nos comentó una curiosidad: “el padre se llamaba Renny, la hermana Rona y el perro Runa, me parece (risas)”[21]. Bromas aparte, es cierto que la esposa de Renny Ottolina, famoso showman de la radio y televisión venezolana se llamaba René y tuvieron tres hijas, Rena, Rhona y Rina. Costumbre está que las hijas parece mantuvieron, ya que Rena, la menor, tuvo dos hijos gemelos a los que llamó Renata y Renato… Curiosidades aparte detengámonos en Rina Ottolina, ya que indagando en su biografía vemos que en noviembre de 1969 fue secuestrada junto a su hermana Rhona por hombres armados con ametralladoras cuando eran llevadas al colegio. Los secuestradores dejaron una nota con el chófer dando los detalles del pago del rescate y la 001advertencia de no llamar a la policía. Renny Ottolina siguió las instrucciones de los secuestradores y las niñas fueron liberadas al día siguiente en un sitio indicado mediante una llamada telefónica. Tras el incidente, el padre decidió que sus tres hijas residieran en Estados Unidos. Desembarcaron en España en 1973, y ese mismo año las tres Ottolina se verían envueltas en un accidente automovilístico en Santander. Rhona y Rena salieron ilesas,  mientras que Rina tuvo que ser hospitalizada por las heridas.La actriz, que debutó en el cine ese mismo año con La venganza de la Momia, definió el film como “una película de terror-fantasía, comercial, por supuesto.”[22] A pesar de que opinar que “Está bien realizada y los decorados y vestuario están muy cuidados”[23], no simpatizó mucho con el cine de terror, dejando claro que lo consideraba un género menor: “Aspiro a algo más. Creo que los films de terror te limitan. Y yo tengo posibilidades de mucho más”[24]. Algo de lo que no nos cabe duda, pero que no terminó de demostrar. Tras ser jurado de la edición de 1973 del Festival de Sitges, donde concursaba El retorno de Walpurgis, pero no La venganza de la momia, que se estrenaría en 1975, su carrera cinematográfica se prolongó durante unos pocos años en España, en los que interpretó pequeños papeles en cuatro títulos más antes de regresar, en 1978, a su país, coincidiendo con el trágico fallecimiento de su padre en un accidente de aviación. Se hizo budista, interpretó otra película allí y se dedicó al mundo de la canción, grabando un disco y participando en 1983 como bailarina en el video-clip All Night Long de Lionel Richie.

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Aunque no he podido localizar críticas de la época, parece ser que la película no fue muy bien recibida. Vista ahora, la obra ha recibido críticas de todos los colores. Para Adolfo Camilo Díaz es “un cómic agradecido. Una apuesta por el exotismo rancio. Una recreación de la momia de la Universal más cercana al espíritu de la Hammer.”[25] Shane M. Dallman piensa que “es entretenida, pero debe ser considerada como una obra menor.”[26] Mientras que Luis Gasca siempre la ha considerado una de las mejores películas que se han rodado sobre el mito.

Más severos se muestran otros críticos al valorarla, como Antonio José Navarro, para el que La venganza de la Momia “Es un subproducto sin entidad visual, sin nervio narrativo. La sonrojante falta de medios es, en gran parte, la culpable del desastre. Basta con observar ese prólogo ambientado en el Egipto de los faraones: el entramado de tapices que ocultan, con toda probabilidad, una pared vacía; el carnavalesco vestuario (…) El guión de Jacinto Molina es un deslavazado amasijo de tópicos extraídos a pico y pala de las películas producidas por la Universal y la Hammer. (…) Carlos Aured, artesano de limitadas aptitudes no puede –o no sabe- vadear tantos escollos, y despacha el producto con insípida diligencia, salpimentando el monocorde aburrimiento con ciertos toques de gore primitivo y brutal’ (…) Y es que La venganza de la momia  no es únicamente pobre, sino también tonta.”[27] David Pizarro y Diego López insisten en la falta de medios: “Su limitadísimo presupuesto repercute sobre todo en los paupérrimos decorados, el carnavalesco vestuario, la sofocante rigidez estética…, pero también su ritmo monocorde, la caótica transición entre una época y otra, las frías interpretaciones…”[28]Carlos Aguilar tampoco se muestra muy compasivo con la película, que califica como “Una de las más lamentables apariciones cinematográficas del romántico y necrofílico mito de la Momia. Destacable únicamente por las apariciones del siempre magnético Jack Taylor y de la deliciosa y tristemente desaprovechada María Silva.”[29] Y finalmente, para Jesús Palacios el film tiene “Una trama absurda y ridícula, salvada por muertes bastante sangrientas, un reparto de scream queens nacionales de la época y FX decentes.” Concluyendo que “No es lo peor de Naschy.”[30]

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Por mi parte recuerdo haberla visto en un cine de programa doble de mi barrio, agradándome lo suficiente como para vencer mi proverbial timidez infantil y pedir el póster, que aún conservo, al propietario de la sala. Tras revisarla años después, pienso de manera similar que Ángel Sala, opinión con la que cierro este artículo:

(La venganza de la Momia es) “una reivindicable versión de las maldiciones egipcias que no acabó de encontrar el público adecuado en su momento, aunque vista hoy es un delirio pulp tan disfrutable como otras obras del autor.”[31]

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Este artículo se publicó previamente en Cine de Ultramundo: http://cineultramundo.blogspot.com.es/2014/08/critica-de-la-venganza-de-la-momia_27.html

NOTAS:

[1] Abbott and Costello meet the Mummy (Charles Lamont, 1955)

[2] La Momia (The Mummy, Karl Freund, 1932)

[3] A pesar de recibir otro nombre, los flash-backs de su origen que pueden verse en, al menos dos de los títulos contienen escenas del film del 32, aunque cambiando al protagonista. Los títulos de esta entrañable saga Universal fueron: The Mummy’s Hand (1940, Christy Cabanne), The Mummy’s Tomb (Harold Young, 1942),  The Mummy’s Ghost (Reginald Le Borg, 1944) y The Mummy’s Curse (Leslie Goodwins, 1944).

[4] La Momia (The Mummy, Terence Fisher, 1959)

[5] Paul Naschy en Terror Fantastic nº 20. Barcelona, mayo 1973. Pág. 5

[6] Naschy, P. Crónicas de las tinieblas. Madrid, 1993. Pág. 32

[7] Dallmann, S. M. La marca de Naschy en Fangoria 7. Ed. Zinco, Barcelona 1992. Pág. 12

[8] Paul Naschy entrevistado por Jesús Parrado en Quatermass nº 4-5. Bilbao, otoño 2002. Pág. 24

[9] Carlos Aured entrevistado por Mirek Lipinski en Quatermass nº 4-5. Bilbao, otoño 2002. Pág. 30

[10] López, D. y Pizarro, D. Silencios de pánico. Tyrannosaurus Books, Barcelona 2003. Pág. 450

[11] Paul Naschy en Terror Fantastic nº20. Barcelona, mayo 1973. Pág. 5

[12] Agudo, A. Paul Naschy, la máscara de Jacinto Molina. ScifiWorld, Pontevedra, 2009. Pág. 156-57

[13] Plana, M. A. Los alucinantes setenta y algunas cosas más… Dossier incluido en Flash-Back nº3. Valencia 1994. Pág. 76

[14] Marco Antonio y Cleopatra (Antony and Cleopatra, Charlton Heston 1972)

[15] Carlos Aured entrevistado por Mirek Lipinski en Quatermass nº 4-5. Bilbao, otoño 2002. Pág. 30

[16] Rina Ottolina en entrevista con Fernando Montejano en Terror Fantastic nº20 . Barcelona, mayo 1973. Pág. 6

[17] https://proyectonaschy.wordpress.com/2013/10/02/charlando-con-jack-taylor/

[18] Declaración de Paul Naschy en extra de la edición española en  DVD de La venganza de la Momia. Vella Visión, 2009.

[19] Videooze nº 6-7. Estados Unidos, 1994. Pág. 30

[20] https://proyectonaschy.wordpress.com/2013/10/02/charlando-con-jack-taylor/

[21] Íbidem.

[22] Terror Fantastic nº 26. Barcelona, noviembre 1973. Pág. 31

[23] Íbidem

[24] Íbidem

[25] Díaz, Adolfo Camilo. El cine fantaterrorífico español. Santa Bárbara editorial, Gijón 1993. Pág. 153

[26] Shame M. Dallman: La marca de Naschy en Fangoria nº 7. Ed. Zinco, Barcelona 1992. Pág. 12

[27] Antonio José Navarro en Quatermass nº 4-5. Bilbao, otoño 2002. Pág. 93

[28] López, D. y Pizarro, Opus Cit. Pág. 138

[29] Aguilar, C. Guía del video-cine. Séptima edición. Cátedra, Madrid 2000. Pág. 1091

[30] Palacios, J. Goremanía. Alberto Santos editor. Madrid 1995. Pág. 268

[31] Sala, Ángel. Profanando el sueño de los muertos. ScifiWorld, Pontevedra 2010. Pág. 83

Todas las imágenes: Archivo Serendipia.

 

 

 

 

Macnulti edita ‘Nicolas Winding Refn. Luces y sombras del thriller contemporáneo’

5 septiembre 2014 Deja un comentario

Tras dos obras colectivas como John Carpenter. Ultimátum a la Tierra y A tumba abierta. El cine kamikaze, Macnulti Editores apuesta por un libro de temática cinematográfica de autor único. Se trata de Nicolas Winding Refn. Luces y sombras del thriller contemporáneo, que escribe Óscar Brox Santiago, y que supone tanto el segundo libro de la colección Hamsterdam como el tercero de la historia de Macnulti Editores.

portada_redesNicolas Winding Refn. Luces y sombras del thriller contemporáneo aborda la obra del director danés como un estimulante punto de partida para reflexionar sobre el presente, pues en sus manos el thriller se transforma en un vehículo para investigar no solo los nuevos senderos del género, también del mismo cine. Tan estéticamente arrebatador como psicológicamente profundo, el cine de Winding Refn ha alcanzado, con sus historias repletas de claroscuros y personajes turbios, un papel protagonista para entender el thriller de nuestro tiempo. Entre la renovación y el cuestionamiento, entre el tormento y el éxtasis.

El autor del libro, Óscar Brox Santiago, es coordinador de Miradas de Cine y editor de Détour, ha colaborado en diferentes medios, digitales y en prensa, y ha participado en libros colectivos como John Carpenter. Ultimátum a la Tierra, A tumba abierta. El cine kamikaze, Cine de animación japonés o El universo de 2001: Una odisea del espacio. En tareas de ilustración, el libro cuenta con Antonio Castillo.

El volumen puede reservarse a través de la tienda on-line de Macnulti Editores (tienda.macnulti.es) hasta el 8 de septiembre, con un 10% de descuento sobre el precio de venta al público. Aprovechando el lanzamiento de Nicolas Winding Refn. Luces y sombras del thriller contemporáneo, así como el primer cumpleaños de la editorial, Macnulti aplicará un 5% de descuento fijo, para siempre, en todas las compras de su catálogo a través de tienda.macnulti.es.

La presentación oficial del libro se llevará a cabo en Madrid el próximo 18 de septiembre a las 20:30, en la tienda Sin Tarima Libros (c/Príncipe, 12 – Metro Sol), y contará con la presencia de Óscar Brox.

El próximo trabajo de esta colección versará sobre la figura del cineasta Tod Browning, mientras que la colección mayor de Macnulti Editores tendrá próximamente continuidad con un libro sobre Adam Sandler coordinado por Roberto Alcover Oti y Pablo Vázquez.

Constituida en septiembre de 2013, Macnulti Editores surgió del deseo de los miembros de la revista on-line Miradas de Cine de trasladar su filosofía de trabajo colectivo y el talento de sus colaboradores a las publicaciones de papel. Tras la positiva experiencia de la publicación del volumen Cien miradas de cine, destinado a celebrar los 100 primeros números de la publicación, el equipo decidió apostar por el lanzamiento de una línea de libros de cine especializados. Su primer lanzamiento fue John Carpenter. Ultimátum a la Tierra.

Formato: 14×21, rústica, cosido

Páginas: 116

PVP: 14 euros En librerías especializadas a partir del 15 de septiembre de 2014

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Finaliza el periodo de inscripción de Cinephone 2014

4 septiembre 2014 Deja un comentario

Cinephone, festival internacional de cortometrajes realizados con Smartphone, dirigido por el artesenco David Cornadó, ha cerrado el periodo de inscripciones el pasado 31 de agosto.

En marzo de este año los organizadores apuntaban que 2014 sería el año en que el Smartphone se volvería mainstream, rápidamente otros medios a través de las redes sociales se hicieron eco con las mismas palabras desde diferentes puntos del mundo.

Cinephone 2014 arrancaba bajo el lema “Arte y tecnología juntos de nuevo” y con un cartel que evocaba la portada de la prestigiosa revista TIME de 1984 con Steve Jobs mostrando el primer ordenador de la casa Apple el cual incorporaba fuentes tipográficas y era capaz de crear arte en los documentos. Gracias al continuo desarrollo tecnológico, 30 años más tarde, cualquiera, incluso un niño, es capaz de crear cine con un gadget que se ha hecho popular en nuestras vidas como es el teléfono móvil.

Jobs

cartel-cinephoneDurante este año fueron invitados a impartir conferencias en ESADE y en la UB para debatir sobre los cánones marcados por la industria de cine convencional frente al uso de aplicaciones que simplifican las tareas de grabación, edición y postproducción de material audiovisual, sin abandonar nunca el teléfono móvil. También estuvieron presentes en RAC1 y Cadena SER para dar a conocer qué es el Smartphone Filmmaking. Por último, forjaron alianzas con Nueva Zelanda, Los Angeles y San Diego, algunos de los puntos claves del mundo donde se encuentran otros festivales similares a Cinephone.

Con el soporte de la UOC y Movistar crearon su propio foro tecnológico, Cinephone Maker, que fue celebrado en Julio con los más grandes expertos que existen en el país: YOS Contenidos de Valencia, que mostraron soluciones de rentabilización empresarial con APPs de creación audiovisual; xPressart de Córdoba, que impartió un workshop en el que presentó un modelo docente encarado a adolescentes; y Conrad Mess de Zaragoza, el director de cine que acumula más premios internacionales del mundo rodados con Smartphone, entre ellos el laureado The Other Side.

Tras finalizar el periodo de inscripción, llega el momento de hacer balance de lo que ha deparado esta edición de Cinephone. La  organización está satisfecha de poder notificar que han contado con un total de 115 cortometrajes seleccionados, recibidos desde 30 países de todo el mundo, lo que ha supuesto un crecimiento de un 35% respecto a la anterior edición. Cinephone se ha posicionado, así,  como uno de los tres festivales más relevantes del mundo (de cine realizado con Smartphone).

Durante este mes de septiembre se conocerán los 20 cortometrajes finalistas que optarán a los premios del Jurado, formado, en esta ocasión, por Max Schleser organizador del Festival MINA de Nueva Zelanda, Susy Botello directora del Mobil Film Festival de San Diego y Conrad Mess de Me.S.S.FilmMakers. La entrega de premios  se celebrara el 27 de septiembre. Por otra parte, hasta el dia 26 de septiembre se puede votar para otorgar el premio Mosaic (premio del público), al cortometraje que acumule mayor número de votos de los usuarios registrados en el portal web del Festival (www.cinephone.org).

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Categorías:w Otros festivales

Brigadoom 2014: Terror independiente, Álex Angulo, María Kosty y cineastas italianos.

2 septiembre 2014 Deja un comentario

Sitges 2014

Brigadoon ofrecerá este año en Sitges 2014 una selección de largometrajes de ficción, cortometrajes y documentales y un homenaje al actor Álex Angulo, fallecido recientemente. La sección del Festival, que presenta las propuestas más arriesgadas y de culto en sesiones gratuitas en el Escorxador, ha elaborado un amplio programa en el que destaca una revisión de los directores italianos que influenciaron a Quentin Tarantino.

La programación de largometrajes de Brigadoon cuenta con tres destacadas referencias, la primera es Maldito amor, el nuevo film de los hermanos chilenos Gonzalo y Sebastián Badilla, una comedia adherida al género giallo. La segunda propuesta, Megamuerte, es la película de Jordi Nájera que nace del corto Metal Creepers y a su vez rinde homenaje al glam metal de los años ochenta. The Redwood Massacre, de David Ryan, cierra este primer bloque: una cinta independiente rodada en el norte de Escocia donde un grupo de amigos visita el lugar donde se produjo una legendaria matanza.

i-tarantiniani--160601_1Uno de los puntos fuertes de Brigadoon es, desde hace unas cuantas ediciones, la programación de documentales. En esta ocasión, se presentará I Tarantiniani de Steve Della Casa y Maurizio Tedesco, un documental que pretende explicar al mundo un fenómeno cinematográfico desconocido, el de los directores ignorados por la crítica italiana que Quentin Tarantino considera esenciales, como Lamberto Bava, Ruggero Deodato o Sergio Leone. El género giallo es el protagonista de Yellow Fever: The Rise and Fall of the Giallo, un repaso a la historia de este concepto cinematográfico y a sus cineastas, desde los orígenes con Mario Bava hasta Dario Argento o Lucio Fulci. Junto con la proyección de Vicente Aranda. 50 años de cine,  otro documental sobre cine español será Queridos monstruos de los hermanos Kiko y Javier Prada, una visión de la historia del cine fantástico y de terror desde los años sesenta hasta nuestros días. Las coproducciones, el sistema de financiación, el caso Matesa, la Ley Miró o el sistema Back to back son algunos de los temas contados en primera persona por sus protagonistas.

2751-accion_mutante_1993-Entre las actividades paralelas que se celebran destaca de nuevo la Sitges Zombie Walk, el tradicional desfile por las calles de Sitges, que tendrá lugar el sábado 4 de octubre con el pistoletazo de salida a cargo del director  Jaume Balagueró, que inaugura el Festival el día anterior con REC4: Apocalipsis.

Al actor Álex Angulo, fallecido el pasado 20 de julio, se le rendirá homenaje con la proyección del film Acción mutante contando con la presencia de su director Álex de la Iglesia. El cineasta italiano Luigi Cozzi visitará Sitges 2014 para presentar una serie de trabajos en Brigadoon, entre ellos la película The Black Cat (1979). Durante la sesión se podrá ver el tráiler de su nuevo film Blood on Melies’Moon.

El Premio Nosferatu será, este año, para la actriz María Kosty, dedicada a la profesión desde finales de los años sesenta y con una gran presencia en el cine fantástico y de terror español de los setenta.

La guapísima María Kosty en la visita que realizó hace pocos años a Barcelona con motivo de la proyección de La noche de las gaviotas (foto Francesc Sans)

La guapísima María Kosty en la visita que realizó hace pocos años a Barcelona con motivo de la proyección de La noche de las gaviotas (foto Francesc Sans)

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Categorías:Sitges Film Festival

Se acaba agosto y vuelve… Trashorama

2 septiembre 2014 Deja un comentario

Ahora que ha terminado agosto, qué mejor momento para disfrutar de este transgresor programa doble de Categoría III: Comedia bruta, sexo acrobático, efectos especiales, acción a saco, cenobitas, zombis, fantasmas, terminators… No falta de nada en este demente programa doble que contiene:

Eternal Evil of Asia (Cash Chin, 1995) Con Elvis Tsui, Jerry Chan, Ellen Chan. (VOSE, 16:9) y Blue Jeans Monster (Ivan Lai, 1991 Con Shing Fui-On, Gloria Yip, Pauline Wong. (VOSE, 16:9)

imx-eternalAmbas en la nueva entrega de la colección Cat. III. Magia negra y zombis todopoderosos en dos de las películas más políticamente incorrectas de todo el cine hongkonés. Cash Chin nos ofrece una buena ración de magia negra del sudeste asiático con fantasmas violadores, hombres-polla, cenobitas y sexo acrobático, mientras que los efectos especiales y la acción a lo grande de Blue Jeans Monster se complementan con saludables dosis de humor ofensivo y géiseres mamarios. Carcajadas, horror y erotismo light para pasarlo en grande y completando el programa los siguientes contenidos adicionales:

Thai Sex Trailers, Ivan Lai Showreel, Box Office, biofilmografías, carteles, fichas técnicas y trailers.

Todo ello en edición numerada y limitada a tan solo 100  copias. Ya a la venta por 15 euros (gastos de envío incluídos) únicamente, ya que no se venden en tiendas, en la siguiente dirección: trashoramadvdpedidos@gmail.com

¡No digan que no les avisamos con tiempo!

 

 

 

Categorías:DVD / BLU-RAY

JÖRG BUTTGEREIT’S NEKROMANTIK

2 septiembre 2014 Deja un comentario

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SORDIDEZ, PODREDUMBRE, TONOS OCRES, CASQUERÍA, SUCIEDAD Y AMOR. INTENSO AMOR MÁS ALLÁ DE LA MUERTE Y DEL TIEMPO

 El 29 de enero de 1988 se estrenaba en el cine Sputnik de la por entonces Alemania del Este  una bomba de relojería cuyos ecos siguen resonando hoy en día, 27 años después. Nekromantik llegó para escandalizar y no solo lo consiguió holgadamente con  el espectador medio,  sino también con el aficionado al cine, incluido al del cine de terror más extremo, cuya mente y estómago estaban lejos de estar preparados para la propuesta del joven Jörg Buttgereit.

 ALEMANIA SE DESPEREZA

Tuvieron que pasar unos años para que en  España nos enteráramos de la existencia de este loco teutón  y de sus películas y fue, naturalmente, mediante los fanzines. Debemos situarnos a comienzos de los noventa con  un Jörg Buttgereitt que ha dirigido un buen puñado de cortos y dos largometrajes más: la muy interesante e infravalorada Der Todesking (1990) y la segunda parte de Nekromantik en 1992, que mejora y amplia lo propuesto en la primera. Tanto el fanzine valenciano 2000 Maníacos como Zineshock (realizado por el futuro cineasta Jaume Balagueró),  Annabel Lee y otros, se hicieron  cargo de presentarnos a los artífices de lo que se dio en llamar ultra-gore alemán,  efímero fenómeno underground que englobaba, además de al pionero Buttgereit, a  Christoph Slingensief (The German Chainshaw Massacre, 1990), Andreas Schnaas (Violent Shit, 1989 y Zombi 90- Extreme pestilence) y  Olaf  Ittenbach (Black Past, 1988 y The Burning Moon, 1992). Un movimiento que algunos vieron como un brote verde en ese desierto que desde los pioneros mudos representa Alemania para el cine fantástico y de terror.

Ya desde el principio Jörg Buttgereit prefiere no alinearse con todos esos directores a  pesar de tener en común con ellos la juventud, el origen y la crudeza de sus imágenes. Se considera, y con razón, ajeno a ese movimiento y  diferente a todos ellos, cuyas obras considera aburridas. Y es que en general lo que ofrecen es puro exceso visual cercano al amateurismo desprovisto del supuesto compromiso intelectual y la carga de profundidad que contienen las obras de Buttgereit, con la muerte siempre como protagonista y nexo de unión.

Flyer de la inauguración de la tienda Gorgon.

Flyer de la inauguración de la tienda Gorgon.

Pero teníamos que conformarnos con leer sobre todo ello, ya que en esos años de VHS y con Internet todavía como utopía, no había en España ninguna forma de hacerse con ese cine raro. Una situación que pronto cambiará. Primero mediante catálogos en los que los propios coleccionistas venden e intercambian copias de sus películas. Y más tarde con el nacimiento de las primeras tiendas especializadas.  En mayo de 1995 abre sus puertas en Barcelona Gorgon Video, tienda que apostará por acercar a los fanáticos del género películas de importación, títulos descatalogados o difíciles de localizar, así como merchandising y publicaciones. Un sueño para nuestras almas y una pesadilla para el bolsillo. La inauguración coincide con el lanzamiento de las dos películas de la saga  necrófila de Jörg Buttgereit de la mano de Strong Video, subsello de Manga Video. Unas ediciones de lujo que salen al precio de 2995 pesetas y que gozan de unas ventas lo suficientemente interesantes como para animar a Manga a lanzar poco después otros largometrajes del director, como  Der Todesking y Schramm. También se comercializan unas camisetas para la ocasión y el evento se torna en inolvidable al contar con la presencia del propio director y de la actriz protagonista de la segunda entrega, la atractiva Monika M., que rubricarán con su firma todo lo que los fans les pongan por delante. Por fin con ambos títulos en nuestro poder y  la sensación de poseer un material prohibido, pudimos juzgar la epopeya necrófila con conocimiento de causa.

Monika M. y Jörg Buttgereit en Gorgon (Barcelona, 1995)

Monika M. y Jörg Buttgereit en Gorgon (Barcelona, 1995)

Y la espera valió la pena.

PERO… ¿DE DONDE DIABLOS SALE JÖRG BUTTGEREIT?: SUS PRIMEROS PINITOS

Nacido en  Berlín en 1963, compra a los 14 años su primera cámara súper-8 y rueda todo lo que se le pone por delante, incluido su padre (Mein Papi, 1982). Cuando se desatan sus hormonas se acerca a la escena punk y New Wave berlinesa y rueda sobre ella algunos cortos que proyecta donde puede. En estos primeros trabajos demuestra también su afición por el cómic y el cine, especialmente de terror, con pequeñas piezas como Captain Berlin – Retter der Welt (1982), un corto en el que el mismo Buttgereit encarna a un súper héroe casero ataviado con un mono amarillo como el de Bruce Lee en The Game of Death, máscara de Spiderman y capa con el 302307_112179642230890_154544619_nescudo de la ciudad que le da nombre, uniforme con el que se enfrenta contra unos villanos reclutados entre sus colegas punks.  O Horror Heaven (1984), una película de episodios dedicada a Boris Karloff en la que el director ejerce de presentador y que reúne pequeños sketches con los que homenajea a sus monstruos favoritos, como la momia, Frankenstein e incluso Gamorra, un sosias de Godzilla que rueda en stop motion. Pero es con Hot Love (1985), un mediometraje sobre un tipo que al abandonarlo su novia se suicida, retornando para vengarse como zombie, con la que el director comienza a hacerse un nombre. La tosca pero más cuidada factura de Hot Love, primer rodaje que aborda en 16 milímetros, es todo un antecedente de su siguiente trabajo, el largo Nekromantik, y en él podemos reconocer a su protagonista común, Daktari Lorenz, que también se encarga de parte de la música junto al refinado John Boy Walton, que jugará también un papel importante en las dos entregas necrófilas. Tras visionar Hot Love Manfred O. Jelinski, un cineasta y productor, se interesa por Buttgereit accediendo a poner dinero y medios para su próximo proyecto, tras el que unirán sus carreras hasta la actualidad. También Hot Love será la primera obra de Buttgereit en recibir ataques de  autoproclamados guardianes de la moral, en este caso de las feministas, que acusarán la obra de misógina, causando su prohibición en algunos lugares.

Eso solo era el principio.

NEKROMANTIK

“El sexo y la muerte son las raíces de todo. Quiero que la gente, al ver mi película, se sienta fascinada por la muerte, que la acepte.”[1]

$(KGrHqYOKpkFJsyPK904BSb()CmP3!~~60_57El primer largometraje de Jörg Buttgereit narra las desventuras de Robert Schmadtke (Daktari Lorenz), un joven que  trabaja en una empresa que se encarga de retirar los cadáveres y despojos resultantes de accidentes. De vez en cuando, y siempre que sus compañeros no se percatan, Rob se lleva a casa algunos restos que conserva en formol, una afición compartida con su novia Betty (Beatrice Manowski). Un día consigue todo  un cadáver en avanzado estado de putrefacción con el que la pareja mantendrá un romántico menage à trois. Pero todo se desbaratará para el inestable Rob cuando Betty, que mantiene una creciente relación con el difunto, huya con él. El abandono de ambos desatará el progresivo enloquecimiento de Rob, que inconsolable e incapaz de satisfacerse tras bañarse con las vísceras de un gato que ha matado, o copular con el cadáver de una prostituta que asesina, decidirá cometer un suicidio ritual con el que alcanzará su último orgasmo.

Si bien en otras ocasiones se había tratado el tema de la necrofilia (tal y como podemos ver en estas páginas) nunca hasta Nekromantik nos fue mostrada de forma tan explícita,  pero a las vez tan extrañamente romántica. Un romanticismo que el director extiende también hacia el suicidio, “La idea de que alguien disfrute de su propia muerte –con el suicidio como algo positivo, incluso un final feliz- fue muy tentadora para nosotros”.[2]

En la sordidez y el feísmo de sus imágenes tiene, y mucho, que ver su rodaje casi amateur realizado en 16 milímetros, que confiere una factura documental al film: “Trabajamos con una fotografía granulosa (tampoco teníamos dinero para utilizar 35 mm), y todos los actores eran amigos, no profesionales. Conseguimos que la gente no supiera  muy bien si estaba viendo un documental o una película de ficción”[3]. La actuación del protagonista, Daktari Lorenz, contribuye a dar verosimilitud al conjunto con una interpretación efectiva y nada histriónica, ajustada al tono del relato.

Beatrice Manowski en compañía.

Beatrice Manowski en compañía.

Este realismo descarnado lo alterna Buttgereit con escenas oníricas y surrealistas que apoyadas con su excelente banda sonora aportan un aspecto artístico al filme que lo aleja definitivamente de los parámetros del gore más festivo, aproximándolo a una especie de arte y ensayo europeo que resultará molesto para ciertos sectores de aficionados al cine de terror. Pero no hay que pensar en Buttgereit como un pedante elitista, ya que como veremos más adelante se permitirá también parodiar el cine de arte y ensayo en un segmento de Nekromantik 2.

Lo más sorprendente es que todo esto está realizado artesanalmente por sus entusiastas artífices. Todos ellos rabiosamente jóvenes e inexpertos que trabajaron tenazmente sin cobrar. Los efectivos efectos especiales los elaboran Daktari, Jörg y Franz Rodenkirchen, co-guionista y actor también en el film, siendo el mayor gasto de la producción el cuerpo, construido por Daktari y  Jörg que salió por unos 100 euros.

El director y el tercer protagonista de Nekromantik.

El director y el tercer protagonista de Nekromantik.

Otro de los factores importantes que contribuye a hacer de Nekromantik un film inolvidable es la banda sonora, compuesta por el propio Daktari Lorenz y  Hermann Kopp, en la parte más electrónica y John Boy Walton en la vertiente más melódica, dando como resultado una magnífica banda sonora que ha sido editada y reeditada en diversos formatos.

Una vez finalizada, la película se estrena en el cine  Sputnik de Berlín ante 500 espectadores. Al existir una única copia, esta va circulando de un cine a otro, pasando por Munich, Hamburgo y otras ciudades y recalando en un festival en Inglaterra que propicia su posterior pase en diferentes festivales de Estados Unidos.

El director, que ahora cuenta con la infraestructura y el apoyo de Manfred O. Jelinski, edita la cinta en formato VHS y la comercializa mediante un catálogo de venta por correo que pronto se amplía con diverso y atractivo merchandising: camisetas y pósters con la icónica imagen del cartel, realizado por Andreas Marschall utilizando como modelo a Susa Kohlstendt, presente también en la película como la rubia víctima de un psicho killer enmascarado (interpretado por Franz Rodenkirchen). Otro de los artículos que se pone a la venta y que tendrá gran éxito, tal y como hemos comentado, será la banda sonora.

Para el crítico y escritor Jesús Palacios, Necromantik resulta “Vomitiva, grotesca, pero hipnótica en su capacidad de mostrar con insistencia  y detalle el último tabú, quizá, de las pantallas: la necrofilia, pero no en sentido metafórico ni suavizado por momificaciones, reencarnaciones o embalsamamientos, sino en carne muerta y putrefacta, en primer plano y que casi hiede en la pantalla.”[4]. Y es que “Más que rendir culto a la fantasía, (Buttgereit) adora el hiperrealismo como lo podría adorar John Waters[5]

El lento ritmo del film, sin duda añade valor al resultado, tal y como indican Mike Hostench y Jesús Martí: “Precisamente este ritmo cansino es el que provoca la sensación de asfixia en el espectador. Las secuencias parece que se alarguen hasta la saciedad y dotan a las imágenes de un poder demoledor.”[6]

Para Manuel Valencia y Eduardo Guillot: (…) “todas estas aberraciones son servidas sin recurrir al mal gusto –y eso es lo peor-; al contrario, Buttgereit se cobija en el arte y ensayo, empleando el ralentí, los planos difuminados, el delicado acompañamiento pianístico, una opresiva fotografía ocre, evitando los diálogos y tomándose todo el tiempo del mundo para describir una escena, por insignificante que ésta parezca”.[7]

Buttgereit junto a Dario Argento.

Buttgereit junto a Dario Argento.

Aunque naturalmente también hubo voces discordantes con el resultado final: (…)”No se puede hablar de Nekro como una buena película, ni siquiera podemos referirnos a ella como un trabajo correcto. (…) una clara intención de escandalizar en todo momento impide a Jörg Buttgereit ser más preciso en sus encuadres y adecuarse a lo narrado. Se exageran las aficiones enfermizas de los protagonistas hasta lo risible[8].

Como vemos, la obra de Jörg Buttgereit le convierte en un cineasta de culto querido y odiado a partes iguales. Sus películas no dejan indiferente. Y es que ver Nekromantik en los noventa significa ver algo rabiosamente nuevo, rompedor, independiente, joven y perturbador. Un secreto compartido que podía perdurar en el tiempo tanto como sus imágenes y su música en nosotros. Así que no podemos más que coincidir con la profética sentencia que escribió el, por entonces en ciernes, cineasta Jaume Balagueró al clasificarla (…) “una pieza de culto indiscutible y una de las obras más obscenas y transgresoras de los últimos tiempos[9]. Características que ocasionaron que la película fuera prohibida en varios países, entre ellos Inglaterra, donde los videos eran interceptados en la aduana, lo que obligó a Buttgereit a buscarse un contacto en ese país al que le envió un master para que, desde el interior de Inglaterra, copiara y enviara el film a los clientes que de allí lo solicitaran, limitándose el director a enviar la carátula.

Tras Nekromantik, Buttgereit rueda Der Todesking (1990), una propuesta tanto o más arriesgada que su predecesora, pero incomprendida: “Es una película muy poco comercial, tal vez sea arte y ensayo. En cierta manera creo que es más ofensiva que Nekromantik, pero no quiero animar a la gente al suicidio, igual que no quiero que la gente se folle un cadáver  después de ver Nekro. Ese no es el mensaje, simplemente es una película sobre la muerte[10].

Hermann+Kopp+Daktari+Lorenz+John+Boy+Walton+The+An+Der+Todesking+1990El film muestra siete formas de suicidarse, con un cadáver en descomposición como nexo de unión  entre las diferentes historias. Milagrosamente esta película si que pudo exhibirse en Inglaterra con la clasificación de no apta para menores de 18 años aunque, eso sí, con cuatro segundos censurados[11].

A continuación el director decide retomar Nekromantik rodando una secuela directa, pero enfocada desde otra óptica: “Nekro 2 es totalmente diferente, mucho más sentimental. Y está contada desde el punto de vista de una mujer”.[12]

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En un cementerio una joven roba el cadáver del necrófilo Rob. Monika (Monika M.), atraída por todo lo que representa a la muerte, mima e intimida con el cuerpo pero no puede evitar que también le repugne. Un día en un cine conoce a Mark (Mark Reeder), doblador de películas porno con el que inicia un romance, decidiendo poco después deshacerse del cuerpo de su amante inerte despedazándolo en la bañera. Pero conserva dos partes de Rob: su cabeza y su sexo.

Mark nota que su novia es extraña y Monika no es feliz con las muestras de vitalidad de su amante, así que tras meditar en la playa decide quedarse con lo mejor de ambos y mientras hace el amor con Mark lo decapita, cambiando su cabeza por la de su podrido  amante Rob mientras el cuerpo de Mark tiene un último orgasmo. Tiempo después Monika averigua que está embarazada.

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Nekromantik 2 se rueda entre septiembre y octubre de 1990 y puede presumir de tener  un mejor acabado que la primera parte. La historia también está mejor construida y refleja mejor la intensa y enfermiza historia de amor que los guionistas, de nuevo Jörg y Franz, nos proponen. La forma de narrarla sigue enmarcando esta película en una especie de arte y ensayo brutal, violento, sincero y visceral.

Aunque no resulta obvio, el director incluye en sus películas pequeñas pinceladas de humor, sobre todo en esta segunda parte, como la parodia de My Dinner with Andre (Louis Malle, 1981), film en el que dos amigos hablan durante casi dos horas mientras comen. La caricatura de este film de Malle es la que va a ver Mark al cine donde conocerá a Monika, su ángel de la muerte.

Los actores también serán un punto importante para dar credibilidad a tan inverosímil trama, especialmente la actriz que interpreta a la protagonista Monika. Para encontrarla pusieron un anuncio en prensa llegando a realizar una cuarentena de pruebas, consistente en improvisar una escena de amor con el cadáver. Directo al hueso. Pero ninguna actriz les gustó lo suficiente. Afortunadamente la suerte quiso que esa misma noche Franz Rodenkirchen fuera al cine a ver una película de Lucio Fulci y se quedara embelesado con una de las espectadoras. Tras la película se acercó a ella y le preguntó si le interesaría participar en la película. Casualmente la muchacha había visto Der Todesking y aceptó. Se trataba de una bella novata que se bautizaría como Monika M.

Monika M. y uno de sus amantes en Nekromantik 2

Monika M. y uno de sus amantes en Nekromantik 2

Mark Reeder, que interpreta al amante ‘vivo’, ya había intervenido en Der Todesking. Posiblemente Buttgereit vio en Reeder todo el patetismo que le abocará a perder la partida ante el tercer vértice del triángulo amoroso, su competidor muerto, que no es otro que Rob, el personaje interpretado por Daktari Lorenz en la primera película y que aquí está presente en forma de hediondo cadáver[13]. En cuanto a la protagonista de la primera entrega, Beatrice Manowski[14],  tiene una pequeña aparición en el cementerio, contrariada por haber llegado tarde para robar el cadáver de Rob, ya que se le ha adelantado Monika.

El ambiente de rodaje, como puede verse en el making of, fue de lo más distendido, aunque le ocasionó una úlcera al director. “Monika y Mark se llevaban bien, lo que no podía decirse de Daktari y Beatrice. Casi todos se enamoraron de Monika durante el rodaje. Y este sentimiento puede notarse en los fotogramas. Era muy importante para mí que el público estuviera de parte de Monika, incluso aunque cometiera esos actos terribles”.[15]

La historia reincide en un punto en común con la primera entrega: “Nekro 1 y 2 son películas sobre la superación dolorosa de un trauma o de un conflicto. En la primera, Rob acaba con su soledad necrofílica apuñalando su propio cuerpo y eyaculando sangre en una suerte de purificación  erótica y mortal. (…) En la segunda, Monika sustituye la cabeza de su amante vivo por la de su amor muerto, en un acto último de curación de su sufrimiento. Más allá del usgo o el disgusto que tales imágenes pudieran ocasionar, constituyen momentos de una intensidad asombrosa, emoción pura. Al margen de las apariencias, esta es una verdadera –y muy particular- historia de amor[16].

Jörg y Monika

Jörg y Monika

Los efectos especiales están mucho más elaborados, contando con un especialista en la materia, Sammy Balkas, lo que no impide que al igual que sucede en la primera parte se muestre una repugnante e innecesaria evisceración, en este caso de una foca,  que se intenta justificar otorgándole una explicación psicológica.

También la música juega un importante papel en la película, y en esta ocasión además de John Boy Walton y Hermann Kopp, colabora la propia Monika M., que canta con su seductora voz Squellette Delicieux, canción que en forma de  sorprendente y surrealista  video clip irrumpe inesperadamente en el metraje.

Con el film terminado comienza su exhibición en Alemania, pero el 19 de junio de 1991, a los cinco minutos de iniciarse el pase de Nekromantik 2, la sala de cine  Werksstattkino de Munich es asaltada por la policía, que confisca la copia y todo el material de propaganda relacionado con la película por orden del fiscal de Munich Herbert Freund:  “Acababa de llegar de Paris donde estaba negociando con Kara Films, una pequeña compañía  que quería distribuir el primer Nekromantik en Francia, y cuando vuelvo a Berlín me encuentro con la cruda verdad de que una copia de Nekro 2 había sido secuestrada por la ley en Munich. Después de doce fabulosos días de exhibición, estos tipos irrumpieron en la cabina de proyección y se apoderaron del film. La decepcionada audiencia tuvo que ver Blood Feast en su lugar. ¡Pobres almas![17]

El fiscal acusa al film de “propagar la violencia y carecer de valor artístico”. Una acusación de la que el director se defenderá: “No creo que haya mucha violencia en ninguna de mis películas. Hay más violencia en cualquier film de terror comercial, mostrada de forma que resulte divertida, haciendo reír a la gente. Nekromantik es sobre todo una historia de amor, romántica, y si hay violencia es porque, aunque no sea buena, esta violencia existe”[18]. Pero la acción del fiscal no finaliza ahí, ya que también ordena -sin juicio ni condena de por medio- la destrucción de los negativos y de cualquier material relacionado con la producción.

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Afortunadamente la localización de esos originales va a resultar infructuosa, ya que  Buttgereit y Jelinski reparten entre varios amigos todo el material para evitar que sea confiscado. Pero eso no impide que Nekromantik  2 esté prohibida en Alemania y que sea ilegal proyectarla, promocionarla, vender la película e incluso camisetas sobre ella.

Buttgereit no se amedrenta y compaginando su trabajo como proyeccionista en el cine Xenon, que conservaba desde 1985, promociona sus películas en otros países, de modo que su díptico necrófilo también desembarca en España.

Si bien uno de los primeros pases de Nekromantik es en Barcelona dentro del Ciclo de Cine Oscuro y Brutal que se celebra en el Aula Magna de la Facultad de Ciencias de la Información[19], el primer gran festival interesado en proyectar Nekromantik en pantalla grande es la  Mostra de Valencia, pero durante un pase previo vomita la esposa de uno de los organizadores, ocasionando que se suprima del programa y cediendo así la primicia al III Festival de Cine de Terror de San Sebastián (1992), donde cuentan con la presencia del director: “Hice mi primera conferencia de prensa real. Con un traductor y doce  importantes miembros de la prensa[20]. Los dos pases organizados agotan las entradas y la película es vista por cerca de 1200 personas.

Pero allá donde va se encuentra con incidentes y anécdotas: en Oslo (Noruega) donde acude con Nekromantik y Der Todesking, la policía irrumpe en una sala donde hay congregados 700 espectadores interrumpiendo la proyección alegando que la necrofilia está prohibida en Noruega. Y de nuevo en España, en esta ocasión durante el Festival de Cine de Gijón, donde el director acude con sus dos Nekromantik, una mujer se angustia tanto que salta de su asiento y abandona la sala. Buttgereit se ofrece a ayudar y en el vestíbulo, reconociéndole como el director del film, la espectadora le  espeta “Tú ¿Cómo has podido hacerme esto a mí?”

Incidentes que con carácter de anécdota no hacen más que incrementar la fama de los filmes y de su director, que en 1995 desembarca también en el Festival de Sitges.

El director con Ray Harryhausen en el festival de Sitges.

El director con Ray Harryhausen en el festival de Sitges.

En julio de 1993, un año después del ‘incidente’ de Munich con Nekromantik 2 prohibida en Alemania y ante la imposibilidad de encontrar el negativo, la justicia ofrece a Buttgereit y Jelinski retirar los cargos (que podrían dar como resultado una buena multa, así como pena de cárcel) a cambio de que no proyecten nunca más su película, medida a la que no solo se niegan, sino que desafían abiertamente al proyectar su película en suelo alemán, concretamente en Leipzig, aunque eso sí, sin ningún tipo de promoción.

Finalmente el juicio se desarrolla durante medio año y lo ganan los cineastas en febrero de 1994, siendo por fin Jelinski y Buttgereit libres de exhibir y distribuir Nekromantik 2. Para el feliz desenlace resulta fundamental la intervención en el juicio del Dr. Nut Hickethier, que aporta un informe en el que escribe que la película no es solo sobre necrofilia, sino también una metáfora del declive de la Alemania del este  y los efectos de la caída del muro de Berlín. Como resultado warnerde ese informe “el jurado llegó a la conclusión de que el arte justificaba la violencia[21]

Pero otro encontronazo con la ley les esperaba a la vuelta de la esquina, cuando en 1996 Warner Bros les acusa de plagiar su histórico logotipo, así que se verán obligados a retirar todas las cintas de video y el material con el susodicho impreso, ante la posible denuncia de la major. Realmente el que un gigante como Warner se hubiera percatado de la existencia del  pequeño sello Jelinski / Buttgereit era, indudablemente, un buen síntoma de la trascendencia que estaban tomando las obras del director, a costa de la bonita úlcera que Jörg Buttgereit conserva como recuerdo de aquellos años.

El sello japonés New Select edita en video Nekromantik, pero de una forma un tanto truculenta: junta ambas partes, corta escenas y pixela todos los genitales.

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En 1993 el director filma Schramm, su radical y provocativa visión de un asesino en serie cuyo rodaje, al estar todavía por entonces el director inmerso en  problemas legales, tuvo que iniciar parapetado tras el kafkiano seudónimo de Josef K. Tras este largometraje la carrera cinematográfica de Buttgereit se ralentiza. Realiza video clips  para los grupos Shock Therapy y Fleischmann y trabajando de supervisor de efectos especiales en El condón asesino (Das captainKondom des grauens, 1996, Martin Walz) donde también tiene un pequeño papel su compinche Daktari Lorenz. Pero el cine da paso a libros, teatro y cómics en los que ha resucitado a su Captain Berlin  y reinterpretado, siempre con su particular punto de vista, a Ed Gein, John Merrick y otros personajes. Todo ello manteniéndose ferozmente libre e independiente, algo que ya tenía claro desde sus inicios: “Prefiero hacer las cosas a mi manera que ganar dinero. He recibido ofertas de productoras, pero tengo miedo de que cuando acepte su dinero me digan lo que tengo que hacer”[22]

Afortunadamente, justo cuando escribo estas lineas, Jörg Buttgereit está rodando de nuevo cine de terror, concretamente el segmento Final Girl para el largometraje German Angst, que comparte junto a Andreas Marschall y Michal Kosakowski, una noticia que sus seguidores esperábamos desde hacía tiempo. Y  para hablar tanto de nuevos como viejos proyectos nos pusimos en contacto con él para mantener una distendida conversación que en breve tendrán en está, su página amiga.

LECTURAS RECOMENDADAS
SEX MURDER ART. THE FILMS OF JÖRG BUTTGEREIT David Kerekes Headpress 1994. Segunda edición ampliada y revisada 1998.
NEKROMANTIK Ed. Jörg Buttgereit. Ed. Martin Schmitz 2007 en el que hay 6 artículos que analizan el cine y la época del director ilustrado con fotografías del propio Buttgereit.

[1] Buttgereit en Palacios, J. Goremanía 2. Alberto Santos Editor. Madrid, 1999. Pág. 128

[2]   Jörg Buttgereit en Kerekes, D. Sex Murder Art. The films of Jörg Buttgereit. Headpress, Inglaterra, 1994. Segunda edición ampliada y revisada (1998). Pág. 37

[3]  Íbidem. Pág. 127.

[4]   Palacios, J. Goremanía. Alberto Santos Editor, Madrid, 1995. Pág. 173.

[5]  Sánchez, S. en libro XXVIII Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Sitges, 1995.

[6]   Hostench, M. y Martí, J. Pantalla de Sangre. Editorial Midons, Col. Serie B Nº 8, Valencia, 1996. Pág. 100-101.

[7]   Valencia, M. y Guillot, E. Sangre, sudor y vísceras. Historia del cine gore. Ed. La Máscara, Valencia, 1996. Pág. 195.

[8]   Lardín, R. Annabel Lee 4. Sabadell (Barcelona), diciembre 1993. Pág. 11.

[9]   Balagueró, J. Zineshock 2. Barcelona, otoño de 1991. Pág. 15.

[10]  Jörg Buttgereit en Lardín, R. Las diez caras del miedo. Editorial Midons, Serie B Nº 11, Valencia, 1996. Pág. 57.

[11]   Los que muestran una dolorosa castración.

[12]   Jörg Buttgereit en Valencia, M. ‘La poesía de la podredumbre’. 2000 Maníacos Nº 12. Valencia, marzo de 1993. Pág. 82.

[13]  Aunque como puede verse en el documental Corpse Fucking Art (1987), que reúne en video los making of de Nekromantik, Der Todesking y Nekromantik 2, el molde del cuerpo se tomó de otro modelo y no del actor.

[14] Es interesante y curioso constatar que de todos los participantes en la saga Nekromantik, esta actriz ha sido la que ha mantenido una carrera más prolongada en cine y, sobre todo, televisión.

[15] Jörg Buttgereit en Kerekes, D. opus cit. Pág.  81

[16] Lardín, R. Opus cit. Pág. 10

[17] Jörg Buttgereit en Kerekes, D. opus cit. Pág.  78

[18] Jörg Buttgereit en Palacios, J. Goremanía 2. Alberto Santos Editor. Madrid, 1999. Pág. 126.

[19] Organizado por el fanzine Zineshock, el pase contó con posterior coloquio con la participación de Román Gubern, además de Manuel Valencia y Manuel Romo (2000 Maníacos) y Albert Lessan y Jaume Balagueró, organizadores e integrantes de Zineshock.

[20] Jörg Buttgereit en Kerekes, D. opus cit. Pág. 96

[21] Íbidem, Pág.  61

[22] Jörg Buttgereit en Palacios, J. Goremanía 2. Alberto Santos Editor. Madrid, 1999. Pág. 128

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