EL BARÓN DEL TERROR (Chano Urueta, 1962) DVD Regia Films
México. Duración: 77 min. Guion:Adolfo López Portillo,Federico CurielMúsica: Gustavo César Carrión Fotografía: José Ortiz Ramos (B&N) Productora:Cinematográfica ABSA Formato Pantalla: 1,33:1 (4/3) Fullscreen Audio: Español neutro
Reparto: Abel Salazar, Ariadna Welter, David Silva, Germán Robles, Luis Aragón, Mauricio Garcés, Ofelia Guilmáin, René Cardona, RubénRojo, Carlos Nieto, Carlota Solares,Federico Curiel
En 1661 el barón Vitelius (Abel Salazar) es enviado a la hoguera por la Santa Inquisición de México acusado de brujería, necromancia y adulterio. A punto de ser devorado por las llamas, un cometa cruza el cielo sobre la hoguera y el Barón jura vengarse de los descendientes de los Inquisidores. 300 años después el ciclo del cometa se ha completado, el barón vuelve y la maldición por él lanzada se materializará en un horripilante ser, hambriento de cerebros humanos, que irá sembrando el terror entre los descendientes de sus verdugos…
Regia Films prosigue su colección Terror Mexicano con una de las películas más populares y delirantes de la cinematografía azteca, El barón del terror. Rodada por la productora ABSA, fundada por Abel Salazar con laque puso en marcha westerns, comedias, dramas románticos y por supuesto, películas de terror, en las que también participaba como galán, acertó de pleno en la diana con El vampiro (1957) y El ataúd del vampiro(1958), que dieron pié a toda una explosión del cine de terror mexicano. Entre las producciones de ABSA centradas en el género de terror figuran algunas que Regia ya ha ofrecido en su colección como El espejo de la bruja (Chano Urueta, 1962), La maldición de la llorona (Rafael Baledón, 1963) y El hombre y el monstruo(Rafael Baledón,1959) con la que la productora, tras importar con éxito el mito de Drácula y ubicarlo en una hacienda mexicana, repite la misma operación con un sosias de Jeckyll y Mr. Hyde, añadiendo a su personaje guiños a Svengali, Fausto, el hombre lobo y el fantasma de la ópera. Casi nada.
Si bien en todas estas cintas Abel Salazar ejerce de héroe de la función, algo bastante habitual en las películas que produjo, en El barón del terror probó fortuna encarnando un rol terrorífico, y el resultado no pudo ser mejor: su baron Vitelius d’Estera, que se transforma en un monstruoso ser sorbecerebros es, sin lugar a dudas, la pieza fundamental para que esta cinta de Chano Urueta haya terminado siendo una de las películas clave del mejor cine psicotrónico, llegando a ser considerada, con toda razón, película de culto en Estados Unidos con el nombre de Brainiac. Pero no tan solo es memorable esta cinta por su bizarro monstruo, sino también por poseer algunas de las imágenes más divertidas del cine de terror mexicano pre-luchadores: inolvidables resultan las caras de Germán Robles y René Cardona cuando, inmovilizados por la hipnótica mirada de Vitelius, este abusa de sus hijas y esposas delante de ellos. Como inolvidables son las escenas en las que Abel Salazar se despista de sus invitados para tomar unas revitalizadoras cucharadas de sesos de una ensaladera que guarda en el escritorio.
Realizada con gran economía de medios, que se delatan en las muchas transparencias (cuando no directamente fotografías en el fondo) y la pobreza de los decorados, se dejan de lado los goticismos de obras anteriores y se ubica la acción en un escenario moderno y urbano. Chano Urueta, un artesano que se atrevía con todo y que realizó un eficaz trabajo, estrenaría ese año cuatro películas más, entre ellas El espejo de la bruja. Además del ya nombrado Germán Robles, habitual en las producciones de Abel Salazar, la película cuenta con la participación de René Cardona, actor y prolífico director (suyo es otro de los títulos señeros del terror mexicano, La horripilante bestia humana, así como un gran número de películas de luchadores y luchadoras); el madrileño Rubén Rojo, con una carrera a caballo entre México y España y Magda Urbizu que como ‘la chica’, realiza un trabajo de derribo a base de mohines, poner cara como de pensar y preparar cafés. Al año siguiente hizo su última película tras la que, muy juiciosamente, se retiró. También realiza un pequeño papel como ‘mujer de la vida’ la gran Ariadna Welter, que protagonizó el díptico vampírico de Fernando Méndez. Adolfo López Portillo y Federico Curiel, autores del guión y de la historia, repetirán en la siguiente película de ABSA, la también delirante La cabeza viviente, realizada al año siguiente y dirigida también por Urueta. La partitura vuelve a ser de Gustavo César Carrión, que ya poseía experiencia en sonorizar pesadillas por ser también el responsable de la música de El vampiroyEl ataúd del vampiro, así como del resto de producciones terroríficas de Salazar.
Una nueva ocasión de agradecer a Regia Films su labor con la edición de estas memorables películas en tan inmejorables condiciones.
En 2014 se puso en marcha en Barcelona un pequeño festival con el objetivo de rescatar y difundir pequeñas gemas del cine independiente norteamericano. Películas que en la extensa mayoría de casos no conocerían distribución en salas cinematográficas o, de conocerlo, sería de forma muy restringida. Cintas heterogéneas, con todo tipo de temática y dirigidas a un público más inquieto que el que acude habitualmente a ver el último blockbuster al centro comercial.
En aquella primera edición, el festival constó de 12 películas, número que se incrementó progresivamente hasta los actuales 23 largometrajes, repartidos en tres secciones, y los 10 cortometrajes que han conformado la programación de esta cuarta edición.
Americana 2017, inaugurado el miércoles 1 de marzo en el cine Phenomena con la proyección de Donald Cried(Kristopher Avedisian, 2016) tuvo, como es habitual su sede en los Cinemes Girona, que pusieron a disposición del festival sus tres salas en las cuales, de jueves a domingo, pudo verse el total de las cintas que conformaban la programación. El martes 28 de febrero y por gentileza de Movistar, hubo una sesión previa gratuita que constó de tres películas.
SECCIONES
*Americana TOPS Cintas galardonadas por diversos festivales y con directores o actores que forman parte de lo más importante del cine Indie actual: Certain Women (Kelly Reichardt, 2016); Closet Monster(Stephen Dunn, 2015); Goat (Andrew Neel, 2016); James White(Josh Mond, 2015); Joshy(Jeff Baena, 2016); Swiss Army Man (Dan Kwan, Daniel Scheinert, 2016); Wiener-Dog (Tod Solondz, 2016); Christine (Antonio Campos, 2016).
* Americana NEXTSe compone de apuestas particulares del festival. Un cine más desconocido pero con mucha calidad: Donald Cried (Kristopher Avedisian, 2016); Creative Control (Benjamin Dickinson, 2015); Another Evil(Carson D. Mell, 2015); Kicks (Justin Tipping 2016); My Entire High School Sinking Into the Sea (Dash Shaw, 2016); The 4th(Andre Hyland, 2016).
*Americana DOCSTras su debut como sección en la pasada edición del festival, los documentales regresan a Americana con la intención de consolidarse: Life, Animated(Roger Ross Williams, 2016);Author: The JT Leroy Story ( Jeff Feuerzeig, 2016); Kate Plays Christine(Robert Greene, 2016); LoveTrue(Alma Har’el, 2016).
*Americana SHORTS
A Song for your Mixtape (Brandon Zuck); The Irrational Fear of Nothing (Paul Trillo); Her Friend Adam (Ben Petrie); We Live This(James Burns); Memory Box (Audrey Ewell y Aaron Aites); Thunder Road (Jim Cummings); Trash Cat (Kelsey Goldych); Seth (Zach Lasry); Where You Are (Graham Parkes); Glove (Bernardo Britto)
UN PASEO POR AMERICANA
Comedia, drama, animación, terror, documental, thriller… todo tuvo su espacio en Americana. Estos son algunos de los títulos que Serendipia pudo ver durante sus maratonianas jornadas en el festival:
A Birder’s Guide to Everything(Rob Meyer, 2013), narra una historia de crecimiento protagonizada por David (Kodi Smit-McPhee), que con quince años ha de afrontar la pérdida de su madre y el nuevo matrimonio de su padre con la enfermera que la cuidó. David, al igual que su madre, es un fanático de las aves y junto a dos amigos más tiene un club de observadores de pájaros. A los tres amigos se les sumará una chica y juntos marcharán de excursión al bosque en pos de una especie que se creía extinta. La excursión funcionará como un viaje al interior de David, durante el que experimentará la amistad más limpia e incluso el nacimiento del amor. Una deliciosa cinta en la que la relación entre los muchachos, decididamente nerds, nos traerán a la memoria personajes de Stephen King comolos protagonistas de It(Ello) o los del cuento The Body, posteriormente adaptado con éxito por Rob Reiner como Cuenta conmigo (Stand by Me, 1986). Entre los actores destaca Kodi Smit-McPhee, cuya sensibilidad y (aparente) fragilidad destacó ya desde que interpretara al hijo de Viggo Mortensen en La carretera (The Road, John Hillcoat, 2009); o al protegido de la vampira Abby (Cloë Moretz) en la versión americana de Déjame entrar (Let Me In, Matt Reeves, 2010). La cinta también cuenta con el veterano Ben Kingsley, que aporta un poco de humor. A Birder’s Guide to Everything tuvo su estreno mundial en el Festival de Tribeca y posteriormente ha estado en otros tan importantes como Austin o Gijón, donde tuvo su estreno estatal.
La última apuesta (Mississippi Grind, Anna Boden, Ryan Fleck, 2015) nos introduce en un mundo de alcohol y ludopatía. Un abismo en cuyo descenso se encontrarán dos perdedores interpretados por unos convincentes Ryan Reynolds y Ben Mendhelson. Interesante, deshilvanada a veces, pero siempre pesimista, esta road movie viaja por los casinos y garitos del sur de Estados Unidos dejando un sabor amargo en el espectador. Doble o nada.
Another Evil(Carson D. Mell, 2015) es una apuesta dentro del fantástico, vía casas encantadas, pero realmente atípica y con regusto paródico protagonizada por Os (Mark Proksch), un cazafantasmas cuya tarea será ‘limpiar’ el hogar de Dan (Steve Zissis) y su mujer Mary (Jennifer Irwin). Dan se encerrará un fin de semana con Os para intentar exorcizar la casa, pero poco a poco irá descubriendo que Os es un alcohólico definitivamente desequilibrado, que pasará a ser el auténtico invasor del hogar del matrimonio. La situación, que durante la primera parte tiene tono de comedia, pasará a ser progresivamente más y más inquietante.
The 4Th (Andre Hyland, 2016) fue una de las propuestas menos interesantes de esta edición de Americana. Hablamos de una cinta casi amateur. Si bien resulta agradable y divertida durante su primera hora, llega a resultar cansina y falta de energía hacia el final. Una anécdota demasiado alargada y no demasiado inspirada sobre un joven que vive en Los Ángeles y planea una gran fiesta para celebrar el 4 de julio que, debido a diversas vicisitudes, se convertirá en un infierno. Escrita, dirigida e interpretada por André Hyland, que se dio a conocer con su cortometraje Funnel(2014), tiene algunas escenas y gags afortunados, además de las actrices y personajes menos atractivos del panorama independiente norteamericano.
James White (Josh Mond, 2015) nos mostrará la entrada de James (Christopher Abbott) en la madurez. No en vano tendrá que hacer frente, en un breve intervalo de tiempo, a la muerte de su padre y, desde mucho más cerca y como cuidador, la de su madre (Cynthia Nixon). James tendrá que enfrentarse a sus infiernos y a los infiernos de la enfermedad de su madre. Y mientras tanto se sucederán juergas nocturnas, peleas, alcohol y sexo promiscuo. Cuenta con dos excepcionales protagonistas, Christopher Abbott y sobre todo Cynthia Nixon, que realiza una magnífica creación como la madre de James. Nominada como mejor ópera prima en los Independent Spirit Awards, ha ganado premios en festivales tan prestigiosos como Locarno o Sundance, entre otros muchos. Dolorosamente real, posiblemente biográfica.
Muy diferente fue Donald Cried (Kristopher Avedisian, 2016) aunque también, y a su manera, demoledora. Donal Cried parece demostrarnos que el pasado no siempre fue tan maravilloso como lo recordamos. Peter (Jesse Wakeman) tiene que volver a su pueblo natal, una población de clase trabajadora, para ocuparse del papeleo que conlleva la muerte de su abuela. Su vida está en Nueva York, trabajando en Wall Street y no tiene la más mínima intención de quedase en un sitio deprimente que no pisa desde hace 15 años. Pero pierde su cartera en el viaje y se ve obligado a pedirle un favor a Donald (Kris Avedisian), su amigo de infancia que se ha quedado colgado en la adolescencia. Un tipo de lo más peculiar, con aspecto de haberse quedado perdido en algún viaje de drogas, que hará pasar a Peter por bochornosas experiencias. Y de paso al espectador, que lo pasará de miedo riendo de vergüenza ajena en esta nueva mixtura de géneros que nos llevará de la risa más sana a los momentos más amargos, todo ello gentileza de Kristopher Avedisian, director, guionista y protagonista de Donald Cried, su primer largo, que fue financiado mediante micromecenazgo.
Life, Animated (Roger Ross Williams, 2016) es un documental sobre el tan desconocido como fascinante mundo del autismo que nos narra la historia de Owen Suskind, un niño normal hasta que cumple tres años, momento en el que se produce un retroceso en su desarrollo que se diagnosticará como autismo. Deja totalmente de hablar y se aficiona a ver compulsivamente películas de Walt Disney. Y será precisamente mediante esas películas y sus diálogos, que se aprenderá de memoria, como comenzará a comunicarse con sus padres y con el mundo. Modélicamente narrado, mediante vídeos domésticos, entrevistas y escenas cotidianas en la vida de Owen, a las que se suman escenas de animación, algunas de las cuales servirán para que conozcamos el vivo intelecto del joven, Life Animated fue magníficamente recibida por el público, quedando como segunda favorita en las votaciones de Americana. Finalista entre los quince últimos documentales con posibilidades de ganar el Oscar, ganó el premio a mejor dirección de documental en el pasado festival de Sundance.
Christine (Antonio Campos, 2016) Narrada y rodada de forma convencional, impecable, asistiremos a los últimos días de la periodista Christine Chubbuck, que decidió descerrajarse un tiro en la cabeza en directo en pleno informativo televisivo, encargándose además de que quedara grabado para la posteridad. Viviremos con ella la tensión de luchar por ascender en su puesto de trabajo. Presión. Sus constantes dolores abdominales. Presión. Su búsqueda continuada de noticias frescas. Presión. Su dolorosa soledad. Presión. Su profunda frustración. Presión. Presión hasta el momento final, inexorable de su suicidio, casi ritual, el día de su cumpleaños aportando, de paso con su acción, una noticia de impacto en total exclusiva para el informativo.
Con un magnífico diseño de producción que nos traslada, sin chirriar ni recurrir a tópicos, a los años setenta, Christine fue una de las películas más interesantes de Americana y todo un triunfo para su protagonista, la británica Rebecca Hall, que realiza un tour de force interpretativo merecedor de todos los reconocimientos.
Goat (Andrew Neel, 2016), producida por James Franco, que se reserva además una pequeña pero jugosa intervención interpretando a uno de esos psicópatas que tan bien le salen es una cinta violenta y dura, que nos introduce en el mundo de las estúpidas fraternidades universitarias, con sus iniciaciones, novatadas y humillantes pruebas de hombría repletas de alcohol y drogas, pero sobre todo de vejaciones.
Certain Woman (Kelly Reichart, 2016) nos narra tres historias protagonizadas por mujeres, independientes entre sí, amargas, tristes, que comparten personajes o escenario. Una abogada que tiene una difícil relación con un cliente; una mujer que pretende ganar dinero por métodos poco elegantes; y una cuidadora de caballos que se enamora de su profesora. Sensibilidad, elegancia y algunas saludables gotas de humor que cuenta con el concurso de Laura Dern, Kristen Stewart y Michelle Williams entre sus protagonistas principales sin olvidar, ni mucho menos, a Lily Gladstone, la enamorada ranchera que habla poco, pero dice todo con su dulce mirada.
Kicks (Justin Tipping, 2016) o el poder de los fetiches, en este caso unas Nike, para marcar el terreno, ganarse el respeto de los demás, para pertenecer a la tribu, para conquistar hembras. Un nuevo subidón de testosterona con esta cinta en la que su joven protagonista de 15 años, Brandon (Jahking Guillory), hará lo posible para recuperar las Nike Air Jordan que le ha robado un peligroso pandillero. Violencia callejera, droga, sexo y una narración en capítulos con títulos de canciones Rap. Bien narrada, dura, cuenta con la presencia de Mahershala Ali interpretando un papel casi idéntico al que interpretara en Moonlight (Barry Jenkins, 2016).
Wiener-Dog (Todd Solondz, 2016) es el retorno a la pantalla del siempre bienvenido Todd Solondz, del que desde que conquistara nuestros corazones con Bienvenidos a la casa de muñecas(Welcome to the Dollhouse, 1995) y nos creara adicción con Happiness (1998), no ha contado con muchas oportunidades en nuestras pantallas, así que hay que felicitar a Americana por permitirnos ver las peripecias de este perro salchicha, en las que se rodeará de personajes atormentados o, simplemente ridículos, junto a mariachis tristes. Todo ello para darnos un paseo por la vida y la muerte, hecho vital que en manos de Solondz resulta tan insignificante como la patética existencia de sus personajes, reflejo de nuestros vecinos o de nosotros mismos, que aquí no se libra nadie. Wiener-Dog ha ganado premios importantes en el Festival de Deauville y ha pasado por otros del prestigio de Sundace, Seattle o San Sebastián.
Y como broche de oro, aunque ya la vimos en el festival de Sitges, donde ganó el premio del jurado a la mejor película, quisimos volver a disfrutar de Swiss Army Man, una magnífica y también escatológica comedia satírica sobre la soledad. Cargada de negrísimos gags no aptos para todos los estómagos y canciones melódicas (sí, cantan), este delirio (o no) de un náufrago que convive con un cadáver al que poco a poco ve cobrar humanidad entra, para Serendipia, en ese selecto y reducido grupo de guiones descabellados que uno no sabe como se han llegado a proponer a un productor y, lo mejor, como se han llegado a rodar. Y resulta más increíble el que así haya sido tratándose del primer largometraje de sus directores, Daniel Scheinert y Dan Kwan. Paul Dano está magnífico pero Daniel Radcliffe sencillamente se sale. Créannos: no debe de ser nada fácil interpretar el papel que hace.
PREMIOS Y CONCLUSIONES
Americana es, por el momento, más una muestra que un festival. La película ganadora es la que obtiene mayor votación del público asistente. Y en esta ocasión este ha sido el orden de preferencias (siendo el tope 5):
Swiss Army Man – 4,41 Life Animated – 4,40 Christine – 3,89 James White – 3,88 Closet Monster – 3,85 Author: The JT Leroy Story – 3,81 LoveTrue – 3,79 Kicks – 3,72 Creative Control – 3,64 My Entire High School Sinking into the Sea – 3,59 Donald Cried – 3,59 Wiener-Dog – 3,57 Joshy – 3,55 Kate Plays Christine – 3,40 Certain Women – 3,31 Goat – 3,27 The 4th – 3,25 Another Evil – 3,23
Por su parte, el premio del jurado joven de La Casa del Cine ha sido para My Entire High School Sinking into the Sea, la película de animación del novelista gráfico Dash Shaw. En palabras del propio jurado: “la propuesta más innovadora técnicamente, y con su mensaje como metáfora del hundimiento del sistema educativo con la negligencia del poder.”
Americana contó con una gran afluencia de público, casi 6200 asistentes, un 20% ciento de incremento con respecto al pasado año. Y es que había auténticas ganas de ver algunos de los filmes programados, lo que dio pié a sesiones agotadas y salas llenas, y ello para un festival de estas características es todo un éxito. Pero es que Americana ofreció un catálogo de películas muy interesantes, algunas infinitamente más que muchos de los títulos que llegan a estrenarse en nuestras pantallas, algo que no deja de resultar curioso a la vez que triste. De esta edición tan solo Swiss Army Man ha llegado a estrenarse en salas españolas. Y de forma bastante restringida, todo hay que decirlo. Pero el éxito de público del festival, además de a la programación, hay que achacarlo a su buena difusión, excelente aquí el trabajo del departamento de prensa del festival que ha sabido hacer llegar a los medios el potencial de la muestra y ha fomentado así el papel de amplificadores que estos tienen (algo que no se da siempre en todos los certámenes). Una labor de equipo de la que nos hemos beneficiado todos.
Pocos problemas de última hora, buena organización y la siempre fantástica profesionalidad de los responsables de los Cines Girona, convierten Americana en toda una fiesta del cine. (fotos: Serendipia)
Nos complace comunicar que Herederos de la Bestia, el film documental homenaje a la película de Álex de la IglesiaEl día de la Bestia, llegará a los cines el 5 de mayo de la mano de La Aventura.
Herederos de la Bestia, dirigido por Diego López y David Pizarro, es una pieza documental compuesta de entrevistas a una serie de personalidades relacionadas con la película de Álex de la Iglesia, junto a numerosas figuras indispensables de nuestro cine, fotografías e imágenes de archivo. Esta película pretende reivindicar una de las obras primordiales del cine fantástico español contemporáneo, El día de la Bestia, una película que cambió el género en el cine español y que ha influido en numerosos realizadores de nuestro país. Santiago Segura, Terele Pávez, Arri & Biaffra, Saturnino García y Jorge Guerricaechevarría, entre otros, participan en este proyecto que ha contado con la colaboración del director bilbaíno.
Galardonado recientemente con el premio al mejor documental en el Paura – Festival de Terror de cine de Valencia, se ha podido ver en la últimas edición del Festival de Sitges, Zinema Zombie Fest (Colombia), Ventana Sur (Argentina) y VII Masacre en Xoco (México).
Próximamente se proyectará en:
– Festival de Málaga. Sábado 18 de marzo. 17h Teatro Echegaray
– C-FEM VI Festival de Cine Fantástico Europeo de Murcia. 31 de Marzo
– FANT XXIII Festival de Cine Fantástico de Bilbao. 6 de Mayo
Decía John Byrne que “no hay personajes malos”, cualquier héroe de cómic puede ser interesante si cae en las manos apropiadas. Y Héctor Caño piensa que Supersonic Man poseía el potencial necesario para sentar las bases del concepto del superhéroe en España, pero que se adelantó un par de décadas.
Creado para el cine por Juan Piquer Simón, que dirigió Supersonic Man en 1979, ya en su momento y gracias a la visión del merchandising que tenía el director valenciano, se editó un single con el tema principal de la película, todo un hit Disco Music, y se realizó asimismo una adaptación del filme al formato cómic book que ilustró el mítico historietista valenciano José Sanchís, creador de gato Pumby. Editado en cuatro entregas, que poco más tarde se reunieron en un solo tomo que utilizó como portada la ilustración del cartel cinematográfico, esa primera aventura tuvo continuidad en otra, ¡El retorno del Dr. Gulk!, totalmente original y realizada ex profeso para cómic que constó también de cuatro entregas. La propuesta, bastante infantil y poco atractiva, ya no tuvo continuidad… hasta ahora, ya que Héctor Caño, después de haber lanzado un cómic book gratuito en 2014 con una tirada de 3.000 ejemplares y otro, Supersonic Man Returns en formato virtual (que pueden ver aquí) se ha propuesto editar una serie regular dedicada al personaje que tendrá su punto de partida en primavera de este mismo 2017.
Así que estén preparados pues… ¡Supersonic Man emprende de nuevo el vuelo!
¡Que la Fuerza de las Galaxias sea contigo!
HÉCTOR CAÑO. Graduado por la Escuela de Cine de Madrid y licenciado por la Universidad de Castilla-La Mancha, se profesionalizó como ilustrador en 2005. Ha realizado diversos cortometrajes como Cervantes 21, Los fusilados de Goya y el paródico Super-Freaks. También ha realizado guiones y story-boards para diferentes producciones cinematográficas. Como autor de cómic, Héctor Caño ha publicado, entre otros, Legion Cosplay (Celya Editorial), Supersonic Man (Eneasbeat) y ha participado en la publicación colectiva, Manual para caminantes (Dolmen Editorial), que con una tirada de 10.000 ejemplares, se regaló a los asistentes a la Marcha Zombi de Madrid 2011, así como a los que acudieron al Salón del Cómic de Barcelona de ese año y en librerías especializadas. Tras una breve incursión en la literatura con la novela Los caballeros andantes para Visión Libros, recientemente ha publicado una adaptación de El entierro del conde de Orgaz.
Actualmente es profesor colaborador de la UCLM Vicerrectorado de Alumnos Alternativa Cultural, impartiendo talleres de cómic y guión de cine.
Podéis mandar vuestros cortos y largometrajes al TerrorMolins 2017 aquí:
Recordar también que las fechas para esta 36a edición están comprendidas entre el 10 y el 19 de Noviembre.
El festival también anuncia que cuenta con un nuevo e importante colaborador. Se trata de Movistar+, líder del sector de telecomunicaciones y sin duda uno de los mayores divulgadores del mejor cine y series a través de su plataforma para TV, que ha emitido por ejemplo películas como Turbo Kid o Bunny the Killer Thing o The House on Pine Street, presentes en la Selección Oficial de Largometrajes del TerrorMolins 2015.
Reus (Tarragona) acogerá del 29 de marzo al 2 de abril el XIX Festival Europeo de Cortometrajes FEC Festival, uno de los certámenes de referencia dedicados al cortometraje de ficción europeo. Además de ofrecer un punto de encuentro para directores, público y estudiantes de cine, el FEC Festival completa su programación con varias actividades paralelas tales como encuentros con realizadores, talleres o proyecciones especiales.
Este año el FEC Festival ha programado 25 filmes en sección oficial a competición (uno más respecto a las ediciones anteriores) pertenecientes a 17países, entre los que destaca la presencia de TimeCode de Juanjo Giménez (proyecto nacido en Reus, nominado en los Oscar 2017 en la categoría a mejor cortometraje), quien recibirá un homenaje durante la sesión inaugural además de un encuentro informal con su director en el Museo del Vermut de Reus.
El jurado de la XIX edición estará integrado por el ilustrador francés Serge Bloch, la directora de cine Mar Coll, el director inglés Gabriel Gauchet, la periodista y presentadora de televisión Elisenda Roca y por Marcello Zeppi, presidente del Festival Internacional de Cortometrajes de Montecatini (Italia). Como novedad, este año también se incorporará un jurado formado por jóvenes de diferentes institutos a fin de deliberar la entrega de los siguientes galardones: 1er premio al Mejor Cortometraje (3.500€), 2º premio al Mejor Cortometraje (2.000€), 3er premio al Mejor Cortometraje (1.000€), premio del Público al Mejor Cortometraje, premio Bigas Luna a la Mejor Historia, 1er premio al Mejor Microfilm (800€) y 2º Premio al Mejor Microfilm (500€), aparte del Premio al Mejor Cortometraje de Producción Catalana (1.500€) de la categoría Panorama CAT.
También, participarán 10 cortometrajes europeos dentro de la sección paralela Panorama, la cual reúne los trabajos que, pese a no haber estado seleccionados a concurso, destacan por su calidad y optan al premio del Público.
Futuros talentos
Pocas semanas antes de su comienzo oficial, el FEC Festival ya ha empezado a calentar motores con algunas de las actividades paralelas que ofrece para fomentar y estimular la creatividad entre los más jóvenes. El pasado 2 de febrero el FEC abrió la convocatoria para participar en el concurso deMicrofilms, al cual se han presentado más de 50 propuestas y que invita a cineastas -amateurs o no- a realizar un cortometraje de un minuto de duración, en un fin de semana y a partir de un tema concreto.
Además, en esta edición el público del FEC se dejará sorprender por nuevas actividades como el taller de animación colectiva La Parafernalia o la Caravana PUCK, el cine más pequeño del mundo, situada en mitad de la Plaza Mercadal de Reus, que ofrecerá sesiones gratuitas de cortometrajes de animación durante el sábado 1 de abril
Prosigue el goteo de noticias y confirmaciones sobre nuevos invitados para el 35 Salón del Cómic de Barcelona:
HERMANN HUPPEN
Conocido artísticamente como Hermann, fue reconocido el año pasado con el Gran Premio de la 43 edición del Festival Internacional de Angoulême, que quiso hacer justicia a la trayectoria de uno de los historietistas más reputados del panorama europeo. Nacido en un pequeño pueblo de Bélgica, en 1938, en los albores de la Segunda Guerra Mundial, la primera etapa de la vida de Hermann estuvo marcada por la contienda bélica. Mientras se formaba en la Academia de Bellas Artes de Saint-Gilles (Bruselas), trabajó como diseñador de interiores y ayudante de arquitectura y fue a su regreso de Canadá, donde residió tres años junto a su madre y a su hermano, cuando empezó a establecer contacto con el mundo de las viñetas. Publicó sus primeras historietas en revistas como Plein-feu o Tintín. En esta última vio la luz Comanche, en colaboración con el artista belga Greg, quien se convirtió además en uno de sus máximos valedores. Este western, que ha sido traducido a varios idiomas, es uno de los títulos más destacados de la trayectoria de Hermann. En España también se han publicado algunos de sus proyectos individuales, como Jeremiah (Planeta Cómic) o Las torres de Bois-Maury (Norma Editorial). Pero es ECC Editores quien, desde hace algún tiempo, ha venido engrosando el catálogo de sus obras en nuestro país, con títulos como Estación 16, un relato escalofriante y hermoso sobre el alto precio de los pecados del pasado, o Redención, western crepuscular adscrito en la tradición de los grandes clásicos del género. También han publicado El Coyote o Old Pa Anderson, un cómic que aborda de una forma muy personal temas como la justicia o el racismo; en ambas obras comparte la labor creativa con su hijo Yves H., que ejerce como guionista. La polifacética trayectoria de Hermann da sobrada cuenta de su interés por explorar continuamente nuevos géneros y temas, como demuestra Abominable, su última publicación con ECC Ediciones, en la que se desenvuelve con maestría en el género de terror. Este artista viene invitado en colaboración con ECC Ediciones.
LUCAS VARELA
Lucas Varela (Buenos Aires, Argentina. 1971), asiste al certamen barcelonés gracias a la colaboración de Ediciones La Cúpula. Varela es, sin duda, uno de los dibujantes más originales, completos y versátiles surgidos en Argentina en los últimos tiempos. Diseñador gráfico, infografista, ilustrador, artista plástico y, sobre todo, historietista, sus trabajos han recibido premios internacionales y son expuestos en museos y centros culturales. Ha sido diseñador gráfico en Argentina antes que cualquier otra cosa. Diseñó, por ejemplo, la revista Comiqueando, a la que llegó por casualidad pero donde poco a poco empezó a introducirse en la historieta. También diseñó animación para el canal Fox y decenas de ilustraciones promocionales para agencias de publicidad, obras de teatro, bandas de rock y bares temáticos.
Sus obras han sido publicadas en medios como Clarín, La Nación, TXT, Fierro, Rolling Stone, La Mano, Skorpio o La mujer de mi vida, entre otros. Para la revista infantil Genios, y bajo el seudónimo Mr. Zombi, ha realizado Ele, con guión de la dupla Trillo-Maicas. Para La Nación Revista creó Lolypop, junto a Gustavo Sala. Mientras hacía infografías para el periódico Clarín, comenzó la publicación del fanzine Kapop, una revista antológica donde se encargaba de toda la producción artística. Del submundo fanzinero de la época salió de la mano de Carlos Trillo, para quien dibujó El cuerno escarlata (2008), El síndrome Gustavino (2009) y Sasha despierta (2011), mientras realizaba trabajos propios que compiló en Estupefacto (2006) y Matabicho (2009). Su libro La herencia del coronel (Dibbuks), con guión de Carlos Trillo, fue nominado en la selección oficial del Festival de Angoulême en 2009. Desde 2012 reside en Francia, donde vieron la luz obras suyas como Paolo Pinocchio (Dibbuks, 2011), Diagnósticos (junto a Diego Agrimbau, 2013) y El día más largo del futuro (2016); las dos últimas publicadas en España por Ediciones La Cúpula. Actualmente colabora con sus ilustraciones para el periódico Financial Times. Podéis seguirlo en su página de Facebook www.facebook.com/SoyLucasVarela y en su perfil de Twitter @LucVarela.
SOLE OTERO
La ilustradora y diseñadora argentina Sole Otero (Buenos Aires, 1985), a quien ya conocimos en la pasada edición del Salón del Cómic, regresa a Barcelona para presentar su primera novela gráfica, Poncho fue, que de nuevo edita Ediciones La Cúpula, tras lanzar el año pasado su recopilación de tiras cómicas La pelusa de los días. Sole pasó la infancia y la adolescencia empapándose de historietas, de Mafalda y Astérix a Batman, pasando por el ilustrador rosarino O’Kif. Se graduó en Diseño Textil por la Universidad de Buenos Aires y lleva más de diez años haciendo del cómic, la ilustración y la creatividad su modo de vivir y de soñar. Además de colaborar con multitud de periódicos y revistas, Sole Otero ha ilustrado libros infantiles como A fada sonhadora, de la cantante Nana Toledo, o Ni se te ocurra, de Liza Porcelli Piuzzi. También forma parte del colectivo Chicks on Comics, que reúne a mujeres historietistas de distintas nacionalidades.
Si La pelusa de los días partía de una tira cómica que Sole —Solina para los amigos— empezó publicando en Internet, abordando la cotidianidad desde el sentido del humor, con Poncho fue la autora nos introduce de lleno en una tormentosa historia de amor de la que nadie saldrá siendo el mismo. Sole Otero asiste al Salón del Cómic de Barcelona invitada por Ediciones La Cúpula. Podéis seguirla en Twitter en la cuenta @Solina o en su blog http://solinaotero.blogspot.com.es.
El 35 Salón Internacional del Cómic de Barcelona tendrá lugar del jueves 30 de marzo al domingo 2 de abril de 2017 en los Palacios 1, 2.1, 4 y Plaza Univers de Fira Barcelona Montjuïc.
La venta anticipada de entradas se realiza exclusivamente desde www.ficomic.com
LAND OF MINE. BAJO LAARENA(Under Sandet, Martin Zandvliet, 2015)
Dinamarca / Alemania. Duración: 100 min. Guión: Martin Zandvliet Fotografía: Camilla Hjelm Productora: Amusement Park Films / Nordisk Film Género: Drama
Reparto: Roland Møller, Louis Hofmann, Mikkel Boe Følsgaard, Laura Bro, Joel Basman,Oskar Bökelmann, Emil Buschow, Oskar Buschow, Leon Seidel, Karl Alexander Seidel, Maximilian Beck, August Carter
Sinopsis: La guerra no acaba cuando se firma la paz. Cuando Alemania se rindió en 1945, en la costa occidental danesa comenzó otra dura batalla: la de los jóvenes soldados alemanes que fueron obligados a retirar miles de minas plantadas en la arena por el ejército nazi. Zandvliet muestra el maltrato infligido a esos prisioneros, un oscuro episodio de posguerra poco conocido.
Inspirada en hechos reales, descubre una historia muy poco conocida de uno de los momentos más trágicos y crueles sucedidos tras la Segunda Guerra Mundial en Dinamarca. Martin Zandvliet, es el guionista y director de una película narrada con muy buen pulso acentuado por sus momentos de tensión. Su tema, su punto de partida resulta lo suficientemente cruel como para saber que vamos a pasar un rato descorazonador y repleto de momentos tensos, duros y violentos. Más cuando vemos que el pelotón ‘enemigo’ está compuesto por adolescentes recién salidos de la niñez. Soldados a los cuales el uniforme les va muy grande y que son traídos desde Alemania para desempeñar esa peligrosa labor. Considerados poco menos que basura, cargarán con el odio y rechazo que se tiene por el país invasor. Su misión será desactivar 45.000 minas en una ruleta rusa mortal de la que sobrevivirán unos pocos.
En algunos momentos la cinta puede enmarcarse dentro del más puro cine de terror, pues tal es su desarrollo y punto de partida inicial. Pero afortunadamente el director y guionista prefiere no cargar del todo la acción en los cuerpos destrozados por las minas, pasando a presentarnos a los personajes, permitiendo que los conozcamos y nos encariñemos con ellos. Los papeles habituales se darán la vuelta y el enemigo, el soldado alemán, será el que se llevará nuestra simpatía ante el revanchismo de unos y la simple brutalidad de los otros.
Dura, emocionante, humana, Land of Mine. Bajo la arena es una cinta a disfrutar sin apartar la vista de la pantalla, pendiente de que, en cualquier momento, salte un nuevo drama humano por los aires. Resultará inevitable, por otro lado, que nos venga a la memoria aquel otro drama protagonizado por otra quinta del biberón alemana, El puente (Die Brücke, Bernhard Wicki, 1959).
Land of Mine. Bajo la arena tuvo su presentación mundial en el Festival de Toronto, continuó su periplo de festivales por Londres, Roma, Dubái y Sundance, y se ha alzado con los siguientes premios:
2016: National Board of Review (NBR): Mejores películas extranjeras del año
2016: Premios del Cine Europeo: Mejor fotografía, vestuario y maquillaje
2015: Festival de Gijón: Premio del público
2015: Academia de Cine Danés: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión Original, Mejor Fotografía, Mejor Montaje y el Premio del Público
2016: Festival de Rotterdam: Premio del público y del jurado joven
2016: Afi Fest de los Angeles: Premio del público
2016: Festival de Tokio: Premio al mejor actor
2016: Festival de Pequín: Premio al mejor actor
2015: Festiva lde Göteborg: Premio a la mejor película
2016: Película preseleccionada en la shortlist a los Oscar en la categoría de Mejor Película de Habla No Inglesa en representación de Dinamarca.
ELFUNDADOR (The Founder, John Lee Hancock, 2016)
USA Duración: 115 min. Guion: Robert D. SiegelMúsica: Carter Burwell Fotografía: John Schwartzman Productora: FilmNation Entertainment / The Combine; Distribuída por The Weinstein Company Género: Drama
Reparto: Michael Keaton, Laura Dern, Nick Offerman, Linda Cardellini, Patrick Wilson, B.J. Novak, John Carroll Lynch, Lauren Denham, Catherine Dyer, Ric Reitz, Wilbur Fitzgerald, Valeri Rogers, David Silverman, Abbey Ferrell, Tracy Goode, Franco Castan
Sinopsis: En los años 50, un vendedor de Illinois llamado Ray Kroc conoció a los hermanos Richard y Maurice McDonald que llevaban una hamburguesería al sur de California. Impresionado por la velocidad del sistema de cocina de su hamburguesería de San Bernardino, Kroc visualizó el potencial de la franquicia y hábilmente se fue posicionando para arrebatárselo a los hermanos y crear el hoy imperio de un billón de dólares. Así nació McDonald’s.
El Fundador es una historia de usurpación. De cómo la carencia de escrúpulos tiene premio y puede otorgar el billete de acceso a ese tan cacareado ‘sueño americano.’ Un magnífico ejemplo del tipo de valores que han tenido su cenit en el mismísimo presidente Trump. Se nos narra la historia de los triunfadores. Mostrando los cadáveres que reposan en los arcenes. Los McDonald’s llegan a perder hasta el apellido ante el depredador Ray Kroc. Al igual que los creadores de Superman, que hasta hace bien poco no obtuvieron reconocimiento (ni réditos) por su personaje; como Steve Ditko por diseñar a Spider-man; o incluso el propio creador de Kukuxumusu, todos ellos víctimas de triquiñuelas legales tras las que se encuentran sabandijas sin ningún tipo de moral. Es una historia sobre estos tiempos en los que los valores son los del dinero. Una historia de nuestros tiempos, que ha rodado John Lee Hancock con muy buen pulso y un impecable ritmo, al igual que lo hizo en su anterior trabajo, Al encuentro de Mr. Banks (Saving Mr. Banks, 2013) en el cual también se adentraba en los ‘hechos reales’ que rodearon, en esa ocasión, al rodaje de Mary Poppins y la intensa relación entre Walt Disney y la escritora P. L. Travers. Pero lo que allí era una anécdota, aquí es una reflexión nada estridente sobre lo que se entiende como triunfo y éxito en la vida. Una historia totalmente diferente, opuesta de la que nos contaba su guionista, Robert Siegel (por cierto, apellidado igual que uno de los creadores del hombre de acero) en El luchador(The Wrestler, Darren Aronofsky, 2008) de cuyo guión también es responsable. Allí su personaje era un hombre íntegro. Noble. Aquí un hipócrita sin escrúpulos. Allí muere antes que ceder. En la miseria, pero no claudica. Aquí muere de viejo, rico y con una mujer usurpada también, cual derecho de pernada.
Michael Keaton interpreta al inconformista Ray Kroc, mientras Nick Offerman y John Carroll Lynch (al que hemos visto recientemente en Jackie), encarnan a Dick y Mac, los innovadores hermanos McDonald. El reparto lo completan Laura Dern, en el papel de la primera mujer de Ray Kroc y Linda Cardellini, en el de la mujer de uno de los primeros franquiciados. Pero El Fundador es una película de un solo actor, ya que Keaton, al igual que hiciera en Birdman(A. G. Iñárritu, 2014) carga con todo el peso de la acción y, al igual que en la cinta de Iñárritu, lo hace de forma magistral.
LA COMUNIDAD DE LOSCORAZONES ROTOS(Asphalte, Samuel Benchetrit, 2015)
Francia Duración: 100 min. Guion:Samuel Benchetrit Música:Raphaël Fotografía: Pierre Aïm Productora:La Caméra Deluxe / Máje Productions / Single Man Productions / Emotions Films UK / Jack Stern Prouctions / Film Factory / Orange Cinéma Séries Género: Drama
Sinopsis: Un ascensor averiado. Tres encuentros improbables. Seis personajes insólitos. Un grandullón intratable y la frágil enfermera del turno de noche. Jeanne, una actriz en crisis y su joven vecino abandonado. Un astronauta americano perdido y la entrañable Sra. Hamida. Todos ellos seres solitarios unidos por un gran sentimiento de ternura, respeto y compasión.
Surtsey Films nos presenta esta fabulosa adaptación de la novela semi-biográfica Crónicas del asfalto, de Samuel Benchetrit, que también la ha dirigido. Un itinerario por la miseria y la estupidez humana, pero sobre todo por la soledad, que narrada en clave de saludable comedia, merecería no pasar desapercibida entre el maremágnum de los estrenos de esta semana. Ambientada en un gris bloque de pisos ubicado en el extrarradio de una ciudad anónima francesa, sus protagonistas, interconectados entre sí, serán objeto de venganzas del destino y momentos delirantes cargados de humor negro e ironía. Pero también de ternura y compasión por unos personajes que podrían habitar en la puerta de enfrente de nuestra casa. O ser nosotros mismos.
Entre sus protagonistas destaca la siempre eficaz Isabelle Huppert; el norteamericano Michael Pitt, cuyo físico permanece inalterable en la memoria del espectador por su papel en la versión americana de Funny Games(2007) de Haneke, y al que veremos pronto como protagonista de Ghost in the Shell; y Valeria Bruni-Tedeschi, de la que pudimos ver recientemente El capital humano.
YO NO SOYMADAME BOVARY(Wo bu shi Pan Jin Lian, Feng Xiaogang, 2016)
China Duración: 128 min. Guion: Liu Zhenyun (Novela: Liu Zhenyun) Música: Wei Du Fotografía: Luo Pan Productora: Sparkle Media / Huayi Brothers Género: Comedia
Reparto: Fan Bingbing, Dong Chengpeng, Fan Wei, Guo Tao, Li Zonghan, Zhang Yi, Liu Hua, Zhang Jiayi, Yu Hewei, Zhao Lixin
Sinopsis: Li Xuelian organiza un falso divorcio con el fin de conseguir un segundo apartamento, pero su marido se vuelve a casar de forma inesperada. Tras recurrir al juzgado sin éxito y ser acusada por su marido, Li se embarca en un absurdo viaje de diez años para restaurar su reputación.
El título chino original del filme, que se traduciría como Yo no soy Pan Jinlian, hace referencia a un personaje mítico que conspiró con su amante para asesinar a su marido. Todavía hoy, en China la gente se refiere a las mujeres “promiscuas” como Pan Jianlian. Para su título internacional, Yo no soy Madame Bovary, se ha escogido un nombre que simbolizó en Occidente el arquetipo de la “mala mujer y esposa. “ Y la película, de lo que trata, es de una mujer que lo que busca es justicia y recuperar el honor mancillado por su ex-marido, que la acusa de ser una Pan Jinlian. Para narrarlo, el director compone una deliciosa fábula que funciona como un cuento animado, al que ha otorgado también una estética innovadora: la obra se presenta dentro de un marco circular, creando una sensación de distancia y alienación. Pero también, gracias a la fotografía de Luo Pan, es toda una delicia para los sentidos.
La idea original del marco circular fue de su director, Feng Xiaogang. “Las pinturas de Literati durante la dinastía Song eran a menudo paisajes representados en rollos. Con una historia tan potentemente china, necesitábamos contarla de una manera muy china.” Cuando Feng fue a buscar localizaciones, los lugares que encontró a menudo carecían de carácter: “La composición de muchos lugares era simplemente desordenada, mal organizada, sin divisiones, algo que, como director y antiguo pintor, me molestaba”. Al encuadrar cada escena en un círculo, podía eliminar muchos elementos no deseados de cada escena, y hacer que el público se centre en los personajes. Cuando explicó su idea por primera vez a Luo Pan, el director de fotografía, se mostró realmente emocionado. “¡Si haces una película así, los directores de fotografía te amarán para siempre!” Y sin lugar a dudas se nota el amor con el que Pan se ha tomado su trabajo, al que otorgado una belleza sublime.
Curiosamente, el escritor de la novela en la que se basa la película, Liu Zhenyun, estuvo inicialmente en contra de la idea de encuadrar la acción en un círculo, creyendo que la tensión dentro de la historia de su novela era bastante fuerte por sí misma sin recurrir a tal innovación visual. Después de una larga negociación, Feng acordó rodar la película de las dos maneras, circular y 1: 1,66. Pero fue difícil porque la mentalidad necesaria para un marco circular es completamente diferente. El marco circular no sólo refleja la composición de las pinturas tradicionales chinas, sino que también proporciona un agujero para el público. Puesto que algo está ocurriendo claramente dentro del círculo, algo también debe estar pasando fuera de la vista. Esto abre muchas posibilidades creativas. Tanto los personajes como el público se pierden, con información incompleta, al igual que la propia Li Xuelian.
Con tono de comedia satírica, la cinta de Xiaogang es una delicada pieza de orfebrería cinematográfica. De estética impecable, no desecha realizar una crítica social, mostrando las corruptelas políticas y de partido que viven los personajes y reflejando el estilo de Feng de revelar la verdad subyacente bajo la superficie de todas las cosas.
2016: Festival de San Sebastián: Mejor película y actriz (Fan Bingbing)
2016: Festival de Toronto: Premio FIPRESCI (sección «Special Presentations»)
9 MESES (Keeper, Guillaume Senez, 2015)(BÉLGICA/SUIZA/FRANCIA, 2015)
Bélgica/Suiza/Francia. Duración: 95 min. Guion: David Lambert,Guillaume Senez Música: Marianne Roussy Fotografía:Denis Jutzeler Productora:Iota Production / Magellan Films / Mollywood Género: Drama
Sinopsis: Maxime (Kacey Mottet-Klein) y Melanie (Galatéa Bellugi) tienen 15 años. Se quieren. Juntos exploran su sexualidad con entusiasmo y torpeza. Hasta el día en que Melanie descubre que está embarazada. Maxime no acepta bien la nueva noticia, pero después se mentaliza y convence a Melanie para tenerlo.
Realista, emotiva y temperamental, con los sentimientos a flor de piel, tal y como corresponde a un amor adolescente, con esta cinta Guillaume Senez nos introduce en un mundo de inconsciencia, redes sociales, teléfonos móviles y videojuegos, a lo que se les sumará, sin pretenderlo, el misterio de la gestación. Niños teniendo niños. Y todo será realizado de una forma realista, casi traumática, pero también muy inteligente. Sin posicionarse ni posicionarnos, Senez nos muestra los hechos prescindiendo de mensajes, denuncia o lección moral.
Director de tres cortometrajes vistos en prestigiosos festivales (Squaring, In Our Blood, UHT), Guillaume Senez gestó su primer largo, 9 meses, a partir de la idea de querer reflejar la adolescencia tal y como es, en toda su belleza y complejidad. Senez quería transmitir la alegría del amor adolescente y a su vez, su fragilidad, haciendo honor a los sentimientos que imperan en esa etapa de la vida. Con un estilo realista, el director apostó por seguir muy de cerca a los personajes, (al chico, Maxime, en particular), y ver cómo se desenvolvían en cada situación, dejando cierto margen a los actores para improvisar y explorar. Senez nunca les dió un guión escrito pues antes que nada, buscaba la honestidad pura en las interpretaciones.
Kacey Mottet-Klein, un jovencísimo actor con una trayectoria cinematográfica destacable (Gainsbourg (vida de un héroe), Sister, Primavera en Normandía, Cuando tienes 17 años) y nominado al César y a los Premios Lumière en más de una ocasión, interpreta a Maxime, el adolescente obcecado en tener al pequeño. Galatéa Belugui (À 14 ans) es Mélanie, su novia. Completan el reparto Laetitia Dosch (Mi amor) y Catherine Salée (La vida de Adèle).
9 meses ha pasado por múltiples festivales como Locarno, Toronto, Sevilla y Rotterdam y ha recibido reconocimientos en el Festival de Torino (mejor película), el Festival de Varsòvia (Mención especial del jurado), el de Hamburgo (Premio al talento Joven) y el de Taipei (Mención especial del jurado), entre otros.
KONG: LA ISLACALAVERA(Kong: Skull Island, Jordan Vogt-Roberts, 2017)
USA/Vietnam Año: 2017 Duración: 120 min. Guion: Dan Gilroy,Max Borenstein Música: Henry Jackman Fotografía: Larry Fong Productora: Warner Bros. Pictures / Legendary PicturesGénero: Fantástico
Reparto: Tom Hiddleston, Brie Larson, Samuel L. Jackson, John Goodman, John C. Reilly,Toby Kebbell, Thomas Mann, Corey Hawkins, Jason Mitchell, Shea Whigham, John Ortiz, Eugene Cordero
Sinopsis: Un equipo de exploradores y militares es reunido para aventurarse en el interior de una isla del Pacífico que no aparece en los mapas, sin saber que están invadiendo los dominios del mítico King Kong.
De nuevo el viejo Kong despierta de su letargo y lo hace, afortunadamente, con una cinta que merece todos los elogios. Ingeniosa, bien estructurada, con un guión muy bien hilvanado, la acción muy medida y, lo que es mejor, ofrecida de tal forma que puede disfrutarse, lejos de esa moda que parece imperar en las cintas de acción norteamericanas en las cuales todo es tan fugaz, tan rápido, que no nos permite apreciar lo que está sucediendo en pantalla. Espectacular, colosal, esta brillante cinta de aventuras es de las que se disfrutan con asombro y maravilla. Con la boca abierta
Ambientada en los años setenta, coincidiendo con el final de la guerra de Vietnam, una expedición de científicos, acompañada de militares provenientes precisamente de Vietnam (al mando del coronel Packard, interpretado por un sobreactuado Samuel L. Jackson), se internarán en la Isla Calavera, un lugar invisible en los mapas pero ubicado en algún lugar del Pacífico. Allí tendrá lugar la acción, mucha acción, tensión sexual incluida, entre James Conrad, el duro rastreador que interpreta Todd Hidleston y Mason Weaver, la fotógrafo de prensa que encarna la muy convincente Brie Larson. Weaver, como no podría ser de otra forma, también se ganará el afecto del enorme gorila, aunque este espinoso tema se ha enfocado de una manera más casta que en otras versiones: ella sabrá ver la soledad que encierra la triste mirada del fiero Kong.
El único personaje femenino del grupo, junto con una científica japonesa que está poco más que de adorno, no se limitará a chillar y correr delante de los monstruos para ser rescatada por el héroe, muy al contrario, luchará activamente e incluso será la que salve el pellejo del galán. Y es que, afortunadamente, los tiempos han cambiado y, no en vano tras su aventura en Isla Calavera, Brie Larson se calzará las mallas de la Capitana Marvel para participar en la próxima aventura de Los Vengadores.
Y Kong. Sobre todo Kong que, con una imagen más cercana a la del gorila original de 1933, resulta ser toda una fuerza de la naturaleza que nos llegaremos a creer junto a las arañas, saurios y búfalos gigantescos que inundan la pantalla, en la que habrá lugar también para un guiño a Ruggero Deodato y su Holocausto Caníbal, Infierno en el Pacífico yApocalipsis Now, ya desde el cartel original. Todo lo que, junto a una magnífica selección de temas Rock de la época que parecen sonar mejor que nunca, y unos personajes muy bien perfilados, completarán esta convincente propuesta cinematográfica.
Finalmente conviene aclarar para los que, como servidor, no estaban muy al tanto de esta película, que no guarda ningún tipo de continuidad con la que Peter Jackson dirigió en 2005. Su director Jordan Vogt-Roberts (de aspecto muy hipster, no se puede ser perfecto) con tan solo un largometraje más en su haber, ha realizado un muy competente trabajo que deja altas las expectativas respecto a las nuevas entregas que se sumarán a este Monsterverse, del que Kong: La Isla Calavera es un nuevo comienzo. Como podrán ver los espectadores que vean la totalidad de los créditos finales del filme, esta cinta tendrá una continuidad que enlazará con los populares Kaiju Eiga japoneses, concretamente con Godzilla, Mothra, Rodan y King Ghirodah, que protagonizarán, presumiblemente, Godzilla, King of Monsters, cinta que tiene anunciado su estreno para dentro de dos años y que precederá al esperado encuentro entre Kong y Godzilla. Una entente americano-japonesa que, en vista de los resultados obtenidos con este Kong: La Isla Calavera, nos atrevemos a decir que será realmente emocionante.
¡Ahora sí! Ya disponibles dos nuevas ediciones: un pack doble DVD de Robogirls con chicas robot luchando contra el crimen, masacrando cyborgs y quitándose la ropa a la mínima, y el thriller indio protagonizado por Chiranjeevi, al fin con toda la acción y desparrame, por primera vez subtitulado y remasterizado. ¡Éxito en la Cutrecon 2017! (MUY IMPORTANTE: del 10 al 26 no se enviarán pedidos)
Triple Sesión Robogirls (2 DVD)
ROBOTRIX (Jamie Luk, 1991) Con Billy Chow, Amy Yip. (VOSE, 16:9)
LADY BATTLECOP (Akihisa Okamoto, 1990) Con Azusa Nakamura, Kisuke Yamashita. (VOSE, 4:3 original)
ROBOFIGHTER LIBERATOR (Motoharu Takauji, 2014) Con Mai Miori, Masahiro Yoshino. (VOSE, 16:9)
El futuro es cosa de las chicas robots. En esta edición de 2 DVD, nuestras androides favoritas limpian la ciudad del crimen, masacran violadores, eliminan asesinos, practican kung fu y se entregan a los placeres carnales. Ciencia-ficción espectacular cargada de acción, efectos especiales y desparrame.
Contenidos adicionales: Blue Swat, the Movie (película completa), Giga Robogirls, trailers originales, fichas técnicas.
EDICIÓN NUMERADA Y LIMITADA A 100 COPIAS.
NO SE VENDE EN TIENDAS.
Precio: 15 euros (gastos de envío incluídos).
Golimar, the movie
GOLIMAR, THE MOVIE (A. Kodandarami Reddy, 1985)
¡El Michael Jackson indio llega a Trash-o-Rama! Protagonizada por el icono del cine de culto, Chiranjeevi, Golimar the moviees un festival de kung fu, canciones bizarras y bigotes sobrenaturales. ¡Uno de los grandes éxitos de la Cutrecon 2017!
El pasado 4 de marzo se celebró en la Fábrica Damm, con una nutrida asistencia de público, bloggers y representantes de la industria cinematográfica, la primera gala de presentación de nominados a los Blogos de Oro, evento presentado por el cómico Víctor Parrado en el que, entre otras muchas cosas, pudo verse el nuevo spot de la gala virtual, que está narrado por el actor de doblaje Jordi Brau y que tendrá lugar el día 26 de marzo a las 17:00 en el hashtag de twitter #BlogosDeOro.
La lectura de nominados corrió a cargo del director Javier Ruiz Caldera, y de las actrices Ann Perelló y Betsy Túrnez. Los nominados a los premios Blogos de Oro 2017 son:
Mejor Actriz en una serie
Aura Garrido por “El ministerio del tiempo”
Evan Rachel Wood por “Westworld”
Lena Headey por “Juego de tronos”
Millie Bobby Brown por “Stranger Things”
Winona Ryder por “Stranger Things”
Mejor Actor en una serie
Benedict Cumberbatch por “Sherlock”
Kevin Spacey por “House of Cards”
Jude Law por “The Young Pope”
Wagner Moura por “Narcos”
Brays Efe por “Paquita Salas”
Mejor Serie española
Águila Roja
Cuéntame cómo pasó
El ministerio del tiempo
Paquita Salas
Vis a vis
Mejor Serie
Juego de tronos
Narcos
Stranger Things
The Young Pope
Westworld
Mejor Banda sonora Taste of America
Cliff Martinez por “The Neon Demon”
Fernando Velázquez por “Un monstruo viene a verme”
Jóhann Jóhannsson por “La llegada”
Justin Hurwitz por “La ciudad de las estrellas (La La Land)”
Varios artistas por “Sing Street”
Mejor Película de animación Cuernavilla
¡Canta!
Buscando a Dory
Kubo y las dos cuerdas mágicas
La tortuga roja
Zootrópolis
Mejor Actor de reparto
Aaron Taylor-Johnson por “Animales nocturnos”
Carlos Santos por “El hombre de las mil caras”
Javier Pereira por “Qué Dios nos perdone”
Jeff Bridges por “Comanchería”
Mahershala Ali por “Moonlight”
Mejor Actriz de reparto
Felicity Jones por “Un monstruo viene a verme”
Jena Malone por “The Neon Demon”
Michelle Williams por “Manchester frente al mar”
Ruth Díaz por “Tarde para la ira”
Viola Davis por “Fences”
Mejor Actor principal
Antonio de la Torre por “Tarde para la ira”
Casey Affleck por “Manchester frente al mar”
Jake Gyllenhaal por “Animales nocturnos”
Roberto Álamo por “Qué Dios nos perdone”
Ryan Gosling por “La ciudad de las estrellas (La La Land)”
Mejor Actriz principal
Amy Adams por “La llegada”
Carmen Machi por “La puerta abierta”
Emma Stone por “La ciudad de las estrellas (La La Land)”
Isabelle Huppert por “Elle”
Natalie Portman por “Jackie”
Mejor Guión
Damien Chazelle por “La ciudad de las estrellas (La La Land)”
David Pulido y Raúl Arévalo por “Tarde para la ira”
Eric Heisserer por “La llegada”
Taylor Sheridan por “Comanchería”
Tom Ford por “Animales nocturnos”
Mejor Película española
Kiki, el amor se hace
La propera pell (La próxima piel)
Qué Dios nos perdone
Tarde para la ira
Un monstruo viene a verme
Mejor Cortometraje Estrella
Leica story
Mañana
Sputnik
You’re Gonna Die Tonight
Zona-84
Mejor Director
Damien Chazelle por “La ciudad de las estrellas (La La Land)”
Denis Villeneuve por “La llegada”
J. A. Bayona por “Un monstruo viene a verme”
Park Chan-wook por “La doncella (The Handmaiden)”
Raúl Arévalo por “Tarde para la ira”
Mejor Baratometraje
Bienvenido Mr. Heston
Julie
Madrid, Above the Moon
La madriguera
Seis y medio
Mejor Película
Animales nocturnos
La ciudad de las estrellas (La La Land)
La doncella (The Handmaiden)
La llegada
Tarde para la ira
La Federación de Gremios de Editores de España (FGEE) y el Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya han alcanzado un acuerdo de colaboración para que autores y representantes del sector audiovisual estudien la posible adaptación de obras literarias a películas de género fantástico. A través de este acuerdo, que firmaron ayer dirigentes de ambas organizaciones, el Festival se convertirá también en un foco de interactuación entre los universos del cine y editorial. La 50ª edición del Festival de Sitges se celebrará del 5 al 15 de octubre acompañada de una programación especial.
La iniciativa está bautizada como Taboo’ks y tiene como objetivo que productores cinematográficos y autores estudien las posibilidades de convertir obras literarias en proyectos audiovisuales. El acuerdo pretende generar oportunidades a ambos sectores y, paralelamente, potenciar Sitges como plataforma para la promoción no sólo de las obras de la industria cinematográfica, sino también para otras industrias culturales afines. Entre las actuaciones programadas este año también figura la celebración de una clase magistral en Sitges a cargo de una figura simbólica de la literatura y el cine. Precisamente, este 2017 la novela adaptada en numerosas ocasiones al cine Drácula, de Bram Stoker, será uno de los ejes argumentales del Festival de Sitges, coincidiendo con los 25 años del estreno de la mítica adaptación de Francis Ford Coppola.
El Sitges – Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya –que es el principal festival de cine fantástico del mundo– ha abierto su foco en los últimos años a la presencia de la industria, que participa en encuentros, foros y plataformas de venta de proyectos audiovisuales. El Festival, al mismo tiempo, también tiene una completa programación paralela en la que aborda otras disciplinas culturales de género fantástico, como series, cómic, arte o literatura. La suma de ambos perfiles aporta proyección y recorrido a esta iniciativa. De hecho, el proyecto firmado hoy supone el primer paso para que el Festival se convierta en un mercado de derechos literarios internacional focalizado en el género fantástico, en una línea similar a la aplicada por otros certámenes de primer nivel, como Cannes y Berlín.
El acuerdo se firmó ayer, por parte del presidente de la de la Federación de Gremios de Editores de España, Daniel Fernández, y el director de la Fundació Sitges Festival Internacional de Cinema de Catalunya, Xavier Duran.
Según el presidente de la Federación de Gremios de Editores de España, Daniel Fernández, “existe una clara vinculación entre el mundo editorial y el mundo audiovisual. Todos tenemos en mente muchas grandes películas o series de televisión que han adaptado obras literarias. Abrir una vía de colaboración con un festival internacional de la importancia del de Sitges nos ofrece nuevas oportunidades de negocio para las editoriales y un punto de encuentro para ambos sectores culturales”.Por su parte, el director de la fundación organizadora del Festival, Xavier Duran, “este acuerdo refuerza la condición del Festival como punto de encuentro de representantes de la industria cinematográfica en búsqueda de nuevas oportunidades y, paralelamente, nos permite ampliar nuestra presencia en otros territorios de la creación”. El dire ctor del Festival, Ángel Sala –que este año cumple su decimosexta edición al frente del certamen– ha subrayado el papel que “Sitges ejerce como cita imprescindible y punto de encuentro de los fans del cine, pero también de los amantes de otros consumos culturales en los que el fantástico tiene un papel relevante”.
Esta iniciativa se une a la acordada por la FGEE y la Asociación Madrileña Audiovisual que dará lugar en la próxima edición de LIBER, la Feria Internacional del Libro, el proyecto denominado Rodando páginas, cuyo objetivo es convertirse en punto de encuentro entre editores, agentes literarios y responsables de la industria audiovisual para explorar vías de colaboración en ámbitos como el cine, la televisión, el teatro, la novela gráfica o los videojuegos. La primera edición de Rodando páginas se desarrollará entre el 4 y el 6 de octubre en Madrid.
Estamos ante la mayor crisis migratoria desde la Segunda Guerra Mundial. El 55% de los refugiados son mujeres y niños. La película LA LUZ DE ELNA, en colaboración con CRUZ ROJA, quiere recuperar la dignidad de todos ellos.
Apoya el manifiesto y Demos Luz para cambiar su situación.
MANIFIESTO #DEMOSLUZ
Como consecuencia de las guerras y conflictos en Siria, Afganistán, Irak y algunos países de África, asistimos actualmente a la mayor crisis de refugiados desde la Segunda Guerra Mundial. De hecho, la situación se ha ido agravando de forma considerable desde principios de 2015, con la llegada masiva a costas europeas de personas que huyen de zonas en conflicto.<
Desde 2015 hasta lo que llevamos de año, han entrado por el Mediterráneo un total de 2.584.618 personas. Son miles, sin embargo, los que no consiguieron llegar a la costa y perdieron su vida en el mar. Cabe destacar, además, que de la enorme cantidad de refugiados que piden asilo en Europa, el 55% son mujeres y niños, que se encuentran en una situación de especial vulnerabilidad. Se cuentan por cientos de miles el número de niños y mujeres cuyas vidas están en peligro, permanentemente amenazadas, y que huyen de la pobreza y la miseria provocada por la guerra. Son el colectivo más expuesto, y los más vulnerables entre estos son los menores no acompañados y las mujeres embarazadas.
Desde hace más de 150 años, Cruz Roja Española lleva a cabo una intensa labor con los colectivos en riesgo de exclusión social, entre ellos las personas inmigrantes y los refugiados, en virtud de su compromiso con las personas más vulnerables. En concordancia con los principios del Movimiento Internacional de la Cruz Roja y de la Media Luna Roja, brindamos apoyo de acuerdo con las vulnerabilidades y necesidades, independientemente del estatuto legal de las personas a las que asistimos.
Por ese motivo, con la campaña «Demos Luz» necesitamos tu apoyo en favor de:
1. El derecho de los niños refugiados a una infancia protegida y feliz.
Actualmente, 1 de cada 3 refugiados son niños. Muchos de ellos emprenden el viaje solos o se han quedado aislados de sus familias durante el viaje.
2. El derecho de las refugiadas embarazadas a dar a luz en condiciones seguras.
Es urgente para ellas una atención ginecológica adecuada y la instalación de maternidades en los campos de refugiados.
3. El derecho a la protección de las familias refugiadas
La familia es el elemento natural y fundamental de la sociedad, y tiene derecho a su protección. Es necesario preservar el derecho a ser madre y padre, y formar, mantener y desarrollar una familia.
Puedes apoyar este manifiesto y ver el vídeo de la campaña a través del enlace: www.demosluz.com Compártelo en tus redes sociales para que todos #DemosLuz.
La película LA LUZ DE ELNA está basada en hechos reales ocurridos durante la Segunda Guerra Mundial y en la posguerra Civil española y narra la proeza de Elisabeth Eidenbenz, una maestra suiza que fundó la Maternidad de Elna para poder ofrecer a las mujeres refugiadas embarazadas unas condiciones dignas en las que dar a luz. En los campos de internamiento morían 9 de cada 10 bebés. En los 5 años que pudo mantener abierta la Maternidad, consiguió traer al mundo a 595 niños, que de no haber sido por su iniciativa, habrían sido condenados a una muerte segura.
LA LUZ DE ELNA es una película para televisión. El guion es de Margarita Melgar, está dirigida por Sílvia Quer y protagonizada por Noémie Schmidt, Nausicaa Bonnín, Natalia de Molina, Blanca Romero y Nora Navas.
La película se emitirá próximamente en TV3, TVE y Canal Sur.
Sinopsis: Sur de Francia, 1942. Después de tres años devolviendo su dignidad a las madres internadas en los campos de refugiados y salvando las vidas de sus bebés, la Maternidad de Elna ha sido condenada al cierre por las autoridades francesas. Su directora, Elisabeth Eidenbenz, sus colaboradoras y las madres a las que han ayudado harán todo lo posible por impedirlo.
LA LUZ DE ELNA es una producción de DISTINTO FILMS en coproducción con TELEVISIÓ DE CATALUNYA, BOHEMIAN FILMS, PRODUCCIONES CIBELES, RADIO TÉLÉVISION SUISSE, RADIO TELEVISIÓN ESPAÑOLA, y con la participación de CANAL SUR RADIO Y TELEVISIÓN.
La distribución internacional es de BETA FILM.
Helena (Clara Lago) lleva preparándose para una misión de supervivencia desde que nació. Aunque ella no lo sabe, forma parte de un ensayo científico de gran envergadura.
Su destino cambiará cuando Álex (Álex González) se cruce en su vida y le haga descubrir una nueva realidad, totalmente inimaginable para ella. Pero la historia de amor en la que ambos se embarcan, pondrá en riesgo un experimento de vital importancia para toda la humanidad…
ÓRBITA 9 es el debut en la dirección de largometrajes de Hatem Khraiche, que también firma este original guion. Una película con una atmósfera única gracias, entre otros, a la fotografía de Pau Esteve (Sufragistas, Caníbal, Buried), a un muy cuidado diseño de producción de la mano de Íñigo Navarro (Vicky Cristina Barcelona, El orfanato, El maquinista) y a la música deFederico Jusid (El secreto de sus ojos, y las series Isabel y Carlos, Rey Emperador).
Para el director “Órbita 9 es un trepidante thriller romántico. Una historia de amor que se desarrolla en el contexto de un experimento científico a escala planetaria. Impulsada por las difíciles decisiones que deben tomar sus protagonistas, la película reflexiona sobre el estado al que hemos llevado al planeta Tierra y se pregunta cómo nos afectará traspasar su punto de no retorno”.
Rodada en Medellín, Bogotá, Vitoria y San Sebastián, ÓRBITA 9 es una producción de Cristian Conti (Cactus Flower Producciones), Miguel Menéndez de Zubillaga (Mono Films), Orbita9 Films AIE y Movistar+; con la colaboración de Dynamo y la participación de TVE y Movistar+. Será distribuida por Filmax.
De la tramoya a la escena y de la escena a la vida, la cámara de Asghar Farhadi circula con elegancia ese espacio real pero (sobre todo) metafórico. Mientras representan Muerte de un viajante y tras enfrentar una experiencia traumática el matrimonio de Emad (Shahab Hosseini)y Rana (Taraneh Alidoosti)hace aguas. La elección de la pieza de Arthur Miller no es azarosa, como el propio director confiesa: «Leí ‘Muerte de un viajante’ siendo estudiante. Me marcó profundamente, quizá por sus reflexiones sobre las relaciones humanas. Es una obra teatral muy rica, que ofrece lecturas múltiples. La dimensión más importante me parece la crítica social de un periodo histórico en el que la rápida transformación de la América urbana destruyó a una clase social. Toda una categoría de personas que no supieron adaptarse a la inesperada modernización fueron literalmente aplastadas. En ese sentido, la obra guarda muchos paralelismos con la situación actual en mi país. Las cosas cambian a la velocidad del rayo y no queda más remedio que adaptarse o morir. La crítica social que forma el núcleo de la obra sigue siendo válida en Irán. Otra dimensión de la obra es la complejidad de las relaciones sociales en el seno de la familia, sobre todo en la pareja formada por el viajante y Linda, su mujer. En la obra hay una fuerte atracciónemocional, y eso hace que además de conmovedora, también obligue al público a reflexionar sobre temas muy sutiles. En cuanto decidí que los personajes de la película estarían en una compañía teatral y que prepararían una obra, pensé que el drama de Miller era muy interesante porque me permitía establecer un paralelismo con la vida personal de la pareja en el centro de la historia. En el escenario, Emad y Rana hacen los papeles del viajante y de su mujer. En la vida real, sin saberlo, se encontrarán con el viajante y su familia, y deberán decidir su destino«. En esta respuesta Farhadi condensa todo el sentido de su último y multipremiado filme. Y es que una vez más el cineasta iraní atropella la comodidad de una joven pareja de clase media para enfrentarse a una situación dramática, hundiéndonos de lleno en la complejidad humana.
El viejo Irán se hunde, como la vivienda que se ve obligada a abandonar la joven pareja en el inicio del filme, y hay que encarar esta situación y sus consecuencias. En su nueva residencia Rana es asaltada en su intimidad por un cliente de la antigua inquilina (de cuya «profesión» no fueron advertidos), episodio que hará tambalear su cómoda existencia de clase media. Un choque de trenes que da cuenta de la complejidad de un mundo en el que la realidad de sus mujeres define los recovecos más disfuncionales de la sociedad iraní. Así,El viajantepuede ser leída en forma de retrato social (un retrato crítico además), pero a la vez funciona como fábula moral. La agresión a Rana será vista como una afrenta al honor familiar, mancha que sólo podrá expurgarse tomando cumplida venganza.
El cine siempre ha sido una ventana privilegiada desde la que asomarse a otros mundos y culturas. A través del séptimo arte recibimos noticia de los rasgos particulares que las definen, pero, más allá de ello, lo que alcanzamos a descubrir es la universalidad de los sentimientos y aflicciones. El viajante cumple totalmente con esta premisa. La situación de la mujer es más opresiva en Irán (en ningún momento vemos el cabello de las actrices, por citar un ejemplo llamativo), pero no dejamos de comprender sus reticencias a denunciar lo sucedido ante el temor de ser criminalizada en vez de apoyada. También podemos sentirnos en la piel de Emad, lesionado en su amor propio y sediento de reparación de su honor mancillado, mucho más obsesionado que la propia Rana, que en verdad se irá sintiendo acosada por la incapacidad de su esposo para recuperar la normalidad. Pero, sobre todo, es universal la enseñanza de la película: la persecución y consumación de la venganza nos convierte en monstruos. La venganza no repara nada, lejos de ello nos sume en la inmundicia y nos degrada ante nosotros y ante los demás. Impagable el plano final en el que comprendemos que todos los puentes entre marido y mujer se han hundido irreversiblemente.
Como de costumbre, Asghar Farhadi propone una película humanista, sencilla y poderosa, en la que el drama familiar se sirve bajo fórmula de thriller, con un guion implacable en el que cada pieza encaja sin que el espectador se dé cuenta, sin que los personajes midan las consecuencias en su existencia.
La carrera del doblemente oscarizado, cuya formación fue en dirección escénica y teatro, se ha desarrollado de forma inmejorable. Con siete largometrajes en su filmografía, Farhadi se ha convertido en un importante referente del cine iraní contemporáneo. Tras realizar exitosos y reconocidos títulos como A propósito de Ellyy Nader y Simin, una separación (con la que obtuvo el Oscar en 2012), también ha cultivado su proyección internacional, lo que le llevó a rodar en Francia El pasado, y actualmente a desarrollar posiblemente su próximo proyecto en España.
Asghar Farhadi fue representado en la última gala de los Oscars por Anousheh Ansari, una ingeniera conocida por ser la primera mujer turista espacial, y Firouz Naderi, un reputado científico que trabajó para la NASA, ambos iraníes-estadounidenses. A pesar de no haber asistido a la ceremonia -en respuesta a las restrictivas políticas migratorias que Estados Unidos ha aplicado recientemente, Asghar Farhadi ha manifestado sus sentimientos de agradecimiento a través del discurso que Anousheh Ansari leyó en su nombre: “Es un gran honor recibir este valioso premio por segunda vez. Me gustaría agradecer a los miembros de la academia» (…) “Siento no estar con vosotros esta noche. Mi ausencia se debe al respeto hacia la gente de mi país y de otros 6 países que han sido humillados por la inhumana ley que prohíbe la entrada de inmigrantes a Estados Unidos”(…) “Dividir el mundo entre las categorías de ‘nosotros’ y ‘nuestros enemigos’ crea miedo y una lamentable justificación para la agresión y la guerra» (…) “Los cineastas pueden emplear sus cámaras para captar cualidades humanas comunes y romper estereotipos sobre sus nacionalidades y religiones, crear empatía entre ´nosotros’ y ´otros’, una empatía que necesitamos hoy más que nunca”.
2016: Premios Oscar: mejor película de habla no inglesa
2016: Globos de Oro: Nominada a mejor película de habla no inglesa
2016: Festival de Cannes: Mejor actor (Shahab Hosseini) y mejor guión
2016: National Board of Review (NBR): Mejor película de habla no inglesa
2016: Critics Choice Awards: Nominada a mejor película de habla no inglesa
2016: Festival Internacional de Valladolid – Seminci: Sección oficial
2016: Satellite Awards: Mejor película de habla no inglesa
El 35 Salón Internacional del Cómic de Barcelona engrandece la lista de invitados con autores de superhéroes y de otros géneros de primer nivel. Es un grupo de autores de cómics de superhéroes que trabajan en diversos géneros y estilos que encabeza Dave Gibbons, dibujante de Watchmen con guión de Alan Moore, obra que le valió ganar los premios más importantes del cómic. Otro de los autores que destaca es Gene Ha, un dibujante clave del universo DC de superhéroes, mientras que Jill Thompson es una autora con una heterógena y brillante carrera en el mundo del cómic que presenta su novela gráfica Wonder Woman: La verdadera amazona, en un año que esta superheroína será también una estrella en la gran pantalla. Todos estos autores asisten al Salón Internacional del Cómic de Barcelona en colaboración con ECC Ediciones.
Además, esta editorial trae por su cuenta a otros importantes autores. Mitch Gerards es un dibujante que ha desarrollado un interesante trabajo con diversos registros y que ahora presenta el primer tomo de El Sheriff de Babilonia, ambientado en el Bagdad post Saddam Hussein. Por su parte Yancey Labat aporta originalidad al mundo de los superhéroes al dibujar los cómics de las DC Super Hero Girls, donde tras el éxito de la serie de animación en la pequeña pantalla se ha convertido en un fenómeno global.Dave Gibbons inició su carrera en el mundo del cómic en 1973. Frecuente colaborador de la revista 2000 AD, ilustró seriales tan reconocidos como Harlem Heroes, Dan Dare y Rogue Trooper para esa publicación. Gibbons también ha trabajado en las populares aventuras del Doctor Who, y en 1982, gracias al editor Len Wein, dio comienzo a su asociación con DC Comics, dibujando la serie Green Lantern; empezaría a colaborar con Alan Moore en las historias de Superman y los Green Lanterns incluidas en las páginas de Grandes autores Superman: Alan Moore – ¿Qué fue del Hombre del Mañana? y otras historias y Green Lantern de Geoff Johns núm. 02.
Pero si hay una historia que marca la bibliografía conjunta de Dave Gibbons y el Bardo de Northampton, esa es Watchmen. La que probablemente sea la mejor historia de superhéroes de todos los tiempos fue galardonada tras su lanzamiento en diversas categorías de los premios Kirby, Harvey, Eisner e incluso el Hugo, jamás otorgado a ningún cómic hasta entonces. Watchmen fue la única novela gráfica incluida en la lista de la revista TIME de las mejores 100 novelas publicadas en lengua inglesa desde 1923. La influencia de Watchmen ha llegado hasta nuestros días, gracias al evento Antes de Watchmen y, sobre todo, como pieza fundamental de la gran historia-río que Geoff Johns está desarrollando en el seno de la nueva etapa del Universo DC, Renacimiento.
Tras el éxito de Watchmen, Gibbons se implicó en un buen número de proyectos, como una versión en cómic de la Biblia y una colaboración con el mismísimo Frank Miller. Serían los distintos títulos centrados en Martha Washington, ambientados en el siglo XXV y publicados en Estados Unidos por Dark Horse y en España por Norma Editorial. Su prolífica producción le ha convertido desde entonces en un habitual de las dos grandes, Marvel y DC, entre otras muchas editoriales. Sus lápices han plasmado en acción a personajes tan dispares como Batman, Hulk, la JSA, Superman o el Capitán América. Y no nos podemos olvidar de su labor como guionista, dando forma a clásicos memorables de la talla de Superman/Batman: Los mejores del mundo, con ilustraciones de Steve Rude. En los últimos años los lectores han podido ver muestras de su talento en títulos tan diferentes como Universo DC: Legados, Hellblazer o Batman: Black and White. Ademas, en 2004 presentó una novela gráfica como autor completo, The Originals, editada por el sello Vertigo, y se ha ocupado del apartado gráfico de Kingsman: The Secret Service (Panini Cómics), con guiones del prolífico Mark Millar.
Nacido en el seno de una familia de emigrantes coreanos, Gene Ha hizo realidad su sueño de dibujar cómics cuando, en 1993, se ocupó de un número de Green Lantern, escrito por Gerard Jones. Tras su debut, ilustró un buen número de ejemplares para Marvel, DC y Malibu Comics. Por sus manos han pasado iconos de todas las épocas: Alien, Cable, Superman, la JLA…
Entre sus influencias encontramos nombres legendarios de la talla de Matt Wager, John Byrne, Frank Miller, Bill Sienkiewicz, Walter Simonson, Alan Moore, etc. Precisamente, sus colaboraciones con Alan Moore lo han convertido en uno de los profesionales más alabados por crítica y público, gracias a su estilo realista. Top 10 y su precuela, Top 10: The Forty-Niners (próximamente editado por ECC) recibieron tres premios Eisner, el mayor honor en el mundo del cómic, y se han editado en países como Polonia, Francia, Brasil y Japón.
En 2002 vio la luz su primer cómic como autor completo, un capítulo de Iron Fist dentro de la colección Marvel Knights Double Shot. Más recientemente, ha participado en el nuevo Universo DC diseñando el nuevo aspecto de Krypton y sus habitantes, durante la etapa de Grant Morrison en Action Comics. Junto al aclamado guionista escocés había compartido equipo creativo previamente, en las páginas de Authority. También ha aportado su talento a otra de las series insignia de esta etapa moderna de DC Comics, la Liga de la Justicia. Su versatilidad lo ha llevado luego por cabeceras tan variadas como Fantasma Errante, Shade: El maestro de la oscuridad o Fábulas. Para el sello Vertigo también ilustró un capítulo del proyecto Frecuencia Global, orquestado por otro maestro, Warren Ellis.
En 2013 anunció su interés en centrarse en proyectos de creación propia, un período del que surgió la serie limitada Mae, financiada a través de crowdfunding y editada finalmente en Estados Unidos por Dark Horse Comics.
Aunque Jill Thompson se dio a conocer como dibujante de Wonder Woman durante la etapa escrita por George Pérez, las colaboraciones de esta artista estadounidense con DC Entertainment se han publicado casi siempre dentro del sello Vertigo. Así, firmó varios episodios de Sandman, ilustrando episodios tan memorables como la primera aparición de los pequeños Eternos. También ha participado en otros legendarios títulos como Los invisibles, Los libros de la magia, Fábulas u Orquídea Negra. Creó junto a Will Pfeifer la peculiar miniserie Finals, y se encargó de escribir y dibujar la novela gráfica Dead Boy Detectives, centrada en los personajes que presentaron Neil Gaiman, Matt Wagner y Malcolm Jones III en Sandman.
Está considerada por numerosos críticos como una de las mejores profesionales de la historia moderna del noveno arte. Su labor le ha valido la obtención de diferentes reconocimientos, como los prestigiosos premios Eisner, por trabajos que demuestran la versatilidad de esta esencial autora. Por ejemplo, cosechó el galardón a la mejor publicación de humor en el año 2000, compartiendo el premio con otros autores, por su participación en Los Simpson: La cabaña del terror. Hoodoo Voodoo Brouhaha (Ediciones B). Al año siguiente se consolidó recibiendo otros dos Eisner, en las categorías de mejor pintor o artista multimedia y mejor publicación juvenil, reconociendo así el esfuerzo invertido en el desarrollo de Scary Godmother, creación propia que fue publicada en Estados Unidos por Sirius Entertainment y Dark Horse Comics. Un exitoso proyecto que, por cierto, se adaptó también al formato animado.
ECC Ediciones ha incorporado recientemente a su catálogo una de las obras más recordadas de Thompson, El libro de cuentos de los pequeños Eternos, la primera aventura individual de la reinterpretación más divertida de los personajes creados por Neil Gaiman. Próximamente se publicará en España el segundo especial, La fiesta de Delirio: Un cuento de los pequeños Eternos y, coincidiendo con los preparativos del estreno de la primera película de Wonder Woman, se ha publicado Wonder Woman: La verdadera amazona, novela gráfica que explora la leyenda de la Mujer Maravilla desde una perspectiva única.
Mitch Gerads se graduó en Diseño Gráfico por la Universidad de Wisconsin-Stout. Luego colaboró con diversas compañías, realizando diseños de envases para marcas conocidas a ambos lados del Atlántico, como General Mills, Adult Swim y Nabisco. Su desembarco en el mundo del cómic se produjo trabajando como ilustrador y colorista para las editoriales IDW y Boom! Studios, a través de atractivas licencias: Doctor Who, El planeta de los Simios o Starborn, creación del mismísimo Stan Lee. Compaginó estas colaboraciones con proyectos propios financiados a través de crowdfunding, como es el caso de Johnny Recon, con guion de Scott Dillon, publicado finalmente en Estados Unidos por Pop Gun Pulp Comics. Otro título que marcó un antes y un después en la carrera de Mitch Gerads fue The Activity, editado por Image y escrito por Nathan Edmondson, con el que volvería a formar equipo en The Punisher, para Marvel Comics.
En 2015, DC Comics anunció una oleada de nuevos títulos del sello Vertigo, entre los que destacaba con luz propia El Sheriff de Babilonia, ambicioso y exitoso thriller que ha unido las carreras de Gerads y del guionista Tom King, responsable de Omega Men y de la actual etapa de Batman dentro del Renacimiento del Universo DC. Inspirándose en sus experiencias reales como agente de operaciones de la CIA en Irak, King construye una trama protagonizada por un antiguo policía convertido en contratista militar, en la Bagdad post Saddam Hussein. En España, el primer tomo de la serie, El Sheriff de Babilonia: Bang. Bang. Bang ha sido incluido entre la lista de esenciales del segundo semestre de 2016 por la ACDCómic, Asociación de Críticos y Divulgadores de Cómic de España. En la actualidad, Mitch Gerads está trabajando en la segunda temporada de El Sheriff de Babilonia y ha ampliado sus colaboraciones con Tom King, trasladándose en esta ocasión a las páginas de la serie regular del Caballero Oscuro.
Yancey Labat comenzó su trabajo profesional en Marvel Comics antes de ilustrar libros para niños, desde Hello Kitty a Peanuts for Scholastic, así como libros para Chronicle Books, ABC Mouse y otros. Su libro How many Jellybeans?, realizado con la escritora Andrea Menotti, ganó en 2013 el premio Cook Prize al mejor libro de imágenes STEM (Ciencia, Tecnología, Educación, Matemáticas) del Bank Street College of Education.
Sin duda, el punto de inflexión en la carrera de este joven artista ha llegado de la mano de su trabajo como creador de las novelas gráficas protagonizadas por las DC Super Hero Girls, uno de los fenómenos transmedia del momento, que cuenta con miles de fans por todo el globo. En colaboración con la escritora Shea Fontana, una de las responsables de la web serie de esta original versión del Universo DC, Labat ha logrado trasladar con total acierto al mundo de las viñetas el espítiru que domina cada una de las aventuras de estas divertidas versiones de Supergirl, Batgirl, Katana, Bumblebee, Poison Ivy, Wonder Woman y Harley Quinn. Acción y diversión para toda la familia, con heroínas que se han convertido en auténticos iconos, dentro y fuera de la pequeña pantalla. En el catálogo de ECC Ediciones está disponible el volumen DC Super Hero Girls: Crisis en los finales. En marzo, justo a tiempo para la visita del autor al Salón del Cómic de Barcelona, se publicará la segunda entrega, DC Super Hero Girls: Hitos y mitos.
El 35 Salón Internacional del Cómic de Barcelona tendrá lugar del jueves 30 de marzo al domingo 2 de abril de 2017 en los Palacios 1, 2.1, 4 y Plaza Univers de Fira Barcelona Montjuïc.
La venta anticipada de entradas se realiza exclusivamente desde www.ficomic.com.
ÓRBITA 9 es el debut en la dirección de largometrajes de Hatem Khraiche, que también firma este original guion. Una película con una atmósfera única gracias, entre otros, a la fotografía de Pau Esteve (Sufragistas, Caníbal, Buried), a un muy cuidado diseño de producción de la mano de Íñigo Navarro (Vicky Cristina Barcelona, El orfanato, El maquinista) y a la música deFederico Jusid (El secreto de sus ojos, y las series Isabel y Carlos, Rey Emperador).
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