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Da inicio el Verkami para ‘Kaiju! Cuaderno de campo’, segundo libro de las ‘Nits’
Godzilla, Gamera, King Guidorah o Mothra, entre otros, llevan más de medio siglo 
sorprendiendo al mundo con sus destructivas aventuras. Estas criaturas gigantescas son las protagonistas de un género cinematográfico, el Kaijû-eiga japonés, que ha traspasado fronteras y hoy en día son tan conocidas en Oriente como en Occidente.
Estos monstruos son los protagonistas del segundo libro editado por el Festival Nits de cine oriental de Vic: Kaijû! Cuaderno de campo. Para hacerlo posible se necesita un importe mínimo de 3.000 euros y este lunes 4 de abril se inicia una campaña de micromecenazgo a través de la plataforma Verkami para conseguirlos.
Kaiju! Cuaderno de campo propone un acercamiento diferente al mítico cine de monstruos y no se centra sólo en las películas y los cineastas sino en los auténticos protagonistas: las bestias. El autor Eduard Terrades, el coordinador Domingo López y el ilustrador Carlos Gañarul han creado extensas fichas que se adentran en el particular mundo de una decena de monstruos. A través de detallados dibujos se dan a conocer sus particularidades fisiológicas y éstas se acompañan de análisis cinematográficos de sus filmografías y reportajes del género, con colaboraciones de diferentes especialistas en cine asiático, así como una amplia colección de fotografías y carteles clásicos.
Los que quieran convertirse en mecenas de esta aventura literaria podrán escoger distintas recompensas. Las hay de todo tipo y para todos los bolsillos. La más básica permite adquirir el libro a un precio reducido y a partir de esta se van añadiendo nuevos alicientes hasta llegar a las recompensas estrella, las que incluyen los originales de las ilustraciones de los monstruos que aparecen en el libro.
Los amantes del Kaijû no se pueden perder el lote con DVD o Blu-ray del primer filme donde apareció Godzilla o lo que incluye diferentes figuras de kaijû-eiga. Los más cinéfilos pueden optar por el lote que incluye el abono Nitòman, que da acceso a todos los pases del Festival Nits; o el lote con el primer libro del certamen, el ensayo sobre el western asiático Wild Wild East. Los más gourmets se chuparán los dedos con la recompensa que incluye una cena degustación en el restaurante Okashii de Vic y los más golosos paladearan con la caja de bombones Keiko de la serie 
Aruund the World de Cacao Sampaka. Y si son unos enamorados de la cultura japonesa su recompensa sin duda es la que viene acompañada de una suscripción anual a la revista Eikyö, Influencias japonesas.
El libro, editado por el Festival Nits de cine oriental de Vic, con la colaboración y distribución de Tyrannosaurus Books, cuenta, además, con un prólogo de Ángel Sala, director SITGES-Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña, y la participación de Jordi Sánchez Navarro, Marc Bernabé, Oriol Estrada, Manuel Valencia, Damon Foster, Domingo López, Victor Muñoz, Jorge Endrino i Enrique Garcelán, entre otros. Con 140 páginas y un precio de 18 euros, se editará en dos ediciones, una en catalán y otra en castellano, saliendo a la venta el 12 de julio de este año.
LOS RESPONSABLES
Eduard Terrades Vicens (Granollers, 1982)
Escritor y cinéfilo, con especial interés para las cinematografías asiáticas, y estudioso de la cultura japonesa. Forma parte de CineAsia, empresa dedicada a la difusión del cine asiático, y es locutor y conductor del programa de radio Más allá de la viñeta a la emisora La Red. Es autor de libros como FantAsia, Made in Kitano, Johnnie To: redefiniendo el cine de autor o Diez Años de Terror Asiático: 1995-2005.
Carles Gañarul, «Ganya» (Vic, 1971)
Estudia Dirección Cinematográfica en el Centro de Estudios Cinematográficos de Catalunya. Durante 10 años trabaja profesionalmente como ayudante y jefe de producción en series y programas de televisión, principalmente en TV3. Creador de la serie Ganya Cine Arte, con ilustraciones de escenas de cine hechas con grafito sobre madera. Ha expuesto en Vic, Sabadell, Donostia, en el Festival de Cine Fantástico de Sitges, etc. Actualmente algunos de sus trabajos se exponen y se venden en EEUU, concretamente en la Hero Complex Gallery de Los Ángeles.
Domingo López (Barcelona, 1972)
Es autor o coautor de libros como Wild Wild East. Del curri Western al Soja Western, Made in Hong Kong, La Marca de Frankenstein o Johnnie To: redefiniendo el cine de autor. Ha dedicado su vida profesional a la difusión de cinematografías desconocidas a través de publicaciones como 2000 Maníacos o CineAsia, varias distribuidoras videográficas y en colaboraciones en radio y televisión. Es codirector del programa Hollybrut en Paramount Channel y coprogramador del Festival Nits de cine oriental de Vic.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 1 de abril *
HITCHCOCK/TRUFFAUT (Ken Jones, 2015)
USA/Francia Duración: 80 min. Guión: Kent Jones, Serge Toubiana Música: Jeremiah Bornfield Productora: Cohen Media Group Género: Documental
Con David Fincher, Martin Scorsese, Wes Anderson, Richard Linklater, Alfred Hitchcock, François Truffaut, James Gray, Olivier Assayas, Kiyoshi Kurosawa
Medio siglo después de la publicación del libro El cine según Hitchcock de François Truffaut, el director Kent Jones invita a alguno de los mejores directores de nuestro tiempo (Martin Scorsese, David Fincher, Richard Linklater, Wes Anderson, James Gray, Olivier Assayas…) a compartir sus pensamientos sobre el libro que inspiró y sirve de inspiración a muchos directores y aficionados al séptimo arte. Compuesto por buenas imágenes de archivo, el audio original de la entrevista y los apuntes de estos directores, tan diferentes como apasionados con la obra del mago del suspense. El filme se queda corto en su metraje y se centra especialmente en dos de las obra capitales del director, Vértigo y Psicosis, sin dejar de analizar la vida y obra de ambos cineastas, así como sus paralelismos y diferencias, que les llevaron a converger en unas conversaciones y una amistad cuyo resultado dio sencillamente una obra maestra. Sin lugar a dudas un festín para cinéfilos que hace que de nuevo nos planteemos ese tan ansiado como pospuesto retiro de un mes cargado con un DVD, un televisor sin canales sintonizados, toda la filmografía de Hitch, y el libro Hitchcock-Truffaut. De verdad que un día lo haremos y si disfrutan de esta deliciosa cinta, seguro que ustedes también.
KIKI, EL AMOR SE HACE (Paco León, 2016)
España. Guión: Paco León, Fernando Pérez Fotografía: Kiko de la Rica Productora: Vértigo Films / Telecinco Cinema Género: Comedia
Reparto: Paco León, Álex García, Natalia de Molina, Belén Cuesta, Luis Callejo, Candela Peña, Luis Bermejo, Alexandra Jiménez, David Mora
Sinopsis: Cinco historias de amor y curiosas filias sexuales coinciden en un calenturiento verano madrileño. Dacrifilia, Elifilia, Somnofilia y Harpaxofilia son algunas de las 
particulares formas de obtener placer que descubren nuestros protagonistas, pero para disfrutarlas tendrán que decidir cómo integrarlas en sus vidas. Sus sentimientos, sus miedos y sobre todo su sexualidad se transforman rompiendo tabúes, adentrándose en una etapa nueva, emocionante y libre donde no se reniega ni del placer ni del amor.
Reparto coral para esta cinta que versiona ‘The Little Death’, exitosa comedia sexual australiana dirigida por John Lawson e inédita en nuestro país en la que se cruzan varias historias con el denominador común del sexo y el amor. Filias, fobias, gags veloces, momentos emotivos y buen ritmo con un reparto repleto de caras conocidas, entre ellas la del propio director, Paco León, que junto a Luis Bermejo, Belén Cuesta, Alexandra Jimenez, Luis Callejo o la gran Candela Peña deberán enfrentarse a sus miedos sexuales descubriendo, en algunos casos, unas parafilias inesperadas.
EL INFIERNO VERDE (The Green Inferno, Eli Roth, 2013)
USA. Duración: 103 min. Guión: Guillermo Amoedo, Eli Roth Música: Manuel Riveiro Fotografía: Antonio Quercia Productora: Worldview Entertainment / Dragonfly Entertainment / Sobras.com Producciones Género: Terror
Reparto: Lorenza Izzo, Ariel Levy, Sky Ferreira, Nicolás Martínez, Kirby Bliss Blanton, Aaron Burns, Magda Apanowicz, Matías López, Daryl Sabara, Adam Leong, Mary Dunworth, Cody Pittman
Sinopsis: Justine y sus idealistas compañeros activistas de Nueva York viajan a la selva en Perú para impedir la destrucción de una parte de la jungla por la tala de árboles que perturbe la vida de una tribu indígena local. Hasta aquí todo son buenas intenciones, que se torcerán cuando descubran que la tribu en cuestión es caníbal.
(Comentario completo en este enlace)
ALTAMIRA (Hung Hudson, 2016)
Francia/España. Duración: 97 min. Guión: Olivia Hetreed, José Luis López-Linares Música: Mark Knopfler, Evelyn Glennie Fotografía: José Luis Alcaine Productora: Morena Films Género: Drama
Reparto: Antonio Banderas, Rupert Everett, Golshifteh Farahani, Pierre Niney, Nicholas Farrell, Henry Goodman, Irene Escolar, Clément Sibony, Tristán Ulloa
Sinopsis: En 1879 un arqueólogo amateur, Marcelino Sanz de Sautuola (Antonio Banderas), y su hija de 8 años, María, descubrieron en Cantabria una de las obras prehistóricas más importantes de la Historia: las pinturas de Altamira. Lejos de proporcionarle honor y gloria, su deslumbrante contribución a la historia le enfrentó sin embargo con la Iglesia católica, y también con la indiferencia y el escarnio de la comunidad científica de la época. A pesar de sus esfuerzos por demostrar la veracidad del descubrimiento, Sautuola fue acusado de falsificación por el francés Émile Cartailhac, la máxima autoridad en Prehistoria del momento.
Cinta correcta y algo banal sobre los conflictos y dogmas contra los que deberá enfrentarse el protagonista y descubridor del mayor yacimiento de pintura rupestre del mundo, que también se topó con la incomprensión de los científicos de la época, que pensaron que el hallazgo era una falsificación orquestada por su descubridor, Sanz de Sautuola. El guión añade un trasfondo sentimental, posiblemente ficticio, para rellenar, pero a pesar de poseer un impresionante diseño de producción y una fotografía que realza la belleza natural de los exteriores cántabros, poco más, más allá de todo estos elementos, puede despertar el interés de espectador por esta cinta cuyo variopinto reparto está encabezado por Antonio Banderas como Sanz de Sautuola ; la niña Allegra Allen como su hija María, auténtica descubridora de las pinturas; la iraní Golshifteh Farahani como Conchita, su esposa; Irene Escolar, sexta generación de la gran casta de actores que comprende los apellidos Gutiérrez Cava y reciente ganadora de un Goya, como María en edad adulta; y un irreconocible Rupert Everett como el temible Monseñor. Unos elementos que sin duda añaden brillo a esta cinta dirigida por Hugh Hudson, responsable de la envejecida Carros de fuego (Chariots of Fire, 1981), que no ha dudado en otorgar uno de los papeles a su esposa, Maryam D’Abo.
MADAME MARGUERITE (Xavier Giannoli, 2015)
Francia/República Checa/Bélgica. Duración: 127 min. Guión: Xavier Giannoli, Marcia Romano Fotografía: Glynn Speeckaert Productora: Fidélité Films / Scope Pictures / Sirena Film Género: Comedia dramática.
Reparto: Catherine Frot, Christa Théret, André Marcon, Michel Fau, Sylvain Dieuaide, Aubert Fenoy
Sinopsis: París, años veinte. Marguerite Dumont es una mujer adinerada, amante de la música y la ópera. Desde hace años canta regularmente frente a su círculo de amigos, pero lo hace absolutamente fuera de tono y nadie se atreve a decirle la verdad. Tanto su marido como sus amigos, se han dedicado siempre a mantener su fantasía. Todo se complica el día que ella decide presentarse frente a un verdadero público en la ópera.
- Premios
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2015: 4 Premios César: Mejor actriz, sonido, vestuario y diseño de prod. 11 nom.2015: Festival de Venecia: Sección oficial largometrajes a concurso2015: Festival de Sevilla: Sección oficial a concurso
ORGULLO+PREJUICIO+ZOMBIES (Pride and Prejudice and Zombies, Burr Steers, 2016)
USA. Duración: 108 min. Guión: Burr Steers (Novelas: Jane Austen, Seth Grahame-Smith) Música: Fernando Velázquez Fotografía: Remi Adefarasin Productora: Cross Creek Pictures / Darko Entertainment / Handsomecharlie Films / Lionsgate Género: Comedia terrorífica
Reparto: Lily James, Sam Riley, Bella Heathcote, Douglas Booth, Jack Huston, Charles Dance, Lena Headey, Matt Smith, Emma Greenwell, Janet Henfrey, Sally Phillips, Dolly Wells, Hermione Corfield, Raiden Integra, Millie Brady
Sinopsis: Durante la Regencia Británica de 1819, una plaga de zombies invade la apacible población inglesa de Meryton. Las hermanas Bennet, que han sido entrenadas en Shaolin, se disponen a combatir contra los ejércitos de los muertos-vivientes. Pero, al mismo tiempo, Elizabeth Bennet tendrá que evitar que la llegada del altivo y arrogante señor Darcy la distraiga de su misión.
(comentario completo en este enlace)
Madame Marguerite: Cuando entre el ridículo y la genialidad hay tan solo un paso
MADAME MARGUERITE (Xavier Giannoli, 2015)
Francia/República Checa/Bélgica. Duración: 127 min. Guión: Xavier Giannoli, Marcia Romano Fotografía: Glynn Speeckaert Productora: Fidélité Films / Scope Pictures / Sirena Film Género: Comedia dramática.
Reparto: Catherine Frot, Christa Théret, André Marcon, Michel Fau, Sylvain Dieuaide, Aubert Fenoy
Sinopsis: París, años veinte. Marguerite Dumont es una mujer adinerada, amante de la música y la ópera. Desde hace años canta regularmente frente a su círculo de amigos, pero lo hace absolutamente fuera de tono y nadie se atreve a decirle la verdad. Tanto su marido como sus amigos, se han dedicado siempre a mantener su fantasía. Todo se complica el día que ella decide presentarse frente a un verdadero público en la ópera.
- Premios
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2015: 4 Premios César: Mejor actriz, sonido, vestuario y diseño de prod. 11 nom.2015: Festival de Venecia: Sección oficial largometrajes a concurso2015: Festival de Sevilla: Sección oficial a concurso
«Entre el ridículo y la genialidad hay sólo un paso», afirma un personaje en un momento de Madame Marguerite. Sentencia que bien podría haber sido uno de los lemas de la exposición Cultura basura. Una espeleología del gusto (CCCB mayo-agosto 2003) comisariada por Jordi Costa en la que se daba cuenta de que «los productos de la cultura basura son aquellos que la cultura oficial considera aberrantes, pero que el consumidor, a partir de la ironía, es capaz de elevar a la categoría de fascinantes» y concretaba ejemplos como «someterse a la extraña belleza de un monstruo de feria. Rendirse al tosco placer de escuchar un aria de Mozart descuartizada por la voz de Florence Foster Jenkins…». Pueden hacerse una idea de qué hablamos cuando decimos ‘tosco placer’ pinchando el vídeo que sigue a continuación:
Florence Foster Jenkins (1868–26 de noviembre de 1944) fue una excéntrica soprano estadounidense que se hizo famosa por su completa falta de habilidad musical, y Xavier Giannoli quedó fascinado por ella: «hace más de diez años, oí en la radio la voz, hilarante y trágica, de esta cantante que cantaba completamente en falso. Descubrí que era estadounidense y que vivió durante la primera mitad del siglo XX. En su único disco, había una foto de ella con unas alas en la espalda y la sonrisa confiada de una mujer que parecía totalmente inconsciente de la incorrección cómica de su voz» (extraído 
de la entrevista al director por Fabien Lemercier para Cineuropa). Ese fue el germen de su película que no pretende ser un biópic sino una obra más personal tomando distancias con respecto a la historia verdadera. Ese distanciamiento es, para su director, una manera de liberar espacio a favor de lo fabuloso y novelesco. A partir de una joya de lo bizarro Giannoli alumbra una película cargada de sensibilidad en la que se aborda la universal necesidad de una ilusión para vivir y de su peligro si se excede amparada por el mal (¿o en ocasiones es un bien?) de la hipocresía. Nos habla de cómo podemos ser víctimas de un (auto)engaño y a la vez dependientes de la mentira, porque, paradójicamente quizás, esa convicción ilusoria es la que nos da seguridad. Y todo ello enmarcado (y enfocado) sobre la gran pregunta sobre qué es el arte y hasta dónde hay que llegar para conseguir la obra maestra, la obra total.
Giannoli desplaza la anécdota de Foster Jenkins de los años 40 a los años 20 y de Estados Unidos a Francia. Estamos en la Belle Époque, en la cima del art decó que ya convive con el aflorar de las vanguardias, en la frontera justa en la que un mundo está muriendo y otro está irrumpiendo. Asistimos a un canto de cisne desde la primera línea de sus protagonistas. Foster Jenkins se convierte en Madame Marguerite Dumont, hija de la alta burguesía, esposa de un aristócrata que vive de la fortuna de ella, y amante de la música, especialmente de la ópera. Un ser inocente y excéntrico al que Catherine Frot, en estado de gracia, dota de una gran humanidad. Durante años ha cantado frente a su círculo más cercano en fiestas y galas benéficas (financiadas, igualmente, con su dinero). Canta terriblemente mal y es incapaz de afinar, pero nadie quiere decírselo y su familia disimula para mantener su ilusión (a la par que sus intereses en ella). Todo se complica cuando es descubierta por Lucien Beaumont (Sylvain Dieuaide), crítico musical de un medio alternativo, fuera de los modelos y cánones establecidos, que le escribe una crítica en apariencia elogiosa (en verdad es una mordaz ironía escrita por divertimento). Marguerite querrá entonces dar el gran salto y cantar ante el gran público sin que nadie sea capaz de hacerle ver el embeleco que la envuelve.
Para Marguerite la música se convierte en la expresión de una libertad, de una insumisión. Es capaz de lo que sea: se rebela contra su medio, rompe con todos los códigos, conoce artistas (impagable su participación en un acto dadaísta) y gente que le infunden el ánimo y la necesidad de liberarse, de hacerse cargo de sí misma. Todo eso la proyecta a situaciones muy divertidas, pero siempre sobre el frágil suelo de la mentira que se extiende bajo sus pies. Giannoli le da tratamiento de comedia, pero también de intriga, sentimos miedo de que sepa un día esa verdad y a la vez (esa perversidad del espectador que tan bien exploró y explotó Hitchcock) lo deseamos, esperamos el momento en el que la situación dará el vuelco trágico al que parece predestinada. En la persecución de la quimera del éxito musical, se esconde, además, el anhelo de una mujer que busca ser amada, que quiere (re)conquistar el amor de su esposo. La música es a la vez un sustitutivo y una artimaña, una búsqueda de autonomía y el intento desesperado por recobrar la atención de un marido que se distancia. Por eso la tensión dramática es aún mayor, sabemos que si cae el velo del fingimiento no sólo caerá su mundo, sino su propia integridad.
Giannoli nos conduce ágilmente por una trama en la que la importancia de la cohorte de secundarios que circundan a la heroína es tan relevante como la de ella misma. Pinta un cuadro coral de personajes perfilados con los trazos justos. Todos mienten movidos por uno u otro interés, pero también todos sienten ternura por esa personita que no busca más que vivir feliz haciendo feliz a otros. De entre esos secundarios hay que hacer especial mención del leal mayordomo Madelbos (Denis Mpunga) principal artífice de la perpetuación de la mentira. Cuida hasta el último detalle para que su señora viva convencida de su virtud y sus triunfos. Es inevitable compararle con el Erich Von Stroheim de El crepúsculo de los dioses (Billy Wilder, 1950, Sunset Boulevard), ambos son los auténticos directores de escena que arropan a un personaje tragicómico, el de la diva que no acepta su decadencia en el filme de Wilder, y el de la aspirante que ignora su incapacidad en el de Giannoli. Tanto en una cinta como en la otra el criado se revelará como el verdadero artista, aunque en la francesa su signo será radicalmente opuesto como sólo podremos saber al final. Un final que nos congela.
Si la comparamos con la obra maestra de Wilder, también es pertinente traer a colación la igualmente magistral Ed Wood de Tim Burton. De entrada ambas se inspiran en uno de esos ejemplos de la Cultura Basura de la que hablábamos al principio. Burton construye un ensayo sobre qué distingue al impulso artístico partiendo del que ha sido calificado (injustamente, en parte) como peor director de la historia del cine. Pero Burton compone una oda amable sobre la importancia de crear la ilusión y suspende la acción en el momento en que Ed Wood parece haber rozado el cielo; el francés, en cambio, sostiene la narración un paso más allá antes de pronunciar el último ‘corten’, en este sentido no nos brinda concesión alguna. Y es que la obra de arte total, en su sentido más profundo, de la que muchas veces se ha tenido como máximo exponente a la ópera (basta pensar en Wagner), exige para su culminación el sacrificio (piénsese en los castrati, para no abandonar el espacio operístico). No en vano el referente que es tomado como modelo por la ópera es el de la Tragedia Ática (Grecia como cuna del arte occidental) en la que el héroe se enfrenta al destino que es de sí ineluctable y lo hace aun a sabiendas de que está condenado a la derrota.
Dice Giannoli que » la vida puede ser cómica, burlesca y ridícula y, al mismo tiempo, trágica, profundamente emocionante y a veces dolorosa». Su película imita a la vida. El arte es mímesis hasta la última consecuencia.
Primeros títulos programados en Nocturna 2016
Ya podemos anunciaros algunos de los títulos que formarán parte de NOCTURNA 2016, Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid.
La SECCIÓN OFICIAL DARK VISIONS consagrada al cine fantástico más independiente, nos presentará títulos como SENSORIA, debut en la dirección de Christian Hallman, que recibió el premio del público en Fantasporto, y que nos presenta la historia de Caroline, una mujer rozando los cuarenta, que ha perdido todo lo que le importa en el mundo. En su intento de empezar una nueva vida, se muda a un viejo apartamento y rápidamente comienza a darse cuenta de que no está tan sola como pensaba.
THE OPEN será otro de los títulos que se podrán ver en esta sección. Un film de ciencia ficción para paladares exquisitos que tendrá su premiere española en NOCTURNA. Dirigida por Marc Lahore, el film nos traslada a un escenario de guerra global en el que André y Stéphanie preparan su participación en un open de tenis. Ellos creen firmemente en ello y logran convencer a Ralph, un guerrillero de la llanura, que dejará su arma por una raqueta. El film llega directamente desde Portugal tras alzarse con los premios a la mejor película, mejor director y mejor guión en la Semana de los Realizadores del Fantasporto.
La SECCIÓN OFICIAL MADNESS, la más golfa y sangrienta del Festival nos ofrecerá la premiere española de THE LESSON, primer largometraje dirigido por la actriz británica Ruth Platt que nos mostrará la inolvidable lección que aprenderán dos delincuentes juveniles cuando un maestro en el límite de sus fuerzas decide secuestrarlos.
Los zombies volverán a NOCTURNA con NIGHT OF THE LIVING DEB, un film dirigido por Kyle Rankin en el que conoceremos a Deb, una torpe joven que se despierta en el apartamento del chico más atractivo de la ciudad para descubrir que la pasada noche fue un error. Ahora en medio de un apocalipsis zombie, deberán confiar el uno en el otro si quieren conservar sus… corazones.
La SECCIÓN OFICIAL FANTASTIC nos ofrecerá varias propuestas llegadas de diferentes partes del mundo. Rusia estará una vez más presente en el Festival con QUEEN OF SPADES: THE DARK RITE, premio especial del Jurado en Fantasporto, el film dirigido por Svyatoslav Pogdayevskiy reta al cine americano con una producción en la que los espejos son un portal al mundo de los muertos. Cuatro jóvenes se enfrentarán a su propia condenación y a la de sus seres queridos cuando conjuren a la Reina de Espadas.
De Hong Kong llegará la premiere española de KEEPER OF DARKNESS, segunda película dirigida por el actor Nick Cheung (Election) en la que interpreta a un exorcista que se convierte en una celebridad cuando uno de sus trabajos se vuelve viral en la red y despierta la curiosidad de los medios de comunicación, y también de los bajos fondos.
Seguiremos informando de cuanta novedad se vaya produciendo.
¡Nos vemos en Nocturna 2016!
El Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, NOCTURNA 2016 es una producción de La Cruzada Entertainment y Scifiworld Entertainment.
Novedad Tyrannosaurus: ‘Devoto del hombre. El diablo en el cine estadounidense 1968-2013’
Devoto del hombre es una monografía que trata la figura del Diablo en el cine estadounidense, desde 1968 (año en el que se estrena La semilla del Diablo de Roman Polanski) a la actualidad.
Para hablar de ello, Andrés Rodríguez Paredes realiza un estudio con el que encontrar los puntos en común, las tendencias que se mantienen dentro de la misma figura esquiva del “Adversario”, el Diablo, a través de una descripción de este antes de la llegada del audiovisual, mediante su presencia en el cine previa a 1968, del cambio que supuso La semilla del Diablo, de su presencia en el cine religioso… analizando y comentando títulos de películas como Häxan. La brujería a través de los tiempos, El corazón del Ángel, Cruce de caminos, Las brujas de Eastwick, El príncipe de las tinieblas, Pactar con el Diablo, El fin de los días, La bendición, Al diablo con el Diablo o Horns y de las series de TV como Reaper, God, the Devil & Bob, o Supernatural, entre muchas otras.
En definitiva, un libro que analiza todos los aspectos más importantes del Diablo en el cine estadounidense, su influencia en la sociedad, y de la sociedad en él, cómo evoluciona y cómo sobrevive al paso del tiempo.
Sobre el autor
Andrés R. Paredes nació en Coruña en 1989. Graduado en Bellas artes por la Universidad de Vigo en 2015, se especializó en la investigación y crítica en torno al cine, y ha formado parte de diversos colectivos artísticos, tanto en Pontevedra (donde reside actualmente) como en País Vasco, donde desarrolló una breve carrera como artista audiovisual en 2013.
Orgullo+prejuicio+…¿zombis?
ORGULLO+PREJUICIO+ZOMBIS (Pride and Prejudice and Zombies, Burr Steers, 2016)
USA/UK Duración: 108 min. Guión: Burr Steers (Novelas: Jane Austen, Seth Grahame-Smith) Música: Fernando Velázquez Fotografía: Remi Adefarasin Productora: Cross Creek Pictures / Darko Entertainment / Handsomecharlie Films / Lionsgate Género: Comedia terrorífica
Reparto: Lily James, Sam Riley, Bella Heathcote, Douglas Booth, Jack Huston, Charles Dance, Lena Headey, Matt Smith, Emma Greenwell, Janet Henfrey, Sally Phillips, Dolly Wells, Hermione Corfield, Raiden Integra, Millie Brady
La acción se sitúa en la apacible población inglesa de Meryton, cerca de Londres a inicios del siglo XIX, durante el reinado de Jorge III. En Inglaterra los difuntos empiezan a resucitar convertidos en temibles muertos vivientes a causa de una terrible epidemia llegada de las colonias de Ultramar. En el centro de esta sociedad se encuentra la adorable y muy alocada familia Bennet, con sus cinco hijas casaderas. La señora Bennet (Sally Phillips) ve el matrimonio como única esperanza para sus hijas, pues tras la muerte del señor Bennet (Charles Dance), las jóvenes quedarán abandonadas a su suerte cuando Williams Collins (Matt Smith), (primo de las muchachas y heredero de todo) tome posesión. La intrépida heroína Elizabeth Bennett (Lily James) y sus hermanas, además de buscar un buen matrimonio, tendrán que enfrentarse, gracias a los conocimientos aprendidos en el templo de Shaolin, con cuanto zombi se les cruce en el camino y, al mismo tiempo, evitar que la llegada del altivo y arrogante señor Darcy (Sam Riley) la distraiga de su empeño.
Cuando parecía que ya estaba todo dicho sobre el tan manido tema de los zombis (¿O no recuerdan los castores zombis de ‘Zombeavers‘? ¡Sí, castores zombis!), llega a nuestras pantallas otra sorprendente vuelta de tuerca que parece demostrar que todavía no está todo dicho sobre la cuestión no-muerta. Orgullo+prejuicio+zombis es una refrescante e ingeniosa cinta que consigue, a pesar de lo descabellado que resulta, hacer creíble la premisa de que en pleno siglo XIX podría haber tenido lugar una invasión zombi y que entre los vástagos de las clases mas pudientes hubiera estado de moda ir a Japón (los más adinerados) y a China (los venidos a menos) para aprender las técnicas de lucha oriental con las que enfrentarse a los come cerebros ¿increíble, verdad? ¡Pues no crean!, esta disparatada propuesta que mezcla intrigas románticas con gore; fastuosos bailes de sociedad y elegantes salones con degollinas y zombis devoradores de cerebros, para nosotros, funciona. Además, las elegantes y refinadas damiselas resultan de lo más sexy en su papel de exterminadoras de no-muertos.
Petrimetres de salón, fastuosas mansiones, trasfondo romántico como corresponde a una novela de Jane Austen, lucha de clases, y un saludable tono irónico muy bien alimentado por una fantástica dirección de arte y un fastuoso vestuario. También ayuda, y mucho, el ramillete de jóvenes hermanas casaderas de entre las que destacan Bella Heathcote como Jane Bennet y, sobre todo, la protagonista femenina, Lily James, que como Elizabeth Bennet representa a la nueva mujer que buscará alejarse del papel que le tiene reservado la sociedad del siglo XIX como mero elemento decorativo ¡Y vaya si lo consigue! Si la actriz ya nos gusto en su interpretación de Cenicienta (Cinderella, Kenneth Branagh, 2015), aquí termina de conquistarnos con su seductora diastema, incorporando un personaje que en principio iba a ser interpretado por Natalie Portman, actriz que finalmente ha tenido que conformarse con la función de productora del filme.
Por su parte el español Fernando Velázquez realiza un score delicioso para este cóctel de zombies putrefactos y bailes de salón que sigue fielmente la obra de Austen. Tanto que, aunque no sea algo imprescindible el haberla leído, sin duda la película será especialmente disfrutada por aquellos que conozcan la novela.
La película está basada en la novela del mismo titulo de Seth Grahame-Smith publicada en 2009. Otra de las alocadas novelas del autor ya fue adaptada en el cine, Abraham Lincoln, cazador de vampiros, con producción de Tim Burton, para quien también escribió el guión de 
Sombras tenebrosas (Dark Shadows, 2012). El caso es que la novela de Grahame-Smith ha caído en gracia teniendo cierta continuidad con Sentido y sensibilidad y monstruos marinos (¡no les engaño!) y Orgullo y prejuicio: El amanecer de los zombis o (¡ejem!) Androide Karenina, perpetrados todos ellos por diferentes plumas.
«Es una verdad mundialmente reconocida que un hombre soltero, poseedor de una gran fortuna, necesita una esposa.» si la frase con la que se abre Orgullo y prejuicio perdura como una de las más famosas en la literatura inglesa, dudamos que la que abre el filme permanezca como una de las más célebres del cine, pero al menos les servirá para entender de qué va esta ingeniosa pieza:
«Es una verdad universalmente reconocida que un zombi que tiene cerebro necesita más cerebros».
El Salón del Cómic de Barcelona dedica una exposición al cómic de denuncia social
Una de las señas de identidad de la novela gráfica española, además de su gran calidad, es su compromiso social. Son cómics de destacados autores y autoras que retratan a las personas que han salido peor paradas de la crisis y de la recesión en estos últimos años. El 34 Salón Internacional del Cómic de Barcelona dedicará una exposición a estas obras, titulada Novelas gráficas comprometidas.
Blanca Rosita Barcelona. Gallardo
La muestra revisará temas como el movimiento de los indignados, la corrupción política, la emigración y el racismo, los desahucios, la situación de la tercera edad, la indigencia, la marginalidad, la cooperación y la solidaridad. Son temas que preocupan cada vez más a la ciudadanía y que han encontrado eco en la novela gráfica de nuestro país. Cada una de las secciones de la exposición estará prologada por activistas sociales como David Fernández, periodistas como Ana Pastor y ONGs como SOS Racismo, Plataforma Afectats per la Hipoteca, Proyecto Los Argonautas, Arrels Fundació y Oxfam Intermón.
Novelas gráficas comprometidas contará con las obras de algunos de los autores y
Fagocitosis.Marcos Prior y Danide
autoras más destacados de nuestro país. Es el caso de creadores de varias generaciones como: Tyto Alba, Carlos Azagra, Kike Benlloch, Miguel Brieva, Cristina Bueno, Harkaitz Cano, Jorge Carrión, Isabel Cebrián, Patricio Clarey, Damián, Danide, Dr. Alderete, Cristina Durán, Enrique Flores, Manel Fontdevila, Sagar Forniés, Raquel Franco, Lara Fuentes, Miguel Fuster, Miguel Gallardo, Miguel A. Giner, Iaioflautas, Roger Ibáñez, Jan, Alfonso López, Andrea Lucio, Jaime Martín, Fermín Muguruza, Álvaro Ortiz, Jordi Pastor, Antonio Plou, Miguelanxo Prado, Marcos Prior, Sonia Pulido, Chechu Ramírez, Revuelta, Paco Roca, Isaac Rosa, David Rubín, Antonia Santolaya, Víctor Santos, Claudio Stassi, Alberto Vázquez, Paco Vílchez y Zidrou.
El 34 Salón Internacional del Cómic de Barcelona se celebrará del jueves 5 al domingo 8 de mayo en Fira de Barcelona Montjuïc.
‘El infierno verde’: una revisión al cine de caníbales de los ochenta
EL INFIERNO VERDE (The Green Inferno, Eli Roth, 2013)
USA. Duración: 103 min. Guión: Guillermo Amoedo, Eli Roth Música: Manuel Riveiro Fotografía: Antonio Quercia Productora: Worldview Entertainment / Dragonfly Entertainment / Sobras.com Producciones Género: Terror
Reparto: Lorenza Izzo, Ariel Levy, Sky Ferreira, Nicolás Martínez, Kirby Bliss Blanton, Aaron Burns, Magda Apanowicz, Matías López, Daryl Sabara, Adam Leong, Mary Dunworth, Cody Pittman
Sinopsis: Justine y sus idealistas compañeros activistas de Nueva York viajan a la selva en Perú para impedir la destrucción de una parte de la jungla por la tala de árboles que perturbe la vida de una tribu indígena local. Hasta aquí todo son buenas intenciones, que se torcerán cuando descubran que la tribu en cuestión es caníbal.
La entente entre Eli Roth y Nicolás López comenzó cuando Roth produjo al chileno su película Aftershock (2012). A partir de entonces ambos han trabajado juntos y la conexión del director americano con Chile no ha hecho más que aumentar. No solo se ha casado con una bella actriz del lugar, Lorena Izzo, protagonista de Aftershock y de todas las cintas del director yankee desde entonces, sino que también en sus películas colabora mucho personal de ese país sudamericano, tal y como sucede en El infierno verde, interpretada por Izzo y otros actores conocidos de Nicolás López como Ariel Levy o Nicolás Martínez (presentes también en Aftershock).
Durante el rodaje en Chile de Aftershock, Eli Roth había comenzado la escritura de un guion sobre un grupo de estudiantes universitarios que buscan resolver los problemas del mundo mediante la difusión de vídeos que avergonzasen públicamente a todo aquel a quien descubriesen haciendo el mal. Antes de darlo por concluido, la organización Invisible Children lanzó el documental Kony 2012, que instaba a los espectadores a involucrarse para acabar con el señor de la guerra ugandés Joseph Kony y con las acciones criminales de la Lord’s Resistance Army. Impulsado por las redes sociales, el vídeo se hizo viral en internet, siendo visto más de 100 millones de veces. Pronto, sin embargo, fue objeto de intensas críticas por simplificar en exceso y por tergiversar, en algunos casos, una situación demasiado difícil y compleja; como consecuencia, el fundador de Invisible Children e impulsor de Kony 2012, el activista Jason Russell, sufrió un ataque psicótico debido al agotamiento y al estrés.
Roth se sorprendió de que estos acontecimientos de la realidad se asemejasen tanto a la premisa principal de El infierno verde. «Todo el mundo estaba twiteando algo sobre algo que habían visto en un vídeo de YouTube, y casi obligaban a otras personas a retuitear para dejar constancia de que no les era indiferente el tema de los niños soldado de Uganda«, recuerda. «Menos de un mes más tarde, el líder de su causa estaba corriendo desnudo por las calles de San Diego. Finalmente, la campaña de Kony 2012 no hizo apenas nada para solucionar los problemas que subrayaba. Sí que originó un instinto de conciencia, pero sólo a través de esos retuits de YouTube que, evidentemente, no iban a detener a los señores de la guerra«.
Para Roth, la controversia alrededor de Kony 2012 validó el concepto principal de El infierno verde: la idea de que el ‘slacktivism‘ (el activismo de sillón) es un medio para que los usuarios de las redes sociales piensen que están haciendo algo respecto a terribles acontecimientos que están lejos de su control. «Venía de un buen lugar, queriendo ayudar a otros en un lejano rincón del mundo«, dice Roth. «Pero básicamente, se trataba de que las personas se sintiesen mejor consigo mismas«.
En la cinta de Eli Roth, las buenas intenciones de una ONG pronto se verán ensombrecidas por el egoísmo de todos, caníbales incluidos. La excusa medioambiental, será un buen punto de partida que pondrá el acento sobre el cinismo de algunas ONG’S, así como sobre los sanos habitantes del primer mundo cuando fingen preocuparse por el agujero de ozono o, como en este caso, la selva amazónica. Nuestros protagonistas lucharán para proteger el ecosistema que ha mantenido casi vírgenes las selvas y las tribus que viven en el corazón del Amazonas. Tan grande será su vocación de protegerles, que les servirán incluso de alimento.
La cinta está rodada en la cuenca del Amazonas, en el pequeño poblado de Callanayacu. Mientras localizaban, Roth vio una cabaña que era justo como la que buscaba, bajaron de la barca y pidió a Sánchez que les dijera a los aldeanos que estaban explorando para encontrar un lugar concreto para filmar la película. Gustavo le comentó que los aldeanos jamás habían visto una película, de hecho no sabían lo que era una película. Sin electricidad, ni agua corriente, Callanayacu apenas tenia contacto con el mundo exterior, más allá de la embarcación que ocasionalmente les suministra productos. Sin embargo, Roth y los productores tuvieron una calurosa acogida y a pesar de los problemas logísticos que tendrían, decidieron rodar allí, algo que los aldeanos decidieron mediante el voto.
Una vez comenzada la filmación, los aldeanos se adaptaron con rapidez al proceso de producción: algunos trabajaron en el departamento artístico, otros ayudaron en las construcciones y el vestuario, mientras que otros sirvieron como figurantes. «Fueron los mejores extras con los que he trabajado«, comenta Roth.»Nunca se quejaban. Acababan una toma y seguidamente reían y reían». El resultado refleja el fantástico entorno en el que se ha rodado la película y la autenticidad de los extras, muy convincentes en su papel de aborígenes.
Proyectada en competición en el festival de Sitges de 2013, The Green Inferno, es una revisitación del viejo subgénero transalpino de caníbales, aunque bastante más comedido que los filmes emblemáticos en los que se inspira. Entretenida y a ratos divertida, tiene esas características introducciones tan prolongadas a las que Eli Roth nos tiene acostumbrados y que exasperan a más de uno. Tendrán que tener paciencia, pues hasta el minuto 41 el director no comenzará a poner la carne en el asador.
Resulta refrescante la intención de recrear el alimenticio subgénero de caníbales transalpino, que tantos buenos (malos) momentos ha hecho pasar al público más curtido de la mano de Ruggero Deodato o Umberto Lenzi, directores que llevaron a las pantallas de todo el mundo las más importantes muestras de este indigesto género, Holocausto Canibal (1980) y Canibal Feroz (1981), respectivamente. Pero lo malo de El infierno verde es que, para el público más curtido, la propuesta de Roth se le quedará muy corta. En cuanto a los que se acerquen por primera vez al tema, posiblemente pasarán un mal rato, sobre todo el sector femenino, pues Roth ha tenido a bien introducir entre los ritos caníbales uno muy sensible y exclusivo de la mujer. Bon Appetit!
‘Pétalos de acero’, Steampunk en la Barcelona de 1888
PÉTALOS DE ACERO
Ya está en venta Pétalos de acero, de José Antonio Bonilla, la tercera obra publicada por Editorial Hermenaute y la primera de su sello Icarus, dedicado a la ciencia ficción. Pétalos de acero es una novela de aventuras steampunk con guiños al folletín popular y a la literatura policíaca de Maurice Leblanc que transcurre durante diez días de junio de 1888, recién inaugurada la Exposición Universal de Barcelona. La novela ofrece un retrato de una época apasionante para la Ciudad Condal, en la que acababa de desprenderse de sus murallas y vive los primeros frutos de la industrialización, justo a las puertas del Modernismo. En este escenario sitúa una historia de conspiraciones y aventuras aderezado con artilugios mecánicos y autómatas.
EL AUTOR
José Antonio Bonilla Hontoria (Sabadell, 1969) es licenciado en Biología y en Bioquímica por la Universidad Autónoma de Barcelona. Trabaja en la actualidad como Gestor de Asuntos Académicos en dicha universidad y dedica gran parte de su tiempo a su principal afición, la narrativa de género, con una amplia solvencia literaria en el ámbito de la ciencia ficción. Ha sido redactor de la revista SOM-HI! entre los años 1996 y 2005.
Entre los galardones recibidos destacan la distinción de finalista en el XXI Premio Domingo Santos de Ciencia Ficción a finales del año 2012 o los accésit del Premio UPC de Ciencia Ficción en las ediciones de 1994, 1995 y 1997, alguna de cuyas obras se han publicado en la colección Nova de Ediciones B. José Antonio es autor de la novela La Inconquistable (2015), finalista del XXI Premio Domingo Santos de Ciencia Ficción.
SINOPSIS
Exposición Universal de Barcelona, 1888. Isaac Peral, diseñador de un modelo de submarino revolucionario, acaba de sufrir un atentado en el Gran Hotel Internacional. El jefe de seguridad del pabellón de Estados Unidos y un par de relojeros catalanes desplazados desde París se verán envueltos en una trama de robos, asesinatos y extraños autómatas, además de la inquietante presencia de un carruaje negro que guarda un terrible misterio. Tras estos sucesos se esconde una conspiración que busca la destrucción de los cimientos de la Vieja Europa. La Ciudad Condal es el fantástico tablero de juego de esta novela de aventuras steampunk.
GABINETE DE CURIOSIDADES
La Gran Exposición Universal de 1888 cambió para siempre la fisonomía de la Ciudad Condal con obras arquitectónicas como el Arco de triunfo, el monumento a Colón (para cuya construcción se instaló un andamio de dimensiones nunca vistas), el efímero y gigantesco Gran Hotel Internacional construido por Lluís Domènech i Montaner, el Café-Restaurante de Els tres dragons que más tarde albergó el Museo de Ciencias Naturales. Un invernáculo, obra de Josep Amargós o la Fuente Mágica. El evento atrajo a dos millones de visitantes ávidos de atracciones nunca vistas, inventos y lo último en tecnología.
Globo cautivo. Permitía volar a una altitud considerable, en una gran barquilla con seguridad, siempre unido a tierra por medio de una gruesa soga. Desde este artefacto se tomaron las primeras fotografías aéreas de la ciudad. El viaje costaba 5 pesetas.
Montaña Rusa. Esta entonces primitiva atracción tuvo un éxito enorme entre los asistentes. La que se instaló para la ocasión en el parque de la Ciudadela fue la primera en albergar un café al aire libre.
Primer fotomatón. Juan Cantó presentó en la Gran Exposición por primera vez una máquina de fotografía automática precedente al fotomatón. Hasta 1929, y tras diversas patentes, no se abriría el primer estudio Photomaton y se instalarían los primeros aparatos Fotodin.
Primitivos autómatas. En el recinto de la exposición se pudieron ver por vez primera varios bebés parlantes de Rabery-Delphien, así como algunos caballos mecánicos, velocípedos de Pierre Dutheil y unos cuantos juguetes automáticos de Luis Lambert.
Linternas mágicas. Otra atracción que cautivó la atención del visitante de la Gran Exposición fue la fantástica colección de linternas mágicas de Edouard Virgile Lapierre.
En la Exposición se erigieron pabellones como el de Audouard y compañía, el American Soda Water o el de Aguas Azoradas y se especuló con construir una gran torre de metal que la falta de presupuesto nunca hizo posible: la Torre Condal. Proyectada por el arquitecto catalán Pere Falqués, hubiera constituido un monumento de piedra, ladrillo y hierro de 200 metros de altura. Su ubicación inicial era la plaza de Tetuán.
Sin embargo, si usted es lo suficientemente observador podrá localizar la distópica construcción en algún punto de la cubierta de Pétalos de acero.
Todos los detalles de la historia (excepto la aventura
y los personajes, claro) son reales y extraídos de los
anales de la época, de la Vanguardia y de la revista
La Exposición. Sólo me permití una licencia respecto
al globo cautivo que aparece en ella, pero si hubo luna
llena, es que la hubo, si llovió intensamente, así fue.
Por eso siempre he dicho que se trata de una novela
histórica camuflada como folletín steampunk.
Características: Colección Icarus ISBN: 978-84-944902-1-7 Encuadernación: Rústica con solapas 546 páginas PVP. 19,90 euros
![FIST OF JESUS - Help us to make a feature film at www_fistofjesus_com(720p_H_264-AAC)_mp4_snapshot_03_45_[2014_04_20_06_13_05]](https://proyectonaschy.com/wp-content/uploads/2016/03/fist-of-jesus-help-us-to-make-a-feature-film-at-www_fistofjesus_com720p_h_264-aac_mp4_snapshot_03_45_2014_04_20_06_13_05.jpg)
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Miércoles 23 de marzo *
EL RESUCITADO (Risen, Kevin Reynolds, 2016)
USA. Duración:107 min. Guión: Paul Aiello, Karen Janszen, Kevin Reynolds Música: Roque Baños Fotografía: Lorenzo Senatore Productora: LD Entertainment / Big Wheel Entertainment / Affirm Films Género: Drama
Reparto: Tom Felton, Joseph Fiennes, Cliff Curtis, Peter Firth, Leonor Watling, Mish Boyko, Mark Killeen, María Botto, Stephen Hagan, Stephen Greif, Antonio Gil, Selva Rasalingam
Sinopsis: Un tribuno romano agnóstico investiga la desaparición del cuerpo de Jesucristo y los crecientes rumores sobre la resurrección del Mesías.
Que vuelve el western es algo que puede darse por cierto, pero lo que es más dudoso es que retorne el péplum. Al menos de momento. Resucitado comienza casi como un western, pasa a ser un thriller de intriga, con sus interrogatorios y pesquisas, y termina siendo una cinta ideal para estas fechas de recogimiento y oración. Y es una lástima, porque la primera parte es realmente novedosa y está bien construida, dejando una diminuta puerta abierta a la comedia, incluso, pero en su segunda parte se convierte en una película diríase anticuada, complaciente hasta la entrega con el público más piadoso … un tremendo contraste que, en nuestra opinión, la hace decaer. Pero pudo haber sido muy interesante, la verdad.
Rodada en Almería, de ahí la importante participación española en el equipo y el reparto, la cinta está dirigida por Kevin Reynolds, realizador del sonoro batacazo Waterworld (1995), y otros títulos como Rapa Nui (1994) y Robin Hood, príncipe de los ladrones (Robin Hood: Prince of Thieves, 1991).
BATMAN V SUPERMAN: EL AMANECER DE LA JUSTICIA (Batman V. Superman: Dawn of Justice, Zack Snyder, 2016)
USA. Duración: 151 min. Guión: David S. Goyer, Chris Terrio (Historia: David S. Goyer, Zack Snyder) Música: Hans Zimmer, Junkie XL Fotografía: Larry Fong Productora: Warner Bros. Pictures / DC Entertainment / Dune Entertainment Género: Fantástico
Reparto: Henry Cavill, Ben Affleck, Amy Adams, Laurence Fishburne, Jeremy Irons, Holly Hunter, Diane Lane, Gal Gadot, Jesse Eisenberg, Jena Malone, Lauren Cohan, Callan Mulvey, Tao Okamoto, Ray Fisher, Scoot McNairy, Jason Momoa, Ezra Miller, Demi Kazanis
Sinopsis: Ante el temor de las acciones de un desenfrenado Superhéroe, el formidable y contundente vigilante de Gotham se enfrenta al más admirado héroe de la era moderna de Metropolis, mientras que el mundo se debate reflexionando sobre qué tipo de héroe necesita realmente. Y con Batman y Superman en guerra, pronto aparece una nueva amenaza que pone a la humanidad en uno de los mayores peligros jamás conocidos.
Soy amigo de informarse lo menos posible sobre una película antes de ir a verla. Tan solo ojeo el reparto y pego un vistazo a la trama. No me miro trailers ni sigo la epopeya de su rodaje. Ni tengo tiempo, ni me interesa. Así tampoco me creo manías personales ante un director bocazas, ni me predispongo a nada. La veo y luego tengo mi opinión, que escribo sin ninguna intención de pontificar.
También lo hago con, por ejemplo, los cómics. Los compro mensualmente pero no estoy al tanto de lo que va a suceder. Naturalmente, al igual que con las películas, sé que podría hacerlo, pero no quiero. El hacerlo obedece a que me gusta que se me sorprenda, introducirme en la historia y, aunque las hay predecibles, no adelantarme a los acontecimientos. Ben Affleck, al igual que Di Caprio, ha tenido y tendrá que soportar comentarios maliciosos a cascoporro. Y es una lástima, porque en mi opinión ambos son actores válidos. Pero la moda actual, con las redes sociales como medio, es la de no dejar lugar a la sorpresa en ninguna película y burlarse, sin motivo aparente, del actor o director que toca. ¿Por qué? No lo sé. Las críticas que he escuchado sobre El renacido, por ejemplo, siempre han sido con respecto a lo mal que le cae personalmente Iñárritu a mi interlocutor. O las semejanzas de ciertas tomas de su película con otra de Tarkovsky, director, a tenor de lo leído, de quien todo mortal posee su filmografía completa en casa, con los estuches gastados de tanto abrirlos.
Fiel a lo que pienso, poco voy a decir sobre Batman V. Superman: El amanecer de la justicia. Secuela de El hombre de acero (Man of Steel, 2013), también de Zack Snyder, mantiene gran parte de su reparto, sumando a ello la oscuridad que tiñe la saga del Caballero Oscuro de Nolan. Un tanto confusa en su inicio, pasa a convertirse en un previsible Team-Up, con poderosas escenas. Si Christian Bale ha dado paso a Affleck, Michael Caine ha cedido su papel como el fiel Alfred a Jeremy Irons. Personalmente, en cuanto a personajes, nos ha gustado el tratamiento que en la película se le ha dado a Lex Luthor, interpretado por el joven Jesse Eisenberg. Entretenida y un tanto excesiva, es la avanzadilla para la llegada de la Liga de Justicia y la interacción entre personajes DC que tan buenos resultados ha dado a Marvel. ¿Un poco tarde quizás? ¿Está un tanto quemado el filón de los súper-héroes? Ya iremos viendo. De momento dos horas y media de acción, oscuridad y… si pueden evitar que le cuenten la película, emoción, en la que pasa por ser el mejor entretenimiento para los que no puedan permitirse huir de su ciudad durante estas pequeñas vacaciones.
NUESTRA HERMANA PEQUEÑA (Umimachi Diary (Kamakura Diary), Hirokazu Koreeda, 2015)
Japón Duración: 128 min. Guión: Hirokazu Koreeda (AKA Hirokazu Kore-eda) (Manga: Akimi Yoshida) Música: Yôko Kanno Fotografía: Mikiya Takimoto Productora: GAGA / TV Man Union / Toho Company Género: Comedia
Reparto: Haruka Ayase, Masami Nagasawa, Suzu Hirose, Kaho, Ryô Kase, Ryôhei Suzuki, Rirî Furankî, Shin’ichi Tsutsumi, Jun Fubuki, Kentarô Sakaguchi
Sinopsis: Narra la historia de tres hermanas, Sachi, Yoshino y Chika, que viven juntas en la ciudad de Kamakura. Un importante cambio en sus vidas ocurre cuando descubren que tienen una hermana pequeña, Suzu, desde hace 15 años. Las tres hermanas, se enfrentarán una vez más a una situación nueva en sus vidas, de la que lograrán aprender con positivismo y entusiasmo.
Muy diferente a la anterior, pero también proveniente del mundo del cómic, es NUESTRA HERMANA PEQUEÑA, adaptación del premiado Manga Umimachi Diary, de Akimi Yoshida. Y ese origen se deja notar al ver el filme de Koreeda, en el que se retrata la vida de estas cuatro hermanas bien diferentes entre sí, pero unidas aunque (o precisamente por que) han sido abandonadas por madre y padre. Sachi, la hermana mayor, tuvo que encargarse desde bien pronto de criar a sus dos hermanas, la cabeza loca de Yoshino y la freak Chika. Ahora tampoco dudará en retomar este rol maternal con Suzu, una nueva hermanastra, aunque ello pueda significar renunciar a sus intereses románticos. Sensible, que no sensiblera, la película cuenta con unas actuaciones naturalistas y está narrada mediante retazos de vida de cada joven. Otra muestra del mejor cine oriental, siempre bienvenido a nuestras carteleras. Un complemento perfecto, alternativo y necesario, a las dos cintas anteriores.
Ya puedes enviar tu relato para ‘Klowns Horror Fanzine’
Con motivo del próximo lanzamiento del Klowns Horror Fanzine#5, revista temática que dedica este número a las películas más destacadas de sub-géneros como el ‘Found Footage’ y los ‘Falsos documentales’, lanzamos el ya habitual concurso de relatos temáticos, en el que ponemos a prueba la imaginación y originalidad de los participantes. Los dos ganadores del concurso verán sus obras publicadas en el fanzine y recibirán un ejemplar del mismo, más una de las próximas novedades de la Editorial Hermenaute, que este año colabora en el concurso. (*Próximamente daremos más detalles sobre la publicación de la editorial). Si te animas a participar y desarrollar una interesante historia que contenga los elementos más característicos de la temática, aquí puedes leer las bases del concurso.
Bases del concurso
-Relatos originales del autor entorno a la temática. Metraje encontrado –falsos documentales – cámara en mano.
–Textos escritos en castellano de entre 800 y 1000 palabras acompañados por su título.
–Archivos preferiblemente en Microsoft Word o Open Office.
–Recepción de las obras del 19 de marzo al 10 de mayo.
–Cada autor podrá enviar un máximo de 3 relatos.
–Enviar las obras junto con el nombre completo del autor al email:
klownshorrorfanzine@gmail.com (Asunto: relatos fanzine#5)
–Las dos obras ganadoras se darán a conocer a finales del mes de mayo en la web y redes sociales.
Premios
*Publicación del relato en el fanzine
*Un ejemplar del Klowns Horror Fanzine#5
*Libro ¡sorpresa! De la Editorial Hermenaute
La presentación del fanzine, tendrá lugar durante el mes de mayo dentro de la sesión temática Klowns Horror Cinema vol.5. En breve os daremos más detalles sobre el programa.
Animaros a participar y mucha suerte!!!
MÁS INFORMACIÓN: http://www.klownsasesinos.com
Ya tenemos cartel para Nocturna 2016
Nos complace presentar el cartel del Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, NOCTURNA 2016, realizado un año más por el artista Manuel Bejarano. Sobre una idea de José Luis Alemán, el póster nos muestra a un profundo emergiendo desde la sumergida ciudad de R’Lyeh, atraído por un curioso anzuelo.
La imagen sirve de doble homenaje tanto a la obra del escritor norteamericano H. P. Lovecraft como al grupo Nirvana, del que se recrea la celebrada portada de su álbum «Nevermind», publicado en 1991, que lanzó al estrellato a la banda de Seattle y que mostraba a un bebé buceando hacia un billete de un dólar prendido de un anzuelo.
Desde el pasado mes de diciembre, el equipo de NOCTURNA se encuentra trabajando en la próxima edición del festival, de la que os iremos informando durante estos meses de las actividades, invitados y programación de lo que esperamos sea la mejor edición de NOCTURNA.
NOCTURNA 2015 contó con la visita de Robert Englund, Lamberto Bava, o Alexandre Aja entre otros, México como país invitado, además de numerosas premieres internacionales y actividades paralelas. Puedes ver un vídeo-resumen de la pasada edición aquí: https://youtu.be/cUTqXzuRzfk
El Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, NOCTURNA 2016 es una producción de La Cruzada Entertainment y Scifiworld Entertainment.
Si quieres saber más sobre el Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, NOCTURNA entra en nuestra página web:
Los nominados a los premios del 34 Salón del Cómic, tendrán un encuentro con aficionados
Los nominados a los premios del 34 Salón Internacional del Cómic de Barcelona mantendrán encuentros con los aficionados en la tarde del viernes 6 de mayo en la Sala de Actos 2 situada en el Palacio 2 de Fira Barcelona Montjuïc. Esta actividad se celebrará antes de la entrega de los Premios del Salón. A las 16:00 horas los responsables de los fanzines Fanzipote, La gallina vasca, Nimio, Paranoidland y Zocalo Fanzine, explicarán a los aficionados la trayectoria y características de sus publicaciones alternativas. A las 17:00 horas serán los cinco candidatos al Premio al Autor Revelación, Cristian Robles, Javi de Castro, Jorge Monlongo, Mai Egurza y Nadar, los que tendrán su encuentro con el público.
El encuentro con los autores responsables de los títulos nominados a la Mejor Obra se celebrará en dos turnos dado que son diez las obras seleccionadas. A las 18.00 horas tendrá lugar el primer turno con los autores de cinco obras nominadas y a las 19.00 horas un segundo turno. Los diez títulos nominados son Barcelona. Los vagabundos de la chatarra, de Jorge Carrión y Sagar (Norma Editorial); Corto Maltés. Bajo el sol de medianoche de Juan Díaz Canales y Rubén Pellejero (Norma Editorial); El fantasma de Gaudí de El Torres y Jesús Alonso Iglesias (Dibbuks); El mundo a tus pies de Nadar (Astiberri Ediciones); ¡García! 1 de Santiago García y Luís Bustos (Astiberri Ediciones); La balada del norte. Tomo 1 de Alfonso Zapico (Astiberri Ediciones); La casa de Paco Roca (Astiberri Ediciones); La casa. Crónica de una conquista de Daniel Torres (Norma Editorial); La última aventura de Josep Busquet y Javi de Castro (Dibbuks) y Rituales de Álvaro Ortiz (Astiberri Ediciones). Una vez finalizado este encuentro se procederá en la misma Sala de Actos 2 a la ceremonia de entrega de premios.
El sábado 7 de mayo, en la Sala de Actos 1, tendrá lugar una mesa redonda con los ganadores de los premios del 34 Salón Internacional del Cómic de Barcelona. La organización del Salón del Cómic pretende con estos encuentros un mejor conocimiento y un trato directo por parte del público con los que han sido elegidos por los profesionales como los mejores autores del año 2015.
El 34 Salón Internacional del Cómic de Barcelona se celebrará del jueves 5 al domingo 8 de mayo en Fira de Barcelona Montjuïc.
La venta anticipada de entradas se inició el pasado 1 de marzo directamente desde www.ficomic.com.
VAMOS DE ESTRENO (O NO) * Viernes 18 de marzo *
EL REGALO (The Gift, Joel Edgerton, 2015)
USA. Duración: 108 min. Guión: Joel Edgerton Música: Danny Bensi, Saunder Jurriaans Fotografía: Eduard Grau Productora: Blue-Tongue Films / Blumhouse Productions Género: Thriller
Reparto: Jason Bateman, Rebecca Hall, Joel Edgerton, Beau Knapp, Allison Tolman, David Denman, P.J. Byrne, Tim Griffin, Beth Crudele
Sinopsis: La vida de un joven matrimonio se verá totalmente alterada después de que un conocido del pasado del marido comience a dejarles misteriosos regalos y se revele un horrible secreto tras veinte años.
A Contracorriente pone en nuestras pantallas otra de las cintas que pudimos ver durante el último Festival de Sitges. El regalo nos habla de las relaciones humanas. De la privacidad. De cuando la cordialidad se transforma en un monstruo que cuesta detener. Pero también de nuestros actos del pasado, que siempre, de una u otra forma, vuelven para pasarnos factura en el presente. Y de que nada es lo que parece, que en cuanto rasguemos un poco la superficie se mostrará algo totalmente diferente a lo que esperábamos.
Con un sostenido ritmo in crescendo, la película, escrita y dirigida por Joel Edgerton, basada en su corto, Monkeys (2011) representa el debut en la dirección de largometrajes de este actor metido a realizador. En la cinta interpreta a Gordo, papel que le supuso el premio a la mejor interpretación del festival de Sitges. Una efectiva labor que comparte con Jason Bateman y la sensible Rebecca Hall.
EL REGALO se estrenó en Estados Unidos de la mano de la todopoderosa STX Entertainment y se convirtió en uno de los sleepers del año. En su estreno, con más de 2500 copias, la película logró 11 millones de dólares en su primer fin de semana y después, a causa de su fuerte boca-oreja, multiplicó por 4 (algo muy poco habitual para un thriller) sus cifras, llegando a recaudar más de 44 millones de dólares.
Como curiosidad, la película ha contado con un director de fotografía nacido en Barcelona, Eduard Grau, que lleva una carrera profesional espectacular con trabajos como: “Honor de caballería”, “Un hombre soltero” de Tom Ford, “Buried”, “Suite Francesa” y “Sufragistas”.
EL RECUERDO DE MARNIE (Omoide no Mânî, Hiromasa Yonebayashi, 2014)
Japón Duración: 103 min. Guión: Niwa Keiko, Ando Masahi (Libro: Joan G. Robinson)Música: Takatsugu Muramatsu Productora: Estudio Ghibli Género: Drama fantástico de animación.
Sinopsis: Anna tiene 12 años y se siente diferente al resto. Tiene problemas para relacionarse y problemas de salud. Su madre adoptiva la envía con su tíos, que viven en el campo, para que se recupere. Allí conocerá a Marnie…
Un relato sobre la diferencia, sobre aceptarse a uno mismo tal como es. Cuando Anna llega a casa de sus tíos deberá adaptarse, a pesar de que ‘huele a diferente’. Allí conocerá a Marnie y aquí las lecturas resultarán múltiples ¿Se enamora Anna de Marnie? durante la primera mitad de la cinta uno juraría que así es, incluso Anna llega a sentir celos pero… la acción da un vuelco sobrenatural que parece dejar a un lado esta cuestión. En todo caso se trata de una historia deliciosa que transita entre sueños y fantasmas del pasado que volverán a ocupar su lugar.
Una cinta para ver sin complejos, emotiva, a veces excesivamente (ya saben), rica y con una animación realista como un lienzo figurativo pintado hasta definir el más mínimo detalle, en la línea clásica de Ghibli que supone la máxima estilización del anime.
Resulta llamativo que una de las melodías de la película, con papel importante en la trama, sea El sueño de la Alhambra, de Francisco Tárrega.
EL CUENTO DE LA PRINCESA KAGUYA (Kaguya-hime no Monogatari, Isao Takahata, 2013)
Japón Duración: 137 min. Guión: Isao Takahata, Riko Sakaguchi Música: Joe Hisaishi Productora: Estudio Ghibli Género: Drama fantástico de animación.
Sinopsis: Basada en un cuento popular japonés anónimo del siglo IX, «El cortador de bambú«. La historia comienza cuando una pareja de ancianos campesinos encuentran a una niña diminuta dentro de una planta de bambú, y deciden adoptarla como si fuera su hija. Convertida rápidamente en una hermosa mujer, es pretendida por muchos hombres, incluido el emperador, pero ella los rechaza a todos porque…
LUCES DE PARÍS (La ritournelle, Marc Fitoussi, 2014)
Francia. Duración: 98 min. Guión: Marc Fitoussi, Sylvie Dauvillier Música: Tim Gane, Sean O’Hagan Fotografía: Agnès Godard Productora: Avenue B Productions / Vito Films / SND / France 2 Cinéma / Région Ile-de-France / Région Haute-Normandie / Orange Cinéma Séries / France Télévisions / Ciné+ / Centre National de la Cinématographie (CNC) / Indéfilms / Soficinéma 7 Développement Género: Drama
Reparto: Isabelle Huppert, Jean-Pierre Darroussin, Michael Nyqvist, Pio Marmaï, Marina Foïs, Audrey Dana, Anaïs Demoustier, Clément Métayer, Jean-Charles Clichet
Sinopsis: Brigitte (Isabelle Huppert) y Xavier (Jean-Pierre Darroussin) viven en Normandía y se dedican a la ganadería vacuna. Ella es soñadora mientras que él vive por y para su trabajo. Tras la partida de sus hijos, el peso de la rutina se le hace a Brigitte cada vez más difícil de sobrellevar. Un día, en un arrebato de locura, se va a París sin decir nada. Xavier se da cuenta entonces de que quizá la esté perdiendo.
Una comedia agridulce sobre una mujer desesperada que sabe que le queda poca juventud y que su atractivo se marchita. Así que, con la excusa de acudir a un médico a que le miren un eccema causado por los nervios, marcha a París con la idea de correr una aventura. Y hasta aquí puedo leer, ya que deberán ver esta magnífica cinta para saber cuál será el resultado de esta infidelidad. Deliciosamente protagonizada por Isabelle Huppert, que repite de nuevo tras protagonizar con el director Copacabana en 2010 (y prueba que esta actriz tiene más registros que los que la convirtieron en musa de Chabrol y Haneke), y por Jean-Pierre Darroussin. La cinta también cuenta con la colaboración del sueco Michael Nyqvist, que entre otras cosas es el protagonista de la saga Millennium basada en las historias de Stieg Larsson. Con unos personajes ejemplarmente civilizados, la historia que nos narra Luces de París difícilmente sería posible situarla en países de sangre más caliente.
Destaca en su guión el gusto por los detalles (ese esposo que usa como contraseña el nombre de su mujer), sin subrayados pero efectivos para que el espectador perciba un amor que ha quedado oculto por la rutina, pero que volverá a aflorar tras ese viaje a la aventura.
AGENTE CONTRAINTELIGENTE (The Brothers Grimsby, Louis Leterrir, 2016)
UK/Australia Duración: 93 min. Guión: Sacha Baron Cohen, Phil Johnston Música: David Buckley, Erran Baron Cohen Fotografía: Oliver Wood Productora: Four by Two Films / Sony Pictures Entertainment (SPE) Género: Comedia.
Reparto: Mark Strong, Sacha Baron Cohen, Isla Fisher, Penélope Cruz, Rebel Wilson, Ian McShane, Annabelle Wallis
Sinopsis: Un implacable agente del MI6 británico (Mark Strong) del grupo de operaciones especiales se reencuentra con su hermano (Sacha Baron Cohen), un tipo muy diferente a él: pura basura blanca de extrarradio, fanático del fútbol y protagonista de numerosos y disparatados altercados.
Sin ningún género de dudas Agente contrainteligente es el placer culpable de este invierno. Acción desenfrenada (atención a las escenas de acción protagonizadas por Strong rodadas en cámara subjetiva emulando los juegos en primera persona), humor grueso y escatológico, lejos de la corrección política, y con algún gag salvaje con el que podrían sorprenderse riendo a carcajadas. Cuenta, como villana, con una Penélope Cruz que al parecer no vacila en participar en toda cinta protagonizada por payasos, (a tenor de la reciente Zoolander 2 ) y con un Sacha Baron Cohen, algo más comedido que en sus anteriores trabajos, como protagonista absoluto de la circense función. El director demuestra su amplia experiencia en las escenas de acción (no en vano ha dirigido las dos entregas de Transporter y a Jet Li en Danny the dog) y también en la comedia. Son agradecidos esos cortes musicales de Madness o Blur.
Contraindicada para los que odian el humor grueso, no voy a pedir perdón: me lo pasé muy bien, la verdad.
PRIMAVERA EN NORMANDIA (Gemma Bovery, Anne Fontaine, 2014)
Francia/UK Duración: 99 min. Guión: Pascal Bonitzer, Anne Fontaine (Novela: Posy Simmonds) Música: Bruno Coulais Fotografía: Christophe Beaucarne Productora: Albertine Productions Género: Comedia dramática.
Reparto: Gemma Arterton, Fabrice Luchini, Jason Flemyng, Isabelle Candelier, Mel Raido, Pip Torrens, Elsa Zylberstein, Edith Scob, Niels Schneider, Kacey Mottet Klein, Pascale Arbillot
Sinopsis: Martin (Fabrice Luchini) es un ex parisino adinerado y apasionado de Gustave Flaubert que decidió hace un tiempo retirarse a un pueblo normando como panadero. Cuando una pareja de ingleses llega para instalarse en una pequeña y cercana granja no sólo sus nombres, Gemma (Gemma Artenton) y Charles Bovery (Jason Flemyng), le recuerdan a Flaubert, sino que también lo hace su comportamiento. Martin se acerca a la pareja y los observa tratando de interferir en el destino que arruinó la vida de Madame Bovary.
Adaptado de la novela gráfica Gemma Bovery de Posy Simmonds, la cinta de Fontaine nada entre el drama y la comedia, mayormente fina, pero en algún momento muy negra. Protagonizada por el veterano Fabrice Luchini, al que podremos ver muy pronto interpretando otro tipo de registro en El juez (L’hermine, Christian Vincent, 2015), cuenta como coprotagonista con la británica Gemma Artenton, a la que hemos podido ver en cintas como Byzantium (Neil Jordam, 2012) y a la que afortunadamente veremos en un buen puñado de títulos en un futuro próximo. Sexy, delicada, deliciosa, y también frágil, la Gemma Bovery de Artenton no puede evitar ser objeto de deseo de todo el que la conoce, tanto del veterano Martin, que fantaseará con ella y su novelesco apellido, como del joven vecino Hervé (Niels Schneider), que de recogimiento para estudiar, terminará descuidando los libros al cruzarse Gemma en su camino.
Los amantes de Flaubert, y de su obra más célebre, disfrutarán descubriendo los paralelismos que hay entre la peripecia de Gemma y la de Madame Bovary. Un guión ingenioso que consigue convertir en comedia el drama flaubertiano.
CALLE CLOVERFIELD 10 (10 Cloverfield Lane, Dan Trachtemberg, 2015)
USA. Duración: 105 min. Guión: Dan Casey, Josh Campbell, Matthew Stuecken Música: Bear McCreary Fotografía: Jeff Cutter Productora: Bad Robot / Paramountn Género: Thriller fantástico.
Reparto: Mary Elizabeth Winstead, John Goodman, John Gallagher Jr., Maya Erskine, Douglas M. Griffin, Cindy Hogan, Ryan Martin Dwyer
Sinopsis: Una joven (Mary Elizabeth Winstead) sufre un accidente de coche. Cuando despierta se encuentra encerrada en un bunker bajo tierra, secuestrada por un hombre extraño (John Goodman) que dice haberla salvado del día del juicio final. El excéntrico captor asegura que el exterior es inhabitable por culpa de un terrible ataque químico, algo que no sabe si creer.
En 2008 se estrenaba Cloverfield, una cinta del joven Matt Reeves producida por J. J. Abrams. Rodada con el poco agradecido método de cámara subjetiva, lo que se ha dado en llamar ‘found footage’, no era de las peores de este molesto subgénero, muy al contrario, Monstruoso, que así se llamó por aquí la cinta de Reeves, resultaba de lo más entretenida y emocionante, consiguiendo un terrorífico efecto de inmediatez y realidad mediante esa forma de rodar. Ahora nos llega 10 Cloverfield Lane, lo que se llama un spinoff de la anterior. Otro punto de vista de los mismos hechos, de la misma situación. Pero no teman, si no han visto Monstruoso y sienten deseos de ver 10 Cloverfield Lane, no hace falta que corran a por la cinta de Reeves, ya que los puntos que tienen ambas en común son mínimos y funciona como historia independiente, incluso mejor si no tenemos ninguna idea de lo que hay (o no hay) fuera del bunker en el que se encuentran los tres personajes de la trama. De hecho, gran parte de la cinta se desarrolla en el interior de ese refugio, construyéndose una intriga que funciona a la perfección, manteniendo el interés continuamente de una forma similar a los mejores momentos de The Twilight Zone. Tras un punto de partida que homenajea una de las cintas más célebres de cierto orondo director británico, pasaremos a permanecer en ese bunker compartiendo espacio con un salvador/captor ex-marine, conspiranoico y fundamentalista francamente terrorífico interpretado por un enorme (en todos los sentidos), John Goodman. Neurótico personaje que en el fondo, y paradójicamente, parece ser el único capaz de actuar consecuentemente ante la situación que se está desarrollando (nuevamente nos hace pensar en el director británico, pero en este caso en otro de sus títulos, Náufragos). En el refugio, nuestra heroína Michelle, interpretada por una magnífica Mary Elizabeth Winstead, se hará con la función. Acostumbrada está, desde luego, a bailar con el más feo. Basta recordarla (y no es difícil) enfrentándose a La cosa (The Thing, Matthijs van Heijningen, 2011 ), cazando chupasangres (Abraham Lincolm: cazador de vampiros, Timur Bekmambetov, 2012), o como hija de McLane (Bruce Willis) en las dos últimas entregas de Jungla de cristal, por decir tan solo algún título de entre su larga trayectoria en cine y televisión. Toda una next door Ripley con la mente muy despierta y que, visto el final, podría representar el principio de una larga amistad (o al menos de una nueva secuela).
Serendipia
Proyecto Naschy 
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