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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Jueves 15 de agosto de 2019 *
ERASE UNA VEZ EN…HOLLYWOOD (Once Upon a Time in… Hollywood, Quentin Tarantino, 2019)
USA. Duración: 165 min. Guion: Quentin Tarantino Fotografía: Robert Richardson Productora: Sony Pictures Entertainment (SPE) / Heyday Films / Visiona Romantica Género: Drama
Reparto: Leono DiCaprio, Brad Pitt, Margot Robbie, Al Pacino, Kurt Russell, Bruce Dern,Timothy Olyphant, Michael Madsen, Tim Roth, Zoe Bell, Damian Lewis, Luke Perry,Emile Hirsch, Dakota Fanning, James Marsden, Clifton Collins Jr., Scoot McNairy,Damon Herriman, Nicholas Hammond, Keith Jefferson, Spencer Garrett, Mike Moh,Clu Gulager, Martin Kove, James Remar, Lena Dunham, Austin Butler, Leslie Bega,Maya Hawke, Brenda Vaccaro, Lorenza Izzo, Penelope Kapudija, Margaret Qualley,Rumer Willis, Dreama Walker, Costa Ronin, Madisen Beaty, Sydney Sweeney
Sinopsis: La película se centra en el panorama cambiante de Hollywood a finales de los años 60, cuando la industria empezaba a olvidarse de los pilares clásicos. La estrella de un western televisivo, Rick Dalton (DiCaprio), intenta amoldarse a estos cambios al mismo tiempo que su doble (Pitt). Sin embargo, la vida de Dalton parece que está ligada a sus raíces de Hollywood, puesto que es vecino de la actriz y modelo Sharon Tate (Robbie).
Que a Quentin Tarantino le gusta el cine, es algo incuestionable que no vamos a descubrir ahora, y por eso, desde su primera película hasta esta Erase una vez en…Hollywood sus películas están llenas de homenajes y tributos respetuosos al cine que más le apasiona, ya sea el Blaxploitation, el de artes marciales, el western o el thriller de Hong-Kong. Y siempre lo ha hecho de forma respetuosa y generosa. Sus películas son un campo de referencias pero el que él las haya utilizado han servido a muchos para descubrir el cine de John Woo, Jack Hill, Ringo Lam, Sergio Corbucci, Enzo G. Cartellari, Toshiya Fujita… cineastas olvidados o cuyas obras no se estrenaban más allá de Asia. Si hasta hace un homenaje a nuestro recientemente fallecido Antonio Isasi-Isasmendi.
Sí, Tarantino deja notar en todas sus películas que le gusta el cine. Que es lo que más le gusta. Y también lo hace en Érase un vez…en Hollywood, ya desde su propio título, referencia innegable a grandes películas de Sergio Leone. Pero detectamos una novedad. La forma de afrontar esta historia ubicada en el Hollywood convulso y cambiante de finales de los sesenta es la de tomarse una revancha sobre uno de los elementos que ayudó a terminar, dramáticamente, a cuchilladas, con la mítica meca del cine y con la inocencia de los sesenta, representados por la actriz Sharon Tate. Una inocencia que desembocarían en el crudo y cínico desencanto de los setenta.
Tarantino nos muestra un Hollywood en proceso de descomposición. Con actores cuya estrella se apaga y tienen que emigrar a Italia a recrear, desde Almería, el lejano oeste. Y una industria cinematográfica que ve como su puesto, en la cima del entretenimiento popular, decae ante la 
televisión. En ese Hollywood del año 1969 sitúa los personajes de su historia, unos maravillosos Leono DiCaprio (Rick Dalton), Brad Pitt (Cliff Booth) y Margot Robbie (Sharon Tate), acompañados de algunos de los personajes que orbitaron alrededor de la pareja Tate/Polanski, como Bruce Lee, que realmente instruyó a la actriz en la lucha contra Nancy Kwan en La mansión de los 7 placeres (The Wrecking Crew, Phil Karlson, 1968) y que incluso, al parecer, estaba invitado a la velada en Cielo Drive que desembocó en los asesinatos de Sharon Tate y todos sus invitados a manos de los siervos de Manson. También aprovecha Tarantino para incluir a varios de sus intérpretes, como Bruce Dern, Kurt Russell, Michael Madsen o Zöe Bell, mezclándolos con actores veteranos de primera y de segunda como Al Pacino, Brenda Baccaro o Nicholas Hammond junto a caras más recientes como las de Lena Dunham, Lorenza Izzo, Dakota Fanning o Luke Perry. El Hollywood de ayer y hoy. De los grandes estudios a los más independientes. Del glamour a la trastienda del Powerty Row. Todo, como es habitual, regado por la mejor música de la época.
Realidad y ficción se dan la mano en esta película, que resulta mucho más comedida que las otras del director, casi se diría que hasta madura, lo cual no significa que no se tome sus momentos de desahogo. Pero un desahogo que no puede evitar el poso melancólico que deja en el espectador Érase una vez en…Hollywood. Melancólico porque Tarantino no hace más que anunciarnos el fin de la inocencia de los sesenta y de la política de estudios, pero también el fin del cine como fenómeno comunitario para disfrutar en una gran pantalla rodeado de gente.
Érase una vez en…Hollywood es, repetimos, un canto de amor al cine. Y un elogio de la ficción como única vía de subversión ante la realidad. Tarantino vuelve a utilizar el poder sanador de la ficción como revancha contra aquello que trastornó un mundo, como en Malditos Bastardos (Inglourious Basterds, 2009), pero aquí en un tono más sosegado y profundo, aunque no le falte lugar a la chanza. Toda una catarsis que apostilla la célebre frase de El hombre que mató a Liberty Valance (The Man Who Shot Liberty Valance, John Ford, 1962), si allí se nos dice que la historia no debe cambiar lo que ha escrito la leyenda, en Érase una vez en… Hollywood se remata el concepto añadiendo que lo que la historia ha agraviado debe ser restituido en la ficción. Es casi un deber moral vengar los renglones torcidos de lo dado con la fuerza de lo inventado, porque ahí es dónde se afianza nuestro poder y nuestra capacidad de corregirnos mediante la creatividad. Una cinta agridulce que es, a la vez, una despedida y una victoria.
Y una magnífica película para los que, como Quentin Tarantino, amamos el cine.
A 47 METROS 2 (47 Meters Down: Uncaged, Johannes Roberts, 2019)
UK. Guion: Ernest Riera, Johannes Roberts Música: Tomandandy Fotografía: Mark Silk Productora: thefyzz. Distribuida por: Entertainment Studios Motion Pictures Género: Terror
Reparto: John Corbett, Nia Long, Sophie Nélisse, Corinne Foxx, Sistine Rose Stallone,Brianne Tju, Davi Santos, Khylin Rhambo, Brec Bassinger
Sinopsis: A la adolescente Mia no le apetece mudarse a México con su padre, Grant, y su nueva familia. Con Grant trabajando como investigador en una antigua ciudad maya que está sumergida bajo el agua, Mia se ve obligada a pasar tiempo con su hermanastra Sasha. Aburrida y sin supervisión, Mia, Sasha y sus dos amigas se adentran en la cueva submarina en la que Grant está trabajando.
Oculto durante siglos, el lugar de entierro maya sumergido es hermoso y desconcertante, pero pronto se vuelve mortal cuando las chicas descubren que no están solas. Están rodeadas por enormes tiburones blancos amenazadores. Atrapadas en una cueva que pronto podría ser su tumba, las chicas deben estar en silencio si desean salir con vida.
Original no es un adjetivo que defina a A 47 metros 2, pero al menos intenta aportar algo más que adolescentes y tiburones blancos a la propuesta, ofreciendo cierta motivación a las dos hermanastras protagonistas mediante unas gotas de acoso escolar y cucharadas de espíritu de reconciliación y superación. El resultado no es que sea algo inolvidable, pero consigue que el espectador no aparte la vista de la pantalla ¿Cómo hacerlo con cuatro adolescentes atrapadas en una necrópolis maya submarina con el oxígeno de sus bombonas agotándose mientras ¡son acosadas por hambrientos tiburones!? Desde luego, muy mal habría que hacerlo para que no resultara, cuanto menos, una película entretenida.
Y la cinta resulta tan emocionante y angustiosa como confusa, pues en muchas escenas submarinas la oscuridad es casi total, lo cual por otra parte facilita que los escualos ataquen desde cualquier punto y en cualquier momento. Pero eso sí, la cinta se estropea un tanto durante su conclusión, cuando el director se suelta el pelo y muestra todo lo que no ha podido enseñar en la oscuridad abismal. En conclusión, otro refresco muy indicado para estas fechas sin más pretensiones que hacer pasar un buen/mal rato.
Se agradece la fidelidad al cine de género de su director, el británico Johannes Roberts, que está haciendo una humilde carrera al otro lado del Atlántico con pequeñas cintas como el díptico A 47 metros o la interesante secuela Los extraños: cacería nocturna (The Strangers: Prey at Night, 2017), todo ello mientras se anuncia su salto al terreno de la superproducción con el reboot de Resident Evil. Con lo bien que se había cerrado la serie original tras seis entregas…
LA VIRGEN DE AGOSTO (Jonás Trueba, 2019)
España. Duración: 125 min. Guion: Itsaso Arana, Jonás Trueba Fotografía: Santiago Racaj Productora: Los Ilusos Films Género: Drama
Reparto: Itsaso Arana, Vito Sanz, Joe Manjón, Isabelle Stoffel, Luis Heras, Mikele Urroz,María Herrador, Naiara Carmona
Sinopsis: Eva (Itsaso Arana) está a punto de cumplir 33 años y ha convertido en un acto de fe la decisión de quedarse en Madrid en agosto. Los días y las noches se presentan como un tiempo de oportunidades, y mientras se celebran las verbenas de verano, Eva se encuentra con otras personas a las que trata de ayudar, sin saber que, en realidad, no hace otra cosa que ayudarse a sí misma.
Jonás Trueba no es Gustave Flaubert, ni su Eva, pese a su nombre de mujer primigenia, es Emma Bovary. El francés, en su obra inmortal, penetraba el alma femenina para alumbrar un personaje de compleja psicología. Trueba lo intenta, pero el suyo, pese a estar coguionizado por Itsaso Arana, no es más que un retrato de mujer idealizada a partir de lugares comunes escuchados en conversaciones de salón. Aunque, precisamente por ser tópicos, habrá mujeres reales que se reconocerán y la aplaudirán como femenina, aquí consideramos que, para alcanzar ese epíteto, hace falta algo más que tres mujeres hablando de la menstruación, porque eso, en el mejor de los casos, es quedarse muy poco más allá de la obviedad.
La obviedad es el principal problema de La virgen de agosto, la película es precisamente eso, un recamado tejido con hilos de metáforas facilonas, que van desde la elección de los nombres de los personajes a la utilización de agosto como marco ideal para consumar un viaje interior. Empecemos por los nombres. Eva es la protagonista única del filme, el resto de personajes no son más que comparsas, y el director/guionista no la llama así de forma casual. ‘Eva’ etimológicamente procede del hebreo ‘havva’, esto es, “que da vida”, de jai, “vida”, por ser Eva madre de todos los vivientes (Génesis, 3, 20), la primera mujer, sin embargo, no es solo dadora de vida, su curiosidad la convierte también en portadora de mortalidad por su atrevimiento de comer del Árbol de la ciencia del bien y del mal. Un pecado del que sólo nos librará la otra mujer, su complemento y su reverso, que es la Virgen María. La feminidad es vista por la moral judeocristiana como un poder ambivalente polarizado en dos figuras maternas afines y opuestas a partes iguales. La Eva de Trueba tendrá la particularidad de encerrar en sí ambos polos como descubriremos cuando ella reconozca su estado y condición. Un reconocimiento que le llega a través del principal figurante de su periplo, Agost, peculiar hipocorístico de Agostino, nombrado así, en italiano, por si su forma castellana (Agustín) pudiera despistarnos de su carga simbólica. ‘Agostino’ del latín ‘Augustinus’, es la forma patronímica de Augusto/Augustus (“consagrado por el augurio”), el sentido originario de la palabra era “crecimiento concedido por los dioses a una empresa”, símbolo, pues, de lo venerable para los romanos, que lo atribuyeron como epíteto a su césar. Agost será el vehículo que mediará la consumación del viaje interior de Eva, después de que esta parezca salvarle de su pesadumbre. La virgen de agosto parece poner en la mujer la posibilidad de redención de lo humano, pero como el espacio de la fertilidad y el crecimiento en el que puede llegar a convertirse.
En honor de Octavio Augusto se rebautizó el octavo mes del año como agosto, así se acaba de comprender el nombre del partenaire de Eva, ya que es precisamente ese el mes en el que Eva emprende el camino hacia la búsqueda de su autenticidad, de su sentido, permaneciendo en la ciudad (que es otro personaje más) durante ese mes estival plagado de festejos. El ferragosto (tomándoles prestado a los italianos el nombre de esa celebración) es el marco de su crecimiento, un marco cargado de significados que hunden sus raíces en la antigüedad romana. Curiosamente (o no tanto, visto, lo visto) las celebraciones más importantes del mes se desarrollaban el 13 de agosto (día en el que Eva conoce a Agostino, para más señas), dedicadas a la diosa Diana, ligada a la vida en los bosques, a las fases lunares y a la maternidad. El cristianismo hizo coincidir las fiestas de ferragosto con la de la Asunción, uniendo rituales sagrados y profanos en manifestaciones populares. La virgen de agosto, como popularmente se conoce a la festividad de la Asunción de María (y de la que, evidentemente, toma el título la cinta), es el fondo sobre el que se pinta la forma de la aventura de Eva. Una aventura que tiene mucho de iniciática, esto es, de experiencia vital y de tránsito de un estado a otro, presuntamente superior. No es Trueba el primero en hacer esa asociación, el primero en acudir a ese espacio estival como instante en el que, contrastando con la indolencia del calor, nos sentimos necesitados de comernos la vida, de alcanzarnos y de entendernos (y de paso a comprender nuestro mundo). A poco cinéfilos que seamos, se nos viene a la cabeza la brillante Il Sorpasso (1962, Dino Risi), pero poco más que la elección del momento comparten ambos filmes. Mientras Dino Risi usa esa celebración hedonista y acelerada como punto de contraste del hastío existencial, el nihilismo, en el que, en verdad, viven sus personajes, en Trueba todo es “mundo mágico de colores”, pintado con los pinceles de la espiritualidad new age, además. Mera fruslería que se desvanecerá cuando el verano acabe.
La virgen de agosto también tiene méritos, no decimos que no, la mayor parte relacionadas con la interprete ¡Itsaso Arana sostiene tan bien el plano con su expresión de Gioconda! Lástima que los planos fijos sean innumerables, porque así volvemos a la paleta de lo obvio. No deja de ser un recurso fácil acudir a la cámara estática para tratar de aprehender una experiencia extática desde la reverencia, como si no quisiéramos intervenir en lo acontecido en el interior del personaje, desde el máximo respeto. Una forma de subrayar que lo que se nos muestra no es baladí, que merece ser observado con detenimiento. Porque la mirada alucinada de Eva es la exaltada vivencia de ese estado del alma en el que nos podemos llegar a sentir en comunión con lo cósmico. A través de esos ojos que parecen querer comérselo todo, La virgen de agosto nos reconcilia (o al menos lo pretende) con nuestro deambular por el mundo.
Es una película mensaje en la que los personajes hablan y hablan y hablan… mientras nos educan, mientras nos enseñan el espacio de lo verdaderamente trascendente. Semejante a si estuviésemos ante una película de Éric Rohmer, con menos empaque, pero con la misma afectación. Trueba, como el icono de la Novelle Vague, es movido por la voluntad de traducir en imágenes los grandes conceptos, el sentido del amor y el valor de nuestro lugar en el mundo, en especial. Para bien (y para mal) Jonás Trueba, parece querer saltarse la postmodernidad y regresar a los modos narrativos de generaciones anteriores, en un intento de construir un relato atemporal. Ahora bien, se nos antoja que bajo todas esas pretensiones se esconde un discurso intrínsecamente superficial.
La virgen de agosto gustará. La crítica ya la ha elogiado, y habrá todo un sector del público que comulgará con ella. Desde esta humilde tribuna, sin embargo, sólo nos vemos capaces de decir que el emperador va desnudo.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 2 de agosto de 2018 *
ROJO (Benjamín Naishtat, 2018)
Argentina/Brasil/Francia. Duración: 109 min. Guion: Benjamín Naishtat Música: Vincent van Warmerdam Fotografía: Pedro Sotero Productora: Ecce Films / Bord Cadre Films / Desvia Produções / Pucara Cine / Sutor Kolonko Género: Thriller
Reparto: Darío Grandinetti, Andrea Frigerio, Alfredo Castro, Diego Cremonesi
Sinopsis: A mediados de los años 70, un hombre extraño llega a una tranquila ciudad de provincias. En un restaurante, y sin motivo aparente, comienza a agredir a Claudio, un reconocido abogado. La comunidad apoya al abogado y el extraño es humillado y expulsado del lugar. Más tarde y camino a casa, Claudio y su mujer, Susana, son interceptados por el hombre extraño, quien está determinado a cobrarse una terrible venganza. El abogado toma entonces un camino sin retorno.
Rojo se inicia como un thriller, un tenso thriller que engancha al espectador y no lo suelta hasta el final, aunque el tono, por el camino, cambia, pasando a de ser un ejercicio de intriga a un conjunto de frescos sobre la corrupción de los vencedores. Sobre el cinismo de un nuevo régimen auto-instaurado ya en la monotonía del terror de forma plácida y legal. Una sociedad clasista desde cuyas grietas chorrea la sangre de los inocentes y que se representa en una casa abandonada cuyo propietario desapareció, como tantos. Una radiografía de una clase dominante podrida, manipuladora. Y todo se nos muestra partiendo del protagonista, el abogado que interpreta magistralmente Darío Grandinetti, su familia y amigos. Los cachorros de esos verdugos, de esa Argentina que trabaja, eslogan que tanto recuerda a esa España que madruga promulgado aquí por los hermanos putativos de aquellos matarifes argentinos. Igualmente cínicos y crueles.
Escrita y dirigida por el argentino Benjamin Naishtat (Historia del miedo), Rojo fue una de las grandes triunfadoras de la pasada edición del Festival de San Sebastián (Concha de Plata a la Mejor Dirección; Concha de Plata al Mejor Actor y Premio del Jurado a la Mejor Fotografía) y también participó en el Festival de Toronto (TIFF) y en el Festival Internacional de Cinema de Barcelona Sant-Jordi (BCN Film Fest).
ALCANZANDO TU SUEÑO (TEEN SPIRIT) (Teen Spirit, Max Minghella, 2018)
USA. Duración: 92 min. Guion: Max Minghella Fotografía: Autumn Durald Productora: Automatik Entertainment / Blank Tape / Head Gear Films / Metrol Technology Género: Drama
Reparto: Elle Fanning, Rebecca Hall, Millie Brady, Elizabeth Berrington, Zlatko Buric,Jordan Stephens, Stephen Boxer, Archie Madekwe, Mark Stobbart,Agnieszka Grochowska, Noof McEwan, John Locke, Daniel Westwood,Jessie Vinning, Ruairi O’Connor, Ria Zmitrowicz, Clara Rugaard, Paul Blackwell,Olivia Gray, Gerald Maliqi, Calvin Chen, Vivian Oparah, Sofia Abbasi
Sinopsis: Violent (Fanning) es una introvertida adolescente que vive en la Isla de Wight, en Inglaterra, y que sueña con convertirse en una estrella del pop para poder así alejarse de tu triste panorama familiar. Con la ayuda de un inesperado mentor, Violet se inscribe en un concurso de canto que pondrá a prueba su integridad, talento y ambición.
La ópera prima del actor y escritor Max Minghella, conocido por su trabajo en ‘El cuento de la criada’ o ‘La red social’, es otra nueva versión de la Cenicienta en clave de sencilla historia de superación. Una trama algo trillada, pero con algunos elementos que la dignifican. Como su magnífica fotografía, que muestra una isla de Wight donde nunca parece brillar el sol retratando también unos cálidos interiores que contrastan con la luminotecnia artificial de los escenarios.
Elle Fanning, que se confirma de nuevo como uno de los mejores talentos de su generación, realiza su papel de forma sombría, sin maquillaje ni artificios. No sonríe, su vida apenas le ofrece motivos para hacerlo, pero aún así se muestra fresca, bella, espléndida. Joven. Y como tal errada y errante, pero con unas ideas claras y una personalidad que deja la puerta abierta de par en par a la esperanza.
Repetimos, si bien la trama no resulta original, su enfoque si puede aportar motivos para el disfrute de esta cinta. A pesar de ser una producción americana, se ha optado por situar la acción en una pequeña isla cerca de Inglaterra, así la película se libra de muchos de los tópicos habituales que podríamos haber esperado de haberse situado la acción en cualquier ciudad norteamericana. En ningún momento hay glamour, incluso cuando la acción se traslada a Londres. Y aunque algunas situaciones son más que familiares (mentor alcohólico -y con pinta de oler muy mal- con un pasado glorioso y tragedia a sus espaldas), podemos llegar a creernos la relación que se entabla entre estas dos almas perdidas.
Teen Spirit, a pesar de su título, consigue trasmitir tristeza. Al gris de la climatología cabe añadir sus tristes canciones, todo lo cual da un tono a la cinta que atraviesa la pantalla alcanzando al espectador más allá de que la historia tenga, o no, un final feliz.
VAMOS DE ESTRENO (o no): * Viernes 26 de julio de 2019 *
MIDSOMMAR (Ari Aster, 2019)
USA. Duración: 145 min. Guion: Ari Aster Música: Bobby Krlic Fotografía: Pawel Pogorzelski Productora: B-Reel Films / Parts and Labor. Distribuida por A24 Género: Terror
Reparto: Florence Pugh, Jack Reynor, Will Poulter, William Jackson Harper, Ellora Torchia,Archie Madekwe, Vilhelm Blomgren, Julia Ragnarsson, Anna Åström, Anki Larsson,Lars Väringer, Katarina Weidhagen van Hal
Sinopsis: Una pareja estadounidense que no está pasando por su mejor momento acude con unos amigos al Midsommar, un festival de verano que se celebra cada 90 años en una aldea remota de Suecia. Lo que comienza como unas vacaciones de ensueño en un lugar en el que el sol no se pone nunca, poco a poco se convierte en una oscura pesadilla cuando los misteriosos aldeanos les invitan a participar en sus perturbadoras actividades festivas.
El espectador del siglo XXI, formado en el narcisismo de las redes sociales, parece incapaz de llegar virgen a la sala de proyecciones, sobre todo si ha de enfrentarse a una obra cuyo director no ha dejado indiferente a nadie con sus anteriores realizaciones. El público se dividirá ante el nuevo trabajo entre entregados y detractores, los primeros predispuestos a consumir una obra maestra, los segundos con las uñas afiladas para remarcar los defectos y confirmar que el director de moda es un bluf y todas sus películas pura basura. Es época de (pre)juicios rápidos que han de ser compartidos de inmediato, tiempos de jactancia en los que la mayoría se dispone a presentarse como sabio cuando, en verdad, no pasa de sabihondo. Los menos irán a encontrarse con el hecho fílmico sin un ánimo formado a priori, ellos serán los que podrán admirar la inmensa gama de grises que se extiende entre el blanco y el negro y disfrutar de la cinta y no de la expectativa que ha generado (del hype si queremos caer en la absurda moda de los anglicismos). Los ponderados serán pocos, pero serán.
Valga este largo preámbulo para introducir nuestra experiencia con el cine de Ari Aster, un autor que, con solo dos largos en su haber, ha demostrado tener un rico universo personal y un modo propio a la hora de narrarlo. Con Hereditary se sentaban sus bases, una narrativa seca y concisa, que introduce el impacto como golpe en el estómago a partir del cual la tensión es más de carga psicológica que de peripecia de acción. No pasa nada, dijeron algunos ante su opera prima, pero, a poco que se tenga el ojo entrenado, puede descubrirse que en su cine no cesan de acontecer los sucesos internos con todas sus repercusiones externas. Con Midsommar vuelve a hacerlo, un filme en el que, más que el qué, lo que importa es el cómo narra. Su segunda cinta nos pone ante un viaje, un mal viaje para ser precisos, hacia la cegadora luz del solsticio y los estados alterados de la mente, donde el terror nace tanto de la extravagancia como del extrañamiento.
Un arranque impecable. Aster elige iniciar su relato con un prólogo oscuro que establecerá las claves de los personajes y sus relaciones. Un preámbulo que exige ya a sus actores darlo todo, donde la banda sonora y la pista de sonido ponen la intensidad del drama, y en el que la cámara nos da el relato por encima del suceso. Brillantes montajes internos nos muestran la situación en la que se encuentran los personajes, el espejo permite que compartan plano a la vez que enseña, por su carácter artificial (casi forzado), que no se mueven en la misma sintonía. Es casi una película dentro de la película, que viene a sembrar las motivaciones de unos y otros y a fijar nuestra complicidad con el personaje de Dani (una perfecta Florence Pugh) y su condición de desubicada dentro del grupo y la circunstancia. El fuera de juego será nuestro incómodo lugar de observación, asistiremos a los hechos con la misma indefensión que su protagonista, compartiremos con ella el desvarío de pesadilla que la circunda, tan embriagados como ella gracias a esa fotografía sobrexpuesta que convierte al blanco del solsticio en un filtro lisérgico.
Implacable se mantiene el pulso del director hasta la secuencia de impacto, una explosión de gore que pilla desprevenidos a los protagonistas y a contrapié a los espectadores. Nada vuelve a ser igual. Porque va a resultar difícil mantener el mismo nivel de tensión, sí, pero también porque ese hecho nos pone ante la fiereza de lo que nos es extraño, los límites del relativismo cultural y las mezquindades de quienes se sienten en una posición de superioridad moral respecto a lo otro. Quisiéramos que hubiera una reacción, que los protagonistas se comportarán como los estándares del género, pero Aster nos lo niega sepultándonos en el horror de un sinfín de danzas paroxísticas y en la lógica aplastante del rito que está por encima incluso de quienes lo practican.
Las comparaciones son odiosas. Midsommar va a traer como consecuencia la revisión por parte de muchos del clásico de Robin Hardy, y eso será bueno porque bien está revisar grandes obras. Sin embargo, tratar de establecer entre ellas un ranking es ingenuo, injusto y absurdo. Entre la nueva película de Aster y The Wicker Man existe la misma relación que podríamos señalar entre la Suspiria de Guadagnino y la original de Argento: partiendo de puntos en común se nos ofrece toda una reinterpretación del tópico que da pie a una lectura totalmente distinta. Y es que lo folclórico en Midsommar es una excusa argumental para hablarnos de nuestro presente, del posicionamiento del hombre actual ante el mundo, de la enquistada prepotencia de Occidente en un momento en el que sus principios parecen hacer aguas. ¿Folkhorror? Si así lo quieren, y si tanto necesitan poner etiquetas a lo que consumen, usen esta para referirse a la última película de Aster, pero entonces perderán el matiz de que aquí lo pagano está puesto al servicio del análisis de las complicadas relaciones que se entretejen en un mundo en decadencia como el nuestro. Con los demás, con el entorno y con nosotros mismos, tal como ya quedaba expuesto en el prólogo. El resto, lo hemos dicho ya, es un viaje, un mal viaje, hacia nuestro propio fondo.
No hay tantas obras maestras. La magistralidad solo toca con su gracia a unas pocas piezas, a unos pocos autores, y es, normalmente, el tiempo el que les otorga tal condición. Midsommar no lo es, pero poca falta hace. Ari Aster ha vuelto a hacerlo, demostrar que es posible enfrentar con originalidad los lugares comunes. Ha vuelto a filmar una cinta con mucho interés formal, llamada a ganarse un puesto destacado dentro del género en la actualidad y ha validarle como un autor al que hay que seguir la pista. Ni más. Pero tampoco menos.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 19 de julio de 2019 *
BOSQUE MALDITO (The Hole in the Ground, Lee Cronin, 2019)
Irlanda. Duración: 90 min. Guion: Lee Cronin, Stephen Shields Música: Stephen McKeon Fotografía: Tom Comerford Productora: SP Films / Bankside Films / Head Gear Films / Metrol Technology / Wrong Men North. Distribuida por: A24 Género: Fantático/Terror
Reparto: Seána Kerslake, James Cosmo, Kati Outinen, Simone Kirby, Steve Wall, James Quinn Markey., Eoin Macken, Sarah Hanly, Bennett Andrew, David Crowley,John Quinn
Sinopsis: Sarah (Seána Kerslake), está convencida de que algo siniestro surgido de las profundidades de un misterioso agujero ha transformado a su hijo. Se exploran así los límites entre lo racional y lo inexplicable. ¿Es posible que tan solo esté sufriendo el síndrome de Capgras, un trastorno que provoca que una persona crea que uno de sus familiares cercanos ha sido sustituido por un doble, un impostor? ¿O puede que la vieja leyenda irlandesa de los niños cambiados sea cierta?
Francamente, mal vamos si en la promoción de Bosque maldito se anuncia esta cinta como la Hereditary de este año. Y vamos mal porque los que tienen idealizada aquella pueden sentirse defraudados (o no), pero también porque compararla es restarle méritos a esta correctísima propuesta, que posee su propia personalidad y que podría enmarcarse, quizás, en la ciencia-ficción. Pero eso ya tendrán que juzgarlo ustedes.
Muy bien interpretada por actores naturales, creíbles, como Seána Kerslake. Bosque maldito está magníficamente ambientada, con una casa, situada en la campiña irlandesa, desolada y atmosférica, que también forma parte del reparto. Tanto como la atmósfera, el viento y el cielo, siempre gris. Allí viven una joven madre y su hijo, rodeados de amplias extensiones naturales y frondosos bosques de coníferas que esconden en su interior un atávico secreto: una sima, un cráter que traga todo lo que hay a su alrededor. Pero el director nos ofrece muchas más piezas con las que despertar la intriga: una extraña anciana y espejos, muchos espejos que devuelven las imágenes distorsionadas. Diferentes. Cambiadas. Todo conjugado para contagiar la inquietud de la noche sin luna, del miedo a lo desconocido, de lo extraño, en este viaje a la locura que permite al espectador ser partícipe de su trama, en la que el miedo de la mujer a que el hijo cambie tanto como, al parecer ha cambiado su compañero, también se deja entrever. O no. Todo depende del cristal conque se mire. O el espejo en el que se refleje.
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GÉNESIS (Genèse, Philippe Lesage, 2018)
- Canadá. Duración: 129 min. Guion: Philippe Lesage Fotografía: Nicolas Canniccioni Productora: Productions l’Unite Centrale Género: Drama
- Reparto: Théodore Pellerin, Noée Abita, Brett Dier, Mylène MacKay, Marc Beaupré,Pier-Luc Funk, Édouard Tremblay-Grenier, Paul Ahmarani, Rose-Marie Perreault,Emilie Bierre, Vassili Schneider, Tomas Ross, Jules Roy Sicotte, Jean-Simon Leduc
- Sinopsis: Guillaume, su hermanastra Charlotte y Félix experimentan las turbulencias del primer amor… Tras «Los demonios» (The Demons, 2015), Philippe Lesage regresa con una nueva película autobiográfica.
- Premios
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2018: Festival de Locarno: Sección oficial largometrajes a concurso2018: Festival de Valladolid – Seminci: Espiga de oro (mejor película), director y actor
Philippe Lesage debutaba en el cine de ficción en 2015 con Los demonios, todo un proceso de disección de la infancia que muestra (y demuestra) como esa etapa está lejos de ser idílica en un retrato certero de los miedos que asolan a los niños. En Génesis avanza hasta la adolescencia, esa edad en la que se da el nacimiento de la sexualidad, con todas las preguntas, angustias, miedos, deseos y pasiones que esta puede despertar. En su nueva obra, Lesage, plantea en tono autobiográfico el primer amor de tres adolescentes y su empeño en afirmar su derecho a amar y ser libres. Guillaume, un estudiante de 16 años, enamorado de su mejor amigo Nicolassu; su hermanastra Charlotte, desengañada de su relación con Maxime (un chico de su edad), conoce a Theo, un hombre cercano a los 30 años; y Félix, el protagonista de Los demonios unos años después, que ve correspondidos sus sentimientos hacia Beatrice, su compañera en un campamento de verano.
El canadiense vuelve a rompernos los esquemas respecto a la construcción de un relato, puesto que la historia de Félix nos es contada a modo de epílogo de las otras dos (que se nos han ido narrando en paralelo), casi como un postizo inconexo con el resto, pero no es así, en verdad, el título ya nos da la pista: vamos a remontarnos hasta el origen, hasta el inicio de la primera vibración amorosa con lo que esta tiene de ansiedad y de éxtasis, en un viaje (si se quiere) inverso que nos vuelve a conectar con nuestras primeras vivencias sentimentales. Esa coda es el símbolo de lo que ya hemos perdido, de lo que ya han perdido incluso Guillaume y Charlotte pese a ser tan jóvenes, de nuestro Rosebud emocional al que siempre intentaremos regresar, siempre de forma infructuosa. Es la Arcadia de la que la complejidad del amor y la sexualidad nos alejan, pero que siempre nos guiará en nuestro recuerdo.
Génesis es cine de personajes, unos personajes que nos llevan a explorar nuestras propias experiencias, y en la composición de estos se luce el trabajo actoral de Theodore Pellerin y Noée Abita, una interpretación que rebasó las propias expectativas del director quien se deshace en elogios hacia su joven elenco. Con estos protagonistas, Lesage investiga los roles sexuales más desprotegidos, la homosexualidad, la sexualidad femenina, muy especialmente esta última, además. El director adelgaza los personajes masculinos tradicionales en pos de denunciar los abusos que estos cometen, así los hombres de la vida de Charlotte han buscado aplastarla, dejarla sin espacio, y ella se tendrá que afirmar sobre toda esa base de decepción (casi humillación). Con estos mimbres el canadiense quiere dar voz a todas esas mujeres que son agredidas, víctimas de abusos que a veces son casi imperceptibles, pero que no por ello son menos denunciables. En palabras de Lesage: “Nos guste o no estas cosas se repiten y la mayor parte permanecen silenciadas, es la espantosa banalidad del mal”.
Génesis, igual que Los demonios (con la que forma díptico y que tendrá continuación en la indagación de la vida adulta en su próximo filme), es una película difícil, por su estructura y sus decisiones formales, que nos gana enteros cuando volvemos sobre ella, cuando la repensamos. Esto es lo que supieron apreciarle en la Semana de Cine de Valladolid, donde se hizo con tres galardones: la Espiga de Oro, el premio al Mejor Director y el de Mejor Actor para su protagonista, Théodore Pellerin. Deseamos que el público sepa apreciarla y mimarla como merece.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Vierns 12 de julio de 2019 *
AN ACCIDENTAL STUDIO (Bill Leggatt y Ben Timlett, 2019)
UK. Duración: 130 min. Música: John Greswell, Andy Mellon Fotografía: Brendan McGinty Productora: Bill and Ben Productions / George Made Films / Propellor Género: Documental
Reparto: Helen Mirren, Michael Caine, Richard E. Grant, Terry Gilliam,John Cleese, Joanna Lumley, Billy Connolly, Bob Hoskins, Michael Palin,A Martinez, Eric Idle, Brenda Vaccaro, Neil Jordan, Terry Jones, Ralph Brown,George Harrison, Jonathan Lynn, Bruce Robinson, Cathy Tyson, Richard Loncraine,Mike Edmonds, Dick Clement, John Mackenzie, Stephen Woolley, David Leland,Ian La Frenais, Julian Doyle, Ray Cooper, Jonathan Wacks, Barrie Keefe,Ernie Vincze
Sinopsis: Repasa los primeros años de HandMade Films, a través de los ojos de cineastas, empleados importantes y del hombre que lo empezó todo: el ex-Beatle George Harrison.
En 1982 tan solo había dos productoras cinematográficas en Inglaterra, Rank y EMI y aunque la subsidiaria del antiguo sello discográfico de The Beatles se había animado a sacar adelante el nuevo proyecto de Monty Python, al final se echaron atrás aterrados ante las previsibles acusaciones de blasfemia que, La vida de Brian pudiera ocasionar. Pero muchos, entre ellos George Harrison, gran admirador de los Python, quería ver esa película que hasta entonces tan solo tenía forma de guión, así que hipotecó su casa y su oficina y montó su propia productora para hacerla, Accidental Studio. Y ese fue el comienzo de una compañía cinematográfica que quiso ser libre y trabajar al margen, produciendo sueños que otros no querían materializar y que en diez años consiguió hacer realidad perlas como, además de La vida de Brian (Life of Brian, 1979), Los héroes del tiempo (Time Bandits, 1981) de Terry Gilliam, Withnail y yo (Withnail and I, 1987) de Bruce Robinson, Mona Lisa (1986) de Neil Jordan o El largo Viernes Santo (The Long Good Friday, 1980) de John Mackenzie. En total, 23 películas en 10 años.
Dirigida por Kim Leggatt, Bill Jones y Ben Timlett, Accidental Studio reconstruye de manera divertida y amena la década prodigiosa del cine de los 80, donde la productora de cine HandMade Films contribuyó decisivamente a resurgir la moribunda industria británica. Para ello, la película cuenta con las intervenciones de figuras míticas del cine británico como Terry Gilliam, John Cleese, Helen Mirren, Michael Caine, Richard E. Grant, Joanna Lumley, Billy Connolly o Michael Palin, entre muchos otros.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 5 de julio de 2019 *
SPIDER-MAN: LEJOS DE CASA (Spider-Man: Far From Home, Jon Watts, 2019)
USA. Duración: 129 min. Guion: Chris McKenna, Erik Sommers (Personajes: Steve Ditko, Stan Lee) Música: Michael Giacchino Fotografía: Matthew J. Lloyd Productora: Marvel Studios / Sony Pictures Entertainment (SPE) / Marvel Entertainment / Walt Disney Pictures / Columbia Pictures Género: Fantástico
Sinopsis: Peter Parker decide irse junto a MJ, Ned y el resto de sus amigos a pasar unas vacaciones a Europa. Sin embargo, el plan de Parker por dejar de lado sus superpoderes durante unas semanas se ven truncados cuando Nick Fury contacta con él para solicitarle ayuda para frenar el ataque de unas criaturas elementales que están causando el caos en el continente. En ese momento, Parker vuelve a ponerse el traje de Spider-Man para cumplir con su labor.
Posiblemente nos encontramos ante la mejor encarnación del Spiderman original de Steve Ditko y Stan Lee (y les ruego me permitan la pequeña libertad de escribir su nombre junto y sin guión, como lo he conocido desde siempre), de aquel adolescente -y estos actores lo son realmente- inseguro, que iniciaba una carrera como superhéroe en la que los acontecimientos y la maldad de los villanos le superaba. Quizás no estén de acuerdo conmigo, pero les aseguro que hablo con cierto conocimiento de causa al haber leído absolutamente todas las historietas de Spiderman desde su creación hasta el pasado año. Por eso mismo también soy consciente de que el personaje, que ya va por su tercera encarnación cinematográfica (sí, dejamos aparte aquella cosa de los años setenta), ha atravesado por un proceso de cambios profundos, y en cierto modo radicales, que lo han alejado de aquellos viejos personajes de cómic. Pero hay que adaptarse a los nuevos espectadores y no intentar satisfacer a los lectores originales -ya talluditos o muy talluditos- que, por otro lado, nunca estarán satisfechos con nada de lo que se haga con sus personajes.
Dicho esto, la película es refrescante y simpática. Prosigue los acontecimientos que vimos en Vengadores: Endgame cambiando, eso sí, el tono dramático de aquella y realizando una entrega desenfadada y apta para todos los públicos, en especial niños y jóvenes. Lo cual no significa que no sea disfrutable para todos. Créanme si les digo que contiene una secuencia que podrá inscribirse entre las mejores que nos ha dejado esta fiebre superheroica, una irrupción en el centro de lo ilusorio que vuelve a ponernos ante el espíritu de la maravilla como el cine de aventuras más clásico (la banda sonora de Giacchino colabora especialmente en ello). Podrán gozarla incluso (quizás sobre todo) los lectores de cómics de Spiderman. Viviremos una aventura protagonizada por Peter y sus amigos, que marcharán de viaje cultural a lo que los norteamericanos entienden por Europa: un lugar con ‘los’ monumentos básicos, en el que los habitantes van siempre en traje regional -especialmente tirolés- y están siempre celebrando pintorescas fiestas. Pero claro, será un viaje accidentado durante el cual los villanos destrozarán los lugares más emblemáticos de Londres, Venecia y Praga. Por medio estará Nick Furia, Misterio, el maestro de las ilusiones, un personaje, por cierto, 100% Ditko, y otros personajes del mundo del Spidey original como Flash Thompson, Betty, Ned Leds, May y una Mary Jane que ha perdido su cabellera pelirroja pero cuyo cambio con respecto al cómic no es el más sorprendente de los sufridos por los personajes secundarios del lanzaredes. Mandan los tiempos. Y por cierto, quédense a ver las DOS escenas de créditos. Por fin aparece cierto personaje que ya estábamos echando de menos los spidermaníacos.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 21 de junio de 2019 *
EL SECERTO DE LAS ABEJAS (Tell it to the Bees, Anabel Jankel, 2018
UK. Duración: 105 min. Guion: Henrietta Ashworth, Jessica Ashworth (Novela: Fiona Shaw) Música: Claire M. Singer Fotografía: Bartosz Nalazek Productora: Reliance Entertainment Productions 8 / Archface Films / Cayenne Film Company / Motion Picture Capital / BFI Film Fund / Riverstone Pictures. Distribuida por: Good Deed Entertainment Género: Drama
Reparto: Anna Paquin, Holliday Grainger, Kate Dickie, Emun Elliott, Lauren Lyle,Rebecca Hanssen, Gregor Selkirk, Zara Howell, Steven Robertson, Alexa Snell
Sinopsis: La Dra. Jean Markham (Anna Paquin) regresa a la ciudad que abandonó cuando era adolescente para hacerse cargo de la consulta médica de su difunto padre. Cuando el pequeño Charlie (Gregor Selkirk) tiene una pelea en el patio del colegio y va a su consulta, ella le invita a visitar las colmenas de su jardín y le anima a contarle sus secretos a las abejas, como hacía ella de niña. La nueva amistad entre el niño y la doctora lleva a su madre Lydia (Holliday Grainger) al mundo de Jean. Inesperadamente las dos mujeres se sienten atraídas de una manera que nunca hubieran imaginado. Confundido al principio, Charlie comienza a ver la felicidad que le aporta a su madre la relación con Jean, pero, en una pequeña ciudad británica en los años 50, su nuevo secreto no puede permanecer oculto para siempre.
El secreto de las abejas aborda con inusitada delicadeza una historia de amor entre dos mujeres que se desarrolla en una pequeña ciudad escocesa a inicios de los cincuenta. Jankel retrata el asfixiante ambiente industrial, con su gris arquitectura, así como la sensación de culpabilidad que sufren ambas mujeres, que contrasta con la hipocresía imperante entre los habitantes de esa pequeña población, que con sus habladurías y rumores acusan a las mujeres de estar haciendo algo ‘antinatural’. Tan bien rodada como predecible, la película se beneficia de la participación de sus dos magníficas protagonistas, Anna Paquin y Hollyday Grainger.
El secreto de las abejas recibió el premio a la Mejor Banda Sonora (Claire Singer) en la pasada edición de BCN Film Fest. También inauguró recientemente la Muestra de Cine Lésbico de Madrid. Internacionalmente participó en el Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF) y también en Zurich Film Festival y Glasgow Film Festival.
MUÑECO DIABÓLICO (Child’s Play, Lars Kleverg, 2019)
USA Duración: 90 min. Guion: Tyler Burton Smith (Personajes: Don Mancini) Música: Bear McCreary Fotografía: Brendan Uegama Productora: KatzSmith Productions / Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) / Oddfellows Entertainment / Orion Pictures. Distribuida por: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) Género: Terror
Reparto: Aubrey Plaza, Brian Tyree Henry, Tim Matheson, Gabriel Bateman, David Lewis, Ty Consiglio, Amber Taylor, Beatrice Kitsos, Carlease Burke, Hannah Drew, Kristin York, Nicole Anthony, Veenu Sandhu, Ben Andrusco-Daon, Johnson Phan, Zahra Anderson, Anantjot S Aneja, Marlon Kazadi, Trent Redekop, Eddie Flake, Michael Bardach, Kenneth Tynan, Ariana Nica, Amro Majzoub, Nicholas Dohy
Sinopsis: Una madre le regala a su hijo un muñeco por su cumpleaños, sin ser consciente de la naturaleza maligna que esconde en su interior.
Viejos terrores para nuevos espectadores. Al igual que otras historias remozadas y servidas para el consumo Millennial (Cementerio de Animales, It…), ahora le ha llegado el turno a Chucky y, realmente, el lavado de cara le ha sentado muy bien. Desde aquí parece que escuchamos los lamentos de la vieja guardia conformada por todos aquellos nostálgicos de, los hayan vivido o no, los horribles años ochenta. Lamentos y sonoras acusación de blasfemia y sacrilegio pero, es que el punto de partida, el origen del mal que convierte a un inofensivo muñeco en todo un motherfucker es mucho más creíble e ingenioso en esta nueva versión. Aquí no hay vudú ni espíritus de asesinos que poseen un muñeco, no, aquí el origen está más cerca. Tanto como todos esos ingenios que nos encienden la luz, nos ponen música o se comunican con nosotros mediante voz, si es preciso. Ingenios creados, distribuidos y vendidos por una misma tienda universal. ¿Les cuadra?
El noruego Lars Kleverg, director en alza con dos magníficos cortometrajes en su haber, uno de los cuales y ya para el mercado norteamericano -o sea, el nuestro- se ha estirado hasta el largo, Polaroid (2019), ha entendido lo que supo ver Ronny Yu al retomar el personaje y dirigir La novia de Chucky (1998): que es más digerible si se le añaden buenas dosis de humor. Y eso ha hecho Kleverg, aunque sin llegar al desmadre de las últimas secuelas. Su Muñeco diabólico es una película de terror, protagonizada por unos personajes que son pura basura blanca y que habla mucho sobre la soledad y como la combatimos mediante ingenios electrónicos. Contiene sus buenas dosis de hemoglobina, malrollismo y humor negro, pero además respeta al personaje, un Buddy/Chucky que aprende el mecanismo de matar viendo una película y de la mano del mejor. Pero eso deberán averiguarlo viendo esta entretenida y divertida cinta.
Buddy: pon ‘Mi gran noche’
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 14 de junio de 2019 *
LARGO VIAJE HACIA LA NOCHE (Di qiu zui hou de ye wan, Bi Gan, 2018)
China. Duración: 133 min. Guion: Bi Gan Música: Giong Lim, Point Hsu Fotografía: David Chizallet, Hung-i Yao Productora: Huace Pictures / Zhejiang Huace Film & TV / Dangmai Films Género: Drama
- Reparto: Tang Wei, Sylvia Chang, Meng Li, Huang Jue, Chen Yongzhong, Lee Hong-Chi,Luo Feiyang
- Sinopsis: Luo Hongwu regresa a Kaili, su ciudad natal, de la que huyó hace varios años. Comienza la búsqueda de la mujer que amaba, y a quien nunca ha podido olvidar. Ella dijo que su nombre era Wan Quiwen.
- Premios: Festival de Cannes 2018: Un Certain Regard (Sección oficial)
SINOPSIS: Luo Hongwu regresa a Kaili, su ciudad natal, después de haber escapado de ésta hace muchos años. Allí comenzará a buscar a la mujer que amó y que nunca logró borrar de su mente. Su nombre era Wan Qiwen.
Con una cadencia reposada, a veces hasta niveles exásperantes, Bi Gan se toma todo el tiempo del mundo en contarnos un noir tipo, pero deconstruyendo el tiempo y destruyendo su estructura, logrando así un relato críptico y profundamente estético a partes iguales. Fatalismo, amores imposibles y humo, mucho humo, salido de esos cigarrillos que encienden constantemente sus atrapados protagonistas.
Luo Hongwu, atormentado por la pérdida y el arrepentimiento, emprende en su regreso un viaje de búsqueda de respuestas a ese pasado que le tortura. En sus saltos temporales, la cámara de Bi gan se entretiene en los detalles para comunicarnos estados anímicos, siguiendo en parte la estela de Wong Kar Wai, es la tristeza, que rezuma su fotografía de color degradado, el sentimiento dominante en este relato de retornos y recuerdos. El cineasta fascinado por las pinturas de Chagall y las novelas de Modiano, quería hacer una película acerca de sus obras y las emociones y sensaciones que ellas evocan.
Esa es la tonalidad que domina la primera parte del filme cuyo título es Memoria. el de la segunda es Poppy, en referencia al poema de Paul Celan Poppy and Memory (Amapola y memoria, 1952), una secuencia en 3D, donde cambia la dominante de color volviéndose más cálida. Entramos en el terreno de lo onírico en la que los personajes alzan su vuelo (literalmente además), rompiendo así totalmente la posibilidad de encontrar escenas explicativas que nos aclaren la trama. De hecho, de ello quería huir su director, para conseguir, precisamente, lo que nos asalta: la dificultad de entender lo que vemos. Y es que el cine que busca Bi gan es un cine sensación que no concepto. Sus películas no son para entenderlas sino para sentirlas.
Largo viaje hacia la noche, la segunda película del director tras Kaili Blues (2015), entusiasmó a la crítica en el Festival de Cannes y fue una de las más destacadas cintas participantes en la sección Un Certain Regard.
MIB INTERNATIONAL (F. Gary Gray, 2019)
USA. Duración: 115 min. Guion: Arthur Marcum, Matt Holloway (Cómic: Lowell Cunningham. Personajes: Lowell Cunningham) Música: Chris Bacon, Danny Elfman Fotografía: Stuart Dryburgh Productora: Columbia Pictures / Amblin Entertainment / Original Film / Sony Pictures Entertainment (SPE) / Parkes+MacDonald Image Nation / The Hideaway Entertainment / Tencent Pictures Género: Ciencia ficción
Reparto: Chris Hemsworth, Tessa Thompson, Liam Neeson, Rebecca Ferguson, Emma Thompson, Kumail Nanjiani, Rafe Spall, Tuncay Gunes, Davina Sitaram,Nasir Jama, Viktorija Faith, Penelope Kapudija, Stephen Wight, Anatole Taubman,Natasha Culzac, Ruth Horrocks, Bern Collaco, Marcy Harriell, Hiten Patel,Rene Costa, Adrian Alvarado, John Kamau, Stephen Samson, Jeff Kim
Sinopsis: Los Hombres de Negro siempre han protegido la Tierra de la escoria del universo. En esta nueva aventura, se enfrentarán a suy maor amenaza hasta la fecha: un topo en la organización
El día que Columbia decidió adaptar sus escasamente conocidos comics, a Lowell Cunningham le tocó la bonoloto. Ya son cuatro las adaptaciones que con sus altos y bajos se sirven de su imaginario para ofrecer al espectador esa mezcla de ciencia ficción y comedia que parecía haberse agotado con la tercer entrega. Pero no, de nuevo se apuesta por -casi- repetir la formula inicial y hacer una buddy movie de manual con sus dos agentes, el novato y el veterano. ¿Donde estriba la novedad? pues que se ha ambientado la acción fuera de Estados Unidos, ya saben, Francia (o mejor dicho, la Torre Eiffel), Londres, Nápoles y Marrakech, que siempre viste más. También se incluye como agente veterano -es un decir- a Chris Hemsworth, que ejercerá de canallita y ligón y tendrá que cuidar a la inteligente agente novata, Tessa Thompson. Naturalmente entre estos dos jóvenes y guapos especímenes humanos nacerá una esperada tensión sentimental, que no sexual, pues MIB International es un producto claramente destinado para todos los públicos pero con las miras dirigidas eminentemente al sector infantil. Y ese es uno de los problemas, que esta entrega, habitada con algunos alienígenas que parecen ositos de peluche y otros, como Peoncín, del que mejor no hablaremos.
Así, el resultado es un entretenimiento que hará las delicias de los más pequeños. Repleto de acción, bichos raros, muchos gags -algunos no demasiado afortunados- y unos protagonistas de lo más atractivo y simpático, en especial Tessa Thompson, que ya había coincidido con Hemsworth -o mejor dicho, con Thor- en películas como Vengadores: Endgame (Anthony Russo, Joe Russo, 2019) y Thor: Ragnarok (Taika Waititi, 2017). Sin olvidar a los siempre bienvenidos Liam Neeson y Emma Thompson.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 7 de junio de 2019 *
EL CREYENTE (La prière, Cédric Kahn, 2018)
Francia. Duración: 107 min. Guion: Cédric Kahn, Fanny Burdino, Samuel Doux, Aude Walker Fotografía: Yves Cape Productora: Les Films du Worso Género: Drama
Reparto: Anthony Bajon, Damien Chapelle, Àlex Brendemühl, Louise Grinberg, Hanna Schygulla, Antoine Amblard, Colin Bates, Magne Håvard Brekke, Davide Campagna, Maïté Maillé
Sinopsis: Para superar su drogodependencia, Thomas, un joven de 22 años, se une a una comunidad religiosa aislada en el monte en la que los jóvenes se rehabilitan a través del recogimiento espiritual. Thomas habrá de pelear con sus demonios interiores, con su rechazo inicial y con la presencia de Sybille, de la que comienza a enamorarse. Solo venciendo esa lucha podrá descubrir los valores reales de la amistad, el trabajo, el amor y la fe.
Lejos de las restricciones del mundo, en una comunidad aislada, sus miembros llegan en soledad absoluta, en un estado emocional sumamente angustiado, del que saldrán gracias a su integración en un grupo que es mucho más que un simple conjunto de individuos. Cédric Kahn en El creyente nos propone un viaje al poder sanador de la oración, a su papel de vehículo que conduce a la comunión con nuestro entorno y con nuestros semejantes, que en este caso comparten una misma dolencia. Será en el retiro donde estos jóvenes alcanzarán su confianza en ellos mismos y en los demás, pues allí se encuentran desnudos de todo vínculo con lo externo, allí se encontrarán consigo mismos y descubrirán su propia fuerza para enfrentarse a los miedos y las situaciones adversas que les habían arrojado a la falsa huida de la adicción. Después de un tiempo, lo más preocupante para ellos se convierte en el mundo exterior, sinónimo de peligro y tentación. La paz les llega, pero la fragilidad siempre está ahí.
El creyente supone un acercamiento a la fe desde la perspectiva de un agnóstico. Filmar la fe no es fácil, Kahn lo resuelve a través de la duda, la del protagonista que es la suya misma, ahí es donde se aleja del relato panfletario pues no cae en la tentación de aleccionar al público. De hecho, el público vivirá la cinta desde la impresión de extrañeza, le desconcertará la evolución de la trama dejándole con la intriga de descubrir a dónde nos quiere llevar. Probablemente quienes más conecten con la narración no serán los espectadores religiosos, sino aquellos que desde su laicidad sienten la curiosidad de vislumbrar intelectualmente qué caracteriza a esta virtud teologal. La fe, como creencia suprasensible, no puede experimentarse desde el empeño de la voluntad, es una confianza en la certeza de Dios que no procede de discurso intelectual alguno, exige haber contemplado alguna especie de revelación, haber recorrido el Camino de Damasco, una actitud ante el mundo que tiene más de emocional que de racional. Kahn respeta a la gente que tiene fe y en cierto modo, incluso les envidia. Al respecto declara que “la fe es un tema intimo, que muchas veces, va más allá del marco de la religión. Si tú piensas en la vida: amor, pasión y compromiso – es todo cuestión de fe”.
Y ese es el camino que emprende el director. El creyente va más allá de retratar una comunidad aglutinada por el rezo y el trabajo (lo que viven esos chicos es muy parecido al retiro monacal), puesto qué acabará defendiendo que el amor humano es una fuerza superior a la propia creencia. El amor, vivido de forma sincera, es el verdadero poder que nos puede hacer superar nuestras limitaciones. La cinta bien podría cerrarse con la cita de la enigmática oración con la que Goethe termina su Fausto: “El eterno femenino nos eleva”.
X-MEN: FÉNIX OSCURA (X-Men: Dark Phoenix, Simon Kinberg, 2019)
USA. Duración: 116 min. Guion: Simon Kinberg (Historia: John Byrne, Chris Claremont, Dave Cockrum) Música: Hans Zimmer Fotografía: Mauro Fiore Productora: 20th Century Fox Film Corporation / Bad Hat Harry Productions / Donners’ Company Género: Ciencia ficción.
Reparto: Sophie Turner, James McAvoy, Michael Fassbender, Jennifer Lawrence, Jessica Chastain, Nicholas Hoult, Tye Sheridan, Alexandra Shipp,Kodi Smit-McPhee, Evan Peters, Scott Shepherd, Ato Essandoh,Brian d’Arcy James, Summer Fontana, Hannah Emily Anderson
Sinopsis: Los X-Men se enfrentan a su enemigo más poderoso: uno de sus miembros, Jean Grey. Durante una misión de rescate en el espacio, Jean casi muere al ser alcanzada por una misteriosa fuerza cósmica. Cuando regresa a casa, esa radiación la ha hecho más poderosa, pero mucho más inestable. Mientras lucha con la entidad que habita en su interior, Jean desata sus poderes de formas que no puede controlar ni comprender. Jean cae en una espiral fuera de control haciendo daño a aquellos que más ama y empieza a destruir los lazos que mantienen unidos a los X-Men.
La saga de Fénix Oscura, desarrollada en las páginas de X-Men durante el año 1980, fue una de las más importantes del Universo Marvel. Con guión de Chris Claremont y dibujos de John Byrne, marcó un antes y un después y representó la cima de popularidad de la serie tras haber estado a punto de desaparecer. Tras esa saga las cosas ya no volverían a ser nunca iguales. O si, pues tanto el Universo Marvel como sus lectores están más que habituados a cambios profundos que terminan llevando la historia a ninguna parte o de nuevo, al punto de partida. Pero eso es otra historia y aquí se trata de hablar de la película que adapta esa saga y que se estrena este viernes, cinta que, además, será la última película Fox dedicada a los mutantes, ya que a partir de ahora Disney, propietaria de los derechos, se hará cargo de los personajes incorporándolos, en un futuro cercano, al resto del Universo Marvel.
X-Men: Fénix Oscura tiene un tono solemne. Sombrío. Algo necesario ante lo que se va a desatar. También posee una épica de la que carecen las películas de The Avengers, por ejemplo. No se recurre al humor y su trama puede enmarcarse dentro de la ciencia-ficción. Sus protagonistas son más humanos y consiguen ser empáticos, precisamente por sus dudas y debilidades y por no estar sus trajes tan repletos de musculatura. No son perfectos. Y por eso mismo las series de mutantes han sido siempre una debilidad para Serendipia al considerarlas mas coherentes y mejor acabadas que, por ejemplo, las de sus supervitaminados colegas. Pero hay más, pues a los problemas personales de sus personajes y particularmente de Jean Grey -interpretada por una magnífica Sophie Turner- , se le añade una invasión alienígena y mucha acción. Acción que va desarrollándose in crescendo, sumándose a la atmósfera épica que augurará todo un fin de ciclo en el que la música de Hans Zimmer resultará fundamental.
No podrá sentirse defraudado el espectador, pues tendrá toda la acción que pudiera desear en la bien desarrollada lucha en el tren que precederá a la batalla final, con la que solo restará despedirnos de los mutantes, auténticos artífices, para bien o para mal, de la era Marvel en el cine.
EL SÓTANO DE MA (Ma, Tate Taylor, 2019)
USA. Duración: 99 min. Guion: Scotty Landes, Tate Taylor Música: Gregory Tripi Fotografía: Christina Voros Productora: Blumhouse Productions Género: Thriller
Reparto: Octavia Spencer, Diana Silvers, Juliette Lewis, Luke Evans, McKaley Miller,Corey Fogelmanis, Dante Brown, Gianni Paolo, Tanyell Waivers, Dominic Burgess,Heather Marie Pate, Allison Janney, Tate Taylor, Margaret Fegan, Missi Pyle,Victor Turpin, Kyanna Simone Simpson, Calvin Williams, Andrew Matthew Welch,Skyler Joy
Sinopsis: La oscarizada Octavia Spencer es Sue Ann, una mujer solitaria que vive en una pequeña localidad de Ohio. Un buen día, Maggie (Diana Silvers, Glass/Cristal), una adolescente recién llegada a la ciudad, le pide a Sue que compre alcohol para su grupo de amigos. La protagonista no desperdicia la oportunidad e intenta hacerse amiga de los adolescentes, sin que parezca preocuparle que sean notablemente más jóvenes que ella. Para ganarse esa amistad, Sue Ann les ofrece la posibilidad de beber sin tener que conducir, quedándose en el sótano de su casa. Solo hay unas pocas reglas básicas: un miembro del grupo debe permanecer sobrio, nada de palabrotas, nadie puede subir a la parte de arriba de la casa, y deben llamarla “Ma”.
Poco a poco, la hospitalidad de Ma empieza a convertirse en una obsesión y lo que empezó como un sueño hecho realidad para los adolescentes se convierte en una escalofriante pesadilla. El sótano de la casa pasa de ser el mejor escondite al lugar más aterrador.
La extrañeza será la gran protagonista en El sótano de ma. Extrañeza ante un nuevo hogar. Ante los nuevos compañeros de clase y nuevos vecinos. Extrañeza ante el amor. El primer amor. Y extrañeza por las situaciones anómalas. Una vecina acogedora que parece hablar el mismo idioma que los adolescentes, lo suficiente como para formar parte de su grupo. Niños que crecen y adultos a los que el pasado les impide madurar.
La nueva película producida por Blumhouse, responsable de éxitos como Múltiple, Déjame salir o la saga La noche de las bestias, acomete este terror en el que la tensión va subiendo, de manera calculada, progresivamente conforme avanza la cinta. Nada de sobresaltos ni efectos manidos. La acción se toma su tiempo y se cocina a fuego lento.
Se nos muestran jirones del pasado de Ma, de lo que la ha llevado a su extraño comportamiento. Subiendo el tono progresivamente hasta llegar a una explosión final que, lamentablemente, sabe a poco tras haberse preparado pacientemente al espectador para ello. Consigue intrigar. Incomodar incluso, pero la conclusión ofrece menos de lo que podría esperarse.
En todo caso no es, ni mucho menos, un ejercicio desechable, pues cuenta con la participación de la oscarizada Octavia Spencer, además de Juliette Lewis como la madre de Maggie, interpretada por Diana Silvers, jovencísima actriz que consigue, junto a su grupo de amigos, resultar creíbles como adolescentes más allá de su papel de potencial carnaza para el asesino de turno.
Finalmente, y no creo hacerles ningún spoiler, les recomiendo que no se encariñen mucho con la mascota de la protagonista.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 31 de mayo de 2019 *
LA CORRESPONSAL (A Private War, Matthew Heineman, 2018)
USA. Duración: 110 min. Guion: Arash Amel, Marie Brenner Música: H. Scott Salinas Fotografía: Robert Richardson Productora: Aviron Pictures / Acacia Filmed Entertainment / Denver and Delilah Productions / Savvy Media Holdings / Thunder Road Pictures Género: Drama biográfico
Reparto: Rosamund Pike, Jamie Dornan, Tom Hollander, Jesuthasan Antonythasan, Pano Masti, Stanley Tucci, Alexandra Moen, Corey Johnson, Hilton McRae, Raad Rawi
Sinopsis: Marie Colvin (Rosamund Pike) fue una periodista reconocida mundialmente por su trabajo en distintos conflictos bélicos. Testigo de algunas cruentas batallas recientes, especialmente de lo sucedido en Oriente Medio, Colvin contaba con el respeto tanto de los lectores como de sus compañeros de profesión por su enorme valentía y humildad. Sin embargo, su personalidad era caótica y autodestructiva: abusaba del alcohol y su vida personal era, según sus propias palabras, un «auténtico desastre». Tras recibir el impacto de una granada en Sri Lanka, comienza a llevar un distintivo parche en el ojo mientras se sienta a tomar martinis rodeada de la alta sociedad londinense a la que tanto aborrece, hasta que un día recibe el más peligroso de todos los encargos, que acepta junto a su también prestigioso fotógrafo de guerra, Paul Conroy (Jamie Dornan). Juntos viajan a Siria para cubrir lo que sucede en la ciudad de Homs, donde aprenderá el verdadero coste de la guerra, tanto física como psicológicamente.
La corresponsal, más allá de ser un biopic al uso, es un homenaje a los periodistas comprometidos. Héroes -casi- anónimos que deciden informar sobre lo que nadie informa y desde el mismo centro del huracán. Un huracán que, en muchos casos, acaba engulléndolos.
Cuenta la apasionante vida de la periodista Marie Colvin, que cubrió algunos de los conflictos bélicos más importantes de las últimas tres décadas para el diario Sunday Times. El guión adapta un artículo de la revista Vanity Fair titulado “Marie Colvin’s Private War”, escrito por Marie Brenner, que recoge los hitos por los que Marie Colvin pasó a la Historia del periodismo y el sacrificio personal que supuso para ella dedicarse a la información en zonas de conflicto. Un sacrificio que la periodista tomaba como una obligación moral.
Además de perpetuar la memoria de la reportera, La corresponsal es todo un alegato antibélico, pues lo que nos muestra no son las gestas de los ejércitos ni las noticias oficiales que los gobiernos desean que se compartan, pulidas, en los informativos: muestra y denuncia pequeñas historias protagonizadas por civiles. Mujeres, niños y ancianos, los más desvalidos, que ven como la guerra se precipita sobre sus cabezas sin poderlo evitar.
Rosamund Pike, en el papel protagonista, consigue trasmitir la desesperación de la periodista, su lucha por combatir los terribles recuerdos de los vivido en todas esas zonas en conflicto, así como las pesadillas que no dejan de perseguirla. Pero también su compromiso con la información. Un sobresaliente trabajo que la ha hecho merecedora de una nominación a los Globos de Oro. Matthew Heineman , por su parte, realiza una remarcable labor, haciendo de la cámara un testigo más de la acción, rodando de manera realista, contagiando al espectador la tensión de los momentos de peligro por los que atraviesan los jornalistas: controles en territorio enemigo, bombardeos, tiroteos… Un periplo que llevará a la protagonista de Sri Lanka -donde pierde el ojo izquierdo-, a Iraq, Afganistán, Libia y finalmente Siria.
La conclusión es desoladora, no tan solo por el destino de Marie Colvin, sino también por los diferentes conflictos bélicos que se retratan, que se desarrollan en diferentes puntos del planeta pero en los que vemos que siempre, indefectiblemente, los que terminan pagando las peores consecuencias son siempre los inocentes.
En palabras de su director Matthew Heineman: «La corresponsal celebra el periodismo y la figura de Marie, que arriesgó su vida una y otra vez para contar una verdad que muchos no queremos oír. Para mí ha sido muy importante detenerme en la vida personal de Marie y por ello he intentado analizar también sus conflictos internos. No quería plantear la película como un biopic, sino estudiar cómo esas adicciones tan paradójicas hacían de Marie una periodista brillante y un alma torturada que a menudo se preguntaba si al mundo le interesarían las cosas que ella contaba.»
ROCKETMAN (Dexter Fletcher, 2019)
UK. Duración: 121 min. Guion: Lee Hall Música: Elton John, Matthew Margeson Fotografía: George Richmond Productora: Marv Films / Rocket Pictures / Marv Studios / New Republic Pictures / Pixoloid Studios. Distribuida por Paramount Pictures Género: Biopic musical
Reparto: Taron Egerton, Jamie Bell, Richard Madden, Bryce Dallas Howard,Steven Mackintosh, Gemma Jones, Tom Bennett, Kit Connor, Viktorija Faith,Charlotte Sharland, Layton Williams, Bern Collaco, Ziad Abaza, Jamie Bacon,Kamil Lemieszewski, Israel Ruiz, Graham Fletcher-Cook
Sinopsis: La película, en clave musical, se centrará en la vida y obra de Elton John. El compositor y cantante británico.
El film se inicia con la llegada de Elton John a una reunión de alcohólicos anónimos, lo que servirá para poner al espectador en situación con el personaje y a este para narrar su existencia a modo de flashback. Desde su infeliz infancia como Reginald Dwight, niño superdotado para la música pero traumatizado por un padre que no lo quiere ni valora, a sus primeros pinitos en el mundo del rock y su encuentro con Bernie Taupin, compañero con ella que compondrá tantas y tantas bellas canciones, pasando por la obligada entrada de ambos en el mercado americano, el nacimiento de la bestia escénica y la irrupción en su vida del tríptico sexo, drogas y Rock&Roll. Y de ahí al desencanto, al vacío, a aceptar, por fin, su condición sexual con estrepitosa caída, por el camino, en todo lujo de excesos. Y todo regado, por supuesto, con muchas de las mejores canciones de Elton John.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 24 de mayo de 2019 *
LA VIUDA (Greta, Neil Jordan, 2018)
USA/Irlanda. Duración: 98 min. Guion: Ray Wright, Neil Jordan Música: Dominik Scherrer Fotografía: Seamus McGarvey Productora: Anonymous Content / Sidney Kimmel Entertainment / Lawrence Bender Productions / Little Wave Productions. Distribuida por: Focus Features Género: Thriller
Reparto: Isabelle Huppert, Chloë Grace Moretz, Maika Monroe, Stephen Rea, Colm Feore,Zawe Ashton
Sinopsis: Frances (Chloë Grace Moretz) es una dulce e ingenua joven que, tras la muerte de su madre, se muda a Manhattan. Cuando encuentra en el metro un bolso extraviado, decide entregárselo a su legítima dueña, Greta (Isabelle Huppert), una pianista viuda con una desesperada necesidad de compañía. Rápidamente se convierten en amigas, pero su amistad cambia cuando se descubren las siniestras intenciones de Greta.
Isabelle Huppert prosigue su itinerario más internacional regresando a uno de sus géneros favoritos tras entusiasmar con Elle de Paul Verhoeven, y lo hace de la mano de Neil Jordan dando vida a un personaje que nadie hubiera podido encarnar mejor. Y con el que también, en parte, se parodia a sí misma. Pues detrás de la culta y muy europea Greta se esconde una mala víbora que hará la vida imposible al sensible personaje que encarna Chloë Grace Moretz, actriz que se contagiará de la clase de la actriz francesa realizado una labor a la altura de su compañera, en la que es una de sus mejores interpretaciones, de una profundidad que podría considerarse como uno de sus papeles más adultos y elaborados. Nos congratula ver que Chloë, por la que apostamos ya desde que nos dejó paralizados en Kick Ass, ha dejado de ser una promesa para convertirse en toda una actriz
En cuanto a la historia, la verdad es que cuanto menos sepan sobre ella más la disfrutarán. Estamos antes un thriller psicológico realizado de manera modélica, como no podría ser menos en Jordan, narrado muy a la antigua usanza, pero que da sopas con honda a películas y directores de moda como Jordan Peele y sus trabajos, ofreciendo una lección magistral de como debe realizarse un buen thriller y construir una buena historia. Tensa, ingeniosa y con agradables gotas de humor, a veces muy negro, la película trasmite al espectador toda la angustia que sufre la joven protagonista.
Una película de mujeres, y de soledad. Que analiza la pérdida, el dolor y el vacío que provoca. En una el marido y en la otra su madre, lo que creará un vínculo entre ambas antes de que lo extraño entre en juego, dando la vuelta a la trama y cambiando radicalmente la película de género, pasando a ser un tenso thriller realizado con muy buen pulso y un final ejemplar, al que llegaremos tras habernos devorado las uñas.
Ambas protagonistas comparten reparto con Maika Monroe (‘It Follows, ‘The guest’), que también realiza un remarcable trabajo como amiga pija de la Moretz, Colm Feore (‘House of cards’, ‘Thor’) y Stephen Rea, un rostro habitual en las películas de Jordan y que rinde con su personaje todo un homenaje al mago del suspense.
En palabras del director: “Lo que me atrajo de ‘La viuda’ fue la simplicidad de la historia. Una joven, una viuda y un bolso de cuero verde extraviado. La idea de que cualquier encuentro casual pudiera ser el germen de una gran amistad, o bien, de los terrores de una necesidad obsesiva, era muy interesante. Aquí no hay fantasmas, ni elementos sobrenaturales, ni monstruos, solo la soledad humana como la fuente de todo terror. Y en realidad, si lo piensas, es suficientemente terrorífico”.
TOMMY (Ken Russell, 1975)
UK. Duración: 111 min. Guion: Pete Townshend, Ken Russell Música: Pete Townshend, The Who Fotografía: Dick Bush, Ronnie Taylor, Robin Lehman Productora: Robert Stigwood Organization (RSO) / Hemdale Film Género: Musical
Reparto: Roger Daltrey, Ann-Margret, Oliver Reed, Paul Nicholas, Tina Turner, Elton John,Eric Clapton, Keith Moon, Barry Winch, John Entwistle, Robert Powell,Jack Nicholson, Victoria Russell, Pete Townshend
Sinopsis: La película cuenta la historia de Tommy (Roger Daltrey), un niño de 5 años que vive con su madre, Nora (Ann-Margret), y su padrastro, Frank (Oliver Reed). Su padre, dado por muerto en la guerra, regresa al hogar inesperadamente. Se pelea con Frank al ver que se ha casado con su mujer, y con el niño como testigo involuntario, Frank mata al padre de Tommy. La experiencia sufrida provoca en él un trauma psicológico que le deja sordo, mudo y ciego, pero con el tiempo, Tommy desarrolla una habilidad asombrosa.
En el 50 aniversario de la edición del influyente doble álbum Tommy de The Who, primera ópera rock, A Contracorriente Films trae de nuevo a la pantalla la exitosa película que adaptó y dirigió Ken Russell en 1975.
Tommy, que se beneficia del delirante universo particular del director británico, no ha perdido frescura, precisamente, por contener imágenes inolvidables y una magnífica banda sonora que además de dinamizar los temas originales, añade otros interpretes como Eric Clapton, Elton John o Tina Turner, junto a los propios The Who y especialmente su cantante, Roger Daltrey, que protagoniza la película interpretando al chico sordo, ciego y mudo. Daltrey inició con este filme una pequeña carrera cinematográfica que se prolongó con una nueva e inmediata colaboración con Ken Russell (Liztomania, 1975) y el drama carcelario McVicar (Tom Clegg, 1980) entre otros trabajos menores.
Tommy también cuenta con la presencia de una feroz Ann-Margret, no en vano nominada al Oscar por su trabajo en este filme, un divertido Oliver Reed y un sorprendente Jack Nicholson.
Esta nueva copia, restaurada con el sonido original 5.0 (Quintaphonic), se podrá ver en cines a partir del jueves 23 de mayo y por esas mismas fechas se pondrá a la venta una nueva edición en blu-ray, con más de dos horas de contenidos extra.
EL HIJO (Brightburn, David Yarovesky, 2019)D
USA. Duración: 90 min. Guion: Brian Gunn, Mark Gunn Música: Tim Williams Fotografía: Michael Dallatorre Productora: H Collective . Distribuida por: Sony Pictures Entertainment (SPE). Productor: James Gunn Género: Terror
Reparto: Elizabeth Banks, David Denman, Meredith Hagner, Matt Jones, Jennifer Holland,Steve Agee, Becky Wahlstrom, Stephen Blackehart, Jackson A. Dunn,Terence Rosemore, Annie Humphrey, Christian Finlayson, Emmie Hunter,Mike Dunston, Gregory Alan Williams, Elizabeth Becka, Gwen Parrish,Leah Goodkind, Shaun McMillan
Sinopsis: ¿Qué pasaría si un niño con poderes de otro mundo aterrizara de emergencia en la Tierra, pero en lugar de convertirse en un héroe para la humanidad fuera algo mucho más siniestro? Después de una dura lucha con su fertilidad, los sueños de ser madre de Tori se hacen realidad con la llegada de un misterioso bebé. Brandon parece ser todo lo que Tori y su marido Kyle siempre quisieron: brillante, con talento, curioso por el mundo que le rodea. Pero cuando Brandon se acerca a la pubertad, una poderosa oscuridad se manifiesta en su interior, y a Tori empiezan a consumirle las dudas acerca de su hijo. Una vez que Brandon empieza a dar salida a sus retorcidas necesidades, pone en peligro a aquellos más cercanos a él. El niño prodigio se transforma en un despiadado predador desatado en una ignorante ciudad de Kansas.
El hijo es el reverso tenebroso del extraterrestre de Kripton que al crecer decidió hacer el bien con la ropa interior por encima de las mallas. Siguiendo el esquema del Superman (1978) de Stanley Donner, el pequeño llega caído del cielo y es encontrado por una pareja deseosa de tener descendencia, que lo adoptará como si fuera suyo. Todo irá más o menos normal para el niño, que comenzará a ganarse fama de rarillo en el colegio por ser un superdotado en los estudios. Será al llegar a la adolescencia cuando, además de los cambios habituales de la edad, notará que posee unos extraños poderes… que no utilizará para el bien común, pues todavía no es responsable de la gravedad de sus actos, actúa de forma caprichosa y egoísta y descubrirá sus poderes mediante la ira.
Esa es la premisa desde la que parte la simpática película que ha producida James Gunn, director del díptico protagonizado por los Guardianes de la Galaxia, que afortunadamente ha sido consciente de estar haciendo una película de terror con todas sus consecuencias y toda la hemoglobina en su lugar, dando pié a dos memorables escenas que satisfarán a los más encallecidos amantes del género.
Una ingeniosa vuelta de tuerca al manido tema de los superhéroes que cumple con creces su función de entretener gracias a sus dosis de mala uva que servirán, de paso, para ratificar la sabia decisión de muchos de los espectadores de no abrazar la paternidad.
VAMOS DE ESTRENO (o no) *Viernes 17 de mayo de 2019 *
SOMBRA (Shadow, Zhang Yimou, 2018)
China/HK. Duración: 116 min. Guion: Zhang Yimou, Wei Li Música: Lao Zai Fotografía: Xiaoding Zhao Productora: Village Roadshow Pictures Asia / LeVision Pictures Género: Drama
Reparto: Deng Chao, Li Sun, Ryan Zheng, Guan Xiaotong
Sinopsis: El condado de Pei (Peixian) está bajo la administración de un rey salvaje y peligroso (Zheng Kai). El comandante militar de su ejército (Deng Chao), aunque ha demostrado su valía en el campo de batalla, se ve forzado a emplear toda clase de sucias estratagemas para poder sobrevivir a las traiciones que se suceden en la corte del rey. Para ello ha creado una «sombra» (interpretada por el propio Chao), un doble que es capaz de engañar al mismísimo rey y a sus enemigos cuando la situación lo requiere. Cuando el rey y el comandante deciden asediar la ciudad amurallada de Jing, comenzará un combate sin igual que sacudirá los cimientos de la corte de Peixian.
El yin y el yang son dos conceptos del taoísmo que son usados para representar o referirse a la dualidad que esta filosofía atribuye a todo lo existente en el universo. Describe las dos fuerzas fundamentales opuestas y complementarias, que se encuentran en todas las cosas. Y esta fuerza, eternamente enfrentada, pero complementaria, es la que ha utilizado Yimou para mostrar el combate por la recuperación de la ciudad de Jing, pero también la lucha de ese doble, de esa ‘sombra’ por recuperar la personalidad arrebatada por el general que lo ha entrenado para suplirle en situaciones de riesgo. También se reflejará esta dualidad en la espectacular toma de la ciudad de Jing, utilizando ‘lo femenino’ contra lo masculino. La estrategia contra el músculo.
En su reinterpretación del clásico Tres reinos, Zhang Yimou ofrece al espectador altas dosis de filosofía, a la que ha añadido magníficas coreografías de lucha y espectaculares escenas de acción que dejan en pantalla, y en nuestro subconsciente, un buen número de imágenes antológicas, evocadoras, reforzadas por ese tono gris que predomina en la fotografía, un gris tan solo roto con la carne y la sangre, únicas notas de color en un universo triste, en el que la continua y plomiza lluvia conseguirá repercutir en el ánimo del espectador. De manera inexorable e inevitable, como el enfrentamiento final. Gris como el acero.
A resaltar, finalmente, el magnífico trabajo de su protagonista, Chao Deng, que aborda un doble papel de manera magistral. Arte con mayúsculas.
HELLBOY (Neil Marshall, 2019)
USA. Duración: 120 min. Guion: Andrew Cosby, Christopher Golden (Cómic: Mike Mignola) Música: Benjamin Wallfisch Fotografía: Lorenzo Senatore Productora: Millennium Films / Campbell Grobman Films / Dark Horse Entertainment / Lawrence Gordon Productions Género: Fantástico
Reparto: David Harbour, Ian McShane, Milla Jovovich, Sasha Lane, Daniel Dae Kim,Thomas Haden Church, Penelope Mitchell, Sophie Okonedo, Brian Gleeson,Kristina Klebe, Alistair Petrie, Ashley Edner, Douglas Tait, Bern Collaco,Mario de la Rosa, Atanas Srebrev, Michael Heath, Ava Brennan, Mark Basnight,Eddy Shore, Tihomir Vinchev, Anthony Delaney, Vanessa Eichholz
Sinopsis: La Agencia para la Investigación y Defensa Paranormal (AIDP) encomienda a Hellboy la tarea de derrotar a un espíritu ancestral: Nimue, conocida como «La Reina de la Sangre». Nimue fue la amante del mismísimo Merlín durante el reinado del Rey Arturo, de él aprendió los hechizos que la llevaron a ser una de las brujas más poderosas… Pero la locura se apoderó de ella y aprisionó al mago para toda la eternidad. Hace siglos consiguieron acabar con esta villana, enterrándola profundamente, pero ha vuelto de entre los muertos con la intención de destruir a la humanidad con su magia negra.
Con un inicio con sabor a cine de terror clásico, situado en la Edad Media, pasamos a México, donde comenzará la acción y los mamporros con luchadores enmascarados, vampiros y Hellboy, que, socarrón y pendenciero, se hará con la película desde su primera aparición. Para esta primera aventura post-Del Toro, sus guionistas han dotado a la misma de todo el sabor pulp, con órdenes herméticas, referencias al ciclo Artúrico, fantasía épica, brujería, humor y Rock&Roll. Pero pronto la alegría comienza a decaer cuando vemos que, si bien la violencia está presente, no salpica la pantalla, pues la versión que nos ha llegado ha sido rebajada de hemoglobina, seguramente para que pueda exhibirse ante un público infantil. Y es un error, pues estamos hablando de una creación que en ningún momento ha estado destinada a ese público. Es un cómic para adultos y se espera que las películas también lo sean pero…
También el ritmo va acelerándose conforme avanza la acción hasta llegar a estar quizás un poco sobrada de pirotecnia y artificio, sobre todo en su tramo final y su prolongado clímax. Y a pesar de que retoma aspectos esenciales del personaje, como su dualidad, volviendo a plantear el enfrentamiento del personaje y sus dudas entre ceder al fatalismo o tomar las riendas de su destino, el resultado no deja de ser más superficial que en sus predecesoras.
Sin embargo, en la producción vemos buena voluntad, además de la participación de un competente David Harbour como Hellboy, igual que Sasha Lane como Alice. Lane es una actriz a la que habrá que seguirle la pista, pues tanto en papeles dramáticos en el cine indie (The Miseducation of Cameron Post o Hearts Beat Loud) como ahora en su salto al blockbuster, con mucho humor y acción, demuestra una gran personalidad y mucho oficio. Por su parte Milla Jovovich siempre es bienvenida a la fiesta, y aquí está más que bien como la maligna Reina Sangrienta.
En todo caso es un nuevo comienzo. Una nueva oportunidad para un personaje que tiene mucho que ofrecer y al que otorgamos un margen de confianza, pues su secuela parece estar más que cantada. O al menos anunciada. Ya saben, no marchen cuando se inicien los títulos de crédito finales.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 10 de mayo de 2019 *
VIVIR DEPRISA, AMAR DESPACIO (Plaire, aimer et courir vite, Christophe Honoré, 2018)
Francia. Duración: 132 min. Guion: Christophe Honoré Fotografía: Rémy Chevrin Productora: Les Films Pelléas / arte France Cinéma / Canal+ / Ciné+ Género: Drama
Reparto: Vincent Lacoste, Pierre Deladonchamps, Denis Podalydès, Rio Vega,Willemijn Kressenhof, Adèle Wismes, Clément Métayer, Sophie Letourneur,Marlene Saldana, Teddy Bogaert, Adèle Csech
Sinopsis: Jacques es un escritor que vive en París. Todavía no ha cumplido 40 años pero cree que lo mejor de la vida ya no está por llegar. Arthur es un estudiante que vive en la Bretaña francesa. Lee, sonríe mucho y se niega a aceptar que hay algo imposible en la vida. Jacques y Arthur se gustan y viven como si estuvieran en un sueño romántico o en una historia triste.
A veces una sola obra graba el nombre de su autor en la historia. Andrea Chénier, de toda su producción, es la pieza que ha hecho célebre al verista Umberto Giordano, y el aria para soprano, La mamma morta, la que ha hecho que esa ópera figure en todos los repertorios. Los cinéfilos siempre asociarán la versión de Maria Callas a la escena cumbre de Philadelphia (1993, Jonathan Demme), una escena que, aunque reconozca la pericia de su director al construirla, no puedo contemplar sin sonrojarme. Y es que se me antoja una muestra de sentimentalismo impúdico, pensada para que el público medio alivie su conciencia, pues le permite sentirse liberal al empatizar con un problema como el SIDA en los años noventa. Hasta no faltan los críticos que consideran el filme de Jonathan Demme como la película definitiva sobre el tema, cuando no es más que la muestra del oportunismo mainstream sobre un problema que no tuvo (ni tiene) nada de lírico. Por lo contrario, sensible que no sensiblera, la última cinta de Christophe Honoré, nos aporta una visión del amor en tiempos del SIDA que no cae ni en tópicos ni en adornos.
Año 1993. Arthur (Vincent Lacoste) es un joven estudiante de veinte años que vive en Rennes. Su vida cambia el día que conoce a Jacques (Pierre Deladonchamps), un escritor que vive en París con su joven hijo. Durante el verano, Arthur y Jacques viven una historia amor. Pero Jacques sabe que este amor lo tiene que vivir rápidamente. El ímpetu y la renuncia se dan la mano en esta historia de amor, el primero para Arthur, el último para Jacques, un amor que ha de ser apresurado porque la vida apremia, herida de muerte como está. Honoré ha querido retratar la ambivalencia del sentimiento, es un revulsivo, pero también un desgarro cuando el vivirlo se hace imposible por esa Espada de Damocles que es la enfermedad. Aquí el retrato del SIDA es un drama íntimo con el que se homenajea a toda aquella generación que vivió en carnes su sentencia.
No es la película definitiva sobre la enfermedad ni lo pretende, solo busca asomarnos al vacío de vidas rotas a las que se les arrebató la posibilidad de envejecer junto a la persona amada, de ver concluidas las expectativas de realización en lo profesional y en lo personal. Es un hola y un adiós que se condensan y se funden en una despedida precipitada por el propio anhelo de dar lo mejor de uno mismo al otro, al que se le querrá ahorrar la contemplación de la decadencia. Un irse en el punto del encuentro para no dejar la memoria del dolor. Que todo concluya en el momento de la esperanza. Sin drama ni aspaviento. Más que una historia de amor imposible, esta es una película sobre una vida imposible, que nos instala en el espacio de la melancolía.
Para Honoré los 90s son la década que no termina, por eso la idea general del diseño de producción fue recrear un tiempo sin reconstituirlo. Apela a la memoria desde un ramillete de citas que perlan aquí y allí los fondos. Libros, películas, músicas, tejen un marco referencial que apunta a las vivencias de cada uno, de modo que nos sintamos transportados al corazón de esta historia sintiéndola nuestra. Nos implicamos en los despertares y en los adioses porque los hemos vivido, y los rememoramos con nuestros cinco sentidos que se ven estimulados por lo que acontece en la pantalla. Cada escena es nuestra particular Magdalena de Proust, por eso entendemos tan bien lo que nos cuentan. Humana, profundamente humana y humanista, se nos muestra esta obra como un testimonio y un canto que no es solo remembranza sino también es ahora, pues lo que describe se mantiene vigente. El amor y la muerte en su abrazo siguen y seguirán siendo esencia del existir humano, Honoré lo sabe bien y lo narra con una historia que bien podría ser el universal en el que todos nos reflejamos.
Sensual, carnal, pero no sexualizada, se nos muestra íntima y sugerente sin ninguna ostentación. No es fácil lograr que las secuencias de cama desborden realismo y a la vez una delicadeza casi mágica, para ello hace falta un director y unos actores entregados a la tarea de reproducir la intimidad de la alcoba bajo la presencia de la cámara. Honoré las rueda con muy pocas tomas, reduciendo el equipo al mínimo y ensayándolas con anticipación para explicársela a los actores. Por su parte los intérpretes, en auténtico estado de gracia, las enfrentan con un enfoque abierto en el que el veterano Deladonchamps resultó fundamental para acompañar al joven Lacoste en su interiorización de un personaje que ha de aparecer como objeto de deseo. Hay momentos verdaderamente brillantes en los que nos hacen sentir como nace entre ellos la complicidad. Los personajes toman presencia en la carne de los actores y nos resultan tan creíbles como las gentes que nos cruzamos en nuestro periplo vital. Dos amantes que podrían ser cualquiera de nosotros, así de próximos nos los trae Honoré, así nos los despliega el buen hacer de sus protagonistas.
Honesta, sugerente, emotiva y sutil, así es Vivir deprisa, amar despacio, un derroche de buen cine que nos comunica la agridulce vivencia del amor en tiempos de la enfermedad. Una película llamada a quedarse grabada en nuestro imaginario.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 10 de mayo de 2019 *
EL INCREÍBLE FINDE MENGUANTE (Jon Mikel Caballero, 2019)
España. Duración: 93 min. Guion: Jon Mikel Caballero Música: Luis Hernáiz Fotografía: Tânia da Fonseca Productora: Montreux Entertaiment / Trepamuros Producciones Género: Drama fantástico
Reparto: Iria del Río, Adam Quintero, Nadia de Santiago, Jimmy Castro, Adrián Expósito,Irene Ruiz, Luis Tosar
Sinopsis: Alba (Iria del Río) acaba de cumplir 30 años y se dispone a disfrutar de un fin de semana en una casa de turismo rural con sus amigos. Sus planes de fiesta pronto se ven frustrados cuando su novio Pablo (Adam Quintero) la deja.
Alba se ve entonces atrapada en un bucle temporal donde los hechos del fin de semana comienzan a repetirse una y otra vez.
Pero algo es diferente, cada repetición dura una hora menos que la anterior. ¿Es el bucle una oportunidad para solucionar sus problemas o un castigo? ¿Qué pasará cuando el tiempo se consuma? ¿Qué pasará cuando todo acabe definitivamente?
Una película pequeña, de poco presupuesto, pero convincente. Buena dirección, buenos actores, buena narración con un guión ingenioso y unas bonitas localizaciones. Su director, Jon Mikel Caballero, demuestra haber tomado buena nota de los diversos trabajos que ha realizado para J. A. Bayona o Kike Maíllo y tras dos cortometrajes, Hibernation (2013) y Cenizo (2016) que suman 55 premios y 300 selecciones internacionales, dirige su primer largo con pulso firme y las ideas muy claras. El increíble finde menguante es un drama fantástico con toques de comedia que no puede negar su clara inspiración en Atrapado en el tiempo y otras cintas con bucles temporales en las que todo se repite una y otra vez pero, en este caso, con una cuenta atrás de por medio: cada repetición se acorta una hora, restando tiempo a la protagonista para resolver sus asuntos pendientes y su atasco vital. Un tiempo que se acaba, que caduca, como se termina la loca juventud de la joven protagonista, que treintañera, parece no darse cuenta de que hay que madurar y comenzar a plantearse lo que uno desea hacer con el resto de su vida.
Con algunos bonitos detalles, como el de las cápsulas del tiempo enterradas por una Alba niña en el bosque, o el que la pantalla se vaya comprimiendo conforme el tiempo se va acortando, lo que añade urgencia y ahogo a la historia, junto a una excelsas localizaciones naturales, hacen que la película sea algo más que una aventura, una enorme broma de jóvenes borrachos descontrolando en el bosque, a pesar de que Caballero comience su película como si de un clásico slasher se tratara, con los protagonistas llegando a la casa en la que se disponen a pasar un fin de semana etílico que resultará más largo de lo esperado, al menos para su protagonista, encarnada por Iria del Río, que realiza un magnífico trabajo, al igual que el resto del elenco en el que destaca Nadia de Santiago, una de nuestras debilidades, pero también Adam Quintero, Jimmy Castro, Irene Ruiz y Adrián Expósito. Sin olvidar la participación de Luis Tosar, como padre de la protagonista.
Por todo ello nos ha convencido El increíble finde menguante, cinta que participó recientemente en el Festival de Cine de Málaga y en el Festival de Cine Fantástico de Bilbao- FANT, donde se ha llevado los premios al mejor guión y director. Buen comienzo.
DE LA INDIA A PARÍS EN UN ARMARIO DE IKEA (The Extraordinary Journey of the Fakir, Ken Scott, 2018)
Francia/USA/Bélgica/Singapur/India Duración: 92 min. Guion: Luc Bossi (Novela: Romain Puertolas) Música: Nicolas Errèra Fotografía: Vincent Mathias Productora: Brio Films / Little Red Car Films Género: Comedia
Reparto: Dhanush, Bérénice Bejo, Erin Moriarty, Barkhad Abdi, Gérard Jugnot,Sarah-Jeanne Labrosse, Seema Biswas, Abel Jafri, Uwamungu Cornelis,Mar Sodupe, Gandharv Dewan, Hearty Singh, Daniele Nisi, Amruta Sant,Omkar Ketkar, Pauline Maréchal, Edwin Gillet
Sinopsis: Aja, un joven que sobrevive en la India gracias a su ingenio y pillería, emprende un viaje a Francia para cumplir un sueño de su madre. En París, con pocos recursos económicos, decide pasar la noche en un IKEA donde conocerá a Marie. Pero sus esperanzas sentimentales se desvanecen cuando queda atrapado dentro de un armario que es enviado al extranjero, iniciando un viaje que cambiará su vida para siempre.
Basada en el best seller de Romain Puértolas «El increíble viaje del faquir que se quedó atrapado en un armario de Ikea», obra que fue traducida a 37 idiomas, el filme de Ken Scott, a pesar de la inequívoca buena voluntad puesta en él, no termina de ofrecer, bajo nuestro punto de vista, un producto satisfactorio. Si bien se trata de un cuento, una parábola sobre las cosas realmente importantes de la vida mostrado mediante una serie de casualidades y pequeños desastres que transformarán la vida del protagonista, así como su percepción de la existencia, el resultado, que podría haber resultado sanamente delirante, a la manera del realismo mágico, con denuncia incluida a los graves desequilibrios sociales entre clases y las reticencias hacia la emigración del tercer mundo, se queda a medio camino, con mucho de propaganda de Ikea y de recorrido turístico por Europa, ofreciendo de paso un mensaje un tanto equívoco y en ocasiones ofensivo lleno de tópicos. En todo caso no deja de ser un entretenimiento inofensivo, con algún buen gag y que posiblemente funcionará bastante mejor en su versión escrita, pues no en vano su autor ha publicado recientemente su continuación «Las aventuras de un faquir en el país de Ikea».
LA TRAGEDIA DE PETERLOO (Peterloo, Mike Leigh, 2018)
UK/USA. Duración: 154 min. Guion: Mike Leigh Música: Gary Yershon Fotografía: Dick Pope Productora: BFI Film Fund / Film4 / Thin Man Films. Distribuida por: Amazon Video Género: Drama
Reparto: Rory Kinnear, Maxine Peake, David Bamber, Marion Bailey, Kieran O’Brien,Adam Long, Tim McInnerny, Leo Bill, Nico Mirallegro, Teresa Mahoney, Karl Johnson
Sinopsis: ‘La tragedia de Peterloo’ es la representación épica de los hechos ocurridos en la Masacre de Peterloo de 1819, en la que una manifestación pacífica a favor de la democracia en Manchester se convirtió en uno de los episodios más sangrientos y notorios de la historia británica. Las fuerzas del gobierno británico cargaron contra una multitud de más de 60.000 personas que se habían reunido para exigir una reforma política y para protestar contra el aumento de los niveles de pobreza. La tragedia de Peterloo fue un momento decisivo en la democracia británica y fue el inicio de la fundación del periódico The Guardian.
Minucioso documento, de impecable ambientación y vestuario en el que los diferentes personajes parecen haber sido escogidos uno a uno para ofrecer la máxima verosimilitud con el fin de retratar la época y las costumbres de la Inglaterra de principios del siglo XVIII. El reputado director ingles, Mike Leigh, se toma su tiempo con la acción, cuidando cada una de las tomas, algunas de verdadera calidad pictórica inspiradas en Vermeer. El resultado es delicioso, su acción lenta, se toma su tiempo para llevar al espectador y a los diferentes personajes hasta el clímax. Un clímax que, aún sabido, enerva por lo familiar que resulta. Por mostrar como las guerras las ganan los políticos y los generales y siempre las pierden los trabajadores. Trabajadores que son obligados a pagar precios abusivos por los productos de primera necesidad que venden los terratenientes británicos. La cinta también muestra el comienzo de la industrialización y los inicios del movimiento obrero, y lo hace sin panfletismos ni soflamas. De manera sutil, casi documental. Sin embellecerlo ni magnificarlo. Un tipo de cine que, nos tememos, está condenado a desaparecer más allá del circuito de festivales.
Con un magnífico reparto, en el que no destacan grandes estrellas, La tragedia de Peterloo se presentó en la pasada edición del Festival Internacional de Cine de Venecia, y en la sección oficial de la reciente tercera edición del Festival Internacional de Cine de Barcelona-Sant Jordi (BCN Film Fest), donde obtuvo el premio Educacine.
STEVE BANNON, EL GRAN MANIPULADOR (The Brink, Alison Klayman, 2019)
USA Duración: 93 min. Música: Ilan Isakov, Dan Teicher Fotografía: Alison Klayman Productora: RYOT Films. Distribuida por Magnolia Pictures Género: Documental
Sinopsis: Crónica sobre la vida personal y la carrera profesional de Steve Bannon, el estratega político responsable de la campaña electoral de Donald Trump, que se marcó como propósito extender por el país y el mundo el nacionalismo ultraderechista.
El que fuera asesor y jefe de estrategia de Donald Trump durante la campaña que le llevó a la Casa Blanca y los primeros meses de su mandato, así como artífice e ideólogo del brexit, ha dedicado los últimos dos años a erigirse en el referente aglutinador de las diversas fuerzas neofascistas que aspiran, este mes de mayo, a entrar con fuerza en el Parlamento Europeo.
Alison Klayman muestra al objeto de su estudio en su salsa: reuniones, entrevistas, conferencias… pero también en la trastienda, devorando comida basura y consumiendo continuamente bebida energética, así como haciéndose multitud de fotografías con «las dos espinas a los lados y la rosa en el medio» (o sea, la mujer entre dos hombres). Steve Bannon, que se considera, textualmente, señalado por la Divina Providencia, es socarrón, casi simpático. Y vende su proyecto bajo el nombre de nacionalismo económico. Pero no nos engaña: a pesar de que en varios momentos del documental se invita a la directora a salir de diversas reuniones, para que su contenido no transcienda, se incluyen pequeñas y no tan pequeñas muestras de lo que en verdad está sucediendo. Tanto a él como a sus colaboradores se les escapan pequeñas perlas, pistas que retratan la catadura moral y política del personaje. Y es que la referencia que el mismo Bannon hace sobre Leni Riefenstahl no es gratuita, aunque su forma de adecuar su discurso, acomodando en el mismo cuando le conviene la mentira, nos recuerda mucho más a Goebbels. Y es que Steve Bannon es un alumno aventajado del jerifalte nazi, que tanto sabía sobre el poder de la propaganda sobre la población. Y se comprende que cuando no se está destrozando la salud con bebidas energéticas, Bannon esté siempre pendiente de su teléfono móvil, herramienta que no deja de consultar.
Alison Klayman, Pepito Grillo del ex-asesor muestra sus contactos, además de con líderes ultraderechistas europeos como el ministro del interior italiano Matteo Salvini o el ex líder del UKIP británico Nigel Farage, con políticos pro-brexit, millonarios chinos e incluso sus antiguos compañeros de Goldman Sachs, el banco que gobierna el 
mundo. Todo lo cual ayuda a desenmascarar al gran manipulador.
Y provocar bastante desazón.
Pues narra como Bannon y todos esos dirigentes ultraderechistas europeos pretenden dinamitar la Unión Europea. Lo que traman, lo que nos cuenta el documental, es inminente. Por eso nos parece fenomenal y muy oportuno que Filmin, en colaboración con #ConUnPack Distribución, lo estrene antes de las elecciones europeas, objetivo primordial de todas estas maquinaciones -no tan- en la sombra.
La película, que tuvo su premier en la reciente edición del Festival de Sundance, ha recibido el aplauso unánime de la crítica estadounidense y constituye una seria advertencia sobre lo que estamos viviendo, con el resurgir de la ultraderecha en países como Francia, Italia, Hungría, Polonia, Bélgica y, nosotros añadimos, España. Fuerzas que Steve Bannon planea aglutinar con objetivos que, más allá de terminar con la Unión Europea, todavía están por aclarar, pero que se adivinan peligrosos y respaldados por poderosos intereses. Un magnífico documental que debería pasarse en todas las televisiones públicas en horario de máxima audiencia. Quizás todavía estemos a tiempo de pararlo.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Jueves 18 de Abril de 2019 *
LA LLORONA (The Curse of La Llorona, Michael Chaves, 2019)
USA. Duración: 93 min. Guion: Mikki Daughtry, Tobias Iaconis Música: Joseph Bishara Fotografía: Michael Burgess Productora: Atomic Monster / New Line Cinema. Distribuida por: Warner Bros.. Productor: James Wan Género: Terror.
Reparto: Linda Cardellini, Patricia Velasquez, Madeleine McGraw, Sean Patrick Thomas,John Marshall Jones, Jaynee-Lynne Kinchen, Andrew T. Lee, Irene Keng,Marisol Ramirez, DeLaRosa Rivera, Sophia Santi, Aiden Lewandowski,Ricardo Mamood-Vega
Sinopsis: Ambientada en Los Ángeles de 1973, la película cuenta la historia de Anna Tate-García (Linda Cardellini), una trabajadora social y madre viuda que lucha por compaginar sus dos papeles a la vez que intenta recuperarse de la pérdida de su marido. Anna es una mujer escéptica que trabaja al servicio de una ciudad de creyentes así que se ha visto obligada a lidiar con un montón de fantasmas y supersticiones. Pero también le acechan sus propios demonios. Cuando la llaman a casa de Patricia Alvarez (Patricia Velásquez) se encuentra a sus dos hijos pequeños encerrados en un armario. Anna cree que la madre, aterrorizada, los ha encerrado y lo interpreta como una señal peligrosa de maltrato. Lo que no sabe es que un espíritu legendario conocido como La Llorona, está cazando niños en Los Angeles … y sus propios hijos pequeños se convertirán en su presa.
La Llorona es una aparición tenebrosa, atrapada entre el Cielo y el Infierno, con un destino terrible sellado por su propia mano. La mera mención de su nombre ha causado terror en todo el mundo durante generaciones. En vida, ahogó a sus hijos en una rabia de celos. Tras ver lo que había hecho, desesperada se arrojó ella misma al río. Ahora sus lágrimas son eternas, letales, y aquellos que escuchan su llamada de muerte en la noche están condenados. Se arrastra en las sombras y ataca a los niños, desesperada por reemplazar a los suyos. A medida que los siglos han pasado, su deseo se ha vuelto más voraz y sus métodos más terroríficos.
La Llorona ha vuelto. Aunque bien es cierto que nunca se fue, siempre estuvo ahí, tomando diferentes encarnaciones. Firmemente arraigada en el folklore mexicano, la Llorona tiene equivalentes en toda Sudamérica así como en otros puntos del mundo. Su punto de partida es similar: una mujer que por celos o despecho mata, en un arranque de locura, a sus hijos para, a continuación y tras darse cuenta de lo que ha hecho, suicidarse y convertirse en espectro, ánima en pena que desde entonces clamará en búsqueda de los pequeños.
Transformada en un trasunto más de ‘el coco’, su historia ha sido adaptada en diversas ocasiones al cine, siendo La Llorona (1933) la primera película de terror mexicana. Cinta que fue seguida por otras producciones, también mexicanas, producidas en 1947 (La herencia de La Llorona; Mauricio Magdaleno), 1960 (La Llorona, René Cardona) y 1963 (La maldición de La Llorona, Rafael Baledón). Sin olvidar la película que en 1974 enfrentaba al triste espectro contra el luchador enmascarado El Santo y el comicastro Mantequilla Nápoles. Quizás esta producción fue la razón de que no se volviera a adaptar el personaje hasta 2006, momento en el que los americanos retomaron el personaje realizando con él varias modestas películas de terror, y hasta la actualidad, pues ahora la franquicia Expediente Warren de James Wan lo ha incorporado a su museo de los horrores junto a la muñeca Annabelle y La monja.
La Llorona de Michael Chaves es, al igual que las otras producciones de la franquicia centradas en personajes de James Wan, otro producto dirigido a un público joven o poco exigente, quedando muy por detrás de las producciones dirigidas por el propio Wan, al que parece no importar que sus creaciones (Saw, Insidious) se prolonguen en producciones poco más que alimenticias. Y es una lástima.
Sin ser del todo desdeñable, La Llorona, mantiene el origen azteca del personaje y consigue cierta atmósfera, aunque los sustos no dejan de ser bastante predecibles y el argumento, de lo más plano, no mejora precisamente con la incorporación de un trasunto de exorcista encarnado por un ex-sacerdote metido a curandero.
Para disfrutar por mozalbetes en comandita armados con grandes dosis de palomitas. Que bien visto, tampoco es poco.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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