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Extinction, mi decepción personal
Han pasado cinco años desde que Secuestrados fuera la película revelación de Sitges (aplauso de público y crítica que no fue recogido por el palmarés). Escribí entonces sobre ella en contraste con A Serbian Film y este fue mi juicio: “En verdad, Secuestrados es mucho más extrema que A Serbian Film, la experiencia del espectador es mucho más sangrante, porque los personajes de la cinta española son nuestros semejantes, cada uno de nosotros sabe que podría pasarle lo mismo a él y todos los mecanismos de transferencia se encienden: sufrimos el mismo miedo y la misma angustia que ellos padecen. Esa empatía se da gracias al enfoque que da Vivas quien busca ponernos cara a cara con el terror en directo porque más que historia hay acción y nosotros podríamos ser sus sujetos. (…) Con Secuestrados gozamos sufriendo”. Pura acción, con ritmo envidiable y jugando al verismo en todo momento, el segundo largo de Miguel Ángel Vivas le confirmaba como un director al que habría que seguirle la pista, un director del que esperar grandes cosas.
Tras su paso por televisión (Cuéntame un cuento:los tres cerditos), Vivas vuelve a ponerse detrás de las cámaras de cine conExtinction. Basada en la novela Y pese a todo de Juan de Dios Garduño, la película que nos ocupa se mueve casi en las antípodas deSecuestrados. Si allí lo que primaba era mostrar unos acontecimientos terroríficos, en esta nueva película el drama pasa por delante de la acción durante todo su cuerpo central. Este cambio de registro no es, sin embargo, el que hace que no se alcance el listón de Secuestrados, el eclecticismo no es un mal (ni quien escribe esto es una a fanática del horror), al contrario muchas veces de la mixtura de géneros nacen obras excepcionales que lo son especialmente por su carácter de híbrido. El problema es otro.
“Bastará decir que soy Juan Pablo Castel, el pintor que mató a María Iribarne”, así de rotundo es el principio de esa pequeña joya que es El Túnel de Ernesto Sabato. No es la primera vez (ni será la última) que hablo sobre la importancia vital de la primera frase de un relato: de su contundencia depende el interés que va a despertarnos la obra. La primera frase se nos ha de quedar grabada con fuego y ha de hacernos sentir la imperiosa necesidad de saber más sobre la historia. Es en ella donde el relato se juega su capacidad de conmovernos. De una película post-apocalíptica que va a contarnos la difícil supervivencia de quiénes no han perecido víctimas de la infección letal, esperamos que nos impacte su prólogo, sobre todo si viene de la mano de Vivas. Y ahí está el principal defecto deExtinction, su primera escena, aunque sea de acción, no nos arrebata, no nos pega a la silla con la respiración entrecortada. Dicen los expertos en novela negra que el punto de partida ha de ser poner un cadáver sobre la mesa, o, lo que es lo mismo, un golpe seco al estómago. Y Vivas dilata la presentación, no desmesuradamente, pero sí con la suficiente demora que nos lleva a desentendernos de los personajes.
No entramos en el juego, eso es lo que lastra a Extinction, y es un lastre fatal para una película que va a entretenerse minuciosamente en el drama íntimo de sus personajes. No empatizamos con ellos lo suficiente como para que nos interese su conflicto. Así que el esfuerzo por construir unos caracteres con un mínimo de profundidad psicológica, cae en saco roto. De poco sirve que la intriga sobre qué ocurre entre ellos este correctamente llevada, que la cámara se entretenga en planos preciosistas o que el concept art de sus monstruos sea visualmente efectivo. La película no remonta, no nos contagia la mayor o menor desesperación de los protagonistas, al contrario conforme avanza nos van importando todos menos.
En el lado negativo del filme, al no totalmente logrado prólogo, hay que sumarle el bache que se produce tras el punto de inflexión de las relaciones narradas. Una ligera pérdida de ritmo que hará que resulte un tanto forzada la llegada del clímax final. Clímax que es sin duda el mejor segmento del filme. Porque no todo es fallido en la película, además de aprobar la resolución del tercer acto, es acertado su reparto en el que destaca especialmente la pequeña Quinn McColgan sobre la que recae el núcleo de la trama y es la fuerza motriz que desencadena el arco de transformación del resto de personajes. Sus pocos años no le impiden soportar ese peso y nos regala la actuación más convincente de la cinta. Vivas se muestra más inspirado en la dirección de actores y eso salva la dignidad del filme.
En conclusión, y pese a sus inconvenientes, Extinction no es una película despreciable, pero a quien esto escribe se le antoja que da menos de lo esperado. Es meritorio tratar de alumbrar un punto de vista distinto a las casi clónicas películas de infectados, pero no acaba de cuajar su intento de mostrarnos un mundo post-apocalíptico desde los ojos de sus supervivientes y su dramas íntimos. La sombra de The Road (John Hillcoat, 2009), que partía de la excelente novela homónima de Cormac McCarthy, se asoma entre nuestros referentes y eso es algo que aún pone de mayor relieve las insuficiencias de la obra de Vivas. Sobre Extinction se extiende, pues, el pesado manto de la película que pudo haber sido y no fue.
Del revés (Inside out), el valor de la tristeza
Cuando era yo enana como un piojo me explicaba las afecciones humanas como si fuesen manchas de colores en mi interior (creo que ni siquiera había desarrollado el concepto de alma); así la sed era verde, el hambre naranja, el sueño lila y recuerdo especialmente la culpa porque era negra, de un negro que la hacía abominable. Estoy por pensar que Pete Docter compartió conmigo esta especie de abstracción rudimentaria, porque bien podría haber sido ese el punto de partida de esta excepcional obra que es Del revés (inside out). Docter, que ya nos había llevado a una metrópolis habitada por monstruos (Monstruos, S.A.) y nos había invitado a volar por encima de las nubes en un globo (Up), nos lleva ahora al lugar más fascinante posible: el interior de la mente.
Del revés (inside out) se mueve entre dos planos de realidad. De una parte, la vida externa de Riley, una niña de once años que se ve obligada a dejar atrás su vida en el Medio Oeste americano porque su padre encuentra un nuevo trabajo en San Francisco. De otra, la complejidad del funcionamiento de su mente con el predominio de sus emociones. Una doble peripecia en la que lo interior es lo que se externaliza hasta lograr el absoluto protagonismo de la narración, ese es el significado del Inside Out de su título (con la voz ‘Del revés’ se pierde un poco la profundidad del concepto). Dos historias enlazadas y autónomas simultáneamente (si se nos permite el oxímoron), plasmadas con diferente paleta cromática, colores básicos y luminosos para el mundo de lo emocional, tonos más tenues para la cotidianidad de Riley. Con esta utilización del color Docter logra que nos parezca casi imagen real la vida de la niña y un mundo dibujado el interior de su mente. Y es que la animación de Del revés (inside out) es un verdadero prodigio.
Esta, la última, producción de Pixar es quizás su trabajo más excepcional. En ella se compone un imaginario poderoso, y visualmente impecable, en el que se desarrolla al máximo el valor narrativo de la animación. Hay que destacar especialmente la secuencia en la que Alegría y Tristeza, las dos emociones protagonistas, deben atravesar el núcleo de la reflexión abstracta todo un brillante repaso de la historia de la abstracción en el arte de la pintura, mostrado mediante la exposición inversa de la evolución de los dibujos animados, desde la actual tridimensionalidad hasta la descomposición en líneas. Es un momento que nos hace pensar en Fantasía, el tercer largometraje de los estudios Disney estrenado en 1940 y que fue la más experimental de sus producciones, carácter éste que comparte Del revés (inside out), pero integrado (y eso es novedad) en la estructura clásica de los cuentos infantiles, el viaje del héroe, el personaje cómico (aquí el antiguo amigo imaginario de la niña), el compañero antitético del protagonista (Tristeza y Alegría, respectivamente), y la resolución feliz del conflicto. Es por ello que hasta los más pequeños podrán disfrutarla aunque no lleguen a comprender su riqueza conceptual.
Si elaboradísima es la animación, no lo es menos el concepto al que sirve. De entrada es toda una lección sobre el funcionamiento de nuestro cerebro, desde el poder central de las emociones, por encima incluso de la razón (y esto es ya una tesis de la película), hasta la estructuración de la memoria, pasando por la explicación de los distintos niveles de la mente (la imaginación y el pensamiento abstracto; el sueño y la vigilia; la conciencia y el subconsciente… ). Simplemente genial es, por destacar sólo un aspecto, la plasmación en imágenes de los archivos de la memoria a largo plazo, un laberinto multicolor en el que se almacenan y conservan los recuerdos (y del que se eliminan tan sólo los que han quedado en desuso, tarea de la que se ocupan los olvidadizos, unos personajes de los que nos gustaría saber más). Pero no se queda aquí, en la ilustración de los conocimientos científicos que tenemos de la mente, Del revés (inside out) es también una reflexión sobre el valor dialéctico de la existencia humana.
No es gratuito que la auténtica heroína de la cinta sea Alegría, sólo teniendo ella el protagonismo se podía enunciar, como lo hace, el valor de la tristeza. A bote pronto todos podríamos pensar que la alegría es nuestra emoción más saludable, cuando ella nos inspira nos cargamos de positivismo y nos sentimos capaces de todo. Pero pensar así no sería más que hacerlo de una manera simplista. Cuando hacemos introspección y reflexionamos, nos damos cuenta de que nuestra vida no sería igual sin sus contrastes y reversos. Apreciamos el estar alegres porque somos capaces de entristecernos. Al contrario de lo que podría parecer, la tristeza nos permite un conocimiento de nosotros mismos y de nuestros límites que no tendríamos si careciéramos de tal emoción, un conocimiento, además, muy útil adaptativamente hablando porque reconocer nuestros límites es lo que nos da la dimensión exacta de nuestras fuerzas. Sin alegría seríamos incapaces de actuar, pero sin la tristeza sería imposible superarnos. Del revés (inside out) nos pone cara a cara con la lucha de contrarios de Heráclito, según la cual un opuesto no puede ser sin el otro, que es casi tanto como decir que uno es el otro. Alegría y tristeza han de ir de la mano para que podamos enfrentar nuestro propio mundo. Este es el aprendizaje que nos deja la película como poso.
Del revés (inside out) es una obra madura destinada a convertirse en un hito. Habrá de marcar un antes y un después en las producciones Pixar porque su exquisita excelencia ha puesto el listón muy alto (los diez minutos de ovación cerrada en Cannes la avalan). Una grande dentro de las grandes de la animación y, más allá, del cine mismo.
‘Summer Camp, de Alberto Marini, participará en la 48ª edición del Festival de Sitges y tendrá su presentación mundial en el FrightFest de Londres
Summer Camp será presentada mundialmente en la próxima edición del FrightFest de Londres, que se celebra entre el 27 y el 31 de agosto. También ha sido seleccionada para participar en el Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya, fuera de competición, que este año tendrá lugar entre el 9 y el 18 de octubre, en Sitges. De esta forma, Summer Camp iniciará su periplo en dos de los festivales de género fantástico y de terror más importantes del mundo. En Summer Camp, los productores de [REC] y Annabelle se unen para ofrecer al espectador un auténtico festival de terror y adrenalina apadrinado por Jaume Balagueró, quien debuta con esta película en la producción. Diego Boneta, Jocelin Donahue, Maiara Walsh y Andrés Velencoso protagonizan el filme.
Con SUMMER CAMP, Alberto Marini da el salto a la dirección de un largometraje tras ejercer como guionista de la exitosa Mientras Duermes (Jaume Balagueró), y de otros filmes pendientes de estreno, El Desconocido (Dani de la Torre) y Extinction (Miguel Ángel Vivas).
Sinopsis: En la búsqueda de diversión y nuevas experiencias, cuatro jóvenes se apuntan como monitores de un campamento.La noche anterior a la llegada de los niños y sin motivo aparente, comienzan a atacarse furiosamente entre ellos. Algo les convierte temporalmente en seres enloquecidos y muy salvajes.Empieza entonces un juego del gato y el ratón sin tregua, en el que tan pronto son cazadores como intercambian sus roles para ser cazados. Para sobrevivir sólo tendrán una opción: encontrar el origen de la infección que les permita acabar con la terrible pesadilla.
El 17 de julio se estrena ‘Eternal’, thriller futurista con guión de los hermanos Pastor
ETERNAL marca un nuevo giro en el cine de ciencia ficción en el que resurrección, alta tecnología, poder y dinero se mezclan en un cóctel de trepidante thriller de acción. Producida por Ram Bergman y James D. Stern, productores de Looper, Eternal sitúa la trama en un futuro cercano en el que las altas esferas del poder pueden acceder a lo único que antes no podían pagar con dinero: la inmortalidad.Sinopsis
Un rico empresario con cáncer terminal se somete a un procedimiento médico radical que consiste en transferir su conciencia a un cuerpo sano y joven. Todo va bien hasta que empieza a descubrir que el cuerpo que habita pertenecía a una persona que lo vendió a cambio de dinero para su familia. Con este descubrimiento pondrá su vida en peligro ya que en este lucrativo negocio no pueden quedar cabos sueltos.
Tráiler e imágenes de ‘Regresión’ el retorno de Amenábar al cine de suspense
Ya están disponibles el tráiler de REGRESIÓN de Alejandro Amenábar, un filme protagonizada por Ethan Hawke y Emma Watson que Universal Pictures International Spain estrenará en cines el 2 de octubre y con el que el director retorna al suspense tras el éxito de Los Otros.
“Me apetecía reencontrarme con mis primeras películas y hacer un thriller psicológico sobre el miedo y los vericuetos de la mente. Regresión es una película sobre cómo el miedo a veces nos atenaza y nos impide pensar y discernir”, dice el director.
Regresión es el sexto largometraje de Alejandro Amenábar y el tercero que rueda en inglés con un equipo internacional. La película está producida por Fernando Bovaira (Los Otros, Ágora, Mar adentro, Biutiful). Ethan Hawke destaca su colaboración con el director: “Es inteligente y entiende de tono y atmósfera”. Una visión firme que corrobora Emma Watson. “Es muy preciso. Sabe lo que quiere de ti y es más fácil dárselo”.
Sinopsis
Minnesota, 1990. El detective Bruce Kenner (Ethan Hawke) investiga el caso de la joven Angela (Emma Watson), que acusa a su padre, John Gray (David Dencik), de cometer un crimen inconfesable. Cuando John, de forma inesperada y sin recordar lo sucedido, admite su culpa, el reconocido psicólogo Dr. Raines (David Thewlis) se incorpora al caso para ayudarle a revivir sus recuerdos reprimidos. Lo que descubren desenmascara una siniestra conspiración.
Reparto: Ethan Hawke, Emma Watson, David Thewlis, Lothaire Bluteau, Dale Dickey, David Dencik, Peter MacNeill, Devon Bostick, Aaron Ashmore.
Telecinco Cinema presenta REGRESIÓN, una producción hispano-canadiense de MOD Entertainment, MOD Producciones, Himenóptero, First Generation Films, TELEFÓNICA Studios y Regression A.I.E. en asociación con FilmNation Entertainment, con la participación de Telefilm Canada, en colaboración con Mediaset España y con la participación de CANAL+ España y el apoyo de ICAA.
It Follows: buen cine de terror moderno
IT FOLLOWS (David Robert Mitchell, 2014)
USA. Duración: 100 min. Guión: David Robert Mitchell. Música: Disasterpeace. Fotografía: Michael Gioulakis. Productora: Northern Lights Films / Animal Kingdom / Two Flints. Género: Terror.
Reparto: Maika Monroe, Keir Gilchrist, Daniel Zovatto, Jake Weary, Olivia Luccardi, Lili Sepe, Linda Boston, Caitlin Burt, Heather Fairbanks, Aldante Foster, Ruby Harris.
Sinopsis: Para Jay (Maika Monroe), de 19 años, el otoño debería consistir en ir a la escuela, salir con chicos y pasar fines de semana en el lago. Sin embargo, tras un encuentro sexual, empieza a tener visiones horribles; no consigue librarse de la sensación de que alguien o algo la persigue. A medida que la amenaza crece, Jay y sus amigos deben escapar de alguna manera del terror que les sigue los pasos.
Una de las propuestas más terroríficas que ofreció el festival de Sitges del pasado año, sino la que más, fue It Follows (David Robert Mitchell, 2014), un film turbador y atmosférico protagonizado por adolescentes con total ausencia de adultos. Como si de una novela juvenil de Enid Blyton se tratara, aunque con elevadas dosis de horror sobrenatural y el proverbial terror al sexo y a la enfermedad, inevitable metáfora del Sida. Una propuesta desasosegante que no recurre al gore y que se apoya en el sonido: música etérea de sintetizador y unos silencios que no son tales, en los cuales el viento otoñal juega un papel primordial para contribuir a la sensación de desazón en el espectador.
Cierta tristeza se respira en el ambiente, en la luz, en los suburbios de lo que una vez fueron ideales barrios residenciales. Y aunque en estos tiempos resulta inevitable mostrar, más que sugerir, David Robert Mitchell, escritor y director del film, se toma su tiempo en mostrarnos a los seres que horrorizan a la protagonista. Y aún después de hacerlo, resultarán ser monstruos sin máscara, cuyo efectismo se basará en que cualquier viandante puede ser uno de ellos. Y todo ello con orgullo de serie B, como la que se nos muestra desde las pantallas domésticas, donde los jóvenes ojean clásicos psichotrónicos como El planeta de las tormentas (Planeta Bur, Pavel Klushantsev, 1962) o Killers from Space (W. Lee Wilder, 1954).
De estupenda puede tacharse la labor de su joven protagonista, Maika Monroe, así como la del resto del joven reparto, que no son simple carnaza al servicio del matarife de turno, ya que el director se ocupa de retratar a cada uno para, con todos ellos, mostrarnos lo importante que es la amistad incondicional para un adolescente, una necesidad en ese mundo privado e incomprendido en el que los adultos no tienen sitio. Como si de una aventura tenebrosa de Los Cinco se tratase, serán los protagonistas los que se enfrentarán al terror, buscarán la forma de combatirlo y… ¿lo vencerán?
It Follows es uno de esos films que se quedan en la memoria. Una terrorífica e interesante propuesta que juega muy bien las cartas del suspense buscando el miedo del espectador y huyendo de burdas truculencias con un terror desconocido y cercano al que todos estamos expuestos ya que, a fin de cuentas, a todos nos sigue y tarde o temprano nos alcanzará.
Otro cartel con aires ‘vintage’
Tráiler y cartel de ‘Terminator Génesis’
Viendo el nuevo cartel de la próxima entrega de Terminator, nos parece que el film va a contar con un aliciente más interesante que la presencia de Arnold Schwarzenegger en su reparto.
Sinopsis:
Cuando John Connor (Jason Clarke), líder de la resistencia humana, envía al sargento Kyle Reese (Jai Courtney) al año 1984 para proteger a Sarah Connor (Emilia Clarke) y salvar el futuro, un inesperado giro de los acontecimientos crea una línea temporal fracturada. Ahora, el sargento Reese se encuentra en una versión nueva y desconocida del pasado, donde descubre aliados insólitos, como el Guardián (Arnold Schwarzenegger), nuevos y peligrosos enemigos, y una misión nueva e inesperada: reconfigurar el futuro…
El reparto está compuesto por Arnold Schwarzenegger, Jason Clarke, Emilia Clarke, Jai Courtney y J. K. Simmons, Productores Ejecutivos Bill Carraro, Laeta Kalogridis, Patrick Lussier, Megan Ellison y Robert Cort. Producida por David Ellison, p.g.a. Dana Goldberg, p.g.a. Escrita por Laeta Kalogridis y Patrick Lussier y Dirigida por Alan Taylor.
Estreno: 10 de Julio de 2015
Noticias sobre ‘Colossal’ nuevo filme de Nacho Vigalondo
Anne Hathaway protagonizará «Colossal«, la nueva película de Nacho Vigalondo producida por Sayaka Producciones y Voltage Pictures
La ganadora de un Óscar de la Academia Anne Hathaway («Los Miserables») protagonizará Colossal, escrita y dirigida por Nacho Vigalondo.
SI, PERO… ¿DE QUÉ VA COLOSSAL?
En la película, (descrita como un cruce entre Godzilla y Lost In Translation), Hathaway interpretará el papel de Gloria, una mujer normal, que después de perder su trabajo y a su prometido, decide dejar su vida en Nueva York y volver a su ciudad natal. Pero cuando en las noticias ve como un lagarto gigante está destruyendo la ciudad de Tokio, Gloria, poco a poco comienza a entender que, a través de su mente está conectada a estos extraños sucesos. Con el fin de evitar una total destrucción, Gloria necesita averiguar por qué su, aparentemente insignificante existencia, tiene un efecto tan colosal en el destino del mundo.
Nahikari Ipiña, productora de Colossal nos cuenta:
“La incorporación de Anne en Colossal es la guinda que colma un año de trabajo junto a Nacho. Ésta será nuestra cuarta película juntos y creo que sorprenderá. El guión es muy especial y su protagonista un personaje inolvidable, por fin una protagonista femenina en una película de Vigalondo”.
SAYAKA PRODUCCIONES
Fundada en el año 2005, Sayaka Producciones es desde el año 2008 filial de Arsénico Producciones y sus socios son Nahikari Ipiña, Borja Cobeaga, Borja Crespo, Koldo Serra y Nacho Vigalondo. Entre sus largometrajes destacan Cronocrimenes (con más de 15 premios internacionales) Extraterrestre y Open Windows de Vigalondo y Pagafantas, No Controles y Negociador de Borja Cobeaga. Actualmente están embarcados en el rodaje de Guernika, la nueva película de Koldo Serra.
Asimismo algunos de sus trabajos en el mundo del cortometraje han conocido una amplia trayectoria internacional, entre otros El Encargado con más de 25 premios internacionales, Avant Pétalos Grillados presente en la Quincena de Realizadores de Cannes, Cirugía de Alberto González con más de 20 premios internacionales y 7:35 de la mañana, de Nacho Vigalondo y Éramos pocos, de Borja Cobeaga, nominados al Oscar a Mejor Cortometraje de Ficción en 2005 y 2007 respectivamente y premiados en más de 70 festivales.
Voltage Pictures, que recientemente ha completado el organigrama de su equipo de ventas internacionales, se encargará de las ventas en Cannes. Fundada en 2005, Voltage Pictures es una compañía privada, liderando el campo del cine y la televisión en cuanto a financiación, producción y ventas se refiere. La compañía ha producido y financiado películas de directores legendarios como William Friedkin («Killer Joe»), Terry Gilliam («Teorema Zero») o Robert Redford («Pacto de Silencio»); ha ganado seis Oscars de la Academia, incluyendo Mejor Película por En Tierra Hostil (2010) dirigida por Kathryn Bigelow, y tres premios de la Academia por Dallas Buyers Club (2013) dirigida por Jean-Marc Vallee. También ha apoyado los debuts en la dirección de, por ejemplo, Joseph Gordon-Levitt («Don Jon») y Natalie Portman («A Tale of Love and Darkness»), que fueron seleccionadas en Cannes. Voltage recientemente ha finalizado Fathers and Daughters, dirigida por Gabriele Muccino, y protagonizada por Russell Crowe, Amanda Seyfried y Aaron Paul, y Good Kill, dirigida por Andrew Niccol, y protagonizada por Ethan Hawke. Sus próximos estrenos incluyen The Secret Scripture, dirigida por Jim Sheridan, con Rooney Mara, y Knock Knock, dirigida por Eli Roth, con Keanu Reeves.
Como fans confesos de Nacho Vigalondo (y de Anne Hathaway) estaremos pendiente de esta producción.
Tráiler del nuevo filme de Guillermo del Toro: La cumbre escarlata
Por fin disponible el tráiler de La cumbre escarlata, el prometedor nuevo filme dirigido protagonizado y escrito por Guillermo del Toro que se estrenará el 16 de octubre en…¿El Festival de Sitges? por fechas es posible y factible. De momento nos contentamos con disfrutar el tráiler de este thriller sobrenatural protagonizado por Tom Hiddleston, Jessica Chastain, Mia Wasikowska y Charlie Hunnam.
Sinopsis: Una joven es trasladada a la cima de una montaña de arcilla de color rojo sangre cuando un atractivo desconocido le roba el corazón; se trata de un lugar lleno de secretos que la perseguirán para siempre. La verdad escondida en LA CUMBRE ESCARLATA se encuentra entre el deseo y las sombras, el misterio y la locura.
Home… ¿Sweet Home?
SINOPSIS:
Simon (Bruno Sevilla) y Alicia (Ingrid García Jonsson) deciden pasar una noche romántica en un edificio semiabandonado. Durante la velada descubren que unos encapuchados han asesinado al único inquilino que quedaba en el edificio… Ahora ellos se convertirán en su nuevo objetivo.
El viejo caserón victoriano ha dejado de estar embrujado. El terror moderno se materializa en los baldíos polígonos industriales o en destartalados bloques de extrarradio, donde más que el acecho de espectros y fantasmas, podemos sufrir el acoso de vecinos 
desagradables, caseros dementes (Para entrar a vivir) o porteros desquiciados (Mientras duermes), auténticas pesadillas a las que se les suman terroríficos especuladores del suelo, que no dudan en utilizar cualquier sistema para desalojar a inquilinos con contratos de renta antigua. Ese es el ingenioso punto de partida de Sweet Home, debut en el largometraje de Rafa Martínez, director de los exitosos cortos Zombies & Cigarettes (2009) y Halloween Before Christmas (2010).
Si bien no puede decirse que su argumento sea innovador (basta recordar la olvidada parodia El cuchitril de Joe [Joe’s Apartmen, John Payson, 1996]), si que representa una base social de actualidad en la que situar la acción:
Para hacer Sweet Home aún más realista, nos planteamos una temática de actualidad, el mobbing inmobiliario. Ésta realidad es tan frecuente en nuestro país, que resulta realmente aterradora. Así que nos pareció perfecto como tema detonador de una historia de género. No hay nada más terrorífico que el que no puedas estar seguro ni en tu propia casa. (Rafa Martínez)
En Sweet Home, la mano ejecutora encargada de los desahucios pasa a ser mucho más despiadada, sobre todo cuando del trabajo se encarga ‘el liquidador’ (Oriol Tarrida ‘Tarro’) un brutal y eficiente empleado encargado de limpiar los errores cometidos por otros empleados de la inmobiliaria, bastante menos eficaces en su labor.
Es remarcable, asimismo, la importancia en la historia del destartalado bloque de pisos: un lugar claustrofóbico repleto de oscuridad y rincones en los que esconderse, que resulta ser también una ratonera de la que casi es imposible escapar al tener sus ventanas tapiadas y sus puertas cerradas. Desarrollándose así un juego del gato y el ratón en el que los protagonistas deberán recurrir al ingenio para sobrevivir:
Cuando los tres guionistas nos planteamos escribir Sweet Home lo que más nos apetecía era situar la acción en un entorno cotidiano, muy cercano al espectador. Queríamos hacer una película realista y claustrofóbica, sin perder de vista la parte lúdica del terror que más nos interesa. Queríamos llevar el miedo a un lugar terrorífico, pero muy reconocido por todos; un portal, una escalera, un ascensor, en definitiva, nuestra casa… y convertir un edificio del centro de una gran ciudad, en un tren de la bruja lleno de sustos, aventuras y sorpresas (Rafa Martínez)
Filmax (en esta ocasión en coproducción con la compañía polaca Film Produkcja SP. ZO.O.) vuelve a apostar por el fantástico con un lote compuesto por Summer Camp (Alberto Marini), todavía a la espera de estreno y Sweet Home. En su guión, escrito por el propio director junto a Teresa de Rosendo y Ángel Agudo, biógrafo de Paul Naschy, no han querido dejar cabos sueltos, mimando las pistas de lo que acontecerá sin caer en inútiles subrayados. La historia, ambientada en Barcelona parte, como ya hemos señalado, de una problemática social muy real, la de la especulación, los desahucios y la precariedad laboral, no para hacer una crónica sobre ello, sino como marco que desatará la acción. Una acción que en sus poco más de 80 minutos no dará respiro al espectador, pero que sabrá detenerse lo suficiente como para presentarnos a los personajes principales dotándoles de perfil psicológico, remarcando asimismo los momentos más dramáticos. Un filme emocionante rodado con buen pulso, con buenos efectos de maquillaje de David Ambit, actuaciones competentes, un eficaz uso de los medios con los que ha contado y una historia si no innovadora, si eficazmente narrada.
El aspecto lúdico de Sweet Home está muy estudiado para que el ritmo no decaiga en ningún momento. Una vez que la película se pone en marcha ya no hay manera de pararla. En este sentido Sweet Home busca seguir los pasos de películas como The descent (2005), The Crazies (2009), [REC]2, Wolf Creek (2005) o Las colinas tienen ojos (2006) (Rafa Martínez)
El papel protagonista, al igual que pasara en la inaugural [Rec], recae en una mujer, Alicia, decidida y valiente, pero más frágil que la Ángela Vidal de Manuela Velasco, con la que comparte coincidencias en su vestuario. Ingrid García Jonsson, una jovencísima actriz que despuntó en Hermosa Juventud (2014) de Jaime Rosales, papel que le mereció su nominación al Goya, cambia totalmente de
Rafa Martínez dirigiendo a Ingrid García Johsson.
registro para meterse de cabeza en el cine de género aprobando con nota. Su compañero de fatigas, Simón, está interpretado por Bruno Sevilla, actor que dentro del género fantástico interpretó un pequeño papel en la interesante Mindscape (Jorge Dorado, 2013) y al que podremos ver próximamente en el filme de ciencia ficción Project Lazarus, de Mateo Gil. Completan el reparto Oriol Tarrida, Eduardo Lloveras, Miguel Ángel Alarcón y Luka Peros, como los malvados matones de la inmobiliaria, además de los veteranos José María Blanco y Mariona Perrier, como sufridos inquilinos. Precisamente esta última nos comentó que su papel fue más desagradable de rodar de lo que podría pensarse por el resultado en pantalla, ya que tuvo que hacerlo rodeada de cucarachas, llegando a aplastar una con el trasero…
Sweet Home hará pasar un buen rato a base de adrenalina al límite, sustos (algunos previsibles y otros no tanto) y un villano despiadado a añadir al pequeño altar de psycho killers cañís: El liquidador.
PRESENTACIÓN EN BARCELONA DE SWEET HOME (30/04/2015) (Fotos: Serendipia)
Bruno Sevilla, Ingrid García Jonsson y Rafa Martínez
Oriol Tarrida, Miguel Ángel Alarcón, Bruno Sevilla, Ingrid García Jonsson, Mariona Perrier, Rafa Martínez y Eduardo Lloveras
Ingrid García Jonsson
Comienza el rodaje de la secuela de ‘Independence Day’
Nick Maniatis, Director de la Oficina Cinematográfica de Nuevo México, anunció hoy que el día 4 de mayo está previsto que dé comienzo el rodaje de la continuación de Independence Day. Twentieth Century Fox llevará la película a las salas de todo el mundo el 24 de junio de 2016.
Después de que Independence Day hubiera redefinido el género de grandes producciones, su siguiente y épico capítulo nos trae una catástrofe mundial a una escala inimaginable. Utilizando tecnología obtenida de los extraterrestres, las naciones de la Tierra, previendo el regreso de los invasores, han colaborado en un gigantesco programa de defensa para proteger el planeta. Pero nada puede prepararnos para hacer frente a la avanzada e inaudita fuerza de los atacantes. Sólo la inventiva de unos pocos hombres y mujeres valientes puede rescatar a nuestro mundo del borde de la extinción.
En el reparto repiten Jeff Goldblum, Vivica A. Fox, Bill Pullman y Judd Hirsch a los que se les han sumado Liam Hemsworth, Charlotte Gainsbourg, Jessie Usher, Joey King (“Expediente Warren”), Brent Spiner (“Star Trek: La nueva generación”) y Travis Tope. Dean Devlin, que produjo la película original, también produce la continuación junto a Roland Emmerich y Harald Kloser (“2012”, “El día de mañana”). Larry Franco y Carsten Lorenz son los productores de campo. Ute Emmerich se encarga de la producción ejecutiva.
“Estoy más que emocionado por traer a Nuevo México la continuación de ‘Independence Day’”, afirmó el director Roland Emmerich. “La tecnología punta de Albuquerque Studios, el excelente programa de incentivos fiscales, la proximidad a Los Ángeles y, por último pero no menos importante, el gran talento del elenco y el equipo técnico, hacen de Nuevo México un lugar ideal para mi película”.
El equipo creativo de la producción incluye al supervisor de efectos especiales Volker Engel, ganador de un Oscar® (“Independence Day”, “2012”), al director de fotografía Markus Förderer (“Stonewall”), al diseñador de producción Barry Chusid (“El día de mañana”, “2012”, “San Andreas”), al montador Adam Wolfe (“Asalto al poder”) y a la diseñadora de vestuario Lisy Christl (“Point Break”, “Asalto al poder”).
La oveja Shaun (la película), una aventura ovina en la ciudad
Si tras una película de animación están los Estudios Aardman, sabemos ya de antemano que vamos a ver un filme notable. No en vano son los líderes del stop motion con figuras maleables (arcilla, plastilina, silicona… ) o, dicho de forma más precisa, de la claymation. Mientras escribo esto, suena en mi cabeza una canción de Nina Simone, porque ese clip forma parte de mi memoria sentimental, pero también porque para mi gusto es una pequeña obra maestra que nos muestra la cuidada factura de los trabajos de la compañía:
En el año 2000 realizaban su primer largometraje, Chicken Run: Evasión en la granja, pieza que culminaba su etapa más floreciente. En los noventa fueron los reyes indiscutibles, especialmente gracias a los trabajos de Nick Park quien consiguió para Aarmand su primer Óscar con Creature Comforts (1989). Pero nos interesa aquí el segundo Óscar del animador, Wallace y Gromit: un esquilado apurado (Wallace and Gromit in A Close Shave), porque ahí apareció por primera vez la Oveja Shaun; especialmente memorable es el rescate de las ovejas:
El caso de la Oveja Shaun es el de aquellos personajes secundarios que por su tesitura acaban robando protagonismo al héroe y terminan teniendo su propio show. Lo hemos visto con los Pingüinos de Madagascar y pronto llegarán a nuestros cines los Minions; esta semana le toca el turno a la traviesa oveja creada por Park. Nuestra heroína disfruta de serie propia desde 2007 que sigue permaneciendo en pantalla tras cuatro temporadas. Serie que ha multiplicado su repercusión gracias a un acertado merchandising que ha hecho fijar este personaje en la mente de los más pequeños.
Una premisa de la serie es que la oveja Shaun muestra inteligencia humana, creatividad y, temperamento propio de una comedia situacional, con conflictos que deben solucionar entre todos los animales de la granja, antes de que venga el granjero. Estos rasgos se han incorporado en el largometraje que llega ahora a nuestros cines. También se ha conservado la condición muda de la serie, cosa que quizás propicie la paradoja que la caracteriza: está destinada a los más pequeños de la casa pero a la vez es una creación muy adulta.
Siendo, como vemos, fiel a la serie que la precede, la película no deja de introducir innovaciones. La principal es haber trasladado la acción a la gran ciudad, cosa que ha permitido al filme ofrecer un argumento más complejo y menos esquemático que el de los breves episodios televisivos. Todo ello siendo siempre fiel al espíritu del slapstick. La película es una sucesión de situaciones cómicas (de otro modo, sketchs) que no fractura su unidad; como es habitual en esta estructura, no todas las piezas tienen la misma calidad, pero no hay grandes baches narrativos y el ritmo se mantiene siempre constante sin hacer decaer el interés. Un humor sencillo pero increíblemente efectivo en el que no hay espacio para grandes sorpresas.
Precisamente lo más elogiable de esta producción es su sencillez, una sencillez que la convierte en una rara avis dentro de nuestro mundo lleno de efectos generados por ordenador que buscan casi siempre la ampulosidad. La oveja Shaun se mantiene fiel a la tradición artesanal dándonos una animación táctil y delicada que es todo un goce para los sentidos. Estamos ante una historia amable, sin atisbos de ironía, que busca pintarnos sonrisas durante su ajustado metraje. Una diversión para todos los públicos con la calidad que caracteriza a Aardman.
Calabria, la herencia de la violencia y el resentimiento
Más allá de los títulos más comerciales hay un cine que permanecería invisible de nos ser por las muestras y festivales. Un cine de presupuestos más modestos pero, muchas veces, de resultados más esmeradamente artísticos. Ese es el caso de Calabria, una película hecha de encuadres cargados de sentido, con un tempo casi contemplativo y una cámara pausada que apenas se mueve y que cuando lo hace es sutil y elegante. Sobre todo sutileza es la que impera en el tercer trabajo de Francesco Munzi, nacida del profundo respeto de la mirada del cineasta por la historia a contar.
Munzi recala en Calabria, probablemente la más negra región italiana, para contarnos una historia de mafiosos que huye de lo convencional: “Me basé en la novela (homónima) de Gioacchino Criaco, pero la traicioné para respetar su propia idea: que estos criminales tienen sus fragilidades. Algo que rompe con la idea del mafioso en sí mismo, con la imagen cinematográfica que se le ha dado e inclusive con la idea que ellos mismos han querido transmitir (…) En realidad hay quienes se suicidan, que sufren, que viven tensiones terribles. Pongo en escena aparentemente la guerra contra otra banda, en realidad escenifico la guerra dentro de ellos mismos, en la misma familia. Es que la verdadera guerra está dentro de ellos”. El suyo, podría decirse, es un retrato intimista de la organización criminal (aquí la ‘Ndrangheta calabresa), una estampa que se introduce hasta la raíz de su esencia: el profundo resentimiento que se acompaña de la voluntad de perpetua venganza. Un resentimiento que se hereda de generación en generación y que se ancla en la propia composición de lo familiar (de ahí que se la haya querido comparar a El funeral de Abel Ferrara).
Calabria tiene tanto de drama familiar (si no más) como de crónica negra. Eso es lo que la hace especial. Se trata de una familia de criminales: Luigi, el traficante, es un tipo decidido e impulsivo, y Rocco es el “cuello blanco” que vive dentro de la sociedad milanesa. Un enfrentamiento a distancia con otra familia mafiosa, desencadenada por el sobrino Leo, les hará volver al pueblo en que nacieron, Africo, lugar simbólico de la ‘ndrangheta, donde vive Luciano, el tercero de los hermanos (y el mayor de los tres). Lo que pasa es que Luciano no es como ellos. Tras el asesinato del padre, muchos años atrás, se encerró en una burbuja en la que se dedica a cuidar de sus cabras y llevar a cabo sus ritos religiosos. Sin embargo, esta burbuja la pondrá en peligro su propio hijo Leo, que a sus 20 años de edad quiere ir a Milán y emular la gesta del tío Luigi. Contraste y tensión entre dos mundos es el que separa a los hermanos, pero también entre dos voluntades: la continuista de los dos hermanos emigrados al norte y el deseo de acabar con el lastre de la herencia por parte de Luciano. Y la tensión no podrá resolverse más que con la drástica aniquilación de los propios vínculos de sangre.
‘Ndrangheta significa etimológicamente ‘virtud de la hombría’, es un mundo de hombres, pero las mujeres no son simples observadoras ni menos están libres de culpa. En el filme “son las más silenciosas, están en la sombra, pero con una mirada dan su consentimiento”, sostiene el director. Son las madres del ser, las transmisoras del resentimiento que consienten la violencia (e incluso la inducen). “Representan el aspecto más conservador, las verdaderas almas negras. La madre con la mirada da el toque inicial para la vendetta, mientras la esposa milanesa, sin admitirlo, es cómplice. Tal vez sea Italia”. O tal vez no, tal vez sea una historia más universal que podemos acercar a nosotros aunque sólo sea a escala.
“Sólida, violenta y abrupta, estamos ante una muestra ejemplar de cine negro, neorealista y rural, rodada con carácter, rigor y mucha personalidad” (Filmin), así es Calabria. Toda una suerte que Betta Films nos haya permitido gozar de ella.
Kenneth Branagh’s Cenicienta
La cámara no cesa de moverse enamorada como está de los planos con grúa, los planos cenitales, los contrapicados, los travellings constantes que muchas veces describen un movimiento circular. La música acompaña a estos movimientos coreográficos subrayando sus momentos líricos y dando aún mayor ampulosidad a los más climáticos. A todo ello hay que sumarle un reparto multirracial, aunque sea sólo para algunos secundarios y la mayoría de figurantes, como indicando que en los cuentos populares (pero al igual que las obras shakaspearianas) todos los colores tienen cabida. Y todo aderezado por un montaje ágil que se vuelve vertiginoso en los episodios más relevantes de la trama. Aunque no lo hubiéramos sabido antes de entrar a la proyección, habríamos descubierto igual que estábamos ante una obra de Kenneth Branagh y su inseparable Patrick Doyle en la partitura.
Todo empezaba en 1989, cuando éramos tan jóvenes que no habíamos cumplido ni la treintena. Enrique V fue una ópera prima arrolladora, tanto en lo que ha interpretación se refiere (imborrable la arenga anterior a la batalla de Angincourt), como al trabajo de dirección y puesta en escena (igualmente imborrable la secuencia posterior a la batalla rodada en un sólo plano de casi seis minutos mientras suena el Non Nobis and Te Deum). Fue un director novel revelación, con dos nominaciones a los Óscars de aquel año, y muchos quedamos rendidos a su obra. Vino después la década de los noventa y con ella los títulos más importantes de su carrera, entre los que me costaría elegir uno, aunque siempre me quedaré con Morir todavía porque recibió muchos palos, pero ha sido reivindicada después. Le seguí fielmente hasta Trabajos de amor perdidos, otra pieza mal comprendida en su momento, con la que entrábamos en el nuevo siglo y milenio. Esa década en la que parece que ni Branagh ni yo atravesamos nuestros mejores años. Después le recuperé en Thor, para mí un feliz reencuentro, aunque también nos quedamos prácticamente solos en este blog defendiéndola.
Y ahora, después de la muy alimenticia Jack Ryan: Operación Sombra, vuelve a brindarnos una pieza con sello propio. La nueva Cenicienta de Disney es también la Cenicienta de Branagh. La historia la conocemos todos perfectamente, de modo que lo que nos interesaba es cómo la habría resuelto el director. Sobre todo en los puntos clave como el del hechizo del hada madrina para la que ya Disney en la versión animada de 1950 había creado un hito que ha pervivido en el recuerdo:
Branagh no ha escatimado recursos y ha compuesto una secuencia de transformación notable, incluso superior a la citada. Y lo ha hecho por partida doble, porque al desencantamiento le ha dado un tratamiento tanto o más climático aún. Cenicienta en manos del británico se ha convertido en una de esas películas que acumulan pasajes memorables en su metraje. A los ya mencionados hay que sumarle la secuencia del baile, un vals de coreografía perfecta en el matrimonio de música e imágenes, y, sobre todo, el primer encuentro de la joven con el príncipe en el bosque, ese flechazo rodado con un travelling circular que nos hace recordar el de Vértigo. Si bien puede decirse que las partes superan al conjunto, el filme nos da lo que cabía esperar, porque ya sabemos de antemano que la versión sangrienta de los hermanos Grimm (las hermanas se cortan los dedos del pie para que les quepa la zapatilla de cristal) no es la que va a ser adaptada. Al contrario, sabemos que vamos a estar ante un cuento de hadas contado al modo en que los cuenta Disney: repleto de candor y perfectamente maniqueo. Así, el cuarto de hora inicial es puro almíbar no apto para espectadores «diabéticos», que abominen de la ternura cuando es empalagosa. ¿Puede valer eso como fallo? No, porque es el tono que su público natural va a pedirle. Rasgarse las vestiduras por ello resulta tan absurdo como hacerlo porque en un festival de cine de terror se muestren escenas de inusitada crueldad (¿recuerdan la polémica con A serbian film? Pues eso).
No creo que vaya a incluir esta película en el top ten del año (mal tendría que darse el género en estos meses como para tener que hacerlo), pero sí la he visionado con satisfacción. Y sé perfectamente que donde yo encuentro valores, que haya rodado un cuento popular como si fuera una obra de Shakaspeare, otros verán defectos. Muy probablemente se acuse de nuevo a Branagh de megalómano, de perpetrar un espectáculo operístico en el peor sentido del término. Para mí, en cambio, es toda una lección de estilo que sabe volver emocionante un tema que ya tenemos muy sabido y que, en principio, no pensábamos que iba a sorprendernos (anecdótico, pero sintomático, es que en el pase de prensa se haya oído algún aplauso en el momento en que la protagonista se calza la zapatilla de cristal).
El trabajo de Branagh viene además apoyado por el de un equipo técnico en estado de gracia. Especial mención a la fotografía de Haris Zambarloukos que llega en ocasiones a dotar de textura de animación a la película. Igualmente al vestuario de Sandy Powell y el diseño de producción de Dante Ferretti Y, por supuesto, no podemos olvidar a Doyle porque su música aporta alma al relato. Sobre el score comentan en Mundobso: «tras demasiados años diluido (con honrosas excepciones) en la música industrial de Hollywood, Patrick Doyle vuelve a ser Patrick Doyle en una esplendorosa creación donde se explaya con poderosas melodías que son cautivadoras pero también explicativas, esto es, que además de llenar y gustar, explican en sí parte de la historia narrada en el filme. El tema principal, el de Cenicienta, es excelente: un tema que tanto se contrae para exponer las íntimas emociones del personaje como también se expande para iluminar todo su alrededor. Es una melodía que conoce algunas transformaciones que van relatando a la muchacha y que debe encontrar su camino entre otras músicas deliberadamente aparatosas, vienesas, muy elegantes pero básicas (en tanto el tema principal es elaborado y dinámico), para el entorno palaciego, y también algunas músicas para la oscuridad y lo dramático (igualmente grandiosas). Todo ello, combinado, da lugar a una banda sonora imponente, sólidamente estructurada y desarrollada, que es un festín musical a lo grande… y el relato complementario enfatizado y matizado del cuento eterno».
Eso es lo que es Cenicienta: un cuento eterno, dulcísimo, que rehuye cualquier tipo de ironía. Y eso, a día de hoy, cuando el cinismo y los haters son tendencia, es toda una provocación.
Vuelve el cine de terror a Badalona de la mano de Cryptshow Festival
Los productores de The Lords of Salem, Paranormal Activity, Insidious, The Conjuring y Sobrenatural nos traen esta adaptación de un cuento de Stephen King
Cryptshow Festival y La Cooperativa Cor de Marina recuperan el cine en Badalona de la mano de Stephen King. Mercy está basada en el cuento Gramma del maestro del terror, y creador de The Shining o Carrie. Nos narra la historia de dos niños que junto a su madre marchan a cuidar de la abuela, que sufre demencia senil. Poco a poco irán descubriendo que la señora oculta un tenebroso secreto ya que años atrás firmó un pacto con un espíritu oscuro.
Dirigida por Peter Cornwell (Exorcismo en connecticut), y protagonizada por Mark Duplass y Dylan McDermott, Mercy está producida por Jason Blum (The Lords of Salem, Paranormal Activity, Insidious o The Conjuring) i McG (Sobrenatural)
Cinema Experence es una iniciativa de Cryptshow Festival y La Cooperativa Cor de Marina que quiere recuperar les clásicas sesiones de cine de terror que durante los años 80 llenaban las salas de Badalona.
Serendipia
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