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El viento se levanta, il faut tenter de vivre
Siempre tiene un punto de tristeza ver una película sabiendo que es la última de su director. En algunos ocasiones porque el artista ha seguido batallando con las imágenes hasta el final y dejan tras de sí una obra póstuma que constituye todo un legado; ocurría así con Dublineses (The dead) de John Huston que nos dejaba un fundido en negro profundo como el bajar de párpados final que era. En otras ocasiones porque el realizador decide retirarse cuando aún le asiste la lucidez y puede cerrar su obra con dignidad, fue así con Kieslowski que se puso tras las cámaras por última vez con el rojo de su trilogía de los colores (Tres colores: azul; Tres colores: blanco; Tres colores: rojo). Y ahora el que nos deja es Hayao Miyazaki a quien le debemos tantas obras maestras de la animación. Miyazaki se despide con El viento se levanta (Kaze Tachinu), nos regala un biopic impregnado por la melancolía de El cementerio marino de Paul Valery del que toma prestado un verso para el título de este su último trabajo. Los tres filmes postreros que mencionamos tienen en común la suave melancolía de quien está degustando la finitud del tiempo y desde esa conciencia, sin darnos falsas esperanzas, nos alienta a aprovechar y gozar la vida, un trágico canto a la «joie de vivre» contenido e intenso a partes iguales.
El viento se levanta es un repaso sútil como la brisa a la vida de Jirō Horikoshi el hombre que diseño los tristemente célebres cazas Zero (sí, los que usaban los kamikazes para sus ataques suicidas). De la mano de Miyazaki acompañamos a Jiro desde su niñez soñadora hasta su madurez, deteniéndonos en los momentos álgidos que atravesó como el terremoto de Kanto de 1923, la Gran Depresión, la epidemia de tuberculosis y la entrada de Japón en la Segunda Guerra Mundial. Criticada en su país de origen tanto por los conservadores como por los izquierdistas lo que nos ofrece la película es una visión extendida de cómo la pasión de Horikoshi por volar fue atrapada por los avatares de la guerra y el militarismo. «No construimos armas, mejoramos aviones» dice un personaje en el filme, ese es el punto de vista desde el que se aborda este biopic, vemos a un hombre perseguir su sueño por encima de las circunstancias que le han tocado vivir. Y amar, porque esta es también una gran historia de amor. Es un gran canto a las aspiraciones de superación y a la necesidad de vivir aunque nos veamos rodeados por lo más adverso.
Auténtico poema visual, es posiblemente la menos fantástica de las obras de Miyazaki, pero está llena de magia y de lirismo en el detallado trabajo de sus imágenes. De la mano de Miyazaki hasta las tragedias están armadas de un poderío visual que las vuelve poéticas: así ocurre con el terremoto de Kanto, por lo que se refiere a los dramas colectivos, o el vómito hemoptísico de Nahoko (la amada de Jiro) en lo más íntimo, en el que las gotas de sangre tiñen de rojo las flores componiendo una sinfonía de color delicuescente. El trabajo de los fondos está perfilado con una minuciosidad extrema y la animación dibuja con realismo todos los movimientos. Y aunque el tono general de la cinta sea el realismo no faltan los momentos oníricos que nos hacen elevarnos a otra dimensión. En ellos los sueños de Jiro entran en contacto con los de su ídolo Caproni (ingeniero aeronáutico italiano que le sirvió de inspiración) tejiendo un espacio en el que la conciencia se funde con lo idealizado y en el que el protagonista halla los motivos para seguir viviendo.
El viento se levanta y Miyazaki enfila el camino del adiós, pero nos deja una carrera brillante con la que podremos gozar una y otra vez. Y nos anima a perseguir los sueños en nuestra fugaz existencia, una existencia abocada a desaparecer pero en la que vale la pena tratar de vivir.
El rodaje de ‘Vampyres’ se calienta.
El rodaje de la nueva película de terror de Víctor Matellano concluye esta semana
La producción del nuevo filme de terror de Víctor Matellano Vampyres afronta sus últimos días de rodaje. Las primeras imágenes de la producción muestran a los actores protagonistas en acción: Marta Flich y Almudena León como las cruentas vampiras, Christian Stamm en el papel de Ted, Verónica Polo Bacorn como Harriett y la estrella internacional Caroline Munro. El rodaje, que se ha desarrollado en inglés en varias localizaciones de Madrid y Segovia, dio comienzo el pasado 1 de abril y se ha prolongado durante cuatro semanas.
El reparto de Vampyres se completa con Anthony Rotsa, Víctor Vidal, Luis Hacha, Alina Nastise y Remedios Darkin, además de la participación especial de Lone Fleming, May Heatherly, Antonio Mayans y Conrado San Martín.
Víctor Matellano también firma el guión basado en la mítica película original de José Ramón Larraz, estrenado en España como Las Hijas de Drácula (1974). El propio Larraz, quien falleció en septiembre de 2013, participó en la preproducción de la película.
Vampyres cuenta la historia de dos vampiras que habitan en una oscura mansión donde atraen a hombres a los que ofrecen orgías de sexo que terminan siendo orgías de sangre. Hasta aquel lugar llegan unos jóvenes excursionistas con ganas de fiesta, y un hombre joven que esconde un oscuro pasado…
Matellano presentó recientemente en el marco del Festival de Cine de Málaga su documental ¡Zarpazos! Un viaje por el Spanish horror, que próximamente estará en el Festival de Cine Fantástico de Madrid Nocturna 2014, mientras que su cortometraje La Cañada de los ingleses ha sido seleccionado para participar en la sección Short Film Corner del Festival de Cannes.
“Vampyres” es una producción de Ángel Mora para Artistic Films. En el apartado técnico acompañan a Artistic Films empresas como The Other Side Cinema, Recámara, Gigantes y Molinos, La Mansión del terror y Fonofox en calidad de productores asociados.
The Amazing Spider-Man 2: El poder de Electro y otras batallas
Desde que el ente conocido como Serendipia creó este blog, hace casi 5 años y 825 artículos, muchos de ellos referentes al mundo del cómic y dentro de ese campo al protagonizado por súper-héroes, no había encontrado una excusa para hablar de uno de sus personajes favoritos, presente durante toda su vida y parte imborrable de su memoria sentimental. Así que, a propósito del estreno de Amazing Spider-Man 2: El poder de Electro, se ha complacido en realizar su primer artículo sobre el lanzarredes, así que sean indulgentes con él y permitan que se extienda un poco, deteniéndose en las diferentes encarnaciones del trepamuros: desde el cómic, al merchandising de su infancia. Repasando la filmografía que ha generado y rememorando, por el camino, alguna batallita personal de dudoso interés.
Avisados quedan…
TENGO 47 AÑOS Y SIGO LEYENDO SPIDERMAN
He de confesarlo. Creo que deben saberlo antes de continuar. Desde que cayó en mis manos un desmoronado ejemplar del antiguo volumen uno de editorial Vértice, concretamente el 19, me sentí picado por esa araña radioactiva que también infectó a Peter Parker, aunque si a él le convirtió en el súper-héroe más importante del firmamento, a mí me transformó en un humilde lector de sus aventuras. Durante esa etapa infantil no paré hasta completar esa primera colección del trepamuros revolviendo en librerías de segunda mano y traperías acompañado de Enrique, compañero de aficiones (aunque a él le gustaban más los mutantes). La colección, a todo blanco y negro y en formato librito, constaba de 59 números que desprendían un característico olor que todavía identifico con el de mi infancia, repleta de tebeos de terror y aventuras. Sí, cierto es que a la edición española de Spiderman (escrito todo junto) le llegó su decadencia cuando pasó a ser editada por Bruguera. Y cierto es que mi interés sobre el personaje decayó cuando el vello invadió ciertas zonas de mi anatomía y recibí la llamada de la música, el alcohol y las chicas pero… como cantaban Small Faces, “yesterday is dead but not my memory”, y un día al 
adquirir mi Spirit mensual -nunca abandoné la lectura de comics- el viejo lanzarredes me saludó desde la portada de un cuadernillo, ahora editado por editorial Forum y dibujado por un tal Todd McFarlane. La verdad es que el dibujo me llamó la atención, así que decidí llevármelo conmigo reencontrándome de nuevo en esas páginas con Peter Parker. Aquel número 228 fue seguido de muchos otros, hasta conseguir reunir todas sus aventuras (y eso incluye varias cabeceras más y muchos, muchos extras, incluidos algunos inéditos en España). Y es que sí, Peter había vuelto para quedarse en mi vida. Y no como objeto intocable de culto, sino como algo vivo. No en balde y tras muchos años me encuentro disfrutando actualmente de la relectura cronológica de la colección.
Pero ¿Qué tiene este personaje para haberse convertido en uno de los iconos del siglo XX y parte del XXI? ¿Qué le hace incombustible? Por mi experiencia sólo puedo contarles lo que vio aquel niño en Spiderman: aventura, cercanía y cierta ¿verosimilitud? Pues si, ya que frente a otros niños que admiraban las aventuras imposibles de bárbaros, dioses y semidioses con Thor, Conan o el mismísimo Superman en cabeza, lo que me cautivó del personaje arácnido fue, más que las propias aventuras del enmascarado, de 
indudable atractivo y sólida construcción, la personalidad y el carisma de Peter Parker y su reparto de secundarios: Flash, el matón del colegio (ahora se le llamaría acosador); la tía May, madre protectora pero también castradora que no parece ver que su niño está creciendo; Harry, el amigo con problemas de adicción; J. J. Jameson, el jefe hijoputa pero necesario para conseguir dinero. Y las chicas, claro. Desde Betty, la primera novieta, a Gwen Stacy, el gran amor de la vida de Peter Parker cuya pérdida, en el número 121 USA de The Amazing Spider-Man (en España el 54 -Vol. 1- Vértice) recuerdo todavía con perplejidad y tristeza. Y Mary Jane Watson, esa mujer independiente y liberada que aparece y desaparece de la colección y de la vida del trepamuros. El caso es que a día de hoy, con 47 años que se me han pasado volando, sigo comprando y leyendo mes a mes las aventuras de Spiderman, superando temporadas anodinas que han puesto mi fidelidad al personaje al límite. Y es que, algo tendrá el mequetrefe de Parker.
AHORA A LOS MUÑECOS Y CROMOS SE LES LLAMA MERCHANDISING
Esto de los personajes populares es lo que tienen: que cuando tienen éxito rápidamente se diversifica su figura en otros campos. Y los súper-héroes no iban a ser menos. Incluso en aquella España del DDT algo parecido al merchandising se generó, y los niños más inquietos lo encontramos. Como esa colección de cromos de Cropán dibujados por el portadista de Vértice, López Espí; el muñeco Mego de Spiderman, uno de los pocos de la casa americana que se importaron en el país de los Madelman; los magníficos pósters que editaba Vértice, también ilustrados por López Espí y… la película de Spiderman. Porque sí señores, hubo una película de Spiderman en los años setenta que, naturalmente, tanto servidor como su amigo de aficiones Enrique procuraron no perderse. De hecho se trataba de una serie de televisión de finales de los setenta que constó de 15 episodios y que en 
este sacrosanto país se montó en forma de largometraje mediante la unión de varios de estos capítulos. Pero aquello, que vimos en el cine, no nos convenció para nada. Y es que la tecnología de efectos especiales todavía se encontraba a años luz de poder afrontar el reto que representaba dotar de credibilidad al arácnido. En todo caso uno se consoló viendo esa aventura –hubo dos más, El hombre araña en acción y El desafío del Dragón, pero no nos atrevimos a verlas- y completando la colección de cromos que se lanzó en su momento. Poco después, la llegada del Superman de Richard Donnen a la pantalla grande abrió brecha para que los comics de súper-héroes fueran adaptados con dignidad al cine. Pero todavía deberían de pasar unos cuantos años para que, tanto Spiderman como el resto de los personajes Marvel, fueran llevados al cine con ciertas garantías de no hacer el ridículo.
EN EL PRINCIPIO FUE EL CÓMIC
El Spiderman de Ditko, menos musculoso y base de la versión Ultimate, modelo de la última encarnación cinematográfica
Retrocedamos a un pasado aún más remoto que la niñez de Serendipia. Estamos en 1962 y los súper-héroes andan de capa caída (nunca mejor dicho). Stan Lee, guionista de Marvel Comics, tiene en mente un nuevo concepto de héroe muy diferente a los tan manidos súper hombres. Un nuevo personaje que, a diferencia del resto, es un adolescente normal con el que los lectores en potencia pueden identificarse. Un joven acosado por los problemas habituales del cambio hormonal, pero multiplicados por mil al ser picado por una araña radioactiva que le da poderes. Así que para crear este nuevo concepto, Stan Lee cede la creación visual del personaje a Steve Ditko, en detrimento de Jack Kirby, creador gráfico de la mayor parte de los personajes de la “casa de las ideas”, entre ellos Thor, Capitán América, Los 4 Fantásticos, Los Vengadores y un larguísimo etcétera. Y es que para Spiderman, Stan Lee tenía pensada una apariencia totalmente diferente a la de los hipermusculados modelos de Kirby. Así que con una primera historia que ya presentaba el origen de sus poderes, la muerte de tío Ben y el sacrosanto lema: “todo gran poder conlleva una gran responsabilidad”, se le dio la alternativa al personaje en una colección, Amazing Fantasy, que estaba condenada a desaparecer. Pero contra todo pronóstico dieron en el blanco, ya que las ventas de ese Amazing Fantasy 15 fueron lo suficientemente aceptables como para que la editorial decidiera, meses más tarde, iniciar la colección Amazing Spider-Man, cabecera que continúa publicándose en la actualidad.
El dúo formado por Stan Lee / Steve Ditko creó gran parte de los personajes y antagonistas de la serie hasta la marcha del dibujante en el número 38, momento en el que otro ilustrador, John Romita, se incorporaría a la colección, terminando de perfilar los personajes y creando otros nuevos, tanto para incorporarlos en la vida de Peter Parker como para relacionarlos con su personalidad enmascarada. Tras Romita ha habido un abultado ramillete de guionistas y dibujantes que han llevado al personaje por etapas más o menos brillantes, pero manteniendo el suficiente interés como para que haya llegado con tan buena salud a la actualidad, 52 años después de su creación.
SPIDERMAN EN LA PANTALLA
Nuestro lanzaredes se ha resistido a ser trasladado al cine. Y es que traducir súper-héroes a imágenes en movimiento siempre ha estado peligrosamente cerca del ridículo. Tras los baratos pero eficaces seriales de los años cuarenta que mostraron las aventuras del Capitán Marvel, el Capitán América, Superman o un rechoncho Batman, hubo que esperar a la Batmanía, provocada por la serie televisiva de los años sesenta para que un personaje de cómic se convirtiera en todo un icono pop, repleto de humor e ironía desmitificadora. Un tono en el que tuvo mucho que ver, según su recientemente fallecido guionista, Lorenzo Semple Jr., la sangría, ya que recibió el encargo y comenzó a escribir sus guiones mientras residía en España, concretamente en Torremolinos.
En los setenta y tras alguna olvidable serie televisiva, por fin el cine demostró que un hombre podía volar y se estrenó la mítica Superman (Richard Donner, 1978) una súper producción que fue degenerando en secuelas cada vez menos interesantes. Diez años después vino Batman (Tim Burton, 1989), que también dio la campanada pero, el cine continuaba sin ofrecernos esa películas que Marvel comics y sus seguidores se merecían. Tras la recordada serie televisiva dedicada a La Masa (The Hulk, si prefieren); la fracasada serie del trepamuros que ya les hemos comentado más arriba; una fallida intentona de adaptar Los 4 fantásticos con Roger Corman de por medio que no se llegó a exhibir (por algo sería…); y algunas anodinas tv movies realizadas a finales de los setenta con el Capitán América, llegaría el primer intento [1] de llevar a un personaje Marvel a la pantalla con todo lujo. ¿Y quienes fueron los artífices? Pues inicialmente la productora Cannon, de ahí pasó el proyecto a manos de James Cameron, que escribió un guión que comenzó a circular por productoras hasta llegar a Carolco, y llegándose a formar un reparto -o una idea del mismo- que incluyó durante una época a Leonardo DiCaprio como Peter/Spidey y Nikki Cox como Mary Jane pero… la cosa finalmente no llegó a buen puerto y ya pueden imaginarse que buque puso en marcha Cameron con DiCaprio como polizón.
Afortunadamente en el año 2000 el joven Bryan Singer demostró con X-Men que podía llevarse a la pantalla el universo Marvel de manera digna, dejando el terreno allanado para que Sam Raimi, fan confeso del lanzaredes, llevara el proyecto adelante. Spider-Man (2002) convenció al público en general y al fan del trepamuros en particular, a pesar de ciertas polémicas con los lanzarredes orgánicos y otras licencias respecto al cómic. El casting era bastante convincente, con Tobey Maguire como Peter/Spidey y la bella Kirsten Dunst como Mary Jane (ignorando a Gwen Stacy). Esta primera entrega, además de mostrarnos el origen del personaje, lo enfrentaba al maligno Duende Verde, encarnado por el siempre eficaz Willem Dafoe.
Tan buenos resultados se obtuvieron con el film, que dos años después el mismo equipo creativo y artístico encaró una segunda parte en la que Spiderman medía fuerzas con el Dr. Octopus (Alfred Molina). Pero el bache de la serie llegó con la tercera entrega en 2007, que convenció a unos y enfureció a otros. Quizás tuvo la culpa la saturación de enemigos (Veneno, El hombre de arena, Duende Verde) o algunas imágenes poco afortunadas del ‘reverso tenebroso de Peter Parker’. En todo caso, mientras las sagas mutantes se superaban y nuevos personajes se sumaban a la serie de films con personajes Marvel (Iron Man, Hulk, Daredevil, Elektra, Capitán América, Thor o Los 4 Fantásticos), se decidió retroceder lo andado y ofrecer un nuevo comienzo para Spiderman, tomando como modelo la exitosa revisión (y actualización) del personaje que la editorial ofrecía en la serie Ultimate Spider-Man, y que tan buenos resultados estaba dando en la adaptación de Los Vengadores. Así que en 2012 llega a la pantalla The Amazing Spider-Man, dirigida por Marc Webb, que tan solo tenía un largometraje en su haber, además de varios documentales y video-clips, y producida de Avi Arad, responsable de la práctica totalidad de películas con personajes Marvel. Andrew Gardfield, encarna a un Peter más joven y enclenque que Tobey Maguire, mientras que en esta ocasión el interés sentimental del protagonista recae en Gwen Stacy, interpretada por la bella Emma Stone, que ya había demostrado su poderío en Zombieland (Ruben Fleischer, 2009). El guión se toma bastantes licencias con respecto al cómic, desde el propio origen de Spiderman a la ausencia de varios personajes carismáticos como J. J. Jameson, pero resulta muy eficaz y ofrece una buena y necesaria renovación del personaje, acusando influencias de la muy interesante Kick Ass (Matthew Vaughn, 2010). El enemigo a combatir es El lagarto y el seguidor del personaje se encuentra con figuras familiares como el Capitán Stacy, Flash Thompson y una tía May de lo más atípica encarnada por Sally Field.
Y como la cosa funcionó recaudando más de 750 millones de dólares en taquilla, poco después nos llega:
AMAZING SPIDER-MAN 2: EL PODER DE ELECTRO
Ante todo no esperen que les desvele las numerosas sorpresas que nos depara esta película. Si buscan seguro que encontrarán información, por supuesto, pero les recomiendo, como fan de la serie, que se dejen sorprender por la acción y los personajes que van apareciendo en pantalla, así como sobre los seguros participantes de la tercera entrega. Dicho esto, vamos por ella.
Puede entenderse que en la película se hayan alejado del diseño original del Electro de Ditko. Definitivamente eran otros tiempos.
Sinopsis: A pesar de que antes de morir el capitán Stacy (Denis Leary) hizo prometer a Peter (Andrew Garfield) que se alejaría de su hija Gwen (Emma Stone) para que no peligrara por su doble identidad, Peter se resiste a abandonar a su novia. También quiere averiguar más sobre sus desaparecidos padres. Pero vive su personalidad heroica plenamente. Es estupendo ser Spider-Man. Para Peter Parker no hay una sensación más increíble que la de deslizarse entre los rascacielos, aceptar el hecho de que se ha convertido en un héroe y pasar tiempo con Gwen. Pero ser Spider-Man tiene un precio: Spider-Man es el único capaz de proteger a sus conciudadanos neoyorquinos de los temibles villanos que acechan la ciudad. Con la aparición de Electro (Jamie Foxx), Peter tendrá que enfrentarse a un enemigo más poderoso que él. Y cuando su viejo amigo, Harry Osborn (Dane DeHaan) vuelve, Peter se da cuenta de que todos sus enemigos tienen una cosa en común: OsCorp.
Repitiendo el equipo técnico y artístico de Amazing Spider-Man nos llega su secuela, que profundiza en los personajes y nos presenta nuevos que sin duda tendrán relevancia en el futuro (léase nuevas entregas) de la franquicia arácnida. Conoceremos más intimamente a Peter y su sentido de la responsabilidad, sus problemas personales y su maduración como individuo, que le llevará a tomar decisiones que tendrán gran peso en el futuro, tal y como cuenta Jeff Pinkner, uno de los guionistas, “La película refleja cómo va madurando Peter. No solo en su relación con Gwen, sino también en lo que supone pasar de chico joven a joven adulto. Entre otras cosas Peter tendrá que hacer frente al hecho de que la vida es corta y siempre cambia, las relaciones vienen y van, y lo mejor que puedes hacer es disfrutar el viaje y aprovechar al máximo el tiempo disponible.”
También seremos testigos de la vitalidad que le aporta la máscara, tras la que se siente tan seguro de sí mismo que no deja de bromear, casi fanfarronear, al enfrentarse con sus enemigos, conseguida referencia a una de las características que distingue al personaje desde su creación en 1962. “Queríamos aportarle a esta nueva entrega un punto más juguetón, más divertido,” dice Marc Webb, nuevamente en la silla de director, “Cuando lees los comics salta a la vista sus golpes de humor y sus respuestas, su gracia, su amenidad. Todo ello explica parte de su atractivo y son motivos por los que tantos aman a Spider-Man. Y sin duda es algo que a mí también me encanta.”
Y si ciertamente es inevitable un gran derroche de efectos especiales en las batallas contra poderosos enemigos, no piensen que estas ocupan la mayor parte del metraje, muy al contrario, se ha conseguido equilibrar la acción con las escenas que muestran la relación que une a los diferentes personajes. En definitiva, lo que hace que nos interesemos por ellos y por la suerte que puedan correr. Aunque no es exagerado decir que posiblemente estamos ante las mejores escenas de acción y las más verosímiles que se han mostrado de Spider-Man en movimiento. “Procuramos que fueran (…) reales, recurriendo a ordenadores sólo cuando fuera imposible hacerlas mejor en la vida real,” dice el coordinador de especialistas Andy Armstrong. Y sin duda se capta la esencia del cómic, del que también ofrece el film algunos guiños para los seguidores, aunque sin ceñirse fielmente a lo que en ellos se narra. Asegura Webb que “Nos hemos tomado alguna libertad creativa pero los comics son nuestra fuente de inspiración. Amazing Spider-Man #121 es uno de los fascículos más profundos del canon – profundo por el impacto que tiene en Peter Parker. El destino de Gwen está directamente relacionado con las decisiones del héroe. Gracias a esa historia los cómics pudieron darle un giro más complejo y, a partir de ahí, le dimos un tono más Shakesperiano y operístico al filme.”
Andrew Garfield como Peter / Spiderman profundiza en la complejidad del personaje; Emma Stone como Gwen Stacy demuestra que es más que unos enormes y bellos ojos y nos ofrece un personaje dulce y a la vez fuerte, que en algunos momentos va por delante de Peter en cuanto a tomar decisiones sobre su futuro y el de la pareja:“Peter juró alejarse de Gwen – y ella lo sabe – pero ella está mucho más abierta a estar con él,” explica Stone. “No sólo porque están enamorados. Su padre ha muerto y eso le hace comprender la urgencia del tiempo – que todo es pasajero. Para Peter no es tan fácil, y eso crea mucha tensión entre ellos durante toda la película.”
Electro, interpretado por Jamie Foxx (protagonista, entre otros muchos films, de Django desencadenado de Quentin Tarantino), resultará ser la cara opuesta del arácnido y, por esas paradojas que unen esa frontera tan liviana que lleva del amor al odio resultará ser, inicialmente, uno de los mayores admiradores de Spider-Man: su ídolo. “Spider-Man fue el único que aparentemente se fijó en Max y lo llamó por su nombre,” señala Foxx. “Max siente que en realidad Spider-Man era su amigo y por eso se obsesiona – cuelga fotos en la pared, y cosas por el estilo. Se lo toma muy en serio. Pero luego, cuando Max recibe sus poderes y acude a Times Square, Spider-Man intenta evitar que Max se haga daño y que a su vez haga daño a los demás. Max se siente traicionado por su héroe. Trágicamente malinterpreta lo que Spider-Man intenta hacer.” El aspecto de Electro, muy diferente al original de los comics -que naturalmente ha evolucionado mucho desde su creación- es obra de los míticos Greg Nicotero y Howard Berger, de KNB EFX .
Pero hay otro villano más importante que Electro en la función y de más peso en la historia del lanzaredes, tanto que estuvo presente en la trilogía de Sam Raimi : Harry Osborn, El Duende Verde. O mejor dicho, el segundo Duende Verde, ya que tanto en la historia original como en la primera adaptación cinematográfica, el villano original es el padre del personaje, Norman Osborn. Para encarnar a este importante antagonista se ha contado con Dane DeHaan, que ya con anterioridad se había acercado al universo de los súper-héroes en la muy recomendable Chronicle (Josh Trank, 2012). Con cierto parecido físico con un joven Leonardo DiCaprio, DeHaan se desenvuelve con soltura con este complejo personaje “Harry Osborn representa el singular y clásico conflicto entre Peter Parker y Spider-Man,” dice Arad. “Harry era su mejor amigo y después, por circunstancias de la vida, Harry se torna en un enemigo dispuesto a destruir a Spider-Man. Y para colmo, lo más duro para Spider-Man es sentir la necesidad de ayudar a su amigo y evitar que éste se convierta en un villano autodestructivo.”
Repiten papel en esta segunda entrega de Spider-Man: Sally Field (tía May), Cambell Scott (Richard Parker) y Embeth Davidtz (Mary Parker), entre otros.
Finalmente destacar que The Amazing Spider-Man 2: El Poder de Electro nos traslada al ambiente del cómic al ser la primera de la franquicia rodada íntegramente en New York, escenario original de la serie. “Spider-Man es de Nueva York y su historia es una historia de la ciudad,” dice Webb. “Por lo que rodar en nuestra localización real, en lugar de duplicar un estudio de rodaje, fue realmente fascinante.”
[1] Tras la olvidable The Punisher: el vengador (The Punisher, 1989, Mark Goldblatt).
La Aventura Audiovisual nos trae un doble estreno: Los huéspedes y Seguridad no garantizada
Visitaba hace poco el nuevo multicine que han abierto en la barcelonesa calle Balmes con enorme felicidad, ya que pese a que van cerrando cines históricos de la ciudad todavía hay quien arriesga y nada contracorriente. Y lo evoco porque queremos felicitar a otros nadadores que se han lanzado al mar proceloso de la crisis del cine llevando la contraria: queremos felicitar a un nuevo sello, La Aventura Audiovisual, que iniciaba su singladura a finales del pasado año y que tras presentar en pantalla grande títulos del género que más amamos como The Woman (2011, Lucky McKee) -¿Quién de los presentes en el festival de Sitges no cayó rendido ante su protagonista, Pollyanna McIntosh?- o la extraña Upstream Colors (2013, Shane Carruth), nos ofrece ahora dos nuevos estrenos: The Innkeepers (Los huéspedes) y Seguridad no garantizada. Dos películas que al igual que las ya mentadas pudieron disfrutarse en festivales, como el de Sitges. Pero La Aventura Audiovisual no se detiene ahí, ya que durante mayo tienen previsto estrenar la trepidante Snowpiercer (2013, Joon-ho Bong) y el polémico, y para nosotros muy válido, remake de Maniac (2012, Franck Khalfoun), entre otras films más de género que seguro darán más de una alegría al espectador. No pensamos perder de vista a este nuevo sello.
The Innkeepers (2011) del talentoso Ti West llegará a las pantallas el próximo 25 de abril. Previamente pudo verse en diferentes festivales, donde llegó arropada con el elogio de Eli Roth («Una de las películas de terror más entretenidas, inteligentes y terroríficas que he visto nunca”) y la propia fama de su director, que se había ganado al público con La casa del diablo (2009). Así que las expectativas eran altas y fácilmente se convirtió en una de las cintas más esperadas de la 44 edición del Festival de Sitges. Pero después de su proyección pasó a ser catalogada como la mayor decepción del festival, ante lo cual sólo cabe decir que a veces el fandom no es demasiado justo, porque no es en absoluto una producción despreciable.
Vayamos por partes y empecemos resumiendo su argumento: conocido por muchos como “el hotel encantado” y después de más de un siglo de servicio, el Yankee Pedlar Inn está a punto de cerrar sus puertas para siempre. Los últimos empleados –Claire (Sara Paxton) y Luke (Pat Healy)- están decididos a reunir las pruebas que demuestran el terrorífico pasado del hotel, y deciden pasar las últimas noches en vela con cámaras y magnetófonos con el ánimo de registrar actividad paranormal. Cuando la fecha de cierre se aproxima, extraños huéspedes empiezan a alojarse a la vez que los dos jóvenes comienzan a experimentar sucesos alarmantes e insólitos…
A la luz de la sinopsis diríamos que nos encontramos ante una incursión al subgénero de las casas encantadas, pero eso no es exactamente así: The Innkeepers es fundamentalmente una comedia que acabará teniendo un giro hacia la historia de fantasmas. Algunos de sus detractores le echaron en cara al director la ausencia de elementos sobrenaturales durante más de dos tercios de la cinta, cosa que les llevaba a afirmar que carecía de ritmo y acción. Consideramos que quienes así hablaron no supieron entrar en la lógica del relato: el filme está más interesado en retratar a sus personajes humanos, solitarios y un tanto excéntricos, que en dar a luz un nuevo producto convencional de casas encantadas. Quien esto escribe se sitúa en las antípodas de esas críticas, pues según nuestro parecer habría sido más redonda aún si no hubiese habido ningún tipo de aparición.
Fue precisamente durante el rodaje de La casa del diablo cuando Ti West concibió la idea de filmar la película que nos ocupa. Todo el equipo estuvo alojado en el hotel The Yankee Pedlar Inn y durante su estancia West empezó a tener noticia de la fama de casa encantada que tenía el viejo hotel, viviendo incluso algunas experiencias típicos de los relatos de fantasmas: bombillas que explotan y se queman o una televisión que se enciende y apaga sola…“Había realmente un ambiente en general raro – como si alguien estuviera en la habitación conmigo». Ti West tuvo claro que ese hotel era una localización de lujo para un filme de género, tanto que, de haber recibido una negativa para filmar en él, The Inkeepers no existiría. Afortunadamente le fue concedida la localización y su película vio la luz.
Ti West es un autor querido por el Festival de Sitges. Si en 2011 se proyectaba The Innkeepers, en la última edición (2013) otra obra suya fue elegida como película de clausura: The Sacrament (2013), una cinta inspirada en los sucesos de Guyana, uno de los mayores suicidios colectivos que ha dado la historia. Y si para este falso documental Ti West eligió el recurso de la cámara en mano, el found footage, la puesta en escena de The Innkeepers está justo en el polo contrario: se define por una planificación clásica y unos largos y elegantes travellings que marcan una coreografía visual que se basta para crear la atmósfera del filme.
Y cuando hablamos de atmósfera no nos referimos a la acumulación de efectos asociados al terror gótico, muy al contrario, West no cae en ninguno de los tópicos ni construye la intriga apoyándose en continuos sustos. Del mismo modo no hay en la película el menor derroche de hemoglobina. Todo ello la convierte en una pieza única en la que no sería justo no mencionar la química que se desarrolla entre los dos protagonistas, que nos regalan una actuación convincente (especialmente Sara Paxton en el papel de Claire) y nos permiten empatizar con unos personajes que no dejan de tener un toque bizarro. Si bien el director ya conocía de unos años antes a Pat Healy, que encarna al especialista de tecnología solitario, Luke, más tiempo le llevó encontrar a Claire, la entusiasta cazadora de fantasmas: “Mi mánager me llamó para decirme que un tal Ti West quería hablar conmigo y que leyera un guion”, cuenta Paxton. (…)»Me gustó el guión, me encantó la idea y que toda la película gire en torno a la cuestión de si hay fantasmas realmente. Lo que me atrajo de mi personaje es que ella era muy agradable”.
Bien dirigida, bien interpretada, con sentido del humor y alejada de los tópicos, consideramos que no mereció las descalificaciones de sus detractores. Esperamos que sea mejor comprendida en su estreno en salas.
En la misma dirección de The Innkeepers se desplaza Seguridad no garantizada (Safety Not Guaranteed, 2012) de Colin Trevorrow. Nuevamente nos enfrentamos a una comedia que acaba teniendo un giro hacia el fantástico. Sobre ella pudo leerse en Variety: «Una pequeña película con un gran corazón…’Safety Not Guaranteed’ es una excéntrica comedia teñida de ciencia-ficción sobre el amor como la última aventura arriesgada«. El sentimiento que este filme nos produjo es el de la satisfacción de haber descubierto una joyita donde no esperábamos encontrarla. Y es que, ¿Cómo no dar una oportunidad a un film con semejante punto de partida?: un estrambótico anuncio clasificado (el que pueden leer a su derecha) inspira a tres cínicos periodistas de Seattle a buscar la noticia que hay detrás. Así dan con el misterioso y excéntrico Kenneth, un agradable a la par que paranoico empleado de supermercado, que cree haber resuelto el enigma de los viajes en el tiempo y tiene la intención de partir pronto. Juntos se embarcan en un hilarante e inesperadamente sincero viaje que revelará hasta dónde puede llevarnos un acto de fe. Bien, ya sabemos que en ocasiones hay argumentos que nos cautivan por su carácter delirante y luego acaban decepcionándonos, pero no es el caso del Seguridad no garantizada, el debutante Trevorrow maneja perfectamente a sus cuatro bizarros personajes y los actores responden a lo exigido.
El resultado es una película solvente que acaba enseñándonos con su humor grotesco que los diferentes, los no adaptados, también pueden acabar aceptándose y viendo cumplidos sus sueños. Y todo ello sin caer en el sentimentalismo ni la lágrima fácil. Para su director «era una oportunidad para contar una historia de un viaje en el tiempo de una manera metafórica y al mismo tiempo literal» (…) «En realidad no es una película sobre la máquina del tiempo. Y sí, sólo ves una parte de ella muy brevemente en el medio, pero podría ser cualquier cosa. Todos queríamos mantener la tensión en la película evitándola y dejando que el espectador se preguntase si realmente cree que hay una máquina del tiempo«. Su vertiente de ciencia ficción, pues, está puesta al servicio de la metáfora del reconocimiento de uno mismo y la apertura a los demás. Después de todo cualquier viaje tiene algo de reencuentro con el pasado, con la herencia que otros han dejado. Al igual que es también un encuentro con el yo y sus expectativas. En este sentido todos los personajes del filme viajan y acaban reconociendo la importancia de la fe en uno mismo y en los demás como único camino para dar salida a nuestros deseos.
De bajo presupuesto, Seguridad no garantizada, destila ingenio e ingenuidad a partes iguales. Demuestra así que los grandes resultados no necesariamente surgen de grandes inversiones. Su grandeza le viene de saber utilizar todos los recursos humanos y de guión, apostando por lo modesto pero efectivo. Así, al igual que en Los huéspedes, esta película se beneficia de una reparto joven pero competente, recayendo en ambas el peso de la historia en la heroína, en los dos casos jóvenes y astutas next door girls (Sara Paxton y Aubrey Plaza, respectivamente) que aportan un buen grado de frescura al filme, sin ser solo meras comparsas del héroe de turno o pura carnaza para solaz visual, despertando simpatía y ternura. También ambos films coinciden en no basar su eficacia en la pirotecnia, sino en sus ingeniosos guiones, que mezclan comedia y fantasía alejándose de escenarios trillados y visitados en infinidad de ocasiones, funcionando ambas historias en diversos campos. Precisamente el guión de Seguridad no garantizada le ha proporcionado al film dos importantes premios en 2012 en el Independent Spirit Awards y en Sundance.
La Aventura Audiovisual demuestra buen tino escogiendo sus títulos y desde aquí les deseamos la mejor de las suertes.
Caroline Murno ya está en Madrid rodando Vampyres
Caroline Murno, y a su derecha Víctor Matellano y el especialista en efectos especiales Colin Arthur
La actriz Caroline Munro se encuentra ya en España rodando a las órdenes de Víctor Matellano el film Vampyres. La película, revisión de Las Hijas de Drácula (1974) de José Ramón Larraz, se está filmando en localizaciones ubicadas en las sierras de Segovia y Madrid, en lugares como Colmenar Viejo o Talamanca de Jarama.
Caroline Munro fue chica Bond en La espía que me amó (1977) y uno de los rostros más populares del cine de género de los años 70 y 80, con títulos como Capitán Kronos: Cazador de vampiros (1972), El viaje fantástico de Simbad (1973) o Maniac (1980) de William Lustig.
La bellísima actriz interpreta un nuevo papel protagonista, que no aparecía en el film original y que sirve para dar las claves para solucionar los misterios que plantea la película y que en Las Hijas de Drácula quedaban sin resolver. Se trata de una pintora, dueña de un hotel rural, que parece conocer todos los peligros que encierra el bosque donde sucede la acción.
La actriz comparte cartel con Christian Stamm, Luis Hacha, Marta Flich, Anthony Rotsa, Víctor Vidal y Almudena León, entre otros. Vampyres cuenta además con la aparición especial de clásicos del cine de terror como Lone Fleming, May Heatherly o Conrado San Martín.
En la película participa también otra leyenda del género, Colin Arthur, a cargo de los efectos especiales y el maquillaje. Entre su filmografía, además de contar con títulos memorables como La Historia interminable, Conan, el bárbaro o El resplandor, Colin Arthur fue el responsable del maquillaje en la película de José Ramón Larraz de 1974. Y también se da la coincidencia de que tanto Caroline Munro como Colin Arthur se encuentran rodando en el mismo entorno donde coincidieron hace algo más de 40 años para el rodaje de El viaje fantástico de Simbad.
Vampyres es una producción de Ángel Mora para Artistic Films dirigida por Víctor Matellano, quien recientemente presentó en el marco del Festival de Cine de Málaga su documental ¡Zarpazos! Un viaje por el Spanish horror, que próximamente participará en el Festival de Cine Fantástico de Madrid Nocturna 2014, mientras que su cortometraje La Cañada de los ingleses acaba de ser seleccionado para acudir al Festival de Cannes.
En el apartado técnico acompañan a Artistic Films empresas como The Other Side Cinema, Recámara, Gigantes y Molinos, La Mansión del terror y Fonofox en calidad de productores asociados.
Noé, diluvios apocalípticos y almas bellas
«(…) pase de la leve sorpresa a la frustración, de la frustración a la decepción y de la decepción a la indignación, al final quería irme del cine, pero lo único que me mantenía amarrado a mi silla era la idea de difundir esta información para denunciar esta película herética (o si, herejías hay varias) blasfema y vacía de toda fuerza proto-evangélica, en la esperanza de que eviten verla y ademas puedan entrar en contacto con una opinión católica al respecto«. Así de radical es la opinión del responsable del blog Extra Ecclesiam nulla salus, ya saben, si están fuera de la Iglesia no serán tocados con la bendición de la salvación y se perderán en el averno, con llanto y crujir de dientes. Si quieren saber que es lo que denuncia un católico ultramontano de la última de Aronofsky no duden en pinchar sobre el enlace. Allí lo encontrarán explicado con todo detalle, yo aquí me quedaré sólo con una de las consideraciones que en ese blog consideran blasfema: la figura de los que son llamados en la película, Los vigilantes. Vayamos a ello.
Sin considerarme especialista, tengo la convicción de que El Señor de los Anillos marca un antes y un después en el cine de hazañas épicas y así me pareció detectarlo en Noé, especialmente en la figura de Los vigilantes, esas criaturas gigantescas, esas moles de barro que parecen rocas escarpadas y que dejan ver luz saliendo de sus ojos. ¿Quiénes son? Pues nada más ni nada menos que ángeles caídos (más bien nefilims) esos de los que se habla más en los apócrifos que en la biblia canónica (con gran detalle en el Libro de Enoc), pero convertidos aquí en titanes filántropos que han recibido castigo del creador, precisamente, por haber ayudado a los hombres después de haber sido expulsados del Edén. Aronofsky ha investigado lo escrito sobre Noé en los textos religiosos, pero a ello le ha sumado sus propias convicciones. Los vigilantes están más próximos a Prometeo que a Lucifer, por eso a un católico, especialmente si es de mira estrecha, le parecen blasfemos. Están más próximos a nuestra herencia griega que a la cristiana. Lo que les hace interesantes es precisamente esa carga sacrílega de ser piadosos en su sublevación contra el creador. Aronofsky nos deja vislumbrar la ligazón dialéctica que hay entre el bien y el mal: de un acto impío puede nacer la bondad, del mismo modo que del bien puede llegar un mal. Así la obsesión por la justicia de Noé le conduce a la hybris, la desmesura de pensar que debe aniquilarse todo lo humano sin distinción.
Noé, empujado por la fe de su corazón, llega a casi volverse contra los suyos. Noé se convierte en un Alma Bella en el sentido Hegeliano: «Vive en la angustia de manchar la gloria de su interior con la acción y la existencia; y, para conservar la pureza de su corazón, rehuye todo contacto con la realidad y permanece en la obstinada impotencia de renunciar al propio sí mismo llevado hasta el extremo de la última abstracción«. La misma fuerza que le lleva a querer salvar lo puro le hace sentir que todo lo humano está corrupto. Sólo puede esperarse un correctivo ejemplar: el tiempo de la piedad pasó y hay que doblegarse al castigo. Sus convicciones acaban llevándolo a abrazar la moral del resentimiento, la propia del nihilismo negativo según Nietzsche. Sólo el perdón de su víctima más indefensa le devuelve la lucidez, en una conversión que nos recuerda la de Ethan (John Wayne) en Centauros del desierto cuando este último llega a tomar entre sus brazos a su sobrina.
No se asusten de que cite tanto filósofo alemán, la película funciona también como espectáculo, como fiesta de efectos especiales. Y Aronofsky declara que su objetivo ha sido sobre todo la evasión: “El corazón del filme es el entretenimiento, mi intención es presentar un drama perturbador, con grandes actuaciones, efectos visuales y música. Por supuesto, espero que a la salida la gente salga con más preguntas, charle sobre lo visto. Claro que necesito a alguien como Russell. Si en pantalla tienes milagros, ángeles convertidos en gigantes de piedra y otros seres no conocidos, debes de tener un actor que dé verosimilitud a su personaje. Russell es férreo y creíble”. Pero aunque afirme que sólo quiere hacer cine, no niega que haya querido darle un trasfondo de espiritualidad a su superproducción apocalíptica: “Defíneme espiritualidad. Bueno, entiendo lo que planteas. Sí que creo que falla nuestra conexión con el medio ambiente. Nuestro respeto a la creación. Hasta hace poco sabíamos que nuestra huella desaparecía del planeta: a duras penas quedan piedras, herraduras… Y desde hace un siglo hemos creado plásticos no biodegradables, gracias a productos químicos creados por nosotros. Tenemos un poder que estamos malgastando en estropear el lugar en que vivimos”.
Donde algunos ven blasfemia y satanismo, sólo hay una toma de conciencia de la crisis de recursos a la que parecemos abocados si no cambiamos nuestros modelos de producción y consumo. La película tiene mensaje, pero un mensaje ecologista que se vale de la historia sagrada para ofrecer una lectura de nuestra condición actual a la que hemos llegado por nuestros propios poderes, que atacan a la naturaleza pero que acabarán pasando cuentas a nosotros los humanos. Después de todo la naturaleza tiene una capacidad de cambio superior a la nuestra, cuando algo amenaza al conjunto, acaba pereciendo él mismo. Ese apocalipsis antediluviano es nuestra propia realidad, el que trata de aprehender Aronofsky es el apocalipsis que venimos cerniendo sobre nuestras postindustriales cabezas. Sin embargo, el apocalipsis promete una regeneración, un mundo mejor, no la típica muerte y destrucción de Roland Emmerich. Pese a todo hay que seguir confiando en nosotros y nuestra capacidad de respuesta. O si no, al menos a seguir teniendo fe en el caos.
Enemy, de dobles y arañas
Según leemos, Enemy fue uno de los títulos recurrentes en los corrillos de San Sebastián cuando se vio por primera vez en España. Es una de esas cintas propensas a sembrar el desconcierto y a ganarse amores u odios casi instantáneos. Sin ir más lejos, al salir del pase de prensa le hizo espetar a una de las cabezas pensantes de Serendipia, que «Si cuando veo una película me pierdo o no la entiendo es que el director me la ha contado mal». Esta sin duda es una de esas películas de la que nadie hablará mal por miedo a hacer el ridículo dados los orígenes literarios y el prestigio del director. Tras el pase de prensa, en el lavabo, lugar en el que además de aliviar la vejiga se liberan los comentarios sobre lo recién visto, hubo el característico silencio perplejo que siempre hay cuando no se sabe que decir y se teme quedar como un burro si deja entrever que no se ha entendido el final o se ha perdido a medio metraje. El film llama al engaño. Tras un ingenioso argumento lineal de intriga, con ciertas pinceladas surrealistas, termina desembocando en un final que desde ya formará parte de mi léxico particular. Me explico: si existe el socorrido final «todo era un sueño», que no hace falta explicar; o el «Chaplin», en el que el personaje o personajes siguen con su vida hacia un destino incierto, al igual que Charlot marchando hacia un punto del camino, desde ahora también hay una palabra para definir esos finales en los que uno se queda perplejo: El final araña. Ustedes ya me entenderán.
Así que ya ven que lo que más ampollas levantó a esa parte de mi ser fue el final. Cosa que me evoca el diálogo inicial de Dios (una comedia) de Woody Allen (incluida en Sin Plumas), y van a permitirme que se lo transcriba:
Actor: Nada… sencillamente nada…
Autor: ¿Qué?
Actor: No tiene sentido. Es vacío.
Autor: El final.
Actor: Naturalmente. ¿Qué estamos discutiendo? Estamos discutiendo el final.
Autor: Siempre estamos discutiendo el final.
Actor: Porque es imposible.
Autor: Reconozco que es poco satisfactorio.
Actor: ¿¡Poco satisfactorio!? Ni siquiera resulta creíble. Cuando se escribe una obra el truco está en empezar por el final. Se busca un final sólido y bueno, y luego se escribe hacia atrás.
Autor: Ya intenté eso. Me salió una obra que no tenía principio.
Sólido y bueno, parece que es la premisa que debe cumplir, ¿pero en qué consiste eso? Echemos mano de la teoría de la narración según la cual el final de un relato debe ser sorprendente, pero a la vez debe guardar coherencia con todo lo narrado hasta allí. Buen final es aquel que nos hace replantearnos todo lo leído (lo visto, en el caso de un filme) y encontrarle un sentido nuevo. ¿No cumple con ello Villeneuve? En mi opinión (soy la otra cabeza) sí, salvo que debo reconocer que va más allá de la sorpresa: nos conduce directamente a la perplejidad, su sinónimo, pero ya saben que los sinónimos no son idénticos, introducen siempre un matiz. Y ese matiz hará que guste o que se la considere un acto especulativo para gafapastas (por cierto, mis gafas son de pasta y las de mi alter ego, no).
Si Villeneuve leyera este blog, se sentiría satisfecho por la polémica suscitada, y es que confesaba en San Sebastián que sus películas favoritas «son las que me han dejado más preguntas que respuestas, como ‘2001. Una odisea en el espacio’: me gusta esa sensación, cómo se van abriendo puertas para ir descifrando el misterio, y eso he querido hacer yo«. Hay que reconocer que, en esta que según él mismo es su obra más personal, lo ha conseguido. Enemy, nos lleva al anonadamiento. Y es que «esta película hay que verla varias veces para entender su esencia, pero está todo en ella«, explicó rebuscando las palabras. Puede decirse, pues, que Enemy es un puzzle al que no le faltan piezas, pero en el que estaremos obligados a hacerlo y rehacerlo para vislumbrarlo y seguramente siempre nos quedará alguna zona muerta; pero eso es lo pretendido, que nos deje más interrogantes que respuestas.
Y después de hablar del final, cabe hablar sobre el principio. El origen de esta película hay que buscarlo en la lectura, por parte del canadiense, de la novela El hombre duplicado de José Saramago. «Sentía la necesidad visceral de hacer una película que quizá nadie más hubiera hecho, y lo que he hecho ha sido por un gran amor al cine; para mí, Enemy ha sido una ensoñación, mi secreto«. Se trata de una adaptación libre en la que el director ha volcado sus propias reflexiones, sobre todo la que atañe al poder del subconsciente, para Villeneuve el subconsciente es algo que tiene gran influencia en nuestras vidas y un impacto real en la sociedad. Si no somos conscientes de esa fuerza y de sus efectos colaterales, nunca sabremos quién toma en realidad las decisiones sobre nosotros mismos.
Sin duda, el tema del doble es uno de los que mejor se presta para hablar de ello. Sobre todo tal como lo retrata el canadiense. La película está recorrida por tintes fantasmagóricos en lo que hace referencia al escenario, ese Toronto lleno de grises y de intrigantes edificios ultramodernos, clara metáfora del laberinto, de la tela de araña (sí, la araña tiene gran importancia en esta cinta) que nos pierden cuando queremos llegar al centro. Y también en lo que hace referencia a la exposición de la trama, la historia se va engranando con un cierto aire onírico, perdemos a veces los límites de la realidad. Todo ello le da un arrollador poder sensorial, en el que no tiene poca relevancia la actuación de Jake Gyllenhaal que borda su doble papel tanto como en su día lo hiciera Jeremy Irons en I
nseparables. Y viene
bien mencionar la película de Cronemberg, porque no es poco lo que guardan en común: ahí está el enigmático papel de la mujer (en este caso dos rubias frías como las hitchcockianas), a la vez fuente de deseo y de castración, y en ambos casos la pervivencia del otro exige la muerte del duplicado, aunque eso suponga la disolución de ambos. En ese último sentido se puede leer en la notas del director que encontrar a alguien igual a nosotros sería un fenómeno que debería provocar el mismo impacto en un ser humano que el que provoca un agujero negro en una galaxia: ni siquiera la luz puede escapar de esa concentración de masa, nuestro doble supondría la pérdida de nuestra energía, de la capacidad de discernir qué nos hace ser nosotros y no los demás, del poder de controlar las propias decisiones.
Los agujeros negros tienen una entropía gravitacional intrínseca. Ello implica que la gravedad introduce un nivel adicional de impredictibilidad por sobre la incertidumbre cuántica. Parece, en función de la actual capacidad teórica, de observación y experimental, como si la naturaleza asumiera decisiones al azar o, en su defecto, alejadas de leyes precisas más generales. La metáfora con la que elige Villeneuve para explicar el mitema del doble, coincide pues con la frase de la novela que elige como destacado inicial, como preámbulo del prólogo que tanta relación guarda con ese enigmático final araña (y que nos hace evocar El relato soñado de Arthur Schnitzler): «El caos es un orden por descifrar». Bajo esa luz cabe interpretar toda la película, así que aunque se estructure como un filme de suspense, de intriga casi detectivesca, Enemy viene cargada de concepto. Tal se diría que el Darren Aronofsky de Pi ha adaptado El Doble de Dostoievsky (como se afirma, de hecho, en el blog de Filmin).
Así es Enemy para algunos una película pretenciosa, absurda y bobamente enigmática (Carlos Boyero dixit), para otros tubardora, genial y exquisita a nivel estético. Sólo debo decirles que la vean y juzguen ustedes mismos, después de todo es una película de la que se disfruta más cuanto más se discute sobre ella.
Filmax e Inopia Films distribuyen en cines Big Bad Wolves
El próximo 23 de mayo se estrena en cines BIG BAD WOLVES, una de las películas más impactantes y que más nos gustó de la pasada edición del Festival de Cine de Sitges. La película, calificada por Quentin Tarantino como “La mejor película del año” (refiriéndose a 2013), consiguió en este Festival el premio a la Mejor Dirección y una mención especial a la Banda Sonora. También fue una de las películas más destacadas y valoradas tanto por la crítica como por el público. Aunque no todo el mundo supo apreciar la mezcla que hace de humor con un tema tan trágico como el tratado.
Big Bad Wolves es un thriller de venganza con toques de comedia negra, una versión moderna del cuento clásico de Caperucita Roja y el Lobo Feroz. Está dirigida por los israelíes Navot Papushado y Aharon Keshales. Profesor y alumno respectivamente, debutaron en la dirección de un largo con la película Rabies, la primera película israelí de terror. Bid Bad Wolves es el segundo largometraje que dirigen juntos.
La película está protagonizada por Lior Ashkenazi (Caminar sobre las aguas), Rotem Keinan y Tzahi Grad.
Además del Festival Internacional de Cine de Sitges, Big Bad Wolves pasó por otra veintena de Festivales, como el de Tribeca, donde causó furor; también estuvo en Austin Fantastic Fest y en Fantasia Film Festival, de Montreal, entre otros. En este último se alzó con los premios a la Mejor Película y al Mejor Guión.
La Academia de Cine Israelí la premió también con 7 estatuillas incluyendo Mejor Guión, Mejor Dirección y Mejor Fotografía.
Sinopsis:
Una serie de brutales asesinatos entrelaza la vida de tres hombres: el padre de la última víctima, sediento de venganza; un detective de policía que opera en los límites de la ley; y un profesor de religión, principal sospechoso de los asesinatos.
Ya pueden llevarse a casa las ‘Lentejuelas de Sangre’ de Pierrot
Ya les hemos hablado mucho de este documental en este blog, ya que tuvimos la suerte de ser testigos del rodaje de algunas de las entrevistas y echar una manita a su director, Eduardo Gión. El resultado lo pudimos disfrutar en el Festival de Sitges: un documento redondo de otra época y diríase casi de otro mundo en el que pudimos emocionarnos recordando la faceta terrorífica del artista Pierrot junto a un montón de amigos y colaboradores. Ahora ya está disponible, repleto de suculentos extras y a un precio más que asequible. Yo voy a pedirlo en cuanto publique esto. Cómprenlo, no se arrepentirán.
Lentejuelas de sangre: PierroTerror repasa la vida del artista multidisciplinar Pierrot. Una etapa comprendida entre finales de los años sesenta y finales de los setenta, dedicada al mundo del terror, los fanzines, teatro de impacto, grand guignol y películas en Súper 8.
Pierrot es a día de hoy un icono tanto para los incondicionales del cabaret como para los del cine de terror. El director Eduardo Gión ha indagado en su vida para ofrecernos este magnífico documental que incluye importante e inédito material de archivo, además de declaraciones de clásicos del cine de género como José Lifante, Sebastián D’Arbó, Ricard Reguant o Salvador Sáinz.
Vial of Delicatessens tiene el placer de editarla en DVD y contribuir, junto a Eduardo Gión, a la reivindicación de esta mítica figura del underground, anunciando además que no será la única referencia sobre Pierrot que acabaremos teniendo en nuestro catálogo…
El DVD viene complementado con numeroso material extra: un cortometraje en súper 8 de Pierrot totalmente inédito, un cortometraje del propio Gión, homenajes, coloquios y las colaboraciones de Alaska, Paco Clavel, Naxo Fiol, David Tort, Raúl Hidalgo, Valeria Vegas y Juan Sánchez entre otros. A la venta a 5,99 Euros a través de http://vialofdelicatessens.blogspot.com o en puntos de venta especializados a consultar en la misma web.
Comienza el crowdfunding para ‘Once Upon a Time in Jerusalem’
Ya les hemos hablado de sobras del corto Fist of Jesús, y su teaser, en el que tuvimos la suerte de figurar y ser ensangrentados en un día memorable. Ahora la cosa pasa a mayores y sus artífices se han propuesto rodar un largometraje: Once Upon a Time in Jerusalem, del que les ofrecemos, recién salido del horno, su prometedor video promocional .
Como los responsables de Fist of Jesús son humildes, quieren contar con todos ustedes, ofreciéndoles la oportunidad de contribuir, mediante crowdfunding, a propagar la palabra del Señor. Así que, tal y como dice uno de los directores, David Muñoz, entren en Kickstarter «a ver si podemos rodar el largo este verano. Si os mola y nos echáis un cable comprando alguna de las recompensas o recomendando a vuestros conocidos estaremos mas cerca de volver a pasar otro verano llenos de arañazos y moratones pero felices».
Contribuyan pues a su felicidad y a que este verano les resulte inolvidable clicando aquí.
Víctor Matellano: cortos, documentales y largometrajes
Uno no puede menos que sorprenderse y quitarse el sombrero ante la capacidad que tiene Víctor Matellano para sacar adelante proyectos interesantes, algo que no pude dejar de comentárselo durante la última edición del festival de Sitges. Todas sus obras ya terminadas y las que están en rodaje nos lo corroboran.
Entre las finalizadas se encuentra el corto La cañada de los ingleses, que cuenta en su reparto con Manuel Bandera, Nadia de Santiago, Lone Fleming y la narración de Jack Taylor y Leonor Watling. Con efectos especiales de Colin Arthur. Una producción de Atrevimiento Films que nos sumerge en Málaga, donde viaja Andersen quedando fascinado con el Cementerio Inglés y donde fantasea con la búsqueda de la sirenita.
También está listo el esperado documental sobre Fantaterror español Zarpazos, que como proyecto se dio a conocer bajo el título de Spanish Horror y que cuenta con la participación de muchos de los principales actores y personajes que protagonizaron aquella época.
Ambas obras han sido seleccionadas para su estreno en el festival de Málaga. El corto se exhibió el día 5 de marzo en la sección ‘Málaga de Festival’ y el documental se pasará el día 24 durante la sección especial de documentales. Y todo ello sin olvidar Wax, que está a la espera, protagonizada por Jack Taylor.
Entre los proyectos que están en rodaje tenemos por fin nuevos datos sobre la revisión de Las hijas de Drácula, de José Ramón Larraz. Y es que nada menos que Caroline Munro («Maniac”, «La espía que me amó») se encuentra al frente del reparto de Vampyres.
Ángel Mora produce para Artistic Films esta nueva incursión en los personajes y ambientes de Las hijas de Drácula, ideada por José Ramón Larraz y guionizada por él mismo junto a Víctor Matellano; una tarea que Larraz pudo realizar antes de su triste fallecimiento el año pasado. En esta ocasión, es el propio Matellano el encargado de dirigir esta historia de terror, sensualidad y perversión, para la que se cuenta con la participación estelar de Caroline Munro, una actriz indispensable para los amantes del género, presente en películas inolvidables como la producción Harryhausen El viaje fantástico de Simbad, la camp Star Crash, o su rol de amada de Vincent Price en El abominable Dr. Phibes.
Junto a Munro, un reparto de jóvenes actores internacionales como los americanos Anthony Rotsa y Veronica Bacorn o la rumana Alina Nastase. Por parte española, podremos ver a Luis Hacha («Di Di Hollywood»), Marta Flich («Omnívoros») o Almudena León («Wax»), entre otros. Estos jóvenes serán acompañados por grandes glorias del terror patrio en calidad de aparición especial. Así, podremos ver desfilar en Vampyres a Lone Fleming, May Heatherly, Antonio Mayans o Conrado San Martín, intérpretes de obras memorables como Gritos en la noche, La noche del terror ciego o Mil gritos tiene la noche.
Uno de los platos fuertes de Vampyres son los efectos especiales de maquillaje. El encargado de llevarlos a cabo es el gran Colin Arthur, autor de la fauna de La historia interminable. Y da la circunstancia de que el propio Arthur realizó los efectos de la película original de Larraz, siendo de las pocas ocasiones en que un técnico de efectos realiza una película y su revisión cuatro décadas después. De este modo, Vampyres será un mundo de encuentros, ya que Colin Arthur y Caroline Munro trabajaron juntos en El viaje fantástico de Simbad y El abominable Dr. Phibes.
Primeras imágenes de Mortadelo y Filemón contra Jimmy el cachondo
Habrá que esperar a Diciembre para poder ver una nueva aventura en pantalla grande de Mortadelo y Filemón, que ha sido rodada por Javier Fesser. Pero ya podemos al menos disfrutar con sus primeras imágenes que llegan tras cuatro años de estricto secreto.
Del laborioso proceso de producción en el que aún se encuentran inmersos más de 150 artistas y técnicos bajo la dirección de Javier Fesser, nos llega ahora una primera imagen del film que no es más que un mínimo adelanto de lo que nos espera…
En palabras del propio director: “Se trata de una historia urbana, doméstica, con claras referencias a la actualidad, cien por cien Mortadelo y Filemón, cien por cien fiel a la obra de Francisco Ibáñez. Es una comedia de acción que hace uso de un ritmo endiablado para imitar al maestro dibujante, quien decidió hace más de cincuenta años no dar tregua a sus lectores acribillándoles con abrumadores y surrealistas gags visuales, a cada cual más bestia, a cada cual más ocurrente. Una película-espectáculo, familiar donde las haya, pensada para reírse”.
En esta absolutamente renovada entrega de los personajes más populares del dibujante Francisco Ibáñez, Mortadelo y Filemón, editados por Ediciones B, cobran vida a través de la animación por ordenador y en versión estereoscópica 3D.
Para el director de esta producción, “se trata de aprovechar las últimas tecnologías CGI de animación, modelado, efectos digitales e iluminación para reproducir la desbordante capacidad expresiva de los personajes y el universo de colores vibrantes creado por Ibáñez, tal y como él lo concibió. Tal y como está ya instalado en el subconsciente colectivo. Con ese sabor tan maravillosamente atemporal y tan universalmente español que destilan sus historietas”.
Con guión del propio Javier Fesser, Claro García y Cristóbal Ruiz, es una producción de Zeta Cinema y Películas Pendelton, que se está llevando a cabo en los Estudios Ilion de Madrid y que cuenta con la colaboración de TVE, TV3, Canal+ y ONO.
Warner Bros. Pictures Intl. España será la responsable de la distribución de la película en España, que tiene previsto su estreno el próximo 28 de noviembre de 2014.
Y para ir haciendo boca, aquí os dejamos la sinopsis argumental: los agentes Mortadelo y Filemón se ven obligados a hacer uso de toda su inoperancia para seguir sin resolver nada y sembrar el caos allá donde van. En esta ocasión, su inexistente capacidad será puesta a prueba sin éxito ninguno para dar con el paradero de Jimmy el Cachondo, un acomplejado maleante que tampoco despunta por su elevado coeficiente intelectual, pero que tiene su gracia. Su gracia es que lleva colgando en su helicóptero una bombita de neutrones picantes que pueden hacer ¡PUM! en cualquier 
momento. Y todo esto mientras Mortadelo y Filemón esconden en su propia casa a un testigo protegido peligrosísimo del que ellos mismos se tendrán que proteger si no quieren que la película se acorte drásticamente y termine antes de que acabe la película.
Se trata de una desquiciada aventura que refleja de manera fidedigna el universo hilarante creado por el genial Francisco Ibáñez. A todo color y en noventa estereoscópicos minutos de “no parar”
J. A. Bayona dirigirá la adaptación de la novela ‘Un monstruo viene a verme’
Apaches Entertainment, en asociación con La Trini, se complacen en anunciar el próximo proyecto del director Juan Antonio Bayona. Se trata de la adaptación de la novela de Patrick Ness Un monstruo viene a verme. Este será el primer proyecto cinematográfico de Bayona tras Lo imposible, la película española más taquillera de la historia en España. Con este nuevo trabajo J.A Bayona cerrará una trilogía sobre las relaciones madre-hijo, que inició con El orfanato y continuó con Lo imposible.
Un monstruo viene a verme es un drama fantástico que narra la historia de un niño que trata de hacer frente a la enfermedad de su madre refugiándose en un mundo de fantasía. Calificada por el New York Times como «una historia que se te mete en los huesos y se queda ahí para siempre», Un monstruo viene a verme, publicado en diecisiete países y merecedor del Premio National Galaxy, ha sido el primer libro en ganar dos de los premios más prestigiosos del Reino Unido: la Medalla Carnegie al mérito literario y la Medalla Kate Greenaway al mérito artístico.
Para Bayona, Un Monstruo viene a verme es una historia “emocionante y única que habla de la necesidad de la fantasía para enfrentarnos al mundo real».
Producida por Belén Atienza, la película se rodará entre España e Inglaterra en otoño de este año con contando con gran parte del equipo técnico que ha acompañado a Bayona en sus anteriores trabajos cinematográficos. Su estreno está previsto para otoño de 2016.
Después de obtener el Goya a la mejor dirección por Lo imposible en 2013, J.A. Bayona ha rodado el capítulo piloto de Penny Dreadful, la serie producida por Sam Mendes para la cadena americana Showtime cuyo estreno mundial en la pequeña pantalla será el próximo mes de mayo, tras su presentación este próximo fin de semana en el Festival South by SouthWest, en Austin. Tras Un monstruo viene a verme, J.A. Bayona dirigirá la segunda parte de Guerra mundial Z.
Se acercan los Guardianes de la Galaxia
Os presentamos a los personajes de la película GUARDIANES DE LA GALAXIA que se estrena en cines el 14 de agosto.Gamora (ZOE SALDANA) (link al video) Una huérfana de un mundo alienígena, criada por uno de los personajes más villanos del universo, Thanos, se ha convertido en el arma perfecta. Como la asesina personal de Thanos, GAmora se ha forjado una reputación como “la mujer más letal del universo.” Busca redimir su pasado mientras ayuda a proteger la galaxia.Peter Quill (CHRIS PRATT) (link al video) Nacido en tierra pero llevado a las estrellas, Quill, que se autonomina “Star-Lord,” debe congregar un extraño equipo de inadaptados cósmicos para prevenir que un poderoso villano destroce la galaxia.Rocket (Bradley Cooper) (link al video) Un cazarrecompensas y mercenario cuya maestría con las armas y tácticas de batalla hacen de él un formidable guerrero, a pesar de su corta estatura, este rudo pistolero no es un mapache con quien se pueda jugar. Con problemas de furia y un extraño mejor amigo, este genio mecánico es otro tipo de héroe.Drax (DAVE BAUTISTA) (link al video) Después de que todo su mundo fuese destruido; Drax hace un viaje para vengarse de su familia y destruir a los villanos que le dieron por muerto. Viajando por el universo en busca de justicia, se encuentra con un extraño grupo de personajes que le harán tener otra perspectiva ante la vida.Groot (Vin Diesel) (link al video) Descendiente de una raza de flora andante y parece un tronco de árbol centenario, su extraña apariencia y habilidades de comunicacion limitadas, Groot demuestra ser un aliado muy valioso y un amigo leal de su banda de inadaptados. |
«Guardianes de la galaxia«, que aparecieron por primera vez en cómic en 1969, está protagonizada por Chris Pratt, Zoe Saldana, Dave Bautista, con Vin Diesel como la voz de Groot, Bradley Cooper como la voz Rocket, Lee Pace, Michael Rooker, Karen Gillan, Djimon Hounsou, con John C. Reilly, Glenn Close como la Comandante Rael y Benicio del Toro como The Collector.James Gunn es el director de la película que produce Kevin Feige. Louis D’Esposito, Victoria Alonso, Jeremy Latcham, Alan Fine y Stan Lee son los productores ejecutivos. La historia es de Nicole Perlman y James Gunn, con guión de James Gunn. «Guardianes de la galaxia» de Marvel se estrenará el 14 de agosto de 2014. |
Estreno en salas cinematográficas de The Woman y Apollo 18
Marzo va a ser el mes de la distribuidora La Aventura (buen nombre para una nueva distribuidora cinematográfica en vista de como están las cosas actualmente) ya que lanzará dos interesantes títulos ambos enmarcados dentro del cine fantástico y de terror: The Woman y Apollo 18.
THE WOMAN (2011, Lucky Mckee)
The Woman pudimos verla durante el pasado Festival de Sitges 2011, donde estuvo presente su director Lucky Mckee, todo un veterano del festival ya que también acudió (y triunfó) hace unos años con su ópera prima, May. The Woman no gustó a todo el mundo, de acuerdo, pero fue sin duda uno de los platos interesantes y más brutos de una edición del festival que no se caracterizó especialmente por su crudeza. No, no es una película especialmente sangrienta, pero contiene ciertos excesos que la hacen recomendable. También es más que destacable la labor de su protagonista, la exótica (escocesa criada entre Portugal y Colombia) y escultural Pollyanna McIntosh, que realiza todo un tour de force interpretativo.
Pese la temática dura, The Woman no llega a ser una película gráfica donde se muestra explícitamente la brutalidad. McKee opta por enseñarla en algunos puntos y así no perder el impacto que implicaría hacerlo en todo el film. El guión fue escrito por McKee y el autor de bestsellers Jack Ketchum, de quien Stephen King llegó a decir que es el escritor más aterrador de las últimas décadas. Ambos desarrollaron el guión y el libro a la vez, pero hay grandes diferencias narrativas entre los dos formatos: el libro es mucho más gráfico, la película en cambio juega con ocultar las acciones para obligar al espectador a imaginárselas. Otro reto importante fue trabajar con niños, ya que la temática y el género podían significar un tabú. McKee y su equipo fueron muy cuidadosos y tuvieron muy en cuenta la comunicación con los padres. Se creó un ambiente amable para los niños donde entendieran qué estaba pasando y a la vez los protegieron de todo cuanto fuese inapropiado para ellos. De esta forma McKee pudo contar la historia y a la vez crear situaciones en el set que incomodasen al espectador.
Durante la premiere americana del film en el Festival de Sundance de 2011, cuando los títulos de crédito finales empezaron a desfilar, un hombre empezó a vociferar insultos al director y guionistas por la crueldad de la película. El hombre estaba sumamente impactado por las imágenes y el trato del film y después de que la seguridad del teatro le acompañara fuera de la sala, sentenció que la película debía ser quemada y destruida. Un video aficionado en la sala grabó todo lo sucedido y lo colgó en YouTube. El vídeo se propagó rápidamente por internet –recibió más de 100.000 visitas en pocas horas- alimentando la curiosidad de los usuarios, los cuales querían saber si podían aguantarlo, y demostrando una vez más la efectividad de McKee y su equipo cuando se trata de incomodar e irritar a los espectadores. McKee sabía que la película iba a activar las alarmas de algunas personas pero la severidad de la reacciones fue, para él, increíble. Una muestra más de la majestuosidad de uno de los nuevos maestros del terror. El 14 de marzo lo podrán comprobar ustedes mismos en las salas españolas.
SINOPSIS:
Christopher Cleek es un abogado y modélico padre de familia cuyas virtudes serán puestas a prueba tras su encuentro con una mujer salvaje que vive en los bosques cercanos a su arriesgando las vidas de su propia familia, que pronto descubrirá lo que se oculta tras esta mujer, el último miembro de un violento clan que vivía en la costa noroeste de los Estados Unidos.
APOLLO 18 (2011, Gonzalo López-Gallego)
Producción enmarcada dentro de la moda “found footage”, producido por Timur Beckmamebetov, director ruso de la saga Los Guardianes de la Noche y Wanted. En un principio Trevor Cawood (Matrix Reloaded, Matrix Revolutions, Smallville y Ladykillers) iba a dirigir la cinta, pero después del éxito de Gonzalo López-Gallego con El Rey de la Colina, tanto en festivales fuera de España como a nivel de ventas, el director madrileño fue el escogido para encabezar el equipo técnico. De esta forma afrontó su debut en Hollywood. Para el director fue toda una sorpresa que le ofrecieran esta película. López-Gallego ya tenía ciertos proyectos con los hermanos Weinstein cuando ellos mismos le llamaron por teléfono para presentarle su oferta. Si López-Gallego aceptaba se iba al día siguiente a Londres para reunirse con el productor y desde allí volaría hacia Vancouver (ciudad donde se rodaron las escenas de la luna en un plató) para empezar a preparar el largometraje. Cuando aceptó se interesó tanto en la parte temática de la película como en conseguir que los efectos especiales se vieran de forma real y auténtica.
Aspectos técnicos a tener en cuenta son las lentes utilizadas para la grabación del largometraje -todas procedentes de los años 70-, y también el gran trabajo de cámara en mano que logra que la realidad se confunda con la ficción. Tanto López-Gallego como el director de fotografía querían mantener la autenticidad de las cintas. Cuando ya tenían la toma correcta la pasaban por un chasis que habían ensuciado y maltratado para empeorar el aspecto de los negativos. Así pues, toda la suciedad e imperfecciones en los vídeos son reales y no están creadas durante la postproducción.
Gallego explicó que uno de los principales problemas narrativos fue explicar cómo se habían encontrado las cintas y cómo estas habían llegado a la tierra. En ninguno de los finales que se habían planteado en el guión se detallaba el transporte del vídeo desde la luna a nuestro planeta. Gallego se encontraba en Los Ángeles chequeando la copia digital, la cual ya estaba circulando por las distribuidoras cinematográficas internacionales, cuando le llamaron y le informaron que habían remontado la película entera. No obstante, en ninguna de las versiones quisieron añadir un crédito final que explicara el encuentro de las cintas y tampoco utilizaron la idea del propio director, donde se relataba lo ocurrido.
Durante la escritura del guión y todo el rodaje de la película contaron con la supervisión de la NASA, más concretamente de Gene Kranz, el director de vuelo de todas las misiones de Apollo, personaje que en Apollo 18 es interpretado por el actor Ed Harris. Para documentarse sobre la película, López-Gallego visualizó horas enteras de material verdadero de las diferentes misiones de Apollo.
Esta película también estuvo presente en la edición de 2011 del Festival de Sitges, volviendo su director al festival y ya en competición en 2013 con su última película, Open Grave, que desgraciadamente sufrió un accidentado pase por motivos técnicos. El 7 de marzo en sus pantallas.
SINOPSIS:
Un año después del lanzamiento oficial del Apollo 17 en 1972, el Departamento de Defensa de los EEUU lleva a cabo una misión secreta a la luna. Décadas más tarde se encuentra una cinta de vídeo con material capturado en la expedición por los dos astronautas americanos que fueron enviados. Mientras que la NASA niega su autenticidad, otros dicen que el terrorífico contenido de las imágenes muestra la verdadera razón por la que el hombre no ha vuelto a pisar la luna desde entonces.
No podemos más que desde aquí felicitar y animar a La Aventura por poner a disposición del público español estas dos producciones en pantalla grande.
Serendipia
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