Archivo

Archive for 30 abril 2021

VAMOS DE ESTRENO * Viernes 30 de abril de 2021 *

YALDA, LA NOCHE DEL PERDÓN (Yalda, la nuit du pardon, Massoud Bakhshi, 2019)

Irán-Francia-Alemania-Suiza-Luxemburgo. Duración: 89 min. Guion: Massoud Bakhshi Música: Dana Farzanehpour, Denis Séchaud Fotografía: Julian Atanasov Productora: Amour Fou Filmproduktion, JBA Production Género: Drama

Reparto: Sadaf Asgari, Zakieh Behbahani, Arman Darvish, Forough Ghajabagli, Fereshteh Hosseini, Behnaz Jaffari, Babak Karimi, Fereshteh Sadr Orafai, Ramona Shah, Faghiheh Soltani

Sinopsis: En el Irán actual, Maryam (22) es sentenciada a muerte tras matar por accidente a su marido, Nasser (65). La única persona que puede salvarla es Mona (37), la hija de Nasser. Para ello, solo tiene que acudir a un conocido programa de televisión y perdonar en directo a Maryam.
El segundo largometraje del director iraní Massoud Bakhshi (A Respectable Family) es una valiente reflexión sobre la lucha de clases, el patriarcado, los límites éticos de los reality shows y la importancia del perdón para la religión. Todo ello una película cuya intriga está impecablemente bien construída, pues el espectador irá averiguando los detalles de la historia conforme avance la trama, que navegará continuamente entre el pasado y el presente del país; mostrando una modernísima urbe en contraste con la situación que vive la mujer en el mundo islámico, con un programa televisivo que convertirá en espectáculo la posible condena a muerte por asesinato de una joven cuyo marido ha tenido una muerte accidental. Una joven, por cierto, casada con un hombre mucho más mayor que ella mediante un “matrimonio temporal” (mutah), consistente en una especie de contrato de alquiler de duración limitada en el tiempo según el cual la mujer está ligada al hombre a cambio de una retribución.
Y todo en un juego de telerealidad total, puesto que como cuenta el propio director, “este tipo de reality shows existen en mi país. Montan y ponen en juego el perdón de los convictos de diversas formas. El programa que más me inspiró lleva en antena unos diez años y es un gran éxito en Irán durante el mes del ramadán (…) Me inspiró para el programa de la película, al que llamé de forma satírica ‘La alegría del perdón’.”
Realizada en régimen de coproducción, Yalda, la noche del perdón, recibió el Gran Premio del Jurado (World Cinema Dramatic Competition) en el Festival de Sundance y también participó en la Sección Generation 14Plus de la pasada Berlinale, y se estrena en España tras su reciente premiere en el BCN Film Fest, donde Massoud Bakhshi obtuvo el premio al mejor guion.

 

CHARULATA, LA ESPOSA SOLITARIA (Charulata, Satyajit Ray,1964)

India. Duración: 124 min. Guion: Satyajit Ray (Historia: Rabindranath Tagore) Música: Satyajit Ray Fotografía: Subrata Mitra (B&W) Productora: R.D.Banshal & Co Género: Drama

Reparto: Madhabi Mukherjee, Sailen Mukherjee, Soumitra Chatterjee, Shyamal Ghoshal, Geetali Roy, Bholanath Koyal, Nilotpal Dey

Sinopsis:
A finales del siglo XIX, cuando la India era todavía una colonia inglesa, Charu, una mujer de la alta sociedad bengalí que lleva una vida ociosa, está casada con Bhupati. Éste, que ha heredado una fortuna, utiliza su dinero para publicar un periódico político y se siente orgulloso de no haberse dejado arrastrar por la comodidad y la desidia.

Gracias a A Contracorriente, llega por primera vez a los cines españoles esta magnífica joya de Satyajit Ray que adapta una novela del premio nobel Rabindranath Tagore. Y lo hace  en inmejorables condiciones con una copia restaurada con ocasión del centenario del nacimiento del director. La película, que ganó el Oso de Plata al Mejor Director en la Berlinale de 1965, nunca llegó a nuestras pantallas a pesar de que su propio director la consideraba su obra más perfecta.

Charulata, la esposa solitaria habla al espectador de la soledad, el deseo femenino, la maternidad negada y la insatisfacción de una esposa joven totalmente desatendida por su marido, ocupado con el periódico que ha fundado. Ambos representan, a pesar de mantener la tradición india en su forma de vestir y vivir, el avance en una cultura bañada por el colonialismo occidental. Así, el marido editará un periódico con nombre en inglés y su vocabulario incluirá, de manera algo snob, palabras en esa lengua. Mientras tanto, su abnegada y culta esposa, escritora aficionada, verá como sentirá atracción por su cuñado, poeta y soñador, en firme contraste con su hermano, de mente racional y científica.

Princesa confinada entre lujos y oropeles en una cárcel de dorados barrotes, Charu oye como entran en su alcoba los animados sonidos de la calle,  reflejando con la mirada su tristeza con tal delicadeza que no es necesaria la palabra para recalcar lo evidente, en clara herencia del mejor arte mudo.

Charulata está encarnada por Madhabi Mukherjee, una de las más reconocidas actrices indias de todos los tiempos, que brilla en este trío interpretativo junto a Shailen Mukherjee, como Buphati, su marido, y Soumitra Chatterjee, hermano de Buphati, un actor que trabajó con Satyajit Ray en un total de catorce películas.

Todo amante del cine debe repasar regularmente los clásicos para reconciliarse ante tanta mediocridad y Charulata, la esposa solitaria, es una ocasión de oro para hacerlo.

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

El thriller ‘Hombre muerto no sabe vivir’, de Ezekiel Montes, se estrenará en cines el próximo 2 de juli

Hombre muerto no sabe vivir, primer largometraje como director del cineasta Ezekiel Montes (también responsable de la producción y el guion), llegará a los cines de toda España el próximo 2 de julio.

Este thriller con tintes de cine negro ambientado en la Costa del Sol está protagonizado por Antonio Dechent (Solas, Intacto), Rubén Ochandiano (Biutiful, Los abrazos rotos), Elena Martínez (Este amor es de otro planeta, Lobo Feroz)Jesús Castro (La isla mínima, El niño)Paco Tous (La sombra de la Ley, La lista de los deseos)Nancho Novo (La Celestina, La ardilla roja) y Manuel de Blas (El túnel, Los fantasmas de Goya). Completan su reparto Juan Fernández (Solas, La caja 507), Juanma Lara (El Olivo, El niño que pintaba el mar), Roberto Garcia (La casa de papel, El chicano) y Manolo Caro (El Bola, Camarón).

Según su director, Ezekiel Montes, Hombre muerto no sabe vivir es una de las apuestas más arriesgadas del cine del 2021. Es una película de acción pero principalmente es una historia de personajes, pegada a la realidad y crueldad de este ambiente. La película habla de lealtad, de unos valores que la sociedad está perdiendo, de una época que ya no existe”.  

SIPNOSIS

La historia gira en torno a Tano (Antonio Dechent), quien ha trabajado toda su vida para Manuel, un empresario de la construcción que en épocas mejores controló toda la ciudad. Ahora, a la vejez, Tano ve cómo Manuel (Manuel de Blas) ya no puede llevar la empresa y toda la estructura se enfrenta a un cambio generacional, a nueva gente, nuevos negocios, nueva forma de llevar la empresa, pero la misma violencia de siempre.

Hombre muerto no sabe vivir se ha rodado en Málaga, Cádiz y Marbella. Producida por 73140323 PC, con la participación de Orange TV, es distribuida por Filmax, que también se encarga de las ventas internacionales.

SOBRE EL DIRECTOR

Nacido en Málaga, Ezekiel Montes debuta en la dirección de largometrajes con Hombre muerto no sabe vivir. Anteriormente ha dirigido los cortos Ritual, Natasha y A la sombra y la serie 50kilosdenosotros. Como productor cuenta con las cintas La reina de tapas (2012), Este amor es de otro planeta (2019) Mi gran despedida (2020) y The Nomad (2021). Actualmente prepara su segunda película como director con un importante reparto.

Categorías:TRAILERS RECOMENDADOS

‘75 días’, basada en los crímenes de Alcàsser, inaugurará la Sección Oficial del Festival de Cine Alicante

La Sección Oficial del Festival de Cine de Alicante se inaugurará este año con la película 75 días basada en el triple crimen de Alcàsser que conmocionó a la sociedad española en los años 90. Este trabajo es la ópera prima del director Marc Romero.

75 días nos lleva a aquel viernes 13 de noviembre de 1992 cuando tres niñas de 14 años desaparecieron misteriosamente mientras se dirigían a la discoteca de un pueblo cercano. 75 días después se hallaron sus cuerpos en avanzado estado de descomposición, semienterrados entre la maleza de un paraje inhóspito llamado el barranco de La Romana.

El largometraje cuenta en su reparto con la actriz Ana Fernandez (Goya a la mejor actriz revelación 2000 por ‘Solas’; Javier Albalá (Premio Unión de Actores por su papel protagonista en la serie ‘Pelotas’); Eulàlia Ramon (‘El Séptimo Día’), Antonia San Juan (‘Todo Sobre mi Madre’), Yohana Cobo (premio de interpretación femenina en Cannes por ‘Volver’) y Mario Martín (¡‘Ay Carmela!’). El actor Ion Manresa (‘Gigantes’) interpretará a Miguel Ricart mientas que Jonás Torres dará vida a Antonio Anglés.

El guion es del propio director, Marc Romero y está producida por El Orgullo de mi Casa PC y Spainwood Films. Este largometraje, que se proyectará el 31 de mayo en los Cines Kinépolis

Marc Romero, director de la película, ha expresado su emoción, al inaugurar con su película la sección oficial del Festival: “sinceramente, creo que este tipo de reconocimientos por parte de festivales tan importantes, son el verdadero premio. Como director de una película tan compleja, que trata un tema tan delicado como el crimen de las niñas de Alcàsser, siento un poco de vértigo y enorme responsabilidad a la hora de mostrar lo que he querido plasmar. Desde el primer momento que empecé a escribir el guion, hace más de diez años, siempre tuve claro que esta película sería el altavoz de muchos testimonios que nunca fueron escuchados y que nunca alcanzaron la relevancia que debieron para la satisfactoria resolución del caso”.

Casi treinta años después del caso de las chicas de Alcàsser, revisitamos la historia que sacudió a una nación por la extrema brutalidad de los crímenes, la muy criticada investigación policial y la extensa y venal cobertura mediática que siguió la historia. Con rigor de estilo documental, la película se aleja del sensacionalismo sangriento o el melodrama, centrándose en cambio en la incompetencia y la falta de empatía con la que se manejó el caso, pero también he querido hacer una radiografía de los años 90. Mostrar al espectador más joven una España desconocida para ellos, sin móviles, sin redes sociales… Es como asomarse por una ventana pequeña y conocer el universo de nuestros padres en una época donde las Olimpiadas de Barcelona y la Expo 92 copaban todas las portadas de los medios nacionales e internacionales mientras la Ruta del Bakalao se proclamaba como heredera directa de la Movida Valenciana”, ha comentado Marc Romero.

El Festival de Cine de Alicante siempre ha sido lugar de oportunidades, en el que dar a conocer a nuevos talentos del panorama cinematográfico español. Estamos muy contentos de inaugurar nuestra sección oficial con la ópera prima de Marc Romero”, ha comentado Vicente Seva, director del Festival de Cine de Alicante.

El Festival de Cine de Alicante, que celebrará su 18ª edición del 29 de mayo al 5 de junio, cuenta con el apoyo de la Diputación Provincial de Alicante, el Ayuntamiento de Alicante, Alicante City & Beach, Casa Mediterráneo y otras empresas colaboradoras.

Categorías:TRAILERS RECOMENDADOS

Palmarés y conclusiones del BCN Film Fest 2021

Pequeño país“, el último trabajo del director francés Eric Barbier, ha sido galardonado con el Premio a la Mejor Película del V Festival Internacional de Cine de Barcelona-Sant Jordi (BCN FILM FEST). El film es una adaptación de la novela de Gaël Faye que narra como la vida feliz de un niño en Burundi cambia radicalmente cuando estalla la violencia en Ruanda en 1993.
El palmarés completo del BCN FILM FEST 2021 es el siguiente:
PREMIO A LA MEJOR PELÍCULA
“Pequeño país”, 
de Eric Barbier
PREMIO DE LA CRÍTICA ACCEC
“Sombra”, 
de Bruno Gascon
PREMIO AL MEJOR GUION
Massoud Bakhshi,
por “Yalda, la noche del perdón”
PREMIO AL MEJOR ACTOR
Ulrich Thomsen, 
por “The good traitor”
***Mención Especial para los jóvenes protagonistas de “Pequeño país”: 
Djibril Vancoppenolle y Dayla De Medina
PREMIO A LA MEJOR ACTRIZ (ex aequo)
Isabelle Kabano, 
por “Pequeño país”
Denise Gough, 
por “The good traitor” 
PREMIO FESTIVAL CASTELL DE PERALADA A LA MEJOR MÚSICA (ex aequo)
Michele Braga,
por “El poeta y el espía”
Steven Bramson,
por “Last Call”
PREMIO FILM-HISTÒRIA (UB) A LA MEJOR PELÍCULA POR SUS VALORES HISTÓRICOS
“Sombra”,
de Bruno Gascon
***Mención Especial a “La mujer del espía”
de Kiyoshi Kurosawa
El festival ha tenido más de 11.000 espectadores, lo que supone un incremento del 37% respecto al año anterior.  Un total de 97 de 121 sesiones de público han tenido el aforo completo. Tanto el año pasado como este el aforo de las salas ha sido del 50% pero este año se ha sumado el toque de queda como medida restrictiva.
Mejor, imposible“, así ha descrito la directora del festival Conxita Casanovas la edición 2021. “Esta quinta edición ha sido redonda, con una gran implicación del sector, y en la que hemos confirmado que hay un público hambriento de cultura cinematográfica. Las películas han interesado, los cines se han llenado y los invitados han brillado. Los buenos resultados obtenidos nos posicionan como festival internacional de Barcelona y nos dejan en una situación inmejorable para aparetar el acelerador“.
El BCN FILM FEST 2021 ha contado con:
– 60 películas de las cuales: 4 premières mundiales, 1 internacional, 3 europeas, 17 españolas y 7 catalanas.
– 4 sedes del Festival: Cines Verdi, Institut Français, CASA SEAT y CaixaForum de Barcelona.
– 5 centros cívicos de Barcelona ofrecerán películas de la sección Imprescindibles durante abril y mayo 2021.

– 17 cineclubs de Catalunya ofrecerán películas de la sección Imprescindibles durante mayo y junio 2021.

– 25 presentaciones y coloquios con la presencia del talent, entre otros, de Isabelle Huppert, Johnny Depp, Eric Barbier, Fernando Trueba, Fernando Colomo, Karra Elejalde, Toni Acosta, Carmen Chaplin, Clara Lago y Eduard Cortés.

– 1 coloquio virtual con Nicolas Winding Refn, director de “Valhalla Rising”.

– 4a Jornada de Guionistes e Industria con 2 mesas redondas: “Guionistas y productores, un tándem creativo” con Valérie Delpierre, Jaime Rosales, Celia Rico, Sandra Tapia y Bárbara Díez y “Escribiendo con la luz” con Isabel Coixet, David Ilundain, Xavi Giménez e Isaac Vila.

– 1 presentación presencial del libro: “Les estructures elementals de la narrativa” d’Albert Sánchez Piñol.

La sexta edición del BCN FILM FEST tendrá lugar del 21 al 29 d’abril de 2022.

Categorías:BCN Film Fest

Las lecturas de Serendipia: Las 100 primeras películas de Nicolas Cage

LAS 100 PRIMERAS PELÍCULAS DE NICOLAS CAGE

Paco Alcázar y Torïo García

¡Caramba! Rústica con solapas. 20.0 x 20.0 cm, 232 páginas a todo color

Gracias a Paco Alcázar y Torïo García y al libro que han parido en común, Las 100 primeras películas de Nicolas Cage entiendo por fín que lo que yo siento por  Nicolas Cage no es desprecio. Que los papeles que obtiene en el cine, muchos de los cuales yo veía como un claro error de casting, no los son. He entendido que las leyes que priman para otros no pueden emplearse con Nicolas Cage.

Por fin entiendo que cuando un director escoge a Nicolas Cage sabe porqué lo hace. Que Panos Cosmatos no lo escogió en Mandy (2018) por error. Que sabía muy bien que solo, y tan solo Nicolas Cage podía darle esa explosión de rabia en calzoncillos en el lavabo. Y no solo eso, que lo haría levantando aplausos en el respetable ante la  incredulidad del resto. Y, por supuesto, Panos Cosmatos también sabía que tan solo Nicolas Cage sería capaz de cerrar su película con ese plano.

Ese plano.

Las 100 primeras películas de Nicolas Cage me ha hecho comprender que Mom and Dad (Brian Taylor, 2017) era un juego de autoparodia. De autobombo, si quieren. Pero que no funciona igual por tratarse de algo premeditado. Preparado. Un homenaje, eso sí, a lo que tantos, entre ellos Paco Alcázar y Torïo García han sabido ver en las actuaciones de Nicolas Cage y que yo he tardado en comprender.

Hasta ahora.

Ahora, cuando uno ve como el bueno de Nic especifica que esos animales que tiene en su granja el personaje que interpreta en Colour Out of Space (Richard Stanley, 2018) son alpacas y no llamas, comienza a entender que solo él podría tener alpacas en una granja. Entiende el porqué están allí.  Y que él y solo él podría protagonizar el universo Lovecraft y entenderlo tan bien, pues Nicolas Cage es una pesadilla más de las ideadas por el solitario de Providence.

O casi.

No puedo decir que odie o que no me guste Nicolas Cage porque no es así. Y más ahora, que por fin gracias a este libro sé lo que me pasa cuando veo una película en la que Nicolas Cage, de pronto, hace algo que conecta el piloto rojo de la sobreactuación y de la verguenza ajena: Es Nicolas Cage haciendo oro.

Se le ama o se le odia…

Se le ama y se le odia…

…O simplemente se le tolera.

En mi caso es como ver uno de esos musicales de Bollywood de los uno al año, sobre todo si tiene mucha acción, es maravilloso. Pero uno, máximo dos. Pues lo mucho cansa y corre el riesgo de convertirse en algo abominable. Mejor mantenerlo como una cita puntual y especial.

El estupendo libro que han realizado Paco Alcázar y Torïo García es de esos que uno no quiere que se acaben. En él los autores repasan la vida obra del actor título a título,  con una ilustración del actor por película acompañada de una sabrosa colección de anécdotas y curiosidades. Y este libro ha realizado en mí un milagro: no solo ha conseguido que me planteé mi relación con el actor, sino que ha despertado mi interés en revisar alguna de sus películas. Es más, ha conseguido que busque varios de los títulos enumerados en el libro, algunos de los cuales desconocía su existencia, pero de los cuales, en vista de los comentarios de los autores y de su grado de “Intensidad Nic”, han conseguido despertar a la curiosa bestia cinéfaga que en mi interior habita. Tres ejemplos: Si durante toda mi vida me he resistido a ver Besos de vampiro (Vampire’s Kiss, Robert Bierman, 1988) y he evitado (por respeto a las originales) tanto Teniente corrupto (The Bad Lieutenant: Port of Call-New Orleans, 2009), a pesar de estar dirigida por Herzog, como Wicker Man (Neil LaBute, 2006), ahora no veo el momento de recuperarlas y verlas, no solo libre de prejuicios ante la presencia de Nicolas Cage, sino precisamente por el acicate de que están protagonizadas por él.

Este libro también ha conseguido sorprenderme ante la gran cantidad de películas protagonizadas por Nicolas Cage. Un actor más o menos joven que todavía puede reservar muchas alegrías a los autores del libro y a esa legión de seguidores a los que gracias a esta obra ahora entiendo y a la que, en cierto modo, me uno tras la lectura atenta del mismo.

Paco Alcázar, ese camaleónico ilustrador al que, personalmente, descubrí cuando hacía unos feístas dibujos y unas historias breves y terriblemente incorrectas en fanzines, hace magia con su dibujo realizando magníficos retratos del actor, película tras película, look tras look, mostrando todo su catálogo de expresiones. El lector puede probar a pasar sus hojas como si fuera uno de aquellos libritos en los que, pasando sus hojas rápidamente con el pulgar, las imágenes cobran vida.

Porque sucede:

Una pesadilla de modelos capilares y expresiones que Nicolas Cage ha utilizado a lo largo de su dilatada carrera se sucederán de manera vertiginosa haciendo retroceder al lector a aquellos tiempos en los cuales el cine era una atracción de feria más, compartiendo barraca con la mujer barbuda, los enanos, el tragasables y las hermanas siamesas.

Y ya para terminar. Lo que me ha quedado más claro gracias a Las 100 primeras películas de Nicolas Cage es lo que esperan y adoran de él sus seguidores. Ahora comprendo lo que me repelía de él. Ahora lo entiendo todo. Así que, siéntense, pónganse cómodos, la película va a comenzar. Y no se alarmen, seguro que durante la misma algo les hará reír, llorar, pasar un instante de vergüenza ajena o dar un brinco de sorpresa y/o espanto: no se alarmen.

Es normal.

Es Nicolas Cage y es el mejor en lo que hace.

Las brujas sobrevuelan México

La iconografía del diablo y la brujería en México es heredera directa del catolicismo impuesto (a fuego y sangre) por los conquistadores españoles. Así, en el cine mexicano podemos ver imágenes de brujería y juicios de la Inquisición con brujas y brujos condenados a la hoguera a imagen y semejanza de Europa en diversas películas, algunas de las cuales incluyen al mismísimo Satanás en el extenso inventario de monstruos y villanos del cine popular mexicano. Así, el barón Vitelius d’Estera (Abel Salazar) en El barón del terror (Chano Urueta, 1962) es juzgado por una larga lista de crímenes que incluyen brujería, necromancia y… adulterio, delitos por los que es condenado a la hoguera, de la que retornará 300 años después ya en la época contemporánea para vengarse de los descendientes de los jueces que lo condenaron convirtiéndose, cuando ha de matar, en un extraño y bizarro personaje que se alimenta de los cerebros de sus víctimas. En Atacan las brujas (José Díaz Morales, 1964), una de las tan encantadoras como torpes aventuras del chaparro luchador mexicano Santo, el enmascarado de plata, este se las verá con un grupo de satanistas comandados por Mayra, la Reina de las Brujas (interpretada por la siempre espectacular Lorena Velázquez), que querrán sacrificar a la heroína y al luchador en honor a Satán, su amo. Santo luchará contra ellas armado con la cruz, ante la que las brujas estallarán en llamas.

Dentro de una producción más importante como es Satánico Pandemónium (Gilberto Martínez Solares, 1975), podemos ver la figura del diablo tentando con las delicias de la carne a la atractiva hermana María (Cecilia Pezet), que entre delirios verá en el convento a todas las monjas poseídas y danzando desnudas en blasfemo aquelarre.

Pero como el espacio es el que es, vamos a centrarnos en tres de las más importantes producciones que sobre el tema nos ha legado la cinematografía azteca: El espejo de la bruja, Alucarda y Veneno para las hadas.



El ESPEJO DE LA BRUJA

Año: 1962 Director: Chano Urueta Guión: Alfredo Ruanota, Carlos Enrique Taboada Música: Gustavo César Carrión Fotografía: Jorge Stahl Jr. Duración: 73 min. Blanco y negro.

Reparto: Rosita Arenas, Armando Calvo, Isabel Corona, Dina de Marco, Carlos Nieto, Alfredo Wally Barrón

Sinopsis: Sara (Isabel Corona) es ama de llaves en el caserón habitado por su ahijada Elena (Dina de Marco) y el marido de esta, Eduardo (Armando Calvo). Sara es, además, una poderosa bruja que comparte su secreto con Elena. Juntas verán a través de un espejo mágico un futuro en el que Eduardo asesina a Elena para casarse con una joven mujer, Deborah (Rosita Arenas). Sara tratará por todos los medios de evitar el fatal acontecimiento, pero los espíritus ancestrales se lo prohibirán …

Los espejos siempre han casado bien con lo oculto, con lo fantástico. Desde el mágico espejo que consulta la pérfida madrastra de Blancanieves al espejo que libera la imagen de Balduin, El estudiante de Praga, los espejos pueden tanto devolvernos imágenes deformadas como ser puertas a otros mundos. En El espejo de la bruja, este ejercerá de estación de tránsito hacia otros mundos e instrumento mágico con el que bucear por el pasado y el futuro.

El espejo de la bruja está producida por Abel Salazar, actor metido a productor que quiso probar suerte con el cine de terror realizando fundamentales aportaciones al género como El vampiro, El ataúd del vampiro, o la delirante El barón del terror (1962), de la que ya les hemos hablado antes, dirigida también por Chano Urueta.

Rodada antes de la irrupción generalizada del cine de luchadores enmascarados que infantilizaría el género, El espejo de la bruja juega con elementos terroríficos y sobrenaturales: puertas que chirrían, corrientes heladas, música fantasmal o castillos de cartón piedra. Todo es excesivo y bello en esta producción que contiene unos tan sencillos como efectivos trucajes. Fuertemente influida por el cine norteamericano de la época, El espejo de la bruja es también una historia de tintes góticos con Mad Doctor y referencias a Las manos de Orlac (Orlacs Hände, Robert Wiene, 1924) y Los ojos sin rostro (Les yeux sans visage, 1960) de Georges Franju, que tanto influiría a su vez a Jesús Franco y su Gritos en la noche, realizada el mismo año que El espejo de la bruja.

En la cinta, ‘Satanaya’ y ‘Lucifudo’ son invocados por la bruja para que abran ‘todas las puertas de la infamia’ en esta historia escrita por los prolíficos Alfredo Ruanova y Carlos Enrique Taboada, que más tarde dirigió algunas de las obras capitales del cine de terror mexicano, como Hasta el viento tiene miedo (1968) y la que también trataremos en detalle aquí, Veneno para las hadas (1984).

Entre los actores protagonistas destaca un sobreactuado Armando Calvo; la venezolana Rosita Arenas, que también participa en La maldición de la llorona y un buen número de cintas mexicanas, entre ellas las dedicadas a la momia azteca; Isabel Corona, actriz que interpreta a la bruja y que estaba especializada en papeles dramáticos, y Dina de Marco, que desarrolló su carrera sobre todo en televisión.

El espejo de la bruja es encantadoramente naif, tiene desagradables maquillajes, efectos especiales artesanales y un ambiente gótico de pesadilla que la convierten en una pieza capital del cine fantástico mexicano.



ALUCARDA, LA HIJA DE LAS TINIEBLAS

Año: 1977 Director: Juan L. Moctezuma Guión: Alexis Arroyo, Juan López Moctezuma (Novela: Joseph Sheridan Le Fanu) Música: Anthony Guefen Fotografía: Xavier Cruz Duración: 85 min. Color.

Reparto: Claudio Brook, David Silva, Tina Romero, Susana Kamini, Lili Garza, Tina French, Birgitta Segerskog, Adriana Roel

Sinopsis: Justine (Susana Kamini) llega a un internado regido por religiosas y allí conoce a la extraña Alucarda (Tina Romero) con la que iniciará una profunda amistad. Paseando por el bosque encontrarán un extraño zíngaro (Claudio Brook) que les mostrará unos talismanes y el carácter de las chicas irá cambiando. Se volverán rebeldes y blasfemas, proclamando ante las monjas a Satanás como su maestro. Las monjas prepararán un exorcismo durante el cual fallecerá Justine. El doctor Oszek (Claudio Brook) rescata a Alucarda y la llevará a su casa. Pero Alucarda pronto poseerá, como hiciera con Justine, a Daniela (Lili Garza), la hija ciega del doctor, con la que vuelve al convento, donde se producirá el sangriento clímax de la historia.

No anda desencaminado Guillermo Del Toro cuando define al director Juan López Moctezuma como un pionero, un poeta maldito. Fuertemente influenciado por el polifacético Alejandro Jodorowsky, al que asistió en dos de sus radicales largometrajes: Fando y Lis (1968) y El topo (1970), Moctezuma fue contagiado con la visceralidad del chileno, su afán provocador, su capacidad de plasmar imágenes delirantes, en suma, su libertad.

Entrar en el universo de Moctezuma es sumergirse en un mundo fascinante, decadente, repleto de luces y sombras que resaltan los tétricos decorados casi orgánicos en los que habitan las jóvenes internas y la orden religiosa, que viste unas irreales túnicas a base de gasas que casi las asemeja a momias y que también nos evocan la pintura Muerte de Marat de David. Y es que Alucarda tiene una puesta en escena pictórica, las secuencia se suceden como auténticos tableaux vivants, y los siniestros decorados casi evocan las Carceri d’Invenzione de Piranesi. Es este tratamiento de la fotografía, la escenografía y el vestuario, el que la eleva por encima de otras producciones de su momento, y ello a pesar de que es fiel a las estrategias narrativas de los 70s (zooms, filtros, cámara lenta). Igualmente setentero es el desarrollo de lo erótico con ese efecto flow, pero, aunque sus escenas de fino erotismo estén rodadas con un filtro a lo Hamilton, resultan mucho más carnales que las del fotógrafo y cineasta inglés. Son unas escenas poderosamente sexuales, en especial el fascinante beso sangriento entre las dos jóvenes protagonistas. Gran parte de su sensualidad es responsabilidad de Tina Romero en la piel de Alucarda, con sus largos cabellos, su mirada penetrante, y sus ropajes negros, la joven encarna perfectamente la condición de bella y réproba tentadora que exige su personaje. De hecho, el trabajo actoral de Tina está por encima del de sus compañeros de reparto, aunque merece mencionarse a Claudio Brook, actor habitual de Luis Buñuel que aquí interpreta dos papeles totalmente diferentes demostrando una versatilidad digna de Lon Chaney, y a Tina French, que interpreta a la hermana Angélica, la cara opuesta de Alucarda.

Definir Alucarda resulta complicado. Dentro del cine de terror puede encuadrarse entre la serie de películas de posesiones satánicas que desató por todo el mundo la celebérrima El exorcista (The Exorcist, William Friedkin, 1973); teniendo además bastantes puntos en común con The Devils (Ken Russell, 1971), que asimismo trajo tras sí una larga estela de imitaciones; pero también tiene mucho de película de vampiros, porque López Moctezuma adoraba a estos seres:  “(…) la historia es cercana a esta tradición y su protagonista es una vampira, aunque no en el sentido de bebedora de sangre. De hecho, ella tiene todo el poder y los atributos del vampiro clásico, excepto que no bebe sangre”.  También puede y debe inscribirse entre los títulos que conforman la denominada nunsploitation. Finalmente, el filme tampoco desaprovecha otras referencias y adscripciones. Así, por ejemplo, el nombre de la amante de la protagonista es Justine, clara voluntad de citar a Sade y su Justine o los infortunios de la virtud, pieza en la que el Marqués se vale de la protagonista para simbolizar la virtud y manifestar su pesimista tesis según la cual, la virtud es sistemáticamente aplastada por el vicio; mientras que el vicio, libre de valores y principios, cobra ventaja y prospera. Semejante es el valor de ese personaje homónimo en el filme, Justine sería la virtuosa seducida por la demoníaca y vampírica Alucarda, sin embargo, la Justine de Moctezuma resulta un poco desleída por contraste con la protagonista, “es el tipo de personaje que resulta ridículo al lado de una criatura apocalíptica como Alucarda”. No queríamos concluir este recorrido por sus antecedentes y filiaciones sin mencionar que para su distribución en video en Estados Unidos no dudaron en presentarla como tercera secuela de la exitosa (y algo olvidada) Las torturas de la inquisición (Hexen bis aufs Blut gequält, Adrian Hoven/Michael Armstron, 1970). Ignoramos si la triquiñuela funcionó. En cualquier caso, y más allá de sus referentes, Alucarda es un filme mágico, extraño, surrealista.

Alucarda fue presentada en el Festival de Cine Fantástico de París y en el décimo Festival de Sitges, donde recibió buenas críticas y fue nominada a mejor película, pero solo obtuvo un reconocimiento genérico por su aportación al fantástico. El director llegó a plantearse una secuela de su película cuyo nombre no dejaba dudas sobre la afición del López Moctezuma por las películas de vampiros: Alucarda Rises from the Tomb, cinta que lamentablemente nunca se realizó.

A partir de ahí la carrera de Moctezuma, que nunca llegó a formar parte de la industria cinematográfica mexicana ya que no le admitieron en el poderoso sindicato de directores (STPC), fue bastante errática. Su siguiente filme, el thriller To Kill a Stranger, lo rodó diez años después. La cruda historia de canibalismo El alimento del miedo (1994), fue su película póstuma. Se estrenó once años después de su muerte, que le sobrevino en 1995, en el sanatorio mental en el que estuvo recluido los últimos años de su vida.

Como suele suceder, llegó la reivindicación de su figura y su cine. Tarde, pero siempre oportuna. “Hay quienes piensan que son filmes de culto, algunos más los aprecian y hay un pequeño grupo que lo considera seriamente como director. Pero la mayoría de los críticos lo desdeñan y eso le ha ganado una reputación de poeta maldito. Creo que a él le hubiera gustado esa clasificación”. Guillermo Del Toro (Sitges, 2002)



VENENO PARA LAS HADAS

Año: 1984 Director: Carlos Enrique Taboada Guión: Carlos Enrique Taboada Música: Carlos Jiménez Mabarak Fotografía: Guadalupe García Duración: 90 min. Color.

Reparto: Ana Patricia Rojo, Elsa María Gutiérrez, Leonor Llausás, Carmen Stein, María Santander, Lilia Aragón

Sinopsis: Las historias de brujería que cuenta la cocinera de su casa despierta la imaginación de la pequeña Verónica (Ana Patricia Rojo), quien presume de que ella misma es una bruja ante su condiscípula Flavia (Elsa María Gutiérrez). Debido a la incredulidad de su amiga, Verónica aprovecha una serie de circunstancias fortuitas para convencerla de que ha sido ella quien las ha provocado, valiéndose de sus artes mágicas. La inocencia de estos juegos adquiere un cariz macabro cuando Verónica insiste en que Flavia la invite a unas vacaciones en el rancho de su familia, en donde podrá preparar un veneno para las hadas.

“Las brujas lo pueden todo” es la frase que inflamará la, ya de por sí, fértil imaginación de Verónica. La sentencia prende sus juegos y su modo de relacionarse con las otras niñas, y, así, se presentará como bruja a Flavia, la compañera de clase que se incorpora empezado el curso. Taboada nos propone un descenso al trascendental mundo del juego infantil. El juego puede parecernos algo superfluo pero si lo analizamos de la mano de Huizinga constatamos que “la existencia del juego corrobora constantemente, y en el sentido más alto, el carácter supralógico de nuestro lugar en el cosmos (…), jugamos y sabemos que jugamos; somos, por tanto, algo más que meros entes de razón, puesto que el juego es irracional”. La virtud de Veneno para las hadas es saber instalarse en el universo de lo lúdico y su gravedad, a ello debe su adscripción al género fantástico, a su acendrada observación de la fantasía de unas niñas que incardinan su juego a la realidad, con funestas consecuencias.

Y decimos observación porque la cámara de Taboada es una auténtica voyerista de la actividad de las dos pequeñas. El mexicano nos sumerge en su mundo poniendo, de entrada, la cámara a la altura de sus ojos, un modo de colarnos en su absoluta intimidad, en la burbuja que su actuar representa respecto al mundo de los adultos. Y no solo se vale del punto de vista de la cámara para ello, la construcción de los encuadres, además, excluye totalmente del protagonismo a los adultos: cuando entran en plano lo hacen de modo que solo se les ve en parte, ya sea por un escorzo, ya sea porque ocupan un lugar no relevante y, sobre todo, porque nunca vemos sus rostros; son meras presencias fantasmales excluidas del universo de significación de la acción. Maticemos, sí vemos rostros adultos en el filme, pero siempre desde el punto de vista de Flavia, por virtud del montaje, vemos por sus ojos y vemos con la distorsión, el sesgo, que las patrañas que Verónica le insufla introducen sobre su percepción. Este acertado trabajo de la imagen deja para la posteridad bellos cuadros que retendremos en la memoria, por citar solo uno, nos quedamos con el plano de Flavia en el entierro de su profesora de piano (cuya muerte la niña atribuye a un conjuro de Verónica): llueve, los adultos visten de negro riguroso y Flavia de blanco, en un leve picado se nos muestra a la niña en el centro de la imagen como único personaje al que vemos el rostro, enmarcada por la aureola que los paraguas de los adultos construyen sobre ella. El terror que ella siente casi se nos antoja una presencia física.

Una encomiable economía de medios para lograr profundas cargas de efectividad es la que se manifiesta en el trabajo del director. Y donde no alcance la imagen, la música de Carlos Jiménez Mabarak vendrá en su auxilio. En la pieza, el compositor alterna temas rítmicos, apoyados en la percusión, incluido el uso percutante del piano, con otros de carácter lírico y orquestal. Los primeros refuerzan los temores de Flavia, mientras que el que acompaña al deambular de las dos niñas en la hacienda, cuando buscan los ingredientes del supuesto veneno para las hadas, tiene timbres ensoñadores que nos hacen saborear esa Arcadia feliz que la infancia parece en (y solo en) la memoria de los adultos. Que no hay idilio en lo infantil lo pone de manifiesto también la banda sonora. En el desenlace, cuando la morena Flavia se libra del acoso de Verónica, justo cuando el espectador toma consciencia de que para la rubia Verónica todo es una simple invención, cuando la encierra en el granero para quemarla por bruja, la película se cierra con un plano fijo del rostro de Flavia (excelente ahí el trabajo de Elsa María Gutiérrez) iluminado por las llamas, con una expresión difícil de definir que oscila entre la satisfacción y el alivio. Y ahí la música que suena es precisamente el tema romántico que las acompañaba en los momentos más inocentes. Taboada concluye, así, que la infancia es tortuosa y oscura, fantasiosa y terrible, porque es el momento en el que más receptivos somos a todos los estímulos y especialmente a los de la imaginación. Las brujas lo pueden todo y los niños son sus esbirros.

Filmin rescata “Belladonna of Sadness”, de Eiichi Yamamoto, la joya perdida de la animación japonesa

En su empeño por reforzar su apuesta por los grandes clásicos del cine y redescubrir obras olvidadas, poco vistas o inéditas en España, Filmin estrena hoy  viernes 23 de abril la película “Belladonna of Sadness”, una de las grandes joyas de la historia de la animación. Estrenada en España en 1975, pero nunca editada en formato doméstico en nuestro país, es la obra más conocida de la trilogía erótica Animerama, concebida por “el dios del manga”, Osamu Tezuka, para ser estrenada en cines, algo muy poco habitual en la época para el anime.


La película fue dirigida por el aprendiz de Tezuka, el visionario Eiichi Yamamoto, quién se basó en la historia de Juana de Arco y el libro “La Sorcière” de Jules Michelet para crear esta obra innovadora, adelantada a su tiempo y que ha sido influencia directa para muchos autores que vinieron después. Tuvo su premiere mundial en el Festival de Berlín y desde entonces se ha ganado su estatus de película de culto, precursora junto a “Fritz the Cat” (Ralph Bakshi, 1972) de una animación pensada para el público adulto que no gozaba de gran reconocimiento en los años 70.

SINOPSIS
Un malvado señor feudal abusa sexualmente de una joven pueblerina en su noche de bodas. Tras huir de la aldea, Jeanne hará un pacto con el diablo para obtener poderes mágicos y así poder llevar a cabo su venganza.

Belladonna of Sadness

Título original: Kanashimi no Beradona.

País y año de producción: Japón, 1973.

Duración: 100 minutos.

Dirección: Eiichi Yamamoto.

Guion: E. Yamamoto, Yoshiyuki Fukuda, sobre una historia de Jules Michelet.

Música: Masahiko Satô

EIICHI YAMAMOTO

DIRECTOR Y GUIONISTA

Nació en la Prefectura de Kioto (Japón) en 1940. Forjado en la televisión nipona de los años 60 en series tan célebres como “Astroboy” o “Kimba, el león blanco”, es especialmente conocido por la trilogía erótica Animerama, integrada por “One Thousand and One Nights” (1969), “Cleopatra” (1970) y Belladonna of Sadness (1973), que tuvo su estreno mundial en el Festival de Berlín.

¡¡¡GallardoRama!!!: con el cine en las venas

Nacido en Barcelona y cartero de profesión, Juan Carlos Gallardo es, ante todo, un apasionado del cine fantástico. Siempre está viendo, hablando, rodando y escribiendo sobre cine. Su presencia es familiar en diversos festivales, como Sitges y otros más pequeños como el B-Retina o TerrorMolins, donde recientemente fue invitado a presentar una muestra de sus cortometrajes. Pero Juan Carlos también realiza un artesanal fanzine, Gallardorama, en el que vierte sus aficiones. Él mismo nos lo cuenta todo.

Mi pasión por el cine viene desde pequeño cuando acudía a las sesiones matinales de fin de semana en el colegio. Allí vi a Mortadelo y Filemón en ‘El Armario del Tiempo’, ‘Las Aventuras de Zipi y Zape’, ‘Las Aventuras de Enrique y Ana’ o el ‘King Kong’ de 1933. Los cines de mi infancia fueron el ‘Avenida’ y el ‘Pisa’, de Cornellà de Llobregat, donde vivía en aquella época.

El cine que más me gusta es el de ciencia ficción, un género con el que especialmente me identifico. La ciencia ficción, la fantasía, me logra transportar a esos mundos imaginarios donde los sueños son posibles. Ese tipo de películas tienen una conexión asombrosa de crear, imaginar y de identificación con tu lado más infantil. Me marcaron mucho de niño ‘La Guerra de las Galaxias’, ‘Superman’, ‘Flash Gordon’, ‘Starfighter la aventura comienza’, ‘El Vuelo del Navegante’, ‘La Furia del Coloso’ y ‘El Dragón del Lago de Fuego’. Son películas que calan muy hondo en el alma y capaces de tocar tus propios sentimientos.

A los 18 años mi padre me regaló mi primera cámara, una Sony, y decidí hacer mis propias películas. Empecé a hacer cortos por mi pasión por el cine fantástico y porque es una forma liberadora de contar historias, pues narrar y filmar van unidas de la mano.

Mis cortos se han podido ver en festivales como FangoFest, Bai de Fest, Horrorvision o Pantalla Fantasma. Entre otros he rodado ‘Jinete del Espacio’, ‘Danza Mortal Vol 2.’, ‘Demasiada asustada para gritar’, ‘Temblad Temblad Malditos’, ‘Sangre Para Drácula’, ‘La Posesión Diabólica’, ‘Pieles’ (Premio del público en Cotxeres de Sants), y ‘Horrormania’, que recibió el premio del público en el festival FantosFreak y fue nominado al mejor corto extranjero en el World Short Festival (Portland).

Comencé a hacer largometrajes a partir del 2010, entre ellos ‘El Viaje de Cloverpot’, ‘Body Art Body Apart’, ‘Memories Pages from project Art 1ªparte’ (Película documental) o ‘90 años sin dormir’. Estoy satisfecho de todas mis películas y a todas las quiero de verdad, tanto mis pelis de temática experimental como las de género fantástico y de terror hechas con amigos con efectos especiales. Las amo con locura. Para mi todas son importantes y ninguna desmerece de la otra.

Me encanta ir a festivales porque me gusta que mis cortos se vean. Es importante para darse a conocer y también es divertido participar de esa fiesta colectiva. Que los vean tus amigos y gente conocida. Es maravilloso, super bonito. En el Horrorvision tuve el honor de que mi corto ‘Hulk vs. Extreme’ lo viera Claudio Fragasso. Cuando se proyectó ‘Pieles’ en Cotxeres de Sants fue una pasada, flipante. En Madrid, donde se celebra el festival Pantalla Fantasma, ‘90 años sin dormir’ se proyectó en el Centro de Bellas Artes, un momento maravilloso. En el festival de Terror de Molins de Rey ofrecieron una retrospectiva sobre mi obra a la que acudió Xavi Pons, mi productor Ferran Herranz y Rafa Dengrá, otro momento mítico.

En el Festival de Sitges Naxo Fiol me presentó a Ferran Herranz, que representa a Vial of Delicatessens, y me dijeron si quería que mis cortos se editaran en dvd. No me los pensé y les dije que si. La selección de cortos del primer dvd que sacaron, ‘Amazing Gallardo’, la hizo Ferran y va a salir un segundo volumen. El largometraje ‘90 años sin dormir’ se vendió muy bien en tiendas oficiales.

Estoy haciendo un guion que se llama ‘Mi Corazón se ha roto eternamente’, que es una versión libre de ‘El Demonio de las Armas’, y he terminado un guion que se llama ‘Galaxia 31’ que es el origen de mi próxima película.

Me gustan los fanzines. Pienso que son necesarios y tienen el regusto nostálgico y el atractivo del papel, con su efecto cautivador. Los fanzines son una obra de arte. Soy seguidor de ‘El Buque Maldito’, ‘Amazing Monsters’, ‘Suburbio’ y ‘Horrorvision’. Me gustan todos. Son guapísimos.

Decidí hacer mi primer fanzine, ‘GallardoRama’ para recuperar el tono nostálgico de escribir a mano, poner fotos de mis cortos, escribir sobre cine fantástico…el fanzine para mi es arte retro. Hice dos números, pero solo salió el primero, que puse en tiendas especializadas en cine y comic de forma gratuita. Me encantaría hacer más, es un trabajo muy chulo.

 

 

Ediciones 79: Novedades 12 de Mayo

Ediciones 79 se pone manos a la obra y edita dos nuevas referencias en formato DVD y Blu-ray con terror para todos los gustos: desde el descerebre freak del programa doble protagonizado por escualos de múltiples cabezas (y afiladas dentaduras); al Folk Horror de Hagazussa. Apostando por el formato físico. Apoyando el formato físico. 

Categorías:DVD / BLU-RAY

“Mulholland Drive” de David Lynch regresa a los cines por su 20 aniversario

En 2021 se cumplen 20 años del estreno internacional de Mulholland Drive, la inclasificable obra maestra de David Lynch por la que recibió el premio al Mejor Director en el Festival de Cannes y la nominación al Oscar en la categoría de Mejor Dirección.

Protagonizada por Naomi Watts, Laura Elena Harring y Justin Theroux, Mulholand Drive fue considerada en 2016 como la mejor película del siglo XXI según una lista elaborada por la BBC a partir del voto de 177 críticos de todo el mundo. La segunda en la lista fue Deseando amar (Wong Kar Wai, 2000). La tercera, Pozos de ambición (Paul Thomas Anderson, 2007).
En el momento de su estreno, Mulholland Drive generó reacciones encontradas. Desde la perplejidad hasta la fascinación, pasando por la irritación. Su críptica trama (si es que podemos hablar de trama) confrontaba con sus poderosas imágenes e inolvidables atmósferas.

Lo que no cabe duda es que el tiempo (a través de la crítica y el recuerdo generado en los propios espectadores) ha puesto la película en un lugar destacado de la historia del cine. Nadie discute ya que hablamos de una experiencia cinematográfica única y memorable.

Para celebrar el 20 aniversario de una de las cumbres del genial cineasta norteamericano, AVALON la reestrenará en los cines el próximo 11 de junio. Abrimos una puerta al Universo de David Lynch.

· Sinopsis ·
Betty Elms (Naomi Watts), una joven aspirante a actriz, llega a Los Ángeles para convertirse en estrella de cine y se aloja en el apartamento de su tía. Allí conoce a la enigmática Rita (Laura Harring), una mujer que padece amnesia a causa de un accidente sufrido en Mulholland Drive. Las dos juntas deciden investigar quién es Rita y cómo llegó hasta allí.
Categorías:TRAILERS RECOMENDADOS

El thriller ‘Proyecto Emperador’ inicia su rodaje

El thriller de intriga Proyecto Emperador, producido por Vaca Films, dirigido por Jorge Coira y protagonizado por Luis Tosar comienza su rodaje.


A lo largo de las próximas semanas, la filmación de Proyecto Emperador, un largometraje ambientado en las altas esferas del poder y el espionaje, tendrá lugar en ciudades como BilbaoMadridA Coruña, Budapest y La Habana.

El actor ganador de tres Premios Goya está acompañado por Alexandra Masangkay (El Hoyo1898: Los últimos de Filipinas), Georgina Amorós (Élite), Laura Domínguez (La catedral del mar, Amar es para siempre), Miguel Rellán (VergüenzaTiempo después), María Botto (Malnazidos), Arón Piper (ÉliteEl desorden que dejas) y Denís Gómez (El vecino), entre otros.

Jorge Coira, ganador del Goya al Mejor Montaje por El Desconocido, es el encargado de dirigir, a partir de un guion escrito por Jorge Guerricaechevarría, este revelador y contemporáneo thriller de intriga inspirado en la cara más oculta de la realidad social y política española.

Proyecto Emperador supone el tercer largometraje de ficción de Jorge Coira tras la premiada 18 comidas y su ópera prima El año de la garrapata. También ha dirigido series de televisión de gran éxito como Hierro (serie española más vista en Movistar) o Sé quién eres, además de ejercer como montador en La Unidad y Hierro o los largometrajes La sombra de la ley y El desconocido.

Proyecto Emperador revela a través de la ficción una reconocible realidad de la España actual. Se trata de un thriller, que nos introducirá en el mundo de los poderosos y de los que mueven los hilos. La información y la desinformación, la verdad y el engaño, el bien y el mal… términos que, en ocasiones, se tocan, se cruzan y conviven hasta confundir sus límites.

La nueva película de Vaca Films bebe de la realidad para sumergirnos en los recovecos de un sistema en el que las apariencias son engañosas, la mentira está a la orden del día y el chantaje es la mejor moneda de cambio.


En palabras de Jorge Coira: “El mundo del espionaje es uno de los contextos más poderosos y fructíferos para explorar conflictos extremos. Proyecto Emperador quiere adentrarse, desde la potencia del thriller, en la realidad de los agentes de información: un mundo en el que la frontera entre el bien y el mal se diluye y donde las cosas no siempre son lo que parecen”. Por su parte, el guionista Jorge Guerricaechevarría destaca que “la realidad en que vivimos es el fruto de un delicado equilibrio. Un universo en constante peligro de zozobrar en el que la información es controlada y manipulada por poderes que, pretendiendo protegernos, buscan en realidad mantenerse a flote y perpetuarse”.
Proyecto Emperador es una producción de Vaca Films (Hasta el cieloEl desorden que dejasLa UnidadQuien a hierro mataEl niñoCelda 211) y Proyecto Emperador AIE, en coproducción con Playtime, con la participación de RTVENetflix, TVG y que cuenta con el apoyo de ICAA (Ministerio de Cultura), Agadic y Programa Media.PROYECTO EMPERADOR llegará a los cines distribuida por A Contracorriente Films. La distribución internacional corre a cargo de Netflix.

 

Categorías:TRAILERS RECOMENDADOS

La fábula fantástica ‘Todas las lunas’ se estrenará el 14 de mayo en cines

El próximo viernes 14 de mayo se estrenará en cines la películaILARGI GUZTIAK. TODAS LAS LUNASsegundo largometraje del cineasta vasco Igor Legarreta (Cuando dejes de quererme, 2018), una fábula fantástica sobre una niña condenada a vivir para siempre.

Filmada en euskera, ILARGI GUZTIAK. TODAS LAS LUNAS toma como punto de partida el mito del vampirismo y, en palabras del director, “ofrece untratamiento naturalista para alejarse de lugares comunes y poner el peso dramático en el relato existencial. No es una película de terror, sino un relato romántico, un drama fantástico que reflexiona sobre nuestro deseo de perdurar, de trascender, ese preciado botín que ofrecen la mayor parte de las religiones a cambio de una vida entregada a la fe. Un regalo que parece alejar las sombras de la existencia y busca protegernos del miedo a la muerte”.

Escrita por Legarreta junto al guionista Jon Sagalá (“La sala”, 2019; “Bosque de sombras”, 2006), “Ilargi Guztiak. Todas las lunas” cuenta con un elenco protagonizado por Haizea Carneros, de 13 años, en su primer trabajo interpretativo. Le acompañan intérpretes consagrados como Itziar Ituño (“La casa de papel”, 2017-actualidad; “Loreak”, 2014) y Josean Bengoetxea (“Oreina”, 2017, “Malas Temporadas”, 2005). También participan Lier Quesada (“Un otoño sin Berlín”, 2015), Zorion Eguileor (“El Hoyo”, 2019, “Agur Etxebesteǃ”, 2019) y Elena Uriz (“Akelarre”, 2020; “Tasio”, 1984).

El equipo técnico de la película está formado por algunos de los profesionales más reconocidos de la industria cinematográfica actual: Laurent Dufreche en el montaje (premio Goya por “Handia”), Mikel Serrano en la Dirección de Arte (premio Goya por “Handia” y nominado por “Ventajas de viajar en tren”); Pascal Gaigne en la música (premio Goya por “Handia” y nominado en 3 ocasiones más); Imanol Nabea en la dirección de fotografía (“Cuando dejes de quererme”, 2018); Alazne Ameztoy en el Sonido Directo (premio Goya por “La trinchera infinita”), Leire Orella en el vestuario; Lola López e Itziar Arrieta en el Maquillaje y Peluquería (ganadoras de un Goya por “El orfanato”); y Ana Rubio, como supervisora de VFX (“Mientras dure la guerra”, “Intemperie”).

ILARGI GUZTIAK. TODAS LAS LUNAS es una fábula fantástica que reflexiona sobre el miedo al dolor y la inmortalidad.

SINOPSIS

Durante los estertores de la última guerra carlista, una niña es rescatada de un orfanato por una misteriosa mujer que habita en lo profundo del bosque. Malherida, y sintiendo estar al borde de la muerte, la pequeña creerá ver en ella a un ángel que ha venido a buscarla para llevársela al Cielo… No tardará en descubrir que este extraño ser le ha dado la vida eterna, obligándola a vivir en la oscuridad de la noche, juntas, para ‘siempre’.

Bajo su nueva condición, tendrá que enfrentarse al doloroso paso del tiempo encerrada en su cuerpo de niña, hasta conocer a Cándido, un hombre humilde que le acogerá en su casa como si de su propia hija se tratase y que le acompañará en la lucha contra su propia naturaleza y en el sueño de recuperar su vida arrebatada.

Novedades Diábolo: Abril 2021

Diábolo realiza nuevos lanzamientos para este mes con un poco de todo, como es habitual en la editorial, ofreciendo al aficionado cine, dando la oportunidad de echarle un vistazo a la historia real y a la ficción cinematográficia en el western y a las interpretaciones del demonio que nos ha ofrecido el séptimo arte; cómic con una nueva entrega de su biblioteca de cómics de terror de los años 50 con un volumen muy especial y totalmente onírico, además de una interpretación de universo de H.P. Lovecraft realizada por diversos autores; y finalmente nos ofrece un pinchazo nostálgico con una mirada a la cultura popular con aquellos juegos que pedimos a los Reyes Magos durante lo años setenta y ochenta.  

MÁS INFORMACIÓN Y DETALLES: 

Astiberri: Novedades mayo 2021

Novedades de mayo de 2021


Los Muértimer 1. Matar el rato Léa Mazé

Color. Cartoné
72 páginas. 22 x 29 cm
18 euros
ISBN: 978-84-18215-49-0
A la venta el 6 de mayo

Desconocida hasta ahora en España, Léa Mazé vive un gran momento en Francia, donde la trilogía ya ha acabado. Nominada a la selección del Festival de Angoulême, Los Muértimer ha recibido un gran reconocimiento de crítica y público. A partir de 8 años.


Crónicas de juventud Guy Delisle

Bitono. Cartoné
144 páginas. 17 x 24 cm
16 euros
ISBN: 978-84-18215-59-9
A la venta el 13 de mayo

Antes de ser un famoso autor de cómic, el estudiante Delisle trabajó tres veranos en una fábrica de papel. A partir de esta experiencia juvenil, elabora un retrato divertido y fresco del mundo del trabajo y rememora la relación con su padre, empleado en la misma fábrica.


Us Sara Soler

Color. Cartoné
144 páginas. 17 x 24 cm
18 euros
ISBN: 978-84-18215-18-6
A la venta el 20 de mayo

Us es la historia de amor de Sara y Diana, y también la historia de la transición de género de Diana. Tras los primeros miedos de que ese repentino giro en su relación acabara con ella, se dan cuenta de que se siguen gustando y queriendo, y que nada ha cambiado entre ellas. Ahora, tendrán que salir del armario y enfrentarse a la mirada de su entorno familiar y social.


Bartleby, el escribiente José Luis Munuera

Color. Cartoné
80 páginas. 21,5 x 28 cm
18 euros
ISBN: 978-84-18215-55-1

A la venta el 27 de mayo

José Luis Munuera se apropia del relato de Herman Melville en una adaptación que aporta una mirada singular sobre el texto original, una fascinante historia sobre la obediencia y la resistencia pasiva.


Gideon Falls 5. Mundos perversos Jeff Lemire y Andrea Sorrentino

Color. Cartoné
128 páginas. 17 x 26 cm
16 euros
ISBN: 978-84-18215-62-9

A la venta el 27 de mayo

Los mundos que contenía el granero negro se vuelven cada vez más perversos y la única solución se encuentra en reunirse de nuevo. En el penúltimo volumen de la obra ganadora del premio Eisner 2019 a la mejor serie nueva, Jeff Lemire y Andrea Sorrentino nos proponen un salto de fe para salir del horror. El final está cerca de verdad.


 

Categorías:Cómic y Manga

El inquietante thriller ‘La casa del caracol’ llegará a los cines el 11 de junio

Imagen que contiene fuegos artificiales, alimentos

Descripción generada automáticamente

LA CASA DEL CARACOL

Javier Rey, Paz Vega y Carlos Alcántara son los inquietantes rostros de este thriller psicológico que llegará a los cines el 11 de junio de la mano de Filmax

La casa del caracol, ópera prima de la directora novel andaluza Macarena Astorga, desvela hoy el cartel oficial con el que se presentará en los cines el próximo 11 de junio de la mano de Filmax.

La imagen muestra la mirada de sus protagonistas, Javier Rey y Paz Vega, que junto al peruano Carlos Alcántara (AsuMare, Perdida, Siete Semillas), conforman el trío protagonista de este inquietante thriller. La película cuenta también con la pequeña Luna Fulgencio (Padre no hay más que uno) y el debut cinematográfico de Ava Salazar. La joven actriz compartirá escenas en la gran pantalla por vez primera con su madre, Paz Vega.

Basada en la novela homónima que ha sido éxito de ventas de estas navidades, la película cuenta con guion de la propia autora Sandra García NietoLa casa del caracol es, más allá de un thriller psicológico, el viaje iniciático de su protagonista en el que sobrevuela el secreto de un pueblo que oculta crímenes terribles y un encuentro con fantasmas del pasado… y del presente. Ambientada en un pueblo ficticio de Andalucía, nos trasladará a una atmósfera asfixiante llena de personajes turbadores donde nada es lo que parece.

Los propios protagonistas describen así la historia, en unas palabras que recoge también el prólogo de la novela: “ La casa del caracol no es solo un cuento para adultos. Es también una reflexión sobre los traumas que condicionan nuestro destino y sobre la capacidad del ser humano para dar respuesta a hechos de difícil entendimiento”. Afirma Paz Vega. Y por su parte, Javier Rey concluye: “Todos los personajes tienen su pasado, todos tienen algo que ocultar. Son personalidades ricas y complejas que hacen que la historia sea una delicia”.

El reparto se completa con un abanico de grandes intérpretes: la reconocida actriz peruana Norma Martínez (La Vergüenza), Pedro Casablanc, Elvira Mínguez o Vicente Vergara y jóvenes brillantes como Jesús Carroza. Junto a ellos, intervendrá también Fernando Tejero en una colaboración especial.

SINOPSIS

El escritor Antonio Prieto decide pasar el verano en un pueblo de la serranía malagueña, donde espera encontrar tranquilidad e inspiración para su siguiente novela. Allí conoce a Berta, una mujer por la que siente una atracción instantánea, así como a algunos personajes peculiares sobre los que empieza a escribir e investigar.

Antonio comienza a descubrir que los locales guardan numerosos secretos y una perturbadora leyenda oculta. La realidad que vivirá en esos días le harán ir dándose cuenta que, a veces, la realidad supera con creces los mitos…

Impulsada y liderada por el productor gaditano Álvaro Ariza, a través de su productora Esto también pasará, “LA CASA DEL CARACOL” fue una de las primeras películas en dar motor en España el pasado verano tras el estado de alarma.

RTVE y Canal Sur han adquirido ya los derechos de “LA CASA DEL CARACOL”, apostando así por el cine liderado por mujeres  y especialmente por el thriller dirigido por mujeres, algo muy poco habitual en nuestra cinematografía. Así, la producción ejecutiva la ejerce María Luisa Gutiérrez, considerada por VanityFair una de las cinco mujeres más influyentes del cine español y CEO de Bowfinger International Pictures, responsable de la taquillera saga Padre no hay más que uno.

Sobre Macarena Astorga

Licenciada en Comunicación Audiovisual y en Ciencias de la Educación por la Universidad de Málaga. Apasionada por el cine y por la tecnología, realiza varios cursos de guion y dirección cinematográfica. Ha sido profesora de Imagen y Sonido en el IES Guadalpín de Marbella desde 2004 donde ha impartido clases en el Ciclo Superior de Realización de Audiovisuales.

Ha realizado diferentes trabajos audiovisuales entre los que podemos destacar los documentales “Mujeres que dicen acción”, sobre mujeres directoras de cine español de la década de los noventa, “La memoria dormida”, “Voces contra el silencio” o “Los ojos de Brahim”, con el que en 2011 salta al panorama cinematográfico nacional obteniendo el Premio RTVA a la Mejor Creación Audiovisual Andaluza o la Biznaga de Plata en el XV Festival de Cine Español de Málaga, entre otros.

En 2012 escribe y dirige “Tránsito”, un cortometraje con el que se estrena en el género de la ficción, consiguiendo más de 60 selecciones en festivales de cine y numerosos premios como la Biznaga de Plata al Mejor Cortometraje en el Festival de Cine Español de Málaga, el Premio RTVA al Mejor Cortometraje Andaluz, la candidatura como uno de los cinco mejores cortometrajes andaluces Premio ASECAN y la preselección a los Premios Goya al Mejor Cortometraje en 2014.  Su segundo corto “Marta no viene a cenar” (2017), protagonizado por Natalia de Molina y Celia de Molina y estrenado en la Sección Oficial de la Semana de Cine de Medina del Campo, se alzó como Mejor Cortometraje Nacional en el festival de cine fantástico Nocturna (Madrid),  ganando también el Premio al Mejor Cortometraje en los Blogos de Oro, entre otros reconocimientos.

En junio de 2019 recibió el Premio ASFAAN a la Mejor Directora Andaluza en la 41 edición del Festival Internacional de Cine de San Roque (FICSAN).

“LA CASA DEL CARACOL” será su primer largometraje de ficción.

Categorías:TRAILERS RECOMENDADOS
A %d blogueros les gusta esto: