Sinopsis: Neïla Salah (Camélia Jordana) es una joven del extrarradio parisino que sueña con ser abogada. Se ha matriculado en la facultad de Derecho más importante de París, pero el primer día de clase Neïla tiene un enfrentamiento con Pierre Mazard (Daniel Auteuil), un profesor conocido por ser provocativo y por hablar fuera de tono. Para redimirse y por orden del director del centro, se le propone al profesor que ayude a Neïla a preparar una importante prueba a nivel nacional. Aunque cínico y exigente, Pierre sería la ayuda ideal que Neïla está necesitando… Pero para ello tendrán que empezar los dos por superar una serie de prejuicios.
El coronel Pickering da el mismo trato distinguido a una florista que a una dama, el amigo de Henry Higgins es también su antítesis, porque Higgins también trata igual a una dama que a una florista, pero en su caso la equivalencia viene porque se dirige a ambas con la misma desconsideración. Higgins es un cínico que parece rayar casi la misantropía, sin embargo Liza Doolitle no hubiera podido tener mejor profesor porque su hacer desconsiderado esconde, en verdad, un concepto democrático de la educación, todos pueden alcanzar gracias a ella el mismo status. Si traigo a colación los personajes de Bernard Shaw, es porque su espíritu sobrevuela el trabajo de Yvan Attal, Una razón brillante puede ser vista como una revisión del mito de Pigmalion, nos encontramos con una joven arrabalera con una intensa voluntad de superación que topará en su camino con un hosco profesor que, pese a su cinismo y sus maneras hirientes (o quizás gracias a ello), sacará de ella lo mejor de sí misma.
Estamos ante un filme donde lo que más brilla son los caracteres que definen a sus personajes y la química que destila su interacción, una cinta de réplicas ágiles e ingeniosas, con una cámara entregada al duelo de sus protagonistas en el que sus interpretes lucen radiantes dando su mejor registro. En una película de este cariz el papel de los actores es fundamental y no se podría haber contado con mejor pareja que la que forman el veterano Daniel Auteuil y la joven cantante Camelia Jordana, que recibiría por su trabajo en esta película el Cesar a la Mejor Actriz Revelación. ¿Qué decir de Auteuil? Nada parece fuera de su alcance, es uno de esos actores capaces de abordar todo tipo de rol, en sus manos el cínico Pierre Mazard se manifiesta como un hombre sagaz, de inteligencia sobresaliente, que, sin embargo, es incapaz de relacionarse con los demás sin esa máscara de sarcasmo, sin ese tono despectivo de quien parece creer estar por encima de los demás, pero lo mejor de su interpretación es que el actor sabe hacernos notar que bajo su mordacidad se esconde un alma sensible que, en verdad, adopta esa postura casi como protección. Pierre Mazard encuentra en Neïla Salah su horma, la joven no conoce el desaliento ni se deja anular, la brusquedad del profesor parece estimularla y tiene siempre preparada la contraofensiva. Jordana ofrece una interpretación llena de matices, el suyo es uno de esos trabajos en el que la actriz desaparece detrás del personaje estando, como está, tan presente su arte.
Tampoco falta la tesis en Una razón brillante. El suyo es un mensaje optimista pues nos dice que, pese a todas las cortapisas que ponen los prejuicios, pese al peso del ambiente, nada está predeterminado, nada condiciona de tal modo que no podamos salir del puesto en el que parecía habernos colocado la parrilla de salida. La idea que se afirma con convicción es que la educación siempre será capaz de cambiar nuestro destino.
EL JUSTICIERO (Death Wish, Eli Roth, 2018)
USA. Duración: 107 min. Guion:Joe Carnahan,Wendell Mayes (Novela: Brian Garfield) Música: Ludwig Göransson Fotografía: Rogier Stoffers Productora: MGM / Cave 76. Distribuida por Annapurna Pictures Género: Acción
Sinopsis: Paul Kersey (Bruce Willis) es un famoso cirujano que vive felizmente con su familia en Chicago. Un día, su esposa (Elisabeth Shue) y su hija (Camila Morrone) son brutalmente atacadas en su casa. Paul, que siempre había sido un tipo tranquilo, siente cómo la sed de venganza va apoderándose de él. Con la policía sobrecargada de crímenes, decide tomar la justicia por su mano e ir en busca de los agresores de su familia y de paso enfrentarse a todo tipo de criminales que se cruzan en su camino.
A medida que sus víctimas captan la atención de los medios, la ciudad se pregunta si este vengador es un ángel guardián… o un ángel justiciero.
Charles Bronson hacía, allá por los setenta, lo que a muchos nos hubiera gustado hacerle al abusón del colegio en El justiciero de la ciudad (Death Wish, Michael Winner, 1974), una película áspera y dura que con posterioridad fue tachada de fascista. En la cinta, Paul Kersey, el personaje que interpretaba Bronson con una inexpresividad que le iba de perlas, encarnaba a un arquitecto muy cabal que deja de serlo cuando unos ladrones matan a su mujer. Como el sistema no hace justicia, decide hacerla él mismo, cargándose, de paso, a cuanto pendenciero se cruza en su camino.
Bastante más tarde llegaron varias secuelas de la original, así como copias, muchas copias, las cuales fueron a parar directamente a los estantes de los videoclubs… hasta ahora, que el bueno de Eli Roth se atreve a meterle mano a esta historia. Y bajo nuestro punto de vista lo ha hecho de forma bastante inteligente, pues ha actualizado la forma, que no el fondo, adaptándola a estos tiempos de telefonía móvil, cámaras omnipresentes y compra-venta libre de armas. Sin tomar partido, Roth nos narra la historia, le pone unas gotas de humor, sobre todo en ese gore descarnado, poco, pero bienvenido, ideal para desengrasar el drama, y nos cuenta, de la mano del simpático y siempre eficaz Bruce Willis, una historia de venganza que muchos tacharán de reaccionaria, más que nada porque ya se escribió en su momento en algún sitio y es tradición en estos tiempos copiar-pegar lo que otro dicen.
A Serendipia le ha parecido una propuesta hasta saludable, y más en estos tiempos injustos en los que ladrones con acta de diputado dilapidan las arcas del Estado, dando la sensación de que cuanto más roban menos tiempo se pasan en presidio (si lo llegan a pisar), mientras enarbolan la bandera de la cadena perpetua, perdón, prisión permanente revisable para los delitos de sangre.
Además de Bruce Willis, Vincent D’Onofrio(Los siete magníficos), Elisabeth Shue(Leaving Las Vegas), Camila Morrone, Dean Norris (Breaking Bad) y Kimberly Elise(El gran debate), completan el reparto. Una propuesta ideal para los que pasarán este Vía Crucis en su ciudad.
EL CLUB DE LOS BUENOS INFIELES (Luis Segura, 2018)
España. Duración: 85 min. Guion: Luis Segura Música:MaikmaierFotografía: Miquel Prohens Productora: WKND / Casual Films / Escándalo Films
Reparto: Fele Martínez,Jordi Vilches,Hovik Keuchkerian,Raúl Fernández,Eszter Tompa,Juan Manuel Cifuentes,Albert Ribalta,Adrián Lastra
Sinopsis: Cuatro amigos de la infancia, todos ellos casados, se reencuentran en una cena de ex alumnos. Entre risas y borracheras, al final de la noche acaban reconociendo que quieren mucho a sus esposas, pero ya no las desean. Dispuestos a encontrar la solución, deciden crear un «club de infieles» para salir a espaldas de sus mujeres, ligar con otras y así recuperar el deseo perdido.Como la primera salida no sale como ellos esperan, contratan a un profesor de seducción que les ayudará a ponerse al día.
El Club de los buenos infieles representa un soplo de aire fresco en estos tiempo de corrección política. Se trata de una muy saludable comedia, una gran broma que provocará críticas encendidas entre ciertos sectores. Y, tan solo es, repetimos, una comedia. Una gamberrada muy bien dirigida con estructura de falso documental que consigue sobradamente su objetivo, entretener y, sobre todo, resultar divertida. Aunque sin ocultar cierto regusto amargo, pues toda broma, toda burla, oculta tras de sí una gran verdad.
Todos los actores del elenco se mueven como pez en el agua durante la narración, pero como es habitual, es Jordi Vilches, con su innegable vis cómica, el que despierta más risas. La comedia está interpretada, además, por Raúl Fernández de Pablo, Hovik Keuchkerian, Juanma Cifuentes, Albert Ribalta y Fele Martínez, que realiza una eficaz nueva lectura de la escena más famosa de Cuando Harry encontró a Sally (When Harry Met Sally…, Rob Reyner, 1989).
Esta especie de retorno al cine desarrollista de los setenta, de ligones casados y maduritos atacando, cubata en ristre, a cuanta fémina solitaria se cruza en su camino, tendrá su final, más o menos moralizante, para que nadie se escandalice, aunque con dosis de disparate de por medio.
Ópera prima de Lluís Segura, con guión del propio director junto a Enric Pardo (Todas las chicas besan con los ojos cerrados, La vida es corta y luego te mueres) El Club de los buenos infieles es una agradable sorpresa, una gran broma, sí, pero toda una temeridad en estos tiempos que corren, en los cuales todo lo que se dice, se hace y se escribe, se coge con pinzas y se analiza bajo el prisma de la corrección política. Repitan conmigo: Es solo una comedia; Es solo una comedia; Es solo una comedia…
READY PLAYER ONE (Steven Spielberg, 2018)
USA Duración: 140 min. Guion: Ernest Cline,Zak Penn (Novela: Ernest Cline) Música: Alan SilvestriFotografía: Janusz Kaminski Productora:Warner Bros. / Amblin Entertainment / De Line Pictures / Village Roadshow Pictures / Reliance Entertainment Género: Ciencia Ficción
Sinopsis: Año 2045. Wade Watts es un adolescente al que le gusta evadirse del cada vez más sombrío mundo real a través de una popular utopía virtual a escala global llamada «Oasis». Un día, su excéntrico y multimillonario creador muere, pero antes ofrece su fortuna y el destino de su empresa al ganador de una elaborada búsqueda del tesoro a través de los rincones más inhóspitos de su creación. Será el punto de partida para que Wade se enfrente a jugadores, poderosos enemigos corporativos y otros competidores despiadados, dispuestos a hacer lo que sea, tanto dentro de «Oasis» como del mundo real, para hacerse con el premio.
Ready Player One plantea a quien esto escribe unos sentimientos encontrados más allá de la película o de la historia en sí, por otra parte impecablemente narrada, como es (casi) habitual en Spielberg. Lo que vemos en pantalla sucede en 2045, algo por lo tanto muy cercano. No es un futuro de trajes plateados y pulcritud; como tampoco un erial apocalíptico. La vida sigue, si, pero es tan sumamente sórdida y gris que todo el mundo dispone de unas gafas de realidad virtual, con las que vive una existencia paralela en un universo imaginario, un juego llamado Oasis (¿lo cogen?), para el cual todos hemos creado un avatar. Al ser un universo creado, en parte, por los usuarios, muchos de los avatares forman parte de la cultura pop más rabiosa, por lo tanto el espectador puede distraerse buscando seres y personajes conocidos algo, que sin lugar a duda, conforma uno de los atractivos de este Ready Player One. Pero no es el único, otro de ellos será el meterse en una de sus películas favoritas pero, no nos distraigamos de lo que queremos contar, ni contemos más de la cuenta. Hablábamos de vivir una existencia virtual con una personalidad virtual en un mundo también virtual: ¿El resultado? pues lo que, sabiamente, expresa uno de los personajes del filme: «solo ves lo que quiero que veas; solo sabes lo que quiero que sepas». ¿Les suena esta actitud? Pues eso es lo que hasta cierto punto apenó a Serendipia, el ver que lo que nos cuenta esta historia no es, ciertamente, el futuro. Hablamos del ahora. Tan solo hace falta que los medios terminen de perfeccionarse.
El universo que conforma Oasis, el videjuego en el cual todos están inversos, se crea en 2025, un futuro, por tanto, cercano. Su creador es todo un nerd, que crea ese universo porque no conecta con el mundo real. Y es posible que, mañana mismo, las premisas de Oasis se hagan realidad. Tan solo hace falta subir al metro para ver como todos ustedes están conectados-integrados en su propio mundo virtual. Caminando por las calles sin mirar más allá de las pantallas. Y quien tiene el contenido de esas pantallas, tiene el poder. Así que, no es descabellado pensar que los que tienen el poder de nuestro mundo ‘real’, querrán poseer también el del virtual, refugio para muchos. Pero lo que pasa, más allá de la conspiranoia de turno es que, en este caso, Spielberg, y antes que él el autor de la novela, Ernest Cline, llegan tarde, pues el mundo virtual también está ya regido por los mismos que han decidido no dar tregua al proletario hasta despojarle de todo lo que posee. Incluso de la imaginación.
A Serendipia le da cierto miedo ese mundo virtual pero se mueve en él, de forma mínima, cierto es, pero forma parte de él. ProyectoNaschy es una página web, Amazon y Ebay son el paraíso, e incluso los dos entes que conforma Serendipia se conocieron, primero, de forma virtual, por tanto… Tampoco somos muy partidarios de esos juegos de rol, de crearse una mentira virtual pero, ¿qué es la lectura o el cine, sino formas de evadirse introduciéndose en las aventuras y en las vidas de los personajes que retrata. Siendo el héroe, riéndonos, llorando o pasando miedo con él. Con una creación de otro.
Aunque en su conclusión deje un rayo de esperanza, Ready Player One aboga por la vida virtual, pero claro, también por la fantasía. ¿Va hacia allí la fantasía? El cine y la literatura, en conjunto, lo que requiera de cierto esfuerzo mental ¿puede estar llegando a su fin, a resultar absoleto? Definitivamente la cultura del ocio, y en general la cultura y la forma de compartirla y asimilarla está cambiando continuamente. De hecho mientras leen esto se ha hecho un descubrimiento en esa dirección. Los nacidos en los sesenta y setenta (y no digamos los anteriores), somos reliquias/despojos de otra época. Muchos nos quedamos con lo de utilidad que para nosotros nos ofrece este mundo virtual, pero pronto quedaremos fuera. En un mundo de papel y soportes físicos del pasado. Amigos, estamos caducando y sus intentos de actualizarse son patéticos, tanto como cuando López Vázquez y Fernán Gómez se disfrazaban de Ye-yés para intentar ligar jovencitas en las discotecas de Benidorn. Siempre vamos a llegar muy tarde, hagamos lo que hagamos.
Por cierto, y volviendo a Ready Player One: es muy entretenida y muy emocionante. Pero cuanto menos sepan sobre ella, más emocionante y divertida les resultará, así que dejen de ver el trailer, no lean las opiniones de otros y métanse en el cine, déjense llevar. Entren en el Oasis…
Este libro se sitúa en dos tiempos: el presente, donde se efectúa un recorrido por la experiencia que ha significado The Return, y el pasado, donde se recorren las huellas que dejaron Laura Palmer, los últimos siete días de su vida, y el agente Cooper intentando descubrir los secretos de su existencia. Para lo segundo me he apoyado en un viejo libro que escribí en 1999 llamado Twin Peaks: 625 líneas en el futuro. Si lo leyeron en su día, puede que lo encuentren un poco cambiado y que no sea exactamente como lo recordaban. El recorrido por la tercera temporada me ha llevado inevitablemente a hacer conexiones con el pasado, y cuando me he visto obligado a volver a andar aquel camino he encontrado también un montón de afluentes que llevaban a su versión futura, por lo que en gran parte ha sido reescrito, actualizado y en algunos segmentos ampliado (y en otros reducido, los tiempos han cambiado mucho desde entonces y algunas partes ya no tenían mucho sentido).
Les invito pues, por vez primera o una vez más (quizá la última, quizá no) a atravesar las fronteras de ese pueblo que está situado a medio camino entre el mundo real y ese otro lado generado por la materia que da forma a los sueños…
(Una de las trece ilustraciones interiores. Obra de Aine)
Javier J. Valencia Javier J. Valencia nació en Bilbao (Vizcaya) en 1977. Realizó un curso de Realización cinematográfica en 1997 en la Academia Microbert de Barcelona donde trabajó en un par de cortometrajes efectuando tareas de jefe de producción (Sabor Rojo, Lluís Elías, 1997) y asistente de montaje (Con un pie en la tumba, Vinicious Gomes, 1998). Especializado en el mundo del guion, ha escrito los libretos de los cortometrajes Velada presencia (Dani Morell, 2011), Doble Angoixa (Dani Morell, 2017) y el multi-premiado en todo el mundo The Only Man (Jos Man, 2013). A través de CPA Salduie (Universidad de San Jorge) completó además un curso de Guion y Desarrollo de series de televisión. Además, Valencia es uno de los responsables de la página El pajaro burlón, web sobre cine, series y libros, que lleva en funcionamiento desde el año 2012 con éxito.
En su faceta paralela de divulgador cultural, editó el primer fanzine sobre Twin Peaks en España, “Ghostwood”, que tuvo cinco números entre 1995 y 1997. Para la editorial Recerca escribió primero un dossier sobre la obra de David Lynch El James Stewart de Marte (1997), y después el libro Twin Peaks: 625 líneas en el futuro en el año 2000.
Ha colaborado en páginas web sobre cine como Miradas de cine, Revista Fantastique o Phenomena Experience, y en revistas de papel como Caimán-Cuadernos de cine. También escribió David Lynch: el zar de lo bizarro, un libreto que se editó en el año 2006 junto con el DVD de “Fuego camina conmigo” de la distribuidora Cameo. Forma parte del staff que ha elaborado el volumen La guerra de los clones – Más allá de Star Wars (Applehead, 2018).
Géneros: Ensayo, Twin Peaks, David Lynch Formato: 14,68×21 Rústica con solapas. Portada brillo Páginas: 700 Papel: Ahuesado 90gr Autor: Javier J.Valencia Prólogo: Francisco J. Ortiz Portada: Pachu M. Torres Ilustraciones interiores: Aine Precio: 21,95€ ISBN: 978-84-947508-5-4 Fecha de lanzamiento: Abril de 2018
Incluye 13 ilustraciones a toda página, obra de Aine. Para todos aquellos que adquieran el libro directamente desde esta página, un minipóster (21×29,7cm) y un pequeño recortable de regalo.
¿Quieres leer las primeras páginas? Pues acceder a ellas desde aquí.
Los Blogos de Oro, grupo del que ProyectoNaschy tiene el honor de formar parte, ha tenido a bien otorgar, con los votos de todos sus componentes, los ‘Premios Blogos de Oro 2018’ a las diferentes disciplinas cinematográfico-televisivas. Así que, sin más preámbulo y felicitando a todos, tanto los premiados como los nominados, los ‘winner’ son:
Mejor Actriz en una serie Aura Garrido por “El ministerio del tiempo”
Carrie Coon por “The Leftovers”
Elisabeth Moss por “El cuento de la criada”
Malena Alterio por “Vergüenza”
Nicole Kidman por “Big Little Lies”
Mejor Actor en una serie
Alexander Skarsgård por “Big Little Lies” Javier Gutiérrez por “Vergüenza”
Jonathan Groff por “Mindhunter”
Nacho Fresneda por “El ministerio del tiempo”
Tom Hardy por “Taboo”
Mejor Serie española El ministerio del tiempo
La casa de papel
Las chicas del cable
Merlí
Vergüenza
Mejor Serie
Big Little Lies
El cuento de la criada
Mindhunter Rick y Morty
Twin Peaks
Mejor Banda sonora
Alexandre Desplat por “La forma del agua”
Benj Pasek y Justin Paul por “El gran showman” Hans Zimmer por “Dunkerque”
Leiva y varios artistas por “La llamada”
Steven Price y varios artistas por “Baby Driver”
Mejor Película de animación
Coco
En este rincón del mundo
Loving Vincent
Tadeo Jones 2. El secreto del Rey Midas Your name
Mejor Actor de reparto
David Verdaguer por “Verano 1993”
Jaime Ordóñez por “El bar”
Michael Shannon por “La forma del agua”
Patrick Stewart por “Logan” Sam Rockwell por “Tres anuncios en las afueras”
Mejor Actriz de reparto
Adelfa Calvo por “El autor”
Allison Janney por “Yo, Tonya”
Ana de Armas por “Blade Runner 2049” Belén Cuesta por “La llamada”
Michelle Pfeiffer por “Madre!”
Mejor Actor principal
Gary Oldman por “El instante más oscuro”
Hugh Jackman por “Logan” James Franco por “The Disaster Artist”
James McAvoy por “Múltiple”
Javier Gutiérrez por “El autor”
Mejor Actriz principal
Daniela Vega por “Una mujer fantástica” Frances McDormand por “Tres anuncios en las afueras”
Jennifer Lawrence por “Madre!”
Jessica Chastain por “Molly’s Game”
Sandra Escacena por “Verónica”
Mejor Guión
Darren Aronofsky por “Madre!”
David Lowery por “A Ghost Story”
Guillermo del Toro y Vanessa Taylor por “La forma del agua” Martin McDonagh por “Tres anuncios en las afueras”
Paco Plaza y Fernando Navarro por “Verónica”
Mejor Película española
Handia
La llamada
Perfectos desconocidos
Verano 1993 Verónica
Mejor Cortometraje Estrella
“72 %” de Lluis Quílez
“La habitación de las estrellas” de Ilune Díaz “Marta no viene a cenar” de Macarena Astorga
“The App” de Julián Merino
“Podéis ir en paz” de Manuel Aguilar
Premio Especial Terrormolins al Mejor Corto de Terror – “Menú” de Carlos Bigorra
Mejor Dirección
Carla Simón por “Verano 1993” Christopher Nolan por “Dunkerque”
Darren Aronofsky por “Madre!”
Guillermo del Toro por “La forma del agua”
Kathryn Bigelow por “Detroit”
Mejor Baratometraje
“Dhogs” de Andrés Goteira
“Ekaj” de Cati González
“La vida y nada más” de Antonio Méndez Esparza – Mención especial “La mano invisible” de David Macián
“Verano Rojo” de Carles Jofre
Mejor Película
A Ghost Story
Dunkerque
La forma del agua
Madre! Tres anuncios en las afueras
«ROMAN J. ISRAEL, ESQ.»,
PROTAGONIZADA POR DENZEL WASHINGTON,
SERÁ LA PELÍCULA DE CLAUSURA DEL BCN FILM FEST 2018
El popular intérprete fue nominado al Oscar a Mejor Actor Protagonista
por este trabajo, que tendrá su première española en el festival
ROMAN J. ISRAEL, ESQ., la película por la que Denzel Washington obtuvo su última Nominación a Mejor Actor Protagonistaen la última edición de los Oscar,pondrá el broche final a la segunda edición del Festival Internacional de Cine de Barcelona-Sant Jordi (BCN FILM FEST) como Película de Clausura el viernes 27 de abril.
La película es el segundo trabajo como director del reputado guionista norteamericano Dan Gilroy, responsable de los libretos de grandes éxitos de taquilla como «Kong: La isla Calavera» o «El Legado de Bourne» yque con su debut en la dirección con la impactante «Nightcrawler», protagonizada por Jake Gyllenhaal, consiguió el aplauso de la crítica y una nominación al Oscar a Mejor Guión Original. Tanto en esta película como en ROMAN J. ISRAEL, ESQ, Gilroy firma el guion además de ejercer de director.
Además de Denzel Washington, la película cuenta con otras caras conocidas como Colin Farrell («El sacrificio de un ciervo sagrado», «La seducción»), Carmen Ejogo («Alien: Covenant», «Animales fantásticos y dónde encontrarlos») y Amanda Warren(«Tres anuncios en las afueras», «Black Mirror»).
ROMAN J. ISRAEL, ESQ cuenta la historia de un abogado defensor idealista y con vocación, cuya vida cambia drásticamente al morir su mentor, un icono de los derechos civiles. Cuando es contratado por una empresa dirigida por uno de los antiguos estudiantes de ese legendario hombre, una turbulenta serie de eventos desafían el activismo que siempre ha definido la carrera de Roman.
Puedes consultar toda la información sobre esta película y el resto de nuestra programación en la página web del festival.
Puedes seguir toda la actualidad, promociones y noticias del BCN FILM FESTa través de nuestras cuentas de Twitter, Instagram y Facebook: @bcnfilmfestival y BCN Film Festival.
Los viajeros del tiempo es una película deudora de la ciencia ficción pulp de los años treinta. Con una argumento de lo más ingenioso, Ib Melchior, director y guionista del filme, supo mezclar paradojas temporales bien elaboradas, con ciencia ficción apocalíptica y el resultado, aún siendo una serie b futurista de las muchas que se rodaron durante los años de la Guerra Fría, no deja de estar un tanto por encima gracias a sus trabajados efectos especiales y al uso del color, que le añade una fuerza visual y dramática muy interesante. La acción de Los viajeros del tiempo arranca el 11 de julio de 1964 desde un laboratorio en el que tres científicos: el Dr. Erik Von Steiner (Preston Foster) y sus ayudantes Steve (Philip Carey) y Carol (Merry Anders) están probando una máquina del tiempo que han creado. Enfocada en un punto del campus de la universidad desde la que trabajan, pueden ver los avances de su invento en una gran pantalla. Con ellos también se encuentra Danny, un técnico en computadores (Steve Franken). En un momento del experimento se produce un accidente, los circuitos se sobrecargan y el tiempo se acelera deteniéndose 107 años en el futuro. Un futuro apocalíptico, pues en la pantalla solo puede verse un desierto aparentemente desabitado. También se percatarán de que la pantalla se ha convertido en una puerta, “una grieta en el espacio tiempo por la que puede pasar la materia” por la cual no tardarán en colarse los cuatro protagonistas para darse un paseo por ese devastado paisaje, saliéndoles a su encuentro unos deformes mutantes con aviesas intenciones. Huyendo de ellos se introducirán en una cueva, en la que serán rescatados por los últimos descendientes de los hombres “normales” y sus androides. Allí se adentrarán en un microcosmos habitado por súper científicos que
¡Androides antropomórficos!
pondrán al profesor y equipo al día de lo sucedido. Les explican que siguen en la Tierra, concretamente en el año 2017 y que el mundo se ha extinguido “por la locura del hombre”, a excepción de esos cien científicos, que están construyendo una nave con la que partir hacia un nuevo planeta habitable, Alfa Centauro 4, en un viaje de varias generaciones de duración que realizarán en animación suspendida, mientras los androides se hacen cargo de los pormenores de la travesía. La partida va a ser inminente, así que les proponen ayudarles a reconstruir su ventana del tiempo para que retornen al pasado. Pero aquí se produce la primera paradoja temporal, pues en vista del desastre acontecido, está claro que nadie llegó del futuro para avisar a la Humanidad del peligro que se avecinaba. No pueden volver, así que les proponen unirse a ellos en el viaje a Alfa Centauro, pero la nave no tiene suficiente capacidad, así que construirán una nueva puerta. El tiempo se echa encima, la nave va a partir y la puerta temporal está casi a punto cuando son invadidos por los mutantes, que sabotean el despegue de la nave, destruyéndola, mientras que nuestros protagonistas consiguen activar la puerta y entrar en ella junto a algunos habitantes de aquel mundo.
Aparecen en el campus, pero cuando van al laboratorio se ven a sí mismos antes del incidente. Dándose cuenta de que el tiempo allí es mucho más lento, tanto que casi parecen inmóviles, mientras que ellos se mueven tan rápidos que un minuto equivale a un año. Por lo que de seguir así, pronto morirán de viejos y desaparecerán. El tiempo, que prosigue inexorablemente, parece haberles tendido una trampa, repitiendo los acontecimientos hasta llegar al accidente que inició todo, y mientras la máquina del tiempo avanza hacia 2017, ellos deciden entrar aleatoriamente en la pantalla, antes de que se detenga. Y veremos que han tomado una buena decisión, pues lo que se nos muestra es lo más parecido a un paraíso. Por su parte, tras detenerse la
Los placeres de Alfa Centauro 4
máquina en 2017 todo volverá a comenzar, repitiéndose todo lo que hemos visto una y otra vez, una y otra vez, una y otra vez…
En esta ingeniosa fantasía, técnicamente muy bien resuelta, tanto las maquetas como las transparencias siguen funcionando lo suficiente como para haberla convertido en una joyita camp de ciencia ficción en la que resulta fundamental el uso del color. Junto a estos efectos ópticos, algunos personajes realizan trucos de magia, que ofrecen un resultado de lo más marciano a esta fantasía, que contiene algunos momentos impagables, como la interpretación de Reena (Delores Wells) con el Lumicor, una especie de instrumento musical mezcla de órgano y theremin, o la visita a la sección de montaje y fabricación de androides, cuya música no ayuda a que la tomemos muy en serio. Y es que en Los viajeros del tiempo el humor no falta, monopolizado casi en su totalidad por el personaje de Danny, interpretado por Steve Franken al que muchos recordarán como aquel inolvidable camarero que progresivamente va emborrachándose en El guateque (The Party, 1968), la magnífica comedia de Blake Edwards. Este personaje, el más mundano de cuantos habitan la película de Melchior, no tarda en calibrar las posibilidades de confraternizar carnalmente con las habitantes de ese mundo futuro, obteniendo un gran éxito con Reena, una muy turgente humana interpretada por Delores Wells, popular por haber protagonizado el desplegable central del Playboy de junio de 1960, además de haber
Delores Wells Playmate junio 1960 nos espera en el futuro.
participado en algunas de las fantasías surfistas protagonizadas por Frankie Avalon y Annette Funicello. También destaca el veterano Preston Foster como Von Steiner, así como la participación como extra (con frase) de Forrest J Ackerman, padre de todos los coleccionistas de memorabilia de cine fantástico y gran especialista en literatura de ciencia ficción. Por su parte los mutantes, algunos de los cuales miran despreocupadamente riendo a la cámara, estaban encarnados por jugadores de baloncesto, concretamente de Los Angeles Lakers.
Esta fantasía lamentablemente no ayudó a levantar la carrera de Ib Melchior como realizador, que tan solo dirigió un título más, The Angry Red Planet. Nacido y educado en Dinamarca, Melchior se dio tempranamente cuenta de que lo que le tiraba era el faranduleo, así que se unió a una compañía teatral británica para recorrer mundo. Tras la Segunda Guerra Mundial, que pasó en el Servicio de Inteligencia de Estados Unidos, se introdujo en televisión y más tarde en el cine,
ejerciendo especialmente de guionista del género que más le agradaba: la ciencia ficción, colaborando en los guiones de Reptilicus (Sidney W. Pink, 1961),Journey to the Seven Planet(Sidney W. Pink, 1962) y Robinson Crusoe on Mars (Byron Haskin, 1964). También se encargó de los textos de la versiones americanas de El rey de los monstruos (Gojira no gyakushû, Motoyoshi Oda, 1955) bautizada allí como The Volcano Monsters y Terror en el espacio (Mario Bava, 1965), allí Planet of the Vampires. Además de diversos trabajos televisivos en series como The Outer Limitso Men Into Space, escribió
Ib Melchier (1917-2015)
The Race, historia en la que se basó La carrera de la muerte del año 2000 (Death Race 2000, Paul Bartel, 1975) y su remake de 2008. Pero a pesar de que sus guiones para Robinson Crusoe on Mars (Byron Haskin, 1964) y The Time Travellersinspiraron claramente los de las series televisivas de Irwin Allen Perdidos en el espacio (Lost in Space, 1965) y El túnel del tiempo (The Time Tunnel, 1966-67), respectivamente,sin ser en ningún momento acreditado, Melchior prefirió no litigar para no tener que enfrentarse al poderoso productor televisivo y poder seguir trabajando en Hollywood sin problemas. Mucho más tarde y quizás reconociendo su deuda con él, Prelude Pictures le contrató como consultor en su película Perdidos en el espacio (Lost in Space, 1998, Stephen Hopkins), pero Melchior nunca recibió el pago estipulado de beneficios y aunque en esta ocasión si pleiteó, la Corte Suprema se negó siquiera a revisar el caso.
Afortunadamente hubo quien si pareció reconocer sus méritos: en 1976 la Academy of Science Fiction and Horror Films le concedió un Saturn Award como Mejor Escritor por el conjunto de su carrera.
(Artículo publicado previamente en Klowns Horror Fanzine Nº 6 Especial viajes en el tiempo, 2017)
Sinopsis: Pauline (AnnaLynne McCord) es una adolescente alienada que sufre presiones en el instituto, debe complacer a sus padres y desea ardientemente perder la virginidad. Su hermana pequeña, que sufre una fibrosis quística, es en todo lo opuesto a Pauline, y centro de atención de la posesiva y obsesionada madre. Debido a su extravagante curiosidad por el lado más oscuro de la vida, Pauline es considerada una marginada social por todos los que la rodean. Atraída por la carne, se abandona a sus propias fantasías y esperanzas de convertirse en un gran cirujana.
Presente en varios festivales de cine fantástico y de terror, Excision debe situarse en parámetros más cercanos a las cintas del último John Waters o del Todd Solonz de Bienvenido a la casa de muñecas (Welcome to the Dollhouse,1995), pero el elemento gore y sangriento y su argumento, definitivamente weird, la ha llevado a situarse en unos derroteros totalmente diferentes, aunque no del todo ajenos, como son los del cine fantástico.
Seleccionada en la edición de 2012 de Sundance, Excisionestá basada en el cortometraje que con idéntico nombre dirigió en 2008 el mismo Richard Bates Jr. y que les ofrecemos en esta misma entrada. Si bien el cortometraje sirvió de base para el largometraje, viéndolo de manera autónoma no da, ni mucho menos, la sensación de que se trate de un cortometraje alargado, pues se han enriquecido los personajes, otorgándoles profundidad, y se han abierto nuevas e interesantes subtramas, como la de la urgente necesidad que tiene Pauline de perder su virginidad; la relación de esta con sus compañeros de estudios y, sobre todo, con la religión, ausente en el corto. También, y lo que es más importante, el tono del largometraje es más paródico si lo comparamos con el del corto, resultando por lo tanto más impactante e inesperada la sangrienta conclusión, común en ambos formatos, aunque hay que decir que los motivos que llevan a la joven a realizar la intervención final quedan más claros en el cortometraje.
El papel de Pauline está encarnado por AnnaLynne McCord, actriz, directora y guionista cuyo aspecto físico no debe engañarles, también es modelo, a pesar de que consigue en Excision modelar un personaje alejado de todo glamour. AnnaLynne encarna a todo un perro verde, blanco de todos los compañeros de estudios. Entre los pesonajes que han ganado entidad al pasar al formato largo se encuentra la madre, interpretada por Traci Lords, antigua niña prodigio del cine porno norteamericano que borda su papel como mezquina fanática del orden; y el padre, que interpreta Roger Bart, que tantos bueno-malos momentos nos hizo pasar en Hostel 2 (Hostel: Part II, Eli Roth, 2007).
Sin llegar a ser una cinta abiertamente trasgresora, sí contiene escenas desagradables, mostradas de manera contenida, lo que unido a la presencia como actor de John Waters, interpretando a un predicador, y la mencionada Traci Lords, además de otros significativos iconos pop como Malcolm McDowell protagonista, ahora sí, de una de las cintas más trasgresoras de la historia del cine y, como director del instituto, al mismísimo asesino de Laura Palmer, Ray Wise, convierten la película en una fiesta referencial, con guiños a la contracultura cinematográfica, de la que no están exentos los artísticos sueños húmedos de la protagonista, mezcla de sangre, muerte y sexo, que redondean la propuesta llevándola más allá del cine de género.
En definitiva, una interesante película que podemos disfrutar en nuestros hogares tras su pase en diferentes festivales, y que Redrum nos ofrece con una magnífica calidad, atractiva presentación (esas cajas rojas…) aunque, eso sí, exenta de extras.
Noruega-Francia-Dinamarca-Suecia. Duración: 116 min. Guion:Joachim Trier,Eskil Vogt Música: Ola Fløttum Fotografía: Jakob Ihre Productora: Motlys / Eurimages / Film I Väst / Le Pacte / Nordic Film och TV Fund / Norwegian Film Institute / Snowglobe Films Género: Fantástico
2017: Festival de Sitges: Premio Especial del Jurado, Mejor guión
2017: Festival de Mar del Plata: Mejor actriz – Astor de Plata (Eili Harboe)
Sinopsis: Thelma, una joven y tímida estudiante, se despide de su religiosa familia de un pequeño pueblo de la costa oeste de Noruega para estudiar en la universidad en Oslo. Un día, en la biblioteca, es víctima de una convulsión violenta e inesperada. Poco después, descubre que se siente intensamente atraída por Anja, una joven estudiante que corresponde a Thelma en esta poderosa atracción. A medida que avanza el semestre, Thelma se siente cada vez más abrumada por sus intensos sentimientos por Anja (sentimientos que no se atreve a reconocer, ni siquiera a sí misma), y a la vez sufre convulsiones cada vez más graves. Cuando empieza a quedar claro que las crisis son un signo de sus facultades sobrenaturales, inexplicables y a menudo peligrosas, Thelma se enfrenta a trágicos secretos de su pasado, y a las aterradoras repercusiones de sus poderes.
Eili Harboe da cuerpo a Thelma, una joven de severa formación católica que por primera vez debe separarse de sus padres cuando empieza la universidad. Joachim Trier regresa a sus tierras nórdicas para traernos esta cinta que en parte podríamos definir como un singular cruce del Bergman de Fanny y Alexander(1982) y el Stephen King de Carrie. La película advierte en su cabecera de que contiene imágenes centelleantes que pueden provocar ataques epilépticos y no advierte en vano, así nos aproxima el director, casi experimentalmente, a las sensaciones vividas por la protagonista. Thelma llama cada día a sus padres, habla con su padre de hecho, la figura más severa, y les cuenta todo lo que experimenta, por su formación nunca ha probado el alcohol, ni el tabaco, ni casi ha frecuentado amigos, es por eso que todo lo que le ocurre en la universidad, todos los mundos que conoce, causan en ella una honda impresión, un sentimiento ambivalente que se refuerza con esa llamada diaria. Por una parte su nueva vida la llena de sensaciones atractivas, por otra, entran en conflicto con su educación, todo se complicará además cuando conozca a Anja (Kaya Wilkins) y sienta por ella una atracción más allá de la amistad. La respuesta de la joven es física, cada nuevo conflicto le provoca unos ataques nerviosos muy similares a la epilepsia y, mientras tanto, extraños fenómenos se suceden. La búsqueda de un diagnóstico la llevará a una investigación sobre sí misma que la hará descubrir cosas sobre su familia que le han sido ocultadas y, a la vez, aprenderá sobre su poder, su fuerza sobrenatural. Thriller psicológico de tempo pausado, uno teme que la vertiente fantástica resulte ambigua al final, pero no, Trier sostiene su apuesta sobrenatural y nos acaba ofreciendo uno de los títulos más sólidos de los que se ofrecieron durante la pasada edición del festival de Sitges, no en vamo se alzó con un premio especial del jurado (lo que es lo mismo que decir que gran parte del jurado se inclinó ante esta cinta en lugar de la ganadora), así como al mejor guión. Todo un nuevo enfoque del género en esta cinta plenamente de autor ¿estará tranformándose el fantástico? De momento dejo la pregunta meramente formulada.
GRINGO. SE BUSCA VIVO O MUERTO (Gringo, Nasch Edgerton, 2017)
USA. Duración: 110 min. Guion:Matthew Stone,Anthony Tambakis Música: Christophe Beck Fotografía: Eduard Grau Productora:Blue-Tongue Films / Denver and Delilah Productions / Amazon Studios / Double Barrel VFX / Pictures in a Row Género: Thriller
Sinopsis: Harold (David Oyelowo) es un ejecutivo de una importante compañía farmacéutica estadounidense que debe viajar a México por trabajo. Allí descubre que su laboratorio colabora con los narcos en la comercialización del Cannabax, una nueva droga sintetizada a partir de la marihuana. Entre sus feroces jefes, los narcos, mercenarios internacionales y la policía persiguiéndole, Harold pasará de ser un ciudadano ejemplar a un desafortunado delincuente.
Un reparto de lujo para esta cinta multigénero en la que predomina la comedia protagonizada por David Oyelowo, cuyas aventuras y desventuras traen a la memoria embrollos protagonizados por Eddie Murphy o Richard Pryor.
Mezcla explosiva de comedia y acción, Gringo. Se busca vivo o muerto, cuenta con la participación de Joel Edgerton, Sharlto Copley y una explosiva Charlice Theron, dirigidos por Nash Edgerton, quien debutó en la dirección con el aclamado thriller australiano The square (2008).
Entretenida, muy loca y repleta de balas, quizás le falta acelerar algo más su ritmo para resultar endiabladamente redonda, pero en cualquier caso es una propuesta recomendable.
EL AVISO (Javier Carpalsoro, 2018)
España. Guion: Jorge Guerricaechevarría,Chris Sparling (Novela: Paul Pen) Fotografía: Sergi Vilanova Productora: Morena Films / Tormenta Films Género: Thriller
Sinopsis: Nico, un niño de diez años, recibe una carta con una amenaza de muerte, pero nadie en su entorno parece creerle. Jon (Raúl Arévalo), un joven obsesionado con los números, investiga una serie de muertes ocurridas a lo largo de los años en el mismo lugar y que parecen tener un patrón en común. Descifrar esta secuencia es lo único que podrá salvar a Nico.
Tras triunfar en su debut como director en Tarde para la ira, Raúl Arévalo regresa como actor en El aviso, donde interpreta a un joven obsesionado con las matemáticas y con un enigma que puede salvar la vida de un niño. De rostro inexpresivo su interpretación queda, en parte, compensada por la presencia de Aura Garrido, que junto a, entre otros, Belén Cuesta y Antonio Dechent, completan el reparto.
En palabras del director: “El aviso avanza con ritmo y decisión desvelando a unos personajes únicos que se enfrentan en universos paralelos a la misma situación. Los giros de guion y las sorpresas están servidas en este thriller de intriga donde nada es lo que parece, y, donde los sentimientos de amor y desesperación se entrecruzan creando una tela de araña cargada de emociones”.
Con guión de Jorge Guerricaechevarría y Chris Sparling, a partir de la novela homónima de Paul Pen, se sentirán defraudados los que intuyan en esta cinta un thriller policíaco, pues su argumento, del que cuanto menos sepan mejor para su disfrute, esconde una paradoja espacio-temporal con tintes fantásticos de lo más saludable como inédita en nuestro cine.
PETER RABBIT (Will Gluck, 2018)
USA/Australia. Duración: 95 min. Guion:Will Gluck,Rob Lieber (Libros: Beatrix Potter) Música: Dominic Lewis Fotografía:Peter Menzies Jr. Productora:Sony Pictures Animation / Animal Logic Entertainment / Olive Bridge Entertainment / Animal Logic / Columbia PicturesGénero: Comedia de animación.
Reparto: Con las voces originales de Domhnall Gleeson,Rose Byrne,Sam Neill,Sia,Bernardo Santos,Deborah Rock,Jill Buchanan,Vauxhall Jermaine,Ty Hurley Margot Robbie,Daisy Ridley,Elizabeth Debicki,James Corden
Sinopsis: Adaptación del cuento clásico de Beatrix Potter de un conejo rebelde que intenta colarse en el codiciado huerto de Thomas McGregor (Domhnall Gleeson) y que contará con el afecto de la cariñosa amante de los animales que vive al lado (Rose Byrne).
Peter Rabbit, la primera adaptación para la gran pantalla del clásico inglés de Beatrix Potter, es una mezcla perfecta de animación y live-action que consigue sorprender al espectador por su buena factura. Pero además de su perfección técnica, la película de Will Gluck se beneficia de un divertido guión, muy gamberro y dinámico, a lo que se suma un conjunto de expresivos personajes, lo que en conjunto consigue que la cinta sea apta para toda la familia, así los padres tendrán un perfecta excusa para reírse a carcajadas junto a los más pequeños.
Protagonizada en su, recomendable, versión original por Rose Byrne y Domhnall Gleeson y producida por Animal Logic, el estudio australiano de producción de animación y efectos especiales (La Lego Película), la cinta cuenta con las voces en castellano de Dani Rovira en el papel de Peter, y las actrices Belén Cuesta y Silvia Abril como las mellizas Pelusa y Pitusa.
EL FESTIVAL ISLA CALAVERA PREMIARÁ LOS MEJORES CORTOS DE GÉNERO FANTÁSTICO DEL CINEDFEST
– El Festival de Cine Fantástico de Canarias celebrará su segunda edición del 21 al 25 de noviembre de 2018.
Santa Cruz de Tenerife, 21 de marzo de 2018.- El Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera y el Cinedfest han firmado un acuerdo de colaboración según el cual la organización del primero decidirá los dos mejores cortometrajes participantes en la quinta edición del Festival Educativo de Cine para Centros de Enseñanza de Primaria, Secundaria, Bachillerato y Formación Profesional, dentro de la categoría de cine fantástico (fantasía, terror, ciencia ficción) en los niveles educativos de Bachillerato y FP/CEPA.
Así, además de la dotación habitual con la que Cinedfest premia esta categoría, el Festival Isla Calavera dará nombre al galardón y obsequiará a los responsables de los cortos ganadores con bonos (un máximo de diez por cada producción ganadora) para entrar de forma gratuita a todas las sesiones programadas durante su segunda edición, que se celebrará del 21 al 25 de noviembre de 2018.
De otro lado, los dos trabajos galardonados se proyectarán en Multicines Tenerife (C.C. Alcampo, La Laguna) en el marco de la programación de la próxima edición del Festival Isla Calavera .
El Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera está organizado por la Asociación Cultural Isla Calavera junto a Multicines Tenerife, y cuenta con el patrocinio del Área Tenerife 2030 del Cabildo Insular, la Universidad de La Laguna y la Fundación Cine+cómics. Colaboran: la Asociación Cultural Charlas de Cine, la publicación especializada TumbaAbierta.com, Ksa Mario, el Aula de Cine de la Universidad de La Laguna y Tenerife Film Commission.
En colaboración con Penguin Random House Grupo Editorial, el próximo 14 de abril a las 17:00 horas, Francisco Ibáñez (Gran Premio del Salón del Cómic en 1994) y el actor y coleccionista de cómics Carlos Areces (Autor Revelación del Salón del Cómic en 2007) tienen una cita con los seguidores y fans de los personajes más emblemáticos del dibujante español en el marco del 36 Salón Internacional del Cómic de Barcelona. El evento tendrá lugar en el Auditorio del Pabellón 5. El acceso al mismo se realizará desde las 16:45 horas por orden de llegada hasta completar aforo.
El 20 de enero, Mortadelo y Filemón, los agentes especiales más famosos de la T.I.A., cumplieron 60 años. Desde esa primera aparición en la revista Pulgarcito hasta ahora, los personajes favoritos de muchas generaciones de españoles han trabajado sin parar, pero no parece que el Súper esté dispuesto a darles ni un respiro ni hay atisbo de poder solicitar la jubilación anticipada.
Un jovencísimo Ibáñez asomó la cabeza en la editorial Bruguera en el año 1957, dispuesto a revolucionar el mundo de la viñeta española tras haber pasado por otras publicaciones relevantes de la época. Desde su aterrizaje en la misma no ha parado de trabajar, dada su capacidad para dotar de vida propia a sus personajes, y que a día de hoy siguen funcionando a la perfección.
De esto y de mucho más hablará su creador Francisco Ibáñez con Carlos Areces, uno de los mayores conocedores y coleccionistas de la obra del genial autor, en este evento que se celebrará por primera vez en el Salón del Cómic de Barcelona.
El 36 Salón Internacional del Cómic de Barcelona tendrá lugar del jueves 12 al domingo 15 de abril de 2018 en los Palacios 2, 4, 5 y Plaza Univers de Fira Barcelona Montjuïc.
Sinopsis: Película conformada por ocho cortometrajes de terror con el común del terror en la cultura y sociedad mexicana.
El norteamericano John K. Turner escribió Mexico Bárbarodurante un viaje que realizó en 1909. Publicado en 1910, el libro narraba la represión y las condiciones en las que vivían los indios yaquis durante el porfiriato a principios del siglo XX. La miseria y el esclavismo en las tabacaleras y en las plantaciones de henequén, el sistema usado por los caciques para obtener mano de obra barata y cómo muchos de ellos eran vendidos como si fueran objetos. Y estamos hablando del siglo XX. El autor también mencionaba el malestar que le provocaba las condiciones en que vivían los mexicanos y la vergüenza de ser ciudadano de un país cómplice de toda esta crueldad.
México Bárbaro: De la portada del libro…
…al póster cinematográfico
Al igual que John K. Turner muchos somos los que nos hemos sentido tan atraídos como horrorizados por México y su idiosincrásia particular. Su danza permanente con la muerte, su convivencia con la parka representada de forma tan popular por esas tan simpáticas como trágicas calaveritas, que tan bien retrató Posada. O esa realidad social de ‘mordidas’, corruptelas y narcos elevados a los altares, que lo ha convertido también en el país en el que más asesinatos se producen al mes (1), sucesos que su prensa retrata de forma tan contundente como sensacionalista (2).
Heredero de una cultura que tenía en el sacrificio ritual uno de sus pilares, el mexicano es un pueblo en el que la alegría se mezcla con la muerte al son del narcocorrido. Pero adoramos esa actitud, infantil, de mezclar luchadores enmascarados con monstruos de opereta; ese cine de actores trágicos y de gatillo fácil como Pedro Armendariz e Indio Fernández; de gallitos como Pedro Infante y Jorge Negrete;y por supuesto de mujeres más grandes que la vida, por las que los hombres se matan como La Doña, María Felix; La Señora, Dolores del Rio, o nuestra querida Lupita Tovar, que incorporó en Santa(1932), la primera película hablada del cine mexicano, al arquetipo de pobre chica humilde que, engañada por los hombres, termina de prostituta y muere enferma. Una historia que el cine mexicano repetirá una y otra vez. Una y otra vez. Y no, no nos olvidamos que Lupita Tovar también fue mordida, ni más ni menos, que por un Drácula que vino de Córdoba, pero esa es otra historia.
Nos fascina México también por su cine. Por las películas de Carlos Enrique Taboada, López Moctezuma, Guillermo del Toro y, paradójicamente, nuestro Luis Buñuel, que realizó el retrato más descarnado de la sociedad mexicana en Los olvidados (1950). Así que cuando en 2014 varios jóvenes cineastas mexicanos reunieron sus historias cortas de terror en un largometraje con el tan representativo título de México Bárbaro, nos propusimos ver esta película ¿Cómo resistirse?
Estrenada como primicia mundial en el Festival de Sitges, la antologica México Bárbaro, ideada por Lex Ortega, director de uno de sus episodios más impactantes, ha realizado un exitoso itinerario por diversos festivales. Naturalmente desembarcó en el Mórbido de México, también en el madrileño Nocturna, donde tuvimos ocasión de saludar a Ulises Guzmán, uno de sus directores. Y finalmente ahora, y de la mano de Redrum, tendremos ocasión de disfrutar de ella en formato DVD cuantas veces queramos.
Rituales, suciedad, sangre, sexo y muerte en ocho segmentos, ocho historias que con un sangriento nexo conforman este México Bárbaro:
Aarón Soto dirige Drena, en la que una joven adolescente tendrá que drenar la sangre de la vagina de su madre para ofrendarla a una extraño ente; Edgar Nito firma Jaral de Berrios en la que unos asaltantes se refugian en su huída en una hacienda misteriosa habitada por los fantasmas de otros tiempos; Isaac Ezban nos cuenta en La cosa más preciada, con textura grindhouse de celuloide rallado y mucho humor negro, la historia de dos adolescentes enamorados que deciden pasar unos días en una cabaña en medio de un bosque, en el que habitan alushes, duendes que suelen robar cosas insignificantes de los humanos, pero que esta vez intentarán robar algo mucho más importante: la virginidad de la joven; Jorge Michel Grau dirige Muñecas,
Ulises Guzmán durante su visita a Madrid (Foto: Serendipia)
sobre un lugar real, situado en los canales de Xochimilco, que atrae a miles de turistas anualmente y donde estos juguetes cuelgan desmembrados, decapitados y torturados. Rodada en blanco y negro Grau incorpora en su historia, de ecos setenteros, un personaje que nos traerá a la memoria a uno de nuestros queridos matarifes tejanos; Lo que importa es lo de adentrode Lex Ortega nos cuenta el relato más sangriento -y eso es decir mucho- de esta antología, despertando nuestros temores más ancestrales, trayendo de vueltas al primer monstruo que muchos conocimos: el coco, el hombre del saco…que te va a comer… ; Tzompantli de Laurette Flores nos traslada al futuro para mostrarnos como un periodista narra el descubrimiento de un extraño altar de origen ancestral realizado por un narco; Ulises Guzmán firma Siete veces siete en el que un hombre roba un cadáver y le devuelve la vida mediante un rito mágico. Finalmente Gigi Guerrero presenta Día de los Muertos , uno de los episodios más gamberros de la antología y con el que nos trasladamos al burdel La Candelaria, en el norte de México, en el que se encuentra un grupo de mujeres maltratadas bajo las ordenes de Doña Luz y que en la gran noche del Día de los muertos abrirá sus puertas a todos los hombres pecadores… para darle lo suyo, aunque no sea la medicina que han venido a buscar. Un magnífico fin de fiesta para esta ejemplar antología que consigue no decaer en ningún momento, a pesar de lo variopinto de su propuesta. De hecho casi todos sus directores han confirmado su talento o están en vías de hacerlo, con sus posteriores trabajos, tanto en México como para la industria norteamericana: Isaac Ezban ultima en Estados Unidos Parallel; Jorge Michel Grau, dirigió Big Skyen 2015 y ya contaba con la magnífica Somos lo que hay(2010), que se adaptó para distribuirla en el mercado USA -y por desgracia para el resto del mundo- con la menor We Are What We Are (Jim Micke, 2013); Edgar Nito está ultimando su primer largometraje, Guachicolero; Lex Ortega ha dirigido la muy sucia Atroz (2015); y Miss (Gigi) Guerrero sigue feliz trabajando con pequeños formatos y como actriz. Nada mal inventario para este grupo de directores y para México Bárbaro, formato que tuvo continuidad en 2017 con México Bárbaro II, que deseamos sea tan altamente recomendable como lo es esta primera entrega y que Redrum, como sello especializado en terror delicatessens que es, ponga también en su momento al alcance del espectador español.
(2) En prensa recordamos a bote pronto el semanario ¡Alerta! y en televisión ¡Duro y directo!, publicación y programa que posiblemente han sido y largamente superados en la actualidad.
¡Tu! Sí tu! ¡Chicoooo! Que tanto te quejas de que las ediciones españolas de tus películas favoritas carecen de calidad y de extras. ¡Tu! Sí tu, ya puedes relajarte porque 39 Escalones, que ya puso en tu hogar packs tan imprescindibles como el de Historias para no dormiro El quinto jinete, vuelve a la carga y apuesta por poner, con todo lujo de calidad de imagen y extras para aburrir la saga completa de Phantasma, Y es que Don Coscarelli, uno de los tipos más campechanos del planeta, estaba apenado de que sus películas circularan libremente en ediciones pirata por el mercado español (Si incluso la podían -y todavía pueden- comprar en esos grandes almacenes que comienzan por Corte y teminan en Inglés), así que ha tenido que ser uno de nuestros sellos favoritos, 39 Escalones el que ponga justicia editando toda la saga como hay que hacerlo, en buenas condiciones de audio y video, muchos extras y una atractiva presentación. Vean, vean todos los contenidos que obtendrán con su Pack Phantasma:
SAGA PHANTASMA (5 blu-rays)
CONTENIDO DEL PACK:
BLU-RAY 1:PHANTASMA (1979) -REMASTERIZACIÓN 2016-
Duración: 89 minutos. Audios: Castellano DTS HD 2.0 / Inglés DTS 5.1/2.0 HD Subtítulos: Castellano
Extras (todos en VOSE):
Audiocomentario con Don Coscarelli (guionista y director), Paul Pepperman (coproductor) y Roberto Quezada (consultor visual).
Audiocomentario con Don Coscarelli (guionista y director) y los actores Michael Baldwin, Angus Scrimm y Bill Thornbury.
Entrevista televisiva 1979 a Don Coscarelli y Angus Scrimm (29 minutos).
Detrás de las cámaras – películas caseras (21 minutos).
FOXNEXT VR STUDIO SITÚA A LOS JUGADORES EN UN MUNDO APOCALIPTICO DESDE LA PERSPECTIVA DE UN SIMIO EN
‘CRISIS EN EL PLANETA DE LOS SIMIOS VR’
FoxNext VR Studio ha revelado su primer juego de realidad virtual,Crisis en el planeta de los simios VR, que estará disponible en PlayStation®VR, Oculus Rift y HTC Vive a partir del 3 de abril. Producido en colaboración con Imaginati Studios, Crisis en el planeta de los simios VR es una aventura de acción VR en primera persona situada entre las películas El origen y El amanecer del planeta de los simios en la que el jugador se meterá en la piel de un simio inteligente.
Cinco años después de su aparición, la gripe simia ha acabado con la mitad de la población humana y ha hecho que el resto de primates evolucione. Eres un simio con una inteligencia avanzada que ha sido capturado y aprisionado en unas instalaciones científicas de máxima seguridad como resultado de la desesperada búsqueda de una cura para la humanidad. El objetivo de la misión es trepar, saltar y disparar para escapar del campamento militar con tus compañeros simios y regresar a tu hogar con César.
“La Realidad Virtual siempre ha tratado de cumplir su promesa de aunar la forma de contar una historia del cine con la experiencia altamente inmersiva de los videojuegos. Crisis en el planeta de los simios VR lleva este potencial a un siguiente nivel”, dice Brendan Handler, Vicepresidente Senior de FoxNext VR Studio. “Les hemos dado a los fans un papel principal en este oscuro mundo de El planeta de los simios, dónde podrá sentir la fuerza, el poder y la facilidad de movimientos de un simio, mientras lucha por sobrevivir”.
Desde la perspectiva de un primate, el jugador forma parte de la trama, es capturado y forzado a un conflicto mortal con los humanos, obligado a luchar por su vida mientras intenta escapar de su cautividad. Los jugadores pueden unirse a otros simios cautivos, enfrentarse a la violencia humana y canalizar sus instintos primitivos para sobrevivir.
“La franquicia de El planeta de los simios es la oportunidad perfecta para que los jugadores formen parte de un mundo apocalíptico desde la perspectiva de una especie distinta por primera vez”, declara Martin Alltimes, CEO de Imaginati Studios. “Queríamos equilibrar el combate visceral con una narrativa que te haga cuestionar tu innata lealtad hacia la humanidad”.
Crisis en El Planeta de los Simios VR estará disponible en PlayStation®VR, Oculus Rift, y HTC Vive a partir del 3 de abril.
ACERCA DE FOXNEXT
FoxNext está impulsando experiencias inmersivasde entretenimiento de última generación en las áreas de realidad aumentada y realidad virtual, juegos para móviles, consolas y PC y aplicaciones basadas en la localización en Twentieth Century Fox Film y Fox Networks Group. La división consta de FoxNext Games, FoxNext VR Studio y FoxNext Destinations.
FoxNext VR Studio colabora con los principales guionistas de realidad virtual para crear experiencias inmersivas 360 y experiencias interactivas, y a menudo además trabaja estrechamente con los principales cineastas de la industria. El galardonado Alien Covenant: In Utero VRExperience se desarrolló con Ridley Scott y RSA VR, y se lanzó a la vez que la película. Isle of Dogs Behind the Scenes (in Virtual Reality) es un video 360 producido en asociación con Wes Anderson, su equipo de producción y Felix & Paul Studios, y se estrenó en la sección New Frontier del Festival de Cine de Sundance. Crisis en el planeta de los simios VR será el primer juego de realidad virtual que se lance, al que seguirá Alien, actualmente en producción.
ACERCA DE IMAGINATI STUDIOS
Fundada en 2015, The Imaginati Studios es un desarrollador británico independiente de videojuegos con sede en Ealing Studios, Londres. Su objetivo principal es desafiar el tratamiento narrativo de los videojuegos y encontrar nuevas formas de contar historias ensalzando el protagonismo de la escritura, el cine y la actuación dentro de los juegos. Desarrolla videojuegos para todas las plataformas.
Suculentas novedades de Diábolo para esta Semana Santa porque… ¿Qué mejor forma de pasarla que dejando el móvil de lado y cogiendo una buena lectura? ¿Qué mejor que reírnos de los bizarros años 70 con una espléndida colección de imágenes de otro mundo? O ¿Por qué no un buen cómic? Diábolo nos propone cuatro novedades que sin lugar a duda harán que estos tiempo de descanso resulte mucho más agradable…
En 2014 se puso en marcha en Barcelona un pequeño festival con el objetivo de rescatar y difundir pequeñas gemas del cine independiente norteamericano. Películas que en la extensa mayoría de casos no conocerían distribución en salas cinematográficas o, de conocerla, sería de forma muy restringida. Cintas heterogéneas, con todo tipo de temática y dirigidas a un público más inquieto que el que acude habitualmente a ver el último blockbuster al centro comercial.
En aquella primera edición, el festival constó de 12 películas, número que se incrementó progresivamente hasta los actuales 31 largometrajes, repartidos en cinco secciones, y los 20 cortometrajes que han conformado la programación de esta quinta edición.
Americana 2018 ha constado de un día más. Inaugurado el martes 6 de marzo en el cine Phenomena con la proyección de Gook(Justin Chon, 2017) tuvo, como ya es habitual, su sede en los Cinemes Girona, que pusieron a disposición del festival sus tres salas en las cuales, de miércoles a domingo, pudiron verse el total de las cintas que conformaban las secciones competitivas: Americana Tops, Americana Next, Americana Docs y Americana Shorts, mientras que la Filmoteca de Catalunya acogió un ciclo dedicado al invitado de honor del festival, Alex Ross y se ofrecían, además, tres sesiones gratuitas (con invitación) para las sessions movistarplus.
AMERICANA 2018
*Americana TOPS Cintas galardonadas por diversos festivales y con directores o actores que forman parte de lo más importante del cine Indie actual:Beach Rats(Eliza Hittman); Brigsby Bear(Dave McCary);Gemini (Aaron Katz); Golden Exits(Alex Ross Perry); Ingrid Goes West(Matt Spicer); Lucky (John Carroll Lynch); Menashe(Joshua Z. Weinstein);Patti Cakes (Geremy Jasper); The Rider(Chloe Zhao); Weirdos(Bruce McDonald); World of Tomorrow(Robert Greene).
* Americana NEXTSe compone de apuestas particulares del festival. Un cine más desconocido pero con mucha calidad: Dayveon (Amman Abbasi); Don’t Think Twice(Mike Birbiglia); Flesh and Blood(Mark Webber); Gook(Justin Chon); Lemon(Janicza Bravo); Saturday Church(Damon Cardasis); Sylvio(Kentucker Audley y Albert Birney); The Endless(Justin Benson y Aaron Moorhead); The Strange Ones(Chistopher Radcliff y Lauren Wolkstein).
*Americana DOCSTras su debut como sección en la tercera edición del festival, los documentales regresan a Americana con la intención de consolidarse:Dina(Antonio Santini y Dan Sickles); Ex Libris The New York Public Library(Frederick Wiseman); Jane(Brett Morgen); The Work(Jairus MacLeary y Gethin Aldous).
*Americana SHORTSSe componede 20 cortometrajes exhibidos en dos sesiones.
* SessionsmovistarplusCon tres largometrajes ofrecidos de forma gratuíta (recogiendo invitación en sus tiendas) por gentileza de Movistar:I Am Heath Ledger (Adrian Buitenhuis y Derik Murray); Miss Stevens (Julia Hart); Dave Made a Maze (Bill Watterson)
*Americana GuestCiclo Alex Ross Perry en La Filmoteca de Catalunya:Queen of Earth (2015); The Color Wheel (2011); Listen Up Philip (2014); Impolex (2009).
UN PASEO POR AMERICANA
Comedia, drama, animación, terror, documental, thriller… todo tuvo su espacio en Americana. Estos son algunos de los títulos que Serendipia pudo ver durante sus maratonianas jornadas en el festival:
Si a un tórrido y aburrido verano en la ciudad añadimos angustia vital adolescente, muchas drogas y una homosexualidad mal asumida, entre otros ingredientes, obtendremos como resultado Beach Rats, una cinta que no deja ni un ápice de esperanza para el protagonista ni resulta complaciente con el espectador. Relatada con planos cortos, con una puesta en escena seca, áspera, nos cuenta la historia de Frankie (Harris Dickinson), un adolescente de Brooklyn que se mueve junto a sus amigotes por el parque de atracciones de Coney Island cuando conoce a una chica, Simone (Madeline Weinstein), con la que terminará la noche. Pero Frankie no puede mantener relaciones sexuales con ella. En soledad, lejos de la mirada de sus amigos, navegará por páginas pornográficas y de citas homosexuales y quedará con algunos hombres, la mayoría mayores que él, para practicar sexo furtivo por cualquier lugar de la ciudad. Sentimientos contrapuestos y sordidez en el día a día del protagonista que se nos expone a retazos, con la cámara persiguiéndole siempre en una propuesta formal que pone el acento en el punto de vista. Autos de choque, discotecas, playa y la oscuridad del cuarto del muchacho, guarida de sus deseos más ocultos en esta desalentadora historia magníficamente interpretada por el londinense Harris Dickinson, que sabe reflejar la terrible confusión existencial por la que atraviesa el protagonista.
Con Beach Rats, su segundo cinta, la directora y guionista Eliza Hittman salta al panorama de directores a seguir. Ganadora a la mejor dirección en el prestigioso festival de Sundance y con premios en festivales tan diversos como Hamburgo, Boston y L.A, la película ha conseguido, además, dos nominaciones (actor y fotografía) en los Independent Spirit Awards de este año, figurando en el top 10 (la número 7) de la prestigiosa lista de The New Yorker.
Con el documental The Work nos adentramos en la prisión de Folsom donde asistimos, en primera persona, a una terapia de grupo en la que conviven algunos de los presos más conflictivos que residen allí y hombres de la calle que, por diferentes motivaciones, se prestan a participar en este programa de reinserción. La terapia, de cuatro días, se convierte en un experimento revelador donde los hombres se deshacen de sus corazas y exhiben, entre gritos y lágrimas, sus miedos e inseguridades. Una vez sumergidos en la terapia no habrá diferencias entre unos y otros y la intensidad será sobrecogedora, tanto para los reclusos como para los que no lo son e incluso para el espectador, que podrá depositar un pequeño rescoldo de esperanza en la especie humana gracias a la solidaridad y empatía que se producirá entre los diferentes asistentes. Todos los participantes, desnudando su alma, se enfrentarán cara a cara a sus propios fantasmas contando con el apoyo del resto del grupo. La cámara captará la electricidad de toda esa energía y su montaje logrará reunir un conjunto de imágenes que, por su emotividad, llegarán a tocar hueso en el espectador. The Work es, sin duda, una experiencia catártica que demuestra cómo pequeños y olvidados incidentes del pasado pueden llegar a enquistarse en nuestro interior hasta condicionar todo nuestro futuro.
Ingrid Goes West es una comedia ácida de Matt Spicer sobre la adicción a las redes sociales protagonizada por una magnífica Aubrey Plaza como Ingrid, una joven cuyos serios problemas mentales siempre terminan convirtiéndola en una persona tóxica para sus amistades. Tras una estancia en una clínica mental, se obsesiona con Taylor Sloane (Elizabeth Olsen), una influencer de Instagram que parece tener todas las dotes de triunfadora de las que ella carece. Ingrid querrá conocerla y formar parte de su vida.
Con un guion premiado en el festival de Sundance y nominada en dos categorías (mejor primer guion y mejor primera película) en los Independent Spirit Awards de este año, Ingrid Goes West avisa del peligro que supone la pérdida de la intimidad (cuando no de la identidad) por el hábito, cada vez más generalizado, de compartir toda nuestra existencia en las redes sociales. En este caso acerca este tema al fenómeno fan, con una seguidora que conseguirá, siguiendo las pistas que la propia influencer deja en su cuenta de Instagram, conocer e introducirse en la vida de su objeto de deseo. En un momento de la cinta uno de los personajes compara la actitud de Ingrid con la de la protagonista de Mujer blanca soltera busca (Single White Female, Barbet Schoeder, 1992) y es así, solo que en versión 2.0. Elizabeth Olsen está magnífica realizando una parodia de sí misma en otros tiempos, y el actor O’Shea Jackson Jr., hijo del rapero Ice Cube, en uno de los primeros papeles, crea también un magnífico personaje. Agria, divertida, ácida y más seria de lo que aparenta, en algunos momentos se acerca al cine de terror vertiente psycho on the loose consiguiendo arrancar la sonrisa nerviosa del público.
En Don’t Think Twice se nos narra el auge y caída de un pequeño grupo de amigos que realizan teatro de improvisación y que disfrutan de un éxito incuestionable en pequeños teatros de Nueva York. Más allá del teatro todos viven como pueden con trabajos de supervivencia. Pero una noche la fortuna llamará a la puerta de uno de los integrantes en forma de programa de televisión y la relación entre los amigos e incluso con su pareja cambiará. Las individualidades sobresaldrán por encima del grupo y llegarán pequeñas traiciones y ambiciones que harán que se pierda el (im)perfecto equilibrio reinante. Mike Birbiglia consigue extraer de sus actores unas interpretaciones muy naturales repletas de humor y sensibilidad en esta cinta de maduración y crecimiento, pues para que esos inadaptados personajes, todos treintañeros, encuentren su lugar en el mundo, el grupo tendrá que dinamitarse. Con la participación, en pequeños papeles, de Lena Dunham y Ben Stiller, Don’t Think Twice es todo un canto de cisne de un modo de entender el teatro y el humor, el fin del teatro de improvisación que después de más de cincuenta años de existencia se ve barrido de escena por los shows televisivos, aunque la comicidad de estos últimos sea mucho menos ingeniosa e inteligente, el acto irrepetible se ve sustituido por el humor fórmula que apoya su éxito en la repetición. Don’t Think Twice es una pequeña gema, divetida y muy humana.
Dina y Scott van a casarse. Dina tiene depresión, un severo asperger y, como dice su propia madre en un momento de esta divertida cinta, «un buffet libre» de enfermedades mentales. Su novio, también autista, no siente gran atracción por el tema sexual. Finalmente ambos se casarán y pasarán una luna de miel en el lugar más kitsch que una pesadilla de indigestión alimenticia pudiera ofrecer. Todo ello en Dina, un documental realizado con gran sensibilidad y mucho humor, algo que pareció molestar a algún espectador, que no llegó a entender que ese humor nacía de la ternura y empatía que puede sentirse ante estos dos seres, tan pícaros como inocentes y que tanto cariño y dependencia muestran el uno hacia el otro. Dos seres admirables que en su pureza y naturalidad demuestran poseer algo que muchos hemos perdido hace tiempo y que lamentablemente nunca volveremos a recuperar: la inocencia.
Rodada con luz sobre-expuesta y color degradado, casi pastel, consigue una fotografía de efecto neblinoso, que retrata la mente de estos dos enamorados. Pero también hay en Dina lugar para el drama, representado por el maltrato que sufrió la protagonista, un episodio que los directores han sabido desgranar desvelándolo poco a poco hasta que entra en off la grabación de la llamada de emergencia en la que el mismo agresor daba cuenta del apuñalamiento a Dina, un momento de gran impacto en un documental sensible e inteligente que Sundance reconoció con el Gran Premio del Jurado en su categoría.
Brigsby Bear, uno de los platos fuertes de Americana,es la ópera prima de Dave McCary, uno de los fundadores del grupo cómico Good Neighbor y, desde 2014, guionista y realizador de Saturday Night Live. Esta historia sobre como encontrar nuestro camino, nuestra pasión en la vida y perseguir nuestros objetivos fue una de las que contó con más asistencia de público y de las pocas que fue aplaudida al finalizar. Un giro de guión que llega en los primeros minutos de la cinta, un joven fanático de una serie infantil protagonizada por un osito, el choque con la realidad y la manera de superarlo, son algunos de los ingredientes que hacen de este filme extraño, y su derroche de imaginación, una pequeña joya. Brigsby Bear demuestra que la escasez de medios no es una traba cuando se posee ingenio e inteligencia suficientes. Como cuanto menos sepan de esta historia mejor se lo pasarán, les recomendamos desde Proyecto Naschy que no pierdan la oportunidad de disfrutarla. La cinta fue proyectada con anterioridad en el festival de Sitges, donde contó con un único pase a las 19.30 horas en el Cine Prado, donde se alzó con el premio Discovery a la mejor película.
El otro gran éxito de esta edición de Americana ha sido, merecidamente, Lucky, la última interpretación de Harry Dean Stanton. A Lucky le gusta cumplir sus rutinas: hacer ejercicio, fumar, beber, resolver crucigramas y ver concursos televisivos. Pero todo cambia cuando cae en la cuenta de su propia decadencia y de que su muerte podría estar esperándole a la vuelta de la esquina, convirtiéndose en una lúcida reflexión sobre la vejez, la independencia y la muerte. Todo ello narrado sin efectismos en un filme que logra convertir lo cotidiano en poesía, algo raro de ver y difícil de conseguir y que nos hace hermanarla con el Paterson de Jarmusch. La cinta, que guarda algún guiño con el cine de David Lynch, más allá de su propia presencia física como actor, interpretando a uno de los habituales del bar, reúne a Harry Dean Staton y Tom Skerrit por última vez casi 40 años después de Alien, el octavo pasajero (Alien, Ridley Scott, 1979). Lucky se estrenará próximamente en nuestros cines de la mano de Avalon.
La belleza efébica de Timothée Chalamet le convierte en el actor ideal para interpretar personajes seductores, objeto de atracción de los mayores. Si en la magnífica Call Me By Your Name (Luca Guadanino, 2017) es seducido y seduce al becario norteamericano de su padre, en Miss Stevens es su profesora de literatura la que está a punto de caer bajo su influjo. Miss Stevens es toda una reflexión sobre el arte de educar, sobre la implicación emocional del docente en su trabajo, ese moldear a pequeños humanos como si fueran arcilla, la necesidad de establecer límites a esa relación y, a la vez, no dejar de ser cercano a los alumnos. Miss Stevens es también un concurso de inseguridades vitales, tanto del alumno como, especialmente, de su maestra (Lili Reinhart) en un viaje en el que acompañará a tres de sus alumnos para que participen en un concurso de interpretación, un viaje que acabará siendo iniciático y terapéutico. Una buena ópera prima de Julia Hart que sabe compaginar tristeza y alegría, drama y comedia.
Gemini padeció una presentación durante la cual se barajaron como influencia los nombres de Hitchcock, De Palma y Winding Refn, dándole al público unas equívocas pistas que no cumplieron las expectativas. Y es una lástima, ya que posiblemente Gemini tenga buenas intenciones, pero como thriller no está a la altura de los mencionados. Ni por su acabado, ni por sus actores y su diarreica verborrea, ni mucho menos por su giro de guión, al que no sabe sacarle partido. Y es que no es tan fácil tejer un macguffin solvente que permita a un filme funcionar a varios niveles. Gemini no lo consigue y acaba en terreno de nadie.
El estupendo debut en la dirección del actor Bill Watterson, Dave Made a Maze, fue una propuesta totalmente surrealista cargada de más significado del que a priori aparenta y sazonada con mucho humor e ingenio, que nos narra como Dave se construye un laberinto con cartones en medio del salón, en el cual no falta siquiera su propio Minotauro. Tanto él como sus amigos y novia se perderán para atravesar verdaderas peripecias dignas del mejor survival salvo que plasmadas con imaginativos recursos ¡Si hasta hay un momento en que los protagonistas se convierten en figuras de Stop-motion! Con toques, pues, de parodia a las películas de terror, la cinta de Watterson va mucho más allá, y nos trae toda una reflexión sobre la necesidad de realizarnos en nuestras obras, sobre los sueños, sobre la amistad y la pareja, y, en suma, sobre el sentido de la propia vida. Un filme redondo que también se proyectó en el Festival de Sitges y que, a pesar de que obtuvo el premio a mejor película en la sección Noves Visions One, hubiera merecido un mayor reconocimiento compitiendo en Sección Oficial.
Lemon, como ya avisaron los organizadores del festival, «será una de las cintas que provocará reacciones más extremas durante este Americana«. Y es que el denominado post humor no es algo apto para todos los públicos y Lemon fue el perro verde que entusiasmó a unos y repugnó a otros. Estos humildes comentaristas no se contaron en ninguno de los dos bandos. Desde nuestra equidistancia reconocemos que no somos su público natural, de algún modo, no va con nosotros, aunque su espíritu trasgresor nos parezca de lo más saludable, a pesar de que termine recurriendo al humor escatológico o al étnico. Un humor este, en alza y para una inmensa minoría y cuya presencia dice mucho de Americana, pues un festival debe tratar de abarcar el abanico más amplio posible de propuestas, de lo más accesible a lo más críptico. Así que Lemon conviva con Lucky da grandeza a la muestra.
Y la cinta de clausura de esta quinta edición de Americana fue The Rider, ganadora a la mejor dirección en los recientes Independientes Spririt Awards, y que es un drama sobre un cowboy que después de un accidente no puede volver a montar y que deberá buscar su nueva identidad y su masculinidad en un entorno donde los clichés están muy marcados. El entorno que rodea a The Rider ofrecerá la oportunidad a su directora, Chloé Zhao,de captar los grandes horizontes de las praderas y montañas de Dakota del Sur con una hermosa fotografía, trasmitiendo la épica de esa forma de vida y, sobre todo, la melancolía de su pérdida, pues el accidente que sufre el protagonistas supondrá la pérdida de todo su mundo. Dato curioso es que lo que se nos narra, tanto de fondo como de forma, no es ficción: la escritora y directora Chloé Zhao conoció al protagonista de The Rider, Brady Jandreau, durante su investigación para su película anterior Songs My Brothers Taught Me (2015). Ella visitó el rancho donde Jandreau trabajaba y este le enseñó a montar a caballo. La directora quería ponerlo en una de sus películas, y cuando tuvo el accidente que lo dejó con lesiones en la cabeza que le cambiaron la vida, decidió basar el guión de su próxima película en su historia. Así, la hermana del protagonista de la cinta, es también la hermana real de Jandreau y su amigo, que tiene una seria fractura de columna, es el personaje real que representa. De ahí la credibilidad que ofrece esta historia, que sin ningún género de duda fue una magnífica elección para clausurar esta quinta y exitosa edición del festival.
PREMIOS Y CONCLUSIONES
La valoración del público de la programación ha sido notable (3,7 sobre 5), con todas las películas por encima del 2,5. La película ganadora del Premio del público fue el documental Jane de Brett Morgen, una aproximación a la vida de la primatóloga Jane Godall a partir de las películas filmadas en 16 mm y redescubiertas en 2014 en los archivos de National Geographic. Jane, que ha realizado su première nacional en Americana, se podrá ver en National Geographic y Nat Geo Wild el próximo domingo 18 a les 18h. A continuación la valoración de toda la programación por orden de puntación:
Jane 4,68
Lucky 4,49
World of Tomorrow (Ep. I +II) 4,46
Patti Cake$ 4,42
Brigsby Bear 4,36
Gook 3,97
Dina 3,92
The Rider 3,9
Weirdos 3,87
Ex Libris 3,81
Ingrid Goes West 3,76
Saturday Church 3,71
The Endless 3,69
Don’t Think Twice 3,67
The Work 3,62
Menashe 3,59
Flesh and Blood 3,37
Beach Rats 3,34
Golden Exits 3,27
Lemon 3,11
Sylvio 3,09
Gemini 3,05
The Strange Ones 3
Dayveon 2,62
El Premio del Jurado Joven Next ha sido para la película de Mark Webber, Flesh and Blood. Basada en hechos reales, se otorga «por la honestidad de una propuesta que transita la delgada línea entre la realidad y ficción. Genuina, sin juicios de valor ni estereotipos».
Esta edición del festival, como vemos, ha sido todo un éxito, tanto en la calidad y variedad del material seleccionado como de organización y asistencia de público. Un público compuesto tanto por los fieles que acuden al festival reincidiendo por la satisfacción obtenida en anteriores ediciones, como por los que se acercan por primera vez de oídas, atraídos por lo que han escuchado sobre el mismo. De nuevo los Cinemes Girona ejercieron de anfitriones y cómplices ideales de este festival, que contó con una organización más eficiente, que evitó las aglomeraciones de público y la confusión de colas.
Felicidades pues a la organización y, los que no pudieron estar que sepan que Americana sigue estos días en La Filmoteca de Catalunya y la Route 66, con proyecciones en Cineclub d’Igualada, Cineclub Manresa, Cineclub Vic, Cineclub La Garriga, l’Espai Rambleta de València y Tabakalera de San Sebastián.
¿QUIERES UN CHICLE? REGALOS Y SORPRESAS CON SABOR EXTRALARGO
VICENTE PIZARRO
Diábolo Ediciones. Encuadernación en tapa dura.
Parece que hay cierto acuerdo en querer demostrar que cualquier tiempo pasado fue mejor a base de traer de vuelta la televisión de nuestra niñez o la música de nuestra juventud. Personalmente no creo que así sea. El pasado es el pasado y conviene mirar hacia adelante porque, sobre todo, se tiende a recordar lo bueno de nuestra niñez y olvidar todo lo malo, que lo hubo y en abundancia. Santones de la nostalgia se esfuerzan en clamar las ventajas del VHS respecto al DVD como si hubiera punto de comparación en cuanto a calidad (algo que sí sucede entre vinilo y CD) y no fuera mucho mejor disfrutar del cine digital. Ventajas que no están en el sistema en sí, sino en que aquellos cacharros y cintas le traen de nuevo la ilusión de descubrir y ver por vez primera todas aquellas películas. Una experiencia que, por otra parte, no se puede repetir por muchas veces que se ponga la misma película en el mismo viejo magnetoscopio. Los video-clubs y toda aquella época finalizó como se terminó el cine de los domingos como única posibilidad de distracción de nuestros padres o de los que tenemos ya los cincuenta. Y, entre otras cosas, porque se ha enriquecido con otras propuestas.
Pero si de algo sirve todo este viaje al pasado, esta nostalgia, es que al menos se editan algunos trabajos de investigación tremendamente pop que no podrían haberse afrontado de no haber este interés general por todo ello. Libros como los dedicados a Editorial Novaro, al merchandising español de La Guerra de las Galaxias, a la muñeca Nancy o a programas televisivos como Un, dos, tres, responda otra vez no se hubieran escrito o no se hubieran publicado de no haber todo este interés en el pasado más próximo, así que, como toda moda, hay que aprovechar lo bueno que deja tras su paso y entre ello se cuentan varios de los libros que Editorial Diábolo dedica a la cultura popular y que, realizados por coleccionistas y estudiosos con auténtico afán completista y espíritu de catálogo, se están publicando. Libros en los que, como no podría ser de otra forma, predomina la imagen.
Uno de los más curiosos que ha editado y con el que más ha disfrutado el que todo esto les cuenta es el dedicado a los cromos y obsequios que se daban con la bollería industrial que, en muchos casos, no estaban al alcance del escolar medio de bocadillo en recreo. Muchos envidiábamos a nuestros compañeros cuyas madres (quizás menos dedicadas que las nuestras), compraban Grisines de Panrico, Bonys de Bimbo, o Phoskitos de Cropán a sus hijos. Pero les mirábamos con envidia, sobre todo, por el cromo que salía. Así que cuando Vicente Pizarro reunió todas aquellas colecciones en su libro ¡Andá!, la merienda…no pudimos más que celebrarlo.
Pues bien, ahora el mismo autor ha afrontado, con idéntica meticulosidad, las colecciones de cromos y objetos que ofrecían las diferentes marcas de goma de mascar. Huelga decir que a nuestras madres, velando siempre por la salud de sus pequeños, no les gustaba nada que comiéramos chicles. Como tampoco agradaba a muchos profesores el efecto de rumiante que ofrecíamos. O las pompas que los más diestros hinchaban. Ni a donde iba a parar una vez agotado su sabor… Así que completar una colección de cromos era una labor titánica por no decir imposible, por lo que resulta más que interesante poder ver, en ¿Quieres un chicle? todas estas colecciones.
Vicente Pizarro enumera las diferentes marcas de goma de mascar que estuvieron a la venta desde los años 70 hasta la actualidad, y a continuación las colecciones que ofreció cada una de forma cronológica: Bazoka, Cheiw, Dunkin (la marca estrella por sus figuritas de Lucky Luke, Asterix y Looney Tunes, entre muchas otras), Dubble Bubble… gracias a este libro algunos hemos podido descubrir que existió un chicle Pulga y Linterna (¡Con más de 22, 22, 22 adhesivos!) y otros como Robocop, Kung-Fu y, el más bizarro, Sabrina, dedicado a la cantante que tantos despertares sexuales causó en aquella Nochevieja de 1987.
El libro cuenta, además de con infinidad de imágenes a todo color de todas las colecciones y sus álbumes, con ejemplos de pósteres y objetos promocionales, propaganda, envoltorios, todo ello hilvanado con un texto explicativo que detalla, además, la historia de las diferentes empresas fabricantes. En resumen: otro loable trabajo de arqueología pop publicado por Diábolo Ediciones en el que tan solo se echa en falta, puestos a ser exigentes, que hubiera incluido una introducción explicando la historia y el origen de tan llamativa golosina, cuyo aroma el lector también podrá rememorar y saborear con el libro, pues sus páginas huelen, y casi saben, a chicle de fresa, lo que añade otro aliciente a este auténtico viaje sensorial a otra época.
vida, y el agente Cooper intentando descubrir los secretos de su existencia. Para lo segundo me he apoyado en un viejo libro que escribí en 1999 llamado Twin Peaks: 625 líneas en el futuro. Si lo leyeron en su día, puede que lo encuentren un poco cambiado y que no sea exactamente como lo recordaban. El recorrido por la tercera temporada me ha llevado inevitablemente a hacer conexiones con el pasado, y cuando me he visto obligado a volver a andar aquel camino he encontrado también un montón de afluentes que llevaban a su versión futura, por lo que en gran parte ha sido reescrito, actualizado y en algunos segmentos ampliado (y en otros reducido, los tiempos han cambiado mucho desde entonces y algunas partes ya no tenían mucho sentido).
vida, y el agente Cooper intentando descubrir los secretos de su existencia. Para lo segundo me he apoyado en un viejo libro que escribí en 1999 llamado Twin Peaks: 625 líneas en el futuro. Si lo leyeron en su día, puede que lo encuentren un poco cambiado y que no sea exactamente como lo recordaban. El recorrido por la tercera temporada me ha llevado inevitablemente a hacer conexiones con el pasado, y cuando me he visto obligado a volver a andar aquel camino he encontrado también un montón de afluentes que llevaban a su versión futura, por lo que en gran parte ha sido reescrito, actualizado y en algunos segmentos ampliado (y en otros reducido, los tiempos han cambiado mucho desde entonces y algunas partes ya no tenían mucho sentido).
Serendipia
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