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No hagan enojar a Harry Palmer y adquieran ‘Cine-Bis’ Nº 4
Con cada nuevo número de Cine-Bis, publicación hermana y multigénero de Quatermass, la sonrisa se nos hace más y más amplia. Y no por el humor que destilan sus páginas (que lo hay), ni por la calidad de sus artículos (que la tienen), ni tan siquiera por su magnífico diseño, sino porque esta publicación ya tiene una periodicidad regular y la vamos teniendo disponible cada cinco meses, lo que es un gran consuelo para los que hemos seguido Quatermass desde sus inicios y hemos sufrido las bien recompensadas esperas.
Cine-Bis se erige como una lectura necesaria y (esperemos) puntual. Y es que viendo los contenidos de su cuarta entrega no podemos más que celebrarlo. Lean si no:
Pablo Herranz, el entrañable ‘Piedras Blancas’ de 2000 Maníacos, consigue que la epopeya del cine musical soviético resulte interesante y amena. Otro cantar es que apetezca revisar estas cintas, pero el artículo es de lo más refrescante e informativo. Y es que en el cine hay mucho a descubrir como 
para tener que seguir reincidiendo en tantos lugares comunes. Hay que escarbar e investigar, sin que ello signifique quedarse únicamente con la basura. Con las rarezas infumables. No todo está dicho, las perlas existen y Cine-Bis nos lo demuestra en cada nuevo número.
Más cerca, por conocido, nos queda el completo dossier sobre el denominado cine Decamerótico italiano de los setenta, una fiebre que desató Passolini en 1971 y que en la España del destape tuvo su trascendencia.
Thriller coreano; filmes extraños y poco (o nada) conocidos tratados en profundidad como Kaidan Semushi Otoko, un extraño híbrido entre el terror occidental y el japonés; un exhaustivo repaso a la carrera del cineasta Cy Endfield, refugiado en Inglaterra por la caza de brujas de McCarthy; un necesario artículo sobre la trilogía del agente Harry 
Palmer; y tres expléndidas entrevistas: una a Howard Vernon realizada por Carlos Aguilar, amigo personal del actor, y dos del director de la publicación, Javier G. Romero: a Manuel Valencia, alma mater del imprescindible fanzine 2000 Maníacos y al cineasta, recientemente fallecido, Raúl Artigot. Una extensa y muy interesante conversación con la que podremos abrir boca a la espera del libro que el propio Javier G. Romero va a publicar sobre este director y hombre de cine, auténtica caja de vivencias de nuestra cinematografía.
Así que si no lo han hecho ya, háganme caso y no enojen al frío Harry Palmer y adquieran esta cool e imprescindible publicación. 132 páginas repletas de buenos textos y una magnífica selección de imágenes a todo grooby color.
CINE BIS Nº 4. ABRIL 2015. 8,75 €
VAMOS DE ESTRENO (O no) *Viernes 8 de mayo de 2015*
MINÚSCULOS: EL VALLE DE LAS HORMIGAS PERDIDAS (Minuscule: La vallée des foumis perdues, Thomas Szabo y Hélène Giraud, 2013) *****
Francia. Duración: 82 min. Guión: Thomas Szabo, Hélène Giraud. Música: Lavandier. Productora: Futurikon Films. Género: Comedia de animación.
Combinando animación e imagen real, Minúsculos: el valle de las hormigas perdidas nos relata la peripecia de una mariquita cuya curiosidad la aleja de su familia y acaba implicada en la guerra de dos comunidades de hormigas, que pugnan por hacerse con los restos de un pícnic abandonado (más concretamente por una caja de azucarillos). Con esta excusa argumental la película nos narra todo un poema épico a escala microscópica.
Si hace unas semanas llegaba a nuestras pantallas La oveja Shaun, ahora nos llega (con dos años de retraso) el trabajo de Thomas Szabo y Hélène Giraud, el cual también apuesta por darle todo el protagonismo a la imagen, a la que hay que sumar la banda sonora, por tratarse de una película muda (los insectos protagonistas se comunican mediante zumbidos). Otro paralelismo con la cinta de los Estudios Aardman, es que en ambos casos el largometraje proviene de una serie televisiva previa. Y hasta aquí las comparaciones, porque los recursos de animación de cada película son muy distintos entre sí, la británica es un prodigio de la claymation, mientras que Minúsculos: el valle de las hormigas perdidas combina la imagen real y la animación sobrepuesta sobre ese fondo real. Con esta opción narrativa Szabo y Giraud consiguen retratar el microcosmos de los insectos como si el relato estuviese contado a escala de los propios protagonistas.
Que los personajes sean insectos nos hace recordar producciones anteriores como son Bichos, una aventura en miniatura, de Pixar y AntZ de DreamWorks, pero la verdad es que son pocas las semejanzas que puedan compararlas. Minúsculos tiene ritmo y vida propios, y aunque se les asignen a los personajes algunos caracteres humanos es mucho menor la antropomorfización que en sus predecesoras. Esta circunstancia hace que nos encontremos ante una cinta menos infantil de lo que es habitual en el género y que no pueda recomendarse a los más pequeños (niños menores de seis años) porque se perderán en las elipsis y no empatizarán con los momentos de humor que perlan todo el metraje.
EL VIAJE MÁS LARGO (The Longest Ride, George Tillman Jr., 2015) *****
USA. Duración: 139 min. Guión: Craig Bolotin (Novela: Nicholas Sparks). Música: Mark Isham. Fotografía: David Tattersall. Productora: Fox 2000 Pictures / Temple Hill Entertainment. Género: Drama romántico.
Reparto: Scott Eastwood, Britt Robertson, Alan Alda, Oona Chaplin, Jack Huston, Melissa Benoist, Lolita Davidovich, Amber Chaney.
Sinopsis: Historia de amor entre Luke (Scott Eastwood), un antiguo campeón de rodeo y Sophia (Britt Robertson), una estudiante a punto de embarcarse en su sueño de trabajar en el mundo del arte en Nueva York. Según van poniendo a prueba su amor con sus diferentes ideales y visiones de la vida, Sophia y Luke establecen una conexión inesperada con Ira (Alan Alda), cuyas memorias de su amor vivido hace décadas con su maravillosa mujer (Oona Chaplin), inspirará profundamente a la joven pareja. Saltando generaciones e intercalando dos historias de amor, El viaje más largo explora los retos y las infinitas recompensas del amor duradero.
Dos historias de amor en una (aunque los 139 minutos dan para eso y mucho más), en un filme que no me resisto en definir, a pesar de poder herir sensibilidades y ser tachado de lo que no soy, como ‘para mujeres’. No en vano está basado en una novela de Nicholas Sparks, escritor de la exitosa El cuaderno de Noah y Lo mejor de mí, cuya adaptación cinematográfica se estrenó recientemente y comentamos aquí. Tenemos un irresistible y musculado galán ‘Old School‘. Un patán de delicados modales que representa el paradigma del príncipe azul por el que suspiran muchas féminas y que está materializado en el vástago de Clint Eastwood. Y debemos suspender la incredulidad. Cuando se estrenó la estupenda Superman (Richard Donner, 1978) en su cartel una frase promocional aseguraba que ‘Usted creerá que un hombre puede volar’, pues bien, si aceptan y entran en el juego que El viaje más largo les propone (y para hacerlo, desde luego tendrán que ser tan crédulos como si de la más inverosímil película de ciencia ficción se tratara) podrán pasar hasta un buen rato con todos los tópicos y lugares comunes de este tipo de historias y con las actuaciones de los veteranos Alan Alda y Lolita Davidovich, además de Oona Chaplin y Jack Huston (aquí con su cara completa tras Broardwalk Empire). Sin olvidar a los protagonistas, la agradabla Britt Robertson y Scott Eastwood, que ha decidido incluir el apellido paterno en su nombre artístico tras iniciar su carrera con el materno como Scott Reeves, nombre con el que intervino en sus primeros filmes, como Gran Torino (2008) y Banderas de nuestros padres (2006), dirigidos ambos por ya saben quien. Eso sí, no me quedaría tranquilo si no recomendara desde esta pequeña tarima que se me brinda el recomendar a los diabéticos precaución al visionar este filme, pues su exceso de melaza puede causarles estragos.
SWEET HOME (Rafa Martínez, 2015) *****
Duración: 80 min. Guión: Rafa Martínez, Teresa de Rosendo, Ángel Agudo. Música: Ginés Carrión Espí. Fotografía: Antonio J. García. Productora: Castelao Pictures / Filmax / Film Produkcja. Género: Terror
Reparto: Ingrid García Jonsson, Bruno Sevilla, Oriol Tarrida, Eduardo Lloveras, Miguel Ángel Alarcón, Luka Peros, Mariona Perrier, José María Blanco.
Sinopsis: Una pareja decide pasar una noche romántica en un piso de un edificio semiabandonado al que se cuelan porque ella trabaja como asesora de inmuebles para el Ayuntamiento y tiene las llaves. Durante la velada descubren que unos encapuchados han asesinado al único inquilino que quedaba en el edificio… y ellos se convierten en su nuevo objetivo.
(Artículo y crítica completa en este enlace)
A CAMBIO DE NADA (Daniel Guzmán, 2015) *****
España. Guión: Daniel Guzmán. Fotografía: Josu Inchaustegui. Productora: El Niño Producciones / La Competencia / La Mirada Oblicua / Ulula Films. Género: Drama.
- Reparto: Miguel Herrán, Antonio Bachiller, Luis Tosar, María Miguel, Antonia Guzmán, Felipe García Vélez, Patricia Santos, Miguel Rellán, Manolo Caro, Mario Llorente, Carlos Olalla, Sebastían Haro, Beatriz Argüello, Iris Alpáñez, Adelfa Calvo, Luis Zahera.
A cambio de nada, el primer largometraje de Daniel Guzmán como director, se ha convertido en el gran triunfador del Festival de Cine de Málaga. La película, que se ha hecho con la Biznaga de oro a la mejor película, la Biznaga de plata a 
la mejor dirección, la Biznaga de plata al mejor actor de reparto (Antonio Bachiller) y la Biznaga de plata premio especial del jurado de la crítica, se estrena de la mano de Warner Bros.
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A cambio de nada cuenta la historia de Darío, un chico de dieciséis años que disfruta de la vida junto a Luismi, su vecino y amigo del alma. Mantienen una amistad incondicional, se conocen desde que tienen uso de razón y juntos han descubierto todo lo que saben de la vida. Darío sufre la separación de sus padres y se escapa de casa, huyendo de su infierno familiar. Comienza a trabajar en el taller de Caralimpia, un viejo delincuente con envoltura de triunfador, que le enseña el oficio y los beneficios de la vida… Darío conoce a Antonia, una anciana que recoge muebles abandonados con su motocarro y junto a ella descubre otra forma de ver la vida. Luismi, Caralimpia y Antonia se convierten en su nueva familia en un verano que les cambiará la vida…
El filme pretende retratar la vida de forma realista, aunque la línea tremenda que va tomando su trama termina deshinchándose hacia el final, dejando un rastro de esperanza en los personajes, pero de incredulidad en el espectador. Otros directores nos han mostrado la parte menos favorecida de la sociedad de forma más cruda y veraz. Sin ser exhaustivos y tan solo en España, este universo nos los mostró Carlos Saura en Los golfos (1960), Eloy de la Iglesia de forma más tremenda y pesimista en películas como Colegas (1982). Y más recientemente Fernando León de Aranoa en Barrio (1998) o Achero Mañas en El Bola (2000), pero siempre es importante retratar esta realidad menos brillante y luminosa, el drama cotidiano en el que sus protagonistas no trabajan en una oficina o son artistas o escritores con crisis de inspiración. A lo que hay que sumar la frescura que destila el filme, ópera prima del actor Javier Guzmán, que escribe y dirige este filme contando con un elenco de actores veteranos y experimentados como un perfecto Felipe García Vélez o el siempre eficaz Luis Tosar, que contrastan y complementan a los jóvenes protagonistas debutantes, Antonio Bachiller, Miguel Herrán, e incluso Antonia Guzmán, abuela del director, que realiza una entrañable actuación como Antonia, la anciana que acoge a Darío en su casa. Aunque con algún paso en falso en su guión, A cambio de nada podría ser una sorpresa para el público al igual que lo fue para el jurado del Festival de Málaga.
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A ESMORGA (Ignacio Vilar, 2014) *****
Galicia (España). Duración: 111 min. Guión: Carlos Asorey, Ignacio Vilar (Novela: Eduardo Blanco Amor). Música: Zeltia Montes. Fotografía: Diego Romero. Productora: Vía Láctea Filmes / Editorial Galaxia / TVG. Género: Drama. http://aesmorgafilme.com/es/
- Reparto: Karra alejalde, Miguel de Lira, Antonio Durán ‘Morris’, Ledicia Sola, Sabela Arán, Monti Castiñeiras, Mela Casal, Santi Prego, Alfonso Agra, Patxi Bisquert, Mónica García, Pepo Suevos, Elena Seijo, Covadonga Berdiñas, Yago López, Lois Soaxe.
Sinopsis: Crónica tensa e intensa de 24 horas en la vida de tres compañeros de juerga que van dejando un reguero de destrucción, de sexo equívoco y reprimido, y también cerrando puertas tras tirar las llaves, como si de manera deliberada buscarán la perdición.
(Artículo y crítica completa en este enlace)
LA CANCIÓN DEL MAR (Song of the Sea, Tomm Moore, 2014)*****
Irlanda/Dinamarca/Bélgica/Luxemburgo/Francia. Duración: 93 min. Guión: Will Collins. Música: Kila. Productora: CartoonSaloon / Big Farm / Digital Graphics. Género: Animación.
Sinopsis: Ben y Saoirse viven en un faro, en la parte más altqa de una pequeña isla, con su padre, que para protegerlos de los peligros del mar los envía a vivir con su abuela a la ciudad. Allí Ben descubre que su hermana pequeña es una Selkie, un hada del mar, una niña-foca que con su canción puede liberar a los seres mágicos del hechizo que les hizo la Bruja de los búhos.
En el mundo de la animación hay mucha vida más allá de Disney, vida que parte de otras tradiciones más minimalistas en cuanto a dibujo y que huye de la voluntad de realismo en los movimientos para llevarnos a un universo en el que prima la imaginación y la magia. Este es el caso de La canción del mar, segundo largo de Tomm Moore que viene a consagrarlo como uno de los nombres destacados dentro del género. Las imágenes de Moore consiguen un impacto visual hipnotizador que las convierte en el vehículo perfecto para adaptar al cine las viejas leyendas celtas y escandinavas, como lo son los relatos concernientes al pueblo de las Selkies, esas hadas que alternan su efigie humana con su apariencia de foca. De la mano de Moore nos sumergimos en el interior de un cuento ilustrado que va cobrando vida y movimiento conforme se desarrolla, estamos ante planos bidimensionales que cobran fuerza narrativa gracias al uso del color, los efectos de iluminación y el diseño de personajes y escenarios.
Como cuento que es, la trama de La canción del mar está asentada sobre las estructuras propias de los cuentos maravillosos tal como fueron catalogadas por Vladimir Propp en su Morfología del cuento. El estructuralista ruso enumeró hasta treinta y un puntos recurrentes en los relatos tradicionales, que no necesariamente se han de dar todos en todos los textos. Así, en La canción del mar, nos encontramos con el tópico del alejamiento del héroe, quien habrá de someterse a una prueba cuya superación será necesaria para obtener la ayuda mágica que resuelva el conflicto. Por su fidelidad a las formas clásicas, su mensaje será menos plano y más universal que el de otras cintas animadas más apegadas a los valores de nuestras coyunturas actuales.
Este segundo trabajo de Moore es una auténtica filigrana repleta de secuencias bellísimas, una de las mejores cintas que podrá verse en nuestras salas este año. Estamos ante un título imprescindible se sea aficionado o no a la animación.
- Premios:
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– Premios Oscar: Nominada a Mejor largometraje animación– Premios César: Nominada a Mejor film de animación– Festival de Gijón: Mejor largometraje de animación– Premios Annie: 7 nominaciones, incluyendo Mejor película– Satellite Awards: Mejor largometraje de animación
GÜEROS (Alonso Ruizpalacios, 2014)*****
México. Duración: 107 min. Guión: Alonso Ruizpalacios, Gibrán Portela. Música: Tomás Barreiro. Fotografía: Damián García (B&W)Productora: Catatonia Films / Conaculta / Difusion Cultural UNAM. Género: Comedia dramática.
Reparto: Tenoch Huerta, Leonardo Ortizgris, Sebastián Aguirre, Ilse Salas, Sophie Alexander-Katz.
Sinopsis: “Güeros” narra el encuentro entre Sombra y su hermano menor, Tomás, quien lo visita en la Ciudad de México tras algunos sucesos desafortunados en casa de su madre. La llegada del joven Tomás imprime energía a la monótona vida de Sombra y su amigo Santos, la cual parece estar en pausa tras la huelga de la UNAM. Juntos, deciden 
emprender un viaje para encontrar a un legendario músico que escuchaban de niños, y cuyo paradero es desconocido desde mucho tiempo atrás. Esta búsqueda, atravesando las fronteras invisibles de la Ciudad de México, los llevará a descubrir que no pueden huir de sí mismos.
Güeros nos muestra el viaje iniciático de Sombra, con el que saldrá de su indolencia, de su huelga de la huelga, para adentrarse en el camino, encontrarse a sí mismo y descubrir sus objetivos. Crudamente rodado en bello blanco y negro. Bello porque está repleto, al igual que la historia misma del filme, de una rica gama de grises que resaltan el tenebrismo de los bloques y los barrios de extrarradio. Y crudo porque a ratos recuerda los experimentos narrativos y visuales de la Nouvelle Vague, del Cinema Novo Brasileiro y, ¿porqué no?, del Jodorowsky menos extremo, no vacilando en servirse del lenguaje del documental y del metacine.
Güeros materializa con buen ritmo las palabras que dijo Salvador Allende y que se recuerdan durante el filme, ‘Ser joven y no ser revolucionario es una contradicción hasta biológica’. Amen.
– Festival Internacional de Cine de San Sebastián 2014: Mejor Película (Horizontes Latinos) y Premio de la Juventud
– Festival de Cine de Tribeca 2014: Mejor Fotografía y Mejor Nuevo Director
– Premios Ariel 2015: 12 Nominaciones incluyendo Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión, Mejor Actor, Mejor Actriz y Mejor Actor revelación.
– Mostra de Cinema Llatinoamericà de Catalunya 2015: Mejor Película
– Festival de Cine de Jerusalén 2014: Premio FIPRESCI
– AFI Fest (Los Ángeles) 2014: Premio del Público – Festival Internacional de Cine de Los Cabos 2014: Mejor Película – Festival Internacional de Cine de Bombay 2014: Gran Premio del Jurado – Festival de Cine de Morelia 2014: Mejor Opera Prima, Mejor Actor, Premio de la Crítica y Premio del Público.
Home… ¿Sweet Home?
SINOPSIS:
Simon (Bruno Sevilla) y Alicia (Ingrid García Jonsson) deciden pasar una noche romántica en un edificio semiabandonado. Durante la velada descubren que unos encapuchados han asesinado al único inquilino que quedaba en el edificio… Ahora ellos se convertirán en su nuevo objetivo.
El viejo caserón victoriano ha dejado de estar embrujado. El terror moderno se materializa en los baldíos polígonos industriales o en destartalados bloques de extrarradio, donde más que el acecho de espectros y fantasmas, podemos sufrir el acoso de vecinos 
desagradables, caseros dementes (Para entrar a vivir) o porteros desquiciados (Mientras duermes), auténticas pesadillas a las que se les suman terroríficos especuladores del suelo, que no dudan en utilizar cualquier sistema para desalojar a inquilinos con contratos de renta antigua. Ese es el ingenioso punto de partida de Sweet Home, debut en el largometraje de Rafa Martínez, director de los exitosos cortos Zombies & Cigarettes (2009) y Halloween Before Christmas (2010).
Si bien no puede decirse que su argumento sea innovador (basta recordar la olvidada parodia El cuchitril de Joe [Joe’s Apartmen, John Payson, 1996]), si que representa una base social de actualidad en la que situar la acción:
Para hacer Sweet Home aún más realista, nos planteamos una temática de actualidad, el mobbing inmobiliario. Ésta realidad es tan frecuente en nuestro país, que resulta realmente aterradora. Así que nos pareció perfecto como tema detonador de una historia de género. No hay nada más terrorífico que el que no puedas estar seguro ni en tu propia casa. (Rafa Martínez)
En Sweet Home, la mano ejecutora encargada de los desahucios pasa a ser mucho más despiadada, sobre todo cuando del trabajo se encarga ‘el liquidador’ (Oriol Tarrida ‘Tarro’) un brutal y eficiente empleado encargado de limpiar los errores cometidos por otros empleados de la inmobiliaria, bastante menos eficaces en su labor.
Es remarcable, asimismo, la importancia en la historia del destartalado bloque de pisos: un lugar claustrofóbico repleto de oscuridad y rincones en los que esconderse, que resulta ser también una ratonera de la que casi es imposible escapar al tener sus ventanas tapiadas y sus puertas cerradas. Desarrollándose así un juego del gato y el ratón en el que los protagonistas deberán recurrir al ingenio para sobrevivir:
Cuando los tres guionistas nos planteamos escribir Sweet Home lo que más nos apetecía era situar la acción en un entorno cotidiano, muy cercano al espectador. Queríamos hacer una película realista y claustrofóbica, sin perder de vista la parte lúdica del terror que más nos interesa. Queríamos llevar el miedo a un lugar terrorífico, pero muy reconocido por todos; un portal, una escalera, un ascensor, en definitiva, nuestra casa… y convertir un edificio del centro de una gran ciudad, en un tren de la bruja lleno de sustos, aventuras y sorpresas (Rafa Martínez)
Filmax (en esta ocasión en coproducción con la compañía polaca Film Produkcja SP. ZO.O.) vuelve a apostar por el fantástico con un lote compuesto por Summer Camp (Alberto Marini), todavía a la espera de estreno y Sweet Home. En su guión, escrito por el propio director junto a Teresa de Rosendo y Ángel Agudo, biógrafo de Paul Naschy, no han querido dejar cabos sueltos, mimando las pistas de lo que acontecerá sin caer en inútiles subrayados. La historia, ambientada en Barcelona parte, como ya hemos señalado, de una problemática social muy real, la de la especulación, los desahucios y la precariedad laboral, no para hacer una crónica sobre ello, sino como marco que desatará la acción. Una acción que en sus poco más de 80 minutos no dará respiro al espectador, pero que sabrá detenerse lo suficiente como para presentarnos a los personajes principales dotándoles de perfil psicológico, remarcando asimismo los momentos más dramáticos. Un filme emocionante rodado con buen pulso, con buenos efectos de maquillaje de David Ambit, actuaciones competentes, un eficaz uso de los medios con los que ha contado y una historia si no innovadora, si eficazmente narrada.
El aspecto lúdico de Sweet Home está muy estudiado para que el ritmo no decaiga en ningún momento. Una vez que la película se pone en marcha ya no hay manera de pararla. En este sentido Sweet Home busca seguir los pasos de películas como The descent (2005), The Crazies (2009), [REC]2, Wolf Creek (2005) o Las colinas tienen ojos (2006) (Rafa Martínez)
El papel protagonista, al igual que pasara en la inaugural [Rec], recae en una mujer, Alicia, decidida y valiente, pero más frágil que la Ángela Vidal de Manuela Velasco, con la que comparte coincidencias en su vestuario. Ingrid García Jonsson, una jovencísima actriz que despuntó en Hermosa Juventud (2014) de Jaime Rosales, papel que le mereció su nominación al Goya, cambia totalmente de
Rafa Martínez dirigiendo a Ingrid García Johsson.
registro para meterse de cabeza en el cine de género aprobando con nota. Su compañero de fatigas, Simón, está interpretado por Bruno Sevilla, actor que dentro del género fantástico interpretó un pequeño papel en la interesante Mindscape (Jorge Dorado, 2013) y al que podremos ver próximamente en el filme de ciencia ficción Project Lazarus, de Mateo Gil. Completan el reparto Oriol Tarrida, Eduardo Lloveras, Miguel Ángel Alarcón y Luka Peros, como los malvados matones de la inmobiliaria, además de los veteranos José María Blanco y Mariona Perrier, como sufridos inquilinos. Precisamente esta última nos comentó que su papel fue más desagradable de rodar de lo que podría pensarse por el resultado en pantalla, ya que tuvo que hacerlo rodeada de cucarachas, llegando a aplastar una con el trasero…
Sweet Home hará pasar un buen rato a base de adrenalina al límite, sustos (algunos previsibles y otros no tanto) y un villano despiadado a añadir al pequeño altar de psycho killers cañís: El liquidador.
PRESENTACIÓN EN BARCELONA DE SWEET HOME (30/04/2015) (Fotos: Serendipia)
Bruno Sevilla, Ingrid García Jonsson y Rafa Martínez
Oriol Tarrida, Miguel Ángel Alarcón, Bruno Sevilla, Ingrid García Jonsson, Mariona Perrier, Rafa Martínez y Eduardo Lloveras
Ingrid García Jonsson
‘Horms’ inaugurará Nocturna 2015 y Alexandre Aja recogerá el Nocturna Visionary Award
Horns, la esperada película de Alexandre Aja, es la elegida para la inauguración de NOCTURNA 2015. Esa misma noche, Aja recogerá el nuevo galardón de festival, NOCTURNA Visionary Award, que homenajea la carrera de los jóvenes cineastas que marcan el devenir del fantástico presente y futuro y que Aja representa a la perfección. Las Colinas Tienen Ojos, Piraña 3D y Reflejos son algunos de los títulos que forman parte de su filmografía.
Sinopsis: Acusado del brutal asesinato de su novia de toda la vida (Juno Temple), un hombre (Daniel Radcliffe) que vive en una pequeña ciudad se despierta una buena mañana y descubre que le crecen un par de cuernos en la cabeza.
Un extraño thriller sobrenatural protagonizado por un reparto de lujo: Daniel Radcliffe, Juno Temple, Max Minghella, Joe Anderson, Kelli Garner, Heather Graham, David Morse, Kathleen Quinlan y James Remar.
Horns se estrenará en España el 5 de junio del 2015.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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