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El Retorno del Hombre Lobo (un año después)
Tras enterarme de la desaparición de Paul Naschy escribí esto de un tirón. Un sencillo pero sentido homenaje que me salió directamente del corazón, pero que incluso he visto «adaptado» en algún lugar, un homenaje que sigue vigente y que quiero repetir hoy, aniversario del día que Waldemar Danisnky por fin, consiguió la paz. Vaya por usted Don Jacinto y con su permiso también para la artífice de todo esto, Montse, la siempre tan esperada Serendipia sin la que nada hubiera sido posible.
Lo dicho vaya por usted para siempre, Paul Naschy.
Corre un bulo por la web y por los mentideros de la capital: Dicen que ha fallecido el hombre lobo Waldemar Daninsky; dicen que ha muerto Alaric de Marnac; dicen que se nos ha ido El Caminante para no volver jamás; que el último kamikaze ha chocado contra el último objetivo; que los latidos de pánico han cesado y que el diablo ha dado su último aullido.
Dicen muchas tonterias los mismos de siempre: Que los monstruos del terror han reclamado a Paul Naschy en su seno en la última noche de Walpurgis; que Gotho ha ido a la morgue para no volver a salir; que hasta los muertos se rebelan mientras el espanto surge de la tumba. Pero yo sé que ni las ratas duermen de noche y que siempre hay algún Jack o algún Petiot que han incordiado a nuestro francotirador.
Publican que las sesiones dobles de cine de barrio de mi infancia se estan llenando de lágrimas; que el rojo sangre se ha tornado negro de luto; que la herencia Valdemar será el último latido de pánico que veremos en los cines; que hasta en Japón se echará de menos a la bestia y la espada mágica; que el mariscal del infierno yace en el huerto del francés; que hay una orgía de muertos celebrando el retorno de Walpurgis y el del hombre lobo.
Pero todos nosotros sabemos que no es posible. Sabemos que únicamente ha vuelto al lugar del los grandes, celosos ellos de no contar con él durante tanto tiempo, asi que ha sido reclamado. Y allí ha ido a conversar con los suyos, con Lon Chaney y con su hijo, con el que ha comparado maquillajes; ha vuelto a saludar a Boris Karloff y a decirle lo mucho que le admira; echará unas partidas de ajedrez con Bela Lugosi y tomará unos refinados vinos con Peter Lorre y Vincent Price. También echará pestes sobre el amiguismo y la mafia en el cine español con Victor Israël, Amando de Ossorio, Leon Klimovsky y Carlos Aured. Y se reirá ya de todo ello… porque a fin de cuentas todos sabemos que Paul Naschy, Don Jacinto, tiene lo que pocos actores pueden desear: el cariño y reconocimiento de los fans de todo el mundo, que incluyen su figura junto a las de los demás mitos del fantaterror universal, donde siempre va a permanecer.
Así que a esos que dicen que Paul Naschy ha muerto, decirles que eso es imposible. Otra nueva patraña. Es más, está más vivo que nunca y ha vuelto (aunque nunca se había ido) para quedarse y permanecer, tomando vida en DVD, en celuloide o en donde sea.
Y como siempre, como tantos otros fans, humildemente seguiremos informando de cualquier novedad que sobre nuestro actor se produzca.
Así que no hagan caso de esos bulos y patrañas y pongan una de esas películas que han visto tantas veces de Paul Naschy y así podrán ver que, naturalmente Paul Naschy esta vivo, y siempre va a estarlo.
Entrevista con Sergio Molina
Desde que comenzamos con este blog nos planteamos el entrevistar a Paul Naschy pero, por poco, no pudo ser. Si le hubieramos entrevistado muchas de estas pregustas también se las habriamos formulado. También hace tiempo que perseguiamos la posibilidad de entrevistar a Sergio Molina, pero la ocasión de conocerlo personalmente en Sitges y proponérselo nos dio la oportunidad de cumplir uno de nuestros objetivos. Se nos ocurrió que, qué mejor forma de homenajear a Paul Naschy que entrevistar, a un año vista, a su hijo Sergio Molina, así que le hemos dado un poco la barrila con este extenso cuestionario alejándole, momentaneamente, de sus ocupaciones con rodajes y con su descendencia.
No podemos más que agradecéselo.
SOBRE PAUL NASCHY
Paul Naschy en La Maldición de la Bestia (1975, Miguel Iglesias Bonns), durante el rodaje nació Sergio Molina.
¿Cómo definirías este año en cuanto a homenajes y cariño para con tu padre? ¿Has notado el reconocimiento y cariño que durante algunos años difíciles se le negó? ¿Como se ha portado la profesión? (si es que se han comportado).
En este caso debo decir que el cariño que se le ha profesado y se le profesa nos ha desbordado. Desde todas las partes del mundo nos llegan noticias de homenajes, pases de sus películas y respeto que nos enorgullece y nos emociona. Dentro de la profesión hemos notado un gran respeto por su trabajo y su memoria aunque el cine que realizó no entrara en los cánones establecidos, pero ya se sabe cómo es esta profesión.
¿Hay algún proyecto sobre la obra de tu padre que vaya a editarse a corto o largo plazo? (Libro, película, documental…)
En principio creo que en su momento saldrá una edición de El hombre que vio llorar a Frankenstein y es muy posible que también una edición limitada en Pack de las películas que en su momento editó Vellavisión, aunque en este caso la distribuidora será otra.
Como samurai en La Bestia y la Espada Mágica (1983, Jacinto Molina)
¿Hay algún proyecto de edición en DVD de alguna obra inédita o poco vista de tu padre como los documentales que rodó para Japón?
Eso será muy complicado ya que ni siquiera nosotros hemos podido verlos. Hay rarezas, pero hoy en día la edición de dvds no es rentable… la piratería no permite una industria fuerte en este ámbito y entre que se venden pocos dvds en general y que las distribuidoras se quedan con más del 50% del pvp no permite que se editen cosas que no tendrían gran salida comercial como puedan ser «rarezas».
¿En qué situación están los derechos de las películas de tu padre?
Buena pregunta. Hay varias que son propiedad de Enrique Cerezo y el conseguir los derechos para cualquier cosa suele ser caro. otras están manos de empresas como Victory Films (muchas de las mejores) y por desgracia El huerto del francés duerme de momento el sueño de los justos por problemas de porcentajes y de propiedades un poco difíciles de resolver.
¿Hay muchos guiones inéditos? ¿Alguno que esté proyectado convertir en film? ¿Que pasa con los tres guiones que permanecen en manos de Colombo Films, y de los que ya se está rodando actualmente uno? (Crotón el Grande)
Hay varios guiones de gran calidad que dejó escritos y que de momento tenemos guardados, esperamos que algún día se pueda hacer algo con ellos porque realmente merecen la pena. En cuanto a Colombo, aún no he recibido ninguna llamada en relación con este asunto. Evidentemente no sera una película de Paul Naschy, será una historia de Paul visto por Luis Colombo, aunque en este caso prefiero hablarlo con él. Del resto de guiones escritos únicamente te puedo comentar que o se harán bien y como fueron concebidos, o no se harán.
También hemos oído hablar de una obra de teatro basada en un guión sobre el Sherlock Holmes y Jack el destripador. ¿Nos cuentas algo sobre los actores, estreno y si va a llegar a Barcelona?
De momento no te puedo adelantar gran cosa porque está en preproducción, aunque si te puedo decir que el libreto es sorprendente.
De momento la única forma de ver este gran film es mediante viejas VHS.
¿Que pasa con los films inéditos en DVD y concretamente con El Huerto del Francés? También pienso en cosas como El Aullido del Diablo, Los Resucitados, Horror en el museo de cera o cortos como La Mala Estrella.
Como ya te comentaba, el formato DVD es muy dificil de gestionar y estas películas no creo que se editen en años. El aullido del Diablo es de Cerezo y Horror en el museo de cera, creo que ni se terminó.
Sabemos que tu padre dibujaba mucho y alguna muestra se ha podido ver en algún libro. ¿No se podrían publicar esos dibujos? Para los fans sería una curiosidad. Sé que incluso algún guión está ilustrado con dibujos de su caracterización de hombre lobo.
De hecho el no no tenía previsto ser actor. Su pasión de joven era el cine y el arte, y dibujaba muy bien. Las ilustraciones que nos quedan de él son muy pocas y no serían suficientes para realizar una publicación, pero algún día.
¿Quedan novelas inéditas tras editar Alaric de Marnac? ¿De haberlas, van a editarse?
Queda un manuscrito inconcluso con la saga de Waldemar Daninsky… lo inició, pero la enfermedad no permitió que lo terminara. Supongo que nunca verá la luz.
Paul Naschy en su estudio (foto Miguel Vidal)
¿Que tal el viaje a USA para rodar las dos películas? ¿Nos cuentas alguna anécdota y la impresión que se llevó tu padre al conocer a viejos compañeros de viaje como Forrest J. Ackerman? ¿Es cierto que tenía en su museo una de las camisas que utilizó tu padre en una de sus películas de hombre lobo? ¿Cómo le llegó?
El viaje a USA fue bastante accidentado ya que a mi madre la tuvimos hospitalizada en Los Ángeles por un problema digestivo mientras mi padre rodaba las dos películas. Fueron dos proyectos muy pequeños que mi padre aceptó realizar por el cariño con el que se le había tratado por parte de Don Glut y por la insistencia con la que intentó que Paul Naschy participara en su película, al margen de todo la experiencia fue positiva y le encantó ver en su «Ackermansion» a Forrest, que ya estaba muy mayor aunque aún guardaba algunas joyas en su fabulosa colección. Es cierto que tenía 1 camisa de Waldemar,
¿Por que actor de cine fantástico dirías que profesaba tu padre más admiración, y que películas estaban entre sus favoritas?
Indiscutiblemente por Lon Chaney Padre (siempre decía que era el mayor genio del fantástico) y por Boris Karloff. Entre sus favoritas estaban por motivos sentimentales Frankenstein y el hombre lobo, La novia de Frankenstein y más modernas Al final de la escalera y el Drácula de Coppola.
¿Que proyecto crees que se quedó tu padre sin rodar que siempre le hubiera gustado realizar?
Le hubiera encantado realizar un biopic de Napoleón… pero eso era harina de otro costal…
¿Qué pasó con el Festival de Burgos, en el que tu padre puso –como en todo- tanto entusiasmo?
Según creo tuvo ciertas desavenencias con el codirector del festival y mi padre terminó retirándose del proyecto.
Bien distinta fue la experiencia en Estepona, ¿no?
La verdad es que si… siempre ha sido un festival que lo acogió con cariño y aunque es una muestra modesta, todos los años intenta superarse gracias a su director Julio y a todo el equipo del festival que hacen un gran trabajo año tras año.
Sitges 1975, recibiendo el premio al mejor actor por La Maldición de la Bestia (1975, Miguel Iglesias Bonns) rodeado de dos de los responsables de la revista Terror Fantastic, Pedro Yoldi y Francisco Montaner.
¿Que te pareció el Festival de Sitges de este año, donde tu padre ha sido homenajeado con varios pases y coloquios? También se ha estrenado el magnifico documental de Ángel Agudo.
El homenaje en la inauguración nos emocionó, aunque sinceramente eché de menos algún pase más de sus películas… aunque entiendo que Sitges es tan grande que es muy difícil cuadrar todo. Habrá más años donde se le pueda recordar.
Hay una etapa muy curiosa en la vida de tu padre que fue su trabajo en Japón ¿Como nace la exótica relación de Paul Naschy con los japoneses? ¿Por qué finalizó? ¿Como recuerdas aquella época y sus ausencias?
Mi padre conoció a Masurao Takeda, un japonés que era campeón del mundo y olímpico en judo que tenía un gimnasio en Madrid y por circunstancias se asociaron para realizar películas en España en coproducción con Japón. Fue una época muy intensa y bonita ya que mi padre viajaba muy habitualmente a Japón y cada vez que venía era como papa Noel, cargado de regalos para nosotros. De las ausencias nos dábamos cuenta ya que a veces pasaba meses fuera, pero luego llegaba con una película bajo el brazo y se nos pasaba todo.
¿Por qué falló tanto Licántropo? ¿Por qué se realizó un maquillaje tan primario y semejante al de Wolf?
Licántropo es una de sus mayores frustraciones. La película se concibió como una revisitación del mito de Waldemar, pero enfrentado a un asesino real, un asesino en serie… el problema es que lo que se escribió y lo que finalmente se plasmó en pantalla tenían poco de ver. Mi padre quería una película mucho más salvaje y explícita, y sin embargo el director concibió otro producto… evidentemente no funcionó pero para mi padre fue importante ya que significó volver al cine tras una temporada alejado de él. El maquillaje fue una improvisación de la maquilladora y de mi padre, ya que el maquillaje que se presentó en su momento no convenció.
School Killer quizás marca el encuentro de Naschy con el cine de terror “moderno”. Personalmente me pareció genial que lo escogieran como “Psicho killer”. ¿Recuerdas algo de este rodaje y de lo que opinaba tu padre del film?
Si, claro que lo recuerdo… lo acompañé en varias ocasiones al rodaje. Para él fue una experiencia muy divertida y su personaje tenía fuerza. La pena es que salía poco, pero era impactante. Paul tenía un buen recuerdo de esa película porque además le permitió conocer a una gran profesional del cine como era la productora Marivi de Villanueva con la que posteriormente haría ROJO SANGRE.
Aunque su papel en Mucha Sangre se hace algo raro…
Bueno, como decía, un actor debe hacer de todo, aunque en este caso fue un proyecto que tenía muy buena pinta de inicio y que por problemas de financiación se pospuso una temporada para finalizarse dignamente. A mi personalmente me parece una peli muy divertida aunque alejado de lo que le gustaba a mi padre.
Algo poco conocido para el que no sea seguidor de Paul Naschy fue el apoyo que hizo a nuevos cineastas colaborando en numerosos cortos. También puede parecer raro, pero a la vez honra y debería callar ciertas bocas el interés hacia tu padre por parte de realizadores como Juan Pinzás y Basilio Martín Patiño ¿Que crees que les atraía de la obra de tu padre? Patiño incluso le demostró un gran cariño al regalarle un raro álbum de cromos de la época sobre el film que cautivó al joven Jacinto: Frankenstein y el Hombre Lobo (Álbum que tengo la suerte de tener).
Pues es difícil de responder, pero supongo que polos opuestos se atraen, ¿No? La verdad es que el cine que Basilio o Juan realizaban era muy distinto de la visión comercial de mi padre, sin embargo trabajaron juntos muy a gusto y para mi padre fue una gran colaboración. En el caso de Basilio Martín Patino es especialmente entrañable por el regalo que comentas y que hoy día atesoro.
Hay un pintoresco proyecto al que nos gustaría hincarle el diente y que permanece inédito y (al menos para nosotros) inencontrable: Lobisomem Na Amazonia (2005, Ivan Cardoso). ¿Podrías contarnos algo de esta película rodada en Brasil?
Hace muchos años mi padre y el director brasileño se encontraron como jurado en un festival (creo que Fantasporto) e Iván le comentó a Paul que quería trabajar con él, el caso es que unos años después (2007) se puso en contacto con él, y mi padre se lió la manta a la cabeza y se desplazó a Brasil para rodarla. Yo no la he visto, pero según parece mi padre se divirtió de lo lindo haciéndola.
Hay muchas ganas de ver El Apóstol (y más después de ojear alguna escena en el documental de Agudo) ¿Se sabe para cuando se podrá ver y si se estrenará en salas de toda España?
Hace poco estuvimos en un pase privado en Santiago de Compostela con la Real Filarmónica de Galicia y la experiencia fue extraordinaria. Es una película de una enorme calidad y realmente sorprenderá. El estreno desconozco realmente cuando será, pero creo que será un auténtico broche de oro para la carrera de mi padre ya que la película es fantástica, realmente la recomiendo.
De momento es una colaboración que al no estar mi padre se ha suspendido, aunque es posible que en una temporada se pueda retomar. Veremos.
Pregunta del fetichista que tengo dentro: ¿Que objeto reconocible y memorable de algún rodaje atesoras en casa? (Cruz de Mayenza, vestuario, guiones…)
Bueno, para esto mi padre era muy desprendido. Hay objetos relacionados con él por todo el mundo, de hecho hace poco salieron en Holanda guiones suyos (manuscritos) a subasta. Nosotros tenemos a parte de los premios, muchos guiones y lo que creo que es más interesante, la katana de plata de La bestia y la espada mágica. Uno de los objetos que más me fascina es el guión de La marca del hombre lobo con un dibujo en la portada realizado por él (casi todos estos objetos salen en el documental El hombre que vio llorar a Frankenstein).
La rebelión de las muertas (1972, León Klimovsky)
SOBRE SERGIO MOLINA
¿Recuerdas las primera película de terror que viste? ¿Qué tipo de cine de terror es tu favorito? Indícame alguno de los títulos.
La primera película que vi de terror fue La noche de Walpurgis en un pase en TVE, allá por 1982. Estuve sin dormir dos semanas pensando que las vampiras a cámara lenta me atacaban por las noches, pero luego llegaba el hombre lobo y me salvaba…
¿De las películas de tu padre cual es tu favorita y porqué?
Tengo varias, pero si me tengo que decantar por una diría El caminante, básicamente porque pienso que mi padre tenía razón en lo que decía en ella. Luego me gustan mucho El huerto del francés, El retorno del Hombre Lobo, La bestia y la espada mágica, Inquisición…
¿Cual es tu película de Waldemar Daninsky favorita?
El retorno del Hombre Lobo por su gótico exacerbado y porque es el proyecto definitivo del personaje.
¿Como recuerdas tu época de actor?
Como un juego, no me lo tomaba como un trabajo, pero si debo reconocer que fue una experiencia maravillosa ya que pude conocer a grandes personajes de la interpretación como López Vázquez, José Bódalo, Florinda Chico, Gracita Morales, Caroline Munro o Howard Vernon y sobre todo porque pude trabajar con Paul Naschy.
¿Qué recuerdas de El Aullido del Diablo? Se dice que fue un proyecto muy accidentado. ¿Porqué no se estrenó? (yo recuerdo un pase nocturno, bueno, casi de madrugada en A-3, que fue donde la grabé) ¿Quien tiene los derechos?
Los derechos los adquirió Enrique Cerezo y son difíciles de rescatar. Fue una película muy accidentada y muy difícil. Como ya he dicho en otras ocasiones fue un auténtico «Tour de force» con mi padre al borde del infarto en varias ocasiones. Creo que es importante conocer la intrahistoria de las películas para ver los resultados y saber cómo se concibieron y cómo salieron.
¿Que recuerdas de José Luis López Vázquez con quien protagonizaste Mi amigo el vagabundo?
Muy buenos, era un enorme actor y gran profesional. Recuerdo muchas anécdotas en el rodaje con él, pero sobre todo lo cercano que era. En esa película a mi padre lo dejaron casi ciego de un disparo de fogueo en los ojos y me acuerdo de López Vázquez consolándome mientras trasladaban a mi padre al hospital. No puedo decir más que cosas positivas de él.
También colaboraste en La noche del ejecutor. ¿Que recuerdos tienes de ella?
Que era una película como mi padre las denominaba «de hambre y compañía». Medios ínfimos suplidos por el entusiasmo Naschy. Creo que es una película digna para los medios con que se contaron.
¿Como es que en esa época hay varias películas en las que actúan las hermanas Valverde?
La verdad es que no lo sé. En esta recuerdo que estaban por aquel entonces en un cabaret o algo así y no eran famosas como luego lo fueron. Fue una buena experiencia trabajar con ellas.
En Rojo Sangre colaboraste formando parte del equipo de producción ¿Qué tal fue la experiencia? ¿Sigues vinculado con el mundo del cine?
Fue lo más auténtico que he realizado como productor. estaba en el equipo de Marivi de Villanueva ejerciendo labores de producción. Ya tenía un bagaje de varias películas y series de tv antes de involucrarme en ROJO SANGRE, pero esta fue una experiencia muy dura en lo profesional pero extremadamente satisfactoria en lo personal. Creo que se hizo un gran trabajo y que es una película extraña pero única. Actualmente sigo en el mundo de la producción audiovisual, aunque básicamente televisivos, algún día me gustaría volver al cine y sobre todo al cine fantástico, veremos.
El Caminante (1980, Jacinto Molina)
Cuéntanos algo de la productora Waldemar Media. Como nace, objetivos y proyectos.
Waldemar Media es una idea, la de ir rescatando y sacando a la luz proyectos que tuvieran que ver con Paul Naschy o con su modo de entender el cine y la vida. Es casi un homenaje a él y a lo que representa. Los proyectos actuales al margen del documental El hombre que vio llorar a Frankenstein se centran en la obra teatral «Sherlock Vs. Jack» y en varios guiones cinematográficos que dejó escritos y que me encantaría poder llevar a la gran pantalla, aunque esto último será bastante complicado.
Creo que tú has estado detrás de algunas de las colecciones de films de tu padre que se han editado, como la realizada por Tripictures y Vellavision. ¿Fue una tarea muy difícil conseguir los derechos? ¿Quedó alguna que se dio por imposible? ¿Por qué?
Bueno, para mi padre siempre fue una gran frustración que algunos de sus mejores títulos no hubieran sido editados nunca en DVD, (como El caminante y La bestia y la espada mágica), y me lo plantee como objetivo. El problema es que el mercado actual del dvd en España no permite un relanzamiento de este tipo de películas, aunque vendas muchos ejemplares si cubres es un milagro. Los derechos de casi todas las películas están en manos privadas y los precios son en muchos casos abusivos, así que de momento habrá que conformarse con lo que ya se ha sacado. Al menos mi padre pudo ver las ediciones antes de dejarnos, lo cual para mi es un objetivo cumplido. En cuanto a la que se dio por imposible es El huerto del francés aunque como dicen por ahí «impossible is nothing«…
Siendo los propietarios Victory films de los títulos que editó Tripictures y Deimos en Estados Unidos, ¿Porqué las ediciones americanas son notablemente mejores que las españolas, incluidos los insertos eróticos?
Porque los americanos decidieron apostar por las ediciones y junto a Victory Films iniciaron una remasterización en toda regla de las películas. Este hecho fue posterior a las ediciones de Tripictures que cogieron el material tal y como estaba sin invertir en ello. Según me han trasladado de Victory, la labor de BCI fue exhaustiva a la hora de solicitar materiales, escenas eliminadas… etc en eso tuvo mucho que ver Miroslaw Lipinsky, gran conocedor de la vida y obra de mi padre en USA.
¿Fue difícil conseguir editar la maravillosa colección de Vellavision?
Sobre todo desde el punto de vista económico…
¿Qué te parece la labor de las páginas web y blogs respecto a la labor de tu padre?
Creo que desde hace un tiempo existe un movimiento de reivindicación de este cine… no creo que sea únicamente Paul Naschy, pienso que son películas valientes y es un cine que creó industria y dio trabajo a mucha gente. El fantaterror tiene algunas joyas que rayan a una gran altura La residencia, Pánico en el Transiberiano, No profanar el sueño de los muertos y sinceramente opino que no debemos mirar tanto al extranjero y de una vez por todas reconocer y disfrutar de un cine sin ataduras (al menos no económicas) como fue el que realizaron gente como Klimowsky, Grau, Martín, Larraz, Aured y compañía.
Y finalmente añade lo que quieras.
Únicamente quería trasladar que Paul Naschy no fue únicamente un cineasta que a veces podría estar más acertado o menos. Sus películas (más de 120) están plagadas de aciertos y desaciertos, pero que entre ellos tiene varias joyas que no mucha gente conoce. Él siempre decía que se sentía como el famoso perro del cuadro de Goya «A contracorriente» y creo que lo importante es rescatar su idea, que es luchar por lo que uno quiere, al margen de las ataduras ideológicas, políticas o sociales, uno debe hacer lo que siente. Paul Naschy hizo lo que quiso, ese es su legado…
Muchas gracias y os deseo los mayores éxitos con este blog que es «fantástico».
Muchas gracias a tí , Sergio, por la paciencia y amabilidad al contestar este extenso cuestionario.
Sergio Molina, Elvira Primavera, Caroline Munro y Mick Garris homenajeando a Paul Naschy en Sitges 2010.
http://www.facebook.com/video/video.php?v=1586649475559&oid=28216906282
Muere Ingrid Pitt, gran dama del terror.
A ver si termina este año de una vez, ya que tenemos que dar otra necrológica y uno ya comienza a estar más que harto. Además en este caso me resulta especialmente molesto, ya que la actriz que ha fallecido es la protagonista de unas películas que me gustan especialmente. En fin, vamos allá:
Este 23 de noviembre, Ingoushka Petrov, nombre real de Ingrid Pitt, actriz nacida en Polonia en 1937 y auténtico icono de los fans del cine de terror, ha pasado a la inmortalidad a los 72 años.
Ingrid, conoció el horror real, ya que cuando tenía cinco años fue internada, junto a su 
madre, en el campo de concentración de Stutthof durante tres años. Tras dar sus primeros pasos en la interpretación en Alemania y partir a Estados Unidos, se viene para España e inicia su carrera cinematográfica en 1964 con una película de terror, El sonido de la muerte de José Antonio Nieves Conde, film en el que también colabora Soledad Miranda y Lola Gaos (¡!). Interpreta pequeños papeles en otros films internacionales rodados en España como Campanadas a Medianoche (1965, Orson Welles), Doctor Zhivago (1965, David Lean) o Golfus de Roma (A Funny Thing Happened in the Way to the Forum, 1966 Richard Lester), pero de la más bizarra de las formas Ingrid consigue en 1966 su primer papel protagonista junto a… ¡Manolo Escobar! en el inclasificable film Un beso en el puerto de Ramón Torrado, lo que parece, ¡ejem! lanzar su carrera internacional, ya que tan solo dos años después ya estaba compartiendo cartel con Clint Eastwood y Richard Burton en El desafío de las Águilas (Where Eagles Dare, 1968 Brian G. Hutton).
Pero es con los dos siguientes films con los que pasará al panteón del cine de terror: TheVampire Lovers (1970 Roy Ward Baker) y Countess Dracula (1971, Peter Sasdy), dos fascinantes films que aúnan perfectamente el erotismo y el terror. A partir de aquí la carrera de Ingrid continuará en Inglaterra, donde el cine de terror vive todavía un inolvidable momento, rodando La mansión de los crímenes (The House That Dripped Blood, 1971 Peter Duffell), basada en relatos de Robert Bloch, protagonizándola junto a las grandes estrellas de la Hammer: Christopher Lee y Peter Cushing y el film de culto El hombre de mimbre (The Wicker Man, 1973 Robin Hardy), de nuevo con Christopher Lee.
Ingrid Pitt y las demás vampirettes de The Vampire Lovers
Ingrid Pitt compagina el rodaje de nuevas películas con muchas series de TV hasta 2008, siendo una invitada habitual de las convenciones de fans, además de haber publicado su autobiografía, Darkness Before Dawn y tener una atractiva página web, Pitt of Horror. Pero sin duda será inolvidable y estará para siempre en nuestros corazones de fans sobre todo por sus dos films de vampiras. Dos grandes películas que ya forman parte del panteón del cine fantástico.
Donde Ingrid Pitt también está.
¡¡¡Premier de Empusa en Barcelona!!!
“Son los vampiros primigenios griegos. Existieron miles de años antes de Cristo y el gran hallazgo de la película es que a los vampiros primigenios no les afecta para nada ni la luz, ni el agua bendita, ni la cruz, porque (…) son anteriores a Cristo, por lo que hay que acudir a símbolos de su época y los que los combaten en la película no lo saben”. (Paul Naschy en Sur.es)
Serendipia nació hace poco más de un año, llamaba Naschy a su proyecto porque fue él quien azarosamente fundió en un todo sus dos partes. Lamentablemente su deseo de que Paul la apadrinara no se vio cumplido: Naschy marchaba hacia una nueva aventura persiguiendo la luna llena del diciembre pasado. Como todos sus admiradores Serendipia usó su pequeña tribuna pública para sumarse a la marea de homenajes, incluso tuvo el placer de participar en el elaborado tributo de Terror y Nada Más. Pero no quería quedarse ahí: no hay mejor manera de honrar la memoria que seguir difundiendo la obra creada, eso es lo que Serendipia pretendía cuando concibió el sueño de promover el estreno de Empusa (2009, Jacinto Molina) en Barcelona.
Lo que parecía imposible se ha hecho realidad, tenemos el gran honor de presentar la premier de Empusa en Barcelona gracias a la colaboración del festival Horrorvisión. Será el próximo viernes 3 de diciembre a la hora del lobo, a la medianoche en punto. Los chicos de Horrorvisión, que han acogido con ganas nuestro homenaje, han hecho realidad lo que nuestra precaria economía habría impedido, vay nuestro más sincero agradecimiento par ellos. Igualmente le agradecemos a Ángel Mora, productor de Empusa, que haya mantenido su palabra de cedernos el estreno en Barcelona después de su pase en Sitges aunque ya disponga de distribuidor para la película fuera de España. La suerte ha sonreído y ahora seremos muchos los que podamos gozar de la última película dirigida por Naschy.
Empusa es probablemente el proyecto más esperado por sus fans al tratarse de la última obra escrita, interpretada y dirigida por el propio Naschy desde La Noche del Ejecutor en 1993, fue producida por Naschy Team y Artistic Producciones de Ángel Mora y rodada en Levante, principalmente Alicante entre abril y agosto de 2007. El propio Ángel Mora nos explica como nació el proyecto La Gaviota o Deadly Seagulls (títulos de trabajo de Empusa): “Hace dos años Antonio Mayans me explica que van a rodar Empusa (entonces se llamaba La gaviota) en Benidorm con Paul. Yo estaba acabando la post-producción de Animal en Madrid. Dirigía Carlos Aured y necesitaban un productor ejecutivo. Mayans me pregunta si quiero participar en el film y yo inmediatamente le digo que si aunque insisto en que debo acabar primero mi película. A la semana me incorporo al equipo y ¡ a trabajar¡.
Como ya comenta Ángel Mora, Empusa comienza como un proyecto dirigido por Carlos Aured, director de joyas de Naschy como El Espanto surge de la tumba (1973), El Retorno de Walpurgis (1973), La Venganza de la momia (1973) y Los ojos azules de la muñeca rota (1973), pero por diferencias con la productora Aured fue cesado, pasando Naschy a encargarse de la dirección y completarla, pero tras exhibir un trailer de 15 minutos en los festivales de Sitges, Algeciras, Fantástika y Estepona, decide rehacer la película, desechando gran parte de lo rodado por Aured, y ya bajo el nombre de Empusa..
La acción comienza cuando paseando por la playa Abel, un ex-actor aficionado al ocultismo interpretado por Paul Naschy y Víctor (Antonio Mayans) descubren un brazo seccionado de mujer que tiene tatuado un extraño símbolo. Abel averigua que el símbolo hace referencia a Empusa, un ser de la antigua Grecia híbrido entre vampiro, serpiente y gaviota. Por entonces se suceden extraños crímenes que tienen un detalle en común: todas las víctimas han perdido el brazo derecho. Abel investigará adentrándose en una pesadilla mortal.
Como Paul Naschy dijo a Guillermo Abril para El País: “Esta película irá en la línea de El baile de los vampiros. Aparece Lilith, la madre primigenia. Y en ella, las mujeres vampiros dominan la tierra. Tienen forma de gaviotas. Es una película dura. Empusa es esa vuelta al cine de los sesenta y setenta. Lo que me encanta del cine fantástico es que sea tan artesanal, tan de ingenio».
Pero la producción sufrió tantos problemas, que puede catalogarse Empusa como un film maldito, tal y como nos confesó Ángel Mora: “Es curioso pero el cine como la vida hace que las experiencias más duras sean las que te marcan más y sin lugar a dudas te enriquecen (para bien o para mal). Creo que jamás ningún miembro del equipo había encontrado tantos problemas en un rodaje, pero también creo que nunca viviremos una experiencia tal de compañerismo, de lucha y de sacrificio por sacar adelante un film hecho por muy pocos medios pero con muchísima ilusión».
«Realmente hay motivos para creer que Empusa es una película maldita: Carlos Aured -el primer director- falleció meses después de abandonar el film (11 de enero de 2008); Antonio Mayans tuvo que ser operado; el director de fotografía Luis Colombo sufrió un grave accidente de coche; yo me rompí la cadera; y la misma enfermedad y muerte de Paul podría llevarnos a reflexionar sobre factores extraordinarios. Pero todos tuvimos y tenemos presentes la ley no escrita del cine: EL ESPECTACULO DEBE CONTINUAR».
La denomina por Naschy “Excelente comedia de vampiros” cuenta en su reparto con Antonio Mayans (con el que ya trabajó en 1980 en Los Cantabros, dirigida por Jacinto Molina), Saturnino García, Laura de Pedro y Mª Jesús Solina, entre otros.
Precisamente respecto a las dos protagonistas femeninas, nos comentó Ángel Mora que “Cuando me incorporo al rodaje, Carlos Aured me pide que realice un casting en Barcelona para seleccionar dos personajes que faltaban: Lilith y Natalia. Organicé un casting a través de soloactores.com porque no había tiempo de ir a agentes ni representantes. Y allí aparecieron Laura de Pedro y María Jesús Solina (creo que las mejores actrices posibles).
Naschy durante el rodaje con Laura de Pedro.
Laura de Pedro admitió en una entrevista que le realizamos que “Ser una vampiresa ha sido una experiencia brutal. Haber tenido la oportunidad de trabajar junto a Paul Naschy es un regalo, aprendí mucho de él, de su tesón, de su capacidad de trabajo, de sus anécdotas. Repetiría encantada”.
Mientras que Mª Jesús Solina nos contó que: “Yo fui a rodar dos veces. En la primera el director era Carlos Aured, y en la segunda fue Paul (se repitieron algunas escenas rodadas con Carlos que no habían quedado bien). Y ya no tenemos a ninguno de los dos… La relación con ellos a nivel personal fue buena. Incluso me fui a cenar una vez con Carlos. Parecía buena persona y, no puedo negarlo, me encantó que me dijera que porqué no había triunfado, que era buena y que era muy fácil trabajar conmigo. (Lo siento, tenía que decirlo, sino reviento, ja,ja).
Y como profesionales directores de la película pues un poco excéntricos, ambos”.
«El rodaje fue genial y yo estaba en el limbo, haciendo lo que más me gusta».
(…)»Una buena anécdota con Paul Naschy: En mi papel había escenas de cama con Paul, que creo que al final no han salido en la película, y evidentemente era una parte un poco comprometedora. ¿Por qué?, pues porque iba a rodar escenas de cama, mis primeras escenas de cama con un actor que me sacaba como más de 30 años y que yo no tenía ni idea de cómo se rodaba….Entonces imaginé que primero se harían las otras escenas y estas serían las últimas, por eso de la complicidad. Pero nada más llegar tuve que quitarme la ropa, ¡¡¡no me lo podía creer!!! Así que…¡A por todas! .Le eché todo lo que una buena actriz suponía yo que debería echarle y… ¡¡¡a la cama!!!. Así que después de eso ¿cómo crees que me iba a llevar con Paul?…jaja»
... y con Mª Jesús Solina.
También Ángel Mora nos contó esta anécdota: “Hubo muchísimas (…)pero recuerdo una que me sorprendió: Estábamos rodando en las cuevas de Canelobre (unas preciosas cuevas perdidas entre Alicante y Murcia) y Paul y yo -que ejercía de ayudante de dirección- comentábamos aspectos del rodaje en una pausa. El resto del equipo estaba fuera de la cueva comiendo. Estábamos de lo más escondidos, en semi-penumbra y de repente apareció un señor, me imagino que un turista que visitaba las cuevas, y preguntó muy tímido si era Paul Naschy. Paul asintió y le firmó un autógrafo. Lo increíble es que lo conoció por la voz, en una remota cueva, en un remoto paraje y lo más escondidos posibles. ¡Vivan los fans!”
¡¡Los sufrimientos de la profesión de actor!!
El estreno se está retrasando, tal y como nos comentó Ángel Mora, ya que “estaba previsto para finales de Enero del 2010. La enfermedad de Paul obligó a utilizar un actor de doblaje para acabar el soundtrack, pero él mismo tuvo la oportunidad de acabar el final cut, oír la música y dar el visto bueno al film. Es Paul Naschy 100%. Pero ha iniciado su recorrido por Festivales durante este 2010 (Sitges, Buenos Aires Rojo Sangre, 14 Weekend of Fears FilmFestival (Erlang Alemania)), y con posible distribución internacional, como dice Ángel Mora, para Paul Naschy “el reconocimiento y el éxito llegó de fuera. Aquí era un apestado, allí un genio. Aquí motivo de burla, allí motivo de aplauso. Aquí loco, allí premiado. Aquí nada, allí todo”.
Nosotros nos empeñamos en lograr que se estrenara al menos en Barcelona y lo hemos conseguido: la cita es el viernes 3 de diciembre justo a la media noche en el Auditori le Basses en el marco de la segunda edición de Horrorvisión, ¡¡¡¡estáis todos invitados al festín!!!!
Entrevista a Ángel Agudo: Biógrafo de Paul Naschy
No contento con la excelente biografía de Paul Naschy que Scifiworld editó el año pasado, Paul Naschy, La máscara de Jacinto Molina, su autor, Ángel Agudo sigue profundizando en la vida de desaparecido actor con el documental El hombre que vio llorar a Frankenstein, un entrañable repaso a la vida y carrera del creador de Waldemar Daninsky que da amplia voz a los amigos, familiares y compañeros de fatigas del Sr. Molina.
Tras ser presentada en Sitges con unanimidad de buenas críticas, aprovechamos la ocasión para abordar a Ángel y pedirle esta pequeña entrevista.
¿Como te interesas en la figura de Paul Naschy?
Pues lo cierto es que no tengo ni idea, de igual forma que no sabría decirte cómo pude interesarme por Bardem, Berlanga, Buñuel o Larraz. Paul es parte de la historia de nuestra industria cinematográfica y el suyo es uno de esos nombres que tarde o temprano acaban saliendo y que merecen que hagas un alto en el camino para intentar comprender su vasta filmografía.
¿Cual es la primera película que recuerdas haber visto de él?
Es curioso porque yo entré a la carrera de Paul por una puerta rara ya que la primera película suya que vi fue Madrid al desnudo. Se trata de una peli muy curiosa de la que creo que no he hablado lo suficiente ni en el libro ni en el documental, y que aunque pueda ser que haya envejecido bastante mal, su planteamiento dice muchas cosas de cómo Paul se rebelaba contra cualquier orden impuesto.
¿Como nace el proyecto del libro?
Había estado publicando artículos repasando la filmografía de cineastas en Scifiworld pero todo el contacto que había mantenido con Luis Rosales -el director de Scifiworld- había sido a través de teléfono y correo, ya que él vive en Vilagarcía de Arousa y yo estoy en Madrid. No nos conocimos hasta el festival de Sitges de hace, creo, tres años y allí, Luis, que acababa de coeditar el libro de John Philip Law, le estaba dando vueltas a proseguir con la idea de los libros y había hablado con Paul para sacar una biografía, ya que éste no estaba muy contento con las anteriores. Luis me preguntó si yo estaría interesado y al volver a casa le puse un correo diciendo que si se tiraba a la piscina, me tiraba con él. Luis habló con Paul y nos puso en contacto. Un par de días después crucé por primera vez la puerta de su casa.
Presentación del libro en Sitges 2009. Entre los presentes Luis Rosales, Ángel Agudo, Ángel Gómez, Paul Naschy y Javier Trujillo.
¿Como ha sido recibido? ¿Qué tal las ventas?
Creo que muy bien. No lo sé, vosotros sois los lectores y tendréis una mirada más objetiva que la mía. Yo creo que ha ido bastante bien y no me puedo quejar. La edición está prácticamente agotada. Incluso creo que puede que sobre el «prácticamente».
¿El increíble material gráfico pertenecía al actor?
Sí, casi en su totalidad era material del propio Paul, aunque hubo que completarlo con cosas de coleccionistas extranjeros o con imágenes que yo mismo fui encontrando en lugares como la Academia de Cine, que se portó estupendamente con nosotros dándonos muchas imágenes.
¿En tantas conversaciones con Naschy, tienes alguna anécdota o un recuerdo especial?
Tantas que casi podría escribir un libro paralelo. Recuerdo muchas cosas, momentos alegres y momentos tristes, pero las más interesantes, las que de verdad importan, ya están en el libro, con lo que tampoco puedo contaros nada excesivamente novedoso.
¿Como nace la idea de realizar un documental?
Era una vía natural y casi que a todos se nos ocurrió la idea a la vez en cuanto vimos que la propuesta de rodar una pieza de 10 minutos para SHOTS empezaba a tomar forma. De alguna forma era el paso lógico porque la literatura sobre cine, o sobre historiografía del cine, siempre tiene el handicap de que uno no puede tener delante las escenas en movimiento, por lo que se convierte en una especie de contrasentido.
El proyecto de realizar un documental ya se había planeado con anterioridad, contando incluso con la posible dirección de Juanma Bajo Ulloa. ¿Te basaste, o utilizaste algunas de estas ideas preliminares o tu trabajo es totalmente diferente?
Me temo que eso no es del todo exacto. El proyecto al que estuvo vinculado Juanma Bajo Ulloa y algún otro director, era un biopic sobre Paul, una peli biográfica que tenía bastante de ficción. Me habría gustado profundizar en aquel proyecto a la hora de hacer el documental y rendir homenaje a gente que estuvo trabajando en él como José María Benítez o Claro García, que fue el guionista. Sin embargo, haberme metido ahí habría supuesto restarle potencia al final, con lo que tuve que elegir…
¿Hubo alguna entrevista más que te hubiera gustado incluir en el documental y con las que no pudiste contar?
Claro, hubo gente que no pudo estar por problemas de agenda, pero creo que al final el producto ha quedado bastante redondo y que, en términos futbolísticos, hemos sacado una alineación de Champions League.
¿Que tal la reacción del público y de la familia?
Foto: (Copyright) Sergio Morales.
Yo creo que muy bien. Cuando trabajas con tan poca distancia como la que yo tuve, tienes que crearte un espectador en la cabeza, alguien concreto al que le cuentas la historia y que te imagines cómo reacciona. En mi caso, ese espectador era Elvira Primavera, por muchas razones, pero principalmente por cariño y profundo respecto. Que ella me dijera que le había gustado fue suficiente como para sentirme contento.
¿Va a visitar tu película muchos festivales? ¿Se estrenará en cines?
Varios, creo que tras Sitges hemos cerrado una gira bastante interesante por Europa que se iniciará a finales de noviembre con la proyección en el Cinemad de Madrid. Creo incluso que ya hay fechas cerradas al otro lado del Atlántico, como un pase en Brasil, pero todo a su tiempo.
¿Está planeada su edición en DVD?
Sí, estará en DVD. Ya veremos si en solitario o como «extra» de alguna película, pero puedes contar con que esté en ese formato.
¿Algún nuevo proyecto?
Alguno nuevo y alguno viejo que se había quedado aparcado. Ahora tengo que sentarme y retomar muchas cosas que se habían quedado estancadas. Espero que tengáis noticias pronto.
Madrid quiere a Naschy
Nació a las seis de la madrugada de un seis de septiembre, en la Calle Postas, en pleno corazón del Madrid de los Austrias. La guerra le apartó de la Villa y Corte, pero regresó a ella desde el final de su niñez. Se hizo hombre en Madrid, un hombre bueno y fuerte que casi llegó a ser atleta olímpico. Del Atleti de corazón, lo fichó el Real Madrid para dedicarse al noble deporte de levantar halteras. Desde niño frecuentó las tertulias donde se codeó con los grandes, con los pensadores y los artistas. Amó la pintura, pero su vida fue el cine. Lo bautizaron Jacinto, como su tío que tanto hubo de influirle, pero él se hizo a sí mismo y se dio nombre. Fue Paul Naschy, todo un mito que hizo internacional a la capital del reino. Ahora Madrid le recuerda y le paga con admiración y homenajes su misión de embajador.
Paul Naschy: El último kamikaze (1984, Jacinto Molina)
Si hace unas semanas la revista Scifiworld celebraba en la Sala Heineken su quinto aniversario dedicándole un concierto con Cripta y Darkmoor, ahora es el Cinemad el que le rinde tributo. El Festival de Cine Independiente y de Culto (Cinemad) inaugura esta XVII edición con una maratón dedicada a Paul. Aunque sólo comprende cinco films, la selección está cuidadosamente escogida pues va a permitir a su público recordar lo más emblemático de su carrera a la vez que, a aquellos que se acerquen por primera vez a su obra, les posibilitará una aproximación muy completa a su figura.
A Naschy le debemos más de cien películas, interpretó todos los papeles que pueblan el paisaje de lo fantástico, pero será recordado sobre todo por haber creado dos personajes inmortales, Alaric de Marnac y, el más inolvidable, Waldemar Daninsky. Alaric de Marnac, sádico brujo medieval que 
regresaba de la muerte en El Espanto Surge de la Tumba (1972, Carlos Aured) inspirado en Gilles de Rais (noble francés vinculado a Juana de Arco que, según cuenta la leyenda, extraía sangre de vírgenes para sus experimentos alquímicos), fue llevado por Paul a la pantalla en tres ocasiones y a él le dedicó su primera novela, ilustrada por Javier Trujillo. A través de Marnac, Paul canalizó su amor por lo medieval que nació en él en los lejanos días de su niñez en Burgos y su solemne catedral. Si su primera entrega era dirigida por Aured el propio Naschy se puso en ambos lados de la cámara en Latidos de Pánico (1983), será ésta la que se proyectará el próximo viernes 19 de noviembre en la Sala Berlanga. Y en la misma sala Alaric tendrá a Waldemar Daninsky por compañero, enigmático noble centroeuropéo sobre el que pesa la maldición de la licantropía. Paul Naschy fue la máscara de Jacinto Molina y Waldemar Daninsky la máscara con la que más veces se maquilló Paul Naschy: es su hombre lobo el que le ganó un lugar entre los grandes titanes del terror. Aunque se 
inspirará en su admirado Lon Chaney, el licántropo de Naschy terminó siendo el hombre lobo por antonomasia hasta la llegada de la revolución icónica de los ochentas con películas como Aullidos (Joe Dante) y Un hombre lobo americano en Londrés (John Landis). Debía haber sido de origen asturiano y llamarse José Huidobro, pero la censura no lo permitió, no podía haber en España ese tipo de criaturas monstruosas, así que tuvo que tomar el apellido de un amigo polaco de Paul para acompañarle trece veces en la pantalla, una larga aventura que concluyó en Thomb of the Werewolf (2004, Fred Olen Ray) habiendo pasado antes por films de la talla de La Noche de Walpurgis (1971, Leon Klimovsky) o El Retorno del hombre lobo (1981, Jacinto Molina), y haber nacido en 1968 en La marca del hombre lobo (Enrique López Eguiluz). Serán esos primeros pasos de Danisky los que los espectadores de la maratón verán andar.
La marca del hombre lobo ha sido considerada como el inicio de la edad de oro del fantaterror español, edad de oro en la que Paul vivió sus mayores momentos de gloria. La llegada de la democracia barrio el cine de género que había llegado a generar una industria en España, empezaba el delirante mundo de las subvenciones y el distanciamiento del gran público. Paul fue una víctima de esa transición. Paul vio cómo se hacía carne en él el viejo refrán de que nadie es profeta en su tierra: el reconocimiento, que se le negaba aquí, le llegaba de más allá de las fronteras, en Alemania, en Japón, en EE.UU. Fueron años difíciles para él, tuvo que llegar un nuevo renacimiento del género de la mano de directores como Jaume Balagueró, Paco Plaza o Nacho Cerdà para que fuera reivindicada su figura. Sin embargo, las autoridades cinematográficas siguieron dándole la espalda. Con ese revivir del fantaterror Naschy se vengó de la profesión que le había ignorado a través de Pablo Thevenet su personaje en Rojo Sangre (2004, Christian Molina), veterano actor al que no le queda ni el orgullo se indigna cuando ve triunfar en los medios actores que no son actores, cantantes que no son cantantes, presentadores que no son presentadores, tertulianos de bragueta fácil… y al que su contrato con un extraño millonario le dará ocasión de convertirse en el ejecutor de tanto famosillo de medio pelo. En su segunda autobiografía, Cuando las luces se apagan, afirmaba Paul: Pablo Thevenet es un personaje que honra mi palmarés de actor. Y lo es por su interpretación pero también porque en él pudo darse a si mismo una oportunidad de llevar a cabo una justicia poética con la que combatir la injusticia que se cometió con él. 
Esa justicia poética quedó reforzada por su último trabajo como actor, el entrañable Hervás, mayordomo de La Herencia Valdemar (2009, José Luis Alemán). La Herencia Valdemar le permitió cerrar su filmografía con una superproducción, independiente, sin subvenciones, como a él le gustaba. Una película además que pretende recuperar el terror gótico, el terror más clásico y del que se hizo fan Paul en su niñez cuando vio Frankenstein y el hombre lobo (Frankenstein Meets the Wolf Man, 1943, Roy William Neill). Le habría emocionado ver la cartelera de la Universal como cabecera de una película suya, en eso podrán pensar los que la vean este próximo viernes en el Cinemad.
De la misma manera que esta selección nos ofrece una panorámica de su obra, sirve igualmente para ilustrar las diferentes etapas de su vida, desde su juventud en la que inició su singladura en el cine, hasta sus últimos días en los que pudo morir con la satisfacción de verse reivindicado por la generaciones más jóvenes, pasando por el momento de su mayor gloria y aquel otro más aciago donde tuvo que luchar contra el olvido. Ángel Agudo nos ofreció su biografía definitiva, Paul Naschy, la máscara de Jacinto Molina, el propio Paul acudió a su presentación oficial en Sitges 2009, su último acto público en un festival de cine. Ahora, un año después, el propio Ángel Agudo dirige el documental biográfico El hombre que vio llorar a Frankenstein de la mano de Scifiworld, Waldemar Media y La Cruzada Entertainment y ese documental conocerá su estreno en Madrid este viernes. Será de hecho la obertura. Los compases de Enrique García (líder de Cripta) introducirán a los espectadores en el emotivo montaje (obra de Óscar Martín) con el que el documental de Agudo nos introduce en la vida y la obra de Paul. Mick Garris hace de conductor y en la pantalla van sucediéndose diferentes personalidades que tuvieron relación profesional con Naschy sin que falte la presencia de su familia, sus hijos Bruno y Sergio al frente. Las entrevistas se alternan con numerosas imágenes de archivo, desde fotografías relevantes a fragmentos de sus principales películas. Todo ello hace de este documental un aperitivo excelente para abrir el apetito de ver a Naschy en escena.
Buen banquete el que espera a los madrileños, desde aquí os invitamos a disfrutar del ágape, ¡¡¡ ya nos gustaría a nosotros acompañaros!!!
Se marchan dos grandes genios: Dino de Laurentis y Luis García Berlanga
Dos cineastas han marchado, dos que forman parte de una estirpe que ya no existe, no nos engañemos. Y digo se marchan, porque dejarnos no nos pueden dejar mientras sigan sus películas en nuestras estanterías, memoria y corazón.
Posiblemente Luis García Berlanga (1921-13/11/2010) es mi director de cine español favorito. Aunque su filmografía es breve (24 títulos) en ella figuran varias de esas películas que nunca me canso de ver, obras capitales, sobre todo las de su primera época, como: Bienvenido Mr. Marshall (1953), Esa pareja feliz (1951), Calabuch (1956), Los jueves milagro (1957), Plácido (1961) y El verdugo (1963) con imágenes inolvidables que forman parte de mi vida. Lo mismo que dije hace poquito de Manuel Alexandre, son pura historia del cine Español.
Nacido en Valencia en 1921, el socarrón Berlanga estudia Filosofía y Derecho, pero abandona por el cine, no sin antes desembarcar en Rusia para luchar en la División Azul, ya saben, para defender junto a Hitler a Occidente de la horda roja, pero no se espanten, el joven Berlanga se apuntó para evitar represalias franquistas, ya que su padre fue Gobernador Civil durante La República. Tras unos cortometrajes, debuta junto a Bardem con Esa pareja feliz, uno de los más sonados debuts que ha dado el cine español, y a partir de ahí la cosa no deja de subir con un buen montón de memorables títulos que le han dado una buena cantidad de premios en Cannes, Venezia, Montreal, Berlín y Karlovy Vary.
Su carrera culmina en 2002 con el corto El sueño de la maestra, que no es otra cosa que una escena perteneciente a Bienvenido Mr. Marshall que no se incluyó en la época, aunque variando sustancialmente el argumento, ya que lo que era un sueño erótico, pasa a ser un alegato contra la pena de muerte.
En todo caso el gran erotómano fetichista que era Berlanga ha marchado con San Dimas o… igual está en el infierno rodeado de mujeres malas, pero, esté donde esté seguro que la está liando.
Dino de Laurentis (1919-10/11/2010) también marchó en Los Ángeles después de una vida dedicada en pleno al cine, produciendo obras inolvidables. Todo empezó cuando a los 17 años decidió que no quería ser fabricante de espaguetis como su padre, así que realizando diversos trabajos de extra, actor o cámara se pagó sus estudios en el Centro Sperimentale de Cine. Tan solo tres años después, en 1939, colaboraba en la producción de su primera película. El resto ya es historia del cine italiano (y mundial) con títulos como Arroz Amargo (1949, Guiseppe De Santis), que aquí se hizo inmensamente popular por la canción del Bayón y sobre todo por el vestuario (ese Jersey ajustado, ese pantalón corto, esas medias) de Silvana Mangano, a la que el tipo listo de Dino convirtió en su esposa. Poco después se alía con Carlo Ponti, y los dos colosos producen obras capitales de la talla de La Strada (1954, Federico Fellini), Ulises (Ulisse, 1954 Mario Camerini), Hombre o demonio (Attila, 1954 Pietro Francisci) Guerra y paz (War and Peace, 1956 King Vidor) o Las noches de Cabiria (Le Notti di Cabiria, 1957 Federico Fellini). Tras separarse en 1957 de Ponti, De Laurentis monta sus propios estudios, Dinocitta en 1964, pero poco después debe cerrar ante la crisis del cine italiano, aunque eso sí, dejándonos dos joyas 60’s de la talla de Diabolik (1968, Mario Bava) y Barbarella (1968, Roger Vadim). En 1972 marcha a Estados Unidos y monta productora, iniciando otra larga cadena de éxitos (y por supuesto, algún fracaso) con una larga lista de producciones que se prolongan hasta 2007. De las que, por citar algunas, sólo lo haré de cine fantástico y terror (ya que estamos en un blog sobre ello): Lápiz de labios (Lipstick , 1976 Lamont Johnson), King Kong (1976, John Guillermin), Orca, la ballena asesina (Orca, 1977 Michael Anderson), Flash Gordon (1980, Mike Hodges), Conan, el bárbaro (Conan The Barbarian, 1982 John Milius), Amytville 2, La posesión (Amytville II, The Possession, 1982 Damiano Damiani), La Zona Muerta (The Dead Zone, 1983 David Cronenberg), Conan el destructor (Conan The Destroyer, 1984 Richard Fleischer), Dune (1984, David Lynch), Los ojos del gato (Cat’s Eye, 1985 Lewis Teague), Miedo Azul (Silver Bullet, 1985 Daniel Attias), Hunter (Manhunter, 1986 Michael Mann), King Kong 2 (King Kong Lives, 1986 John Guillermin), El ejército de las tinieblas (Army of Darkness, 1992 Sam Raimi), Hannibal (2001, Ridley Scott), El Dragón Rojo (Red Dragon, 2002 Brett Ratner) y Hannibal, el origen del mal (Hannibal Rising, 2007 Peter Webber). Como pueden ver, un impresionante inventario de entre las muchas producciones de De Laurentis, cuyo apellido seguirá vivo en su hija Raffaella, también productora.
Lo dicho, un fuera de serie.
De nuevo L’atelier 13 nos ofrece tres fantásticos lanzamientos
Inspirada en el clásico de la literatura de principios del siglo pasado, La nube púrpura, de M. P. Shiel, THE WORLD, THE FLESH AND THE DEVIL (1959) es una impactante y emotiva historia que describe un mundo postapocalíptico devastado por el efecto de un cataclismo nuclear. Harry Belafonte, Inger Stevens y Mel Ferrer son los únicos protagonistas de esta cinta de ciencia-ficción que asimismo plantea un tema muy en boga en el momento de su estreno, las relaciones interraciales en un marco singular, el de una ciudad de Nueva York desértica en consonancia con el mostrado años más tarde en El último hombre… vivo (The Omega Man,1971 Boris Sagal). Por tanto, medio siglo después nos llega esta joya oculta del fantástico con trasfondo social.Y ADEMÁS…
A DAY CALLED X (EE UU, 1957, 27 min.), narrado por Glenn Ford y DUCK AND COVER (EE UU, 1952, 9 min.)
Dos filmes “educativos” propagandísticos producidos durante la guerra fría para intentar de eliminar los temores de la población hacia la bomba atómica.
Contiene además trailer, libreto y filmografías.
Inglés con Subtítulos: Español – Francés / Imagen: Blanco y negro / Sonido: Mono
ME CASÉ CON UN MONSTRUO DEL ESPACIO EXTERIOR (EE UU, 1958) 78 min
Título original: I Married a Monster From Outer Space
Dirigida por Gene Fowler Jr.
Con TOM TRYON, GLORIA TALBOTT, CHUCK WASSIL, MAXIE ROSENBLOOM
Argumento: En una pequeña ciudad de provincias, Marge espera a su novio para celebrar su boda, pero éste se retrasa. Cuando por fin llega su actitud es extrañamente distante. Un año más tarde Marge descubre que su marido es un extraterrestre. Sospecha también que otros habitantes han sido poseídos por entidades alienígenas que preparan una invasión. ¿Se estará volviendo loca? Y en ese clima de psicosis, ¿a quién puede acudir?
A pesar de su ridículo título, ME CASÉ CON UN MONSTRUO DEL ESPACIO EXTERIOR no tiene nada de birrioso. Muy al contrario. Dirigida por Gene Fowler Jr., antiguo montador de Fritz Lang y director de I Was a Teenage Werewolf (1957), esta película con toques de cine negro compone, junto a Los invasores de Marte (Invaders from Mars,1953 William Cameron Menzies) y La invasión de los ladrones de cuerpos (Invasion of the Body Snatchers, 1956 Don Siegel), una trilogía ideal de la paranoia, además de ser una crítica contra el matrimonio. ¡No se le ocurra regalársela a su pareja!
¡Y además…! THE MAN FROM 1997 (48 min., 1956), con Johnny Vlakoz, James Garner y Gloria Talbott de Me casé con un monstruo.
En los años 50, un inmigrante encuentra un almanaque del año 1997 en una librería. Piensa ganarse la vida apostando en las carreras hípicas y otras competiciones deportistas, hasta que recibe la visita de un hombre del futuro. Un drama televisivo de ciencia ficción que influenció Back to the Future (Regreso al futuro, 1985)
Contiene además:
Filmografías de GENE FOWLER Jr., GLORIA TALBOTT y TOM TRYON /Libreto (Historia de la película ilustrada)
Idiomas: Inglés /Subtítulos: Español – Francés /Formato: Widescreen anamórfico 1.33:1.
Imagen: Blanco y negro /Sonido: Mono
LOS 5.000 DEDOS DEL DR. T (EE UU, 1953) 89 min.
Dirigida por ROY ROWLAND
Con PETER LIND HAYES, MARY HEALY, HANS CONRIED, TOMMY RETTIG
Argumento: El pequeño Bart Collins odia el piano. Pero su madre le impone lecciones interminables con el tiránico profesor Terwilliker. Mientras repite de forma mecánica sus ejercicios musicales, Bart se duerme sobre el teclado y, tal como Dorothy en El mago de Oz, empieza para él una terrible pesadilla.
Los 5.000 dedos del Dr. T es una de las más peculiares muestras del cine de la década de los cincuenta, extraña mezcla de cine fantástico, musical y ciencia ficción, con doble lectura freudiana y con una imaginería visual que la ha convertido en todo un film de culto. Dirigida por el gris Roy Rowland y producida por el ambicioso Stanley Kramer, es una rara avis que no deja muy claro a quién fue debido el misterioso genio que trasluce, y que muy bien pudiera provenir del autor de la idea en que se basa la película, el muy peculiar Dr. Seuss, creador de El Grinch.
“¿Por qué la película más hermosa sobre el sueño y la infancia, la obra con las situaciones más poéticas y los decorados más sorprendentes, el más original de los musicales (¡ah, el prodigioso ballet de los «no pianistas»!), sí, por qué esta obra maestra del humor y del fantástico onírico que es Los 5.000 dedos del Dr. T se ha quedado tan escandalosamente desconocido por el público y la crítica? ¿La imposibilidad de clasificar esta producción en una categoría específica (como La noche del cazador)? ¿El título enigmático? ¿La ausencia de personalidades conocidas en los créditos? Hace tiempo que esta maravillosa película tendría que tener el sitio que merece en las Historias del Cine.”
– Jean-Claude Romer, Ecrans, n° 17, Julio-Agosto 1973.
¡Y además…! THE HORN (22 min., 1952), un episodio de la mítica serie televisiva de ciencia ficción TALES OF TOMORROW, con Franchot Tone y Barbara Joyce. Un brillante científico inventa un instrumento musical supersónico que tiene el poder de dictar las emociones humanas.
Contiene además:
Filmografías de ROY ROWLAND, PETER LIND HAYES, MARY HEALY, HANS CONRIED, TOMMY RETTIG / Libreto (Historia de la película ilustrada)
Idiomas: Inglés – Español – Francés /Subtítulos: Español – Francés /Formato: FULLSCREEN 1.33:1. /Imagen: Color (Película) y Blanco y negro (Extra) /Sonido: Mono
Noviembre Fantástico en Castellón
Andaba Serendipia hace unos días leyendo Solaris el clásico de Stanislaw Lem y volvió a recordar que tiene una copia de la adaptación al cine de Tarkovsky, película que sigue teniendo pendiente. La adaptación del ruso es ya un clásico igual que la novela, pero la fama que arrastra de lentitud narrativa siempre ha retraído a Serendipia de cumplir con esa obligación de cinéfilo. Aunque su vertiente cinéfaga no entiende de obligaciones, pues ve el cine como placer, de haberse encontrado en Castellón, en otro de sus ejercicios de desdoblamiento de su personalidad, no habría desaprovechado la oportunidad de verla en pantalla .Y es que Castellón estrena este noviembre Fantasti’cs, jornadas de literatura fantástica, ciencia ficción y terror.
El viaje de este nuevo evento, que hará las delicias de todos los fans del género, se iniciaba el 31 de octubre celebrando Halloween con una fantástica Zombie Walk, nada mejor que empezar con buen pie para augurarse un prometedor futuro. Ahora, y durante todo este mes de noviembre, la capital de La Plana se llenará de presentaciones literarias, juegos de rol ¡¡¡compartidos con La Habana!!!, talleres de escritura de guión, conferencias, exposiciones y, como no, de mucho cine.
El cine estará presente, por una parte, mediante las proyección de cuatro grande clásicos de la Sci-fi, la mencionada Solaris (1972, Andrey Trakovsky) acompañada de Dune,(1984, David Lynch) buen momento para verla como homenaje a Dino de Laurentis que acaba de dejarnos, Hijos de los Hombres (Children of Men, 2006, Alfonso Cuarón) y La Cosa (The Thing, 1982, Jonh Carpenter) todos los pases tendrán lugar en la sala de la Fundación Caja Rural Castellón. Y al igual que habrá un tiempo para los títulos consagrados, lo habrá para las jóvenes promesas con la Primera Mostra de Cortometrajes Fantásticos y el Festival de Cortos Short; los pases se realizarán los días 4, 11, 23, 30 de Noviembre de 18:30 a 19:30 en la Escola de Arts i Oficis de Castelló. Podéis consultar la programación de la mostra aquí y, como podréis ver, todos ellos son de género fantástico y terror muchos seleccionados en los Festivales y las Muestras más prestigiosas de todo el mundo (Sitges, Shots, Notodofilmfest, Sants, Donosti, Fantcast…).
Una genial excusa para hacer turismo en Castellón porque como asistentes al FANTASTI’Cs podréis disfrutar de una tarifa especial en los hoteles de la cadena Hoteles CIVIS. Nuestros amigos castellonenses han pensado en too, no han olvidado siquiera nuestro estómago, podréis saciar vuestro apetito con el Menú Fantasti’Cs10 que comprende platos horrorosamente buenos como las lombrices de tierra, crisálidas, momias, los tres cerditos, sangre de virgen… (¿No creéis que esos sean los platos? Pinchad, pinchad el enlace y veréis).
Si os perdéis todo este festín de cine, libros y buena pitanza, no será porque nosotros no os hemos avisado.
Para gritar: una cantante pop artificial da conciertos en Japón ¡¡¡Y llena estadios!!!
Hatsune Miku, el holograma 3D que llena estadios en Japón
Primero el vídeo porque es sencillamente impresionante:
Como pudiste apreciar, Hatsune Miku es un holograma 3D. Es un ente virtual que canta, baila y llena estadios de fanáticos enardecidos con la voz sintetizada de Saki Fujita. La empresa Crypton Media le dio vida hace poco más de tres años y hoy en día es un fenómeno cultural en el Japón.
La tecnología que posibilita la existencia de Miku no es menos admirable. En primer lugar Vocaloid, el software que utiliza para sintentizar letras y melodía en canciones, cuyas ideas fueron primero desarrolladas en la Universitat Pompeu Fabra y luego vendidas a Yamaha. La disertación doctoral “Spectral Processing of the Singing Voice” de Alex Loscos dirigida porXavier Serra ofrece todos los detalles al respecto.
A Vocaloid debemos sumar técnicas de animación CGI 3D y otras utilizadas en cine y videojuegos que son reveladas en este vídeo:
Y cuando Miku no es un holograma 3D, qué más podría ser sino un humanoide HRP-4C:
Quizá la era de los cantantes de artificiales comenzó cuando The Monkees intentaron imitar a The Beatles, seguidos por cientos de boy bands y demás pop stars como los inmortalizados en aquel capítulo de The Simpsons. Hatsune Miku, adolescente de 16 años y 1.58 metros de altura, rebasa los límites conocidos de ese concepto: hace anticuada la idea de buscar talento en las calles cuando puedes programarlo a la medida.
Por otro lado, es fascinante observar cómo los asistentes a tan singular espectáculo, engañados por sus sentidos, reaccionan eufóricos a la presencia de Miku. No la ven “como si estuviera allí”: para ellos lo está sin duda. Es alguien a quien adorar, admirar, seguir y consumir como producto comercial. Un ser perfecto y eterno, aunque predecible y estéril… por el momento.
Vía: Singularity Hub
¡¡¡Que rujan los blogs!!!
Ese era el grito de guerra que lanzaba Borja Crespo ante el comunicado de Ángel Sala en Facebook anunciando la prohibición cautelar del pase de A Serbian Film en la Semana de Cine Fantástico y de Terror de Donosti. Este blog ya rugió en su día cuando se levantaban los polvos de los que han venido estos lodos.
Leo en los comentarios en menéame una frase que resume bien lo que aquí se ha dado: A mi me parece una salvajada esta peli, y eso que no la he visto. Es por eso que aquí, tomando el caso A Serbian como punto de partida, les hablaré de otra cosa. Recojamos en primer lugar la cronología del escándalo.
El 14 de octubre se proyecta en Sitges A Serbian Film. Un becario o similar de la Agencia EFE asiste al pase y redacta su nota y, con un tono entre jocoso y alarmado, destripa la película recreándose en las escenas polémicas contándolas a su manera (le habrán dicho que hay que acrecentar el morbo para conseguir más ventas). Podemos verla reproducida en Noticias de Guipuzcoa. También aparece en Noticias de Alava pero sin spoilers, no sabemos si por no chafarles la película a los que quieran verla o por evitarle a sus lectores la descripción de tamañas escenas. Igualmente sin spoilers la encontramos en Noticias de Navarra, pero ahora además sin puntos y aparte que ha de quedar claro que se ha estudiado la ESO con aprovechamiento, esto es, sin aprender a escribir. Pero aún hay más, en la Web de Tele 5, lo habrán adivinado, nos tropezamos con el mismo comentario, esta vez más trabajado: le han añadido subrayados en negrita; en compensación por ese esfuerzo el periodista omite que es noticia de agencia y la firma con sus siglas. Así llegamos a Concha Campoy leyendo El Mundo.
El 15 de octubre Irene Dalmases recoge en El Mundo la misma nota de EFE, que nuevamente firma con su nombre. Su crónica es tan aséptica y objetiva que se limita (una vez más) a reproducir la noticia de EFE. Pero no, señores esta vez no hay plagio ella es la autora de esa noticia que tantas vueltas ha dado (podéis departir con ella en su blog, donde confiesa que no le gusta el cine de terror, pero al menos ella sí la vio). Ahí es donde lo lee Concha Campoy el lunes 18 de octubre mientras se dirige al trabajo, ella, que no es pacata pero sí muy sensible y concienciada, decide tomar cartas en el asunto y somete el tema a su tertulia con estos resultados:
Concha Campoy afirma que ha descrito a la audiencia las imágenes del film, prueba de que es una auténtica superdotada, ¿cómo si no podría describir algo que no ha visto? A ella le preocupa más que se la pueda tildar de retrógrada que comprobar si está dando información cierta o sólo medias verdades, las críticas de los bloggers (Nacho Vigalondo entre otros) hace que rectifique su postura inicial, pero no en su programa sino en su página de Facebook que evidentemente tiene la misma capacidad de difusión que el programa en antena ¿o no? Esa rectificación no fue el último capítulo, el 20 de octubre (seis días después de la proyección en Sitges, pero sólo dos días después de la tertulia en Cuatro) la Federación de Asociaciaciones para la Prevención del Maltrato Infantil (FAPMI) dirige una carta abierta a la Fundación responsable del Festival, carta que un día después remite al Defensor del Pueblo.
El gabinete de prensa de la FAPMI nos simplifica mucho el trabajo de recopilar cronológicamente los hechos. Copiemos su propio calendario:
20/10/10. Envío de la Carta Abierta de FAPMI dirigida a la Fundación responsable del Festival.
Inicio de la Acción Ciudadana y difusión de la Carta a través de la web.
21/10/10. FAPMI remite la Carta Abierta al Defensor del Pueblo.
22/10/10. Respuesta del Festival a FAPMI. Inicio del estudio del caso por parte del Defensor del Pueblo.
26/10/10. Entidades adheridas a la Carta Abierta remiten esta al Observatorio de Contenidos Televisivos y Audiovisuales / OCTA
27/10/10. Publicación de la Respuesta del Festival a FAPMI. Envío de la segunda Carta Abierta de FAPMI dirigida al Festival. Difusión de la segunda Carta a través de la web.
28/10/10. La Plataforma de Organizaciones de Infancia remite su propia carta al Festival.
29/10/10. Inicio de las Diligencias de Investigación por parte de la Fiscalía Provincial de Barcelona .
Os recomendamos que leáis con atención la segunda carta abierta de la FAPMI os dará una buena idea de las dimensiones del asunto. En ella se encuentran perlas como: Respecto al carácter ficticio de las imágenes, el cual damos por supuesto, tampoco deviene en justificación, ya que el uso de imágenes virtuales está siendo, a día de hoy, una práctica habitual por parte de los productores de pornografía infantil, en un esfuerzo, infructuoso por otra parte, de librarse de las consecuencias legales de sus actos. No existe diferencia alguna entre la pornografía infantil real y la simulada y, en todo caso, la existencia de una víctima real resulta un agravante. Por otra parte, tampoco hay diferencia entre el tráfico de contenidos de pornografía infantil por otros medios y su proyección en un festival de cine, como tampoco hay diferencia entre el consumo individual y privado de pornografía infantil y su consumo público, ni entre la difusión gratuita del mismo o remunerada. El tráfico, la publicidad y el lucro también resultan agravantes. Además, en este caso, no estamos hablando de la exhibición de niños, niñas y adolescentes en actitudes sexuales, sino de violación y abuso sexual de neonatos y menores. Puede que la citada película pueda catalogarse como fantástica o de terror (aunque no estemos de acuerdo), pero incluye contenidos de pornografía infantil que han sido proyectados. Que se afirme que tan censurable es una situación ficticia como una real nos resulta un dislate. ¿Puede asistirles algo de razón? Parece que eso es lo que va a determinar el juzgado de instrucción nº 4 de San Sebastián tras prohibir cautelarmente el pase en la Semana de Terror para comprobar si se ha incurrido en delito contra el artículo 189 del Código Penal.
Ese artículo viene a regular los supuestos bajo los cuales puede hablarse de producción, consumo o difusión de pornografía infantil. ¿La hay en A Serbian Film? Ahora será el juzgado quien lo determine y suponemos que lo hará teniendo en cuenta el apartado 3d del artículo que establece que hay delito Cuando el material pornográfico represente a niños o a incapaces que son víctimas de violencia física o sexual. No creo que a nadie se le escape la dificultad que entraña aquí el verbo representar, pero el quid está en cómo definir pornografía, ¿las imágenes de violencia son siempre pornográficas?¿Plenilunio, entonces, es una novela pornográfica?
Por lo pronto ahora el tema está subjúdice, se prohibió cautelarmente su pase en Donosti, a instancias de la CONCAPA, y el sábado 6 de noviembre era retirada de la programación del Festival de Terror de Molins de Rey. En este último caso no se indica, por parte de la dirección del festival, que hayan actuado bajo la presión de un requerimiento judicial destinado directamente a ellos en concreto. Mucho nos tememos que no lo ha habido, si fuere así, si se confirmase nuestra sospecha, se habría llegado a la autocensura inducida por el temor, la forma más sibilina de recortar libertades. Gracias al comentario de Víctor (ver abajo) hemos podido confirmar que no hubo medida judicial sino presión por parte de las instituciones (no se especifica si fue por parte del ayuntamiento o de la Generalitat), presión de la que se queja, en el vídeo que nos adjunta Víctor, Albert Galera director del festival.
Hasta aquí la enumeración de los hechos, por ellos mismos pueden resultar preocupantes, pero si fueran un caso aislado no dejarían de ser meramente anecdóticos. Sin embargo no es así, y de eso es de lo que anunciábamos que íbamos a hablar al principio de este artículo.
La sociedad va tomando conciencia de más problemas según evoluciona, eso puede permitir solucionarlos o, cuanto menos, paliarlos y evitarlos. Pero ese avance genera nuevos tabús y de ahí que surjan prohibiciones. 
En Japón (y en otros países) se ha llegado al extremo de pedir la prohibición de los Lolis y de la aparición de jóvenes vestidas de colegialas en películas aunque sean mayores de edad (aquello de no ser pero representar). Para evitar problemas se renuncia a la libertad (y eso supone que se renuncia a la responsabilidad, añado). Censura ha existido siempre, bajo una forma u otra, la diferencia clave es que ahora se la demanda en nombre de la racionalidad, diferencia nada despreciable porque se nos recortan libertades en nombre del progreso, cosa que invierte totalmente nuestros horizontes referenciales. Las brujas no las caza el inquisidor sino el librepensador. Si la censura viene de la mano de un régimen dictatorial, el tablero de juego es claro, pero ahora no es así, al contrario, es la democracia la que se comporta como un estado policial, un estado policial que es deseado por el propio pueblo que se convierte así en tirano mientras es tiranizado. Esta especie de censura racional cala en todos y llega un momento en el que no hace falta coerción externa, yo mismo me reprimo y, lo que es más, exijo que los límites que yo me marco se impongan a todos. 1984, Fahrenheit 451, y las demás contrautopías parecen ahora auténticas profecías, nuestro mundo se parece cada vez más a aquel que describían.
Cíclicamente los pueblos festejan la llegada de un nuevo absolutismo al grito de «¡¡Vivan las cadenas!!» Afortunadamente siempre quedan resistentes que devuelven el péndulo de la historia a una nueva apertura: A Serbian Film recibía el Premio del Público en la Semana de Terror porque, aunque no la habían visto, se había convertido en un símbolo de la lucha por la libertad de expresión.
Noche de Halloween en el Horror Market
Éxito de expositores y de asistencia de público en el Horror Market que organizó Monster Museum el 31 de octubre en pleno barrio de Gracia. Fue una gozada pasear y trastear entre distintos artilugios sangrantes, pastelitos, VHS’s, DVD’s, máscaras y gominolas, además de contar con la presencia de fanzinerosos y cortometrajistas varios.
Yo por mi parte pude recuperar una máscara de Frankenstein que tuve de bien pequeño y que pude comprobar que todavía se fabrica con el molde original por Sanromà S.A, la inmortal fábrica de artículos de broma Mi-Shan-Fu.
Pero mejor ojeais con nosotros unas fotos para haceros una idea de lo que fue aquello:
No podía faltar Chaparra Entertainment, aunque Dani estaba de bolo con su grupo. En su lugar estaba este tipo y como puede verse no se notó su ausencia (jejeje)¡¡¡¡Esto es Halloween!!!
James J. Wilson no podía faltar tampoco a la cita con su reciente Condenados a luchar.
Algunos fetiches para espantar la crisis.
Una pequeña diablesa ¿No es un primor?
El dibujante y cortometrajista Jaume Fibla rodeado de su Super Porc
Un tipo algo amojamado (o producto de la resaca dominguera) en el stand de Festerror (Lloret)
Otro detalle del sangriento (y caótico) puesto de Festerror.
Tampoco faltaron imágenes de Santos (Para siempre los clásicos)
Sol, una de las organizadoras del evento en el stand de La Oscura Ceremonia / Monster Museum
¡¡¡Esto es Halloween!!!
Sitges 2010, Festival de Contrastes: Uncle Boonmee versus The Last Exorcism
Este artículo también podría haberse titulado: cuando Sitges va de culto versus cuando es fiel al género que le da sentido. Cuidado, que ambas cosas no están reñidas. Después de todo, tal como contaban en una divertida entrada los de Vicisitud y Sordidez, no hay tanta diferencia entre culturetas y freaks. Pero es que Serendipia es milenaria y aún recuerda aquellos años (y aquel director) en los que se pretendió convertir Sitges en una especie de Festival de San Sebastián mediterráneo, con aquella sección Seven Chances que, de haber crecido, habría acabado apartando al festival de su objetivo. De modo que le entró la temblequera cuando vio que estaba programada Uncle boonmee who can recall his past lives , reciente ganadora de la Palma de Oro en Cannes.
El Festival de Cannes es, seguramente, el más prestigioso de los festivales de cine. Todos quieren pasear por La Croissette cuando llega mayo (todos menos los habitantes de Cannes, hartos de que todo triplique sus precios cuando llega el festival), quedar bien en la foto y dejar la huella de sus manos junto al auditorio (que, por fuera, al menos, es mucho más feo que el de Sitges, se lo digo yo que he pisado esa alfombra roja). Por allí han pasado, llevándose la Palma de Oro, películas de la talla de Días sin huella, Breve Encuentro (la de David Lean), Roma, città aperta, Milagro en Milán (qué de recuerdos), El Salario del Miedo, El Gatopardo (la más indiscutible de todas), Apocalypse Now, Taxi Driver, Kagemusha, Viridiana… Otras películas igualmente ganadoras ya no son tan de primera línea, Los paraguas de Cherburgo, The Knack, Un hombre y una mujer, Orfeo Negro… que sí, que están muy bien, pero no a la misma altura que las otras mencionadas (es curioso, he visto más del 80% de las ganadoras, ¡¡¡cuántas horas delante de una pantalla!!!). Y este año se descuelgan con la del tailandés Apichatpong Weerasethakul.
¿Qué decir de Uncle Boonmees Who Can Recall His Past Life? Pues muchas cosas, por ejemplo estas que han aparecido en el número 103 de Miradas de Cine:
cuando pierdes el miedo, entras y la película empieza, descubres que hasta mola su tono (entre despreocupado y chistoso), te pueden sus metáforas visuales, te encadena su concepción libre de hechos tan trascendentales como es estar o irse de aquí, te seduce su sentido de la puesta en escena casi esencial (en sencillez y en búsqueda de lo primigenio), te vence su utilización del sonido como arma decisiva para la comunicación entre los demás y uno mismo (y entre uno y uno mismo, también), te gana su ritmo, sin prosa pero sin pausa, decidido pero entreteniéndose con los miles de paisajes extraños que nos rodean y circunvalan en nuestra mismidad y sus afueras.
Jesús Palacios, a la salida de la proyección, fue más parco: la calificó de agradable de ver; pero cuando observó la doble cara de pasmo de la bicéfala Serendipia, matizó su opinión, «Bueno, emigmática». Nadie puede negarle que tenga aciertos visuales y no sólo por una cuestión de fotografía muy bonita, que eso es lo de menos, por su puesta en escena, por la planificación, por los movimientos de cámara. Peeeeeeeeero, sí, tiene peros muy grandes. Quien aporrea el teclado ahora mismo para escribir este artículo ya sabe que la sensibilidad oriental es distinta (recuerdo haber discutido con un profesor si el cine era o no un producto exclusivamente occidental), que en cine se puede «escrbir» poesía y que no todo tiene que ser prosa narrativa, ha visto mucho cine iraní y hasta le gusta (no es snobismo hueco, no, creánme), El viento nos llevará(Bād mā rā Khāhad bord, 1999, Abbas Kiarostami) es el mayor ejemplo de poema cinematográfico que conozco, pero Uncle Boonmees no da la talla. Mientras veía la película, y me las ingeniaba para que mi otra cabeza no se desgajara de mí, pensaba en Ozu porque son míticos sus planos de transición que pueden entretenerse en retratar la belleza de la naturaleza muerta pero que, fundamentalmente, sirven para contextualizar la escena siguiente, pensaba en Ozu y llegaba a la conclusión que esta película del tailandés de nombre impronunciable es toda ella un plano de transición. 
Apichatpong Weerasethakul escribe mal su poema, no calcula la métrica de sus versos, esto es, el tempo no es ya que esté mal, es que no está, la película carece de estructura. Según parece en cada uno de los rollos pretende ensayar un estilo cinematográfico distinto, tal vez teniendo ese dato a priori se pueda vislumbrar el hilo, pero aún así lo dudo. Es película de una escena: la genial cena en la que se aparecen la esposa y el hijo muertos, este último encarnado en un mono de ojos luminosos; pero no hay crescendo a partir de ahí, al contrario va perdiendo fuelle, con otros destellos luminosos como la onírica muerte del protagonista, pero ya sin fuerza. Qué quieren que les diga, igual es el equivalente cinematográfico al Ulises de Joyce, pero mucho me temo que no, que es simplemente una película experimental que ha resultado fallida.
La pregunta que se hace Serendipia es si Uncle Boonmees es una película idónea para un festival de género como es el de Sitges. La respuesta es que queremos un Sitges plural y ya está bien que haya ofertas diversas, después de todo no deja de ser una historia de fantasmas. Pero, ¿Premio de la Crítica? Eso sólo puede significar que los críticos de oficio siguen sin enterarse del espíritu del certamen y, lo que es peor, parecen seguir avergonzándose de reconocer que les puede llegar a gustar una película de terror. Por suerte donde falla la crítica profesional está el periodismo ciudadano que se expresa humildemente en sus blogs.
En los blogs de fantaterror nos gusta hablar de las buenas películas de género, por eso cerramos esta serie de críticas del Sitges 2010 con el comentario de The Last Exorcism (2010, Daniel Stamm), una de las más redondas de todo el certamen.
Estructurada como falso documental, género que cada vez abunda desde La Bruja de Blair, nos cuenta la historia de Cotton Marcus ( un Patrick Fabian en estado de gracia que se alzó con el premio a Mejor Actor) quien desilusionado por años de defraudar a sus pobres parroquianos, sacándoles el dinero con unos sermones que ni el cree, decide dejar las cosas claras mediante la producción de un documental espectacular.Una carta de Louis, un agricultor pidiendo ayuda de Cotton para expulsar el diablo de su tierra, le da la oportunidad perfecta a Cotton para exponer las mentiras de su ministerio. Pero entonces conoce a la joven hija de Louis; la perturbadora Nell …
No sé si somos muchos, pero seguro que unos cuantos sí, los que temblamos cuando una película luce como carta de presentación ser un nuevo falso documental. Esta cabeza menos emotiva de Serendipia, para huir de ese temor se recuerda la magistral Redactec (2007, Brian de Palma). El director de Carrie (1976) desarrolló en esa cinta un ejercicio virtuosístico en el que no sólo nos contaba un lamentable episodio derivado de la guerra de Irak, sino que ofrecía una reflexión metatextual del supuesto valor de objetividad de la imagen y sobre el carácter del audiovisiual como mediación ineludible entre nosotros y el conocimiento de los hechos informativos. La película de Daniel Stamm no alcanza esa excelencia, pero su buena factura la hace sobresalir de la media. Y es que no se trata de el documental de hechos terroríficos sino que estos se presentan inesperadamente durante el falso rodaje.
The Last Exorcism nos conduce al mundo de los predicadores carismáticos que vienen a satisfacer la necesidad de esperanza en un más allá que compense las penurias de esta vida, presente en la mayoría de los hombres. Cotton Marcus inició su carrera como predicador cuando era un niño, acompañando a su padre y rápidamente destacó por sus dotes oratorias. Como a Elmer Gantry en El Fuego y la Palabra (Elmer Gantry, 1960, Richard Brooks), el poder de su verbo le convierte en una verdadera estrella, aunque, al igual que Gantry, él mismo no es un auténtico creyente. En verdad, puede decirse que Cotton Marcus protagoniza un auténtico Camino de Damasco invertido, si la caída del caballo hizo que Saulo se convirtiera al cristianismo, en el caso de Marcus, una grave enfermedad sufrida por su hijo le hace descubrir que carece de fe, puesto que no confía en Dios sino en los médicos. Después de esa revelación, Cotton Marcus siguió ejerciendo su oficio como un trabajo rutinario más sin que sus feligreses dejarán de quedar arrebatados con sus discursos, pero la muerte de una niña por causa de un exorcismo practicado por otro predicador le hace decidirse a acabar con la farsa. Ahí está el punto de partida del documental, el equipo de una cadena televisiva le sigue en su quehacer y Marcus va desvelando la falsedad de sus tretas, la cual quedará totalmente demostrada cuando se enfrenten a un caso de exorcismo, que habrá de ser el último para el predicador.
Cotton Marcus persigue, con su confesión pública, erradicar la superstición, la cual, teniendo en cuenta la creciente demanda de exorcismos en todas las confesiones, está aumentando en la sociedad moderna. Marcus comprende los motivos que inducen a ese creciente apego a las prácticas más extremas dentro de una sociedad que, paradójicamente, está cada vez más secularizada: no son otros que el miedo y la búsqueda desesperada de una explicación para, y un consuelo ante, todo aquello que acontece en nuestras vidas y escapa a nuestra comprensión como puede ser la turbadora presencia de la enfermedad y el mal. Marcus comprende que cuando las explicaciones lógicas se muestran insuficientes se recurra a lo irracional y a la fe, pero está convencido de que es demasiado peligroso y de que son mejores las soluciones que atiendan a razón aunque resulten parciales. Ese espíritu ilustrado es el que le anima cuando llega a la granja de Louisiana donde vive Nell, una joven adolescente que vive aislada por el exceso de celo de su padre cuyo fanatismo religioso le hace temer. Para Marcus es sólo un trabajo rutinario más, el último, el que va a permitir demostrar que no hay nada de sobrenatural en sus actos y que, si resultan efectivos, es simplemente porque los afectados se sienten comprendidos y atendidos. 
Pero todo va a complicarse cuando el falso exorcismo no dé los resultados esperados y Nell siga sufriendo ataques cada vez más incomprensibles. El terror va adueñándose de lo que hasta entonces sólo había sido una crónica cotidiana, un vivir cada día. Y el recurso del falso documental se muestra verdaderamente eficaz para darle a ese giro la mayor verosimilitud, que la cámara esté presente dentro de la película nos coloca en un mirador privilegiado, nos sumerge dentro de la propia acción y nos implica en ella manteniéndonos cada vez más aferrados a la butaca conforme lo paranormal se va adueñándose de la escena. Si la pretensión inicial había sido combatir la superstición, el desarrollo de los acontecimientos invierte el planteamiento hasta hacernos preguntar si no será mejor no tomarse a broma determinadas creencias por mucho que contraríen a la razón. Dicho en palabras de su director:
A lo largo de la película, la pregunta que se formula es: ¿es algo sobrenatural o se trata de maldad humana? ¿Es Nell esquizofrénica o está poseída? Esa es para mí la cuestión verdaderamente interesante. La película trata sobre la fe, el papel que desempeña la fe en nuestra vida y lo que ello supone, cómo puede ayudarnos y cómo puede destruirnos.
La película no concluye categóricamente, pero deja suficientes dudas como para preguntarnos si estará acertada la ciencia cuando sostiene la inexistencia de Dios (así se expresa Hawking en su último libro) y, por tanto, de su reverso diabólico. Se diría que esta película contesta a Dawkins y su campaña en favor del ateísmo, sobre todo porque no la impulsa una mente reaccionaria sino que se instala en una sana actitud crítica que sigue abriendo interrogantes allí donde la ciencia pretende cerrarlos.
The Last Exorcism prueba una vez más que no es necesario renunciar al entretenimiento para reflexionar y que puede ofrecerse una cinta muy personal sin ignorar las convenciones de género. Ese es el tipo de cine que más nos gusta ver en Sitges, ahora habremos de esperar un año más para volver a vivir el festival. ¡¡¡Ya lo estamos deseando!!!
Serendipia
Proyecto Naschy 
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