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‘Train to Busan’ se estrena el 5 de enero abriendo el ciclo ‘Sitges Tour a Contracorriente’
A CONTRACORRIENTE FILMS continúa su colaboración con el Festival Internacional de Cinema de Catalunya-SITGES y repetirá la experiencia del CICLO SITGES TOUR A CONTRACORRIENTE. Esta iniciativa consistirá en estrenar en cines 5 de las películas que se presentaron en el pasado festival durante las 5 primeras semanas del 2017, empezando el 5 de enero, con el blockbuster coreano TRAIN TO BUSAN.
El Festival de Sitges es el principal certamen de género fantástico del país y uno de los más prestigiosos del mundo, toda una referencia en su especialidad. En su última edición, A CONTRACORRIENTE FILMS presentó seis de sus últimas adquisiciones en la Sección Oficial. De estos títulos, los 5 que se proyectarán en el CICLO SITGES TOUR son:
TRAIN TO BUSAN – estreno 5 enero 2017
LA AUTOPSIA DE JANE DOE – estreno 13 enero 2017
SHIN GODZILLA – estreno 20 enero 2017
SOMNIA. DENTRO DE TUS SUEÑOS – estreno 27 enero 2017
MELANIE. THE GIRL WITH ALL THE GIFTS – estreno 3 febrero 2017
TRAIN TO BUSAN
TRAIN TO BUSAN de Yeon Sang-ho (“The King of Pigs”, “The Fake”) es la sensación del año en Corea, con más de 11 millones de espectadores en su país y rompiendo taquillas allí donde se estrena (Taiwán, Hong Kong, Australia, Francia), se estrenará en nuestro país el 5 de enero 2
Festival de Sitges
Mejor Director y Mejores Efectos Visuales
Fantasia Film Festival
Premio del Público
Semana de Cine de Terror de Donostia
Premio del Público
Festival Fancine de Málaga
Premio del Público, Premio de la Crítica y Mejores Efectos Visuales
Festival de cine de Terror de Molins de Rei
Premio del Público
Sinopsis
Un brote viral misterioso pone a Corea en estado de emergencia. Sok-woo y su hija Soo-ahn suben al KTX, un tren rápido que une los 442 km que separan Seúl de Busan. Pero justo en el momento de su partida, la estación es invadida por zombis y uno de ellos sube a bordo del tren. Mientras el tren alcanza su máxima velocidad, los pasajeros tendrán que luchar por sus vidas.
“El debut en el largometraje de ficción de Yeon Sang-ho es una colisión de alta velocidad
entre “Snowpiercer” y “Guerra Mundial Z””
Indiewire
“Una de las mejores películas de zombis de los últimos años,
con toques de George A. Romero y Danny Boyle”
Rogerebert.com
“Un viaje de pura adrenalina zombie”
The Guardian
LA AUTOPSIA DE JANE DOE
André Øvredal, el realizador de Troll Hunter, dirige a Emile Hirsch (“Hacia rutas salvajes”) y Brian Cox (“Churchill”) en esta historia terrorífica que impactó al público de Sitges. La película llegará a los cines el próximo 13 de enero 2017.
Tras su presentación en la sección Midnight Madness del Festival de Toronto, LA AUTOPSIA DE JANE DOE se ha alzado con varios premios:
Festival de Sitges
Premio Especial del Jurado
Fantastic Fest de Austin
Mejor Película de Terror
Semana de Cine de Terror de Donostia
2ª posición del Premio del Público
Festival de Terror de Molins de Rei
Mejores Efectos Visuales
Sinopsis:
El cuerpo de una joven sin identificar aparece en un pequeño pueblo de Virginia. En el depósito de cadáveres, los dos forenses (Tommy y Austin, padre e hijo) pronto observan evidencias físicas muy extrañas. Con precisión metódica, su autopsia pone al descubierto los secretos ocultos tras el cadáver.
“Intrigante, genuinamente aterradora y siempre cautivadora”
The Hollywood News
“Brillante, inteligente y realmente aterradora”
Slash Film
SHIN GODZILLA
SHIN GODZILLA (“Shin Gojira”) está dirigida por dos de los directores de moda en Japón: Hideaki Anno, el creador de la serie de anime “Neon Genesis Evangelion” y Shinji Higuchi, experto en efectos especiales y director de “Ataque a los titanes”. El nuevo Godzilla se estrenó como nº1 del Box Office en su país y logró más de 75 millones de dólares.
Sinopsis
Godzilla, fuerza destructiva insondable para el hombre, resucita en el Tokio de hoy en día para acosar de nuevo a la civilización. Un país aún atormentado por las secuelas de un desastre natural, experimenta de repente el horror catastrófico de Godzilla. Desafiado por la muerte y la desesperación, Japón deberá encontrar la fuerza para superar estos desafíos.
The reel run down
“La película más entretenida en décadas sobre nuestro reptil radioactivo favorito”
SF Weekly
“Una película sobre monstruos como ninguna otra”
Indiewire
SOMNIA. DENTRO DE TUS SUEÑOS
Sinopsis
Jessie y Mark deciden adoptar a Cody, un niño a quien le aterroriza dormir. Inicialmente creen que el origen de dicha fobia está en el traumático pasado del chico. Pero pronto se dan cuenta de la verdad: los sueños de Cody se proyectan en la realidad, y muchas veces lo que se materializa son horribles y letales pesadillas. Para salvar a su familia, Jessie y Mark deberán descubrir qué se encierra bajo los sueños del pequeño.
“El director hace un gran trabajo de inyectar mucha humanidad en lo que podría haber sido otra historia sobre fantasmas”
Nerdist
«Constituye un ejercicio en el que convergen fantasía y horror de una manera inesperadamente placentera”
Cinema Movil
“El director de “Oculus” vuelve a apostar por su visión del terror
más onírico que nunca”
Visión del Cine
MELANIE. THE GIRL WITH ALL THE GIFTS
La película inauguró la Piazza Grande del Festival de Locarno, participó en la prestigiosa sección Midnight Madness del Festival de Toronto, ganó el premio al Mejor Director en el Fantastic Fest de Austin y ganó el premio a la Mejor Actriz en el Festival de Sitges. Warner Bros estrenó la película en el Reino Unido el pasado mes de septiembre, poco antes de lograr 4 nominaciones a los British Independent Film Awards.
Sinopsis
“Un brillante y distópico thriller”
Daily Mail
“El mejor apocalipsis de zombies en años”
Empire Magazine
“Provocativa e imaginativa”
The Guardian
“Una película de zombies con entrañas y cerebro”
The Telegraph
Serendipia’s Sitges Film Festival 2016. Octava cápsula
VIERNES 14 DE OCTUBRE
Con The Neon Demon vino uno de los momentos más esperados para Serendipia, que llegaba tan virgen a su proyección en la pantalla de l’Auditori como Jesse (el carácter encarnado por Elle Fanning en la cinta) a L.A. Y valió la pena, ya que ese (y no el otro) es el formato ideal para valorar esta película en toda su justicia. Esa vorágine de colores y sonidos en el que la belleza es lo único importante tiene que vivirse en pantalla grande, con el realce de esa música electrónica a todo volumen, ideal para mostrar la falta de vida. La falta de alma. Carne blanca para depredadores encarnada por una magnífica Elle Fanning, perfecta en su papel. Enigmática, pura, bella. Una Norma Jean dispuesta para el sacrificio ante el demonio de neón. Nada es accesorio. Todo llevará al holocausto de la virgen, justo cuando está a punto de corromperse, a manos de sus envidiosas enemigas, que devorarán su carne y beberán su sangre ante la creencia atávica de que adquirirán sus dones, su fuerza, radicada en su inocencia y su pureza. Nicolas Winding Refn se atreve con todo y transforma con sus sugerentes imágenes este guión, aparentemente básico, en un caleidoscopio repleto de ricas lecturas visualmente brillante que sitúa a Drive como un título menor en su filmografía.
Por cierto, la parte inteligente de Serendipia realizó un artículo para nuestros amigos de Cine Divergente en el que explica como le impactó el filme. Dejen pues de leer este panfleto y échenle un vistazo con un simple CLICK!
La siguiente película de la mañana nos la presentó también Refn, que a última hora no pudo asistir en persona pero que envió unas imágenes como atención con el público y la organización del Festival. Se trató de la remasterización de Zombi. El regreso de los muertos vivientes (Dawn of the Dead), el clásico de 1978 de George A. Romero que inició todo lo que estamos viviendo con el no muerto como monstruo del nuevo milenio. El montaje, cuya remasterización ha supervisado Refn, es el europeo, que realizó Dario Argento. Poco huelga añadir que no se haya dicho sobre esta cinta, aparte de que es fantástico poder reverenciarla en su formato y habitat original.
El menú cinematográfico del día finalizaría para Serendipia con Tunnel (Toe-Neol) del coreano Kim Seong-hun, director del que pudimos disfrutar la divertida A Hard Day en la edición de 2014 y que ofreció, en esta ocasión, un drama (con toques de comedia) sobre un comercial que queda atrapado con su coche en un túnel al desprenderse el techo. Además de la claustrofóbica situación que vivirá el protagonista, en compañía de un inesperado compañero, tendremos, en el exterior, el discutible papel de la prensa (como ya sucedía en el clásico de Billy Wilder El gran carnaval (Ace in the Hole, 1951)); la angustia de su esposa; y la siempre cínica actitud de las autoridades, dispuestas a ponerse la medalla si sale todo bien o a quitarse responsabilidad en caso contrario. Otra magnífica muestra del mejor cine coreano de entretenimiento.
Víctor Matellano durante la presentación de su libro (Foto: Serendipia)
Pero no todo va a ser ver películas y más películas. También hay sitio para otra de las pasiones de Serendipia como es la literatura de… eh, sí, de cine. El director y escritor Víctor Matellano presentó su interesante libro, Terror en el museo de cera, que surge a partir de la aparición del guión original de la película inconclusa Horror en el museo de cera, de Paul Naschy, que se consideraba perdido. El volumen se ha completado con una amplia filmografía de películas ambientadas en estos tétricos museos, así como con numeroso material gráfico y dibujos de Alfonso Azpiri. Matellano aprovechó también para hablar de su última película, Stop Over in Hell, que clausuró el Almería Western Film Festival. Precisamente en la presentación estuvo uno de los héroes personales de Serendipia y autor del poster del filme de Víctor Matellano, el ilustrador Sanjulián, toda una leyenda desde la época de Selecciones Ilustradas de Josep Toutain, cuando los dibujantes e ilustradores españoles triunfaban en Estados Unidos y en el resto del mundo publicando sus trabajos en las revistas Warren con Creepy, Eerie y Vampirella en cabeza.
Y Shelagh Rowan-Legg durante la del suyo (Foto: Serendipia)
Después vino el momento surrealista de la jornada con la presentación del libro The Spanish Fantastic: Contemporary Filmmaking in Horror, Fantasy and Sci-Fi de Shelagh Rowan-Legg, en el que la autora analiza el cine fantástico español de las últimas décadas. Durante la presentación, dirigida tan solo al público de habla inglesa, la autora se limitó a recitar el abultado guión que llevaba preparado. Tras una agotadora hora de lectura descubrí que solo había un ejemplar disponible, pues el resto había sido reservado en una pre-venta no anunciada, o realizada de manera restringida. También descubrí, demasiado tarde, pues ya me lo había firmado (que no dedicado), su elevado precio, que congeló la sangre en las venas de Serendipia.
Y con esto el segundo, y último viernes del festival de Sitges finalizaba. Llegaba la última jornada y, aunque el agotamiento hacía visiblemente mella en Serendipia, todavía le quedaban por ver 5 películas 5.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 25 de noviembre de 2016 *
GIMME DANGER (Jim Jarmusch, 2016)
USA. Duración: 108 min. Guión: Jim Jarmusch Fotografía: Tom Krueger Género: Documental
Sinopsis: El rock’n’roll potente y agresivo de The Stooges, que apareció en Ann Arbor, Michigan, durante una revolución contra-cultural, fue como una bomba en el paisaje musical de finales de los años sesenta. Con su mezcla de rock, blues, R&B y free jazz, el grupo en el que debutó Iggy Pop plantó los cimientos de lo que se conocería posteriormente como punk. Este documental narra la epopeya de The Stooges, uno de los grupos de rock más importantes de todos los tiempos. «Gimme Danger» presenta el contexto en el que The Stooges evolucionaron musicalmente, culturalmente, políticamente, históricamente, a través de sus aventuras y sus desgracias, evocando sus fuentes de inspiración y las razones de sus primeros desafíos comerciales, hasta su llegada al Panteón del rock.
Brillante documental sobre la tan desquiciada como breve carrera de The Stooges, pioneros indiscutibles del punk. Desde los inicios de Iggy Pop como batería en bandas de garage como The Iguanas y Prime Movers; pasando por su aprendizaje acompañando en Chicago a bluesmens negros, Jim Jarmusch va de cabeza a la fuente original contando con la participación de los propios protagonistas, Iggy y el resto de supervivientes de la banda original, que narran episodios en primera persona en una cinta, no tan solo para incondicionales del grupo, ni siquiera para amantes del Rock, sino para un amplio espectro de público, pues Gimme Danger está tan magistralmente narrada por Jarmusch, que consigue interesar aunque sea la primera vez que oyen hablar del la iguana y su sugerente comportamiento en escena. El director consigue esa magia hilvanando las escasas imágenes que se conservan de The Stooges, junto a multitud de fotografías y metraje de archivo. Sin despreciar la animación.
Drogas, anécdotas, MC5, más drogas, John Wayne, David Bowie, disturbios callejeros y el convulso final de la década de los sesenta, en la que el hipismo y el Flower Power dio paso a una actitud bien distinta. Y es que, con tan solo tres discos, The Stooges demostraron, como demostrará Gimme Danger a quienes lo ignoraban, que los Sex Pistols (o mejor dicho, Malcolm McLaren) no inventaron nada y que su actitud -y el sonido- punk no nació en 1977, sino bastante antes.
BAR BAHAR – ENTRE DOS MUNDOS (Bar bahr, Maysalun Hamoud, 2016)
Israel Duración: 96 min. Guión: Maysaloun Hamoud Música: Mg Saad Fotografía: Itay Gross Género: Drama
Reparto: Mouna Hawa, Shaden Kanboura, Sana Jammalieh
Sinopsis: Salma, Laila y Nur no encajarán nunca. Palestinas con pasaporte israelí, optan por vivir una vida de libertad en Tel Aviv, donde comparten piso y vivencias, lejos de sus lugares de origen. BAR BAHAR- Entre dos mundos plasma la dualidad a la que las tres jóvenes mujeres se ven sometidas en su vida diaria, atrapadas entre la tradición y la vida en la gran ciudad, así como el precio que deben pagar por un estilo de vida que la mayoría considera normal: la libertad de trabajar, de divertirse y de elegir.Las tres buscan el amor, pero como jóvenes palestinas pronto se darán cuenta de que una relación escogida por ellas no es algo fácilmente alcanzable.
A nuestras pantallas van llegando, casi con cuentagotas, historias que nos muestran otras formas de vivir muy diferentes a la nuestra, y que aunque puedan resultarnos extrañas, en muchos casos no son nada ajenas. La lucha de la mujer por alcanzar la igualdad con respecto al varón no está, ni mucho menos, superada en occidente. Cada día los periódicos nos lo demuestran, pero cuando hablamos de oriente, las cosas se ponen mucho más dramáticas. Religión, tradición y patriarcado son fronteras difíciles de atravesar para la mujer oriental. Lo hemos visto recientemente en películas como la magnífica producción india, La estación de las mujeres (Parched, 2015) de Leena Yadav o la iraní Nahid (2015) de Ida Panahandeh historias, como vemos, que tienen en común, además de estar protagonizadas por mujeres que se rebelan contra todos esos factores enumerados, el estar escritas y contadas también por mujeres, desde dentro. Punto en común que se repite con esta cinta israelí (sería más correcto decir palestina) dirigida y escrita por Maysaloun Hamoud. En ella tres jóvenes muy diferentes tendrán que enfrentarse al futuro que les tienen organizado sus padres, novios e incluso amantes, un futuro en el que lo que menos cuenta es lo que deseen hacer las própias protagonistas.
Esta película fue ampliamente reconocida en el Festival de Cine de San Sebastián tras su participación en la sección Nuevos Directores donde obtuvo cuatro importantes premios:
- Premio TVE Otra Mirada, galardón concedido en reconocimiento a películas que traten temas cercanos al mundo femenino.
- Premio Eroski de la Juventud, al que optan películas de las secciones Nuevos Directores y Horizontes Latinos.
- Premio Sebastiane, galardón destinado al filme que mejor refleje los valores y la realidad del colectivo LGTB.
- Premio CICAE, concedido por la Confederación Internacional de Cines de Arte y Ensayo.
Desde una perspectiva realista y con miras hacia el cambio, BAR BAHAR-Entre dos mundos, muestra el día a día de tres mujeres palestinas que viven en Tel Aviv, aspecto refrescante e inusual dentro del cine palestino, así como absolutamente necesario. “El cine palestino pide a gritos nuevos personajes femeninos. Es imposible seguir siendo la madre, la hermana o la hija del protagonista; estos papeles ya no dan más de sí. Es hora de que las mujeres ocupen el centro de la escena y no se queden en un segundo término”, afirma la directora Maysaloun Hamoud, quien desde el conocimiento en primera persona de lo que ella describe como “crisis de identidad multigeneracional” de la comunidad palestina en Israel, ha plasmado en la pantalla un modo de vida y cultura que refleja el movimiento underground palestino actual, al que ella pertenece.
La música de la película es reflejo de ese movimiento cultural: “es la banda sonora de nuestras vidas, y no me refiero solo al entorno palestino-israelí, sino a todo el mundo árabe. Los músicos están muy presentes en el movimiento underground palestino” declara Hamoud. BAR BAHAR-Entre dos mundos tiene una excelente música que emplea temas de hip hop, rock, electrónica y el rap, con grupos de música como DAM, un conocido grupo de rap palestino, o Tiny Fingers, una de las bandas de música alternativa más destacables de Israel.
BAR BAHAR-Entre dos mundos contó con la producción de Shlomi Elkabetz, experimentado productor y director de cine, reconocido internacionalmente por la codirección, junto a su hermana Ronit Elkabetz, de Gett: El Divorcio de Viviane Amsalem, protagonizada por la recientemente fallecida Ronit Elkabetz, a quien Hamoud dedica su primer largometraje.
Matrimonios concertados, homosexualidad, tradición, religión con toda su carga de hipocresía en una película magníficamente narrada e interpretada que no se aparta de la realidad. No ofrece grandes catarsis ni soluciones. De momento no parece haberlas, pero hablar de la situación, exponerla de forma tan elegante como hace la directora, que debuta en el cine con esta premiada cinta, es un esperanzador comienzo.
ALIADOS (Allied, Robert Zemeckis, 2016)
USA Duración: 124 min. Guión: Steven Knight Música: Alan Silvestri Fotografía: Don Burgess Productora: GK Films / New Regency Pictures / Paramount Pictures Género: Thriller
Reparto: Brad Pitt, Marion Cotillard, Lizzy Caplan, Matthew Goode, Jared Harris, Jason Matthewson, Angelique Joan, Sally Messham, Iain Batchelor, Miroslav Zaruba,Raphael Acloque, Angus Kennedy, David Bonneville, Tiar Lounis
Sinopsis: 1942. Segunda Guerra Mundial. Max (Brad Pitt) es un espía del bando aliado que se enamora de Marianne (Marion Cotillard), una compañera francesa, tras una peligrosa misión en el norte de África. La pareja comienza una relación amorosa hasta que a él le notifican que Marianne puede que sea una agente doble que trabaja para los nazis.
Un filme de lo más clásico en el que durante su primera parte no se puede evitar pensar en cierta mítica cinta cuya acción se desarrolla en el mismo escenario que esta. Con un magnífico diseño de producción, vestuario y ambientación, se recrean perfectamente los años cuarenta en esa Casablanca con lujo Art Decó que se encontraba bajo el protectorado de Francia, pero ocupada por los Alemanes. Aunque todo esto será un Macguffin: la acción cambiará y los actores mudarán de escenario, pasando de ser una película de espionaje, con la tensión sexual que pueden generar sus dos fascinantes y atractivos protagonistas, a un drama que se desarrollará en un gris y nada exótico Londres, también magníficamente recreado, en el que vivirá la pareja en una felicidad tan idílica como sospechosa. Y allí tendrá lugar el drama, que si bien está competentemente rodado, como se espera de un director de la solvencia de Zemeckis, no resulta del todo convincente aunque sí agradable. Agradable hasta que llega el epílogo, a todas luces innecesario y que sólo puede considerarse como un terrorismo emocional que busca provocar el llanto fácil en el público más influenciable.
LA REINA DE ESPAÑA (Fernando Trueba, 2016)
España Guión: Fernando Trueba Música: Zbigniew Preisner Fotografía: José Luis Alcaine Productora: Fernando Trueba P.C. / Atresmedia Cine Género: Comedia.
Reparto: Penélope Cruz, Antonio Resines, Neus Asensi, Ana Belén, Javier Cámara, Chino Darín, Loles León, Arturo Ripstein, Jorge Sanz, Rosa María Sardá, Santiago Segura, Cary Elwes, Clive Revill, Mandy Patinkin, Carlos Areces, Aida Folch, Jesús Bonilla, Ramón Barea, Juan Antonio Bayona
Sinopsis: España, años 50. Macarena Granada (Penélope Cruz), la gran estrella “americana” de origen español, retorna a su tierra para encarnar a Isabel la Católica. Al enterarse de la noticia, Blas Fontiveros (Antonio Resines), que no había vuelto a España desde que se fuera a dirigir «La niña de tus ojos» a la Alemania nazi 18 años atrás, decide regresar y reencontrarse con algunos de sus viejos amigos. Su llegada desata una serie de acontecimientos que pondrán a prueba el rodaje de la superproducción…
Trueba retorna a los personajes de su exitosa La niña de tus ojos (1998), una fantasía entorno al rodaje en la Alemania nazi de las películas de Florian Rey con Imperio Argentina, un hecho que desató la imaginación de los guionistas, quienes maquillaron la historia pero conservando ciertos hechos como el capricho real de Hitler y Goebbels hacia la actriz. La continuación que nos ofrece Trueba casi veinte años después, está ambientada a mediados de los años cincuenta, en aquella España gris del desarrollismo que tímidamente comenzaba a abrirse al mundo entre otras cosas gracias al apoyo de Estados Unidos, cuya industria cinematográfica, representada por Samuel Bronston, inició un ambicioso plan de rodajes que llenó de estrellas y anécdotas el mundo del cine español. Este es el ambiente que recrea Fernando Trueba, con viejos cineastas y estrellas americanas compartiendo escenario con los técnicos y actores españoles y con Penélope Cruz más cerca, en esta ocasión, de Sara Montiel, con su modesta carrera en Estados Unidos, matrimonio con director de cine incluido. La cinta, repleta de guiños cinéfilos, tiene un magnífico diseño de producción, muy detallista con el cine que se realizaba en aquella época y sus efectos especiales a base de transparencias, técnicas sencillas pero efectivas que impresionaron a propios y extraños. Amoríos, política, miseria y lujo en una cinta que recrea aquella época sin que chirríe y que contiene algún gag afortunado, en especial los protagonizados por Jorge Sanz. Quizás su duración es excesiva y, al igual que La niña de tus ojos, resulta un tanto desmesurada en su segunda parte, aquí bastante disparatada, con Carlos Areces realizando un papel, no les diremos cual, que realmente borda. Gustará, pero no convencerá, aunque eso si, resulta muy agradable reencontrarse con todos los personajes de La niña de tus ojos, a los que se les han incorporado otros como Ana Belén, Mandy Patinkin y el director Arturo Ripstein destacando, por encima de todos ellos, una Penélope Cruz para la que parece no haber pasado el tiempo.
LOS EXÁMENES (Bacalaureataka, Cristian Mungiu, 2016)
Rumanía/Francia/Bélgica. Duración: 128 min. Guión: Cristian Mungiu Fotografía: Tudor Vladimir Panduru Productora: Les Films du Fleuve / Mobra Films / Romanian Film Board (C.N.C.) / Why Not Productions Género: Drama
Reparto: Vlad Ivanov, Maria-Victoria Dragus, Ioachim Ciobanu, Adrian Titieni, Gheorghe Ifrim, Emanuel Parvu, Valeriu Andriuta, Claudia Susanu, Adrian Vancica, Liliana Mocanu, Lia Bugnar, Tudor Smoleanu, Andrei Morariu, Rares Andrici, Constantin Cojocaru, Robert Emanuel
- Sinopsis:
- Romeo es un médico de casi 50 años que dejó atrás las ilusiones relacionadas con su matrimonio, ahora acabado, y su Rumanía, destrozada por los acontecimientos. Para él todo lo que importa ahora es su hija, de 18 años. Tras los exámenes finales, la joven irá a estudiar a una prestigiosa universidad en Inglaterra. En la víspera del examen, la hija es atacada en la calle. A partir de entonces, hará todo lo posible para garantizar que ello no perturbe el destino que ha elegido para su hija.
«Tras 25 años sin comunismo, la gente de mi generación esperaba un mayor progreso», declaraba a Europa Press Cristian Mungiu. Mungiu, que formó parte de la llamada nueva ola del cine rumano, volvió a conquistar a Cannes el pasado mayo y se alzó con el premio (ex aequo) a mejor director con su cinta más reciente, Los exámenes, película en la que vuelve a expresar el malestar del pueblo rumano que no ha visto cumplidas sus esperanzas políticas y sociales tras la caída del anterior régimen (tan lejana ya). El suyo no es un cine localista, pero nos queda patente que quienes conozcan la historia más reciente de su país penetrarán mejor en su discurso.
Ahora bien, aunque nos acerquemos a ella desde el desconocimiento de la situación que atraviesa Rumanía, la apuesta estética y narrativa que plantea en Los exámenes se basta por sí misma para hacernos sentir esa realidad. Mungiu ha optado por una puesta en escena incómoda: toda la película está narrada en planos medios con poca profundidad de campo y fondos difuminados, con una cámara estática (sólo se mueve inquieta cuando persigue a los protagonistas), casi inerte, que nos comunica una sensación de asfixia y nos hace advertir que los personajes no tienen futuro. No alcanza la dimensión de atmósfera opresiva, sin embargo, porque la asfixia de la que habla es más corriente, el director nos pone ante un peso que se ha vuelto cotidiano, anodino y gris (como fríos son los colores que dominan la paleta cromática del filme). Un peso ante el cual no hay posibilidad de heroísmo, no hay un verdadero tirano al que derrocar (a ese ya le hicieron caer hace más de una generación) lo que queda es una burocracia mezquina y mecánica de la que no hay más escapatoria que la emigración.
Un cine adusto que nos habla de una situación fatigosa y de un pueblo atrapado en un callejón sin salida. Todo ello en el paisaje casi desolado de un barrio humilde en el que siempre suena como banda sonora el ladrido de los perros.
- Premios
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2016: Festival de Cannes: Mejor director (ex aequo)2016: Premios del Cine Europeo: Nominada a mejor director y guión
Serendipia’s Sitges Film Festival 2016. Séptima cápsula
JUEVES 13 DE OCTUBRE
Todo lo bueno que se diga sobre las portentosas actuaciones de Antonio de la Torre y Roberto Álamo en Que Dios nos perdone, inteligente thriller del joven director Rodrigo Sorogoyen con el que inauguramos este jueves de festival, es poco. Mucho habíamos escuchado hablar de esta cinta y, afortunadamente, no defraudó. Proyectada como sesión especial, este policíaco mantiene la tensión en todo momento gracias a esos dos personajes tan diferentes, opuestos casi, pero tan bien perfilados. Uno metódico, otro brutal, pero ambos juguetes rotos, bombas de relojería siempre a punto de estallar. Buenos diálogos y pesimismo y sordidez a flor de piel en un muy reconocible y castizo Madrid engalanado para recibir al Papa con la caza de un violador de ancianas como objetivo común de ambos policías. Buen cine para comenzar el día. Encantado, Serendipia se dirige a hacer de nueva cola a la puerta de l’Auditori, cuando, de pronto…
Un coche negro se detiene en la puerta del hotel. No hay nadie alrededor mío. Se abre la puerta y sale Christopher Walken. Cámara en ristre lanzo una larga ráfaga de fotos que llegan a conformar fotogramas cuando, siguiendo su camino y al llegar a mi altura el mítico actor me mira. Nos miramos. Bajo la cámara y quedo petrificado ante esos profundos ojos azules. No hago LA FOTO. Le miro sin cámara, sin filtros. En señal de reverencial deferencia. Pasa a mi lado y continúa su camino mientras vuelvo a hacerle fotos hasta que desaparece. Durante un buen rato el pulso se me dispara y siento una absurda (o no) alegría que no me permite dejar de sonreír. Había tenido a Christopher Walken para mí solo. A mi vera. Y nos habíamos mirado a los ojos. Flotando en el aire marcho hacia la cola donde, como es habitual, somos los primeros. Serendipia no sospechaba que se disponía a ver la cinta vencedora de esta 49 edición del Festival de Sitges. Pero parte de Serendipia estaba, todavía, en otro planeta.
Swiss Army Man es una magnífica y también escatológica comedia satírica sobre la soledad. Cargada con negrísimos gags no aptos para todos los estómagos y canciones melódicas (sí, cantan para maravilla del público), este delirio (o no) de un náufrago que convive con un cadáver al que poco a poco ve cobrar humanidad entra, para Serendipia, en ese selecto y reducido grupo de guiones descabellados que uno no sabe como se han llegado a proponer a un productor y, lo mejor, como se han llegado a rodar. Y resulta más increíble el que así haya sido tratándose del primer largometraje de sus directores, Daniel Scheinert y Dan Kwan. Paul Dano está magnífico pero Daniel Radcliffe sencillamente se sale. Créannos: no debe de ser nada fácil interpretar el papel que hace.
Después de tan interesantes cintas tan solo cabía esperar un lento descenso. Y así fue. Lo mejor del documental Dragon Girls! Les amazones pop asiatiques era su prometedor título, ya que este repaso, algo enredado, al mundo de las estrellas orientales parece hecho a jirones a base de aprovechar la visita de su realizador, Yves Montmayeur, a un par o tres de festivales en los cuales entrevistó a grandes damas cinematográficas del cine oriental de acción de ayer y de hoy como Zhao Wei, Michelle Yeoh, Bingbing Fang, Asami, Rina Takeda o Eihi Shiina. Y es que, en nuestra opinión, mucho se abarca y poco se ofrece en este itinerario que debería disponer de más tiempo y un orden más lógico con el que hablarnos de todo aquel cine y de la influencia de estas amazonas en la música, la moda, los videojuegos e incluso en la estética sadomasoquista. Repetimos, no es que el tema no sea interesante, que lo es y mucho, lo malo es la sensación que deja este documental de ocasión perdida de haberlo tratado en su merecida profundidad. Pero lo peor del día llegaría con la producción alemana Plan B (Ufuk Genç y Michael Popescu) una cinta de acción pretendidamente divertida que homenajea el cine de acción de los 80 y que en bastantes momentos roza el sonrojo por su amateurismo. Lo mejor, las coreografías de acción, muy voluntariosas entre tanto sinsentido.
¡Gracias a todos! (Foto: ¿Norman?)
Pero Serendipia tenía puesta la mente en un hecho particular, ya que ese día hacíamos la tercera presentación de nuestro segundo hijito: Los semblantes del Fantaterror, que despedía así una andadura iniciada en mayo de este mismo año en el festival Nocturna, proseguida en julio en Cryptshow y finalizada en el marco de este festival, al que llevamos los poquitos ejemplares que nos quedaban. Nuestro niño se ha hecho grande y se ha independizado pero, ¡con qué alegría le decimos hasta siempre! Se ha portado muy bien y nos ha hecho estar orgullosos de él allí donde lo hemos llevado. La presentación/despedida, que se celebró en la carpa Fnac fue, además, todo un lujo, pues contó con Domingo López (¡Mr. Trash-o-rama inself!) como maestro de ceremonias. Y acompañando al autor, José Miguel Rodríguez, maquetador del libro y Alfredo Orive, socio capitalista del mismo. Pero sobre todo amigos, y a ambos lados, ya que el acto contó con la asistencia de muchos cinéfagos Exhumeds amigos así que… ¿Qué más puede pedirse? Pues ya puestos una buena cena a posteriori pero esa, esa es otra historia.
Hablando con Miguel Herrero: ‘Un, dos, tres, responda otra vez’ y televisión de culto
Miguel Herrero San José es un fanático de la televisión. Mejor dicho, del mundo que rodea a todos esos programas que se materializan al apretar el botón de ese, para unos invento del diablo, y para otros caja de sorpresas. Su gran afición le ha llevado incluso a trabajar en ese medio como presentador durante 9 años en Castilla y León TV. Pero no se detiene ahí la actividad de Miguel en conexión al mundo de la televisión, pues también ejerce como bloguero en ‘El retrovisor’ de Teleprograma.tv y colabora en Es Radio. Además, ha escrito cuatro libros sobre su mayor hobby, todos ellos publicados por Diabolo Ediciones: «Revisitando los 80″, «Los 80 responden otra vez«, «Telepasión por los 90» y «La historia del Un dos tres«, reciente novedad que nos ha decidido a ponernos en contacto con él para hablar un rato sobre la llamada ‘caja tonta’, que tanto odio como amor parece despertar.
Lo primero ¿Qué es para ti la televisión?
La televisión es mi mejor hobbie. Desde pequeño siempre me fascinó el medio debido a los diferentes atractivos que proporciona. Las cabeceras, logotipos, las sintonías, la evolución de contenidos, los géneros… No sé qué hubiera sido de mi vida sin televisión, a qué le hubiera dedicado tanto tiempo. Porque no sólo es saber de ella y escribir sobre ella. Es coleccionar su merchandising, conocer a sus protagonistas, memorizar sus mejores o peores momentos… Todo el mundo tenemos que tener algo que nos apasione, que nos distraiga, que nos tenga pensando en esa actividad. Es una manera de ocuparse y de preocuparse. Curiosamente, ver la televisión no es mi intención primordial. Es saber de ella y compartirla con amigos, lo cual demuestra que no tiene por qué ser un medio alienante y disuasorio, sino todo lo contrario, que sirva para asociar y unir.
¿Como has planteado la investigación a la hora de realizar el libro?
Este libro de la historia del «Un dos tres» lo planteé hace justo un año de manera cronológica. Es lo primero que hago antes de escribir mis libros. La organización inicial es básica para que no te encuentres perdido durante el camino de desarrollo del volumen. El concurso se podía haber tratado por temáticas o por personajes que pasaron por el mismo pero creí que era más interesante entender el desarrollo de la idea que tuvo Chicho desde su nacimiento. Que un programa de televisión puede nacer con el concepto de circunstancial, efímero, como un concurso más de la programación y cómo el público va haciendo ese «monstruito» cada vez más grande, como una especie de niño que se va haciendo mayor, asume mayores conocimientos y crece con el cariño de quienes le rodean. El «Un dos tres» va evolucionando con la sociedad española, del blanco y negro y la dictadura a la televisión digital y las libertades. Cada capítulo se centra en una etapa del concurso, en todo lo que abarcó a lo largo y lo ancho de sus emisiones, con una guía de «episodios» final, puesto que cada semana se centraba en una temática y resulta entretenido saber de ese listado. El proceso abarcó el verme todos los programas que se conservan a la par que iba incluyendo entrevistas, reportajes y demás material de la época para ir contextualizando todo al unísono.
¿Cual es el primer recuerdo que tienes del concurso?
Mi primer recuerdo del programa está asociado a la segunda tanda de la tercera etapa (1983-84), es decir, la considerada «era Botilde». Es parte de mi infancia la bota en la cabecera del concurso, con su alegre sintonía, además de todo el merchandising que generó el «Un, dos, tres» como juegos, muñecos, discos, llaveros, cromos y pegatinas, siendo la «botibota» el objeto más característico de esa época. Su color morado y su bonito diseño reflejan a la perfección el espíritu infantil del programa, engordado en la cancioncilla que Mayra le cantaba a un robot de la mascota, «eres tú, Botilde amiga» en los especiales infantiles que hacía el concurso. Todas las mascotas del programa, así como azafatas, cómicos o presentadores, tienen su encanto pero en este caso, el que sea mi primer recuerdo de infancia lo hace aún más grato.
Has llegado a acudir a la grabación del ‘Un, dos, tres…’ como público ¿Cómo recuerdas la experiencia?
Efectivamente cumplí mi sueño en 2004 de vivir por dentro cómo eran las grabaciones del «Un dos tres». Hasta los 90 se daba el caso de que yo era demasiado pequeño para participar en las ediciones de adultos pero demasiado mayor para poder estar en las ediciones infantiles. Pero siempre soñé con estar en el «Un dos tres» aunque fuera como mero espectador. Estar cerca de lo que se vivía allí. El concurso en sí, las maratonianas grabaciones, el carácter de Chicho… Cuando supe de la vuelta del programa en el nuevo siglo, me movilicé junto a otros amigos fans del «Un dos tres» para acudir cuantas más semanas fuera posible como una ocasión única y, tal vez, irrepetible de sentir que estabas dentro del «Un dos tres». No era fácil trasladarse cada semana a Madrid y compaginarlo con el trabajo, pero así lo hice en 12 
de las 19 entregas que conformaron aquella temporada. La experiencia fue muy grata, uno de los mejores momentos de mi vida cuando vi ese plató reconstruido en sus elementos clásicos de parte negativa, set de concursantes, set de azafatas, mesa, graderío… Conocer de cerca a todos sus integrantes, que nos pusieran perdidos de guarrerías… Cosas mejores y peores, pero algo de lo que siempre me sentiré muy feliz por haber vivido. Es como llevar a un fan de Disney a Disneyworld.
¿Te gustan las películas de Chicho? ¿No crees que perdimos a un gran director de cine?
Las dos películas de Chicho me parecen dos joyas de nuestro cine. «La residencia» muy especialmente no parece ni una producción española si no fuera por los nombres en los títulos de crédito. Se rodó de una manera absolutamente maravillosa, muy cuidadosamente, con doblaje para asemejarse a una película extranjera, con grandes interpretaciones y planos. En el caso de «¿Quién puede matar a un niño?» también hablamos de una temática muy arriesgada e interesante, con ciertas semejanzas a producciones del género como «Los pájaros», tomada como una invasión de pequeños seres con manía persecutoria. Ciertamente hemos perdido a un gran director de cine, tal vez por esa necesidad del público porque nos diera nuestras raciones de concurso entrañable. Pero bien es cierto que la producción de Chicho abarca tanto episodios de series como «Historias para no dormir», especiales aquí y fuera de nuestras fronteras, tipo «Los bulbos», que podríamos considerar una cinematografía aunque no fuesen oficialmente películas, siendo su última incursión al género «La culpa», dentro de las «películas para no dormir» de Telecinco.
¿Crees que esa memoria sentimental catódica está potenciada por el hecho de que tan solo había dos canales?
Yo creo que el hecho de que haya tanta «telenostalgia» sí tiene que ver en la emisión de solo dos canales. O uno y medio ya que la Segunda Cadena solo emitía unas horas. Evidentemente los programas los conoció todo el mundo, sus sintonías y «momentazos» están más presentes en la memoria común que otros vividos ya con la llegada de las cadenas privadas. Pero también es verdad que la programación era más entrañable. Sus melodías no son comparables con las de ahora. No es lo mismo que veas un refrito con las sintonías de «La bola de cristal», «Sabadabadá» y «La cometa blanca» a que lo hagan en el futuro con el «Club Megatrix», «Art attack» o «TPH Club». Las mascotas, los presentadores, su forma de hablar y dirigirse al público, las revistas que informaron sobre la tele, como TP o Tele Indiscreta. Todo es susceptible de ser «culpable» de que la tele del pasado sea mejor. Que actuaran grupos como Mecano o Los Secretos le da un aire de prestigio que no lo tienen en la actualidad ni Melendi o Los Gemeliers. El hecho de que vayamos sobre seguro a emisiones que fueron un éxito o de gente que se hizo muy popular ya gana terreno a cosas que hemos visto en los últimos tiempos como «Levántate All Stars» o «El amor está en el aire».
¿Qué piensas de la televisión actual?
La televisión actual peca de repetirse demasiado en cuanto a formatos de éxito. Si una cadena triunfa con un programa sobre cocina pronto aparece otro con algo parecido y casi el mismo título. Los programas del corazón, las series de época, los concursos de preguntas rápidas y los de nuevos talentos están omnipresentes en nuestras teles. Ahora les toca el turno a los de las primeras citas. Yo no soy de los críticos a los que todo les parece mal. A mi me han interesado espacios como «Hay una carta para ti» pero creo que la mejor televisión actual está en formatos de entretenimiento como «Tu cara me suena», de los que en el futuro aún les puedes sacar provecho para mostrar los mejores momentos o reunir a sus integrantes, como ha hecho TVE con «Operación triunfo». El error de la tele moderna está en ese tipo de espacios que cuando han pasado cinco años no sabes de qué hablaban o quiénes eran aquellos personajes. Aún siendo relativamente cercanos, todo cuanto ocurrió en «A tu lado» o en los primeros tiempos de «Sálvame» es absolutamente inservible para el archivo de la cadena que lo emite. Porque ni resultará entrañable ver a Kiko Hernández cómo se enfadaba en ese espacio ni la amante de un actor que contaba sus trapos sucios. Por eso, la tele clásica nos da entrevistas a Christopher Reeve o a Richard Gere mucho más atemporales que cualquier espacio de actualidad de hoy en día.
Presentando el libro del ‘Un, dos, tres…’ junto a Raúl Sender, Mayra Gómez Kemp y Alejandra Grepi (foto: archivo Miguel Herrero)
¿Qué piensas de esa nostalgia hacia los setenta, ochenta e incluso noventa que se nota por la edición de libros que hablan sobre el tema?
La moda por lo retro se está manteniendo desde hace muchos años. Ya Guillermo Summers hizo programas muy interesantes en los 90 denominados «Mitomanía». De esa mitomanía parecía que el nuevo siglo se despegaba un poco pero en los últimos tiempos, el archivo de RTVE ha rescatado numerosas y valiosas joyas, siendo perfecto acompañamiento de espacios como «Cachitos de hierro y cromo «, «Cómo nos reímos», «Viaje al centro de la tele», «Ochénteame otra vez» o el nuevo «Espinete no existe». Hace cuatro años abrí la veda de libros retro previos a otras experiencias en pro de años de EGB y similares. Mi primer libro, «ReVisitando los 80» salió al mercado cuando apenas había libros que hubieran tratado única y exclusivamente esa maravillosa década. Continué con los 90 y ahora estoy inmerso en la historia del «Un dos tres». Pero, desde luego, que me parece estupendo que haya florecido todo ese fenómeno por recuperar el pasado. Es bueno no olvidarse de donde venimos para conocernos mejor y homenajear a quienes han sido nuestros maestros.
¿Has publicado tu libro como deseabas o has tenido que recortarlo un poco?
En la versión final de todos mis libros siempre hay que recortar respecto al material que he escrito en origen. Mi capacidad de síntesis no es demasiado buena. Yo escribo sin límites puesto que no me serviría una plantilla para adaptarme. Es cierto que tener que recortar es muy duro pero siempre hay matices que no son necesarios o que, incluso, alargan el texto innecesariamente cuando no necesitas un incunable. En este caso, la historia del «Un dos tres» recoge lo que todo fan del programa debe saber y lo que quien no lo haya conocido en profundidad deba saber. Anécdotas, curiosidades, recuerdos personales, declaraciones de sus integrantes, fotos, capturas, el impacto mediático y social de sus personajes y frases… Kiko, Mayra, Jordi y Míriam, Garó, el dúo Sacapuntas, don Cicuta, las Tacañonas, las azafatas, los números de baile, los mejores y los peores premios, la magia de Tamariz, Ruperta, el Chollo, la «faz más ododosa», el «Un dos tres» en otros países europeos, los invitados, los especiales con famosos o infantiles, los desfiles folklóricos… ¿Queréis más? El libro del «Un dos tres» es la solución.
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La historia del mejor programa de nuestras vidas: Un, dos, tres, responda otra vez. Un libro de Miguel Herrero
UN, DOS, TRES, RESPONDA OTRA VEZ. La historia del mejor programa de nuestras vidas
Miguel Herrero (Tapa dura, 296 páginas a todo color. Diábolo Ediciones)
Los que rondamos los cincuenta y los sobrepasamos recordamos perfectamente lo que significaba la llegada del viernes, día mágico en el que, además de terminar la semana lectiva y laboral (en muchos casos), toda la familia se reunía ante el televisor para vivir una nueva emisión del concurso ‘Un, dos, tres, responda otra vez‘. Con ese programa nos reímos, aprendimos y también, ¿por qué no? algunos niños nos enamoramos por primera vez, ya que todos teníamos a nuestra presentadora favorita. No nos parecían tan lejanas como realmente estaban. Eran como esa vecina a la que veíamos y adorábamos en silencio. Hasta nuestras madres las apreciaban. Las conocíamos, al igual que a los cicutas, tacañones y tacañonas, a los que, esos sí, teníamos más cerca de lo que quisiéramos. Queríamos a Chicho, que nos había espantado con sus ‘Historias para no dormir‘ y queríamos, en resumen, un mundo mejor, esa vida en la que todos sonreían y que cada viernes nos llegaba, primero en blanco y negro y más tarde a todo color, desde esa pantalla a la fantasía que entonces era el televisor.
Sin lugar a dudas, el ‘Un, dos, tres…’ forma parte de la memoria sentimental de muchos españoles. Sobre todo de los más mayores, ya que las generaciones posteriores ya lo conocieron en la época de las televisiones privadas, y no cuando la gris televisión franquista constaba solo de dos canales, que parecían llenarse de vida y color gracias a este concurso. Y todo, realmente todo, lo que envolvió a ese universo creado por Chicho Ibáñez Serrador es lo que ha reunido Miguel Herrero en las páginas de Un, dos, tres, responda otra vez. La historia del mejor programa de nuestras vidas. Un voluminoso libro, editado por Diábolo Ediciones, que se añade a la colección de obras con las que la editorial rescata la maltratada cultura popular española. Miguel Herrero, como ha demostrado en otras de sus obras dedicadas al ente televisivo (varias de ellas editadas también por Diábolo), es todo un especialista que demuestra un gran conocimiento sobre el medio, y sobre el concurso en particular, y ha realizado EL LIBRO sobre este espacio televisivo. Un libro en el que se recoge, repito, absolutamente todo y más: todas las etapas, los personajes, la mecánica del concurso en cada edición, anécdotas, merchandising, temática y fecha de emisión de cada espacio… Todo. Y el autor lo ha hecho de la mejor manera posible, escarbando en prensa y revistas de la época. Buscando el dato curioso, entrevistando a algunos personajes conectados con el concurso como la encantadora Aurora Claramunt o el entrañable Pepe Carabias (quien ya por si solo merecería un libro por ser historia viva de la televisión, del cine y del doblaje) y contando, además, con material gráfico proveniente de los archivos personales de los implicados.
Miguel abre nuestra memoria mientras leemos el libro, nos inunda de datos contagiándonos su propio entusiasmo. Se nota que ha disfrutado encontrando esa pequeña nota que desconocía, esa declaración contenida en aquella añeja publicación, esa portada tan curiosa. Y también se nota que goza al compartir todo ello con el lector. Por eso este es un libro valioso, apabullante y desmesurado en su contenido, pero también necesario para entender a un país que quería cambiar y que lo hizo a caballo de las distintas ediciones del concurso.
Leeremos sobre las diferentes etapas, de cómo se tuvo que enfrentar el programa a las cadenas privadas llegando a poner demasiada carne en el asador (¿recuerdan a Gloria Trevi?). Averiguaremos que la neumática Sabrina actuó antes en el concurso que en aquel inolvidable programa de fin de año; veremos como Chicho siguió apostando por que su programa no dejara de ser un espacio familiar en tiempos de mamachichos. Y veremos como el fin llegó con su apuesta personal por la cultura en la décima temporada, que quizás fue un suicidio buscado, premeditado, en un momento en el cual la más pura telebasura inundaba las parrillas televisivas.
Victoria Abril, Aurora Claramunt, Agatha Lys, Beatriz Escudero, Britt, Blanca Estrada, María Casal, Kim, Silvia Marsó, Lydia Bosch…; las coletillas que formaron parte de las conversaciones cotidianas de los españoles y que, todavía actualmente permanecen ya como lugares comunes de nuestro imaginario: ‘Veintidos ‘ ‘La plaza estaba abarrotaaa’, ‘¡Y eso duele…!’ ‘¿Porqué será?’, ‘Hasta aquí puedo leer’, ‘Hemos venido a jugar’,’¡Campana y se acabó!’… Los presentadores que fueron y los que no llegaron a ser pero cuyos nombres se barajaron; Doña Ruperta, Botilde, El Chollo, El Antichollo… todo recorre las páginas de este libro. Si hay que buscarle un pero, este sería la ausencia de pies de fotos, que nos aclararían quienes son algunos de los personajes que muestran.
Hay quien, como yo, piensa que la dedicación al concurso terminó truncando una muy interesante carrera cinematográfica. El mismo Chicho lo ha llegado a declarar, pero ahí queda el conjunto de su obra, que trasciende al hombre, importante en todos sus aspectos: su ficción televisiva con Historias para no dormir, recuperadas por el sello 39 Escalones en un magnífico pack en DVD; su obra cinematográfica que, lamentablemente, se limita a dos largometrajes (La residencia y ¿Quién puede matar a un niño?); su poco conocida faceta teatral (con obras como El agujerito y Aprobado en castidad/inocencia); y sus espacios televisivos (concursos y otros programas multipremiados que merecerían una edición en condiciones como Historias de la frivolidad).
Sin duda los estamentos oficiales maltratan y ningunean la cultura popular, los cómics, el cine y la televisión que muchos tenemos en nuestra memoria pero que oficialmente parece no haber existido, mientras otras épocas se están entronizando de manera desaforada. Así que mientra haya estudiosos entusiastas como Miguel Herrero y editoriales como Diábolo Ediciones parece que habrá un reducto donde quedará resguardada. Porque aunque Serendipia está un poco harto de esta operación nostalgia (video clubs, los ochenta, la movida, EGB’s…) siempre estará a favor si se hace desde trabajos escrupulosamente realizados que escarben y vayan más allá de un simple desempolvar el pasado.
La tercera edición de Sant Cugat Fantàstic será del 15 al 18 de junio y homenajeará al cine de animación
La tercera edición del Festival Sant Cugat Fantàstic ya calienta motores y llegará un mes antes de lo habitual. El festival tendrá lugar del jueves 15 al domingo 18 de junio de 2017 en los cines Cinesa Sant Cugat con actividades en el entorno del Teatre-Auditori.
Otra de las novedades de este año es el homenaje que el festival quiere hacer al cine de animación. Según explica el co-director del certamen Joan Ramon Armadàs, uno de los motivos es «hacer patente la aportación de los dibujos animados al género fantástico en un año en que se celebra el 80 aniversario del primer film animado en color«. Armadàs también subraya que actualmente este subgénero es uno de los que más público y dinero mueves en los cines de todo el mundo. «Prueba de ello es que entre las cinco películas más taquilleras del año 2016 hay tres producciones animadas (Buscando la Dory, Zootropolis y Mascotas) y otra es la calidad y la innovación de cintas asiáticas muy recientes como Seoul Station (Corea), Your name (Japón) o Monster Hunt (China)».
Pero que nadie interprete que el homenaje al cine de animación hará más descafeinada la próxima edición del Sant Cugat Fantàstic. En este sentido, Marc Carreté, co-director del festival, garantiza que la programación no será precisamente un juego de niños. «El grueso de los films a competición seguirá estando formado por algunas de las últimas perlas del cine indie de terror a nivel internacional».
Durante lo que queda de año y principios del que viene la organización trabajará en la programación de películas, cortos y actividades del festival de la cual se podrá saber algo más pasadas las vacaciones de Navidad.
También aprovechamos para recordar que hasta que no llegue el mes de junio el cine de género sigue teniendo una programación estable en Sant Cugat gracias al Ciclo de Cine Fantástico. En este sentido, un lunes de cada mes a las 20h en los Cines Cinesa se programa un corto y una película sumando el fantástico los ciclos estables de cine que ya hay en la ciudad. Este lunes 21, sin ir más lejos, se proyectará el corto Alma que será presentado por su director Rubén Ventura y acto seguido se podrá ver el film de animación japonés El niño y la bestia, la mejor película asiática de 2015 según la revista especializada CineAsia. Asimismo, y teniendo en cuenta que en este comunicado ya se incluyen las principales novedades sobre la nueva edición del festival, se cancela la presentación del mismo que se tenía que hacer a las 19h en el Café Auditori.
APOYOS Y PATROCINIOS
El Sant Cugat Fantástico continuará un año más siendo una realidad gracias al apoyo de Estrella Damm, patrocinador principal del evento, la colaboración de instituciones públicas como el Ayuntamiento de Sant Cugat y el Teatre-Auditori y el compromiso de empresas como Cinesa y HP entre otros. También continuará la colaboración con la asociación de medios de comunicación especializados en cine Blogos de Oro para repetir los premios de la crítica del festival.
Serendipia’s Sitges Film Festival 2016. Sexta cápsula
MIÉRCOLES 12 DE OCTUBRE
A la producción franco-belga Grave se le ha hecho un flaco favor calificándola como una cinta sangrienta, gore. Ángel Sala la definió como la It Follows de esta edición del festival. Y, si bien tiene su punto carnívoro, no es, ni de lejos, lo que cualquier Gorehound consideraría una película fuerte. Pero para nada es desdeñable. Muy al contrario para Serendipia fue, con diferencia, una de las cintas de temática fantástica que personalmente más le gustó. Dirigida por la joven Julia Ducournau, que debuta en el largometraje, Grave nos cuenta como reacciona Justine (Garance Marillier), una joven de 16 años que se ha criado con una familia vegetariana cuando en una prueba de iniciación universitaria come carne cruda.
Julia Ducournau (Foto: Serendipia)
Ducournau ha medido los tiempos de Grave con cronómetro. Aunque durante gran parte de la cinta no suceda nada extraño, y mucho menos terrorífico, no resulta aburrida, muy al contrario, la historia está tan bien narrada que hace que nos interesemos por los jóvenes protagonistas y por como se desenvuelven en su nuevo habitat universitario, donde serán objeto de las novatadas de los veteranos. Todo desde un punto de vista muy diferente a como lo contaría un director americano. Los personajes resultan muy cercanos, reales. En especial las dos hermanas protagonistas y en particular Garance Marillier, actriz que debutó junto a la directora en su primer cortometraje, Junior (2011) y que ahora recupera para su primer largometraje demostrando que Ducournau tiene buen olfato, pues gran parte del éxito que pueda tener su película se deberá a esta actriz, que tan bien desarrolla su personaje sin forzados histrionismos y realizando una auténtica transformación conforme avanza la cinta.
Una película adulta, impecable, en la linea de otras producciones terroríficas francesas, en la que la carne humana se convierte en una adición con su propio síndrome de abstinencia y desbordándose, claro, cuando llega el despertar de los sentidos. El despertar de la carne para la joven virgen. Y esta catarsis no será gráfica a lo Nekromantik 2, pero igualmente satisfactoria para el que esto les narra. Sin duda Grave es una de las set pieces de terror de Sitges 2016, como así se lo supieron reconocer otorgándole los premios a la mejor dirección novel; el del Jurado Jove a la mejor película; y el Méliès d’Argent a la Mejor Película Europea. Galardones que se suman al premio Fipresci que ya había obtenido en Cannes, y sin olvidar que la cinta va a ser distribuida por Universal, lo cual podría suponer un buen espaldarazo para la prometedora carrera de la directora gala, fan declarada del cine de Cronenberg y Lynch.
UN INCISO: ASH VS. SITGES FANDOM
(Foto: Serendipia)c
Serendipia decidió dejarse caer por la rueda de prensa que ofrecía Bruce Campbell. Y allí estaba el mismísimo Ash. Pero ciertamente no habíamos traído nada para que nos firmara, puesto que pensamos que sería una misión de lo más difícil, por no decir imposible pero, fue terminar la rueda de prensa y el hombre, amablemente, se ofreció a firmar a todos un objeto, eso sí, sin dedicatoria ni fotografía, pues tampoco se trataba de eternizar la cola. Además, había otros compromisos. En ordenada cola Campbell firmó a todos ante la estupefacción, todo hay que decirlo, de la organización, que no se esperaba esta iniciativa, totalmente improvisada, por parte del actor, que también tuvo para todos una frase amable o divertida en spanglish. Sabemos de buena tienta que lo mismo sucedió tras el pase de Bubba Ho-Tep (2002), sesión que compartió con el bueno de su director, Don Coscarelli. Y finalmente se organizó una tercera y última sesión de firmas, de forma totalmente improvisada, pero con una buena afluencia de público. Pues bien, aún así, hay quien dice que Bruce Campbell fue un cretino (bueno, no fue exactamente este el adjetivo empleado) y un divo. Y no nos parece justo, ya que eso es mentira. Fue amable, firmó cuanto pudo (en sesiones improvisadas y de forma totalmente personal, ya que no tenía porqué hacerlas) y además estuvo la mar de simpático. O sea, que no hagan caso de lo que oigan por ahí.
Y AHORA, SIGAMOS CON LAS PELÍCULAS
Con autógrafo de Bruce «Stay Groovy» Campbell en nuestro cuaderno, fuimos a por la siguiente película. Más cine oriental de la mano de uno de los directores más inclasificables y favoritos de Serendipia, Sion Sono, de quien se estrenaba Anti-Porn, un film totalmente experimental no apto para todos los públicos que se desarrolla en un único escenario repleto de colores chillones y actrices en lencería. La cinta está protagonizado por su actriz fetiche, Ami Tomite, que encarna a una artista de prestigio que mantiene una sádica relación con su asistente. De pronto alguien grita “¡corten!”, y la personalidad de la protagonista se escinde en varias capas de delirio. Diálogos absurdos y abstractos, visitas al baño y algún desnudo como pequeña relectura del Roman Porno japonés, un subgénero tan prolífico en el pasado como desaparecido en la actualidad. Digamos que después de ver el año anterior dos fantásticas muestras del genio de Sono como son Ravu & Pîso y Tag, pues como que no nos terminó de convencer su nueva propuesta, que confirma al director, eso sí, como uno de los más desquiciados talentos del cine japonés.
Todavía en cortocircuito Serendipia se las tuvo que ver con una de las películas más polémicas, a su pesar, del festival. Y es que aunque la mexicana, Tenemos la carne, juega a la provocación, cogió cierta fama mal entendida. Se escribió en un periódico, y se compartió en otros, que el público abandonaba la sala por el terror que inundaba la pantalla y no, no fue ni mucho menos eso lo que hizo que algunos asistentes se fueran del cine, fue por la crudeza de sus escenas sexuales. Parte del público huyo incómodo por la sordidez trasmitida por alguno de sus planos. Y es que desde que Buñuel mostró la cara oscura del mismo México que inundó las pantallas de imposibles películas folclóricas protagonizadas por Jorge Negrete y Pedro Infante, se incrustó en la memoria colectiva ese otro México nada luminoso, oscuro, que directores como Ripstein no se han cansado de mostrar, de lucir casi con orgullo. Ese México sórdido que nos ha traído cintas como Somos lo que hay (Jorge Michel Grau, 2010) herederas, al igual que esta Tenemos la carne, de Los olvidados (1950), pero también del universo particular de Alejandro Jodorowsky. Un México miserable, sucio, podrido y sin esperanza que también retrataron programas televisivos como Duro y directo y revistas de sucesos como Alerta!, que bien repletas de fotografías a colores, inundaron los quioscos. El joven director y guionista Emiliano Rocha Minder nos introduce en un México apocalíptico, en el que encontramos a Mariano (magnífico Noé Hernández), una mezcla de pordiosero y gurú que malvive en una cueva con forma de vientre materno. Allí vivirán también los hermanos Lucio (Diego Lamaliel) y Fauna (María Evoli), a los que el perverso hombre iniciará en una extraña relación sexual en la que tendrá cabida todo. Canibalismo, sexo, sangre, suciedad, incesto, semen, necrofilia y escenas oníricas en un universo de basura, cartón y madera en el que no hay lugar para la luz ni la esperanza. Sin lugar a dudas un debut abrumador y en total libertad el de este director que inició su carrera a los dieciséis años y que desde entonces no ha parado de hacer de todo en relación al cine. Compartimos con ustedes una entrevista realizada por nuestros amigos de ScifiWorld que sirve como colofón de oro para este sexto día, que dejó en la mente de Serendipia dos películas inolvidables.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 18 de noviembre *
LA LLEGADA (Arrival, Denis Villeneuve, 2016)
USA Duración: 116 min. Guión: Eric Heisserer (Relato: Ted Chiang) Música: Jóhann Jóhannsson Fotografía: Bradford Young Productora: Paramount / FilmNation / Lava Bear Films / 21 Laps Entertainment Género: Ciencia ficción
Reparto: Amy Adams, Jeremy Renner, Forest Whitaker, Michael Stuhlbarg, Mark O’Brien,Tzi Ma, Nathaly Thibault, Pat Kiely, Joe Cobden, Julian Casey, Larry Day, Russell Yuen, Abigail Pniowsky, Philippe Hartmann, Andrew Shaver
Sinopsis: Cuando naves extraterrestres comienzan a llegar a la Tierra, los altos mandos militares contratan a una experta lingüista (Amy Adams) para intentar averiguar si los alienígenas vienen en son de paz o suponen una amenaza. Conforme la mujer aprende a comunicarse con los extraterrestres, comienza también a experimentar flashbacks extremadamente realistas que llegarán a ser la clave que dará significado a la verdadera razón y gran misterio de esta visita extraterrestre… Adaptación del relato corto «The Story of Your Life» del escritor Ted Chiang, ganador de los reconocidos premios de ciencia ficción Hugo y Nebula.
“Nadie es serio a los 17 años cuando hay tilos en el paseo”, escribió Rimbaud. El adolescente está abierto a la sensualidad, ante su ingenuidad todo parece circundado de emoción, sus ojos lo aspiran todo y su corazón se arroba ante la inmensidad por descubrir. El adolescente se busca a sí mismo investigando el mundo, definirse es en parte buscar las claves del todo, es por eso que a los 17 toda idea que nos llega, que nos toca, arraiga y construye auténticas autopistas por las que circularán siempre más nuestros modos de pensar la vida. De interpretarla. De sentirla.
¿Por qué hablo de esto? Porque quiero retrotraerme, no a mis 17 sino a mis 18 años, para tratar de explicar por qué me emociona tanto Arrival. A esa edad llegaba yo por primera vez a la universidad, con sed de conocimiento, con hambre de aprehender todas las esencias, las intelectuales y las vitales, esto es, las existenciales. Maleable como el estaño, una afirmación que no dejó de repetir el Dr Valverde, mi profesor de Historia de la Filosofía, se me quedó grabada a fuego: el pensamiento es lenguaje. No podemos pensar sin usar significantes y significados, la naturaleza de la palabra nos condiciona. Condiciona nuestra manera de interpretarnos y, más allá aún, condiciona nuestra manera de entender el mundo y la vida. Para mí aquello fue todo un descubrimiento y siempre más he perseguido la comprensión de las estructuras del lenguaje para iluminarme sobre cuál es el sentido de que esté aquí (en esta existencia condenada a muerte) y ahora, en un horizonte de tiempo limitado que, sin embargo, me permite esbozar (casi rozar) la idea de eternidad.
Si, como yo, ustedes son de aquellos a los que el pensamiento abstracto les hace vibrar, entonces deben detener su lectura de inmediato si aún no han disfrutado de la última obra de Denis Villeneuve, porque todo lo que yo escriba y ustedes lean a partir de aquí es susceptible de ser considerado spoiler (me temo que, a los que no amen las abstracciones, les he perdido hace ya muchas líneas). Hecha la advertencia, continúo mi exposición con la compañía de quienes quieran adentrarse en mi escritura, que es en verdad mi lectura (estaría bien que por una vez, y aunque no haya de servir de antecedente, quienes la compartan o la rebatan, dejen aquí su comentario).
Amy Adams es la Dra. Louise Banks, excepcional filóloga, reputada, especialmente, por sus dotes de traductora. Para Banks el lenguaje es el pegamento que nos aglutina, el vehículo del afecto y la comprensión, pero también puede ser el arma que nos ponga en pie de guerra cuando caemos en malentendidos lingüístico-culturales. Herramienta privilegiada de comunicación cuando es bien usado, cuando se generan equívocos, en cambio, puede ser fuente de conflictos encarnizados. Como traductora sabe bien que hay que hilar muy fino en la asignación de significados a la lengua traducida, si se hace bien esa labor, estamos facilitando la comunicación entre dos sistemas de pensamiento distintos, que es tanto como decir que estamos tendiendo un puente entre dos culturas. El término ‘Arma’ designa a los dispositivos usados para atacar o defenderse, los instrumentos para matar; pero también puede hacer meramente referencia a un inofensivo medio para conseguir algo, una simple herramienta de trabajo. Dirimir en qué sentido lo está usando el interlocutor puede evitar una guerra o, al contrario, provocarla. Así de trascendente es su trabajo cuando el ejército estadounidense la reclama para hacer de intérprete de los extraños seres cuyas naves han descendido (como monolitos, sí) sobre distintos puntos de la tierra. De ella puede depender la paz mundial.
No está sola en ese trabajo, la acompaña en su labor el Dr. en física Ian Donnelly, bien encarnado por Jeremy Renner. Humanidades y ciencia colaborando juntas para un mismo objetivo. Las dos culturas, como las denominó C. P. Snow, apoyándose y acabando así con el inconveniente que veía el propio Snow en su ruptura, para él la falta de interdisciplinariedad es uno de los principales escollos para la resolución de los problemas mundiales. No es, pues, casual que la adaptación del relato de Ted Chiang, Historia de tu vida, les haya dado esa formación a sus dos personajes centrales: sólo desde la cooperación de las dos ramas principales del saber humano podrá alumbrarse un horizonte de cero conflictos.
Pero, ¿qué es lo que puede llegar a tener en común la filología y la física? La búsqueda de pautas de regularidad a partir del único lenguaje universal: las matemáticas. Física y lingüística, además, se ocupan del estudio de uno de los objetos que más nos gustaría controlar: el tiempo. Y Arrival, que nos habla de la conciliación universal de las culturas, es también una película sobre paradojas temporales (no siendo, además, gratuito, que lo sea).
La naturaleza del tiempo es una cuestión abierta en física, de una parte tenemos una experiencia directa de que recordamos el pasado y no el futuro, a esto lo llamamos “la flecha del tiempo”, así, si lo miramos desde la física newtoniana, el tiempo es absoluto, todos los observadores miden el paso del tiempo de la misma forma y verifican que su ritmo es el mismo para todos ellos. Pero todo cambia desde la perspectiva del paradigma cuántico. En dicha teoría el tiempo no es igual que el resto de parámetros observables. De hecho, se sabe que no podemos definir relojes cuánticos perfectos. No podemos definir un reloj basado en un sistema cuántico que nos dé un paso del tiempo usual, ¡siempre hay probabilidad de que el reloj funcione hacia atrás en el tiempo!
¿Qué ocurre con el tiempo teorizado por la lingüística? Es una categoría del verbo que nos permite establecer el antes y el después de un acto de habla. Podemos considerarlo como una línea doblemente orientada (hacia atrás, el antes, hacia delante, el después) respecto a un origen que no es absoluto sino variable. El tiempo verbal, que puede formularse como vector, nos permite imaginar temporalidades relativas desde las que se haga posible viajar en el tiempo hacia el pasado y hacia el futuro. Es el tiempo del lenguaje el que nos permite pensar el tiempo de la física, puesto que es la base de nuestras estructuras conceptuales.
Desde ambas disciplinas se pueden enunciar paradojas temporales. Si Nolan, en Interestelar, partía de la física teórica para adentrarse en el terreno de la posibilidad de cambiar el futuro, Villeneuve hace lo mismo apoyándose en el universo que permite concebir mentalmente la lingüística. Si son las estructuras del lenguaje las que nos hacen posible conceptualizar el tiempo, determinando además nuestra percepción del mismo, bien podemos plantearnos la posibilidad de que existan lenguas con estructuras verbales que permitan otra percepción del tiempo en la que se difuminen las nociones de principio y final. Si esto fuera así, podríamos recordar el futuro e incidir en él.
En Arrival la llegada de las naves, las reacciones humanas ante ello, la operación militar para determinar la naturaleza del contacto, la distinta actitud ante ello de las potencias y países afectados, no son más que el macguffin de la historia (como lo es la intriga sobre el uranio en Encadenados, por poner un ejemplo). Un macguffin muy bien llevado, tanto que podemos disfrutar del filme quedándonos sólo con ello. Villeneuve dosifica con maestría la intriga en una obra que destaca también por su imagenería visual, con los justos efectos especiales. Suficientes para dar espectacularidad, pero no tan excesivos que velen el tono intimista del enfoque. Porque el punto de vista desde el que seguimos la historia es el de la Dra. Banks, una protagonista casi absoluta, que no es una heroína de acción sino la mejor cabeza pensante implicada en la trama (cosa que nos vuelve a hacer repetir algo que hemos venido considerando: la mayor relevancia de los papeles femeninos en el cine reciente). Arrival nos mantiene en vilo hasta su plano final, inquietos y expectantes por cuál vaya a ser el desenlace.
El final podrá parecer insuficiente a algunos espectadores. Por eso les recomiendo que no asistan al visionado esperando un final épico y efectista como lo tenían Encuentros en la tercera fase o Contact, (películas ambas que tienen concomitancias con esta cinta). Yo les digo que, aunque carezca de esa fastuosidad en su estructura superficial, eso queda compensado con la profundidad de su conclusión en la estructura profunda. Porque el mensaje último que contiene la cinta es que vivimos limitados por una temporalidad de la que sabemos muy poco, pero que eso no importa a la hora de afirmar la vida. Nuestro reloj biológico nos hace caducos, pero desde nuestra efemiridad somos capaces de enunciar la eternidad. Gracias al lenguaje podemos proyectarnos en el tiempo y reconocer que es bien poco lo que sabemos sobre finitudes o infinitudes. Pero lo importante es que siendo, como somos, capaces de nombrar la muerte futura, ello no nos es óbice para obstinarnos en vivir. Y decir con Zaratustra/Nietzsche: “¿Era esto la vida? ¡Sea otra vez!”
Serendipia’s Sitges Film Festival 2016. Quinta cápsula
MARTES 11 DE OCTUBRE
Este año Serendipia se ha centrado especialmente en ver películas, y la mayor parte de ellas las ha visto en l’Auditori y Tramuntana, las dos salas que están ubicadas en el Melià, zona apartada de lo que es el Sitges real, la ciudad. Pero siempre nos reservamos uno o dos días para volver a la vida: ir al Retiro, al Prado, (procurando dedicar el día al cine de animación), visitar los stands de la playa, ver el mar… recuperarse un poco de tanta sala oscura.
Kim Tae-Ri, que debuta con La doncella (Foto: Serendipia)
Pero eso no significa que no acudiéramos puntualmente a nuestra primera cita cinéfila en l’Auditori. La coreana La doncella (Ah-ga-ssi) de Park Chan-wook es un perverso cuento de hadas cargado de sutil erotismo. Con un exquisito diseño de producción, nos cuenta una historia de amor vista desde tres puntos de vista, mediante los cuales el director jugará con el espectador, llevándolo de un lugar a otro, pero sin salir nunca de una perfecta estructura que contendrá intriga, terror, comedia y, sobre todo, cine con mayúsculas. La cinta, que adapta la novela Fingersmith de Sarah Waters, nos cuenta el arco de transformación que atravesará su protagonista Sookee (Kim Tae-Ri), carterista profesional que acepta un macabro encargo: convertirse en la criada de una dama, Lady Hideko (Kim Min-hee) y colaborar para robarle la herencia. Sin embargo, el plan se verá alterado cuando las dos jóvenes comiencen a sentirse atraídas la una por la otra. La doncella traslada la acción de la novela a los años treinta, a la Corea ocupada por los japoneses, para erigirse en un filme de tintes góticos y con la exuberancia visual de Park Chan-wook, repleta de belleza cromática y emoción a flor de piel. Para Serendipia fue un auténtico orgasmo cinéfilo. Una maravilla que podrá disfrutarse a partir del próximo 2 de diciembre en nuestras pantallas gracias a La Aventura Audivisual.
Y de ahí, más flotando que caminando, visita al entrañable Prado para ver la cinta japonesa Your name (Kimi no na wa) escrita y dirigida por Makoto Shinkai. Un anime de amores adolescentes con equívocos sexuales y con paradojas temporales, ya que sus protagonistas, Aki y Mitsuha descubrirán un día que durante el sueño sus cuerpos se han intercambiado. Comenzando entonces a comunicarse por medio de notas. A medida que consigan superar torpemente un reto tras otro, se irá creando entre los dos un vínculo que poco a poco se convertirá en algo más que romántico. Otra maravilla de uno de los
Bill Plympton (Foto: Serendipia)
nombres imprescindibles del cine animado nipón, que debutó en el largo con The Place Promised in Our Early Days (2004), al que siguió 5 Centimeters per Second (2007) y que podremos ver gracias a Selecta Vision. Y de anime japonés en el Prado, al Retiro para ver animación con carácter underground de la mano de Bill Plympton. Revengeance es una producción financiada mediante crowfunding dirigida al alimón por Plympton y Jim Lujan, que se han repartido el trabajo y que nos narra los avatares de Rod, un cazarrecompensas que recibe el encargo de un senador de los Estados Unidos que le encarga que localice a una mujer que le robó algo de gran valor. Lo que parecía un encargo sencillo pronto se complicará entre pandillas de moteros, sectas siniestras, drogadictos y polis corruptos. Una road movie delirante con una animación sencilla, bastante menos cuidada de lo habitual en Plympton, que nos presentó él mismo. Tras la proyección Bill Plympton montó un tenderete improvisado en el exterior de El Retiro donde vendió películas y dibujos que le quitaron de las manos. Independencia underground total.
Lamentablemente el buen nivel descendió en parte con el thriller Let me Make you a Martyr, ópera prima de Corey Asraf y John Swab con claras reminiscencias al policíaco de los setenta plagado de muchos e ingeniosos diálogos, colores apagados, casi inexistentes y un villano memorable interpretado por Marilyn Manson. Pero a pesar de sus cinco años de gestación, supo a poco, la verdad.
Al día siguiente vendrían los momentos más viscerales del festival y… ¡Bruce Campbell!
Serendipia’s Sitges Film Festival 2016. Cuarta cápsula
LUNES 10 DE OCTUBRE
Amaneciendo el día más tormentoso, metereológicamente hablando, de Sitges 2016 (foto: Serendipia)
De nuevo Serendipia madrugando en un día que amenaza lluvia, como finalmente fue. Afortunadamente será una jornada en la que primará el buen cine con respecto al malo y en la que habrá de todo: directores clásicos, nuevos talentos españoles y el remake (en este caso innecesario) de turno. Vayamos pues a por ello.
Salt and Fire, la última película de Werner Herzog, era de visión obligada. Lo que se inicia como un inquietante relato de secuestros, perpetrados por una sofisticada guerrilla sudamericana, termina siendo un juego con trasfondo ecológico, casi un engaño, de Herzog al espectador. Un engaño impecablemente rodado, eso sí, como sólo un buen director como Herzog sabe hacer, captando la terrible desolación de los paisajes naturales que muestra, como ese fascinante océano de sal que cualquiera diría pertenece a otro mundo. Nadie ha rodado nunca como Herzog la belleza de lo inhóspito. A esas imágenes añade una tan extraña como conveniente banda sonora y unos actores convincentes en sus papeles. Junto al ascendente Michael Shannon, el director cuenta con un casi episódico Gael García Bernal y sobre todo Veronica Ferres, que ofrece todo un recital interpretativo abandonada a su suerte en ese inmenso desierto junto a dos niños ciegos. Una de las más poderosas e inolvidables imágenes con las que Salt and Fire despertará sentimientos de amor o de odio en el espectador. Pero sentimientos, que no es poco. 
Muy diferente a Salt and Fire pero también proveniente de otro veterano como es Paul Schrader fue Dog Eat Dog, que nos pareció toda una declaración de principios y un puntapié en las partes para los directores jóvenes. Porque Schrader es un veterano, sí, pero demuestra que sabe escupir bilis cuando conviene. Y que sabe rodar a la maniera de Tarantino sin despeinarse. Divertida y salvaje, Dog Eat Dog fue otro de los buenos momentos que ofreció el festival de Sitges. Colores degradados, dibujos animados y lenguaje descarnado para esta comedia salvaje, tan violenta como divertida en la que el director experimenta con colores y texturas: «El cine vive un momento en el que puedes
Paul Schrader, en el festival de Sitges. (Foto: S. Sáez -EFE)
mezclar casi cualquier cosa (…): una escena al estilo Cassavettes, al estilo Errol Morris, al estilo Bertolucci, al estilo Welles y al estilo Michael Bay. No pasa nada. Puedes permitirte este tipo de libertad.»
Un cartoon hiperviolento y lisérgico que debe también gran parte de su mérito a los actores escogidos, pues Willen Dafoe, Nicolas Cage y Christopher Matthew Cook están, textualmente, que se salen.
Afortunadamente estas dos piezas cargaron las pilas de Serendipia de buen cine con el que hacer frente a Blair Witch, de la que no esperábamos gran cosa, la verdad, pero que viniendo de Adam Wingard decepciona aún más tras haber visto aceptables cintas de este director como Tú eres el siguiente (You’re Next, 2011) y The Guest (2014). Lo que nos ofrece en Blair Witch es más de lo mismo en un remake disfrazado de secuela con los adelantos tecnológicos actuales, léase teléfono móvil y dron. Sustos absurdos y diálogos vergonzantes en una de las menos interesantes cintas que tuvimos ocasión de ver durante el festival (si no la más). Para usar, tirar y no volver a recuperar.
Afortunadamente, quedaba otra bala en la recámara que consiguió que Serendipia no marchara a su cubil con mal sabor de boca. Pet, del barcelonés Carles Torrens, del que ya habíamos visto otras cintas tan correctas como Emergo (2011) y el exitoso cortometraje Sequence (2014), salvó la papeleta.
Con una factura que la hace pasar como producción
Dominic Monghan, Ksenia Solo y Carles Torrens (Foto: Pau Marti)
foránea, no en vano está producida entre España y Estados Unidos, Pet está protagonizada por Dominic Monaghan, rostro que les resultará familiar gracias a su participación en la trilogía de El Señor de los Anillos de Peter Jackson o en la serie Perdidos (Lost, 2004-2010) y Ksenia Solo, actriz letona que participó en El cisne negro (Black Swam, 2010) de Darren Aronofsky. Ambos actores interpretan un duelo interpretativo durante el cual cambiarán su rol de cazador y presa. Ganador del premio Cine365 otorgado en Sitges, Carles Torrens ha convertido el galardón en este suculento largometraje, un psicothriller rodado con poco presupuesto, en sólo cuatro días, protagonizado por dos personajes aislados que tienen mucho más en común de lo que creen. Resulta inevitable que nos traiga a la mente películas como El coleccionista (The Collector, William Wyler, 1965) o Chained (Jennifer Lynch, 2012), pero añade una perversa vuelta de tuerca que la diferencia de estas. Pet es voluntariosa e intenta abrir caminos dentro del cine de género (más o menos) español, pero su guión tiene agujeros que abren interrogantes que la película no responde de forma lógica.
Resumiendo ese lunes: una magnífica cosecha con tan solo un punto oscuro pero que era de obligada visión. El día siguiente traería una de las mejores, sino la mejor, película del festival. Pero eso será en la próxima cápsula.
ECC cierra el año con varios broches de oro: Sueshiro Maruo, Junji ito, Watchmen y DC
Además, diciembre es el mes en el que se celebra el Salón Internacional del Tebeo de Madrid, Expocómic, evento en el que disfrutaremos de autores tan relevantes como Mikel Janín (Batman) o Mark Buckingham (Fábulas), y en el que además podréis adquirir los cinco títulos de diciembre relacionados con Renacimiento con una portada exclusiva únicamente a la venta en la feria.
CUTRECON VI regresa con el peor cine musical del 25 al 29 de enero de 2017
CutreCon, el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid, regresa con la que ya es su sexta edición, que se celebrará del 25 al 29 de enero del próximo año, para traer a la capital algunas de las peores películas que pueden verse en una pantalla de cine pero manteniendo la filosofía de “tan malas que son buenas”. En esta ocasión y tomando el relevo del peor cine policíaco de la pasada edición, el nuevo eje temático será el cine musical: filmes llegados de todos los rincones del planeta donde sus protagonistas cantan, bailan y, sobre todo, hacen el mayor de los ridículos. Para dar cabida a esta selección de “joyas” fílmicas que abarcan todo tipo de géneros, nacionalidades y presupuestos – desde producciones de Hollywood que no salieron tan bien como sus creadores pensaban, hasta películas que no llegan ni a los cien euros de inversión llegadas del mismísimo corazón de África – los responsables de CutreCon han decidido ampliar en un día la celebración del festival, pasando de las cuatro jornadas habituales a cinco, comenzando de este modo el miércoles 25 de enero y concluyendo el domingo 29 de ese mes. Cinco intensos días en los que se ofrecerá una programación con sesiones tanto gratuitas como de pago, pensada para que los espectadores se rían e indignen a partes iguales ante lo que sus ojos ven y sus oídos sufren, y que será anunciada durante las próximas semanas.
SEDES
Al igual que en la pasada edición, tres serán las sedes que acojan la programación de CutreCon VI: el céntrico Cine de la Prensa – Plaza de Callao, 4 –, donde se inaugurará el festival el miércoles 25 y se realizarán otras sesiones aún por confirmar; el Auditorio del Centro Cultural de la Casa del Reloj – Paseo de la Chopera, 10 – que, como viene siendo habitual desde que CutreCon comenzara allá por 2011, es el lugar en el que se proyecta el grueso de la programación de forma gratuita; y la sala Artistic Metropol – Calle de las Cigarreras, 6 – dedicada al cine alternativo e independiente, que albergará la ya famosa maratón con la que cierra el festival en su última jornada.
EL PEOR CINE MUSICAL
Si la pasada edición de CutreCon tuvo como eje temático las películas policíacas o protagonizadas por policías, ahora es el turno de un género tan popular como el musical, que la mayoría de los espectadores asocian a clásicos como Cantando bajo la lluvia, Siete novias para siete hermanos, West Side Story o Sonrisas y lágrimas. Filmes de culto completamente alejados de lo que se verá en CutreCon VI: musicales traídos de todo tipo de países de los cinco continentes que harán enrojecer de vergüenza ajena al público, desafiarán sus tímpanos con canciones que no son dignas de una gasolinera, y les harán enloquecer con bochornosas coreografías que convierten a los alumnos de una guardería en bailarines profesionales. Una “cuidada” selección de películas musicales que probablemente no haga bailar y cantar a los espectadores, pero que sí que hará que se retuerzan en sus butacas de la risa.
TEASER PÓSTER
El cartel es obra de Carlos Casas Carpintero, artista gráfico que desde la primera edición de CutreCon se encarga de la dirección de arte de todo el material gráfico del festival. En esta ocasión, y como no podía ser de otra manera, el teaser póster – el cartel definitivo se mostrará en enero – remite a los musicales con un colorido y una tipografía en la linea de Staying Alive, aquella lamentable secuela de Fiebre del sábado noche dirigida por Sylvester Stallone, que acompañan a una gran bola de discoteca que resume perfectamente el ambiente festivo y delirante de lo que será la sexta edición de CutreCon.
La CutreCon está organizada por los responsables de la web de cine y humor Cinecutre.com con el apoyo del Distrito de Arganzuela de Madrid, contando además con la colaboración del Cine de la Prensa, Movistar+, las distribuidora Trash-O-Rama, la sala de cine Artistic Metropol, Conejornio Producciones, el show VHZ y la red Cortoespaña.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 11 de noviembre de 2016 *
LAS FURIAS (Miguel del Arco, 2016)
España Duración: 125 min.Guión: Miguel del Arco Fotografía: Raquel Fernández Nuñez Productora: Aquí y Allí Films / Kamikaze Producciones S.L. / Televisión Española (TVE) Género: Drama
Reparto: José Sacristán, Mercedes Sampietro, Bárbara Lennie, Carmen Machi, Emma Suárez, Alberto San Juan, Elisabet Gelabert, Raúl Prieto, Gonzalo de Castro, Pere Arquillué
Sinopsis: Marga (Mercedes Sampietro), una mujer de casi setenta años, anuncia a sus tres hijos que quiere vender la casa de verano familiar para luego emprender un largo y misterioso viaje. Los invita a pasarse por allí lo antes posible para elegir muebles, enseres o recuerdos que quieran conservar antes de que la venta se lleve a cabo. Héctor (Gonzalo de Castro), el hermano mayor, propone aprovechar el mismo fin de semana en el que deshagan la casa entre todos para celebrar en familia su boda con la mujer con la que lleva más de quince años viviendo, y de la que todos esperaban que se separara (Emma Suárez). La familia vivirá un fin de semana dividido entre: qué ha pasado, qué te pasa, no me puedo creer que esto esté pasando, eso nunca debió pasar y ha pasado lo que tenía que pasar… una típica reunión familiar.
Las Furias, que abrió la Semana Internacional de Cine de Valladolid, es la primera película dirigida y escrita por el prestigioso dramaturgo Miguel del Arco (como actor, podemos recordarle por su inquietante Sr. Reciful en Rojo Sangre (2004) de Christian Molina), es un filme que peca de falta de contención. Todo resulta excesivo. Desde el reparto de campanillas hasta ese clímax que no es una catarsis, es, lo han adivinado, un exceso. Resulta loable el intento de retratar lo que hay detrás de una familia, sus delitos y faltas, sus pecados y sus zonas oscuras. Sus rencores y sus furias. Algo que ya Chávarri, con la ayuda inestimable de la familia Panero/Blanc, nos legó en forma de la imprescindible El desencanto (1976), o mucho más tarde Fernando León de Aranoa en su , para muchos, mejor película, Familia (1996). Y no es que esté nunca de más recordar y mostrar las hipocresías que hacen que, cuando algunas familias se reúnan, surjan las las chispas ocultas durante el resto del año. Pero así, no.
El tratamiento de los personajes no ayuda a que simpaticemos con ninguno de ellos. Los actores, sobradamente preparados, campan a sus anchas llegando, en algún caso, a la más flagrante sobreactuación. Tampoco ayuda que la relación entre ciertos personajes resulte claramente inverosímil (o cuanto menos esté mal perfilada). Pero todo comienza a importar de poco a nada conforme la acción avanza hacia ese culmen en el que, si bien la abuela no fuma, al menos se ha sacado una amante joven y el hijo de turno anuncia que tiene una enfermedad incurable, mientras el pobre Pepe Sacristán deambula a trompicones interpretando a un enfermo de Alzheimer y varios personajes intentan, sin éxito, suicidarse.
El planteamiento de Del Arco es ambicioso, pero visto el resultado, hay que decir que es demasiado ambicioso. Ha querido dar a su obra una pátina de universalidad, de esa universalidad que gozan las tragedias de Shakespeare, la misma que respiran los mitos, pero su impericia como director de cine la deja reducida a la pretenciosidad. De nada sirve aludir a las Furias, esas fuerzas primigenias de la venganza del crimen contra la familia, si luego el diseño de personajes es pobre y la construcción de la trama resulta vaga y mal fundamentada. El resultado es una obra ampulosa y deslavazada en la que todo acaba siendo forzado y gratuito. Toda una lástima.
JACK REACHER: NUNCA VUELVAS ATRÁS (Jack Reacher 2: Never Go Back, Edward Zwick, 2016)
China/USA. Duración: 118 min. Guión: Richard Wenk, Marshall Herskovitz, Edward Zwick (Novela: Lee Child) Música: Henry Jackman Fotografía: Oliver Wood Productora: Paramount Pictures / Skydance Productions / TC Productions Género: Acción.
Reparto: Tom Cruise, Cobie Smulders, Danika Yarosh, Aldis Hodge, Sue-Lynn Ansari, Teri Wyble, Holt McCallany, Robert Knepper, Tilton Lipoma, Madalyn Horcher, Michael PapajohnPatrick Heusinger
Sinopsis: Jack Reacher (Tom Cruise), ex policía militar, regresa de nuevo al cuartel general de su antigua unidad para reunirse con la comandante Susan Turner (Cobie Smulders) pero ésta ha sido arrestada por traición y encarcelada. Reacher, sabiendo que es inocente, le ayudará a escapar de la cárcel para finalmente destapar la verdad detrás de una gran conspiración del gobierno que incluye el asesinato de soldados.
Basada en la obra de Lee Child, Jack Reacher: Nunca vuelvas atrás, que supone su décimo octava novela de la serie de bestsellers sobre el personaje que ha vendido más de 100 millones de libros en todo el mundo, esta cinta es una secuela de Jack Reacher (2012) que ha dirigido Edward Zwick («El último samurái», «Diamantes de sangre»). y ha sido producida por el propio Cruise. Esta nueva entrega de las entretenidísimas aventuras del ex-comandante Reacher añade, por si este no tuviera ya bastantes problemas, una cierta tensión sexual encarnada por la comandante Turner, a la que debera proteger de los que la intentan quitar de enmedio, y la posible paternidad de una adolescente, cuyo pescuezo también tendrá que vigilar. Pero da igual, Reacher puede con todo lo que le pongan por delante. Y más teniendo en cuenta que la comandante Turner es una temeraria mujer de acción. No en vano la actriz, Cobie Smulders, no ha utilizado doble para sus escenas de acción tras un duro e intensivo entrenamiento de ocho semanas.
Con un inicio que nos introduce directamente en la trama, sin dar respiro ni pausa al espectador, se nos ofrecerá una historia que mezclará espionaje con conspiraciones gubernamentales, humor y mucha acción, siempre con los malos pisando los talones de los protagonistas que, afortunadamente, tienen buen fondo. Con un climax ambientado en Nueva Orleans en plena celebración de Halloween (y allí si que lo viven de verdad), la cinta es un buen espectáculo de acción que, sin llegar al nivel de su predecesora, resulta más que ideal para una buena tarde de cine y palomitas.
DESPUÉS DE LA TORMENTA (Umi yori mo mada fukakuaka, Hirokazu Koreeda, 2016)
Japón. Duración: 117 min. Guión: Hirokazu Koreeda (AKA Hirokazu Kore-eda) Música: Hanaregumi Fotografía: Yutaka Yamazaki Productora: Aoi Promotion Género: Drama
Reparto: Hiroshi Abe, Lily Franky, Isao Hashizume, Sôsuke Ikematsu, Kirin Kiki, Satomi Kobayashi, Yôko Maki, Taiyô Yoshizawa
Sinopsis: A pesar de haber empezado una prometedora carrera de escritor, Ryota va de desilusión en desilusión. Se ha divorciado de Kyoko y gasta todo el dinero que gana como detective privado apostando en las carreras, por lo que finalmente no puede pagar la pensión alimentaria de su hijo de 11 años, Shingo. Ahora Ryota intenta ganarse nuevamente la confianza de sus seres queridos.
Un drama impecablemente interpretado, con ingeniosos diálogos y unas gotas de humor que recaen, en su mayor parte, en el personaje interpretado por la veterana Kirin Kiki, actriz que nos conquistó por su papel en Una pastelería en Tokio (An, Naomi Kawase, 2015), y que también participó en Nuestra hermana pequeña (Umimachi Diary, 2015), anterior película de Koreeda y otras cuatro de sus cintas. También Hiroshi Abe (Kiseki/Milagro) y Yôko Maki (De tal padre tal hijo), repiten con el director japonés. Como vemos este tipo de historias intimistas provenientes de Japón se están abriendo hueco en las carteleras españolas tras su paso por los diferentes festivales.
Después de la tormenta, cuyo título en japonés, Umi yori mo mada Fukaku, significa «Aún más profundo que el océano» (letra que hace referencia a una famosa canción japonesa de Teresa Teng), tuvo su estreno mundial en la última edición del Festival de Cannes, en la sección Un certain regard. Después de su paso por la Sección Perlas del Festival de San Sebastián, la película ha sido recientemente premiada con el Espejo de Plata, máximo galardón del festival noruego Films From the South, celebrado en Oslo en octubre de 2016.
Después de la tormenta quizás no sea la mejor película de su director, su historia deriva de un personaje a otro y, hasta que no se centra, no parece ir hacia ningún lugar concreto. Aunque quizás ahí estribe su encanto: el ser tan solo una visita furtiva a la vida de sus protagonistas. Sin grandes cambios para su existencia. Un día cualquiera. Pero que, a través de las vivencias del protagonista, nos conduce a una importante reflexión sobre el crecimiento personal (hacerse mayor no es sinónimo de madurar); la paternidad responsable; la necesidad de modelos y de aprobación; y, sobre todo, de cómo la pérdida es, tantas veces, el motor que nos hace descubrir el valor de lo que teníamos.
Los toques de humor que caracterizan al director japonés y el sabio contenido de la película, permiten que finalmente sea un profundo mensaje optimista el que trasciende dentro de un paisaje melancólico.
Norberto Ramos del Val y Antonio Trashorras en Regia Films
De nuevo buenas nuevas desde Regia Films que anuncian interesantes lanzamientos y reediciones. Entre ellos destacan dos recientes películas españolas. Por un lado continúan editando la filmografía de Norberto Ramos del Val, una inclasificable bestia del cine independiente del cual después de editar El último fin de semana (2011) y Faraday (2013), publican Amor Tóxico, la última locura del director cántabro en la cual se ha acompañado de los actores Eduardo Ferrés, Ann Perelló, Mariu Bárcena y Álvaro Lafora.
Sinopsis: Reconfortante como un buen vaso de estricnina; reparador como un caldo con cristales molidos; tonificante como una bocanada de antrax: así es el amor tóxico que nace en esta comedia romántica disfuncional y marciana. Toni, que dice no entender a las mujeres, e Irene, una chica “especial” (por llamarlo de alguna forma) quedan por internet. Una cita que deriva en conversación bizantina sobre amor, sexo (y sexos), batalla dialéctica en la que el desconcierto acecha tras cada esquina.
Si somos muy de Norberto, también lo somos de Antonio Trashorras. Tras su bastante incomprendido debut en el largo con El callejón (2011), llega Anabel, una propuesta totalmente diferente estrenada, al igual que la anterior, en el Festival de Sitges y en la que ha contado también con la participación de Ana de Armas, actriz que ha dado el salto al otro lado del charco, (donde se encuentra rodando actualmente Blade Runner 2049 para Denis Villeneuve), además de Rocío León y Enrique Villén. Para el crítico John Tones, Anabel es un «homenaje extremadamente claustrofóbico al cine de terror de los setenta.»
Sinopsis: Tras la marcha, en circunstancias algo turbias, de Anabel, sus dos compañeras de piso deben buscar alguien más con quien compartir el alquiler. El elegido es un señor mayor que logra ganarse su confianza, pero que pronto se descubrirá como una presencia extraña e inquietante.
Pero Regia también anuncia otra novedad protagonizada por el mejor cine británico y con calidad Blu-ray. Walkabout de Nicolas Roeg está basada es una novela escrita por James Vance Marshall y publicada por primera vez en 1959 que trata acerca del viaje emprendido a través de la zona interior de Australia por dos niños estadounidenses perdidos junto a un aborigen australiano que se encontraba realizando su rito de paso a la madurez, el Walkabout, que dura varios meses.
Y para terminar decirles que, si como el que esto les cuenta se despistaron y se quedaron sin algún título de la Colección Giallo, sepan que se están reeditando algunos, así que entren en Regia y pídanlos, pues ahora es el momento de aprovechar y completar tan imprescindible colección.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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