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Llega la tercera edición del Fantastic 7
El acto, apadrinado por la directora Mary Harron, se celebrará el próximo domingo 11 de julio dentro del marco del Marche du Film – Festival de Cannes, en formato en línea y presencial simultáneamente.
Con la incorporación del Festival Internacional de Nueva Zelanda, el Fantastic 7 logra la primera muestra mundial del cine de género fantástico de todos los continentes.
Sitges – Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña, junto con el partenariado del Marché du Film – Festival de Cannes y el responsable de relaciones internacionales del INCAA Bernardo Bergeret, presentan la tercera edición del Fantastic 7, un programa que avanza las próximas producciones dentro de la industria del género mundial, favoreciendo la conexión de estos títulos con representantes de la distribución y la producción internacional.
La iniciativa exhibe siete propuestas presentadas por siete festivales de todo el planeta, que tienen en el género fantástico uno de los rasgos de identidad dentro de su programación. Además del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstico de Catalunya, los otros certámenes que forman parte del acontecimiento son: el Toronto International Film Festival, el South by Southwest, el New Zealand International Film Festival, el Guadalajara International Film Festival, el Cairo Internatinonal Film Festival y el Bucheon International Film Festival (BIFAN).
Fantastic 7 tiene la voluntad de poner en común proyectos en diferentes fases de producción o finalizados con inversores de todo el mundo, con el objetivo de favorecer su comercialización final. Este año, la madrina del acto será la directora Mary Harron, directora de la cinta de culto American Psycho, y figura capital dentro del género fantástico. La incorporación de Harron responde también a la misión de visibilización del papel de la mujer cineasta al cine fantástico a través del programa WomanInFan que desarrolla el Festival de Sitges.
Fantastic 7 edición 2021 está integrado por los siguientes proyectos:
Sitges – Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña presenta:
La pasajera, de Raúl Cerezo i Fernando González GómezToronto International Film Festival presenta:
Polaris, de Kirsten CarthewSouth by Southwest presenta:
Don’t Peek!, de Julian TerryNew Zealand International Film Festival presenta:
The Rule of Jenny Pen, de James AshcroftGuadalajara International Film Festival presenta:
Fiebre, de Elisa EliashCairo International Film Festival presenta:
The Legend of Zeinab and Noah, de Yousry Nasrallah
Bucheon International Film Festival presenta:
Lay the Ghost, de YU Eunjeong
Actividades en directo del 39 Comic Barcelona
Como ya anunciamos, la 39 edición del Comic Barcelona se celebra este fin de semana, del 28 al 30 de mayo, de forma íntegramente virtual, con programación en directo que empieza el viernes 28 a las 17h y que terminará el domingo pasadas las 20h. A continuación un repaso de la programación en directo, que se complementa con toda la oferta On Demand que se puede encontrar en la página web www.comicondemand.es.
Viernes 28 de mayo
17.00h Inauguración y ceremonia de entrega de los Premios del 39 Comic Barcelona
18.30h Conversando con Antonio Altarriba, galardonado con el Gran Premio del Salón en la anterior edición. Conducida por Elisa McCausland.
19.30h Conversando con Brian Lee O’Malley, autor del popular cómic Scott Pilgrim. Conducida por Borja Crespo.
Sábado 29 de mayo
10.00h Homenaje a Armonía Rodríguez, guionista y dibujante. Organizado por el Colectivo de Autoras de Cómic y la ARGH! (Asociación profesional de guionistas de cómic).
11.00h Amazonas en la luna: de Wonder Woman a Sailor Moon, pasando por… Mesa redonda con Elisa McCausland, Carla Berrocal, Aneke, Desiree Bressend. Moderada por Cels Piñol.
12.00h Conversando con Jaime Martín, autor de Siempre tendremos 20 años. Conducida por Kike Infame
13.00h Voces que cuentan. Con las autoras Patricia Campos, Raquel Riba Rossy, Akira Pantsu, Sara Herranz, Sandra Cr, Estefanía Molina Morales, Ada Díez. Conducida por Cristina Hombrados.
14.00h Conversando con Álvaro Ortiz, autor de El murciélago sale a por birras. Conducida por Oriol Estrada Rangil
14.30h El cómic, el I+D del cine y las series. Con Chico Morera, Borja Crespo, Cels Piñol y Oriol Estrada Rangil.
16.00h El cómic desde las trincheras. Con Irene Márquez, Juarma y ATA. Conducida por Borja Crespo.
17.00h Conversando con Jorge Carrión y Javier Olivares, autores de Warburg & Beach. Conducida por Pepo Pérez.
18.00h Conversando con Guy Delisle, autor de Pyongyang y Crónicas desde Jerusalén. Conducida por Pepe Gálvez
19.00h Los Combates de la Joso. Royal Art Rumble.
20.15h George Takei era el enemigo. Con Justin Eisenberg y Harmony Becker. Conducido por Oriol Estrada Rangil
21.00h Comic Barcelona Night: Rol de Titanes con Stelladia, David Lafuente, David López, Sara Soler y Joan Tretze.
22.00h Comic Barcelona Night: Rol Online con Altered Carbon. Con Desiree Bressend, Josep Busquet, Cels Piñol e Ismael Ávalos.
Domingo 30 de mayo
11.00h El còmic en català. Con Quim Bou, Oriol Garcia Quera, Santiago Sobrequés. Conducida por Jordi Riera.
12.00h Conversando con Teresa Valero, autora de Contrapaso. Conducida por Yexus.
12.30h Conversando con Pepe Larraz, autor de Dinastía de X. Conducida por Julián M. Clemente.
13.00h Adaptaciones: ripios y monos. Con Albert Monteys y Alejo Cuervo. Moderado por Cels Piñol.
14.30h Comiquiz. El concurso para saber quién sabe más de cómics.
16.00h Pulgarcito. Mesa redonda con Paco Baena, Carlos de Gregorio y Jaume Rovira. Moderada por Antoni Guiral.
17.00h ¿Existe el cómic underground? Con Aroha Travé, Rosa Codina, Rubén Lardín. Moderada por Mery Cuesta.
18.00h Conversando con Magius, autor de Primavera para Madrid. Conducida por Borja Crespo.
19.00h Conversando con Santiago Sequeiros, autor de Romeo Muerto. Con David Rubín y Hernán Migoya. Conducida por Borja Crespo.
20.30h Cierre del 39 Comic Barcelona.
La programación en directo se puede seguir a través de la página web www.comicondemand.es o del canal YouTube de ComicBCN.
Y la semana siguiente, del 1 al 4 de junio, la programación profesional de COMIC PRO, espacio de networking, pensamiento, acción y oportunidades para el sector. Jornadas profesionales, revisión de portafolios y mercado de derechos. Toda la información en la web de COMIC BARCELONA: www.comic-barcelona.com
‘Dies Irae’, a la derecha del Hijo o la doble feminidad
Quantus tremor est futurus,
quando iudex est venturus,
cuncta stricte discussurus!
Día de la ira habría de ser el día del juicio implacable sobre los vivos y los muertos. La cólera divina es un tema que inflama la imaginación del cristianismo, tan contradictoria esa ira con el “amaos los unos a los otros”, hasta el punto de que el Dies irae fue un momento de la liturgia del réquiem hasta 1970. Carl Theodor Dreyer busca en el himno del siglo XIII atribuido al franciscano Tomás de Celano la inspiración[1] para una de las más bellas denuncias del fanatismo, Dies Irae, su segundo largometraje sonoro que fue un fracaso estrepitoso de público (como Vampyr once años atrás, por otra parte), pero que ha quedado consagrado como uno de sus filmes más inspirados. Una auténtica obra de arte cumbre en su exigua y magistral carrera.
Solo quienes forjaron su discurso en el mudo son capaces de rodar así, porque en la madurez del periodo silente el lenguaje cinematográfico alcanzó su máxima precisión, su máxima capacidad de explotar los recursos de la luz y el movimiento, la planificación y la sintaxis del montaje. Y Dies Irae es una buena muestra de ese talento de pionero que está creando código y no solo estilo. Cada una de sus secuencias es una filigrana, son delicadas y pulidas lecciones de cómo narrar con imágenes, habremos de seleccionar bien para dar cuenta de ellas en tan breve espacio.
Desde su prólogo hasta su epílogo, toda la película está puesta al servicio de una idea: el antagonismo entre lo espontáneo y lo reglado, entre la luminosidad de lo natural y el obscurantismo de la superchería y el fanatismo. Y está dialéctica se despliega, a varios niveles, a modo de contraposición de espacios y a modo de contraste entre los personajes y su concepto. Es así como la caza de brujas en la Dinamarca del siglo XVII sirve como falsilla para denunciar la intolerancia, la hipocresía y la iniquidad en cualquier época y lugar (de hecho buena parte de la crítica hace hincapié en que su rodaje se dio en plena ocupación Nazi, con los consecuentes paralelismos que se quieran apuntar). Y la brillantez de Dreyer se deja apreciar en su capacidad de huir de todo discurso maniqueo, por lo que guarda relación con el fondo, y en su virtud de dejar casi en suspenso la inocencia/culpabilidad de la protagonista, por lo que hace referencia a los tópicos formales del género.
Por si fuera necesario, resumamos el argumento: Dinamarca, 1623. En plena caza de brujas, Absalom (Thorkild Roose), un viejo sacerdote, parece haber salvado a una mujer de la hoguera, para salvar, a su vez, a la hija de esta, Anne (Lisbeth Movin), casándose con la joven. Merete (Sigrid Neiiendam), la anciana madre de Absalom, desaprueba desde el principio el matrimonio. Todo se desestabilizará con la persecución, detención y ajusticiamiento en la hoguera de Marte Herlofs (Anna Svierkier), amiga de la madre de Anne, y la llegada de Martin (Preben Lerdorff Rye), el hijo de Absalom, que regresa a casa para conocer a su madrastra. El joven se enamorará de ella y ambos compartirán una relación 
prohibida que tendrá inesperadas consecuencias. Como puede apreciarse la historia está llena de claroscuros y esa será una de las primeras decisiones de puesta en escena: la mímesis con los pintores de la escuela barroca que encabezaron Rembrant y Vermeer, pero, sobre todo, con la obra del danés Vilhelm Hammershøi en el punto de mira.
La fotografía de Karl Andersson, con un empleo prodigioso de la luz y la sombra que nos hace pensar en los rasgos característicos del expresionismo, retrata unos interiores dominados por la verticalidad en los que los personajes componen auténticos tableaux vivantes. Las panorámicas de Dreyer dan cuenta minuciosa de esos espacios habitados por el hieratismo de la norma expresando su rigidez con la propia rigurosidad formal con las que son concebidas esas largas tomas. Es el lugar de la represión del cuerpo bajo la idea de dominar la tentación, de enderezar aquello que propende a lo sinuoso rehuyendo la supuesta rectitud moral. Los cuerpos han de ser doblegados y castigados, no es vano que uno de los decorados reproduzca la sala de torturas donde es hostilizada Marte, en una escena que resume a la 
perfección lo que venimos diciendo. Pero cuando la cámara de Dreyer/Andersson sale al exterior, abandonamos la sensibilidad barroca para abrazar de pleno el arrebato de los pintores románticos. Y el cambio de referente pictórico obedece a la voluntad de expresar la contraposición entre espíritu y carnalidad, dándose la paradoja (nada involuntaria) de que es cuando se adentra en el terreno del amor en el sentido más físico del término, cuando la película parece entonar un éxtasis místico. Así el contraste entre interiores y exteriores expresa una dicotomía central en la película, la que opone la religión a la fe; la primera sería solo un elemento de represión, mientras que la segunda solo se haría posible mediante un acto de amor y liberación (incluido su sentido erótico).
Habría sido fácil atribuirle a lo femenino la representación del valor edificante, frente a la represión que vendría asociado al principio masculino, pero Dreyer huye de posturas bipolares. El penetra en la dialéctica de los opuestos, es por ello que articula las contradicciones señaladas a través de la tensión entre dos formas de vivir la feminidad, la que representa Anne y la que representa su suegra, Merete. El antagonismo entre ambas figuras se cifra en la 
distinta posición ante lo que es o no moralmente condenable, si la primera apuesta por la entrega a la sensorialidad de la vida, la segunda se decanta por el otro extremo, la adscripción a unas inapelables leyes de una moral supuestamente superior. Merete cree actuar correctamente, mientras que Anne acaba por creer que es verdaderamente portadora del mal. El tratamiento que Dreyer da a la figura de Anne, y la soberbia actuación de Lisbeth Movin, pueden parecer dar pie a la ambivalencia, pero una correcta lectura de la escena final desambigua nuestro juicio. Nos encontramos en el funeral de Absolom, las dos mujeres flanquean los costados de su ataúd, Anne vestida completamente de blanco, Merete de negro, teniendo al crucificado como eje de simetría. Martin, por su parte, cambiará su posición, si primero lo encontramos al lado de su joven madrastra amante, acabará haciendo piña con su abuela, un movimiento que será detonante de la confesión de Anne, reconociendo su alianza con el mal. Pero es la ubicación de ambas mujeres respecto a la cruz la que es significativa, Merete está a la izquierda, el lugar de lo siniestro. La película sentencia, pues, que ella es la verdadera bruja. Y así se verá en el Día de la Ira.
Inter oves locum præsta,
et ab hædis me sequestra,
statuens in parte dextra.
[1] Para ser más exactos, ese himno inspiró al dramaturgo Hans Wiers-Jenssen cuya obra, Anne Pedersdotter, adapta el filme.
Las lecturas de Serendipia: ‘Las puertitas del señor López’
LAS PUERTITAS DEL SEÑOR LÓPEZ
Carlos Trillo y Horacio Altuna
Astiberri Editorial. Encuadernación en tapa dura,22.5 x 29.5 cm, 200 páginas en blanco y negro
Considerado, y con razón, uno de los grandes hitos del cómic argentino, Las Puertitas de Señor López relata la rutinaria vida del señor López, un gris y gordito empleado de oficina agobiado por sus jefes, los compañeros de oficina y su esposa, de cuyos furores uterinos huye, al igual que de todos los problemas que se le presentan, hacia un mundo alternativo al que entra por la puerta de cualquier lavabo. Una vez dentro no sabe lo que puede encontrar: podrá ser un héroe, luchar en combate o, la mayoría de veces, a la mujer de sus sueños. Es un universo interno, íntimo, en el que se refugia ante ese mundo real que tan solo sucede. Ese mundo gris en el cohabita con el señor de negro de Mingote, el Mariano de Forges o el Walter Mitty del escritor y humorista gráfico James Thurber. Un mundo que amenaza por devorarlos en cualquier momento si no se bajan regularmente de él.
En Las puertitas del señor López que Astiberri edita, por expreso deseo de Horacio Altuna, con el texto adaptado al español peninsular y rotulado de nuevo, se han reproducido las planchas con gran fidelidad, de manera que pueden verse los trazos, correcciones, salidas de línea de viñeta y en algunos casos hasta el lápiz mal borrado… sin duda son lo más parecido al dibujo original que podemos encontrar y están impresos en un papel de textura rugosa y tono ligeramente amarillento que resulta ideal para este tipo de ilustración. Estas históricas páginas de Altuna y Trillo tienen un carácter totalmente atemporal y pueden leerse hoy como cuando se publicaron por primera vez, a finales de los setenta, de forma serializada en dos revistas de la editorial argentina Ediciones de la Urraca, El Péndulo (1979) y Hum® (1980), conviviendo con la dictadura argentina y la falta de libertad de expresión.
Las puertitas del señor López se recopiló por primera vez en Argentina en 1988 en un tomo de Ediciones de la Urraca que reunía en sus 144 páginas 25 historietas. Un recopilatorio que contó con una segunda parte con 12+1 historias más. Los argentinos tuvieron que esperar hasta 2006 para ver la serie editada íntegra, en esta ocasión por Clarín. Tanta fue la importancia de esta obra de Trillo y Altuna que fue adaptada al cine en 1988 en un film dirigido por Alberto Fischerman con Lorenzo Quinteros como el Sr. López. También la prolífica revista argentina de cómics Puertitas, editada por Trillo y en la que se publican obras de Bernet, Joe Kubert, Manara y el mismo Altuna, entre otros, debe su nombre a esta obra, así como también un programa de la televisión argentina.
En España la obra ha sido editada en diversas ocasiones, todas en forma tomo, a pesar de que la memoria nos ha jugado una mala pasada, pues pensábamos erróneamente que se había publicado previamente por entregas en Comix Internacional, algo que no nos hubiera extrañado nada del responsable de la primera edición íntegra, Josep Toutain, que lo recopiló en dos tomos de 96 y 104 páginas en los años 1983 y 1984 respectivamente. Previamente, en 1981, Ediciones Vilán había publicado un tomo de 48 páginas y con posterioridad a la edición de Toutain, Planeta DeAgostini publicó la serie completa en un único tomo de 200 páginas que salió a la venta en 2009.
Después de años de permanecer agotado, y tras haber hecho lo propio con otras dos obras del tándem creativo formado por Carlos Trillo y Horacio Altuna –El último recreo (2017) y Charlie Moon (2019)–, Astiberri recupera este cómic, que permanece tan vigente y fresco como cuando se publicó por primera vez en 1979.
Horacio Altuna dejó la carrera de Derecho para hacer lo que más le gustaba, que era dibujar cómics, comenzando a dibujar en 1965 la versión argentina de Superman, Super Volador. Trabajando más tarde para el mercado internacional, concretamente para Charlton en Estados Unidos y los sellos británicos Fleetway y Thompson, para los que dibuja muchos guiones de aventura juvenil o bélicos sin firma. En 1974 comienza a trabajar con Carlos Trillo, con el que realizan para Clarín El loco Chávez, además de este Las puertitas del señor López y otras, mientras sigue trabajando para el extranjero y mantiene su colaboración con Clarín. Su estilo se va asentando y comienza a destacar su interpretación de la belleza femenina. En 1982 se afinca en Sitges y trabaja para Toutain, así como para Playboy, donde sus mujeres protagonizarán historietas eróticas. La relación con Trillo se truncará y ya, como autor completo,
Horacio Altuna ha continuado su carrera durante el siglo XXI. Hay que destacar su ímpetu en defensa de los derechos de autor, hasta el punto de convertirse en el presidente de la Asociación Profesional de Ilustradores de Cataluña en 2007. Ha sido merecedor del premio Yellow Kid (1986) y del Gran Premio del Salón de Barcelona (2006).
Por su parte Carlos Trillo inició una larga relación profesional con Jordi Bernet, así como con Eduardo Risso y Carlos Meglia, entre muchos otros, dedicando su vida al cómic hasta su fallecimiento en Londres en 2011.
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Las lecturas de Serendipia: ‘Lo que nunca te contaron sobre…El dinero’
LO QUE NUNCA TE CONTARON SOBRE… EL DINERO
Igor
Diábolo Ediciones. Encuadernación en tapa dura,18×13,134 páginas a todo color
A ver, con lo que les cuenta Igor en Lo que nunca le contaron sobre… el dinero no van a solucionar sus eternos problemas de liquidez. Ni siquiera les podrá servir de consuelo ni les dará consejos sobre cosas como ahorrar, pero podrán reírse de ello como antes pudieron hacerlo con el trabajo (adocenante o sobre la falta del mismo) y de la búsqueda de piso, temas a los que el autor dedicó los dos primeros y divertidos libritos de esta serie que comprende material publicado previamente en TMEO y El Jueves y que Igor recupera unificándolos temáticamente con viñetas realizadas específicamente para estos tomos, con un resultado que se aleja del simple refrito. Entre sus divertidas (y trágicas) hojas podremos ver la historia del dinero; nuestra relación de amor-odio con los bancos; las criptomonedas; consejos para tirar el dinero; la declaración de la renta; la corrupción o el FMI… todo tiene cabida en Lo que nunca te contaron sobre…el dinero un esclarecedor tomito realizado por Igor, uno de los más interesantes colaboradores de la revista El Jueves y que nos lo ofrece el autor de la única manera soportable: con muchísimo humor.
Igor, joven humorista e historietista surgido de la revista TMEO, pudo dejar su trabajo de diseñador gráfico y dedicarse enteramente al cómic cuando El Jueves lo incorporó como colaborador habitual en la revista, labor que inició con la tira Zombie Life y que, una vez finalizada, prosiguió semanalmente con sus propias historietas y con los guiones de Robocracia serie que, al igual que Zombie Life, ha sido recopilada en tomos por Diábolo Ediciones.
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FlixOlé restaura ‘Rojo y negro’ la película falangista que prohibió la dictadura
En la actualidad, Rojo y negro (Carlos Arévalo, 1942) es unánimemente considerada una de las mejores películas de los años cuarenta, aunque la historia del cine también la recordará como la obra falangista que el propio Franco censuró. Esta joya a reivindicar desapareció, y no fue hasta los años noventa cuando la cinta fue descubierta. Desde entonces es considerada un clásico mayor de nuestro cine, un mito dentro del séptimo arte que se ha dejado ver en muy contadas ocasiones. FlixOlé estrena en exclusiva una copia restaurada en HD de esta cinta maldita.
La película Rojo y negro tuvo como protagonistas a Ismael Merlo y a Conchita Montenegro, siendo una de las pocas producciones españolas en las que participó la actriz que llegó a compartir cámara junto con Buster Keaton y Ramón Novarro en Hollywood. Ello es solo una muestra de lo inaudito que resultó el largometraje de Carlos Arévalo en el contexto de la cinematografía de nuestro país en los años cuarenta.
Esta obra viene a enriquecer el patrimonio cinematográfico español, con la restauración en HD de todo el metraje, un trabajo que viene desarrollando FlixOlé desde sus inicios. En el enlace al final de la nota se podrá comprobar, con imágenes del antes y el después, cómo se ha mejorado visualmente esta cinta.
Rojo y Negro, la película:
La película cuenta los días previos y las primeras contiendas de la Guerra Civil mediante una pareja de novios: ella es falangista y él militante comunista. La cinta no escatimaba críticas al bando republicano, como tampoco a las checas ni a la crueldad de sus carceleros. Sin embargo, al final mostraba el arrepentimiento del militante comunista, en algo parecido a 
una apuesta por la reconciliación de ambos bandos. Ése era un mensaje que el franquismo no podía permitir.
Otra de las razones que hace única a Rojo y negro es la forma de contar la trama. Carlos Arévalo se atrevió a llevar a la gran pantalla un ambicioso barroquismo visual con escenas convertidas ya en icónicas, como aquella que recorre las habitaciones de la tristemente famosa checa de Fomento. Fragmentos como éste convierten a Rojo y negro en la película más arriesgada, experimental y atrevida de todo el cine de los años cuarenta.
Dichas razones hicieron que, apenas cumplidas unas semanas de su exitoso estreno, la cinta fuese prohibida y sus copias secuestradas. No quedó ni rastro de ella, convirtiéndose en uno de los títulos más buscados por los aficionados. Su director, Carlos Arévalo, uno de los cineastas más prometedores del cine español de la posguerra, fue condenado al ostracismo. Vio cómo sus proyectos recibían cada vez más trabas por parte de la censura y la administración, obligándole a abandonar el cine durante 12 años.
La película pasó a convertirse en un secreto hasta los años noventa, cuando fue recuperada por Filmoteca Española. Consiguió entonces el elogio crítico y académico, y el largometraje se convirtió en un clásico indiscutible, a pesar de su cuestionable carga ideológica. Sin embargo, fuera de proyecciones en filmotecas y centros culturales, la película ha sido vista pocas veces, y a día de hoy sigue siendo poco conocida.
FlixOlé hace por fin accesible a todos los aficionados del séptimo arte una verdadera obra maestra del cine español, perfectamente restaurada en calidad 4k en las instalaciones de Video Mercury. Continuando así su decidida apuesta por dar a conocer las mejores películas españolas con la mejor calidad de imagen y sonido.
COMPARATIVA RESTAURACIÓN
Isla Calavera 2021 abre plazo de inscripción para largometrajes y cortos
El Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera, que prepara su quinta edición para la semana del 19 al 27 de noviembre, abre la convocatoria de trabajos audiovisuales para participar a concurso y fuera de competición. Los titulares de las obras están llamados a presentar sus cortometrajes y largometrajes de cualquier nacionalidad, enmarcados en el género fantástico (terror, ciencia ficción, fantasía, thriller…), en las modalidades de ficción y documental, tanto de imagen real como de animación.
La fecha límite para la inscripción es el miércoles 13 de octubre y se aceptan títulos con fecha de producción posterior al 1 de enero de 2019, que no hayan sido estrenados comercialmente en salas de exhibición españolas, en televisión ni plataformas de vídeo bajo demanda. La duración máxima de los cortometrajes es de 20 minutos.
Las inscripciones se podrán realizar a través de las plataformas digitales Festhome (https://festhome.com/festival/isla-calavera) y Filmfreeway (https://filmfreeway.com/festivals/48636). Las bases completas de la convocatoria y toda la información sobre el procedimiento para presentar los materiales se encuentran disponibles en la web www.festivalislacalavera.com.
Las obras seleccionadas formarán parte del programa que se desplegará en Multicines Tenerife, sede de proyecciones del Festival Isla Calavera. El Jurado de la Sección Oficial a concurso fallará los premios Isla Calavera al Mejor Cortometraje, Mejor Largometraje, Mejor Dirección, Mejor Guion, Mejor Actriz, Premio “Jack Taylor” al Mejor Actor y Premio “Colin Arthur” a los Mejores Efectos Especiales. También considerarán los miembros del Jurado la concesión del Premio “Fantástico Solidario” al Mejor Cortometraje con contenido solidario y/o cívico. Asimismo, habrá sendos premios del público al Mejor Cortometraje y al Mejor Largometraje, que decidirán los espectadores asistentes.
Organizado por la Asociación Cultural Charlas de Cine, la Asociación Cultural Isla Calavera, Multicines Tenerife y la publicación especializada TumbaAbierta.com, el equipo del Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera trabaja en la próxima edición del certamen, haciendo frente a la situación actual tras la irrupción de la Covid-19.
La 15ª edición del Cryptshow Festival 2021 será híbrida: presencial/online
Cryptshow Festival se celebrará de forma presencial, pero manteniendo algunas actividades online
Os presentamos el cartel de la decimoquinta edición de Cryptshow Festival. En un guiño a los seguidores más fieles, los protagonistas de ediciones anteriores vuelven para un cartel que evoca La Creación de Adán, de Miguel Ángel. Con un golpe de ironía, uno de los máximos exponentes de la pintura religiosa sirve de inspiración al autor del cartel, el ilustrador Toni Benages, para la reivindicación de la diversidad, el desorden y lo que sale de la norma. Tanto se sale de la norma, que algunas pantallas temblarán con esta paleta de colores.
Después de una edición, la de 2020, totalmente online debido a la pandemia, Cryptshow Festival volverá a llenar el Teatre El Círcol de Badalona con una selección de cortometrajes de la Sección Oficial a Competición, conciertos y alguna que otra sorpresa. Además, la organización ha decidido ofrecer la posibilidad de visionar toda la Sección Oficial a Competición online, al igual que el año pasado, a través de la plataforma FesthomeTV.
Aparte de las proyecciones de cortos, durante los dos fines de semana se harán mesas redondas, presentaciones de libros, recitales de poesía y conciertos. Algunas de estas actividades serán online, aunque la gran mayoría de actos recuperan la presencialidad en el Teatre El Círcol.
En esta decimoquinta edición, y a diferencia de otros años, las entradas se pondrán a la venta de forma anticipada a través de la web del festival.
Novedades Diábolo mayo 2021: EC Comics,
Por fin llegan la lujosa edición ordenada y a todo color de lo comics EC, un sueño largamente acariciado por todos los fans del buen cómic. Y lo hace, huelga decirlo, de la mano de Diábolo, responsable de la Biblioteca de cómics de terror de los años cincuenta, con lo que la fidelidad y respeto a las fuentes originales están más que garantizadas. Pero este mes Diábolo tiene más novedades en cartera, pues vuelve el Anime de la mano de Candy Candy y el cómic y el coleccionismo de figuras y juguetes con Masters del Universo. También prosiguen los cuentos de fantasmas con un tercer tomo dedicado a la obra de R. H. Malden ¿Quieren más? Pasen y vean:
MAS INFORMACIÓN Y DETALLES:
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Las lecturas de Serendipia: ‘Beautiful Women. Pin-Ups & Bombshells inolvidables’
BEAUTIFUL WOMEN. PIN-UPS & BOMBSHELLS INOLVIDABLEES
Guillem Medina Gallardo
Diábolo Ediciones, 2021. Tapa dura, 17 x 24. 308 pgs. Color/Blanco y negro.
No vamos a descubrirles nada si, como decían nuestros antepasados, les decimos con cara de pasmo que «los tiempos cambian que es una barbaridad«. Pero es que resulta que eso, que tan alegremente pensaban nuestros ancestros, en la actualidad no les hubiera dado tiempo ni de pensarlo, pues ahora sí que, por fortuna, nuestra sociedad está atravesando cambios fundamentales, profundos, cuestionando usos y costumbres que, no por estar largamente establecidas, eran justas. La mujer y todo tipo de formas de sentir la sexualidad y la vida se están abriendo camino y rompiendo fronteras. Y todo esto está sucediendo a una velocidad que los que ya comenzamos a peinar canas (si tienen la suerte de utilizar peine), nos está convirtiendo en poco menos que reliquias de otro tiempo. O trastos inservibles, según se mire. Y como en mi caso, a veces parece que me contradigo entre lo que pienso y lo que debo pensar. Entre lo que no me parece bien y lo que me gusta.
No sé si me explico.
Pero todo esto viene a cuento de que es cierto que el cuerpo de la mujer se ha explotado desde tiempos inmemorables para vender todo tipo de producto y se ha exhibido impunemente para disfrute del barón, reduciendo a la mujer a simple objeto sexual. Y eso está mal, no hay duda. Y hay que corregirlo, por supuesto. Pero esa conclusión se enfrenta, en mi caso, a una educación recibida durante años y a lo que queda de mi virilidad. O dicho de otra forma: me gustan mucho las mujeres bonitas que lucen provocativamente sus encantos. Me fascina la belleza femenina de todos los tiempos, de tal modo que la belleza de una actriz concreta puede hacer que vea una película, o que me compre un libro o revista en la que se hable de ella. Y eso no significa que tan solo viendo una imagen de, por ejemplo, Ava Gardner, sufra una erección ¡no, hombre! Pero en estos tiempos, si que me suponen un placer culpable, pues reconozco que no está bien que estén ahí para que yo vea sus cuerpos.
¿Me explico?
Pero me gusta. No puedo evitarlo. Ver imágenes de 
actrices ligeras de ropa, con bonitas sonrisas y desprendiendo vitalidad y glamour, me da felicidad. Y por eso, Beatiful Women. Pin-ups & Bombshells inolvidables me hace feliz, porque está lleno de imágenes sugerentes, de gran belleza, de las grandes diosas del celuloide, de las más bellas stripers y de las girl next door más bonitas. Me hace feliz porque me traslada a una época en la que la belleza y el amor podía ser alcanzada y estar esperando a la vuelta de la esquina. Una época en la que la mujer (y también el hombre), vestían con clase y había una industria textil no solo haciendo la ropa más bonita de todas las épocas (años cuarenta y cincuenta), sino también la lencería más sexy. Mucho antes de los desnudos integrales. Mucho antes de la pornografía. Antes de los pubis poblados y antes de que estuvieran rasurados. Mucho antes de que las publicaciones se convirtieran en catálogos anatómico-forenses estaban las pin-ups para hacernos soñar.
Porque mucho más que sexo, todas estas pin-ups, bombshells, cheesecakes y ya si nos ponemos, beefcakes lo que trasmiten es juventud y ganas de vivir. Alegría. Son pura fantasía e inocencia. Y así es el libro de Guillem Medina, un compendio de glamour y sonrisas que van desde el cine mudo a los años sesenta, con cientos de fotografías bien seleccionadas, en blanco y negro y color agrupadas temáticamente por capítulos, precedidos por un pequeño texto. Unas veces biográfico, otras temático.
Pero entren, entren y hagan un viaje por la fantasía, por el misterio y la idealización de la mujer. Por el mundo de los sueños y el misterio femenino. Por el universo de las Beautiful Women. Pin-ups y Bombshells inolvidables y enamorense de cada sonrisa, de cada gesto y de cada mirada.
Y no se sientan culpables.
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Los números 1 de la taquilla asiática se suman a la programación del Festival Nits
El festival calienta motores el domingo 16 de mayo con la proyección de la espectacular, en todos los sentidos, cinta india ‘Action Jackson’
El Festival Nits de cinema oriental de Vic continúa sumando títulos a la programación de su 18ª edición. Este año, el festival es todo un número 1 y no, no es ningún ataque de egolatría. El Fesnits se celebrará del 20 al 25 de julio, de
manera totalmente presencial, y proyectará un gran número de números 1 asiáticos, de la taquilla y de la crítica especializada. Singapur, Hong Kong, Corea del Sur e India son protagonistas de este nuevo avance de programación.
Si hablamos de números 1, tenemos que empezar anunciando Number 1, de Ong Kuo Sin, primer largometraje singapurense que el Festival proyecta en sección oficial y que ha sido líder indiscutible de taquilla en su país. Es un film que supone un paso definitivo para la desestigmatización de la cultura drag en Singapur y en el sudeste asiático, una cinta LGTB que no rehúye su condición comercial y que ha sido merecedora de elogios por parte de la crítica y el público.
El Fesnits ya anunció anteriormente la trepidante superproducción cantonesa Shockwave 2 (Sesión Movistar +) como uno de los platos fuertes de la próxima edición. Ahora añade One Second Champion, de Chiu Sing-Hang, y hay que destacar que ambos títulos han alcanzado el número 1 en la taquilla de Hong Kong. One Second Champion es una película que combina hábilmente fantasía, drama y comedia para explicar una historia de
superación personal ambientada en el mundo del boxeo. Su espectacularidad y el boca a boca del público la han convertido en un éxito inesperado pero merecido en salas cantonesas de este inicio de 2021.
Corea del Sur tampoco podía faltar a la cita anual con el mejor cine asiático. Nido de víboras (Beasts Clawing at Straws), de Kim Yong-hoon, es una irresistible combinación de comedia negra y thriller juguetón, con una narrativa y una factura visual de primera. Ganó el Premio Especial del Jurado en el 49º Festival Internacional de Rotterdam, y el premio a la Mejor Película de la Korean Association of Film Critics. La película tendrá distribución española de la mano de Festival Films.
Otro número 1, en este caso de la taquilla telugu —en India— es Krack, de Gopichand Malineni. Este film de acción extrema nos reencuentra con la estrella más popular del cine de Tollywood, Ravi Teja. Krack es una de aquellas hipérboles de género que tanto gustan al público de nuestro certamen: un cine auténtico, sin restricciones de disciplina temática y visual, y con deslumbrantes números musicales.
Para celebrar la presentación de estos nuevos títulos de la programación del Fesnits y empezar a afinar el instrumento, este domingo 16 de mayo disfrutaremos de la proyección de otro film indio, Action Jackson, a las 19 h en el teatro L’Atlàntida de Vic. Toda una fiesta donde no falta la acción, la comedia, el romanticismo y la música, al más puro estilo Bollywood y con una dosis generosa de autoparodia muy necesaria en estos tiempos.
Estos títulos se añaden a The Secret Zoo y Tokyo Dragon Chef, propuesta coreana y japonesa, respectivamente, dos experiencias lúdicas y desacomplejadas que también formarán parte de un Fesnits inspirado por la alegría y tenacidad de la carpa Koi, protagonista de la imagen de esta edición y representante ideal del espíritu del festival.
Novedades COMIC BARCELONA ON DEMAND
EL 39 COMIC BARCELONA SE CELEBRA ONLINE LOS DÍAS 28, 29 Y 30 DE MAYO Y ANUNCIA LOS NOMINADOS A LOS PREMIOS 39 COMIC BARCELONA
La edición presencial del Comic Barcelona se pospone definitivamente a 2022. No ha sido una decisión fácil, por supuesto, y nos encantaría reencontrarnos con todos los visitantes y agentes del sector del cómic para hablar de cómics y vernos sin distancia social, pero como la situación actual no permite que hagamos el evento que nos gustaría, emplazamos a todo el mundo al próximo año, para volver con fuerza.
Pero al mundo de la viñeta no lo para ni una pandemia mundial, the show must go on, así que el Comic Barcelona de 2021 se traslada durante los dias 28, 29 y 30 de mayo al mundo digital, para llegar a todo el mundo a través de sus pantallas, sean tablets, móviles o televisores 4K. Y no podía faltar un cartel, claro. El de esta particular edición es obra de Raquel Riba Rossy, autora de la popular Lola Vendetta.
Para esta edición del 39 Comic Barcelona On Demand, varias horas de programación en directo a lo largo de todo el fin de semana se complementarán con una serie de contenidos bajo demanda a los que se podrá acceder desde el momento de la inauguración del evento virtual en la página web www.comicondemand.es. El canal de YouTube de Comic Barcelona se transforma en una de nuestras habituales salas de actos, con una serie de propuestas para seguir divulgando la cultura comiquera. No faltarán autoras y autores invitados que vendrán a presentar sus nuevos trabajos o a debatir sobre las superheroínas o el cómic underground. Las editoriales también tendrán su momento para presentar algunas de sus más recientes novedades y quizá algún interesante anuncio para el futuro.
Pero habrá más sorpresas, queremos que el público se tome esto como una fiesta, y por eso se han organizado algunas actividades que van más allá de las mesas redondas. Con la colaboración de la Escola Joso se organizará un Royal Rumble, un combate entre varios dibujantes, que va a ser tan tenso e intenso como cualquier pugna por el título mundial de lucha libre. El sábado por la noche, en una sesión golfa muy especial con la colaboración de Devir Iberia, colocaremos a cuatro incautos autores y autoras en medio de una partida de rol que promete ser épica ¿sabrán defenderse sin sus lápices o el Photoshop?
El viernes por la tarde el Comic Barcelona On Demand empieza con un plato fuerte: la entrega de premios del 39 Comic Barcelona. La entrega virtual premiará, de forma excepcional, cómics que se han publicado durante los dos últimos años: 2019 y 2020. Los nominados de este año son:
Mejor obra de autor/a español/a publicada en España
Carne de cañón, de Aroha Travé. Ediciones La Cúpula
Primavera para Madrid, de Magius. Autsaider Cómics
Siempre tendremos 20 años, de Jaime Martín. Norma Editorial
Regreso al Edén, de Paco Roca. Astiberri
La cólera, de Santiago García y Javier Olivares. Astiberri
Mejor obra extranjera publicada en España
Ventiladores Clyde, de Seth. Salamandra Graphic
La soledad del dibujante, de Adrian Tomine. Sapristi
Un tributo a la tierra, de Joe Sacco. Reservoir Books
Sabrina, de Nick Drnaso. Salamandra Graphic
Matadero Cinco, de Albert Monteys, Ryan North y Kurt Vonnegut. Astiberri
Autor/a revelación
Rosa Codina
Nadia Hafid
Irene Márquez
Sara Soler
Aroha Travé
Mejor cómic infantil y juvenil
Viaje a Xambala, de VV.AA. Grafito Editorial
Leyendas del recreo 2: Campeones del mundo, de El Hematocrítico y Albert Monteys. Anaya
Lola & Blu: La Caja, de Lorenzo Montatore. Bang Ediciones (Mamut)
Uxío, de Martín Romero. Astiberri
Astro Ratón y Bombillita 5: Retorno a una tierra desconocida, de Fermín Solís. Bang Ediciones (Mamut)
Mejor Fanzine
US, de Sara Soler
Cómo hacer un cómic sin tener ni puta idea, de Javier Marquina y Rosa Codina
Proezas fanzine, de VV.AA.
Grano de pus, de Aroha Travé y Rosa Codina
La máquina de albóndigas, de VV. AA.
El Gran Premio del Salón no cuenta con nominaciones, se anunciará el día de la entrega de premios.
El programa definitivo de esta edición online del 39 Comic Barcelona se irá anunciando a lo largo de los próximos días. Para poder acceder a estos contenidos solo tenéis que entrar en la página web del evento (www.comicondemand.es), donde encontraréis distintos apartados con todos los contenidos bajo demanda. La programación en directo empezará el viernes 28 de mayo a las 17h y durará hasta las 20h, y el sábado y domingo desde las 11h hasta las 20h, con la sesión especial de rol del sábado, que empezará a las 22h y hasta terminar la partida (preparad pizza, bebida y el pijama).
No puede pasar un año más sin que el Comic Barcelona sirva de punto de encuentro para editoriales nacionales e internacionales y para todos los autores y autoras que quieren presentarles sus trabajos. Comic Pro abre una plataforma digital en la que se podrá subir el porfolio al que los editores tendrán acceso y podrán citar a los dibujantes para entrevistas (virtuales). Las jornadas Comic Pro, que cuentan con la colaboración del Colectivo de Autoras, son la cita de los profesionales del sector y se celebrará la semana del 31 de mayo, con una serie de charlas y mesas redondas online que tratarán temas de interés para los profesionales del medio. Además, las jornadas pedagógicas que reunían a profesionales de la educación con el mundo del cómic también tendrán convocatoria online el día 26 de mayo a partir de las 15.30h.
Las propuestas del Comic Barcelona no terminan aquí, ya que no podían faltar algunas exposiciones, que por supuesto serán virtuales y se podrán empezar a visitar a partir del mes de julio en nuestra página web: www.comicbarcelona.com. La primera de ellas estará dedicada a La trilogía del yo, de Antonio Altarriba y Keko, siendo el primero uno de los guionistas con más prestigio de nuestra historieta que recibió el Gran Premio de Comic Barcelona 2019. La segunda exposición se titulará La Barcelona de las multitudes y consistirá en una revisión de los últimos cien años de ilustraciones de aglomeraciones humanas de la ciudad condal. Por último, también se podrán ver las obras finalistas del Concurso Escolar organizado en colaboración con el Departament d’Educació de la Generalitat de Catalunya.
Os esperamos el viernes 28 de mayo a partir de las 17h en la web www.comicondemand.es, para seguir disfrutando del cómic todos juntos.
Por último, queremos agradecer el apoyo recibido por parte de instituciones como la Generalitat de Catalunya, elAjuntament de Barcelona y el Ministerio de Cultura, así como de todos los colaboradores, profesionales y de todos los que nos seguís y nos apoyáis en estos inciertos días.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 14 de mayo de 2021 *
VALHALLA RISING (Nicolas Winding Refn, 2009)
Dinamarca/UK. Duración: 100 min. Guion: Roy Jacobsen, Nicolas Winding Refn Música: Peter Kyed, Peter Peter Fotografía: Morten Søborg Productora: La Belle Allee Productions, NWR Film Productions, Nimbus Film Productions, One Eye Production, Savalas Audio Post-Production, BBC Films Género: Drama
Reparto: Mads Mikkelsen, Gary Lewis, Maarten Stevenson, Jamie Sives, Ewan Stewart, Alexander Morton, Callum Mitchell, Douglas Russell
Sinopsis: One-Eye, un enigmático guerrero con una fuerza sobrenatural, que ha permanecido esclavizado durante años, mata a su amo y logra escapar con la ayuda de un niño al que lleva consigo. Tras enrolarse en un barco vikingo, emprenden un viaje que los lleva a una tierra desconocida, donde reinan el dolor y la sangre, y donde One-Eye descubrirá quién verdaderamente es.
A Contracorriente recupera para las pantallas españolas este film de Nicolas Winding Refn que ya se proyectó durante la pasada edición del BCN Film Fest. Una magnífica idea pues permanecía inédito más allá de festivales y sin duda se trata de una película cuyo formato ideal es ese, el de la pantalla de un cine. Refn, que se dio a conocer gracias al éxito de la posterior Drive (2011), tras las que dirigió Sólo Dios perdona (Only God Forgives, 2013) y The Neon Demon (2016), es un cineasta que divide al público entre los que lo ven como un genio y los que, simplemente, no pueden soportarlo. Personalmente nos situamos entre los primeros, y Valhalla Rising nos lo confirma: atmosférica, con gélidos paisajes, violenta, fantástica y brutal, la cinta de Refn es más que una película, es una experiencia, un itinerario épico hasta los confines del mundo.
Protagonizada por el multipremiado actor Mads Mikkelsen, conocido por su interpretación en la recientemente ganadora del Oscar a Mejor Película Internacional Otra ronda (Druk, Thomas Vinterberg, 2020), o en películas como La caza (2012), también de Thomas Vinterberg, o la serie de TV Hannibal, entre otras, Valhalla Rising se proyectará también durante la primera semana en algunos cines en formato evento con coloquio posterior con especialistas y críticos de cine, tal y como pueden consultar en este enlace. Además, a todos los asistentes se les regalará el cartel de la película.
ILARGI GUZTIAK. TODAS LAS LUNAS (Igor Legarreta, 2021)
España/Francia. Duración: 102 min. Guion: Igor Legarreta, Jon Sagalá Música: Pascal Gaigne Fotografía: Imanol Nabea Productoras: Arcadia Motion Pictures, Kowalski Films, Noodles Production, Pris & Batty Films, ETB, Pris and Batty Films, TVE, Vodafone Género: Fantástico.
Reparto: Itziar Ituño, Zorion Eguileor, Josean Bengoetxea, Haizea Carneros, Lier Quesada, Elena Uriz
Sinopsis: Durante los estertores de la última guerra carlista, una niña es rescatada de un orfanato por una misteriosa mujer que habita en lo profundo del bosque. Malherida, y sintiendo estar al borde de la muerte, la pequeña creerá ver en ella a un ángel que ha venido a buscarla para llevársela al Cielo… No tardará en descubrir que este extraño ser le ha dado la vida eterna, obligándola a vivir en la oscuridad de la noche, juntas, para ‘siempre’. Bajo su nueva condición, tendrá que enfrentarse al doloroso paso del tiempo encerrada en su cuerpo de niña, hasta conocer a Cándido (Josean Bengoetxea), un hombre humilde que le acogerá en su casa como si de su propia hija se tratase y que le acompañará en la lucha contra su propia naturaleza y en el sueño de recuperar su vida arrebatada.
Ilargi Guztiak se enmarca en lo que podría denominarse ‘Gotikoa Euskara‘, por improvisar un término, junto a otras recordadas perlas como Akelarre -tanto, la de Pedro Olea (1984) como la de Pablo Agüero (2020)-, Andia (Jon Garaño, Aitor Arregi, 2017) y, sobre todo, Errementari: El herrero y el diablo (Paul Urkijo, 2017), y la magistral Baby (2020) de Juanma Bajo Ulloa. Pero también se suma al fértil fantástico vasco que ha dejado algunas buenas y premiadas muestras recientes como El hoyo (Galder Gaztelu-Urrutia, 2019), todas ellas películas que han demostrado sobradamente la buena salud de la que goza allí el género, repleto de un atractivo imaginario que está dando muchas alegrías a los amantes del buen cine.
Ilargi Guztiak, a pesar de que es una historia de vampiros, no es un film de terror, muy al contrario es una película que nos habla de la soledad, de la pérdida, del miedo a la muerte y la inmortalidad, pero sobre todo del amor incondicional, todo lo cual estará reflejado por Amaia (Haizea Carneros), una de esas criaturas nocturnas que se mueven en las gélidas noches del norte en busca de su sustento en campos de batalla y graneros. Un vampirismo naturalista, alejado de todo glamour, llevado casi como si de una porfíria se tratase, aunque, afortunadamente, sin sortear la parte sobrenatural mostrándolos como criaturas de las tinieblas, que no del mal.
Con una primera parte rodada mediante un plano muy cerrado, que echa casi a perder la belleza natural del paisaje, este se irá abriendo conforme se vaya ampliando la experiencia de la joven protagonista, una inmensa Haizea Carneros que con tan solo 13 años es toda una revelación con este, su primer trabajo interpretativo y con el que abre un gran futuro ante sí. Haizea está acompañada por nombres consagrados como los de Josean Bengoetxea (Errementari: El herrero y el diablo, 2017), Itziar Ituño (Loreak, 2014), Zorion Eguileor (El hoyo, 2019) y Elena Uriz (Akelarre, 2020).
BORRAR EL HISTORIAL (Effacer l’historique, Benoît Delépine, Gustave Kervern, 2020)
Francia. Duración: 110 min. Guion: Benoît Delépine, Gustave Kervern Fotografía: Hugues Poulain Productora: Canal+, Ciné +, Cofinova, France 3 Cinéma, Identical Pictures, Les Films du Worso, No Money Productions, Pictanovo, Scope Pictures, Cinécap Género: Comedia
Reparto: Blanche Gardin, Corinne Masiero, Denis Podalydès, Denis O’Hare, Benoît Poelvoorde, Bouli Lanners, Michel Houellebecq, Avant Strangel, Vincent Lacoste, Jean-Louis Barcelona, Jean Dujardin, Lucas Mondher, Miss Ming
Sinopsis: Tres vecinos de un suburbio se ven superados por sus problemas con la tecnología y las redes sociales. Con la ayuda de un pirata informático, deciden declarar la guerra a los poderosos gigantes tecnológicos. Tal vez su batalla esté perdida desde el principio, pero nunca se sabe.
Afortunadamente no nos encontramos ante la enésima «comedia que ha batido récords de taquilla en Francia», y no porque no lo merezca, pues éxito ha gozado en el país vecino, sino porque no es, ni mucho menos, la habitual comedia amable que se desarrolla en ambientes burgueses protagonizada por parejas muy modernas con la crisis de los cuarenta o cincuenta. No, Borrar el historial narra las vicisitudes de tres perdedores en este mundo moderno de empleos basura en el que internet y ese pequeño ingenio que para muchos es casi como una prolongación de la mano, representan el enemigo a batir. Una ingeniosa comedia con ecos del mejor Todd Solondz en la que hay espacio para recorrer todos los círculos del infierno cibernético: contraseñas, tiendas online, portales de venta por internet, ciberacoso, estafas telefónicas… un mundo a todos familiar que lleva al espectador a una conclusión que íntimamente ya sabe, tal y como exclama uno de sus protagonistas: «que con menos todo es más fácil y claro.»
Disparatada y fresca, pero con las ideas muy claras, Borrar el historial está dirigida por los actores y directores Benoît Delépine y Gustave Kervern, autores también del guion, y está protagonizada por Blanche Gardin, Denis Podalydès y Corinne Masiero. El filme cuenta así mismo con la participación, haciendo divertidos papeles y cameos, de Michel Houellebecq, Jean Dujardin (que les costará localizar), Benoît Poelvoorde, Vincent Lacoste y Denis O’Hare, entre otros.
Una propuesta diferente a las habituales que recibió el Oso de Plata en la Berlinale 2020 y que llega a los cines españoles de la mano de La Aventura.
Trailer de ‘La Purga: Infinita’ de Blumhouse
Ya está disponible en calidad HD el primer tráiler en español de LA PURGA: INFINITA, el nuevo capítulo de la saga más famosa de Blumhouse (productora de éxitos como “Déjame salir” y “El hombre invisible”). En esta nueva entrega, la Purga anual no se detiene al amanecer y la población se enfrenta a la amenaza de que no se limite a las 24 horas que la ley permite, y que se extienda en el tiempo. La película está dirigida por Everardo Gout y protagonizada por Josh Lucas, Ana de la Reguera y Cassiy Freeman.
LA PURGA: INFINITA se estrena en cines españoles el 16 de julio.
Sinopsis:
Este verano, prepárate para vivir la exterminación sin normas de LA PURGA INFINITA. Cuando una secta de criminales sin escrúpulos decide que la Purga no se acaba al amanecer, la sociedad deberá enfrentarse a una matanza interminable.
Catapultada por el demoledor éxito en taquillas en 2018 de La primera purga: La noche de las bestias, la aterradora saga de Blumhouse se adentra en un nuevo e innovador territorio: los miembros de un movimiento clandestino, insatisfechos con la noche anual de anarquía y asesinatos, deciden apoderarse del país mediante una campaña infinita de caos y masacre. Nadie está a salvo.
Adela (Ana de la Reguera, Cowboys & Aliens) y su marido Juan (Tenoch Huerta, Días de gracia) viven en Texas, donde éste trabaja ayudando en un rancho de la adinerada familia de los Tucker. Juan tiene impresionado al patriarca, Caleb (Will Patton, La noche de Halloween), una admiración que despierta celos y un odio desmedido del hijo de éste, Dylan (Josh Lucas, Le Mans ’66).
A la mañana siguiente a la Purga, una banda de asesinos enmascarados ataca a los Tucker, incluidas la mujer de Dylan (Cassidy Freeman, de la serie de HBO Los Gemstone) y su hermana (Leven Rambin, Los juegos del hambre), obligando a las dos familias a hacer piña para defenderse mientras el país entero se sume en una espiral de caos y Estados Unidos comienza a desintegrarse.
Con guion del creador de la saga y genio de la narrativa James DeMonaco, LA PURGA INFINITA está dirigida por Everardo Gout, guionista y director del galardonado thriller Días de gracia. La película está producida por los productores fundadores de la franquicia: Jason Blum para Blumhouse Productions; los socios de Platinum Dunes Michael Bay, Andrew Form y Brad Fuller; y el dúo de Man in a Tree James DeMonaco y su habitual socio Sébastien K. Lemercier. La producción ejecutiva corre a cargo de Marcei A. Brown, Everardo Gout y Jeanette Volturno. Universal Pictures presenta, en asociación con Perfect World Pictures, una producción de Platinum Dunes/Blumhouse/Man in a Tree.
Astiberri: novedades junio 2021
Novedades de junio de 2021
El verano de su vida, Thomas von Steinaecker y Barbara Yelin
80 páginas. ColorRústica con solapas. 19.0 x 29.0 cm
Gerda se asoma a la ventana de la residencia de ancianos y mira las estrellas. Durante mucho tiempo ha aplazado la pregunta, ahora busca una respuesta: ¿ha tenido una vida feliz? Y mientras trata de hacer frente a la vida cotidiana en la residencia, piensa en su juventud, en los años sesenta; en su entusiasmo por una materia en la que se la miraba con recelo por ser mujer, la astrofísica; en la difícil elección que tuvo que hacer entonces, aquel verano de su vida: entre su amor por Peter y una carrera en el extranjero…
El verano de su vida es la primera colaboración entre la ilustradora Barbara Yelin y el escritor Thomas von Steinaecker. Poética, conmovedora y al mismo tiempo profunda, en ella se habla de temas que, a menudo, eludimos: la vida en una residencia de ancianos y la cuestión de lo que es realmente la felicidad.
Claudio y Morino 2. ¡Feliz cumpleaños!, Adrien Albert
96 páginas. ColorCartoné. 22.5 x 18.0 cm
¿Qué habrá preparado Claudio, el esqueleto amigo del toro Morino, para su cumpleaños? Seguro que no será una celebración clásica. ¿Quizá una merienda en la playa? ¿O un nuevo viaje en caravana? En el momento en el que el pie de Claudio desaparece en la boca de un pez, que acaba comido por otro pez más grande, que queda atrapado en las redes de un pesquero, todo se vuelve imprevisible. ¡Hay que encontrar ese pie! Y si para ello los dos amigos tienen que cruzar una playa nudista hasta llegar a Croquetas de mar y meterse en el cuarto de escobas de la bruja Chochona, no dudarán en posponer un poquito la degustación de la tarta.
La fábula de Adrien Albert sobre la amistad y el crecimiento continúa en este segundo tomo de las aventuras y desventuras de Claudio y Morino, siempre aderezado con humor absurdo y omnipresente ternura.
Ascender 3. El mago digital, Jeff Lemire y Dustin Nguyen
96 páginas. ColorCartoné. 17.0 x 26.0 cm
a magia acude cuando menos te lo esperas, y Taladro también. El grandullón de acero es uno de los pocos bots que aún quedan con vida tras los acontecimientos acaecidos en Descender diez años atrás, y ahora está dispuesto a unirse a las filas de la capitana Telsa para acabar con esos vampos que tanto odia y hacer más fácil la tarea de mantener a Mila, la hija de Andy, con vida.
Mientras Telsa, Mila y compañía consiguen despegar hacia las estrellas y Andy lucha por resucitar a su amor perdido, Effie, algo viejo ha regresado a la vida de Madre y ha puesto su reinado de magia negra en peligro. ¿Será su ejército tan fiel como cree?
En Ascender, Jeff Lemire (Gideon Falls, Black Hammer) y Dustin Nguyen siguen mostrando una capacidad absoluta para llevar a los lectores a un inolvidable viaje de fantasía tan grandioso y emocionante como su clásico de la ciencia ficción, Descender.
Coronel Weird. Cosmagogo, Jeff Lemire y Tyler Crook
La mente del coronel Randall Weird siempre ha sido un misterio para los lectores de Black Hammer. Su capacidad para desplazarse por la Para-zona le situaba a la vez en el pasado, el presente y el futuro. Ahora, el coronel Weird ha olvidado algo y su respuesta está fuera de la granja.
Coronel Weird. Cosmagogo es un extraño viaje a través del tiempo y el espacio, buscando algo que su protagonista ha olvidado hace mucho y que hace peligrar su cordura. A lo largo de las décadas, el coronel Randall Weird se enfrentará a su pasado y su futuro desde todos los ángulos, a menudo desordenadamente, mientras se esfuerza por mantener la cabeza sobre los hombros y protegerse a sí mismo y los que le rodean de un universo fracturado que hierve de peligros incontables.
Jeff Lemire se ha unido esta vez al dibujante Tyler Crook (AIDP, Harrow County) para acercarnos un poco más a uno de los personajes más imprevisibles y enigmáticos de todos los que habitan en la granja de Black Hammer. Una historia de introspección con un dibujo que ha sabido captar a la perfección los orígenes del coronel.
Saqueo, Frederik Peeters
96 páginas. ColorCartoné. 29.0 x 22.5 cm
El propio Frederik Peeters explica la concepción del libro y cómo “en plena creación de El hombre garabateado, Julien me aconseja leer Voces de Chernóbil, de Svetlana Aleksiévich.
La mayor parte de las veces, cuando reflexiono sobre un nuevo libro, hay un momento extraño, muy difícil de explicar a los demás, en el que los elementos vagos, confusos y flotantes de una sopa mental que burbujea constantemente en la cocina de atrás pasan de pronto a un primer plano, empiezan a brillar, a cambiar de textura, a cristalizar y a estructurarse de forma inesperada y muy clara, gracias a un desencadenante, un libro, una película, una canción, un reflejo de luz sobre el agua, un plato de raviolis… Es la parte mágica y completamente irracional del trabajo. En un primer momento trato de escribir un guion clásico, pero después me doy cuenta de que es un mecanismo artificial. Y por un momento me doy esa libertad, me libero, elimino el pretexto, reduzco la estructura narrativa a una esencia que encierra la poesía, abro el grifo, y me dedico a dibujar las visiones tal y como vienen. Y aparecen. En cascada. Como palabras encadenadas”.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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