Archivo
La tercera edición de Sant Cugat Fantàstic será del 15 al 18 de junio y homenajeará al cine de animación
La tercera edición del Festival Sant Cugat Fantàstic ya calienta motores y llegará un mes antes de lo habitual. El festival tendrá lugar del jueves 15 al domingo 18 de junio de 2017 en los cines Cinesa Sant Cugat con actividades en el entorno del Teatre-Auditori.
Otra de las novedades de este año es el homenaje que el festival quiere hacer al cine de animación. Según explica el co-director del certamen Joan Ramon Armadàs, uno de los motivos es «hacer patente la aportación de los dibujos animados al género fantástico en un año en que se celebra el 80 aniversario del primer film animado en color«. Armadàs también subraya que actualmente este subgénero es uno de los que más público y dinero mueves en los cines de todo el mundo. «Prueba de ello es que entre las cinco películas más taquilleras del año 2016 hay tres producciones animadas (Buscando la Dory, Zootropolis y Mascotas) y otra es la calidad y la innovación de cintas asiáticas muy recientes como Seoul Station (Corea), Your name (Japón) o Monster Hunt (China)».
Pero que nadie interprete que el homenaje al cine de animación hará más descafeinada la próxima edición del Sant Cugat Fantàstic. En este sentido, Marc Carreté, co-director del festival, garantiza que la programación no será precisamente un juego de niños. «El grueso de los films a competición seguirá estando formado por algunas de las últimas perlas del cine indie de terror a nivel internacional».
Durante lo que queda de año y principios del que viene la organización trabajará en la programación de películas, cortos y actividades del festival de la cual se podrá saber algo más pasadas las vacaciones de Navidad.
También aprovechamos para recordar que hasta que no llegue el mes de junio el cine de género sigue teniendo una programación estable en Sant Cugat gracias al Ciclo de Cine Fantástico. En este sentido, un lunes de cada mes a las 20h en los Cines Cinesa se programa un corto y una película sumando el fantástico los ciclos estables de cine que ya hay en la ciudad. Este lunes 21, sin ir más lejos, se proyectará el corto Alma que será presentado por su director Rubén Ventura y acto seguido se podrá ver el film de animación japonés El niño y la bestia, la mejor película asiática de 2015 según la revista especializada CineAsia. Asimismo, y teniendo en cuenta que en este comunicado ya se incluyen las principales novedades sobre la nueva edición del festival, se cancela la presentación del mismo que se tenía que hacer a las 19h en el Café Auditori.
APOYOS Y PATROCINIOS
El Sant Cugat Fantástico continuará un año más siendo una realidad gracias al apoyo de Estrella Damm, patrocinador principal del evento, la colaboración de instituciones públicas como el Ayuntamiento de Sant Cugat y el Teatre-Auditori y el compromiso de empresas como Cinesa y HP entre otros. También continuará la colaboración con la asociación de medios de comunicación especializados en cine Blogos de Oro para repetir los premios de la crítica del festival.
Serendipia’s Sitges Film Festival 2016. Sexta cápsula
MIÉRCOLES 12 DE OCTUBRE
A la producción franco-belga Grave se le ha hecho un flaco favor calificándola como una cinta sangrienta, gore. Ángel Sala la definió como la It Follows de esta edición del festival. Y, si bien tiene su punto carnívoro, no es, ni de lejos, lo que cualquier Gorehound consideraría una película fuerte. Pero para nada es desdeñable. Muy al contrario para Serendipia fue, con diferencia, una de las cintas de temática fantástica que personalmente más le gustó. Dirigida por la joven Julia Ducournau, que debuta en el largometraje, Grave nos cuenta como reacciona Justine (Garance Marillier), una joven de 16 años que se ha criado con una familia vegetariana cuando en una prueba de iniciación universitaria come carne cruda.
Julia Ducournau (Foto: Serendipia)
Ducournau ha medido los tiempos de Grave con cronómetro. Aunque durante gran parte de la cinta no suceda nada extraño, y mucho menos terrorífico, no resulta aburrida, muy al contrario, la historia está tan bien narrada que hace que nos interesemos por los jóvenes protagonistas y por como se desenvuelven en su nuevo habitat universitario, donde serán objeto de las novatadas de los veteranos. Todo desde un punto de vista muy diferente a como lo contaría un director americano. Los personajes resultan muy cercanos, reales. En especial las dos hermanas protagonistas y en particular Garance Marillier, actriz que debutó junto a la directora en su primer cortometraje, Junior (2011) y que ahora recupera para su primer largometraje demostrando que Ducournau tiene buen olfato, pues gran parte del éxito que pueda tener su película se deberá a esta actriz, que tan bien desarrolla su personaje sin forzados histrionismos y realizando una auténtica transformación conforme avanza la cinta.
Una película adulta, impecable, en la linea de otras producciones terroríficas francesas, en la que la carne humana se convierte en una adición con su propio síndrome de abstinencia y desbordándose, claro, cuando llega el despertar de los sentidos. El despertar de la carne para la joven virgen. Y esta catarsis no será gráfica a lo Nekromantik 2, pero igualmente satisfactoria para el que esto les narra. Sin duda Grave es una de las set pieces de terror de Sitges 2016, como así se lo supieron reconocer otorgándole los premios a la mejor dirección novel; el del Jurado Jove a la mejor película; y el Méliès d’Argent a la Mejor Película Europea. Galardones que se suman al premio Fipresci que ya había obtenido en Cannes, y sin olvidar que la cinta va a ser distribuida por Universal, lo cual podría suponer un buen espaldarazo para la prometedora carrera de la directora gala, fan declarada del cine de Cronenberg y Lynch.
UN INCISO: ASH VS. SITGES FANDOM
(Foto: Serendipia)c
Serendipia decidió dejarse caer por la rueda de prensa que ofrecía Bruce Campbell. Y allí estaba el mismísimo Ash. Pero ciertamente no habíamos traído nada para que nos firmara, puesto que pensamos que sería una misión de lo más difícil, por no decir imposible pero, fue terminar la rueda de prensa y el hombre, amablemente, se ofreció a firmar a todos un objeto, eso sí, sin dedicatoria ni fotografía, pues tampoco se trataba de eternizar la cola. Además, había otros compromisos. En ordenada cola Campbell firmó a todos ante la estupefacción, todo hay que decirlo, de la organización, que no se esperaba esta iniciativa, totalmente improvisada, por parte del actor, que también tuvo para todos una frase amable o divertida en spanglish. Sabemos de buena tienta que lo mismo sucedió tras el pase de Bubba Ho-Tep (2002), sesión que compartió con el bueno de su director, Don Coscarelli. Y finalmente se organizó una tercera y última sesión de firmas, de forma totalmente improvisada, pero con una buena afluencia de público. Pues bien, aún así, hay quien dice que Bruce Campbell fue un cretino (bueno, no fue exactamente este el adjetivo empleado) y un divo. Y no nos parece justo, ya que eso es mentira. Fue amable, firmó cuanto pudo (en sesiones improvisadas y de forma totalmente personal, ya que no tenía porqué hacerlas) y además estuvo la mar de simpático. O sea, que no hagan caso de lo que oigan por ahí.
Y AHORA, SIGAMOS CON LAS PELÍCULAS
Con autógrafo de Bruce «Stay Groovy» Campbell en nuestro cuaderno, fuimos a por la siguiente película. Más cine oriental de la mano de uno de los directores más inclasificables y favoritos de Serendipia, Sion Sono, de quien se estrenaba Anti-Porn, un film totalmente experimental no apto para todos los públicos que se desarrolla en un único escenario repleto de colores chillones y actrices en lencería. La cinta está protagonizado por su actriz fetiche, Ami Tomite, que encarna a una artista de prestigio que mantiene una sádica relación con su asistente. De pronto alguien grita “¡corten!”, y la personalidad de la protagonista se escinde en varias capas de delirio. Diálogos absurdos y abstractos, visitas al baño y algún desnudo como pequeña relectura del Roman Porno japonés, un subgénero tan prolífico en el pasado como desaparecido en la actualidad. Digamos que después de ver el año anterior dos fantásticas muestras del genio de Sono como son Ravu & Pîso y Tag, pues como que no nos terminó de convencer su nueva propuesta, que confirma al director, eso sí, como uno de los más desquiciados talentos del cine japonés.
Todavía en cortocircuito Serendipia se las tuvo que ver con una de las películas más polémicas, a su pesar, del festival. Y es que aunque la mexicana, Tenemos la carne, juega a la provocación, cogió cierta fama mal entendida. Se escribió en un periódico, y se compartió en otros, que el público abandonaba la sala por el terror que inundaba la pantalla y no, no fue ni mucho menos eso lo que hizo que algunos asistentes se fueran del cine, fue por la crudeza de sus escenas sexuales. Parte del público huyo incómodo por la sordidez trasmitida por alguno de sus planos. Y es que desde que Buñuel mostró la cara oscura del mismo México que inundó las pantallas de imposibles películas folclóricas protagonizadas por Jorge Negrete y Pedro Infante, se incrustó en la memoria colectiva ese otro México nada luminoso, oscuro, que directores como Ripstein no se han cansado de mostrar, de lucir casi con orgullo. Ese México sórdido que nos ha traído cintas como Somos lo que hay (Jorge Michel Grau, 2010) herederas, al igual que esta Tenemos la carne, de Los olvidados (1950), pero también del universo particular de Alejandro Jodorowsky. Un México miserable, sucio, podrido y sin esperanza que también retrataron programas televisivos como Duro y directo y revistas de sucesos como Alerta!, que bien repletas de fotografías a colores, inundaron los quioscos. El joven director y guionista Emiliano Rocha Minder nos introduce en un México apocalíptico, en el que encontramos a Mariano (magnífico Noé Hernández), una mezcla de pordiosero y gurú que malvive en una cueva con forma de vientre materno. Allí vivirán también los hermanos Lucio (Diego Lamaliel) y Fauna (María Evoli), a los que el perverso hombre iniciará en una extraña relación sexual en la que tendrá cabida todo. Canibalismo, sexo, sangre, suciedad, incesto, semen, necrofilia y escenas oníricas en un universo de basura, cartón y madera en el que no hay lugar para la luz ni la esperanza. Sin lugar a dudas un debut abrumador y en total libertad el de este director que inició su carrera a los dieciséis años y que desde entonces no ha parado de hacer de todo en relación al cine. Compartimos con ustedes una entrevista realizada por nuestros amigos de ScifiWorld que sirve como colofón de oro para este sexto día, que dejó en la mente de Serendipia dos películas inolvidables.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 18 de noviembre *
LA LLEGADA (Arrival, Denis Villeneuve, 2016)
USA Duración: 116 min. Guión: Eric Heisserer (Relato: Ted Chiang) Música: Jóhann Jóhannsson Fotografía: Bradford Young Productora: Paramount / FilmNation / Lava Bear Films / 21 Laps Entertainment Género: Ciencia ficción
Reparto: Amy Adams, Jeremy Renner, Forest Whitaker, Michael Stuhlbarg, Mark O’Brien,Tzi Ma, Nathaly Thibault, Pat Kiely, Joe Cobden, Julian Casey, Larry Day, Russell Yuen, Abigail Pniowsky, Philippe Hartmann, Andrew Shaver
Sinopsis: Cuando naves extraterrestres comienzan a llegar a la Tierra, los altos mandos militares contratan a una experta lingüista (Amy Adams) para intentar averiguar si los alienígenas vienen en son de paz o suponen una amenaza. Conforme la mujer aprende a comunicarse con los extraterrestres, comienza también a experimentar flashbacks extremadamente realistas que llegarán a ser la clave que dará significado a la verdadera razón y gran misterio de esta visita extraterrestre… Adaptación del relato corto «The Story of Your Life» del escritor Ted Chiang, ganador de los reconocidos premios de ciencia ficción Hugo y Nebula.
“Nadie es serio a los 17 años cuando hay tilos en el paseo”, escribió Rimbaud. El adolescente está abierto a la sensualidad, ante su ingenuidad todo parece circundado de emoción, sus ojos lo aspiran todo y su corazón se arroba ante la inmensidad por descubrir. El adolescente se busca a sí mismo investigando el mundo, definirse es en parte buscar las claves del todo, es por eso que a los 17 toda idea que nos llega, que nos toca, arraiga y construye auténticas autopistas por las que circularán siempre más nuestros modos de pensar la vida. De interpretarla. De sentirla.
¿Por qué hablo de esto? Porque quiero retrotraerme, no a mis 17 sino a mis 18 años, para tratar de explicar por qué me emociona tanto Arrival. A esa edad llegaba yo por primera vez a la universidad, con sed de conocimiento, con hambre de aprehender todas las esencias, las intelectuales y las vitales, esto es, las existenciales. Maleable como el estaño, una afirmación que no dejó de repetir el Dr Valverde, mi profesor de Historia de la Filosofía, se me quedó grabada a fuego: el pensamiento es lenguaje. No podemos pensar sin usar significantes y significados, la naturaleza de la palabra nos condiciona. Condiciona nuestra manera de interpretarnos y, más allá aún, condiciona nuestra manera de entender el mundo y la vida. Para mí aquello fue todo un descubrimiento y siempre más he perseguido la comprensión de las estructuras del lenguaje para iluminarme sobre cuál es el sentido de que esté aquí (en esta existencia condenada a muerte) y ahora, en un horizonte de tiempo limitado que, sin embargo, me permite esbozar (casi rozar) la idea de eternidad.
Si, como yo, ustedes son de aquellos a los que el pensamiento abstracto les hace vibrar, entonces deben detener su lectura de inmediato si aún no han disfrutado de la última obra de Denis Villeneuve, porque todo lo que yo escriba y ustedes lean a partir de aquí es susceptible de ser considerado spoiler (me temo que, a los que no amen las abstracciones, les he perdido hace ya muchas líneas). Hecha la advertencia, continúo mi exposición con la compañía de quienes quieran adentrarse en mi escritura, que es en verdad mi lectura (estaría bien que por una vez, y aunque no haya de servir de antecedente, quienes la compartan o la rebatan, dejen aquí su comentario).
Amy Adams es la Dra. Louise Banks, excepcional filóloga, reputada, especialmente, por sus dotes de traductora. Para Banks el lenguaje es el pegamento que nos aglutina, el vehículo del afecto y la comprensión, pero también puede ser el arma que nos ponga en pie de guerra cuando caemos en malentendidos lingüístico-culturales. Herramienta privilegiada de comunicación cuando es bien usado, cuando se generan equívocos, en cambio, puede ser fuente de conflictos encarnizados. Como traductora sabe bien que hay que hilar muy fino en la asignación de significados a la lengua traducida, si se hace bien esa labor, estamos facilitando la comunicación entre dos sistemas de pensamiento distintos, que es tanto como decir que estamos tendiendo un puente entre dos culturas. El término ‘Arma’ designa a los dispositivos usados para atacar o defenderse, los instrumentos para matar; pero también puede hacer meramente referencia a un inofensivo medio para conseguir algo, una simple herramienta de trabajo. Dirimir en qué sentido lo está usando el interlocutor puede evitar una guerra o, al contrario, provocarla. Así de trascendente es su trabajo cuando el ejército estadounidense la reclama para hacer de intérprete de los extraños seres cuyas naves han descendido (como monolitos, sí) sobre distintos puntos de la tierra. De ella puede depender la paz mundial.
No está sola en ese trabajo, la acompaña en su labor el Dr. en física Ian Donnelly, bien encarnado por Jeremy Renner. Humanidades y ciencia colaborando juntas para un mismo objetivo. Las dos culturas, como las denominó C. P. Snow, apoyándose y acabando así con el inconveniente que veía el propio Snow en su ruptura, para él la falta de interdisciplinariedad es uno de los principales escollos para la resolución de los problemas mundiales. No es, pues, casual que la adaptación del relato de Ted Chiang, Historia de tu vida, les haya dado esa formación a sus dos personajes centrales: sólo desde la cooperación de las dos ramas principales del saber humano podrá alumbrarse un horizonte de cero conflictos.
Pero, ¿qué es lo que puede llegar a tener en común la filología y la física? La búsqueda de pautas de regularidad a partir del único lenguaje universal: las matemáticas. Física y lingüística, además, se ocupan del estudio de uno de los objetos que más nos gustaría controlar: el tiempo. Y Arrival, que nos habla de la conciliación universal de las culturas, es también una película sobre paradojas temporales (no siendo, además, gratuito, que lo sea).
La naturaleza del tiempo es una cuestión abierta en física, de una parte tenemos una experiencia directa de que recordamos el pasado y no el futuro, a esto lo llamamos “la flecha del tiempo”, así, si lo miramos desde la física newtoniana, el tiempo es absoluto, todos los observadores miden el paso del tiempo de la misma forma y verifican que su ritmo es el mismo para todos ellos. Pero todo cambia desde la perspectiva del paradigma cuántico. En dicha teoría el tiempo no es igual que el resto de parámetros observables. De hecho, se sabe que no podemos definir relojes cuánticos perfectos. No podemos definir un reloj basado en un sistema cuántico que nos dé un paso del tiempo usual, ¡siempre hay probabilidad de que el reloj funcione hacia atrás en el tiempo!
¿Qué ocurre con el tiempo teorizado por la lingüística? Es una categoría del verbo que nos permite establecer el antes y el después de un acto de habla. Podemos considerarlo como una línea doblemente orientada (hacia atrás, el antes, hacia delante, el después) respecto a un origen que no es absoluto sino variable. El tiempo verbal, que puede formularse como vector, nos permite imaginar temporalidades relativas desde las que se haga posible viajar en el tiempo hacia el pasado y hacia el futuro. Es el tiempo del lenguaje el que nos permite pensar el tiempo de la física, puesto que es la base de nuestras estructuras conceptuales.
Desde ambas disciplinas se pueden enunciar paradojas temporales. Si Nolan, en Interestelar, partía de la física teórica para adentrarse en el terreno de la posibilidad de cambiar el futuro, Villeneuve hace lo mismo apoyándose en el universo que permite concebir mentalmente la lingüística. Si son las estructuras del lenguaje las que nos hacen posible conceptualizar el tiempo, determinando además nuestra percepción del mismo, bien podemos plantearnos la posibilidad de que existan lenguas con estructuras verbales que permitan otra percepción del tiempo en la que se difuminen las nociones de principio y final. Si esto fuera así, podríamos recordar el futuro e incidir en él.
En Arrival la llegada de las naves, las reacciones humanas ante ello, la operación militar para determinar la naturaleza del contacto, la distinta actitud ante ello de las potencias y países afectados, no son más que el macguffin de la historia (como lo es la intriga sobre el uranio en Encadenados, por poner un ejemplo). Un macguffin muy bien llevado, tanto que podemos disfrutar del filme quedándonos sólo con ello. Villeneuve dosifica con maestría la intriga en una obra que destaca también por su imagenería visual, con los justos efectos especiales. Suficientes para dar espectacularidad, pero no tan excesivos que velen el tono intimista del enfoque. Porque el punto de vista desde el que seguimos la historia es el de la Dra. Banks, una protagonista casi absoluta, que no es una heroína de acción sino la mejor cabeza pensante implicada en la trama (cosa que nos vuelve a hacer repetir algo que hemos venido considerando: la mayor relevancia de los papeles femeninos en el cine reciente). Arrival nos mantiene en vilo hasta su plano final, inquietos y expectantes por cuál vaya a ser el desenlace.
El final podrá parecer insuficiente a algunos espectadores. Por eso les recomiendo que no asistan al visionado esperando un final épico y efectista como lo tenían Encuentros en la tercera fase o Contact, (películas ambas que tienen concomitancias con esta cinta). Yo les digo que, aunque carezca de esa fastuosidad en su estructura superficial, eso queda compensado con la profundidad de su conclusión en la estructura profunda. Porque el mensaje último que contiene la cinta es que vivimos limitados por una temporalidad de la que sabemos muy poco, pero que eso no importa a la hora de afirmar la vida. Nuestro reloj biológico nos hace caducos, pero desde nuestra efemiridad somos capaces de enunciar la eternidad. Gracias al lenguaje podemos proyectarnos en el tiempo y reconocer que es bien poco lo que sabemos sobre finitudes o infinitudes. Pero lo importante es que siendo, como somos, capaces de nombrar la muerte futura, ello no nos es óbice para obstinarnos en vivir. Y decir con Zaratustra/Nietzsche: “¿Era esto la vida? ¡Sea otra vez!”
Serendipia’s Sitges Film Festival 2016. Quinta cápsula
MARTES 11 DE OCTUBRE
Este año Serendipia se ha centrado especialmente en ver películas, y la mayor parte de ellas las ha visto en l’Auditori y Tramuntana, las dos salas que están ubicadas en el Melià, zona apartada de lo que es el Sitges real, la ciudad. Pero siempre nos reservamos uno o dos días para volver a la vida: ir al Retiro, al Prado, (procurando dedicar el día al cine de animación), visitar los stands de la playa, ver el mar… recuperarse un poco de tanta sala oscura.
Kim Tae-Ri, que debuta con La doncella (Foto: Serendipia)
Pero eso no significa que no acudiéramos puntualmente a nuestra primera cita cinéfila en l’Auditori. La coreana La doncella (Ah-ga-ssi) de Park Chan-wook es un perverso cuento de hadas cargado de sutil erotismo. Con un exquisito diseño de producción, nos cuenta una historia de amor vista desde tres puntos de vista, mediante los cuales el director jugará con el espectador, llevándolo de un lugar a otro, pero sin salir nunca de una perfecta estructura que contendrá intriga, terror, comedia y, sobre todo, cine con mayúsculas. La cinta, que adapta la novela Fingersmith de Sarah Waters, nos cuenta el arco de transformación que atravesará su protagonista Sookee (Kim Tae-Ri), carterista profesional que acepta un macabro encargo: convertirse en la criada de una dama, Lady Hideko (Kim Min-hee) y colaborar para robarle la herencia. Sin embargo, el plan se verá alterado cuando las dos jóvenes comiencen a sentirse atraídas la una por la otra. La doncella traslada la acción de la novela a los años treinta, a la Corea ocupada por los japoneses, para erigirse en un filme de tintes góticos y con la exuberancia visual de Park Chan-wook, repleta de belleza cromática y emoción a flor de piel. Para Serendipia fue un auténtico orgasmo cinéfilo. Una maravilla que podrá disfrutarse a partir del próximo 2 de diciembre en nuestras pantallas gracias a La Aventura Audivisual.
Y de ahí, más flotando que caminando, visita al entrañable Prado para ver la cinta japonesa Your name (Kimi no na wa) escrita y dirigida por Makoto Shinkai. Un anime de amores adolescentes con equívocos sexuales y con paradojas temporales, ya que sus protagonistas, Aki y Mitsuha descubrirán un día que durante el sueño sus cuerpos se han intercambiado. Comenzando entonces a comunicarse por medio de notas. A medida que consigan superar torpemente un reto tras otro, se irá creando entre los dos un vínculo que poco a poco se convertirá en algo más que romántico. Otra maravilla de uno de los
Bill Plympton (Foto: Serendipia)
nombres imprescindibles del cine animado nipón, que debutó en el largo con The Place Promised in Our Early Days (2004), al que siguió 5 Centimeters per Second (2007) y que podremos ver gracias a Selecta Vision. Y de anime japonés en el Prado, al Retiro para ver animación con carácter underground de la mano de Bill Plympton. Revengeance es una producción financiada mediante crowfunding dirigida al alimón por Plympton y Jim Lujan, que se han repartido el trabajo y que nos narra los avatares de Rod, un cazarrecompensas que recibe el encargo de un senador de los Estados Unidos que le encarga que localice a una mujer que le robó algo de gran valor. Lo que parecía un encargo sencillo pronto se complicará entre pandillas de moteros, sectas siniestras, drogadictos y polis corruptos. Una road movie delirante con una animación sencilla, bastante menos cuidada de lo habitual en Plympton, que nos presentó él mismo. Tras la proyección Bill Plympton montó un tenderete improvisado en el exterior de El Retiro donde vendió películas y dibujos que le quitaron de las manos. Independencia underground total.
Lamentablemente el buen nivel descendió en parte con el thriller Let me Make you a Martyr, ópera prima de Corey Asraf y John Swab con claras reminiscencias al policíaco de los setenta plagado de muchos e ingeniosos diálogos, colores apagados, casi inexistentes y un villano memorable interpretado por Marilyn Manson. Pero a pesar de sus cinco años de gestación, supo a poco, la verdad.
Al día siguiente vendrían los momentos más viscerales del festival y… ¡Bruce Campbell!
Serendipia’s Sitges Film Festival 2016. Cuarta cápsula
LUNES 10 DE OCTUBRE
Amaneciendo el día más tormentoso, metereológicamente hablando, de Sitges 2016 (foto: Serendipia)
De nuevo Serendipia madrugando en un día que amenaza lluvia, como finalmente fue. Afortunadamente será una jornada en la que primará el buen cine con respecto al malo y en la que habrá de todo: directores clásicos, nuevos talentos españoles y el remake (en este caso innecesario) de turno. Vayamos pues a por ello.
Salt and Fire, la última película de Werner Herzog, era de visión obligada. Lo que se inicia como un inquietante relato de secuestros, perpetrados por una sofisticada guerrilla sudamericana, termina siendo un juego con trasfondo ecológico, casi un engaño, de Herzog al espectador. Un engaño impecablemente rodado, eso sí, como sólo un buen director como Herzog sabe hacer, captando la terrible desolación de los paisajes naturales que muestra, como ese fascinante océano de sal que cualquiera diría pertenece a otro mundo. Nadie ha rodado nunca como Herzog la belleza de lo inhóspito. A esas imágenes añade una tan extraña como conveniente banda sonora y unos actores convincentes en sus papeles. Junto al ascendente Michael Shannon, el director cuenta con un casi episódico Gael García Bernal y sobre todo Veronica Ferres, que ofrece todo un recital interpretativo abandonada a su suerte en ese inmenso desierto junto a dos niños ciegos. Una de las más poderosas e inolvidables imágenes con las que Salt and Fire despertará sentimientos de amor o de odio en el espectador. Pero sentimientos, que no es poco. 
Muy diferente a Salt and Fire pero también proveniente de otro veterano como es Paul Schrader fue Dog Eat Dog, que nos pareció toda una declaración de principios y un puntapié en las partes para los directores jóvenes. Porque Schrader es un veterano, sí, pero demuestra que sabe escupir bilis cuando conviene. Y que sabe rodar a la maniera de Tarantino sin despeinarse. Divertida y salvaje, Dog Eat Dog fue otro de los buenos momentos que ofreció el festival de Sitges. Colores degradados, dibujos animados y lenguaje descarnado para esta comedia salvaje, tan violenta como divertida en la que el director experimenta con colores y texturas: «El cine vive un momento en el que puedes
Paul Schrader, en el festival de Sitges. (Foto: S. Sáez -EFE)
mezclar casi cualquier cosa (…): una escena al estilo Cassavettes, al estilo Errol Morris, al estilo Bertolucci, al estilo Welles y al estilo Michael Bay. No pasa nada. Puedes permitirte este tipo de libertad.»
Un cartoon hiperviolento y lisérgico que debe también gran parte de su mérito a los actores escogidos, pues Willen Dafoe, Nicolas Cage y Christopher Matthew Cook están, textualmente, que se salen.
Afortunadamente estas dos piezas cargaron las pilas de Serendipia de buen cine con el que hacer frente a Blair Witch, de la que no esperábamos gran cosa, la verdad, pero que viniendo de Adam Wingard decepciona aún más tras haber visto aceptables cintas de este director como Tú eres el siguiente (You’re Next, 2011) y The Guest (2014). Lo que nos ofrece en Blair Witch es más de lo mismo en un remake disfrazado de secuela con los adelantos tecnológicos actuales, léase teléfono móvil y dron. Sustos absurdos y diálogos vergonzantes en una de las menos interesantes cintas que tuvimos ocasión de ver durante el festival (si no la más). Para usar, tirar y no volver a recuperar.
Afortunadamente, quedaba otra bala en la recámara que consiguió que Serendipia no marchara a su cubil con mal sabor de boca. Pet, del barcelonés Carles Torrens, del que ya habíamos visto otras cintas tan correctas como Emergo (2011) y el exitoso cortometraje Sequence (2014), salvó la papeleta.
Con una factura que la hace pasar como producción
Dominic Monghan, Ksenia Solo y Carles Torrens (Foto: Pau Marti)
foránea, no en vano está producida entre España y Estados Unidos, Pet está protagonizada por Dominic Monaghan, rostro que les resultará familiar gracias a su participación en la trilogía de El Señor de los Anillos de Peter Jackson o en la serie Perdidos (Lost, 2004-2010) y Ksenia Solo, actriz letona que participó en El cisne negro (Black Swam, 2010) de Darren Aronofsky. Ambos actores interpretan un duelo interpretativo durante el cual cambiarán su rol de cazador y presa. Ganador del premio Cine365 otorgado en Sitges, Carles Torrens ha convertido el galardón en este suculento largometraje, un psicothriller rodado con poco presupuesto, en sólo cuatro días, protagonizado por dos personajes aislados que tienen mucho más en común de lo que creen. Resulta inevitable que nos traiga a la mente películas como El coleccionista (The Collector, William Wyler, 1965) o Chained (Jennifer Lynch, 2012), pero añade una perversa vuelta de tuerca que la diferencia de estas. Pet es voluntariosa e intenta abrir caminos dentro del cine de género (más o menos) español, pero su guión tiene agujeros que abren interrogantes que la película no responde de forma lógica.
Resumiendo ese lunes: una magnífica cosecha con tan solo un punto oscuro pero que era de obligada visión. El día siguiente traería una de las mejores, sino la mejor, película del festival. Pero eso será en la próxima cápsula.
ECC cierra el año con varios broches de oro: Sueshiro Maruo, Junji ito, Watchmen y DC
Además, diciembre es el mes en el que se celebra el Salón Internacional del Tebeo de Madrid, Expocómic, evento en el que disfrutaremos de autores tan relevantes como Mikel Janín (Batman) o Mark Buckingham (Fábulas), y en el que además podréis adquirir los cinco títulos de diciembre relacionados con Renacimiento con una portada exclusiva únicamente a la venta en la feria.
CUTRECON VI regresa con el peor cine musical del 25 al 29 de enero de 2017
CutreCon, el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid, regresa con la que ya es su sexta edición, que se celebrará del 25 al 29 de enero del próximo año, para traer a la capital algunas de las peores películas que pueden verse en una pantalla de cine pero manteniendo la filosofía de “tan malas que son buenas”. En esta ocasión y tomando el relevo del peor cine policíaco de la pasada edición, el nuevo eje temático será el cine musical: filmes llegados de todos los rincones del planeta donde sus protagonistas cantan, bailan y, sobre todo, hacen el mayor de los ridículos. Para dar cabida a esta selección de “joyas” fílmicas que abarcan todo tipo de géneros, nacionalidades y presupuestos – desde producciones de Hollywood que no salieron tan bien como sus creadores pensaban, hasta películas que no llegan ni a los cien euros de inversión llegadas del mismísimo corazón de África – los responsables de CutreCon han decidido ampliar en un día la celebración del festival, pasando de las cuatro jornadas habituales a cinco, comenzando de este modo el miércoles 25 de enero y concluyendo el domingo 29 de ese mes. Cinco intensos días en los que se ofrecerá una programación con sesiones tanto gratuitas como de pago, pensada para que los espectadores se rían e indignen a partes iguales ante lo que sus ojos ven y sus oídos sufren, y que será anunciada durante las próximas semanas.
SEDES
Al igual que en la pasada edición, tres serán las sedes que acojan la programación de CutreCon VI: el céntrico Cine de la Prensa – Plaza de Callao, 4 –, donde se inaugurará el festival el miércoles 25 y se realizarán otras sesiones aún por confirmar; el Auditorio del Centro Cultural de la Casa del Reloj – Paseo de la Chopera, 10 – que, como viene siendo habitual desde que CutreCon comenzara allá por 2011, es el lugar en el que se proyecta el grueso de la programación de forma gratuita; y la sala Artistic Metropol – Calle de las Cigarreras, 6 – dedicada al cine alternativo e independiente, que albergará la ya famosa maratón con la que cierra el festival en su última jornada.
EL PEOR CINE MUSICAL
Si la pasada edición de CutreCon tuvo como eje temático las películas policíacas o protagonizadas por policías, ahora es el turno de un género tan popular como el musical, que la mayoría de los espectadores asocian a clásicos como Cantando bajo la lluvia, Siete novias para siete hermanos, West Side Story o Sonrisas y lágrimas. Filmes de culto completamente alejados de lo que se verá en CutreCon VI: musicales traídos de todo tipo de países de los cinco continentes que harán enrojecer de vergüenza ajena al público, desafiarán sus tímpanos con canciones que no son dignas de una gasolinera, y les harán enloquecer con bochornosas coreografías que convierten a los alumnos de una guardería en bailarines profesionales. Una “cuidada” selección de películas musicales que probablemente no haga bailar y cantar a los espectadores, pero que sí que hará que se retuerzan en sus butacas de la risa.
TEASER PÓSTER
El cartel es obra de Carlos Casas Carpintero, artista gráfico que desde la primera edición de CutreCon se encarga de la dirección de arte de todo el material gráfico del festival. En esta ocasión, y como no podía ser de otra manera, el teaser póster – el cartel definitivo se mostrará en enero – remite a los musicales con un colorido y una tipografía en la linea de Staying Alive, aquella lamentable secuela de Fiebre del sábado noche dirigida por Sylvester Stallone, que acompañan a una gran bola de discoteca que resume perfectamente el ambiente festivo y delirante de lo que será la sexta edición de CutreCon.
La CutreCon está organizada por los responsables de la web de cine y humor Cinecutre.com con el apoyo del Distrito de Arganzuela de Madrid, contando además con la colaboración del Cine de la Prensa, Movistar+, las distribuidora Trash-O-Rama, la sala de cine Artistic Metropol, Conejornio Producciones, el show VHZ y la red Cortoespaña.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 11 de noviembre de 2016 *
LAS FURIAS (Miguel del Arco, 2016)
España Duración: 125 min.Guión: Miguel del Arco Fotografía: Raquel Fernández Nuñez Productora: Aquí y Allí Films / Kamikaze Producciones S.L. / Televisión Española (TVE) Género: Drama
Reparto: José Sacristán, Mercedes Sampietro, Bárbara Lennie, Carmen Machi, Emma Suárez, Alberto San Juan, Elisabet Gelabert, Raúl Prieto, Gonzalo de Castro, Pere Arquillué
Sinopsis: Marga (Mercedes Sampietro), una mujer de casi setenta años, anuncia a sus tres hijos que quiere vender la casa de verano familiar para luego emprender un largo y misterioso viaje. Los invita a pasarse por allí lo antes posible para elegir muebles, enseres o recuerdos que quieran conservar antes de que la venta se lleve a cabo. Héctor (Gonzalo de Castro), el hermano mayor, propone aprovechar el mismo fin de semana en el que deshagan la casa entre todos para celebrar en familia su boda con la mujer con la que lleva más de quince años viviendo, y de la que todos esperaban que se separara (Emma Suárez). La familia vivirá un fin de semana dividido entre: qué ha pasado, qué te pasa, no me puedo creer que esto esté pasando, eso nunca debió pasar y ha pasado lo que tenía que pasar… una típica reunión familiar.
Las Furias, que abrió la Semana Internacional de Cine de Valladolid, es la primera película dirigida y escrita por el prestigioso dramaturgo Miguel del Arco (como actor, podemos recordarle por su inquietante Sr. Reciful en Rojo Sangre (2004) de Christian Molina), es un filme que peca de falta de contención. Todo resulta excesivo. Desde el reparto de campanillas hasta ese clímax que no es una catarsis, es, lo han adivinado, un exceso. Resulta loable el intento de retratar lo que hay detrás de una familia, sus delitos y faltas, sus pecados y sus zonas oscuras. Sus rencores y sus furias. Algo que ya Chávarri, con la ayuda inestimable de la familia Panero/Blanc, nos legó en forma de la imprescindible El desencanto (1976), o mucho más tarde Fernando León de Aranoa en su , para muchos, mejor película, Familia (1996). Y no es que esté nunca de más recordar y mostrar las hipocresías que hacen que, cuando algunas familias se reúnan, surjan las las chispas ocultas durante el resto del año. Pero así, no.
El tratamiento de los personajes no ayuda a que simpaticemos con ninguno de ellos. Los actores, sobradamente preparados, campan a sus anchas llegando, en algún caso, a la más flagrante sobreactuación. Tampoco ayuda que la relación entre ciertos personajes resulte claramente inverosímil (o cuanto menos esté mal perfilada). Pero todo comienza a importar de poco a nada conforme la acción avanza hacia ese culmen en el que, si bien la abuela no fuma, al menos se ha sacado una amante joven y el hijo de turno anuncia que tiene una enfermedad incurable, mientras el pobre Pepe Sacristán deambula a trompicones interpretando a un enfermo de Alzheimer y varios personajes intentan, sin éxito, suicidarse.
El planteamiento de Del Arco es ambicioso, pero visto el resultado, hay que decir que es demasiado ambicioso. Ha querido dar a su obra una pátina de universalidad, de esa universalidad que gozan las tragedias de Shakespeare, la misma que respiran los mitos, pero su impericia como director de cine la deja reducida a la pretenciosidad. De nada sirve aludir a las Furias, esas fuerzas primigenias de la venganza del crimen contra la familia, si luego el diseño de personajes es pobre y la construcción de la trama resulta vaga y mal fundamentada. El resultado es una obra ampulosa y deslavazada en la que todo acaba siendo forzado y gratuito. Toda una lástima.
JACK REACHER: NUNCA VUELVAS ATRÁS (Jack Reacher 2: Never Go Back, Edward Zwick, 2016)
China/USA. Duración: 118 min. Guión: Richard Wenk, Marshall Herskovitz, Edward Zwick (Novela: Lee Child) Música: Henry Jackman Fotografía: Oliver Wood Productora: Paramount Pictures / Skydance Productions / TC Productions Género: Acción.
Reparto: Tom Cruise, Cobie Smulders, Danika Yarosh, Aldis Hodge, Sue-Lynn Ansari, Teri Wyble, Holt McCallany, Robert Knepper, Tilton Lipoma, Madalyn Horcher, Michael PapajohnPatrick Heusinger
Sinopsis: Jack Reacher (Tom Cruise), ex policía militar, regresa de nuevo al cuartel general de su antigua unidad para reunirse con la comandante Susan Turner (Cobie Smulders) pero ésta ha sido arrestada por traición y encarcelada. Reacher, sabiendo que es inocente, le ayudará a escapar de la cárcel para finalmente destapar la verdad detrás de una gran conspiración del gobierno que incluye el asesinato de soldados.
Basada en la obra de Lee Child, Jack Reacher: Nunca vuelvas atrás, que supone su décimo octava novela de la serie de bestsellers sobre el personaje que ha vendido más de 100 millones de libros en todo el mundo, esta cinta es una secuela de Jack Reacher (2012) que ha dirigido Edward Zwick («El último samurái», «Diamantes de sangre»). y ha sido producida por el propio Cruise. Esta nueva entrega de las entretenidísimas aventuras del ex-comandante Reacher añade, por si este no tuviera ya bastantes problemas, una cierta tensión sexual encarnada por la comandante Turner, a la que debera proteger de los que la intentan quitar de enmedio, y la posible paternidad de una adolescente, cuyo pescuezo también tendrá que vigilar. Pero da igual, Reacher puede con todo lo que le pongan por delante. Y más teniendo en cuenta que la comandante Turner es una temeraria mujer de acción. No en vano la actriz, Cobie Smulders, no ha utilizado doble para sus escenas de acción tras un duro e intensivo entrenamiento de ocho semanas.
Con un inicio que nos introduce directamente en la trama, sin dar respiro ni pausa al espectador, se nos ofrecerá una historia que mezclará espionaje con conspiraciones gubernamentales, humor y mucha acción, siempre con los malos pisando los talones de los protagonistas que, afortunadamente, tienen buen fondo. Con un climax ambientado en Nueva Orleans en plena celebración de Halloween (y allí si que lo viven de verdad), la cinta es un buen espectáculo de acción que, sin llegar al nivel de su predecesora, resulta más que ideal para una buena tarde de cine y palomitas.
DESPUÉS DE LA TORMENTA (Umi yori mo mada fukakuaka, Hirokazu Koreeda, 2016)
Japón. Duración: 117 min. Guión: Hirokazu Koreeda (AKA Hirokazu Kore-eda) Música: Hanaregumi Fotografía: Yutaka Yamazaki Productora: Aoi Promotion Género: Drama
Reparto: Hiroshi Abe, Lily Franky, Isao Hashizume, Sôsuke Ikematsu, Kirin Kiki, Satomi Kobayashi, Yôko Maki, Taiyô Yoshizawa
Sinopsis: A pesar de haber empezado una prometedora carrera de escritor, Ryota va de desilusión en desilusión. Se ha divorciado de Kyoko y gasta todo el dinero que gana como detective privado apostando en las carreras, por lo que finalmente no puede pagar la pensión alimentaria de su hijo de 11 años, Shingo. Ahora Ryota intenta ganarse nuevamente la confianza de sus seres queridos.
Un drama impecablemente interpretado, con ingeniosos diálogos y unas gotas de humor que recaen, en su mayor parte, en el personaje interpretado por la veterana Kirin Kiki, actriz que nos conquistó por su papel en Una pastelería en Tokio (An, Naomi Kawase, 2015), y que también participó en Nuestra hermana pequeña (Umimachi Diary, 2015), anterior película de Koreeda y otras cuatro de sus cintas. También Hiroshi Abe (Kiseki/Milagro) y Yôko Maki (De tal padre tal hijo), repiten con el director japonés. Como vemos este tipo de historias intimistas provenientes de Japón se están abriendo hueco en las carteleras españolas tras su paso por los diferentes festivales.
Después de la tormenta, cuyo título en japonés, Umi yori mo mada Fukaku, significa «Aún más profundo que el océano» (letra que hace referencia a una famosa canción japonesa de Teresa Teng), tuvo su estreno mundial en la última edición del Festival de Cannes, en la sección Un certain regard. Después de su paso por la Sección Perlas del Festival de San Sebastián, la película ha sido recientemente premiada con el Espejo de Plata, máximo galardón del festival noruego Films From the South, celebrado en Oslo en octubre de 2016.
Después de la tormenta quizás no sea la mejor película de su director, su historia deriva de un personaje a otro y, hasta que no se centra, no parece ir hacia ningún lugar concreto. Aunque quizás ahí estribe su encanto: el ser tan solo una visita furtiva a la vida de sus protagonistas. Sin grandes cambios para su existencia. Un día cualquiera. Pero que, a través de las vivencias del protagonista, nos conduce a una importante reflexión sobre el crecimiento personal (hacerse mayor no es sinónimo de madurar); la paternidad responsable; la necesidad de modelos y de aprobación; y, sobre todo, de cómo la pérdida es, tantas veces, el motor que nos hace descubrir el valor de lo que teníamos.
Los toques de humor que caracterizan al director japonés y el sabio contenido de la película, permiten que finalmente sea un profundo mensaje optimista el que trasciende dentro de un paisaje melancólico.
Norberto Ramos del Val y Antonio Trashorras en Regia Films
De nuevo buenas nuevas desde Regia Films que anuncian interesantes lanzamientos y reediciones. Entre ellos destacan dos recientes películas españolas. Por un lado continúan editando la filmografía de Norberto Ramos del Val, una inclasificable bestia del cine independiente del cual después de editar El último fin de semana (2011) y Faraday (2013), publican Amor Tóxico, la última locura del director cántabro en la cual se ha acompañado de los actores Eduardo Ferrés, Ann Perelló, Mariu Bárcena y Álvaro Lafora.
Sinopsis: Reconfortante como un buen vaso de estricnina; reparador como un caldo con cristales molidos; tonificante como una bocanada de antrax: así es el amor tóxico que nace en esta comedia romántica disfuncional y marciana. Toni, que dice no entender a las mujeres, e Irene, una chica “especial” (por llamarlo de alguna forma) quedan por internet. Una cita que deriva en conversación bizantina sobre amor, sexo (y sexos), batalla dialéctica en la que el desconcierto acecha tras cada esquina.
Si somos muy de Norberto, también lo somos de Antonio Trashorras. Tras su bastante incomprendido debut en el largo con El callejón (2011), llega Anabel, una propuesta totalmente diferente estrenada, al igual que la anterior, en el Festival de Sitges y en la que ha contado también con la participación de Ana de Armas, actriz que ha dado el salto al otro lado del charco, (donde se encuentra rodando actualmente Blade Runner 2049 para Denis Villeneuve), además de Rocío León y Enrique Villén. Para el crítico John Tones, Anabel es un «homenaje extremadamente claustrofóbico al cine de terror de los setenta.»
Sinopsis: Tras la marcha, en circunstancias algo turbias, de Anabel, sus dos compañeras de piso deben buscar alguien más con quien compartir el alquiler. El elegido es un señor mayor que logra ganarse su confianza, pero que pronto se descubrirá como una presencia extraña e inquietante.
Pero Regia también anuncia otra novedad protagonizada por el mejor cine británico y con calidad Blu-ray. Walkabout de Nicolas Roeg está basada es una novela escrita por James Vance Marshall y publicada por primera vez en 1959 que trata acerca del viaje emprendido a través de la zona interior de Australia por dos niños estadounidenses perdidos junto a un aborigen australiano que se encontraba realizando su rito de paso a la madurez, el Walkabout, que dura varios meses.
Y para terminar decirles que, si como el que esto les cuenta se despistaron y se quedaron sin algún título de la Colección Giallo, sepan que se están reeditando algunos, así que entren en Regia y pídanlos, pues ahora es el momento de aprovechar y completar tan imprescindible colección.
Las lecturas de Serendipia: Las fábulas mecánicas. Guillermo Del Toro
Clamaba al cielo el poder disponer de un libro en castellano sobre Guillermo Del Toro y Las fábulas mecánicas ha venido a paliar, en parte, esa sequía, ya que se trata de un magnífico y riguroso acercamiento crítico a la obra del cineasta mexicano. Quizás no todo lo exhaustivo que uno hubiera deseado, pero hay que tener en cuenta que el basto imaginario de Del Toro requeriría un volumen mucho más extenso para ser tratado al detalle y con justicia.
En todo caso la propuesta que nos ofrece Calamar Ediciones es de un atractivo ineludible. Principalmente porque está coordinada por Juan A. Pedrero Santos, escritor al que ya hemos tenido ocasión de tratar en otras ocasiones, y que se ha rodeado de un buen número de colaboradores de primer orden como son Javier G. Romero, Tonio L. Alarcón, Rubén Higueras Flores, Carlos Díaz Maroto, José Luis Salvador Estébenez, Adrián Sánchez, Tomás Fernández Valentí y Diego Salgado los cuales, junto al propio Pedrero Santos, analizan la filmografía del director título a título. Santiago Segura, amigo personal del director mexicano, abre el libro con un divertido prólogo y Guillermo Del Toro, además de responder a una extensa e interesante entrevista telefónica realizada por el coordinador de la obra, ha cedido uno de los detallados perfiles biográficos que habitualmente realiza de sus personajes con los que ayuda al actor a ponerse en situación. Finalmente Calamar Ediciones redondea la obra reproduciendo fielmente, y en magnífico papel, el estupendo material gráfico que ha cedido el propio cineasta.
La sobria portada iluminada por Mike Mignola nos dará acceso a casi 250 páginas que nos introducirán en el barroco universo de Guillermo Del Toro, repleto de insectos con forma humana, vampiros patéticos, mechas y kaijus, súper-héroes procedentes del infierno, fantasmas y goticismos de ultratumba. Mundos de pesadilla, pero también de hadas, que componen el valioso legado de este creador tan particular.
Leeremos sobre su ópera prima Cronos, cinta que algunos se empecinan en considerar su mejor obra, reduciendo casi a la nada todos sus logros posteriores. Sabremos de su problemática gestación, con un guión mil veces revisado, incluso durante el propio rodaje. Leeremos como Del Toro ama a todos sus hijos, considerando igual de personales y autobiográficas sus Hellboy como El laberinto del fauno. Sabremos de su encontronazo con el sistema de estudios norteamericano. De Mimic y Blade II. Tambien, naturalmente de sus películas españolas, tan fantásticamente arraigadas en los profundos miedos de nuestra contienda civil, como son la ya mencionada El 
laberinto del fauno y El espinazo del diablo. Y sabremos como cobraron vida en la imaginación del director los titanes de Pacific Rim y los fantasmas íntimos de La cumbre escarlata. Magia y aventuras que los diferentes escritores de Las fábulas mecánicas han abordado cada uno a su propia manera. Algunos describiendo la película paso a paso y añadiendo lo que les va sugiriendo el director; otros mezclando análisis y crítica con la descripción de los diferentes elementos artísticos, ya sean humanos o materiales. Pero todos los artículos, cada cual con su propia idiosincrasia, no chirrían en el todo que conforma el libro, mérito que hay que atribuir a Juan A. Pedrero Santos y su trabajo de coordinación.
Al terminar de leer las reseñas y críticas de todas las cintas el lector curioso, que gusta de saber también de los avatares biográficos del protagonista del libro, podrá resarcirse, en parte, con la extensa entrevista en la que Del Toro se abre especialmente al coordinador. Hablando de su forma de trabajar, de su vida y deteniéndose especialmente en su niñez, pero dejando muy claro que el cine lo es todo para el. Que respira, bebe y come cine. Y que su género es el fantástico:
«Cuando lees la historia del cine de terror, de ciencia ficción, del fantástico en general, te encuentras sobre todo con biografías de directores que lo practican como un escalón hacia un cine más ‘genuino’, y que después lo repudian o rechazan; reniegan de su origen. Para mí, este es mi origen y este es mi fin; es decir, hablar del bien y del mal en términos de parábola, muy amplificada por el fantástico: eso es lo que quería hacer cuando tenía quince años, y lo que quiero seguir haciendo ahora que tengo cincuenta y dos» (Pág. 161).
Del Toro, que no duda en considerarse a sí mismo un niño grande, con su gran sala de juegos, Bleak House, y sus cuadernos de apretada caligrafía en los cuales escribe y dibuja lo que se le ocurre a su fantástica imaginación, se muestra como un humilde y agradecido creador de tan basto, como maravilloso, universo, al que ahora podemos introducirnos de la mano de Calamar Ediciones.
ÍNDICE
Prólogo. Santiago Segura
Guillermo del Toro. Una vida entre fábulas. Juan Andrés Pedrero SantosCronos. Mala sangre. Tonio L. Alarcón
Mimic. La humanidad en peligro. Rubén Higueras Flores
El espinazo del diablo. De la esencia de los fantasmas. Carlos Díaz Maroto
Blade II. Entre la experimentación y el encargo. José Luis Salvador Estébenez
Hellboy. La mano de piedra del destino. Adrián Sánchez
El laberinto del fauno. Las pruebas mágicas de Ofelia. Tomás Fernández Valentí
Hellboy II. El ejército dorado. Y aun así, nunca seremos humanos… Javier G. Romero
Pacific Rim. Monstruos contra monstruos. Juan Andrés Pedrero Santos
La cumbre escarlata. Gótico tardío. Diego SalgadoEntrevista con Guillermo del Toro. Juan Andrés Pedrero Santos
Biografía de un personaje: Lucille Sharpe. Guillermo del Toro
Filmografía
Bibliografía
Índice onomástico
Mas información: http://www.calamarediciones.com/
Novedades Diábolo noviembre 2016: Novaro, James Cameron, Anime y buen cómic
Diábolo ediciones nos presenta sus suculentas novedades para noviembre entre las cuales hay lugar, como es habitual, para el mejor cómic y el cine más fantástico. Destacamos por su interés Cuando Bruce Wayne se llamaba Bruno Díaz, un libro con el que su autor nos propone adentrarnos en el universo Novaro. Y es que hubo un tiempo en el cual muchos descubrimos que los superhéroes se editaban en color gracias a esta editorial mexicana, cuyas publicaciones se importaban y vendían en los kioscos de forma totalmente caótica. Novaro tenía los derechos de los personajes de la editorial DC, así como de otras editoriales, muchas de las cuales editaban cómics basados en series de televisión. Un catálogo amplio y una historia que estamos deseando conocer todos aquellos que nos gastábamos la paga semanal en estos luminosos tebeos. También, y con los ecos del reciente Salón del Manga de Barcelona todavía resonando, David Heredia Pitarch nos introduce en el mundo del Anime. Desde sus inicios hasta la actualidad. Un trabajo imprescindible para conocer este medio tan desconocido como extendido en todo el mundo. Ya nada puede parar la invasión del Manga y del Anime en occidente, así que por lo menos conozcamos su historia y las más importantes obras que ha legado, más allá de Miyazaki. Finalmente la tercera propuesta de Diábolo en su apartado de libros de cultura popular tiene como protagonista al cine fantástico. En James Cameron. El rey del mundo, Juan Luis Sánchez y Luis Miguel Carmona analizan las vida y obra del director de Terminator.
Pero como hablar de Diábolo ediciones es también hablar de cómic, debemos hablar de sus tres interesantes propuestas: Mary Shelley. La muerte del monstruo tiene como protagonista a la fascinante autora de Frankenstein o el moderno Prometeo, novela gótica y origen de la ciencia ficción; El secreto del salmo 46 nos propone un viaje en el tiempo y a las expresiones artísticas para averiguar qué secreto oculta el arte; y finalmente, Mezolith, nos transporta a vivir una aventura durante el origen del hombre. Tres propuestas bien diferentes como interesantes. Entren pues en el mundo de Diábolo.
Más información: www.diaboloediciones.com/
Serendipia’s Sitges Film Festival 2016. Tercera cápsula
DOMINGO 9 DE OCTUBRE
(Foto: Serendipia)
A Serendipia le gusta el cine asiático. Gran parte de la culpa la tiene el festival Nits de Cinema Oriental de Vic, del que somos incondicionales. Pero es que con semejante programación resulta imposible no aficionarse al mejor cine de género oriental. Así que dado que el Festival de Sitges también va bien provisto de cine proveniente de ese continente, Serendipia ha incluido varios títulos en su agenda, entre ellos casi todos los que conformaron el tercer día de festival.
Dante Lam (Foto: Serendipia)
La coreana El extraño (Goksung) comienza como un thriller con un asesino en serie como protagonista y termina siendo un relato sobrenatural, sin perder nunca su carácter de película de intriga. Con ella, su director Na Hong-Jin, del que pudimos ver en nuestras pantallas The Yellow Sea (2011), cinta que también fue presentada en Sitges, cambia radicalmente de escenario situando su historia en un entorno agreste, alejado de la gran urbe, donde el torpe policía protagonista que investiga los hechos, un cero a la izquierda incluso en su entorno familiar, irá cobrando entidad y madurando conforme se aproxime al mal que asola su población hasta verlo cara a cara. Lluvia constante gris y plomiza sobre los cuerpos mutilados, que aparecen rodeados de basura, y chismorreos entre los vecinos con un fuerte elemento xenófobo en una historia plena de supersticiones en las que cohabitan elementos sobrenaturales y una energía visceral que emana de sus protagonistas atravesando la pantalla.
A continuación Serendipia se introdujo en una acción más convencional con Operación Mekong (Mei Gong he xing dong), un thriller de acción dirigido y presentado por el especialista Dante Lam, que fue uno de los invitados al festival. La obra que Lam nos propone está basada en un caso real sucedido en 2011, cuando se hallaron trece cadáveres en el río Mekong, en el llamado Triángulo Dorado, región en la que confluyen las fronteras de Myanmar, Laos y Tailandia y que motivó la puesta en marcha de un operativo entre distintos países con el objetivo de capturar al traficante de drogas que había ordenado los asesinatos. Villanos arquetípicos, un trasfondo político triunfalista respecto al país productor de la película (China), y sobre todo acción espectacular como Dante Lam sabe ofrecer.
La japonesa Museum (Myûjiamu) de Keishi Otomo fue nuestra última propuesta oriental del día y con ella entramos, de nuevo, en la torturada mente de un sádico asesino en serie. En este caso el enigmático criminal luce una máscara de rana y va dejando mensajes en sus víctimas o en el entorno del crimen. Basada en un manga de Ryousuke Tomoe que al director (y al espectador) le traen a la mente fragmentos de Seven, Old Boy o Saw, este oscuro y claustrofóbico thriller posee un clímax tenso y difícil de olvidar. Como también será difícil de olvidar para el público del Auditori la presencia del propio Otomo junto al asesino de la máscara de rana, uno de los momentos delirantes del festival.
Otomo y su asesino-rana (Foto: Serendipia)
André Øvredal presentando (brevemente) su película (Foto: Serendipia)
El día, en cuanto a películas se refiere, terminó con una de las que personalmente permanecerán como favoritas de Serendipia: La autopsia de Jane Doe (The Autopsy of Jane Doe). Un tenso relato minimalista protagonizado por un forense, su hijo, también forense, y el cadáver de una atractiva joven cuya muerte tendrán que investigar realizando la autopsia del cuerpo. Pero las cosas no serán tan fáciles como pueden suponer. Unos personajes muy bien perfilados, al frío y aséptico ambiente de la morgue, con la presencia de la muerte en su estado más inmediato que continuamente parece recordarnos el peaje al que todos estamos destinados, a lo que se le suma un elemento sobrenatural bastante bien introducido. Y todo ello sin interrumpir el trabajo de los forenses, que será mostrado de forma bastante didáctica. La cinta británica, que estrenará en nuestras pantallas A Contracorriente, mantuvo al público de l’Auditori sumido en un tenso silencio sepulcral que tan solo se rompió al finalizar Y es que su director, el noruego André Øvredal, sabe de qué va esto del cine fantástico, como ya demostró en 2010 con la exitosa Troll Hunter.
Pero para Serendipia no fue todo ver películas en esta tercera jornada de festival, ya que tenía una cita muy especial con una dama del fantástico. Esperando que este mágico encuentro se produjera, se había provisto del cartel original de Re-Animator (Stuart Gordon, 1985), una de las cintas que consiguió que Serendipia volviera a interesarse por el cine de terror, tras haberle dado la espalda durante unos años por culpa de la proliferación de monótonos slashers. Y es que desde el día que la vio por primera vez en 1986 en un cine de Puerto de Santa María, cosas de la mili, quedó prendado de esta magnífica mezcla de comedia, terror y gore radical. Tras haber conseguido que el día antes el productor de la cinta, Brian Yuzna, jurado oficial en Sitges 2016, le estampara su firma al póster, llegó la ocasión de que Barbara Crampton también lo hiciera. Y la pizpireta y bella actriz tuvo a bien ofrecer a Serendipia uno de sus mejores momentos en esta edición del festival, además de una valiosa pieza para su colección. También se presento ese día una obra a la que estamos muy ligados: De Narciso Ibáñez Menta a Narciso Ibáñez Serrador, un magnífico libro de recortes repleto de momentos estelares en la carrera de ambos genios del cine. Escrito por el amigo Gustavo Leonel Mendoza, fue presentado en la carpa Fnac con la participación de Miguel Ángel Plana, Sebastià d’Arbó y el propio escritor, contando con la presencia del editor del mismo, Jorge Juan Adsuara. Para Serendipia la presencia de estos amigos fue la excusa perfecta para ir con ellos a cenar y pasar un buen rato de charla, risas y buenos momentos que pusieron un broche perfecto a este día.
Elliot Cowan, Ana Ularu y Franka Potente protagonizarán el thriller sobrenatural MUSE del director de [REC] Jaume Balagueró.
Charlotte Vega, Christopher Lloyd, Leonor Watling, y Joanne Whalley completan el reparto principal de MUSE, nuevo título insignia de la empresa Filmax. Filmax (productora de gran parte de la carrera de Balagueró) coproduce este film con la irlandesa Fantastic Films, la francesa The Jokers Films y la belga Frajas Prods.
MUSE representa el regreso de Balagueró a la producción cinematográfica de habla inglesa 14 años después de su thriller “Darkness”, un lanzamiento de la productora Miramax/Dimension que recaudó 22.2 millones de dólares en la taquilla de EEUU. MUSE también representa el primer trabajo post-[REC] del director que, excepto el parántesis en 2011 con “Mientras duermes”, ha dedicado la última década a la saga cinematográfica [REC] la cual ha recaudado aproximadamente 60 millones de dólares a nivel global.
MUSE nos cuenta la historia de Salomon, un hombre en paro desde la trágica muerte de su novia, el cual sufre una pesadilla recurrente sobre el brutal asesinato de una mujer. Cuando ésta aparece muerta en el mundo real, Salomon buscando explicación, entra en un oscuro mundo controlado por unas figuras inspiradoras, las musas.
Producen Carlos Fernández y Laura Fernández, Brendan McCarthy, Jean-Yves Roubin y Manuel Chiche.
“La combinación de lo sobrenatural, la seducción, rituales macabros y el amor es explosiva y tiene todos los elementos necesarios para crear una película verdaderamente terrorífica” cuenta Balagueró.
MUSE tendrá su estreno en cines el último trimestre 2017.
Fanta Elx presenta su cartel. Todo un homenaje a ‘Dentro del laberinto’
El Festival de Cine Fantástico de Elche – FANTA ELX, que se celebrará el sábado 19 de noviembre en el Centro de Congresos, ha compartido el cartel de su cuarta edición. El ilustrador Joan Martín Giménez (autor de trabajos de animación como el multipremiado cortometraje «Candyhearts«) se ha encargado de diseñar la imagen del festival basándose en la película Dentro del Laberinto (1986), dirigida por Jim Henson, que este año se cumple el 30º aniversario de su estreno. En la ilustración aparece el personaje de Jareth (rey de los Goblins en el largometraje) encarnado por el recientemente 
fallecido David Bowie, que sostiene una esfera donde se descubre el skyline de la ciudad de Elche. En conmemoración, el festival contará con la asistencia de Jesús Callejo, que impartirá una conferencia sobre este mundo fantástico titulada La alargada sombra de los seres élficos. Jesús Callejo fue colaborador del popular programa radiofónico de Onda Cero «La Rosa de los Vientos», de Juan Antonio Cebrián. Algunas de sus especialidades son los temas folclóricos, mitológicos, y los seres legendarios (hadas, duendes, gnomos, etc.). También es colaborador de las principales revistas especializadas del sector, como Año Cero, así como de programas de televisión como Cuarto Milenio.
Durante la jornada de la mañana del sábado, de 11:00h a 13:30h, se celebrará el coloquio El panorama fantástico en Alicante, conducido por el periodista Óscar González. Durante la jornada de la tarde, a las 16:00h tendrá lugar la conferencia conmemorativa de Jesús Callejo. Y de 17:15h hasta las 21:00h, con un descanso intermedio, tendrá lugar la proyección de cortometrajes a competición, en la que se podrán ver reconocidos trabajos nacionales e internacionales de fantasía, terror y ciencia-ficción, muchos de ellos proyectados por primera vez en la ciudad, como el cortometraje turco Black Ring de Hasan Can Dagli, el español Behind, de Ángel Gómez Hernández, o el mexicano Sincrónico de Ricardo Fernández. El evento será presentado por el actor sevillano Fran Palacios, y tras finalizar las proyecciones se dará paso a la Clausura y entrega de premios. El mejor cortometraje alicantino accederá directamente al festival Navidades Sangrientas de Alicante. Por otro lado, el mejor cortometraje nacional accederá al Festival de Cortometrajes de Terror y Fantástico 1000 Gritos de Buenos Aires, en Argentina, y el mejor cortometraje internacional accederá al Festival Internacional Freak Terror Gore Bizarro de Valparaíso, en Chile.
El acceso a todas las actividades del festival será de manera gratuita hasta completar aforo y, a diferencia de sus anteriores ediciones, no será necesaria la reserva previa de invitación.
En esta presente edición, el festival cuenta con el apoyo de la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Elche, y con la colaboración del Centro de Congresos «Ciutat d’Elx», Visit Elche, la Universidad Miguel Hernández, Cafetico Films S.L., Illipoint, Alex Tacsy, Cinema Paradiso, Alicante Hoy, Esto es Elche, Cinestesia, Producciones Híbridas, Océanos de Cine, Javi Piñol Pádel Club, Box Mecánica Reyes, Columpio Bar, Glass Corner Gastro Pub, Rompeolas Pub, así como de colaboradores habituales del festival como la coordinadora Miriam Cremades, el ilustrador Joan Martín Giménez, o el escritor y fotógrafo Gregorio Sánchez. Con la celebración de este evento, Elche volverá a ser un punto de encuentro para los amantes del género fantástico.
Más información en http://www.festivalcinefantaelx.com
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 4 de noviembre de 2016 *
SULLY (Clint Eastwood, 2016)
USA. Duración:96 min. Guión: Todd Komarnicki (Libro: Chelsey Sullenberg, Jeffrey Zaslow) Fotografía: Tom Stern Productora: Warner Bros. Pictures / Village Roadshow / Malpaso / Flashlight Films Género: Drama
Reparto: Tom Hanks, Aaron Eckhart, Laura Linney, Anna Gunn, Autumn Reeser, Sam Huntington, Jerry Ferrara, Jeff Kober, Chris Bauer, Holt McCallany, Carla Shinall,Lynn Marocola, Max Adler, Valerie Mahaffey, Ashley Austin Morris
Sinopsis: El 15 de enero de 2009, el mundo fue testigo de “El milagro del Hudson” cuando el Capitán “Sully” Sullenberger hizo amerizar su avión averiado sobre las gélidas aguas del río Hudson, salvando la vida de las 155 personas a bordo. Sin embargo, mientras Sully era aclamado por el público y por los medios por su hazaña nunca vista en habilidades de aviación, se desarrolló una investigación que amenazaba con destruir su reputación y su carrera.
Sin lugar a dudas el cine de Clint Eastwood no es innovador (ni menos aún experimental) en sus formas. Ni falta que hace. El californiano es el mejor heredero de la narrativa clásica de los padres del cine y en Sully vuelve a demostrarlo. Con Sully el director vuelve a ofrecernos un biopic, género en el que es experto, pero, como siempre, nos da mucho más que una simple biografía. Porque con su última película podemos decir que se adentra en las aguas del cine de catástrofes aéreas, aquel género que tan buenos/malos momentos nos hizo pasar en la década de los setenta. Se adentra en él pero para superarlo y llevarlo más lejos hasta abordar una de las constantes de su cine: el papel del héroe en la sociedad retratado desde todos sus ángulos, desde su experiencia más íntima (mostrando sus vacilaciones interiores) hasta su repercusión en las distintas capas sociales. Desde ese contraste de cómo se ve a sí mismo y cómo le ve el resto, Eastwood reflexiona sobre la incidencia de esos personajes (que en ocasiones, como en esta Sully, son llevados a la heroicidad por las circunstancias más fortuitas) en la esfera de lo colectivo. Sus héroes no son monolíticos ni están tocados por poderes superiores, son humanos, muy humanos, por eso dudan ellos y despiertan dudas en otros (dudas, las de esos otros, que en ocasiones obedecen a sus propios intereses más o menos mezquinos). El de Eastwood es un héroe para tiempos de crisis, como aquellos de Capra que tan bien encarnara Gary Cooper en Juan Nadie o El secreto de vivir, su hazaña, que tiene tanto de ocasional como de solitaria, acaba sirviendo como modelo sobre el que proyectar la esperanza colectiva.
Aunque no innove en las formas, el cineasta imprime en ellas su sello particular ofreciéndonos un auténtico ejercicio de autoría. Sully, como veíamos, es un biopic, más una película de catástrofes aéreas y a ello hay que sumar también un thriller judicial; un poderoso cóctel multigénero que, aun respetando las claves de cada uno de los géneros mixturados, resulta atípico en su composición y resolución. Así, la acción empieza allá donde terminaban las cintas canónicas de desastres: en el día después del accidente, el momento de las pesadillas y el de enfrentar si se ha tomado la decisión correcta, la hora de determinar si su acto ha sido una intervención proverbial o una imprudencia temeraria que milagrosamente no se ha cobrado ninguna vida. Lo otro, los momentos previos al embarque, la presentación de personajes implicados, el accidente en sí y la milagrosa salvación de todo el pasaje y la tripulación por la pericia y el arrojo del capitán, que era lo que ocupaba la totalidad de aquellos filmes, no llega hasta bien entrada la película como introducción al tercer acto (digno de mencionar es que toda esa secuencia no está subrayada por ninguna música dejando que se oigan los sonidos de la confusión).
Episodio nuclear para Chesley Burnett «Sully» Sullenberger, la película nos resumirá su vida girando sobre ese día y los que le siguieron de inmediato, al modo de otros biopics recientes como Selma (Ava DuVernay) sobre Martin Luther King o el Lincoln de Spielberg. Un relato biográfico ajeno a las estridencias y las glorificaciones desmedidas, cosa a la que contribuye la excelente y contenida interpretación de Tom Hanks. Acompañaremos a Sully en sus pesadillas, las que le asaltan en sueños, las que le persiguen ante la comisión de investigación del accidente en la que la compañía y las aseguradoras tratan de demostrar que, aun habiendo salvado a todo el pasaje, la suya fue una decisión imprudente puesto que habrían habido otras opciones en las que no se habría perdido el avión. Ahí es donde la película funciona como thriller judicial, vertiente que alcanza su culmen en el tercer acto que conduce al desenlace.
Sully es un tres en uno desarrollado en poco más de hora y media (como el buen cine de antes) que mantiene en vilo al espectador hasta su último plano, así de bien tratada está la intriga en el filme. Si Eastwood consigue tanto en tan poco, es por su pericia narrativa que llena de información cada encuadre, y por su buen hacer con los recursos del lenguaje cinematográfico. El cineasta demuestra cómo hacer acopio de flashbacks no es obligatoriamente sinónimo de pesadez, reiteración o falta de agilidad. Todos entran elegantemente en el momento preciso y cada uno, retrocediendo en el tiempo, hace avanzar la trama con buen pulso hacia adelante. Tal vez no sea una obra maestra, pero, como siempre, Eastwood nos lega toda una lección de buen cine.
Serendipia
Proyecto Naschy 
Últimos comentarios