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La cara oculta del fantástico se muestra en Seven Chances
Alex Proyas estará presente en el Prado en la exhibición de una copia restaurada de su ópera prima, ‘Spirits of the Air, Gremlins of the Clouds’
Un documental con material inédito del roadje de ‘Terciopelo azul’ y uno de los films más personales de Johnnie To, entre las propuestas de la sección
¿Qué hacía Johnnie To, justo antes de convertirse en un referente internacional del noir asiático? ¿De qué humor estaba David Lynch cuando rodaba Blue Velvet? ¿Cómo debía ser la primera y extraviada película de Alex Proyas? Todas estas preguntas, y como mínimo cuatro más, tendrán respuesta este año en Seven Chances, la sección que el Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya programa en colaboración con la Associació Catalana de la Crítica i l’Escriptura Cinematogràfica (ACCEC).
La de este año no será una edición cualquiera de Seven Chances, que después de llegar al cuarto de siglo de vida, replantea sus cimientos. Cuando nació, en 1993, esta sección tenía la vocación de traer al certamen obras no necesariamente fantásticas, de autores consagrados o por descubrir, en proyecciones memorables, y en aquel momento irrepetibles. La tarea llevada a cabo desde entonces tiene un gran valor, reflejado en los nombres que han pasado por la sección: Philippe Garrel, Hirokazu Kore-eda, Claire Denis, Jean-Marie Straub i Danièle Huillet, Chris Marker, Bertrand Bonello, Olivier Assayas, José Val del Omar, Apichatpong Weerasethakul… Pero con el tiempo, los circuitos de exhibición se han transformado, como también lo ha hecho el propio Festival. Por ese motivo, l’ACCEC y Sitges, han estado de acuerdo en que era necesario dar un nuevo impulso a la sección, para no perder vigencia, manteniendo su carácter de sesiones únicas (en todos los sentidos), que es lo que caracteriza la semana de la crítica de Sitges.
Este cambio reforzará una vertiente destacada en las últimas ediciones de Seven Chances: la recuperación de películas de repertorio fantásticas, o afines al género, olvidadas, maltratadas o sencillamente perdidas en el tiempo, a las que los años pueden haber dotado de culto, pero no del estatus de “clásicos”. Rarezas estimulantes y en muchas ocasiones inéditas, que merecen ser redescubiertas y contextualizadas por la mirada analítica de los críticos, que conforman l’ACCEC, y que se encargan de presentar las sesiones.
La película que supondrá el arranque de Seven Chances 2018 representa toda una declaración de intenciones en este sentido: Spirits of the Air, Gremlins of the Clouds (1989), excéntrica opera prima del australiano Alex Proyas, realizada antes de su exitoso salto a Hollywood. Una oscura fábula en la que el futuro director de El Cuervo y de Yo, robot, nos presenta un cruce imposible entre Leone, Jodorowski y 
Gilliam. La proyección contará, además, con la presencia del propio Proyas, que visitará Sitges para presentar la flamante nueva copia del film, restaurada a partir del negativo original en 16mm.
El Casino Prado, sede habitual de la sección, recibirá también con todos los honores, a uno de los iconos más carismáticos que ha dado la cinematografía mexicana: el luchador enmascarado El Santo, de quien Sitges recupera su primera aventura cinematográfica, Santo contra Cerebro del Mal (1959), en la brillante restauración que ha apadrinado, ni más ni menos que Nicolas Winding Refn, todo un sibarita de la cultura pop cinematográfica.
Seven Chances también recupera una joya oculta de Johnnie To, uno de los autores más queridos de Sitges, con una de sus películas más personales, inédita hasta hoy en nuestro país. Se trata de Throw Down (2004), emocionante homenaje a los primeros dramas deportivos de Akira Kurosawa, que el cineasta hongkonés convierte en una estilizada y sorprendente mezcla de comedia, musical y épica antiheroica, donde los combates de judo son toda una danza.
Y siguiendo con películas caídas en el olvido, pocas lo son tanto como Dream Demon (1988) de Harley Cokeliss, realizador todo terreno, que fue director de segunda unidad en El Imperio Contraataca y que, en su única incursión en el terror, creó una especie de respuesta inglesa a Pesadilla en Elm Street. Sin Freddie, pero repleta de secuencias surrealistas y perturbadoras, surgidas del subconsciente de una protagonista traumatizada, la película tuvo una corta vida en el circuito VHS, para después desvanecerse por completo… Hasta hace unos meses, cuando Cokeliss presentó una restauración director’s cut de la cinta, finalmente dispuesta a reclamar su lugar en la historia del fantástico británico.
También habrá un lugar en Seven Chances para uno de los nombres propios del cine de género en España: José Ramón Larraz, de quien se proyectará la nueva copia de una de sus obras menos vista, La visita del vicio (1978), en que el cineasta se alejó del fantástico explícito, para moverse en la ambigüedad de un drama erótico e inquietante, infestado de imágenes oníricas memorables, con la inconfundible y controvertida mirada que el director barcelonés tiene del cuerpo y de la sexualidad femeninas.
A parte del rescate de tesoros heterodoxos, Seven Chances también quiere ser un espacio de reflexión sobre títulos, autores y fenómenos próximos al género fantástico, reservando una parte de su programa al documental y al ensayo audiovisual. En esta línea se enmarca la selección de Blue Velvet Revisited (2016), que en palabras de su director, Peter Braatz, constituye “una meditación” sobre la obra maestra de David Lynch, Terciopelo azul, a través de las 
fotografías y de las cintas en súper-8 que Braatz filmó durante el rodaje de este film inmortal, inéditas durante tres décadas, y que permiten acceder a las bambalinas de la producción y descubrir, por ejemplo, la felicidad de un Lynch preparado para presentar al mundo su escalofriante y fascinante universo.
La segunda cita documental recae en la aclamada Wolfman’s Got Nards (2018), donde Gower, protagonista de Una pandilla alucinante, se reencuentra con sus antiguos compañeros de reparto y con los responsables de aquel gran homenaje a los monstruos clásicos ideado por Fred Dekker y Shane Black, para reivindicar y celebrar una cinta incomprendida en su primer estreno, y que poco a poco ha ido generando a su alrededor un fervoroso culto, situándola en el panteón del cine juvenil de la década de los ochenta.
Seven Chances. Siete películas. Siete proyecciones. Siete oportunidades únicas de acercarse a la cara oculta del fantástico.
‘The Unthinkable’ competirá en la Sección Oficial en el Festival Internacional de Cine de Sitges
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B-Retina 2018: Los demonios y el cine de género invaden Cornellà
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‘Harán de los cementerios sus catedrales y de las ciudades vuestras tumbas’ fue la frase promocional con la que Demons se estrenaba en el cine Fantasio de Barcelona hace ya 31 años. Desde entonces no ha dejado de ir ganando adeptos hasta convertirse en un filme de culto imprescindible en todo festival de cine de terror que se precie. Y B-Retina no podía ser menos, así que en esta ocasión los demonios de Lamberto Bava han sido los invitados de un festival que, año tras año va superándose de manera sorprendente y que acaba de celebrar su cuarta edición, marcada por el cine de género italiano y con la presencia de dos invitados de honor: Lamberto Bava, el director de Demons, y nuestro amiguete José Viruete, toda una autoridad en eso del cine malo (con todas las cursivas y comillas que hagan falta), y por ende del cine, así en general, que además de ejercer de jurado en la muestra de cortometrajes, ofreció una clase magistral.
Fotos: Serendipia (excepto la indicada)
De nuevo la acogedora sala cinematográfica de la Biblioteca Sant Ildefons fue el marco para estas jornadas de descerebre cinéfago. Una sala que contó en el exterior con un imprescindible bar con el que remojar el gaznate durante las treguas producidas entre pase y pase. Y para dar más ambiente festivalero al evento, durante el fin de semana se contó con tenderetes en el exterior con el mejor cine doméstico y la literatura más chanante, proporcionada por nuestros amigos de Hermenaute.
Además de los 10 cortometrajes finalistas, que provenientes de países como Rusia, Suiza o Bélgica, optaban a los premios del festival, el certamen ofreció una buena muestra de cine actual de terror junto a algunas gemas clásicas que no por conocidas dejaba de ser interesante revisar en buena compañía y en pantalla grande. Echemos pues un vistazo a lo que dieron de sí estos tres días:
LARGOMETRAJES
FORZA ITALIA!
Italia y su cine de género fueron los escogidos para protagonizar esta cuarta edición del B-Retina, pues además de programar en honor al invitado, Lamberto Bava, Demons (1985), su película más emblemática, se ofreció un pequeño repaso al ayer y hoy del cine italiano de género seleccionando cinco representativas piezas: la etapa clásica se cubrió con La máscara del demonio (La maschera del demonio, 1960) una maravillosa cinta dirigida por el padre del 
invitado, Mario Bava, de importancia capital al dar pié a una serie de películas, muchas de ellas también protagonizadas por la diva Barbara Steele y varias dirigidas por Riccardo Freda que, englobadas dentro de lo que se denominó gótico italiano, sirvieron de antesala al Giallo, subgénero que reinó durante los años setenta dejando un buen puñado de títulos a sus espaldas. También en los sesenta se desencadenó el prolífico fenómeno transalpino conocido como Spaguetti Western, subgénero del que el festival seleccionó, con muy buen tino, uno de sus grandes clásicos, Django (1966) de Sergio Corbucci. Durante los años ochenta el cine de terror italiano tuvo un gran desarrollo que dio pie a algunas de las más conocidas joyas de Argento, Fulci, Deodato, D’Amato o Lenzi, por mencionar solo a algunos. Dejando también por el camino, no vayamos a engañarnos, muchas (adorables, eso sí) basuras y muestras de la más sarnosa exploitation basada en éxitos americanos. La mencionada Demons fue una de las cimas del cine de terror italiano, posiblemente la última gran película de terror, género cuya producción en Italia, a partir de finales de los ochenta y sobre todo a mediados de los noventa comenzará a ser escaso y pésimo, con excepción de las obras de Michele Soavi y Pupi Avati, al estar conformado por producciones de bajísimo presupuesto destinadas, en su mayor parte, a surtir los videoclubs menos exigentes. Aunque algunas de ellas se han revalorizados por valores ajenos a su calidad, como es el caso de Troll 2 (1990), una perla de la vergüenza ajena y del placer culpable que también tuvo ocasión de poder ver el público del B-retina. Dirigida por Claudio Fragasso (o si prefieren Drake Floyd) en 1990, esta falsa secuela es un extenso catálogo de ineptitudes, especialmente en cuanto a dirección y actuación, pero que, más allá del humor involuntario, tiene innegables virtudes: como ese bien construido argumento que utiliza los cuentos de hadas de manera efectiva, sin ocultar su parte más oscura, aunque luego los resultados sean los que ustedes ya conocen…
Finalmente y como muestra de que todavía puede haber esperanza de que en Italia el cine de género reviva, B-retina ofreció una de las muestras más interesantes y recientes del fantástico italiano que se han estrenado, incluso en nuestras pantallas: Le llamaban Jeeg Robot (Lo Chiamavano Jeeg Robot, 2015), una atípica película de superhéroes, ópera prima de su director Gabrielle Mainetti, que tiene de todo, pues lo que comienza como una violenta historia con bandas de maleantes de segunda, se convertirá en una película con superhéroe y supervillano. Sórdida, violenta y no apta para menores, esta original forma de acercarse al superhombre fue muy bien recibida por la crítica, que la premió en su país con siete David di Donatello, entre ellos mejor ópera prima, actor, actriz y secundarios, llevándose también el premio a la mejor película de la Sección Órbita en el Festival de Sitges de 2016.
¡MÁS PELÍCULAS…!
Suponemos que para criar una nueva simiente que los jubile, los chicos y chicas de B-retina ofrecieron una sesión matinal infantil (a la que bien seguro también asistió el público habitual del festival) con Tortugas Ninja (Teenage Mutant Ninja Turtles, Steve Barron, 1990). La original. La de los tíos con traje de tortuga. La de los 90. La que ustedes ya saben.
De entre los largometrajes de reciente factura que se pudieron ver en el festival destacamos dos que tienen en común la pérdida (humorística y sangrienta) de la virginidad masculina. Ambas protagonizadas por torpes y jóvenes perdedores que caerán en garras de mujeres con las que no terminará saliendo todo como esperaban: La noche del virgen (2016), ópera prima de Roberto San Sebastián protagonizada por Javier Bódalo (alías ‘El rana’ en ‘Cuéntame’); y la segunda Double Date (2017), con la que también debuta en la dirección el británico Benjamin Barfoot. Dos óperas primas. Dos películas sobre el terror al desvirgue y ambas en clave de humor salvaje.
En colaboración con el Festival de Cine de Terror de Sabadell se ofreció, en sesión sorpresa, Drácula de Denise Castro (2018). Bien, sigamos. En todo festival sobre cine de Serie-B es obligado que, tarde o temprano, caiga alguna película de la Troma, ese loco sello que vivió su mejor momento en los años ochenta y noventa con personajes como el Vengador Tóxico o el Sgt. Kabukiman. B-retina, lejos de poner una de las antiguas, ofreció, recién salida del horno y en estreno estatal, Return to Return To Nuke’em High. Vol. 2, una nueva barrabasada dirigida por el propio capo del sello, Lloyd Kaufman, para amantes de la peor basura tóxica proveniente de Tromaville.
Marc Martínez Jordán presentó su primer largometraje, Framed, una cinta de terror producida por Creatures of the Dark, compañía de Marc Carreté, que se estrenó en la edición de 2017 de TerrorMolins. Framed, a pesar de contener muchos de los tópicos del cine de terror actual, léase sustos tontos y muchos de ellos apoyados por el sonido, es una correcta, perfecta diríamos, máquina de terror magníficamente rodada, montada e interpretada de manera eficaz. Todos son jóvenes y entusiastas en Framed, pero la factura del filme resulta totalmente profesional, tanto, que uno se lamenta, en vista de lo que ha tenido que sufrir en cines, que Framed no haya tenido una carrera comercial más allá del circuito de festivales. Y no es que sea una propuesta original, pues entre sus referencias más evidentes se encuentran La matanza de Texas y La naranja mecánica, pero su gracia estriba en que mezcla sin concesiones el gore más salvaje (y también divertido), con un guión en el que las aplicaciones informáticas y la telerrealidad sirven al autor para criticar todo ese mundo virtual cuyo valor se mide en números de likes y visitas. Quizás la cinta peque de tener un resultado tan perfecto, que pierda frescura y personalidad, pero no olvidemos que estamos hablando de una película de bajo presupuesto y con la que ha debutado su director.
En resumen: buenas ideas, bien desarrolladas y bien interpretadas. Una perfecta carta de presentación de lo que Marc Martínez y su equipo son capaces de hacer.
Y como fin de fiesta B-retina escogió una propuesta dirigida también por un joven cineasta estatal, aunque en este caso apuesta por homenajear, estética y espiritualmente, el cine grindhouse norteamericano de los setenta: Apocalipsis Voodoo. Dirigida por el canario Vasni J. Ramos, la cinta es una divertida mezcla de cine de terror y thriller policíaco repleta de zombies, luchadores mexicanos, peleas a lo Terence Hill, Kung-Fu chungo y comandos, una batiburrillo imbatible apoyado por muchos chistes chuscos, personajes descacharrantes y una fantástica banda sonora compuesta por Kike Perdomo, que aporta todo el funk; Sara López, en la música incidental; y una selección de KPM, librería musical de la época. Rodada con un presupuesto de 36.000 euros y una cámara Sony 3600, Apocalipsis Voodoo tiene una estética añeja, con su celuloide rallado y los colores deslucidos. Como si Frank Henenlotter se hubiera encontrado unas bobinas olvidadas en un garaje mugriento. Sin duda la película perfecta con la que cerrar esta cuarta edición del B-retina presentada, además, por el propio director y uno de sus protagonistas.
LAMBERTO BAVA Y JOSÉ VIRUETE: LOS DOS NOMBRES PROPIOS DE B-RETINA 2018
José Viruete es harto conocido por los degustadores del cine de serie-B. Muy recordados son sus programas junto a Paco Fox en el que ambos comentaban de manera humorística películas de derribo (y también grandes favoritas), y que ahora puede ser seguido desde su propia página web, en la que el visitante puede empaparse, de primera mano, de los conocimientos de esta enciclopedia del saber bizarro.
Pero sin lugar a duda la gran estrella de B-retina 2018 ha sido Lamberto Bava. Amable y cercano, el director italiano firmó cuanto se le puso delante, se fotografió con todo el que lo quiso y compartió sus experiencias tras el pase de Demons ante un público entregado, que copó la sala de la Biblioteca Sant Ildefons. Como tuvimos ocasión, gracias a la organización del festival, de compartir una hora de intimidad con Bava (qué mal suena eso…) pudimos hablar de cine y otras cuestiones, que dado su interesante resultado, publicaremos en un futuro próximo.
Lamberto Bava con el premio Golden Ticket del B-retina como homenaje a toda su carrera
PALMARÉS B-RETINA 2017
El jurado de esta edición, formado por Marta Torres (Periodista/Judex/Hermenaute Ed.); José Viruete (Artista multimedia); Juan Pérez (Co-director de la Cutrecon) y Rafa Dengrá (Director ganador del premio al mejor corto B-retina 2017), tuvo que escoger de entre los diez finalistas al ganador del premio al mejor cortometraje, consistente en 500€ y trofeo. Por su parte el premio al Mejor-Peor Corto (Pack de cerveza artesana local Cornelia y trofeo) lo decidió la organización, que lo considera un premio especial no al peor título recibido, si no a la obra a la que reconozca un talento especial para conseguir llevar adelante un proyecto con los mínimos recursos consiguiendo crear una obra que haga pasar un buen rato a todos. Y finalmente también el público tuvo voz y voto para dar su premio, consistente en 200€ y trofeo.
Julio García recibiendo el premio al mejor cortometraje por Diesel
El palmarés de B-Retina 2018 fue el siguiente:
–PREMIO AL MEJOR CORTO: Diesel (Julio García)
–PREMIO DEL PÚBLICO: Short but Sweet (Junaid Chundrigar)
–PREMIO AL MEJOR-PEOR CORTO: Matins de diumenge (Joan Ventura)
(Foto: Sergio Márquez)
EN CONCLUSIÓN
B-retina ha vuelto a confirmar su lugar entre el resto de festivales catalanes de cine de género.
Su infraestructura ha funcionado a la perfección. La sala de la Biblioteca Sant Ildefons es ideal para este tipo de acto y el bar cumple con su función de lugar de encuentro y conversación junto al pequeño mercadillo de libros y películas, que da mucha vida al evento. Todo concentrado en un único espacio.
La organización ha conseguido nuevos patrocinadores, pudiendo conseguir así disponer de coche oficial y un buen número de regalos para los asistentes, detalles que sin duda añadieron profesionalidad y encanto al evento.
Se celebró, más allá del cine puro y duro, una clase magistral de José Viruete y una performance del colectivo Free Cocktail Society, compuesto por activistas y directores catalanes de cine desastre. Con música, por llamarla de algún modo, cortos dementes y un documental sobre ellos mismos (que se hizo algo largo).
También las copias de las películas que se pudieron ver eran más que correctas. Hubo, como es normal, algún pequeño problema técnico, en este caso con los subtítulos de Double Date, que hicieron que la programación del día variara ligeramente en su tramo final. Del tipo de errores que hay en todo festival que se precie, sea cual sea su tamaño y repercusión. A pesar de ello en B-retina hubo poco espacio para la chapuza y la improvisación, pues la organización, en todo momento, estuvo atenta consiguiendo que todo marchara bien.
La afluencia de público ha crecido progresivamente, llegando casi a llenar la sala el día de Demons. La atractiva programación y la presencia de un invitado de peso dieron como resultado unos días deliciosos en el que primó el buen ambiente, algo que terminó celebrando la organización como el pasado año: invitando a todo el mundo a cerveza. Un colofón perfecto para un certamen que pasa a formar parte obligada en la agenda de festivales de Serendipia. Y que también debería serlo en la de ustedes.
FantaElx abre el plazo de inscripción de cortometrajes para su sexta edición
La sexta edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Elche – FANTAELX abre el plazo de inscripción de cortometrajes hasta el próximo 8 de octubre de 2018.
El festival, que tendrá lugar del 22 al 24 de noviembre en la localidad de Elche (Alicante), lanza la convocatoria a todos los cineastas que quieran presentar sus cortometrajes de género fantástico. En esta sexta edición, se establecen los siguientes reconocimientos:
Mejor cortometraje internacional: obsequio + acceso directo al Festival Internacional de Cine de Terror de Valparaíso, de Chile.
Mejor cortometraje nacional: obsequio + acceso directo al Festival de Cortometrajes de Terror y Fantástico 1000 Gritos de Buenos Aires, de Argentina.
Mejor cortometraje alicantino: obsequio + acceso directo al festival Navidades Sangrientas – Weekend Horror Awards, de Alicante.
Las bases y el procedimiento de inscripción se encuentra disponible a través de su web oficial.
El festival está organizado por la Asociación de Desarrollo y Difusión del Género Fantástico «Unicornio Negro» y el grupo de investigación Massiva, de la Universidad Miguel Hernández de Elche. Asimismo, también cuenta con el apoyo de diversos organismos, como el Vicerrectorado de Cultura y Extensión Universitaria de la Universidad Miguel Hernández, la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Elche, o el Centro de Congresos «Ciutat d’Elx».
Como ya sucedió en sus cinco ediciones anteriores, FANTAELX 2018 será nuevamente un punto de encuentro para los amantes del género fantástico.
Más información sobre el festival en su web oficial.
M. Night Shyamalan recibirá un Gran Premio Honorífico en Sitges 2018
‘Halloween’, ‘Apostle’ y ‘Overlord’, tres de las novedades de la Sección Oficial del Festival
A los nombres de Gaspar Noé, Lars Von Trier, David Robert Mitchell o Lee Chang-dong se añaden a la Sección Oficial del Festival de Sitges los de Gareth Evans, Shinya Tsukamoto, Claire Denis, Peter Strickland o Andrew Niccol. Una Sección Oficial que se verá complementada por tres focos de enorme interés: la heterogénea y arriesgada sección de Noves Visions, los grandes estrenos de la Sección Órbita, y una reforzada sección Anima’t que rendirá homenaje al 30 aniversario del estreno de Mi vecino Totoro.
El director indio-estadounidense M. Night Shyamalan visitará Sitges para presentar un avance de su esperada nueva película Glass y recibirá el Gran Premio Honorífico del certamen. Shyamalan ha destacado por una carrera vinculada siempre al género fantástico con títulos imprescindibles como El sexto sentido (1999), El protegido (2000), Señales (2002) o Múltiple (2016).
Hace ya 40 años que Laurie Strode –interpretada por una espléndida Jamie Lee Curtis– se salvaba del psicópata Michael Myers en la mítica La noche de Halloween. Durante este tiempo ha estado fantaseando con la venganza perfecta para el asesino recluido en un centro de detención. Este año, uno y otra son los protagonistas del reboot de la saga realizado por David Gordon Green, Halloween (La noche de Halloween), que tiene como productores ejecutivos a la actriz Jamie Lee Curtis y al maestro del terror John Carpenter. Halloween podrá verse en la S. O. fuera de concurso. Otro de los títulos destacados de la Sección Oficial a competición está dirigido por un viejo conocido del Festival, el director galés residente en Indonesia Gareth Evans. El realizador, que revolucionó el género de acción con The Raid, presentará la producción de Netflix Apostle, un thriller oscuro ambientado en el mundo de las sectas en la Inglaterra de principios del siglo XX. Overlord es otra de las propuestas estrella de Sitges 2018. La película, producida por Bad Robot, la compañía de J.J. Abrams, ha sido dirigida por Julius Avery y se proyectará fuera de competición. La cinta retrata la vigilia del día D, momento en que un grupo de soldados aliados son enviados a la Francia ocupada por los nazis donde les aguarda un laboratorio de lo más terrorífico.
En la Sección Oficial también competirá una de las películas más polémicas de la temporada. Ambientada en la ciudad de Salem, Assassination Nation sigue las peripecias de cuatro chicas acusadas de robo y perseguidas como si se trataran de las brujas de nuestro tiempo. Y del thriller a la ciencia ficción, y por partida doble. Por un lado, en Aniara, película basada en el bestseller homónimo de Harry Martinson, se narra una odisea por el espacio de una tripulación con destino a Marte; por otro lado, la película australiana Upgrade, dirigida por otro conocido del Festival, Leigh Whannell, –que presentó el segundo capítulo de la serie Insidious–, y este año regresa con un film futurista en el que un pequeño chip es capaz de crear a un superhombre que vengará la muerte de su esposa. Ambas películas estarán presentes en Sitges 2018 en las secciones Fantàstic Discovery y Competición respectivamente.
Los elementos del folclore y del western se encuentran fundidos en The Wind, la opera prima de la realizadora estadounidense Emma Tammi, que podrá verse en la sección Discovery del Festival. También repleta de elementos mitológicos y en este caso de cuentos de la cultura india, competirá en S.O. la cinta Tumbbad, dirigida por Rahi Anil Barve y Adesh Prasad. La película, que abrió la Semana de la Crítica en Venecia, es un cuento terrorífico donde la búsqueda de un tesoro escondido en el interior de una mansión llevará al horror extremo. Otro de los habituales de la Sección Oficial 
es el director japonés Shinya Tsukamoto que, tras sumergirse en la II Guerra Mundial en su anterior film, regresa ahora con Killing, donde explora el peso de la violencia en la época samurai.
Fuera de competición, pero también dentro de la Sección Oficial, Sitges 2018 promete grandes títulos. Anon, el noir de ciencia ficción dirigido por Andrew Niccol; In Fabricy High Life de Peter Strickland y Claire Denis, respectivamente, con el terror y la ciencia ficción como premisas; las dos superproducciones fantásticas coreanas Along with the Gods: The Last 49 Days y Along with the Gods: The Two Worlds, que han sido vistas cada una de ellas por 14 millones de espectadores en su país, y para completar el cartel asiático de esta sección no faltará el director chino Tsui Hark que ofrecerá una nueva aventura fantástica, y ya van tres, en Detective Dee and the Four Heavenly Kings.
Órbita y Noves Visions: dos secciones cada vez más relevantes
El cine de acción y el thriller tienen desde hace unos años, en la Sección Órbita, un peso importante en el Festival. Un género, el thriller, que también está cobrando una mayor relevancia en el cine español, como así lo demostró Dani de la Torre con su opera prima, El desconocido. Este año en Sitges, en premiere mundial, el director gallego presenta su segundo trabajo La sombra de la ley. Ambientada en la España caótica y tensa de 1921, la película narra la investigación de un robo a un tren militar, en la que el policía Aníbal Uriarte tendrá que lidiar con sus compañeros corruptos, con el manipulador dueño de un cabaret y con sus propios sentimientos al conocer a una joven temperamental llamada Sara. La sombra de la ley está interpretada entre otros por Luis Tosar, Michelle 
Jenner y Vicente Romero. El director estadounidense S. Craig Zahler –el responsable de Bone Tomahawk y Brawl in Cell Block 99, ambas vistas en Sitges– promete llevar la tensión al máximo en Dragged Across Concrete, donde dos policías, suspendidos del cuerpo –Mel Gibson y Vince Vaughn–, deben ahondar en el inframundo criminal para obtener lo que les corresponde. Otro film importante llegará de Indonesia, y está dirigido por Timo Tjahjanto –director que también presenta película en la sección Midnight X-Treme, la terrorífica May the Devil Take You– The Night Comes for Us, protagonizada por Iko Uwais, cuenta la historia de un delincuente que se verá atrapado en medio de un conflicto de tríadas y que promete unas escenas de acción espectaculares. Además, podrán verse dos revisiones de films de culto. Por un lado, la producción china A Better Tomorrow 2018, una vibrante puesta al día de la obra maestra de John Woo, con la que el director Ding Sheng traslada a la China continental la acción del heroic bloodshed made in Hong Kong y, por otro lado, Believer, el remake coreano de la producción china Drug War del mítico Johnnie To.
Siguiendo con la sección Órbita, el Festival proyectará American Animals de Bart Layton, el director británico de El impostor, uno de los documentales más destacados de los últimos años. Basada en un hecho real, el film narra la historia de dos muchachos de clase media inadaptados, que planean un robo en el instituto del colegio. También llegará la producción franco-belga A Bluebird in my Heart, de Jérémie Guez, la historia de un ex convicto que encuentra refugio en un motel dirigido por una madre soltera y su hija Clara. La paz y la libertad encontradas desaparecen cuando Clara es asaltada, lo que le obliga a enfrentar sus viejos demonios.
Noves Visions ha creado un universo propio dentro del fantástico. La película inaugural de la sección será Ánimas, de Laura Alvea y José Ortuño: un viaje alucinatorio en el que la línea entre la realidad y la pesadilla se vuelve borrosa. Dentro de Noves Visions podrá verse el estilizado experimento pop Fonotune: An Electric Fairytale, una coproducción entre Alemania, Japón y Estados Unidos dirigida por el diseñador gráfico, guionista de cómics y director FINT. De Reino Unido llegará Beast, de Michael Pearce, que explora de forma poliédrica las aristas de una personalidad desequilibrada, con el músico Johnny Flynn en uno de los papeles protagonistas. También en esta sección estará la producción de Steven Soderbergh, Perfect, que juega con elementos de ciencia ficción para mostrar al espectador la perfección más absoluta en implantes corporales.
Sin duda, uno de los realizadores más interesantes que ha pasado por el Festival ha sido el canadiense Guy Maddin –ganador del certamen con Dracula: Pages from a Virgin’s Diary–, cuya The Green Fog pretende ser una relectura de Vértigo de Alfred Hitchcock. El realizador reconstruye las escenas de la mítica cinta a través de secuencias y planos de otras películas que acontecen en las mismas localizaciones.
Anima’t se refuerza y Serial Sitges anuncia grandes eventos
La Sección Anima’t llega cargada de grandes maestros. Inspirándose en el gran clásico de la literatura persa El libro de los reyes, podrá verse la película iraní The Last Fiction, llamada a convertirse en uno de los clásicos animados de su país. El creador francés Michel Ocelot dirige Dilili à Paris, un viaje misterioso, cultural y maravilloso en las calles de París. Varios son los títulos procedentes de la cinematografía japonesa que se proyectarán en esta sección del Festival. Entre ellos destaca I Want to Eat your Pancreas, que ha pasado de novela a película de imagen real, para acabar convirtiéndose en un anime producido por el Studio VOLN. Una película que va a emocionar al espectador de Sitges. No podía faltar la nueva producción del realizador Mamoru Hosoda, Mirai, nuestra hermana pequeña, film más infantil que El niño y la bestia, pero que contiene treinta minutos finales donde explota la fantasía. Atención también a Penguin Highway, la última película producida por el Studio Colorido que ha llegado a la cartelera japonesa con excelentes críticas. También podrá verse en Sitges 2018 la película de animación japonesa más taquillera del año, Detective Conan: Zero Enforcer; y un evento muy especial, la proyección de Mi vecino Totoro, del maestro Hayao Miyazaki en el año que se cumple el 30 aniversario de su estreno.
Como ya es habitual en los últimos años, el Festival mostrará en su sección Serial Sitges nuevas producciones televisivas de género fantástico. Entre ellas destaca la proyección exclusiva del primer episodio de la novena temporada de The Walking Dead. El evento, que coincidirá en día y hora con el estreno de la serie en FOX, el lunes 8 de octubre, contará con un maestro de ceremonias de excepción, el creador de efectos especiales, productor y actor Greg Nicotero, quien compartirá una charla con el público asistente a la sesión. Nicotero recibió el premio Màquina del Temps en Sitges 2005 de manos de Quentin Tarantino y Eli Roth.
Por su parte, la plataforma Netflix presentará dos de sus nuevas producciones: el primer episodio de Las escalofriantes aventuras de Sabrina y los dos primeros episodios de La maldición de Hill House, en un evento especial.
Panorama y Midnight X-Treme: territorios del terror
Más de una treintena de títulos conforman la Sección Panorama Fantàstic y Panorama Documenta. Magos, magia negra, muertos vivientes, psicópatas, todos estos personajes y muchos más forman parte indispensable del terror más visceral que podrá verse en Sitges 2018. De la argentina Luciferina, donde su director Gonzalo Calzada explora el universo diabólico, a la japonesa Kasane: Beauty and Fate, una de las sorpresas del año, basada en el manga de Daruma Matsuura, en la que un pacto por la belleza trae funestas consecuencias. Entre los documentales que traerá la sección Panorama, destaca Beyond Blood, de Masato Kobayashi, que analiza la nueva hornada de realizadores que a principios del nuevo milenio revolucionaron el cine de género en Francia con películas, ya de culto, como Alta tensión, À l’intérieur, Frontière(s) o Martyrs.
En la cada vez más popular Midnight X-Treme, tres títulos a destacar entre la quincena de películas que componen la sección: en Open 24 Hours, producción inglesa dirigida por Padrag Reynolds, Mary y su ex –un verdadero psicópata– sembrarán el caos en una gasolinera; con guion de S. Craig Zahler llegará a Sitges Puppet Master: The Littlest Reich, el reboot cómico y sanguinolento de la cinta de culto de Charles Band, que cuenta con apariciones estelares de Michael Paré, Udo Kier y Barbara Crampton, y también de Reino Unido se podrá ver en el Festival The Devil’s Doorway, de Aislinn Clarke: filmada al estilo found footage, la película se adentra en uno de los lugares más terroríficos de Irlanda, en una de las residencias donde, durante años, la iglesia recluyó a “mujeres caídas”.
Horarios y venta de entradas
La programación completa de Sitges 2018 y sus horarios estarán disponibles en la web del Festival a partir de hoy jueves, día 13 de septiembre.
La venta de entradas se iniciará el próximo miércoles, 19 de septiembre. Los espectadores que hayan adquirido previamente un abono o un pack podrán acceder a la compra el martes, 18 de septiembre.
‘Ánimas’ inaugurará la sección ‘Noves Visions’ del Festival Internacional de Sitges
La película se estrena en cines el 5 de octubre
El thriller de terror psicológico Ánimas, escrito y dirigido por Laura Alvea y José Ortuño, inaugurará la sección Noves Visions de la 51ª edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya. La cinta, que participa en competición, se podrá ver en el festival el próximo 4 de octubre y será presentada por los directores y actores protagonistas.
Un día después, el 5 de octubre, se estrenará en cines.
“Ánimas” es el debut cinematográfico de Clare Durant (serie TV ‘Centro médico’) e Iván Pellicer (serie de TV ‘Fugitiva’). Cuenta también en su reparto con Luis Bermejo (Magical Girl, Fe de etarras, serie de TV ‘Amar es para siempre’), Liz Lobato (series de TV ‘La Zona’ y ‘Motivos personales’), Chacha Huang (El hombre de las mil caras, Perdiendo el este) y Ángela Molina (Blancanieves, Carne Trémula, La mitad del cielo).
La película es una adaptación de la novela homónima escrita por José Ortuño y se adentra en la psique adolescente.
Sinopsis
Álex es una chica segura de sí misma, con una fuerte personalidad y gran tenacidad. Está muy unida a su mejor amigo Abraham, a quien brinda constante ayuda y apoyo, ya que Abraham es un chico tímido, retraído e inseguro, principalmente debido a la compleja relación con sus padres.
Pero todo cambia cuando Daniel, el padre de Abraham, muere en un extraño accidente, cuya causa no está clara. A partir de este momento, Álex caerá en un viaje alucinatorio que la llevará a un descenso al infierno, donde la línea entre la realidad y la pesadilla se volverá borrosa hasta el punto en el que Álex comenzará a cuestionar los fundamentos de su propia existencia.
“Ánimas” es una coproducción hispano-belga de La Claqueta PC, Acheron Films, Tito Clint Movies, Ánimas AIE y Raised By Wolves con el apoyo de Eurimages, ICAA, Junta de Andalucía, Media, Ibermedia y la participación de Canal Sur TV
YuenTai-Yung, la humildad del artista
En The Posterist, documental realizado por Hui See-Wai que tuvimos ocasión de ver durante el festival Nits de Cinema Oriental de Vic de 2017, el protagonista es el artista, casi siempre anónimo, que realiza el cartel cinematográfico, ese elemento tan importante cuya función es persuadir al posible espectador de que entre a ver una película informándole, con tan solo una imagen, del tipo de cinta que se le ofrece. Un objeto que hasta hace bien poco era considerado como de usar y tirar y que de un tiempo a esta parte ha comenzado a ser apreciado como una obra de arte digna, no tan solo para la atención de coleccionistas y nostálgicos, sino como pieza merecedora de figurar en museos.
El protagonista absoluto de The Posterist es Yuen Tai-Yung, el más importante dibujante de pósteres cinematográficos de Hong Kong, con una carrera a sus espaldas que cubre un periodo tan vital en la cinematografía china como es el que va de 1975 a 1992. Con ambos, el protagonista y el director de The Posterist, tuvimos ocasión de hablar durante una mañana de junio. De su pasión y vocación por el dibujo. De su admiración por Bruce Lee como actor marcial único, y de cómo sus obras dedicadas al Pequeño Dragón le concedieron la suficiente autoridad para ser seleccionado asesor y supervisor de los escultores que realizaron la figura de Bruce Lee que se inauguró en Hong Kong en 2005.
Nacido en 1941 en Zheijiang (Shangay), Yuen Tai-Yung poseía un talento natural para el dibujo que le convirtió, ya desde sus tiempos en el instituto, en el mejor dibujante de su clase. Le encantaba el cine y realizar retratos de sus actores favoritos: Clark Gable, James Dean y, sobre todo, Marlon Brando. Autodidacta, deseaba estudiar arte tras finalizar sus estudios universitarios, pues no era un buen estudiante, pero su padre no veía con buenos ojos que se dedicara al dibujo y le buscó trabajo en una fábrica en Hong-Kong: “Mi vida desde que llegué a Hong Kong, entre 1957 y 1966 fue muy dura, hasta que encontré trabajo como cartelista. Todo eso no sale en el documental.”
Yuen Tai-Yung durante la presentación de The Posterist (Foto: Serendipia)
Pero Yuen tenía una innegable pericia con el dibujo, así que gracias a un amigo de su padre consiguió trabajo en una editorial como ilustrador de libros de texto, desde donde daría el salto a Grant Advertising, estudio publicitario en el que permaneció de 1966 a 1975 y donde aprendería importantes nociones que, sin lugar a duda, le serían de utilidad en su futura labor como cartelista. Como objeto publicitario que es, un cartel cinematográfico debe llamar la atención del posible espectador describiendo en una imagen el tono de la película que promociona, además de resultar atractivo.
Ya tenía Yuen Tai-Yung una buena carrera en el campo de la publicidad, cuando en 1975 recibe el encargo de realizar su primer cartel cinematográfico, concretamente para la película The Last Message (Tien cai yu bai chi, Michael Hui), una cinta protagonizada por los hermanos Hui, populares cómicos de Hong Kong. Ese fue el inicio de todo. Su trabajo gustó y comenzó a recibir más y más encargos de carteles de cine hasta llegar a 
dedicarse exclusivamente a ello, ilustrando muchas de las producciones Golden Harvest de Raymond Chow. Y es que Yuen Tai-Yung se encontraba en el momento y el lugar exacto. El cine de Hong Kong vivía una edad de oro que se prolongaría hasta los años noventa, lo que causó que el artista llegara a realizar más de 200 carteles de películas, adquiriendo un estilo inconfundible, a veces caricaturesco, pero también severo cuando la temática del filme lo exigía. Entre sus obras figuran los carteles de las cintas más emblemáticas de Bruce Lee, Stephen Chow, Karl Maka, Jackie Chan, Sammo Hung y, cómo no, de los hermanos Hui.
Para realizar un póster, a Yuen Tai-Yung no le hacía falta ver la película. Se informaba sobre el argumento, recopilaba material gráfico y dibujaba la obra con una técnica un tanto curiosa: colgaba el lienzo detrás de una puerta de su estudio y pintaba de pie. Su experiencia en el campo de la publicidad le había enseñado que un buen cartel debía llamar la atención ya desde la distancia, por ello en gran parte de su obra destacan figuras de gran tamaño y/o los enormes rostros de los protagonistas. También se encargaba de los dibujos para prensa: “Los dibujaba de noche, fuera del horario laboral. Para el póster tenía un plazo de entrega de 8 a 10 días y una semana aproximadamente para los anuncios de prensa.” Un plazo muy corto para el gran trabajo que le exigía cada una de sus obras. Con los medios digitales todo esto ha cambiado radicalmente: “Si nos fijamos en los pósteres americanos de los años 70, tipo Star Wars, estaban hechos a mano por Drew Struzan, quien hizo también los de las sagas de Indiana Jones o Regreso al Futuro. 
Actualmente se hacen por ordenador y eso les resta personalidad, no son tan característicos como los que el propio Struzan o yo pintábamos. Pero lo bueno que tiene hacerlos por ordenador es que es más rápido que hacerlos a mano.”
Como ya mencionamos anteriormente, su maestría con el dominio del dibujo anatómico, y concretamente con la figura de Bruce Lee, motivó que pasara a formar parte del equipo que diseñó la estatua del maestro, que se inauguró en Hong Kong en el año 2005. “En ese trabajo fui consejero. El escultor era cantonés y había otros pintores que también fueron consejeros o asesores. Yo le decía al escultor que cambiara esto o aquello. Pero es muy difícil capturar las expresiones de Bruce Lee y su lenguaje corporal si realmente no conoces bien como era su cuerpo y sus expresiones faciales. El proyecto comenzó en mayo y teníamos seis meses para hacerlo. Era poco tiempo y cada vez que iba a ver la escultura me sentía decepcionado con el resultado. Al final pensé que Bruce Lee nos había bendecido, porque cuando finalizaba el plazo un aprendiz del escultor realizó la estatua y me encantó. Así que al final funcionó lo del estudiante y no lo del maestro”.
Tras jubilarse dejó totalmente de dibujar, retirándose durante más de 10 años a Nueva Zelanda con su esposa. Al fallecer esta regresó a Hong Kong y volvió a dibujar por puro placer, alejado de los apretados plazos de entrega. Gracias a Internet descubrió que su obra tenía un buen número de seguidores y también que coleccionistas, aficionados y otros artistas se preguntaban qué había sido del más importante cartelista cinematográfico de China, entre ellos el propio director del documental, Hui See-Wai.
Hijo de Michael Hui, uno de los hermanos Hui, que como hemos comentado eran dos muy populares actores cómicos del periodo de oro del cine de Hong Kong, Hui See-Wai se interesó por el arte de Yuen Tai-Yung de manera casual: “Hace 3 años decidí vender mi negocio en China y volver a casa a ver que podía hacer por mi familia. Lo primero que mi madre me asignó fue cuidarles, pues tienen 70 años, y hacerme cargo de la compañía. Allí hay un almacén donde está guardado todo lo referente a la empresa familiar. Cosas como películas en 35mm, etc. que me encargué de cuidar. Todo ese material llevaba allí almacenado unos 40 años. También había montones y montones de pósteres antiguos cubiertos de polvo que no habían visto la luz en 30 años. Los abrí, miré, y uno de ellos era de la película Míster Boo (Ban jin ba liang, Michael Hui, 1976), la favorita de mi tío y una de las más populares de los setenta en Asia. Con todo esto me asaltaron muchos recuerdos de mi infancia (…). Me fijé que cada uno de esos pósteres tenía un nombre en una de las esquinas y me pregunté quién era el hombre que hizo esa cantidad de pósteres para mi familia. Lo busqué en Internet, pero no había mucha información. Le pregunté a mis padres, que le conocieron, pero no sabían nada de él. Pregunté a mis amigos de la industria y nadie sabía donde localizarlo. Era todo un misterio, y eso hizo crecer mi curiosidad, así que planeé buscar al maestro y ese fue el inicio.”
Tras buscarlo infructuosamente por todos lados, Hui See-Wai repara en que Yuen Tai-Yung tiene una cuenta en Facebook, gracias a lo cual entra en contacto con el artista, que al principio se muestra reacio a conocer al director: “Al ser el hijo de una estrella muy famosa del cine de Hong Kong pensaba que sería el típico niño rico consentido, con coche, mansión… así que tuvo que insistir mucho hasta que me convenció para vernos y, para mi sorpresa, resultó ser una persona normal, con la que, a pesar de nuestra diferencia de edad, congenié perfectamente” (…) Así que cuando me preguntó si podía grabarme acepté, porque de ese modo podría mostrarles mi vida y mi trabajo a mis hijos. Al principio no sabía que iba a ser una película documental, me grababa y me hacía preguntas, me entrevistaba, pero no sabía lo que acabaría siendo todo aquello. Cuando me enseñó el resultado final me pareció perfecto, porque así yo también podía enseñárselo a mi familia”.
Hui See-Wai y Yuen Tai-Yung durante su visita a Vic frente a una de las obras de Yung (Foto: Serendipia)
The Posterist (2016) fue el resultado de todas las jornadas vividas con el maestro Yuen. Una cinta que se ha proyectado en diversos festivales y en la cual podemos ver al artista trabajando y en diferentes encuentros con fans y estrellas del cine de Hong Kong de todos los tiempos. Con este documental el director no tan solo realiza un homenaje a Yuen Tai-Yung, sino también a todos esos dibujantes de carteles de cine que alimentaron con ellos nuestros sueños. “Soy de los que creen que los pósteres de cine son muy importantes, que son una forma de arte, pero durante muchos años sus creadores han sido menospreciados. Mucha gente ha visto este póster (señalando el de la película de Bruce Lee, Game of Death), pero no saben quién lo creó. Mi documental y la vida de Yuen Tai-Yung ayudan a hacer comprender que los pósteres de películas son una forma de arte y que debemos respetar al artista que los crea.”
Precisamente Bruce Lee es, tal como ya hemos comentado, uno de los modelos favoritos en la obra de Yuen Tai-Yung. Una figura que le inspira y al que dibuja en formato tanto caricaturesco como realista, pero siempre con reverencial respeto: “No tuve la oportunidad de conocer a Bruce Lee pese a que él solo era 6 meses mayor que yo y podría haberse dado la ocasión de conocernos. Pero no pudo ser. La primera vez que vi una película de Bruce Lee fue impresionante porque el Kung-fu que hacía era muy diferente al del resto de películas de Hong Kong y China. Era único. Para el público de Hong Kong era un estilo muy atractivo. Su cara, sus expresiones faciales me parecían realmente únicas. Normalmente los asiáticos no usan mucho lenguaje corporal, no utilizaban ese tipo de expresiones en esa época, así que las de Bruce Lee eran realmente únicas. Y también su cuerpo. Y no porque fuera muy grande, en realidad era bastante pequeño. Yo lo comparo con una rana. En Asia comemos ranas y cuando les quitas la piel están llenas de músculos, pues bien, cuando él estaba vestido con camiseta y vaqueros no parecía muy fuerte, pero cuando se quitaba la ropa podías ver que era todo músculo. Y eso en sí es único. Nadie hizo nada parecido a Bruce Lee y nadie podría hacerlo.”
Admirador de Picasso y Van Gogh, Yuen Tai-Yung sigue pintando y ese es su principal objetivo: pintar mientras pueda. Sin dejar de innovar. Probando nuevos estilos y técnicas. Experimentando con el arte e incluso con otras disciplinas como la escultura, cuya primera obra, como no podría ser de otra forma, es un busto de Bruce Lee.
(Con todo el agradecimiento a Carla Vizfor, Raquel Vizuete, Eva Delgado y a la organización de las Nits de Cinema Oriental de Vic)
CARTELES Y DETALLES
Foto: Serendipia
Dyanne Thorne, Helga Liné, el cine italiano y el documental serán protagonistas de Brigadoon 2018
Ron Perlman, premio Màquina del Temps, será el encargado de dar el pistoletazo de salida de la Sitges Zombie Walk
La película brasileña A mata negra, la alocada cinta española Apocalipsis Voodoo, una selección de lo más notable del género documental fantástico en la que destaca All Eyes on Lenzi: The Life and Times of the Italian Exploitation Titan, y una retrospectiva del realizador José Ramón Larraz, conforman las líneas maestras de la programación de la sección Brigadoon de Sitges 2018.
Entre los estrenos más destacados de largometrajes en el Brigadoon de este año, se encuentran los films italianos Rabbia furiosa, dirigido por el especialista en efectos especiales Sergio Stivaletti, y Little Wizards of Oz de Luigi Cozzi, una fábula fantástica e infantil alrededor del mundo de Oz. Zombis, policías y música funk se combinan en la película española Apocalipsis Voodoo de Vanis J. Ramos, mientras que la brasileña A mata negra, de Rodrigo Aragão, se centra en la aparición de un libro de magia que desata el mal sobre la Tierra. Se presentarán también en Brigadoon los documentales Goodbye Ringo, de Pere Marzo Font, sobre los míticos estudios de Esplugues City; Director Z, el vendedor de ilusiones, de Oskar Teixidor, acerca del cineasta vasco José María Zabalza; Navajeros, cen sores y nuevos realizadores, de R. Robles Rafatal, centrado en el nacimiento y desarrollo del llamado cine quinqui, y La venganza de Jairo, de Simón Hernández, sobre el realizador colombiano Jairo Pinilla, que visitó el Festival en la edición de 2013.
El Premio Nosferatu, como ya se anunció hace unos meses, recaerá en esta edición en la actriz alemana Helga Liné, que presentará en Sitges el film Terror (1963), de Alberto de Martino, y una sesión especial de El espanto surge de la tumba (Carlos Aured, 1972). El Premio Brigadoon Paul Naschy se decidirá entre los siguientes cortometrajes seleccionados: Keep the Gaslight Burning, Birth, The Itch, Baghead, Casa Cheia, Hay algo en la oscuridad, Bailaora, La bestia y Bec (Black Eyed Child). Forman el jurado para conceder este premio el realizador Jaume Balagueró; el director de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, Josemi Beltrán y Loles Fanlo, subdirectora del D’A Film Festival de Barcelona.
Dentro del Sitges Documenta, la sección de Brigadoon dedicada al género documental, sobresalen, entre otros, el documental centrado en la figura de Umberto Lenzi, All Eyes on Lenzi: The Life and Times of the Italian Explotation Titan, dirigido por Calum Waddell; el film de The Ambrotype Group, George Romero: An Independent Man, donde se analiza la figura y obra del director estadounidense, y Hammer Horror: The Warner Bros Years, de Marcus Hearn, que se concentra en las coproducciones con Warner Bros., como por ejemplo Dracula Has Risen from the Grave o The Satanic Rites of Dracula.
Homenajes, sesiones especiales, retrospectivas y encuentros
Brigadoon homenajeará al director italiano Umberto Lenzi –desaparecido el pasado mes de octubre– que en 2008 recibió el Premio Nosferatu del Festival. Nacido en Massa Marittima, en la provincia de Grosseto en 1931, Lenzi se formó como cineasta en Roma y debutó en la dirección en 1958 con la película Mia Italida stin Ellada. Apasionado del celuloide, su carrera se desarrolló en los años 60, 70 y 80, convirtiéndose en uno de los grandes especialistas del género policíaco y de terror de bajo presupuesto. Entre las películas que se podrán ver en Brigadoon, se encuentran La guerra del hierro (1983), Una droga llamada Helen (1970) y La invasión de los zombies atómicos (1980).
Brigadoon también contará con Sesiones Especiales, como la proyección de la película Verónica que contará con la presencia de su director, Paco Plaza, con el que los espectadores podrán compartir un coloquio; o el capítulo El hombre que vendió su alma, integrado en la serie Mañana puede ser verdad y dirigido por Narciso Ibáñez Serrador en 1962 para la televisión argentina, y que ha sido recuperado y digitalizado recientemente. También será una proyección especial la del clásico de Iván Zulueta, Arrebato, cuya copia ha sido restaurada y se reeditará próximamente.
El fallecido realizador José Ramón Larraz contará con una retrospectiva de su trabajo, con la proyección de algunos de sus films restaurados, en colaboración con Arrow Film, como Vampyres (1974) o Deadly Manor (1990).
Otro de los momentos más interesantes y emotivos será el encuentro con la mítica actriz Dyanne Thorne, conocida por la famosa ‘trilogía de Ilsa’, y su marido, el también actor Howard Maurer. Ambos compartirán un coloquio con los espectadores antes de la proyección del film Greta-Haus ohne männer (1977), dirigida por Jess Franco.
Sitges Zombie Walk
La tradicional Sitges Zombie Walk tendrá lugar este año el primer sábado del Festival, que será el 6 de octubre, y cuyo pistoletazo de salida irá a cargo del actor Ron Perlman, premio Màquina del Temps de la edición de este año. La Zombie Walk 2018 volverá a ser un punto de encuentro para que los zombis de todo el mundo puedan recorrer las calles de Sitges.
‘Suspiria’, de Luca Guadagnino, inaugurará Sitges 2018
Tilda Swinton visitará el Festival y recibirá un Gran Premio Honorífico
La esperada nueva versión del clásico de Dario Argento de 1977, Suspiria, abrirá la 51ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya el próximo 4 de octubre. Una de las cintas que más expectación despierta entre los amantes del terror será presentada por su director, Luca Guadagnino (Call Me by Your Name, Cegados por el sol), y la actriz Tilda Swinton, que también recibirá el Gran Premio Honorífico.
Una oscuridad se arremolina en el corazón de una compañía de danza de renombre mundial, una fuerza que engullirá a la directora artística, a una joven y ambiciosa bailarina y a un psicoterapeuta afligido. Algunos sucumbirán a la pesadilla. Otros, por fin, se despertarán.
Suspiria está protagonizada por Dakota Johnson, Tilda Swinton, Chloë Grace Moretz, Mia Goth y Jessica Harper, protagonista del film original de Argento. La banda sonora ha sido creada por Thom Yorke, líder de la reconocida banda Radiohead.
Tilda Swinton recibirá en Sitges el Gran Premio Honorífico en reconocimiento a una trayectoria que brilla por su talento, versatilidad y una predilección por un cine atrevido e independiente. Entre los títulos que ha protagonizado destacan Orlando (Sally Potter, 1992), Adaptation (Spike Jonze, 2002), Quemar después de leer (Joel y Ethan Coen, 2008), El curioso caso de Benjamin Button (David Fincher, 2008), Tenemos que hablar de Kevin (Lynne Ramsay, 2011), Sólo los amantes sobreviven(Jim Jarmusch, 2013), Rompenieves (Bong Joon-ho, 2013), El Gran Hotel Budapest (Wes Anderson, 2014), Dr. Strange (Scott Derrickson, 2016) y Okja (Bong Joon-ho, 2017).
El reconocimiento a Tilda Swinton es el último premio anunciado por Sitges 2018 hasta el momento, y se suma a los otros ganadores del Gran Premio Honorífico, Peter Weir, Nicolas Cage y Ed Harris; la Màquina del Temps para Pam Grier y Ron Perlman; la Maria Honorífica para Traci Lords y el Premio Nosferatu para Helga Liné.
La venta de entradas para la gala de inauguración se iniciará este jueves, 30 de agosto, a las 12.30 horas, a través de la web del Festival.
El actor Emilio Gavira presentará ‘Matar a Dios’ en la edición especial La Palma del Festival Isla Calavera
El Festival de Cine Fantástico de Canarias – Isla Calavera se instalará los días 21 y 22 de septiembre en el Teatro Chico de Santa Cruz de La Palma con una propuesta dedicada al cine de género que abarca diferentes actividades, con el patrocinio del Cabildo insular, el Ayuntamiento de Santa Cruz de La Palma y Dorada Especial. El actor Emilio Gavira (‘El milagro de P. Tinto’) se suma al elenco de invitados ya anunciados para presentar el viernes, día 21, el estreno de la comedia negra ‘Matar a Dios’, ópera prima de Caye Casas y Albert Pintó. Tras la proyección, que arrancará a las 20:30 horas con el cortometraje ‘RIP’ (Mención Especial al Mejor Guion en la primera edición del Festival Isla Calavera), también de los cineastas catalanes, tendrá lugar una charla sobre la película con su protagonista.
El sábado, a las 11:10 horas, el Teatro Chico ofrecerá el documental ‘¡Zarpazos! Un viaje por el Spanish Horror’, un recorrido histórico por el fantaterror español dirigido por el experto en el género, director y guionista Víctor Matellano, seguido de una clase magistral a cargo de Fernando de Iturrate (doctor en Periodismo y profesor de Cine en la Universidad de La Laguna) y Víctor Conde (escritor, ganador del premio Minotauro, el premio Ignotus y el premio Kelvin 505 del festival Celsius 232 de Avilés).
El mismo sábado, día 22, a partir de las 20:30 horas, el Festival Isla Calavera propone disfrutar de una proyección especial dedicada a ‘La historia interminable’ (1984), con la presencia del maestro de los efectos especiales y el maquillaje, autor de las criaturas del clásico del género fantástico Colin Arthur, y su colaboradora Sarah Pooley, quienes al término de la película participarán en un coloquio abierto al público en el que se recordará el intenso rodaje de la adaptación al cine de la novela de Michael Ende, así como la trayectoria de Arthur, quien lleva en la profesión desde 1968, cuando elaboró las máscaras de los simios para ‘2001: Una odisea del espacio’ de Stanley Kubrick. Discípulo del mítico maquillador Stuart Freeborn (creador de las criaturas de ‘Star Wars’), cuenta en su filmografía con títulos como ‘El resplandor’ (Stanley Kubrick, 1980), ‘Conan el bárbaro’ (John Milius, 1982), ‘Alien, el octavo pasajero’ (Ridley Scott, 1979), ‘Furia de Titanes’ (Desmond Davis, 1981) o ‘El viaje fantástico de Simbad’ (Gordon Hessler, 1977), entre otras.
Sobre ‘Matar a Dios’
En la primera edición del Festival Isla Calavera, el cortometraje ‘RIP’ de Caye Casas y Albert Pintó logró una Mención Especial al Mejor Guion “por unos brillantes diálogos y un divertidísimo componente de humor negro”. En ‘Matar a Dios’, también escrita por Casa y Pintó, una familia se dispone a celebrar el fin de año en un aislado caserón en medio de un bosque cuando irrumpe un misterioso vagabundo, interpretado por Emilio Gavira (‘La gran aventura de Mortadelo y Filemón’, ‘Blancanieves’, ‘El milagro de P. Tinto’), quien dice ser Dios y amenaza con exterminar a la especie humana al amanecer. Sólo dejará dos supervivientes y sus anfitriones tendrán la oportunidad de escogerlos.
‘Matar a Dios’ logró en el Festival de Cine de Sitges el Premio del Público al Mejor Largometraje, en el Festival de Cine Fantástico Buenos Aires Rojo Sangre, el premio a la mejor dirección y a la mejor actriz, para Itziar Castro, y en el Fantafestival de Roma el Premio al Mejor Largometraje Extranjero, entre otros galardones. Tras su exitoso periplo por festivales, llega el 21 de septiembre a la cartelera española.
Sobre el Festival de Cine Fantástico de Canarias – Isla Calavera
El Festival de Cine Fantástico de Canarias – Isla Calavera nació en 2017 con una exitosa edición que disfrutaron más de 2.000 personas a finales de noviembre en Tenerife. A lo largo de cinco días se proyectaron 15 cortometrajes y 15 largometrajes, y se ofertaron diversas actividades paralelas. La segunda entrega del Festival tendrá lugar del 21 al 25 de noviembre de este año, nuevamente en el complejo Multicines Tenerife como sede principal.
Codirigido por Daniel Fumero y Ramón González Trujillo, el Festival Isla Calavera está organizado por la Asociación Cultural Charlas de Cine, la Asociación Cultural Isla Calavera, la publicación especializada TumbaAbierta.com y Multicines Tenerife. Como iniciativa regional, en su objetivo de difundir el cine fantástico por todo el Archipiélago, el Festival Isla Calavera trasladará a finales de septiembre su actividad a La Palma, bajo la coordinación de Patricio Ducha, con el patrocinio del Cabildo insular, el Ayuntamiento de Santa Cruz de La Palma y Dorada Especial, y con la colaboración de la Universidad de La Laguna y el Aula de Cine de la ULL.
El festival ‘Fimucité 12’ contará con la presencia de Christopher Young
FIMUCITÉ confirma dos nuevos invitados que formarán parte del cartel de la duodécima edición del Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife, que se celebrará entre el 21 y el 30 de septiembre de este año con el patrocinio del Cabildo Insular de Tenerife, el Gobierno de Canarias y el Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife.
El reconocido compositor Christopher Young, quien ya participó en el Festival hace una década, presentará la interpretación en el marco de la Gala de Clausura de una suite de su música para la película de ciencia ficción Species: Especie mortal. Además, Nick Foster acudirá con motivo de la interpretación, también dentro del programa del concierto ‘La verdad está ahí fuera’, de la banda sonora de la serie de animación Thunderbirds are go!, que firma junto a su hermano, el director invitado a FIMUCITÉ en esta misma edición, Ben Foster.
El compositor nominado al Globo de Oro Christopher Young, natural de Nueva Jersey, cuenta con una excelsa trayectoria en cine y televisión con cerca de un centenar de películas, en la que destaca su dedicación al cine fantástico y de terror, con títulos como ‘Hellraiser’, ‘Sinister’, ‘El Exorcismo de Emily Rose’, ‘La Mosca 2’, ‘La Mitad oscura’, ‘Pesadilla en Elm Street 2’, ‘Ghost Rider: El motorista fantasma’ o sus colaboraciones con el director Sam Raimi en ‘Arrástrame al Infierno’ y ‘Spider-man 3’. Una de sus obras más aclamadas, la banda sonora de ‘Species: Especie mortal’, por la que fue nominado a los galardones Golden Reel, sonará el sábado 29 de septiembre en el Auditorio de Tenerife Adán Martín dentro del programa previsto dedicado a la mejor música del subgénero de ciencia ficción sobre avistamientos de ovnis e invasiones alienígenas. Profesor de composición de música para el cine en la Universidad del Sur de California, ha dedicado también su carrera a la formación especializada y cuenta con numerosos seguidores por todo el mundo como quedó demostrado cuando visitó la segunda edición de FIMUCITÉ y protagonizó un inolvidable encuentro con fans.
La Orquesta Sinfónica de Tenerife también interpretará en el marco de la Gala de Clausura la música compuesta por los hermanos Foster para la serie ‘Thunderbirds are go!’, con la que lograron una nominación a los Premios BAFTA. Nick Foster es conocido por sus numerosas partituras para series de televisión en Reino Unido y Estados Unidos, con títulos como la comedia ‘Timewasters’ o la exitosa ‘Bounty Hunters’. También destaca por sus trabajos en publicidad para marcas como Stella Artois, Amazon o la cadena BBC. Actualmente prepara la música de una nueva producción para Netflix del mentalista Derren Brown, con quien ya colaboró en ‘Apocalipsis’ y ‘The Cube’, y para una nueva tanda de episodios de ‘Thunderbirds are go!’, junto a su hermano Ben Foster.
Las entradas para los dos conciertos sinfónicos que tendrán lugar en FIMUCITÉ 12, en el Auditorio de Tenerife, ya se encuentran a la venta en taquilla y a través de Internet en http://www.auditoriodetenerife.com. Como ya había sido anunciado, el viernes 28 de septiembre, a las 20:00 horas, el Auditorio de Tenerife acogerá la première española de un espectacular concierto “live to picture” dedicado al clásico, considerado obra maestra, de la ciencia ficción “Encuentros en el la Tercera fase” de Steven Spielberg, en el que mientras se proyecta la película la Orquesta Sinfónica de Tenerife, el Tenerife Film Choir interpretarán íntegramente la legendaria partitura de John Williams. El director artístico del Festival, el reconocido compositor y director de orquesta Diego Navarro, se pondrá al frente de esta original propuesta, el primer concierto “live to picture” sinfónico de un gran éxito de Hollywood que tiene lugar en Canarias. El concierto ‘La verdad está ahí fuera’ será el sábado 29 de septiembre, a las 19:00 horas.
Christopher Young y Nick Foster se suman al resto de invitados ya confirmados en FIMUCITÉ 12: los compositores Laura Karpman, quien actualmente ejerce como gobernadora de la rama musical en la Academia de Hollywood, y Jean-Michel Bernard, extraordinario pianista y colaborador habitual del cineasta Michel Gondry; además del citado Ben Foster, como director invitado.
El Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ) cuenta para la celebración de su duodécima edición, que tendrá lugar del 21 al 30 de septiembre de 2018, con el patrocinio del Cabildo Insular de Tenerife, el Gobierno de Canarias y el Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife, Audi Canarias, Dorada Especial y Teleférico del Teide, y con la colaboración de la Fundacion SGAE.
15 Festival Nits de Cinema Oriental del Vic: Álbum fotográfico
Pues esto se acaba. Si en los dos artículos precedentes les hablamos de la Sección Oficial, así como de la retrospectiva y otras secciones, o sea, que les hablamos principalmente de cine, esta tercera y última entrada se la dedicaremos a mostrar un poco del ambiente que se vivió tanto en la Bassa dels Hermanos como en el Cinema Vigatà.
Una delicia…
…antes de la película al aire libre…
…degustar platos típicos del país del film que vamos a ver. Ya sea…
…cena cantonesa, cena china,…
…cena japonesa, cena tailandesa o cena india, que de todas hubo.
Cenar mientras en el escenario hay …
… exhibiciones de artes marciales. En las que se demuestra…
… que cualquier edad es ideal…
… para iniciarse en el…
… arte de la lucha.
¿Lo mejor? El ambiente que se respira durante estas jornadas.
Un oasis en el cual no falta música.
Y culturas que nos resultan exóticas…
…estos días están más cercanas.
Tampoco faltaron invitados…
… que dieron colorido al festival…
… y que recibieron premios. Como el productor Shin Iizawa, que lo recogió de manos del honorable cónsul general del Japón en Barcelona Sr. Naohito Watanabe.
Los niños tienen una sección matinal especialmente pensada para ellos…
… en la que los futuros Mitòmans se lo pasan en grande.
Pero sin duda una de las jornadas…
… favoritas y que más colorido ofrecen a las Nits …
… es la dedicada a la India con sus bailes tipo Bollywood…
… y Bangra, que en esta ocasión estuvieron a cargo de Natajara Dance…
… que consiguió que todo el mundo en la Bassa bailara con ellos.
Y es que Vic, durante estas jornadas se cubrió de magia: ABRACADABRA…
…¡TACHÁN!: MAGIA POTAGIA…
También hubo tiempo para otros tipos de rituales. Fustigamientos, japoneses enseñando el culo y …
… monjitas morbosas.
Todo. Todo es posible en las Nits de Cinema Oriental de Vic….
… tanto que se otorgue un premio del público al cortometraje menos malo…
… como el otorgado a la Sección Oficial por un jurado com cal (en la foto el de este año: Mònica Garcia Massagué, Omar Parra y Toni Benages)
Pero repetimos: ¿lo mejor? el reencontrarse con amigos año tras año. Así que…
… quedaremos pacientemente atentos a la pantalla. Hipnotizados. Esperando a que llegue de nuevo julio y volvamos a Vic, con renovadas ganas, a disfrutar de nuestro festival favorito. ¿Nos vemos en Vic? ¡Por supuesto!
15 Festival Nits de Cinema Oriental del Vic: Retrospectiva, otras secciones y Palmarés
Si en la primera parte de esta crónica dábamos un pormenorizado repaso a lo que dió de sí la Sección Oficial de las Nits de Cinema Oriental 2018, vamos en esta segunda entrega a centrarnos en el resto de secciones y actividades, que fueron numerosas y para todo tipo de público.
FOTOS: Serendipia
SECCIÓN RETROSPECTIVA
En esta ocasión la sección retrospectiva de las Nits ha estado dedicada a Stephen Chow, un actor y director de Hong-Kong cuyas películas se proyectaron a continuación de la sesión matinal infantil. Chow destacó, especialmente en los años noventa, por sus películas moleitau, que definen un tipo de humor característico a base de dobles sentidos, juegos de palabras, escenas de marciales y de acción, así como gags visuales, incluidos parodias de actores como Bruce Lee, del que Chow es un gran admirador, Jackie Chan o Chow Yun-Fat, o de éxitos contemporáneos, tanto occidentales como locales.
El de Stephen Chow es un humor que confía su comicidad al carisma de su intérprete, así que si el espectador no consigue sentir simpatía por el actor, difícilmente podrán sus películas arrancarle la risa. Aún así casi todas las que se ofrecieron en esta muestra retrospectiva, que constó de cinco títulos, representan una muestra de la mejor etapa del actor, todas con buen ritmo y algún gag afortunado con el que consiguen no resultar tediosas en ningún momento.
Además cabe indicar que tanto Stephen Chow como su film Shaolin Soccer son muy especiales para el festival, ya que esta fue la primera película que se ofreció durante la lejana primera edición de las Nits de Cinema Oriental de Vic, que en aquel 2004 tan solo consistió en la proyección de este filme en la Bassa dels Hermanos acompañado de un menú a base de fideos chinos así que, como homenaje a aquellos humildes inicios y con la misma ilusión de entonces se ofreció Shaolin Soccer en esta decimoquinta edición.
Y También a Stephen Chow se ha dedicado el libro del festival. Stephen Show! El cine espectáculo de Stephen Chow, escrito por Domingo López, es el primer libro editado en todo el mundo dedicado al actor y director marcial. En él se repasa toda la carrera y sus películas, desvelando algunos datos curiosos, como la vinculación del cine de Hong-Kong con la mafia, lo que obligaba al actor, en el cenit de su popularidad, a tener que repartir su trabajo entre los diferentes productores-mecenas de gatillo rápido con el fin de que todos tuvieran su porción del pastel generado por el éxito de las películas de Chow, que según narra Domingo, tuvieron más éxito en taquilla que las de sus admirados Jackie Chan e incluso que las del mismísimo Pequeño Dragón. Serendipia, pese a no haber conectado demasiado con el cómico, disfrutó con la lectura del libro, pues Domingo López, además de ser uno de los mayores expertos sobre cine asiático que existen, sabe instruir deleitando, así que además de conocer datos sobre Chow, su libro resulta ilustrativo con respecto al funcionamiento de la industria cinematográfica de Hong-Kong desde los ochenta a la actualidad. A destacar la portada debida al maestro Yuen Tai-Yung.
Ahora veamos lo que dio de sí el ciclo.
En Legend of the Dragon (Long de chuan ren, 1991) de Danny Lee y Corey Yuen, Stephen Chow interpreta uno de sus personajes habituales: un joven de escasas luces proveniente de un pequeño pueblo que tiene conocimientos de artes marciales y que va a la gran ciudad, donde además de enamorarse y hacer el bobo en diferentes situaciones, adapta sus artes marciales a, por ejemplo, el fútbol. O el billar, como es el caso, triunfando ante los que le consideraban poco más que un retrasado. Un personaje en el cual el actor se encasilló, repitiéndolo en otras películas.
En Fight Back to School (To hok wai lung), otra de las ocho películas de Stephen Show que se estrenaron en 1991 en los cine de Hong Kong, interpreta a un policía que deberá infiltrarse en un instituto, como estudiante, para recuperar el arma perdida por un superior. Acción y las humoradas típicas del actor, imitaciones incluidas, en esta cinta producida por Golden Harvest que conoció tanto éxito que se rodaron rapidamente dos secuelas: la primera prácticamente un remake de la precedente y la segunda una parodia de Instinto básico (Basic Instinct, Paul Verhoeven, 1992) (¿?).
Love on Delivery (Poh wai ji wong, Lik-Chi Lee, 1994) rodada para Shaw Brothers, fue la primera cinta en la que Stephen Chow tuvo el control creativo al 100%. Ya por entonces tenía unos actores que intervenían habitualmente en sus películas y con los que se compenetraba a la perfección, terminando estos por ser una presencia imprescindible y celebrada por los fans del actor. Por lo demás más o menos lo de siempre: personaje apocado que aprenderá a golpear para conseguir a la chica de sus sueños. Acción, romance, mamporros, escatología y competitividad chino-japonesa, además de dos guiños-parodia a Tiburón (Jaws, Steven Spielberg, 1975) y The Terminator (James Cameron, 1984).
Out of the Dark (Wui wan ye, Jeffrey Lau, 1995) es una comedia fantástica en la que Chow ejerce de cazafantasmas con un look idéntico al de Jean Reno en El profesional (Léon, Lucc Besson, 1994). Finalmente y ya en La Bassa dels Hermanos, o sea, donde todo comenzó, tal y como hemos comentado, se proyectó Shaolin Soccer (2001), película dirigida por el propio Chow con sus guiños y actores de apoyo habituales encarnando a un grupo de desheredados de la sociedad con facultades marciales especiales que adaptarán para jugar al fútbol, pero añadiendo un eficaz tono de cartoon desquiciado, con efectos imposibles, que la convierte en la más asequible para el público occidental. Y, a nuestro parecer, la más redonda de todas las que tuvimos ocasión de ver durante la retrospectiva. Divertida, idealista (no dejar de seguir los sueños) y realmente espectacular, esta es la película con la que se inauguraron las Nits allá en 2004. Con una copia en 35 milímetros en versión original subtitulada propiedad de Lauren Films, pues la distribuidora la había adquirido con intención de estrenarla en cines algo que, finalmente, no se produjo por culpa de la debacle de la distribuidora catalana.
ANIMACIÓN
Con la habitual presencia de público infantil proveniente de los diferentes casales de Vic, se celebraron cinco sesiones matinales que hicieron las delicias de los más pequeños y de algunos adultos, entre los que Serendipia se cuenta. De las cinco películas, tres compitieron en la Sección Oficial y ya fueron comentadas en el artículo anterior, quedando estas dos interesantes piezas japonesa pendientes:
Mai Mai Miracle (Maimai Shinko to sennen no mahô, 2009), dirigida por Sunao Katabuchi, aventajado colaborador de Miyazaki, es una oda a la amistad y la necesidad de aprender, así como de respetar el pasado y la sabiduría de nuestros ancestros, una sabiduría representada por el abuelo de la protagonista, Shinko, una niña de desatada imaginación. Mai Mai Miracle, que llegará en breve a nuestras pantallas, ha tardado nueve años en estrenarse, habiendo sido precedida por la posterior En este rincón del mundo (Kono sekai no katasumi ni, 2016) obra maestra de Katabuchi que pudimos ver en la edición anterior de las Nits y que pasó de manera injustamente fugaz por nuestras pantallas.
Finalmente, Sword Art Online (Gekijo-ban Sword Art Online: Ordinal Scale) de Tomohiko Itô forma parte de un universo formado por una serie televisiva y algunos largometrajes de animación más, algo que, contra todo pronóstico, no debe alarmar a los que se acercan por primera vez, mediante esta película a ese mundo situado en el 2026, en el cual Kirito, Asuna y sus amigos descubren que un fallo en un juego de realidad aumentada puede poner sus vidas en peligro. Un mundo que está muy cerca ya de ser el nuestro, en el que la realidad virtual y los juegos podrían pasar a formar parte importante de nuestra vida. Los protagonistas viven en varios universos con diferentes aspectos que han adquirido para jugar, visitan lugares inexistentes e incluso tienen hijos virtuales, mientras que la realidad es algo totalmente diferente. Algo demasiado real y próximo al mundo hiperconectado que estamos viviendo.
GOLFAS MUY GOLFAS
El mismo espacio que por la mañana había sido ocupado por los inocentes niños fue pisoteado por la noche por los enfermos y crápulas que acudimos a las sesiones golfas en busca de emociones fuertes… ¡Y vaya si las hubo!
Para empezar los organizadores de las Nits parecen no escarmentar y por tercer año consecutivo el público más gamberro tuvo su ración de Reji Hoshino, el japonés kamikaze, que trajo bajo la gorra Tetsudon: Natural Born Fools -For Foolish Adults- una nueva antología del disparate compuesta de diversos cortometrajes, con el sexo como protagonista, que el público pudo aprobar o rechazar pidiendo la devolución del dinero. Una pandemia que se ha extendido y prolongado con la primera edición del denominado Vicsudon, adaptación autóctona de Tetsudon que contó con la participación de ocho perlas surgidas de la calenturienta mente de varios pervertidos que el público tuvo que sufrir durante la sesión de clausura, y en la enorme pantalla del Cinema Vigatà, con el objeto de votar la (¡ejem!) favorita.
Pero hubo mucho más sexo. Y del más chusco, además, en la sesión golfa de cine Categoría III con Big Boobs Sisters. The Yellow Panties of Happiness (Yoshikazu Kato, 2016), una cosa que solo se le puede ocurrir perpetrar a las enfermas mentalidades niponas. Pero permítannos que les pongamos en situación, pues la jornada fue muy larga…
Debido a la amenaza de tormenta, se decidió proyectar Baaghi 2, la película destinada a la Bassa dels Hermanos, en el cine Vigatà. Esto motivó, al ser una de las películas más esperadas de las Nits, un lleno total en la sala que quedó, al terminar, como un campo de batalla. Y con mucho calor al fallar, al parecer, el aire acondicionado. Bajo estas circunstancias llegó el turno de la sesión golfa, compuesta de tres platos, a cada cual más pringoso. La noche se inició con el -eterno- corto Mabo Kyan-V (Unatsuki (Motoharu Takauji), 2018), una patochada japonesa sobre unas chicas que combaten, sin sujetador y con las bragas en la cabeza a modo de máscara, a los numerosos violadores que hay en su instituto. Todo muy amateur y torpe. Muy tonto, podría decirse. No estaba recuperada todavía la platea cuando Iván Fernández y Aureli del Pozo subieron al escenario a presentar el trailer del largometraje que les gustaría, si consiguieran el presupuesto mínimo, rodar en Vic: Devil Dead 2, secuela de la infame película-homenaje-plagio indio de Evil Dead. El caso es que tras haber visto la aberración japonesa con la que se abrió la sesión, la propuesta de este dúo sacamantecas resultó, contra todo pronóstico, prometedora e incluso ¿interesante? Lo que es innegable es que tuvieron un golpe de suerte y nos tememos que muy mal tiene que ir la cosa para que el público de las Nits no tenga que sufrir Devil Dead 2 el próximo año. ¡Advertidos estamos!
Pero eso no fue todo. No. Finalmente arribó el plato fuerte de la noche: Big Boobs Sisters. The Yellow Panties of Happiness una ¿comedia? ¿erótica? sobre monjas cachondas generosas en carnes y en pechos que asaltan con intenciones libidinosas a todo buen samaritano que se encuentran a su paso ¿Suena mal? Pues fue peor. Absurda, bizarra… el hedor atravesó la pantalla alcanzando al espectador, que vivió esa experiencia alucinante sabiendo que sufriría unas secuelas cuyos efectos difícilmente se podrían cuantificar. Y mientras el tufo proveniente de la pantalla inundaba la sala, en el lavabo de hombres no había luz ¿casualidad? ¿O alguien había improvisado un cuarto oscuro con aviesas intenciones? Entretanto, en la pantalla, las monjas proseguían restregando sus ubres sobre los improvisados actores, muchos de ello con aspecto de haber sido recogidos de la calle o de algún sucio albergue. Más que una sesión de cine, lo vivido fue una experiencia catártica para los sentidos que finalizó con no pocas deserciones, de ahí que los que aguantamos hasta el clímax, incapaces de movernos de nuestra butaca, fuéramos vitoreados y aplaudidos como los valientes que sin lugar a duda, fuimos.
¡Ya estamos ansiosos por saber con que nos sorprenderán el próximo año!
ACTIVIDADES PARALELAS
Como bien saben todos los que han estado alguna vez en las Nits, este festival no se limita al cine, así que como es habitual han tenido lugar otras actividades relacionadas con las artes marciales, la gastronomía y otras disciplinas provenientes de oriente. Se pudo disfrutar de la exposición Totoro: 30 años, 30 artistas, realizada con la colaboración del Festival Nocturna de Madrid. Así como, ya en la Bassa dels Hermanos, de los conciertos de Charleen Cheng y Milefo Band-A, Gas y Markus & Shahzad Santoo Khan (estos últimos en el Casino de Vic por amenaza de lluvia); así como de la Danza del león, ofrecida por la Fundació Institut Confuci de Barcelona y las habituales muestras de artes marciales, karate, jiu jitsu, tai chi chuan, taekwondo y las siempre espectaculares danzas indias, en esta ocasión, con Nataraja Dance.
CORTOMETRAJES Y PELÍCULAS DE CLAUSURA
En cuanto a cortometrajes se presentaron cuatro, dos de animación y dos de imagen real: Sota l’olor de la figuera, un trabajo de animación realmente atractivo, ópera prima de la directora de origen japonés-catalán Dawnoi Martí Sagnet, que combina stopmotion, collage, dibujo digital y animación tradicional; Where is my Moon? (Miyoung Baek, 2018) también de animación, es un corto franco-coreano; Meiying MG-01 de Adrià Guxens, es un cuento de ciencia ficción protagonizado por JinJin Chen, colaboradora de las Nits, en cuya producción ha participado el festival. Un cuento que profundiza en temas como la belleza, la perfección y el autoengaño; Y finalmente The Stained Flag, un trabajo de denuncia social que se desarrolla durante la guerra civil que hubo en Nepal, obra del nepalí Dhanraj Barkote, estudiante de cine becado por la ESCAC.
Fuera de competición, aunque en principio formaran parte de la Sección Oficial, y ya durante el último día, se ofrecieron dos interesantes largometrajes. Por un lado la producción china Namiya (Jieyou zahuodian, Han Jie, 2017), una bienintencionada fantasía oriental basada en el Bestseller Los milagros de la tienda de Namiya, que sigue a tres adolescentes huérfanos que se esconden en una tienda de ultramarinos, donde encontrarán una misteriosa carta escrita 30 años antes que desencadenará una emotiva aventura con apertura de puerta temporal incluida. Una oda a no dejar de perseguir nuestros sueños por difíciles que nos parezcan, en la que podemos ver a Jackie Chan como anciano entrañable, todo un cuento de Navidad repleto de dulzor que no llega a empalagar. Finalmente y como sesión de clausura se ofreció la también china Fist and Faith (Jiang Zhuoyuan, 2017), una cinta de acción ambientada durante la ocupación japonesa de Manchuria que, mezclando eficazmente el lenguaje del cómic y el del cine, nos relata la represión cultural sufrida por los estudiantes chinos durante la ocupación. Cambiando las clases de historia e intentando hacer desaparecer la literatura china. La película mostrará los enfrentamientos entre estudiantes chinos y japoneses, que convivirán y se enfrentarán en las aulas de los institutos.
CONCLUSIÓN Y PALMARÉS
-Premio del jurado (compuesto por Mònica Garcia Massagué, Toni Benages y Omar Parra): Colour of the Game (Kam Ka Wai, Hong Kong 2018)
-Mención Especial del jurado: The Cambodian Space Project: Not Easy Rock’n’Roll (Marc Eberle, Australia-Camboya
2015)-Premio del Público: Bad Genius (Nattawut Poonpiriya, 2017)
-Premio de la Crítica: Bad Genius (Nattawut Poonpiriya, 2017)
-Premio Vicsudon: Kaiju Porqui (Ferran Carbonell, 2018)
El Festival Nits de cinema oriental 2018 ha presentado un total de 31 filmes producidos en China, Japón, Hong Kong, Tailandia, Camboya, Taiwan e India. De las 21 películas estrenadas en las pantallas de Vic, trece han sido Premieres internacionales.
Los Nitòmans han podido disfrutar también de 32 actividades paralelas: conciertos, exhibiciones de artes marciales, espectáculos de danza, talleres, exposiciones y charlas, entre el 1 y el 15 de julio con el programa Més Nits!, y a partir del día 17 dentro del certamen.
La fidelidad del público a las sesiones nocturnas de la Bassa dels Hermanos es absoluta y, además, este año ha aumentado la asistencia en las proyecciones del Cinema Vigatà. El total de espectadores que han disfrutado de la 15ª edición del Festival Nits de cinema oriental de Vic se mantiene ligeramente por encima de los 10.000.
Buen cine, buena compañía, buen ambiente. Risas, música, danza, cultura. Noches de verano y un magnífico trabajo. Por todo esto y mucho más…
¡¡¡NOS VEMOS EN EL FESTIVAL NITS DE CINEMA ORIENTAL 2019!!!
Y si se han quedado con ganas de más, visiten nuestro álbum fotográfico aquí.
15 Festival Nits de Cinema Oriental del Vic: Sección Oficial
Serendipia se desplaza a Vic para disfrutar de una de sus citas cinéfagas favoritas, las Nits de Cinema Oriental, que de nuevo han ofrecido a su variopinto público una magnífica selección de largometrajes, además de otras propuestas lúdicas. Y todo ello en una ineludible cita que año tras año va sumando adeptos, y que de nuevo ha sumergido al público asistente en unas cinematografías que parecen resultar demasiado exóticas para el espectador medio. O para las distribuidoras españolas.
Demos pues un vistazo a lo que dieron de sí estas seis Nits comenzando por su…
SECCIÓN OFICIAL
Al igual que el pasado año, las Nits de Cinema Oriental han otorgado tres categorías de premio: premio del jurado, premio de la crítica y el habitual premio del público.
Las cintas que han tenido acceso a los diferentes premios del festival han sido, como es norma habitual en las Nits, de todo género y provenientes de diversos países orientales. Si anteriormente se dedicaba cada certamen a un país que ejercía como anfitrión, a partir de ahora se hará de manera, más o menos, temática, estando dedicada esta edición de las Nits al deporte, algo que para bien de Serendipia, NADA aficionada a estos asuntos, resultó ser algo poco más que anecdótico, siendo el fútbol el tema principal de tan solo tres películas.
El número de cintas a competición ha subido con respecto al pasado año. Si entonces la Sección Oficial constó de un total de dieciséis largometrajes, en esta decimoquinta el número ha pasado a ser diecinueve, procedentes de China, Hong-Kong, Taiwan, Japón, India, Camboya y Tailandia, siendo la gran ausente, por causas ajenas a la organización, Corea del Sur.
De China llegaron las dos favoritas de Serendipia: The Looming Storm (Bao xue jiang zhi, Dong Yue, 2018) y The Wrath of Silence (Bao lie wu sheng, Xin Yukun, 2017). Dos tensos thrillers. The Looming Storm, nuestra cinta ganadora, supone el debut en la dirección del prometedor Dong Yue. Esta cinta regaló algunos de los planos más bellos que pudieron verse en esta edición, esos cenitales que nos hacen caer junto con la lluvia sobre los personajes, esos encuadres cargados de sentido que en todo momento nos hacen experimentar los estados anímicos que les conmueven, una cuidadísima fotografía que nos golpea y nos impide permanecer impasibles ante lo que estamos viendo. La acción se inicia en 1997 en una pequeña ciudad del sudoeste de China en el que está teniendo lugar una serie de crímenes con idénticas características, lo que provoca que el vigilante de una fábrica, detective aficionado, se obsesione por detener al asesino. Bajo una lluvia densa y continua, que enrarece la atmósfera y borra las posibles huellas que pudieran quedar en las diferentes escenas del crimen, esta tormenta saturará de grises tanto la pantalla como las vidas de los protagonistas. Pero esa lluvia es también una desolada metáfora sobre la realidad China, el aguacero tiñe la historia con una fuerte crítica hacia el pasado régimen y con una desesperanzada mirada hacia el presente. Dong Yue no nos trae, sin embargo, un relato localista, teniendo continuamente a China en el punto de mira, el cineasta aborda temas universales como son el peso de la culpa en nuestras acciones, la corrupción política que permea todas las capas sociales, la frustración por los sueños incumplidos o el devastador sentimiento que nos inunda al reconocernos insignificantes ante el implacable paso de la historia. La película se cerrará bajo la nieve que caerá, once años después, sobre el protagonista y la nueva China, una China que, al igual que el protagonista, permanecerá inmóvil sin ir a ninguna parte. Y es que 2008 fue el año en que el gigante asiático se vestía con sus mejores galas para limpiar su imagen internacional celebrando los Juegos de la XXIX Olimpiada pero también el año en que las peores nevadas de su historia asolaron el país pocos meses antes, Dong Yue, con su primera película, nos deja claro que él no está del lado de la historia oficial sino de su contrario, la denuncia del lado oscuro de China que la versión exportable oculta. Una película redonda y desoladora a partes iguales.
Por su parte The Wrath of Silence expone, con técnica narrativa de western, la búsqueda de un hijo desaparecido por parte de su incansable padre, mudo por haber perdido la lengua seccionándosela en una pelea, el protagonista es todo un héroe de acción capaz de enfrentarse a brazo partido con toda la mafia. Ambientada en las montañas del norte de China, este thriller rural, plagado de pobreza y suciedad, nos mostrará la corrupción que subyace en una empresa de explotación minera cuyo jefe es todo un hallazgo para la ficción, un decadente villano tan real como terrorífico. Con un guión algo confuso en su inicio, la acción se desarrollará en varios niveles que terminarán convergiendo en las desoladas montañas donde se esconde un sórdido secreto.
China también aportó, en coproducción con Hong-Kong, algunos títulos más a la sección oficial, como las cintas de animación e imagen real Meow (Miao xing ren, 2018) y Monster Hunt 2 (Zhuo yao ji 2, Raman Hui 2018). La primera, dirigida por el prolífico y heterogéneo Benny Chan, del que en la edición de las Nits de 2014 pudimos ver The White Storm (Sau duk, 2013), es una cinta infantil con prodigiosos efectos especiales que está protagonizada por un pedazo de gato bigotón proveniente del espacio exterior. Mientras que Monster Hunt 2 es, naturalmente, la secuela del filme de idéntico nombre que pudo verse en Vic en el año 2016 y que como aquella tiene unos efectos digitales impecables realizados por los mismos estudios que dieron vida a Schreck y a toda su parentela. En resumen: magia, luchas espectaculares, humor, el pequeño Wuba, un Tony Leung que aporta un personaje canalla pero de buen corazón y sendos homenajes a ET y King-Kong ¿Qué más se puedepedir?
Profusión de efectos especiales también en Soccer Killer (Jeff Lau y Corey Yuen, 2017), un batiburrillo con bastante de Shaolin Soccer (2001) de Stephen Chow (no en vano Jeff Lau dirigió varias películas del actor y director), pero que tras un prometedor comienzo, (¡Los héroes Marvel desafiando a China!) se irá desinflando. Para enfrentarse a ese grupo China deberá reclutar a los mejores maestros de las escuelas de Kung-Fu y con ellos jugar un brutal partido de Cuju, deporte precursor del fútbol. Diálogos interminables, escenas supuestamente cómicas y ridículas intrigas palaciegas irán desluciendo el interés, que no se recuperará ni con la esperada batalla final entre super-héroes (aquí villanos) y maestros de Kung-Fu. Colorista y, si se le quiere rebuscar un sentido, con un simbólico enfrentamiento entre occidente y el tradicionalismo Chino (o algo así), pero poco más de interés. Entre los contendientes podemos distinguir a unos muy reconocibles sosias de Lobezno, Spiderman, Hulk, Capitán América, Antorcha Humana, Cíclope, Tormenta y… ¡Drácula! ¿Que no se lo creen? Denle un vistazo a este video:
Más historias cargadas de humor y fantasía de la China milenaria con The Golden Monk (Billy Chung y Wong Jing, 2017) y, finalmente en lo que respecta a China y también en coproducción, en esta ocasión con Alemania, se ofreció, de nuevo con el deporte como protagonista, el documental Ironhead (Eisenkopf, Tian Dong, 2017) sobre como el maestro Shi Yanlu, inculca a sus jugadores de fútbol enseñanzas de Kung-fu en el entrenamiento para hacer de ellos jugadores de élite.
De Hong-Kong pudimos ver When Sun Meets Moon, segunda película dirigida por el actor y guionista Benny Lau, una historia de amor protagonizada por adolescentes que vivirán un romance al que no podrá vencer ni la distancia ni el tiempo y una película con la que gran parte de los encallecidos Nitòmans dijeron, todavía con los ojos enrojecidos por las lágrimas, haberse dormido. Una historia para púberes, que se deja ver por los adultos, y que nos hace evocar el candor de las historietas de Purita Campos. Colour of the Game (Hei bai mi gong, Kam Ka Wai) muestra las luchas entre diferentes clanes mafiosos de Hong-Kong. Con revoltosos nuevos cachorros que se rebelan contra el orden antiguo; policías infiltrados que cambiarán de bando; honor, acero y muchas balas; y una única, pero excepcional, pelea cuerpo a cuerpo. Épica. Visto el resultado saber que Kam Ka Wai acaba de finalizar una película con Donnie Yen de protagonista no puede más que entusiasmarnos.
La contribución japonesa a esta edición de las Nits ha sido, como es habitual, de lo más surtida. Dos comedias como Reon (Renpei Tsukamoto, 2018) y Tremble All you Want (Katte ni furuetero, Akiko Ohku, 2017); un Tokusatsu para público infantil y juvenil, Heroes Unite (Heroes Unite: kessoku! Yatsurugi × Tryoh × Ninja Reppū, Eiji Kamikura, 2018); el policíaco de acción Stained (Patrick Kong) y, en coproducción con Australia, Top Knot Detective (Aaron McCann y Dominic Pearce, 2017).
Renpei Tsukamoto, inició su carrera con alguna cinta de terror como El pozo (Chakushin ari 2, 2005), tras lo que pasó a desarrollar la mayor parte de su carrera en televisión. Retorna de nuevo al cine con Reon, una comedia de corte fantástico en la que una apocada secretaria (Ji-young Kang) y su rijoso jefe (Naoto Takenaka) intercambiarán accidentalmente sus cuerpos, dando pie a los consabidos equívocos, la mayoría, claro, de carácter sexual, sobre todo porque el jefe, con el cuerpo de la joven, se sentirá atraído por un atento compañero de trabajo… Con algunos saludables detalles políticamente incorrectos la película, divertida y dinámica, se beneficia de la magnífica labor interpretativa de sus protagonistas, que mediante su expresión corporal sabrán convencernos de que el uno está en el cuerpo del otro. Notable y gamberra.
Tremble All you Want, cinta basada en un bestseller de la escritora Risa Wataya y que obtuvo el premio del público en el Tokyo Film Festival fue, sin duda, uno de los perros verdes del festival, pues a la historia le cuesta arrancar, al menos hasta que el espectador no entra en el surrealista lenguaje y en el enfoque que utiliza el director para contarnos esta historia sobre las vacilaciones amorosas de su joven protagonista, que duda entre el ideal romántico representado por un antiguo camarada del colegio y una relación sensata con un compañero de trabajo. O lo que es lo mismo, entre dejar atrás la infancia o adentrarse en la madurez. Quizás hubiera encajado mejor Reon que la cinta de Ohku ante el público de la Bassa, pues buena parte desertó quizás porque un auditorio al aire libre no permite la concentración necesaria para apreciar los distintos niveles narrativos de esta cinta.
Raro es el año en el que las Nits no ofrecen una muestra del Tokusatsu más canalla, pues como es bien sabido este subgénero está entre las debilidades de uno de los programadores del festival. Y Heroes Unite va directa al grano. No engaña a nadie. Es un Tokusatsu de bajo presupuesto dirigido por Eiji Kamikura, un realizador que se ha especializado en películas de acción, la mayoría de ellas en linea con la que pudimos ver en Vic, o protagonizadas por colegialas o Wonder Lady, émulo oriental de Wonder Woman. Pero esta proyección, matinal y con gran afluencia de público infantil fue especial porque contó con parte del equipo del filme: la estrella infantil de 9 años Kasumi Tsuji, que en la película interpreta el papel de Mini-Kisara, acompañada de Ayaka Tsuji, su hermana en la vida real y una de las Kung Fu Girls más importantes del cine japonés, que empezó a interpretar papeles de acción a los 9 años y actualmente, con 24, ya ha actuado en más de 80 películas y series y que en Heroes Unite encarna a Kisara. También visitó el festival Shin Iizawa, productor de Heroes Unite y uno de los productores independientes más prolíficos de Japón, con más de 5.000 filmes a sus espaldas. El Festival Nits aprovechó su presencia para otorgarle el Premio a la trayectoria.
A las actrices, caracterizadas como sus personajes en la película, se les unió Yatsurugi, otro de los personajes, que sorprendieron a grandes y pequeños recibiendo en las puertas del cine al público asistente, al que conquistaron con su simpatía.
Con la sala a rebosar, esta sencilla aventura con demonios, armaduras de colores, espadas, héroes y artes marciales, a pesar de los mamporros, propaga un mensaje de respeto al prójimo y a los beneficios de trabajar en equipo. La película cuenta con unos efectos (escasamente) especiales y el concurso de un auténtico campeón de kickboxing, al que se reconoce por su falta de expresividad. Un entretenimiento eminentemente infantil que disfrutó todo el público y que dejó exhausta a la platea por los aplausos y gritos con los que eran jaleados los diferentes personajes, algo que sorprendió gratamente a los invitados, acostumbrados a la respuesta, mucho más contenida, del público japonés. Como diría Ferran Monegal, inofensiva como la gaseosa, pero uno de los éxitos de las Nits y plataforma de futuros Nitòmans.
Kisara, Mini-Kisara y Yatsurugi a las puertas del Vigatà recibiendo a la concurrencia observados, muy de cerca, por el productor Shin Iizawa (Foto: Serendipia)
Stained comprime, en dos largometrajes, los cinco episodios de una mini-serie de la cadena Fox Networks Asia. Al ser una primera entrega deja algunas de las tramas sin cerrar, pero como nos chivó el director del festival, en la próxima edición de las Nits el público tendrá ocasión de ver la segunda y última entrega de este thriller, que cuenta con la participación de la carismática estrella Kara Wai y del también veterano Anthony Wong, que tendrá más protagonismo en la segunda parte de esta historia y al que aquí vemos de refilón.
La participación de Japón en la Sección Oficial se cierra con Top Knock Detective, un magnífico falso documental coproducido con Australia. Este mockumentary sobre una serie de televisión de culto en Australia, que nunca existió, sobre un torpe y bizarro samurai ronin detective que resuelve entuertos mediante su ‘razonamiento deductivo’, está muy bien rodado y cuenta con los elementos habituales en todo documental, dando textura de viejos VHS a los cortes pertenecientes a la serie, así como fotos ‘de archivo’ e imágenes de supuestas entrevistas televisivas, todo ello junto a testimonios actuales de los otros protagonistas de la serie. Todo tan bien hecho y con tanto humor que uno desearía que esta serie y su impresentable protagonista hubieran existido realmente, pues el resultado es tan convincente como el que ofrece, por ejemplo, el documental también australiano The Search of Weng Weng, tanto que incluso el film de Andew Leavolt resulta, en muchos momentos, más delirante y surreal que este Top Knock Detective. Juzguen, sino, por el trailer:
De Taiwan llegó A Foley Artist (Wang Wan-Jo, 2017), un documental sobre el sonido en las películas realizado en torno al profesional de los efectos sonoros Hu Ding-Yi, que practica una tan poco valorada como imprescindible disciplina para convertir el cine en magia. Con este veterano artista del sonido, el documental retratará el auge y caída del cine en Taiwan bajo la implacable competencia del cine de Hong-Kong y China. La película, que fue presentada en Vic por su productor, Aether Lee, resulta muy interesante y deja el regusto amargo de reflejar otro arte que, al igual que el de los efectos especiales mecánicos o con látex, está condenado a desaparecer ante el avance de los recursos digitales.
Camboya, en coproducción con Australia, participó en las Nits con otro documental, The Cambodian Space Project: Not Easy Rock’n’Roll (Marc Eberle, 2015), un sorprendente experimento cuyo rodaje se prolonga durante cuatro años y que retrata la creación de un grupo musical de Revival compuesto por un turista australiano y una ex-prostituta camboyana siguiendo el progreso de este pintoresco grupo desde su formación hasta su pequeño, pero significativo, éxito, que le llevó a realizar giras en Europa. Pero todavía más sorprendente resulta enterarse, por medio de este documental, de la trascendencia que tuvo la eclosión del Rock & Roll en los años cincuenta y sesenta en lugares tan exóticos y a priori tan poco receptivos como podría parecer Camboya. Pero así fue gracias al rey Sihanouk, considerado el último Rey/Dios de Camboya, que abrió el país hacia los ritmos modernos occidentales y también hacia el cine, llegando a dirigir varias películas en las que no faltaban los números musicales de Pen Ran, la intérprete de moda. Tras ser derrocado por un golpe de estado auspiciado por los Estados Unidos y obligado a exiliarse, el rey apoyó a los Jemeres Rojos, que en 1975 tomaron el poder terminando con todo rastro de cultura en Camboya y devolviendo al trono al ahora rey-marioneta, que se olvidó de todo el Rock & Roll y de todo el cine, que el nuevo régimen totalitario consideraba decadente. El nuevo presidente, Pol Pot abogaba por la vuelta de la sociedad a lo agrícola y la ruralización del país. Y por callar a quien no estuviera de acuerdo. Entre 1975 y 1979 el régimen de los Jemeres Rojos asesinó a más de un millón y medio de camboyanos. Los muertos sumaron una tercera parte de la población total del país y entre los más buscados se encontraban los artistas y 
músicos, de tal modo que nueve de cada diez artistas fueron ejecutados, entre ellos Pen Ran, la reina del Rock & Roll camboyano, que poseía un toque totalmente autóctono propio de la cultura del país.
Si este fuera el tema del documental ya resultaría de por sí apasionante, pero el auténtico leitmotiv del mismo es presentarnos la evolución de un grupo de Revival de aquel sonido de los sesenta, The Cambodian Space Project, liderado por el músico australiano Julien Poulson, que se encuentra con una joven prostituta, Shre Thy, en un karaoke (de ahí que se les llame despectivamente karaoke girls). La joven fascina al músico porque canta -y muy bien- un buen montón de canciones de Pen Ran que le enseñó su madre. El músico formará un grupo cuya evolución iremos viviendo, así como la relación de la pareja, su crecimiento como banda y como persona, sus giras, que les llevarán a otros lugares de Asia y también Europa y… la decadencia del grupo tras cuatro años y medio de vida. Una experiencia de la que el público será testigo privilegiado, pues mientras se grababa el documental no se sabía como iban a evolucionar los acontecimientos ni la trayectoria que iba a continuar el grupo. Sin duda un magnífico documental, de los que alimentan y culturizan, en especial para aquellos interesados en la historia y en la música de los sesenta, que fue merecedoramente obsequiado con la mención especial del jurado.
La producción tailandesa Bad Genius (Nattawut Poonpiriya, 2017) es una simpática comedia estudiantil que esconde, tras su inocente imagen libre, eso sí, de los habituales amoríos del subgénero, un tenso e ingenioso thriller en el que unos estudiantes becados idearán un sistema para que sus compañeros copien sus exámenes previo pago. Accesible para el público occidental, divertida y muy bien interpretada, este El Golpe (The Sting, George Roy Hill, 1973) estudiantil contiene también una importante crítica social, hacia las clases privilegiadas, representadas por los estudiantes de familias acomodadas, en beneficio de las más humildes, representada asimismo por los hijos de trabajadores, estudiantes que dependen de las becas para acceder a los estudios superiores. Los jóvenes haraganes se querrán aprovechar del 
esfuerzo y sacrificio de los menos favorecidos económicamente pagando sus servicios con lo que les sobra: cara dura y dinero. Con esto corromperán a nuestra protagonista, hasta que caiga en cuenta del error que supone todo ello, dejando la puerta abierta a la esperanza con su -vana- muestra de integridad final. Todo ello en una estupenda película cuyos derechos ya han sido adquiridos por una Major norteamericana para rodar un remake.
Y finalizamos la sección oficial sin olvidarnos de la India que participó en las Nits con dos películas bien diferentes: Sniff!!! (Amole Gupte, 2017) una fábula sobre la sociedad india disfrazada de filme de superhéroes protagonizada por Sunny, un niño de ocho años que siempre tiene la nariz atascada y que, a raíz de un accidente, desarrolla una poderosa capacidad de oler y el catártico y muy esperado trallazo habitual de baile, música, acción, violencia, belleza, músculos y fantásticos escenarios -144 minutos dan para mucho- con Baaghi 2 (Ahmed Khan, 2018), película interpretada -es un decir- por el mazas Tiger Shorff, al igual que Munna Michael (Sabir Khan, 2017) ofrecida el pasado año y Baaghi (Sabir Khan, 2016) el anterior, todas en primicia internacional por las Nits de Cinema Oriental de Vic. Y Baaghi 2 ofreció al público justo lo que se esperaba de ella: hostias como panes, pectorales desmesurados y excesivos, danzas exóticas, argumento minúsculo y un inesperado giro de guión que convierte a Tiger en un nuevo Johnny Rambo. Todo ello en la gran fiesta cinematográfica de las Nits cuyo encanto, para Serendipia, radica en verlas en público, en comunidad, con su jolgorio (aunque sobren los comentaristas sin gracia, que insisten e insisten…) y en pequeñas dosis: una o dos veces al año como máximo, para no perder la frescura. Por cierto, a destacar uno de los personaje secundarios: el comisario LSD, que está pidiendo a gritos -roguemos a Vishnu- un spin-off para él solo.
En la próxima entrada analizaremos otros aspectos del festival: retrospectiva, cine canalla con Tetsudon y monjas de grandes ubres y otras delicatessens que nos dejaron las Nits de Cinema Oriental de Vic. Permanezcan en sintonía…
‘De Palma vs. De Palma’ nuevo libro de Hermenaute para TerrorMolins
El Festival de Cine de Terror de Molins de Rei (TerrorMolins) y Editorial Hermenaute colaboran por tercer año consecutivo en la que será su 37 edición con un libro sobre la figura del director norteamericano Brian De Palma. El veterano festival, que se celebrará del 9 al 18 de noviembre, tiene este año como tema central al director de Hermanas y El fantasma del paraíso.
El libro repasa la extensa carrera cinematográfica del director de Carrie y Atrapado por su pasado entre otras películas imprescindibles. Se trata de un ensayo colectivo entorno a la obra del gran cineasta, el gran protagonista de la edición 2018 del Festival de Cine de Terror de Molins de Rei.
Bajo el título de De Palma vs. De Palma, el libro indaga en muchos de los conceptos esenciales de la obra del director a partir de la visión personal de seis autores, cada uno de los cuales centra su análisis individual en una de estas constantes. Keith Gordon, actor en dos películas de Brian De Palma y realizador estadounidense, colabora escribiendo el emotivo prólogo.
De Palma vs De Palma es un libro que trata la dualidad formal, la identidad desdoblada, aspectos como la pantalla partida y la amplificación metódica del legado de Alfred Hitchcock. Un libro que huye del manido análisis cronológico y ofrece un interesante discurso acerca de la obra del realizador de Nueva York a partir de seis artículos complementarios. De Palma vs De Palma consigue, a partir del análisis de toda la filmografía del director de Vestida para matar, hacernos repensar el discurso de su obra y descubrir nuevas teorías. Un libro que reivindica la figura de uno de los mejores y más controvertidos cineastas de la historia; un ensayo imprescindible para todo cinéfilo y cualquier lector curioso interesado en la psicología, el arte, la sociología y otros campos íntimamente relacionados con el séptimo arte, el thriller y el fantástico.
Coordinado por Albert Galera, el libro cuenta con las firmas de Antonio José Navarro, Gerard Fossas, Jordi Batet, Jaume Claver, Ignasi Juliachs y el mismo Galera, director artístico de TerrorMolins, articulista e historiador de cine.
Con cubierta diseñada por Marta Torres, el ensayo forma parte de la Colección Janus de Editorial Hermenaute.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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