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Thor, colosal vuelta a Midgar del dios del trueno

30 abril 2011 1 comentario

Al principio fue el mito

XXI. …Thor es el más noble de ellos [los Æsir], es llamado Thor de los Æsir, u Öku-Thor; es el más fuerte de los dioses y los hombres. Tiene su reino en el lugar llamado Thrúdvangar, y su palacio es llamado Bliskirnir; allí hay 540 habitaciones. Es la mayor morada que conocen los hombres…

Thor tiene dos machos cabríos, que son llamados “dientes esparcidos” y “rechina dientes”, y un carro que conduce, y es tirado por ellos; por lo que es llamado Öku-Thor. También tiene tres cosas de gran valor: primero es el martillo Mjolnir, que los gigantes de la escarcha conocen, cuando lo alza saben que no hay esperanza; ha machacado muchos cráneos entre los de su raza. Tiene una segunda cosa de mucho valor: su cinturón de poder, y cuando lo abrocha su fuerza de deidad su duplica. Además tiene un tercer objeto de gran valor: sus guantes de hierro; no puede sin ellos tomar el mango de su martillo. Pero nadie es tan sabio como para contar todas sus grandes hazañas… (La alucinación de Gylfi)

Y el mito se hizo cómic

 “Lo genial de la conexión de Marvel con la mitología noruega es su comprensión de que la dimensión humana que hay en el centro de los relatos épicos es el cemento que lo une todo” (Kenneth Branagh)

Cuando era más niño y comencé a leer cómics de superhéroes rápidamente me interesé por los de Marvel. Se trataban de personajes más humanos y con debilidades: Dare Devil era ciego; el hombre de hierro estaba enfermo (y más tarde alcoholizado);La Cosa era… la cosa  y, en general,  todos eran muy enamoradizos. Pero mi  héroe favorito era Spiderman, colección que hasta hoy sigo comprando. Pero devoraba todos los que podía y que por entonces editorial

El setentero Thor de Mego que llegué a tener…

Vértice editaba por estos lares de una forma más o menos decente.

Pero en cuanto a Thor, a pesar de que me resultaba atractivo, no me hacía ninguna gracia por lo complejo que me parecían sus personajes y sus aventuras en Asgard. Eran tan fantásticas que las veía lejanas y a mi me gustaba, tal y como ya he dicho, ese realismo de un  Peter Parker que se quedaba sin telarañas o que tenía que reparar el disfraz o al que las chicas daban calabazas o al que acosaba (como se diría ahora) el matón de su clase.

Pero posteriormente supongo que le dí un poco más de atención y descubrí algunas sagas y épocas, como la de Walter Simonson, que hicieron que me congraciara con la mitología de Asgard y con su Dios más representativo en Midgar.

Pero no quiero aburrirles más, es más interesante saber como nace Thor como  personaje del noveno arte y naturalmente todo surge de la  mente de Stan Lee.

Vamos a ello:

Cuando Stan Lee vio a inicios de los años sesenta que los superhéroes volvían a ponerse de moda tras la exitosa serie Los 4 Fantásticos,  comenzó a experimentar con otros en colecciones ya abiertas. Así el primer episodio de Spiderman se publicó en el 15 de Amazing Fantasy (Agosto de 1962) o la primera aparición de  Iron Man fue en el 39 de Tales of Suspense (marzo de 1963), hasta que consiguieron colección propia (unos antes que otros) una vez se consolidaban los personajes en el mercado. Thor, adaptación al comic de la mitología nórdica por Stan Lee y el dibujante Jack Kirby  se publicó por primera vez en Journey Into Mistery nº 83 en agosto de 1962 y esa primera aventura nos narraba como Donald Blake, un médico cojo de vacaciones en Noruega, se quedaba encerrado en una cueva mientras los extraterrestres invadían la tierra. En la cueva encontraba un bastón que al golpearlo le transformaba en el dios Thor y al bastón en su martillo (Mjolnir).  Naturalmente Thor  terminaba con la invasión alienígena (¡¡De hombres de piedra de Saturno!!) y a partir de ahí con toda amenaza que se cerniera sobre la tierra (principalmente en Estados Unidos). Y como siempre hay un interés romántico, Blake estaba enamorado de su enfermera Jane Foster, a la que no podía desvelar su secreto, mientras esta estaba dividida entre sus sentimientos por el experto cirujano, (que tenía complejo por su cojera) y por el heroico Dios del Trueno.

 Las aventuras de Thor fueron la obra más importante de Kirby tras Los 4 Fantásticos y me atrevo a decir que la más personal. Dibujó casi un centenar de episodios desde 1962 a1970 y su evolución como dibujante puede admirarse a partir de 1964, concretamente en los episodios dedicados a Asgard. Kirby era un ávido lector de mitologías de toda índole y con Thor puede dedicarse a dibujar sus obsesiones con los súper-seres, retratando directamente a dioses mitológicos no únicamente nórdicos, sino también griegos o de donde hiciera falta.

¡¡Thor prisionero de los rojos!!

Aunque como hemos visto todo comenzó de forma muy naif, con Thor luchando contra los típicos alienígenas, comunistas o incluso con su archienemigo Loki ya en el  tercer episodio, la cosa se fue complicando conforme Kirby cogía los hilos de la serie enfrentándolo a enemigos tan desaforados como Ego, el planeta viviente, Hela, diosa de la muerte o Hércules. La serie comenzó desarrollándose enla Tierra, pero más adelante el dibujante (yo creo que debemos casi considerarle autor), realizará episodios que se centrarán en el Asgard  mitológico con grandes dosis de la ciencia ficción que caracteriza al Kirby más inspirado y que se incrementaría conforme avanzaban los años sesenta.

Pero… ¿Cómo se le ocurrió a  Stan Lee convertir a un Dios en un Superhéroe?, pues dejemos que el mismo lo explique:”Ocurrió cuando fui invitado a dar una charla en un programa de radio en New York. El entrevistador no dejaba de referirse a nuestros coloridos superhéroes como la nueva mitología de nuestra generación. Entonces, cuando me preguntó acerca de qué nueva creación íbamos a desencadenar sobre el indefenso público lector, fue cuando se me ocurrió. Entrar en el mundo del mito. ¡Convertir en personaje a un dios!”.

¡¡Excelsior!! añado yo.

A partir del número 126, la colección pasa a llamarse El Poderoso Thor (The Mighty Thor)  permaneciendo Kirby hasta el número 177, culminando así la mejor época de una serie que viviría otros buenos momentos cuando se hizo cargo de ella John Buscema.

¡Ha llegado Simonson!

En  1983, cuando la colección se daba por perdida,  dieron libertad total para hacer con la serie lo que quisiera a Walter Simonson, un dibujante y guionista que a partir del número 337 y  durante 45 números levantó al personaje retornándolo a sus raíces mitológicas y eliminando de paso  al personaje de Donald Blake, todo ello en  una recordada temporada que se inició con la estupenda y original saga de Bill Rayo Beta.

Tampoco hay que olvidar que a partir de 1963 Thor formará parte del grupo de héroes más poderosos de la tierra, Los Vengadores (The Avengers) junto al Capitán América, El hombre gigante, la avispa y el hombre de hierro, entre otros.

Pero existe otro Thor -o mejor dicho, otra interpretación del personaje- al que debe mucho la película.

Y es que tras los mil experimentos y actualizaciones de los personajes a las que Marvel nos tiene regularmente acostumbrados, la editorial lanza una nueva línea denominada Ultimate. El primer personaje abordado es, claro, el buque insignia Spiderman, siendo seguido por X-Men. El éxito anima a seguir en este caso con una serie limitada que sí que representa una renovación o mejor dicho, una nueva interpretación, este caso de Los Vengadores,  The Ultimates con guión de Mark Millar y lápices de Bryan Hitch. Una innovadora serie realizada de forma  cinematográfica, tanto que incluso la encarnación de los  personajes está inspirada en actores: Iron Man:Johnny Depp; Nick Furia: Samuel L. Jackson; Capitán América: Brad Pitt; Hombre Gigante: Matthew McConnaghy; Avispa: Zihi Zhang (de La Casade las Dagas Voladoras); Bruja Escarlata: Angelina Jolie; Ojo de Halcón: Bruce Willis y Bruce Banner (alter ego de Hulk): Steve Buscemi.

La serie no evita conflictos realistas como la violencia doméstica o las conspiraciones gubernamentales y temas escabrosos como el canibalismo o la relación abiertamente incestuosa de dos personajes.

Mark Millar, claramente  inspirado por el trabajo de Alan Moore con los superhéroes,  declaró que  “La noción de como serian los superhéroes en el mundo real siempre me había hecho gracia y ésta era mi oportunidad de desarrollar el concepto”.

Los 26 episodios realizados por Millar y Hitch forman parte de la historia del comic. Una obra colosal realizada en cinco años y tres meses. Se editó en dos volúmenes: el primer número vio la luz en febrero de 2002 y el último de esa temporada llegó en diciembre de 2004. El segundo ciclo comenzó en diciembre de 2004 y finalizó en mayo de 2007. Sus autores se tomaron todo con calma y el resultado no podría ser más redondo.

El personaje de Thor, que sus autores basaron, ni más ni menos que en Jesucristo, es bastante similar al que podemos ver en la película. Un film que demuestra que ha valido la pena esperar para poder ver a nuestros héroes Marvel favoritos en la gran pantalla.

Y el cómic habitó entre nosotros como película monumental

Cuando se apagan las luces en  la sala, nos invaden los compases de un viejo conocido: Patrick Doyle va a arropar las imágenes que nos irán llegando complementándolas para desarrollar su pleno sentido. La película se abre con notas intimistas en las que las cuerdas generan un ambiente místico y a la par intrigante hasta que entra la percusión creando una atmósfera agitada que aumenta la tensión dramática; en la pantalla estamos asistiendo al rastreo de la tormenta por parte de Jane Foster, la enfermera enamorada del héroe en el cómic y convertida aquí en una doctora que se ha interesado por la astrofísica para extender lo científico más allá de los límites actuales. Esta secuencia es un auténtico avance de lo que va a ocurrir, nos instala en el presente de la acción precediendo al propio prólogo. Con el prólogo, donde Doyle expone los principales temas de su score, arrancan los títulos de crédito mostrándonos ese escenario (Asgard) mezcla del futurismo de Metrópolis y las Carceri d’invenzione de Piranesi. La banda sonora es totalmente redonda, alternando temas líricos con los que remarcan las escenas de acción y los momentos épicos, son veinticuatro cortes de excelente factura. Por destacar algunos , entre los líricos nos quedamos con el tema de amor que se expone por primera vez en Forgive me y que se desarrolla con máximo esplendor en Can you see Jane?. Teñido de melancolía nos sumerge en ese amor que lleva a la madurez y es estímulo para la lucha por aprender. En cuanto a los motivos épicos sobresale por mérito propio Frost Giant Battle, un tema dinámico en la que las notas parecen perseguirse unas a otras en una carrera por ganar la batalla, contrapunto ideal a las imágenes filmadas por Kennetn Branagh quien desde su primera película mostró su magistralidad en el rodaje de este tipo de secuencias, recuérdese la Batalla de Agincourt en Enrique V también en perfecto maridaje con la música de Doyle que ha formado siempre un excelente tandem con el director.

Branagh aceptó participar en este proyecto porque: “Tiene todo lo que me gusta. Un héroe que es un joven arrogante y obstinado, y que tiene que enfrentarse a su pasado y solucionar una relación complicada con su padre. Hay muchos europeos salvajes acuchillándose a muerte en diversos momentos, y en realidad, a mí me recordaba mucho a “Enrique V”. Me dije a mí mismo: ‘Ya he pasado antes por esto…’ Así que se podría decir que yo empecé en películas de superhéroes, ¡solo que en las anteriores la gente hablaba raro!”. Efectivamente, la cinta está planteada al modo de los dramas shakaspearianos (¡que no se me asuste nadie!) en lo que estos tienen de intriga y acción, aproximándolo así al cómic. De la misma forma, dota al cómic de intensidad trágica al poner los acentos en los vínculos entre padres e hijos y las difíciles relaciones entre ellos. Para Branagh, el cómic que le cautivó en su niñez  se basa en los conflictos familiares y universales que han provocado dramas entre los hombres desde el principio de los tiempos: un hijo impaciente por demostrarle su valía a su padre, un hermano letalmente resentido, y una mujer que ayuda a un hombre a ver el mundo con nuevos ojos. Sangre real, mortíferas venganzas, el orgullo y la posterior caída. Una historia que para el director debía ser contada y pone a su servicio toda la megalomanía de su cámara.

El director de Hamlet (1996) no desperdicia ocasión para ofrecernos planos y movimientos de cámara delirantes (gocen ustedes de la secuencia en la que Thor trata de recuperar su martillo enfrentándose a todo el cuerpo de seguridad de la agencia de inteligencia): planos en diagonal, planos cenitales, grúas descendiendo verticalmente desde un plano cenital hasta un plano medio…  y las 3D le dan una mayor profundidad de campo que hace todavía más grandiosa la historia. El propio uso de la cámara pone el tempo a la narración tal como ocurría en Morir Todavía (Dead Again, 1991) sin llegar a los desmanes de Mary Shelley’s Frankenstein (la más desmesurada de sus películas). Branagh ha demostrado estar en buena forma y ha dado la razón a quienes en Marvel le tenían como favorito, el productor Feige, por ejemplo que declaraba: “Como bien han subrayado personas mucho más inteligentes que yo, los cómics son la mitología actual, y  Ken Branagh es alguien capaz de adaptar la literatura como nadie. Es, en el fondo, un narrador muy dotado, y eso es lo que queríamos, alguien que pudiera contar la historia. Hace siglos, esas historias se contaban alrededor de la hoguera, y hoy es bastante parecido, sólo que el fuego es la luz del proyector”.

Branagh fue además el reclamo para los actores que interpretan los papeles protagonistas. Natalie Portman no sólo era fan del género y del universo de los cómics de Marvel, sino que estaba sumamente interesada en trabajar con el director Kenneth Branagh. Hubo varias reuniones entre la actriz y el director, en donde se enfatizó que Jane no iba a ser ‘el tipo de damisela en apuros atada a las vías del tren’, sino de hecho un factor clave para motivar a Thor en su transformación a lo largo de toda la película. Así elogiaba Natalie el trabajo de Branagh: “Creo que el liderazgo de Ken ha hecho que este proyecto sea muy, muy especial. He trabajado en varias producciones a gran escala, y esta es la primera vez que realmente he sentido tal nivel de intensidad y concentración en la interpretación por parte de un director. Me parece extraordinario poner tanto énfasis en la interpretación, la historia y los detalles, y creo que todo eso hace que los grandes y excitantes momentos de acción sean más reales y, en cierto modo, más entretenidos”. A su personaje lo describe la actriz como: “Al principio, Jane cree que Thor es un tema para estudiar. Aparte de su propio equipo de investigación, ella es la único testigo del extraordinario suceso que han observado sobre las llanuras de Nuevo México, así que él es importante para su trabajo. Lentamente, comienza a sentirse identificada con él y, bueno, sus emociones comienzan a sacar lo mejor de ella, pero luego se enfrenta al desafío omnipresente para todo científico o académico inmerso en una investigación: ser objetivo”.

Jane Foster, el personaje, es la clásica mujer capaz de descubrir y compartir los sentimientos del súperheroe, personaje característico en todos los cómics de superheroes, en su caso no es sólo guapa sino que su inteligencia es igual a su belleza. Por eso se pensó en Natalie Portman para el papel. Y Natalie compone perfectamente el personaje, esa mujer de ciencias que ha llegado a los límites de la astrofísica porque considera mensurable aquello que otros científicos ven como mero esoterismo. Ya en la primera escena en medio del desierto de Nuevo México la vemos aguardando la tormenta con una mezcla de curiosidad analítica y fe, igual que la Jodie Foster de Contact (Robert Zemeckis, 1997) y esa será su actitud a lo largo del film contagiándonos, además, su entusiasmo. Es Jane Foster la que llevará a Thor a madurar y descubrir la prudencia en toda la amplitud de su significado gracias a su amor, pero también gracias a su coraje. Por supuesto, la clave para Portman estaba en el intensa concentración con que se afinaban los personajes por entre el impresionante paisaje de los platós de acción. Dice: “Creo que el liderazgo de Ken ha hecho que este proyecto sea muy, muy especial. He trabajado en varias producciones a gran escala, y esta es la primera vez que realmente he sentido tal nivel de intensidad y concentración en la interpretación por parte de un director. Me parece extraordinario poner tanto énfasis en la interpretación, la historia y los detalles, y creo que todo eso hace que los grandes y excitantes momentos de acción sean más reales y, en cierto modo, más entretenidos”.

Sobre el trabajo de los interpretes bascula la gran capacidad de Branagh en la dirección de actores y su saber poner la cámara al servicio de los mismos. Por eso no es de extrañar que un actor de la talla de Sir Anthony Hopkins aceptara participar en él. Hopkins admite que puede que no fuera muy fan de los cómics de Thor (“Yo leía El Capitán Marvel, y aquellos cómics de posguerra”), pero sí lo era de su director. “Mi agente me llamó y me dijo que si quería interpretar a Odín, así que me reuní con Ken, con quien ya había coincidido antes varias veces. Es un personaje muy atractivo, un hombre brillante.  Un gran actor y un gran director. Es uno de esos tipos imparables que piensan que si pones todo tu empeño en algo, puedes hacer prácticamente cualquier cosa. Y él lo pone todo de su parte, así es su personalidad. Creo que trabajar en esta película ha sido uno de los mejores momentos de mi vida. ¡De hecho, me gustaría haber tenido más cosas que hacer en ella!” En esta ocasión el inglés nos ofrece una interpretación sobria, sin histrionismos, como suele ser por otra parte, pero logra comunicar la fuerza de Odín, su poder como monarca y dios de dioses, sus habilidades guerreras y , a la vez, su prudencia diplomática y sobre todo el gran amor hacia sus hijos, Thor y Loki. Precisamente uno de sus momentos interpretativos más brillantes tiene lugar en el enfrentamiento entre él y Thor después de que este le haya desobedecido y haya puesto en peligro la paz de Asgard. Hemsworth hace memoria de ese momento: “La película llevaba un mes de rodaje y yo me estaba empezando a sentir bien, como que ya tenía controlado al personaje. Así que llegó el día de la gran confrontación entre padre e hijo. Es algo muy colérico, con ambos gritándonos el uno al otro. Entonces Ken se acerca a Anthony y le dice: ‘Deja que te afecte. Altérate. Te desafío. Y Anthony se queda un callado un segundo y luego responde: ‘Vale, buena idea’. Así que yo me preguntaba: ‘Madre mía, ¿qué es lo que va a hacer ahora? Y empezamos la escena de nuevo y yo hago mi entrada. Entro, hago mi parte, y él se queda callado. Sus ojos empiezan a encenderse. Es el padre herido y desilusionado porque su hijo le ha faltado al respeto, y ha deshonrado a la familia, al reino y a todos sus principios. Y uno se da cuenta de que le está rompiendo el corazón. Cuando dijeron ‘¡corten!’, la gente estaba llorando. Luego el equipo empezó a aplaudir y recuerdo que pensé: ‘Eso ha sido impresionante… y yo no hago falta.

Sin duda esa escena es uno de esos momentos de cine en mayúsculas, pero Hemswoth está equivocado: él no está en absoluto de más. Thor es casi invencible, todo un dios imponente, aunque se enfrente a gigantes mayores que él es él quien se ve imponente; no es altivo pero sí impetuoso y arrogante, se precipita en sus decisiones por sus ansias de demostrar su fuerza y la de Asgard, esto es lo que le conduce al destierro tras provocar la cólera de Odín. Ya en la tierra sigue comportándose como un bárbaro hasta que el amor le dulcifica y apacigua, sacando de él sus mejores virtudes. Es un dios, sí, pero un dios próximo a lo humano, eso hace que podamos sentirnos atraídos y reflejados. Se necesitaba un actor con un físico imponente, capaz de dar el resto en los momentos de acción trepidante, pero a la vez tenía que ser suficientemente maleable como para mostrar con sutileza la evolución de su carácter hacia la temperancia, hacia la capacidad de amar y sacrificarse, que le hará merecedor del trono que le corresponde. Chris Hemsworth parecía llamado para ese papel. El australiano cumplía las condiciones por su físico, físico que además trabajó duramente en el gimnasio durante cuatro meses en el intenso entrenamiento al que fue sometido, y su capacidad para interpretar la coreografía de sus peleas (inspiradas en Mike Tyson); pero también por su sentido del humor que le permite adaptarse a los momentos de comicidad que se producen cuando llega a la tierra y, sobre todo, porque sin dejar de ser un superhéroe todo el tiempo (no tiene identidad secreta) sabe mostrarse a la vez como un simple humano con sus sufrimientos y sentimientos. De hecho, Hensworth confiesa que prefería los momentos más intimistas y cotidianos, a los otros más heróicos: “Thor está llena de grandes momentos, con muchísima acción y pirotecnia, pero algunas de mis secuencias favoritas son entre Thor y Jane: conversaciones normales, cotidianas. Rodamos esas escenas en Nuevo México, con un hermoso fondo de montañas. Eso sí, tuvimos que espera a que la nieve se fundiera, pero creó un bello entorno. Esas fueron las escenas en las que aprovechamos toda la investigación del personaje, los libros sobre observar la existencia y encontrar la tuya. Y poder interpretarlo con Natalie… bueno, un sueño para mí”.

En ninguna historia de hazañas heroicas puede faltar la presencia del villano, aquí tenemos dos: Laufey ,el monarca de Jotunheim (el Reino del Hielo) interpretado por Colm Feore; supone la antítesis de Odín ,un gigante belicoso que asalta la tierra en su beneficio hasta que el máximo dios nórdico y sus ejércitos le derrotan. Laufey, sin embargo, parece cansado de la guerra aunque la paz también le resulte tediosa, así se vale de la traición de Loki pero en su enfrentamiento con Thor nos recuerda al replicante de Blade Runer, así al menos lo compone Feore. Como el resto de los personajes siendo un ser mitológico se nos aparece humano. El auténtico villano, el antagonista del héroe, es su hermano Loki que mantiene con él una intensa relación de amor-odio, Tom Hiddleston le da cuerpo; Branagh había trabajado previamente con él en la serie televisiva Wallander, conocía sus dotes interpretativas y por eso lo eligió, porque: . “Necesitábamos a alguien con muchísima versatilidad y una absoluta falta de temor a ser las muchas clases de personalidades diferentes en las que se convierte Loki. Tom también hace una pareja maravillosa con Chris. Ambos son grandotes, se sienten como hermanos, con el tipo apropiado de cualidades opuestas y complementarias”.  Aunque el cómic y, en consecuencia, la película lo hayan convertido en el hermano reprobo del protagonista y explique su carácter por la rivalidad con él, sigue conservando algunos rasgos del dios del fuego de la mitología nórdica, como el Loki del mito, el del cómic-película domina el arte de embaucar con la palabra, un auténtico príncipe de la mentira. Hiddleston construye al personaje desde los celos y la ambición ocultos que le mueven, pero no olvida que también tiene virtudes puesto que, después de todo, lo que más anhela Loki es ser apreciado por su padre, ocupar en su corazón el lugar que parece exclusivo de su hermano. En él el ansia de poder se combina de forma peligrosa con el ansia de ser amado, por eso aunque no dude en traicionar a unos y otros nosotros, los espectadores, podemos sentirlo cercano: sus pasiones son idénticas a nuestros bajos instintos y, al igual que él, nos dejamos dominar por ellos sintiendo simultáneamente placer y dolor por haber caído. Hiddleston le da la réplica a Hemsworth componiendo entre ambos un ejemplo más dentro del tópico de los gemelos que representan el bien y el mal recíprocamente.

No es sólo el apartado artístico es el que le da colosalismo al film: el apartado técnico juega en la misma liga. Nada sería de Thor sin el vestuario, la dirección artística y los efectos especiales.

El vestuario tuvo en vilo a los aficionados, cada vez que se filtraba alguna información era comentada en foros de todo el mundo y la gran mayoría de ellos quedó satisfecha. La encargada de ese trabajo fue Alexandra Byrne, acostumbrada a la teatralidad del ropaje en las artes escénicas, para ella era fácil afrontar el desafío de lograr esa corporeidad y ese movimiento que son características de esos personajes míticos. La capa de Thor fue uno de los mayores retos de Byrne: sabía muy bien que no iba a pasar sin transición de dibujo a prenda completada.  Mucho más que un elegante adorno, la capa define a Thor, junto con su casco con alas y su escudo. Para Byrne “La capa tenía que parece a la vez completamente creíble y sublimemente mágica. En los cómics, Kirby la utilizaba como un gran recurso gráfico para el movimiento, la tensión y el dramatismo. Así que nuestra capa necesitaba tener esa clase de expresividad. También tenía que enmarcar la forma y las proporciones de Chris cuando no está moviéndose, y luego henchirse, moverse y volar con él cuando está luchando. Es fácil conseguir que una capa haga todo eso en un dibujo, pero no es tan fácil con un trozo de tela”. Finalmente el tejido elegido fue una lana inglesa que fue teñido varias veces hasta dar con la tonalidad de rojo satisfactoria, luego se empezó a trabajar con ella hasta dar con la definitiva no sin antes haber descartado muchos modelos previos, “Teníamos un cementerio de capas que no gustaron”, bromeaba Byrne. Luego vino el traje. Con una construcción compleja a base de muchas capas de tela, cuero y armadura, el traje de ‘héroe’ de Thor resultante (el principal diseño para la mayoría de las escenas) era pesado y daba calor. Para Hensworth era una auténtica tortura rodar con él hasta que Byrne dio con la solución: el chaleco refrigerante que  llevan los pilotos de coches de carreras, un chaleco con pequeños tubos por donde corre agua fría para refrigerarse. La confección del vestuario se inició un año antes de que Hemsworth entrara en el rodaje, la verdad es que ha valido la pena todo ese trabajo porque los resultados logrados son majestuosos como debe ser para el mundo mágico de Asgard.

El mundo de Asgard no es el único escenario del relato. La historia se desarrolla además en Jotunheim y en la tierra. Dos escenarios mitológicos y uno real. Para que la película resultara convincente, los tres espacios debían poderse equiparar, ser todos ellos verosímiles hasta tomar la misma carta de naturaleza que nuestro paisaje terrícola. Bo Welch estuvo al frente de la dirección artística y él es el artífice del prodigio: que la narración se desplace de un lugar a otro sin que se noten fisuras. Construyó en estudio los opuestos mundos de Asgard y Jotunheim, el primero está inspirado por las imágenes del universo que nos  muestra el Hubble, mientras que la frialdad de Jotunhein toma el mundo marino como modelo. Si en el primero abundan los dorados y los colores cálidos, la tonalidad del segundo está pintada en azul y colores fríos, en uno todo es luminosidad que se refleja de los propios objetos obra de la fotografía de Haris Zambarloukos , el otro es un espacio brumoso que se consiguió con la ayuda de los efectos especiales de Dan Sudick . Escenario físico y efectos digitales se combinan a la perfección, no se abusó de los CGI para hacer predominante lo tangible, cosa que siempre arropa más el trabajo de los actores.  Con todo el mundo advertido de que había que buscar lo creíble en lo fantástico, los actores se sintieron muy complacidos de poder basar su trabajo en sitios muy reales.  Anthony Hopkins sacó mucha inspiración de la representación física de Asgard, y le pareció que los escenarios le infundían mucha verosimilitud a sus interpretaciones. Hopkins confiesa: “Los platós de Bo son impresionantes. Fui a echarles un vistazo mientras los construían y pensé: ‘Bueno, no voy a tener mucho que hacer, sólo dejarme barba, decir las frases, aparecer en escena, ponerme la armadura… y dejar que suceda”.

El paisaje terrestre elegido para entrar en consonancia con los dos representados fue Nuevo México. Para Branagh, la naturaleza del estado y su gente le añadieron una plus de atractivo a la película. Comentaba medio en broma: “Estamos en una parte del mundo donde la gente mira  de verdad al cielo. Si eres de otro mundo, y te gustaría tener la posibilidad de que te den la bienvenida al llegar a la Tierra, es un buen sitio para aterrizar”. La épica del Western es lo que se perseguía, al principio incluso se pensó en ambientar la historia en 1850, si se abandonó la idea fue para lograr una mayor empatía con los espectadores. Se construyó un pueblo ficticio al que llamaron Puente Antiguo con la clara intención de reforzar la sensación de tránsito entre mundos. El resultado fue un escenario que recuerda la pintura de Edward Hopper. Welch  quería sobre todo evocar algo de Asgard en Puente Antiguo.  “El Observatorio de Heimdall es la entrada a Asgard, a través del Puente del Arco Iris, hasta un palacio central flanqueado por edificios, en Puente Antiguo, tenemos una calle que sale del desierto, flanqueada por edificios, y que conduce hasta una vieja tienda de coches usados. Smith Motors, de una forma un tanto extraña, recuerda la forma del palacio de Asgard… pero es mucho una versión mucho más modesta, y un poco desgarradora”.

En definitiva, el objetivo de armonizar esos tres escenarios tan dispares se cumple con creces, convirtiéndose así en la plataforma ideal para que director y actores dieran cuerpo al relato.

Para muchos Thor no será más que otro Blockbuster, otra película pensada para el consumo del público menos exigente, nosotros hemos visto algo más en ella. Para quien esto escribe Thor es un drama clásico, épico y colosal, como los antiguos peplums o como las mejores adaptaciones de Shakaspeare, salvo que puesto al día. Si Branahg afirmaba que el acierto de Marvel era haber descubierto el carácter humano del mito, su película tiene el mérito de extraer lo mítico que hay en el cómic. No en vano para muchos los cómics son los relatos mitológicos del presente.

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No nos importaría que se cumpliera el rumor de una segunda parte, de momento nos basta con saber que esta película forma parte de la exposición de los superhéroes que participarán en el máximo proyecto de Marvel, The Avengers, que llegará el año próximo (¡por fin!) a nuestras pantallas y ya ha empezado a promocionarse.

Mientras todavía nos relamemos en el buen sabor de boca que nos ha dejado Thor, vamos preparándonos ya para ese plato fuerte y disfrutamos con los avances lanzados.

Mala Praxis: desde Argentina con horror

Gonzalo López, un jóven director argentino de solo 24 años,  se ha embarcado en un largometraje, con el que se sigue demostrando que el cine Argentino está repleto de inquietos cineastas a la búsqueda de su oportunidad. Él mismo se puso en contacto con nosotros para que habláramos de su Mala Praxis.

En Noviembre de 2010  las productoras C&K Films y Roswell Estudio se asociaron con Estudio Sync, En Alta Films, Absurdo Producciones y Corte! para realizar el largometraje de suspense Mala Praxis, protagonizado por Matías Marmorato, Alejandro Fiore, Juan Pablo Fluger y Germán Bua.

Mala Praxis es la opera prima del joven director Gonzalo López , con producción de Christian Koruk  (Visitante de invierno, Número 8, Interferencia, Ellos quieren mis ojos, etc)  y producción ejecutiva de Diego Savignano  (Director`s cut, Ellos quieren mis ojos, Visitante de invierno, etc).  Fue grabada en la ciudad de la Plata  (Argentina) en el increíble tiempo record de cuatro días -si, leíste bien: ¡4 DÍAS!- y ya se encuentra cerrando negociaciones con varias distribuidoras en Los Ángeles  para ser distribuida en el mercado de DVD y B-RAY.

SINOPSIS

Mirko es un joven internado en coma por un accidente de tránsito. Un día, despierta en una angustiosa situación: por las características de su cuerpo, un gran laboratorio internacional lo ha seleccionado como conejillo de indias de un experimento clandestino. El objetivo es probar el antídoto a un violento virus que será propagado mundialmente para posicionar al laboratorio como líder en ventas. Le quedan solo 75 minutos antes de que su cuerpo sea tomado por completo y pierda toda capacidad de razonamiento. Su única posibilidad es idear un plan que le permita escapar e inyectarse el antídoto, pero deberá concretarlo rápidamente y no existe margen para el error, ya que de fallar será él quien inicie una epidemia.

Deseamos toda la suerte a Gonzalo, de momento el haber podido llevar su trabajo adelante ya es toda una victoria.   

Categorías:TRAILERS RECOMENDADOS

Calamar ediciones edita James Whale, El padre de Frankenstein de Juan A. Pedrero Santos

El viernes 13 de enero de 1939 se estrenaba La sombra de Frankenstein (The Son of Frankenstein, 1939 Rowland V. Lee) en el Pantages Theatre junto a la comedia de RKO  Next Time I Marry (1938, Garson Kanin) interpretada por Lucille Ball. Fue todo un acontecimiento que inició una nueva era del cine de terror tras los problemas ocasionados por la censura,  principalmente en Inglaterra. Fueron años aciagos en los que tanto Karloff como Lugosi tuvieron que rebajar sus respectivos sueldos para poder subsistir. Karloff pudo reciclarse en diversos géneros, mientras que Lugosi conoció el desempleo y las privaciones. Pero a petición popular el cine de terror volvió a las pantallas tras el atronador éxito que cosechó un doble programa que reunía Drácula (Tod Browning) y Frankenstein (James Whale), dos viejas cintas Universal de 1931 que en el verano de 1938 un avispado empresario se animó a alquilar y programar conjuntamente, siendo un bombazo que llegó a proyectarse ininterrumpidamente durante 24 horas seguidas.

Universal vió que el filón volvía a ponerse en marcha,  y tras ofrecer un nuevo contrato a Karloff  (pero no a Lugosi), rodó un nuevo episodio de la más exitosa saga de los estudios, la protagonizada por la criatura del Dr. Frankenstein.

El día que se estrenó La sombra de Frankenstein, un personaje se dirigió a la taquilla presentándose como el director de El Doctor Frankenstein y La novia de Frankenstein: se trataba de James Whale, que en ese momento se encontraba rodando El hombre de la máscara de hierro (The Man in the Iron Mask)  para la pequeña productora Edward Small Productions. El taquillero, en absoluto impresionado por el ilustre director, le invitó a ponerse al final de la cola y comprar su ticket si quería entrar.

Ignoro si finalmente entró en la sala, pero creo que de haberlo hecho la película no hubiera agradado a James Whale, ya que , a pesar de ser un film más que meritorio, no llega a la altura de las grandes películas que el defenestrado director rodó cuando era el niño mimado de unos estudios Universal regentados por los Laemmle, films de la categoría de Journey’s End (1931), El puente de Waterloo (Waterloo Bridge, 1931) , El caserón de las sombras (The Old Dark House, 1932),  El hombre invisible (The Invisible Man, 1933) o Magnolia (Show Boat, 1936).

Whale fue otro juguete roto y otra tragedia en el camino de Hollywood, cuya biografía y obra ya pudimos ver en dos libros muy diferentes editados en nuestro país: James Whale de James Curtis editado por la Filmoteca Española y el Festival Internacional de Cine de San Sebastián en 1989, y El padre de Frankenstein, de Christopher Bram editado por Anagrama diez años después.

Los dos son excelentes: el de James Curtis un detallado análisis a la obra del director repleta de magníficas imágenes  y el segundo una novela que dió lugar al maravilloso film Dioses y monstruos (Gods and Monsters, 1998 Bill Condon).

Pero no es suficiente. Nunca es suficiente. Y a estas dos obras tenemos las suerte de poder sumar la escrita por Juan Andrés Pedrero Santos, un escritor nacido el mismo año que yo (1966) y aficionado al cine y a los comics (como yo). Pedrero ya tiene en su haber dos libros: Terror Cinema, publicado por Calamar Ediciones en 2008 y Johnny Weissmuller. Biografía, editado por T&B Editores en 2010 que contó con prólogo de Paul Naschy.  También colabora con la revista “Scifiworld Magazine” y con las webs dedicadas al cine “Pasadizo.com” y “La abadía de Berzano”.

Ahora tenemos este James Whale, el padre de Frankenstein, un libro necesario editado también por Calamar Ediciones en el que tal y como indica su prologuista de lujo Guillermo del Toro:  “encontraremos una puntillosa crónica y un inteligente análisis de la obra de un cineasta único. El ascenso y eventual olvido de Whale se narran con precisión y bien informadas opiniones. En esta crónica encontraremos los fortuitos accidentes que impidieron que Bela Lugosi hiciera el papel del monstruo, la metodología del volcánico y quimérico maquillador Jack Pierce, mago del colodión y el algodón; las castas crónicas de un Hollywood salvaje y descocado y todos los demás detalles que conforman el vía crucis de un hombre que creía tener el alma manchada de hollín, como un minero, y que creó una autobiografía imaginaria sin censura, sin medida y sin final“.

Estamos deseando echarle el diente a este libro y volver a pasear por la edad de oro de los estudios Universal siendo testigos del ascenso y caida de un director excepcional que legó obras que formarán para siempre parte de la historia del cine con mayúsculas.

JAMES WHALE, EL PADRE DE FRANKENSTEIN. Calamar Ediciones. 288 páginas profusamente ilustradas,  24 euros.

Y como somos unos fetichistas, ponemos unos cuantos programas de mano españoles de algunos de sus títulos más representativos:

Programa doble español (cerrado)

Programa doble español (cerrado)

Programa doble español (cerrado)

Programa doble español (cerrado)

Programa doble español (cerrado)

Programa doble español (cerrado)

Programa doble español (cerrado)

Programa doble español (cerrado)

El beso revelador. Tipo 1. Programa doble español (cerrado)El beso revelador . Tipo 2. Programa doble español (cerrado)

Programa sencillo español estreno

Programa sencillo español reposición.

Novedades de Asian Trash Cinema

27 abril 2011 Los comentarios están cerrados

 Por fin tenemos dos nuevos lanzamientos de Asian Trash Cinema, editora especializada en ofrecernos películas en las que no pueden  faltar, artes marciales, futurismo de guardarropía, argumentos descabellados o directamente “inspirados” en sonados y populares  éxitos americanos. Zombies, vampiros de pega, super-heroes de cartón piedra, colores chillones,  resumiendo: increibles películas trash asiáticas que harán las delicias de los aficionados al cine bizarro oriental (eso sí) de culto.

Aunque uno de los propios responsables del sello, Domingo López,  ya nos explicó en una entrevista que mal golpe en la cabeza le había hecho dedicarse a la edición de los más locos títulos orientales de acción, no está de más que nos cuenten algo más de ellos y del sello ATC.

ASIAN TRASH CINEMA

Asian Trash Cinema es una colección de dvds que reúne los títulos míticos del cine de serie Z oriental. Las películas más sorprendentes con los extras más imaginativos.

Basado en el concepto de las sesiones dobles de reestreno, en cada dvd se incluyen dos películas completas, incluyendo un intermedio al estilo de los Drive-In americanos (The Drive-In Experience), con los famosos anuncios de visite nuestro bar y otras sorpresas.

Son dvds perfectos para ver entre amigos en unas medianoches de risas y cervezas.

Como complemento a las películas principales, se incluyen extras inéditos que van desde material imposible de encontrar (escenas alternativas, títulos de crédito originales, trailers, etc.) a entrevistas imposibles, cortometrajes retro de los años 50, versiones reducidas de las peores películas de la historia, galerías de fotos, carteles, audiocomentarios, videoclips, etc.

Esta segunda oleada de títulos promete batir las excelentes cifras de ventas del primer lanzamiento, cuyo éxito llegó a las páginas de periódicos como La Vanguardia, CineAsia, Scifi World Magazine y decenas de páginas de Internet como Viruete.com o (esta, la de ustedes) Proyecto Naschy.

La heterogenea selección de títulos incluye obras maestras del género fantástico, cine de culto y auténticas rarezas, proyectadas en festivales nacionales e internacionales, como el Festival Internacional de Cine de Sitges o el FantAsia canadiense.

Asian Trash Cinema es producto de las mentes pensantes de Domingo López (director de cine y autor de libros como Made in Hong Kong) y de David Fernández, de la distribuidora independiente Tema Distribuciones.

El publico potencial de la colección ATC son aquellos nostálgicos fans del vhs, de los videoclubs llenos de títulos de tercera fila con carátulas dibujadas, donde al pulsar play podías encontrarte la producción más imposible. Gente con ganas de conocer las películas que han inspirado a creadores como Quentin Tarantino, de sumergirse en el mundo del verdadero cine popular asiático, gamberro e irreverente, sorprendente e imprevisible. Fans del cine fantástico en todas su vertientes, seguidores del cine de artes marciales, coleccionistas del cine de terror más extraño. Aficionados a la serie B mayúscula con ganas de divertirse. Buscadores de rarezas en un universo del video cada vez más homogéneo. En definitiva, cualquier cinéfilo con sentido del humor y curiosidad por descubrir el verdadero significado de Asian Trash Cinema.

LANZAMIENTOS (¡¡Con la colaboración especial de Domingo López!!) 

PRIMER LANZAMIENTO (Abril 2011)

INFRAMAN +LA GUERRADELOS INFRAMANES

Inframan (1975)

Director: Hua Shan. Con Danny Lee, Bruce Le (Sí, han leido bien, Bruce Le).(Doblada al castellano).

Inframan es una de las producciones más famosas e inusuales de la productora Shan Brothers (Las 36 Cámaras de Shaolin), una cinta de ciencia-ficción con un superhéroe cortado a la medida del Ultraman japonés, solo que experto en kung fu. Inframan, gran éxito en su estreno español en salas, con más de 300.000 espectadores,   no se había  llegado a editar ni en video en castellano.

La Guerrade los Inframanes (1976)

Director: Lin Chung-Kuang. Con Man Kon-Lung, Lee Yi-Min, Seung Fung. (V.O. Subtitulada al castellano).

La Guerrade los Inframanes es una secuela realizada en Taiwán, en la que los protagonistas se enfrentan a monstruos de otra galaxia comandados por Drácula (¡¡…!!). Pura diversión trash llena de acción y efectos especiales.

“Cine de superhéroes y kung fu con Bruce Le y el protagonista de The Killer. Ni el mismísimo Dr. Octopus podría con ellos.” (Domingo López)

Extractos de la crítica:

Inframan es todo un festín para fans del cine de culto, con un guión y diseño visual más allá de toda lógica. Parece escapado de las páginas del mejor comic book.”  TV Guide.

Ni en la mejor programación de medianoche podemos encontrar una película tan deliciosamente bizarra como Inframan. Es sorprendente, llena de criaturas mutantes y todo un hallazgo.” New York Times.

Inframan es una obra maestra” Roger Ebert, el crítico de cine más prestigioso de Estados Unidos.

Inframan es pura imaginación” Moda Mag

ROBOFORCE + TERMINATRIX

Roboforce (1988)

Director: David Chung. Con Tsui Hark, John Shum, Sally Yeh. (Doblada al castellano).

Roboforce es una fantástica cinta de ciencia-ficción y acción al estilo manga que mezcla robots gigantes, artes marciales y una estética a medio camino entre Metropolis y Robocop, pero en clave femenina. Producida e interpretada por Tsui Hark, el llamado Rey Midas del cine de Hong Kong, responsable de cintas como Una Historia China de Fantasmas, Erase una Vez en China o Siete Espadas. Seleccionada en el Festival Internacional de Cine Fantástico de París.

Terminatrix (1995)

Director: Mikio Hirota Con Kei Mizutani, Yuuki Fujisawa, Saeko Ichijou. (V.O. Subtitulada al castellano).

Terminatrix es la versión erótica de Terminator, recreando fielmente la historia de la original pero con muchas escenas de desnudos. Está protagonizada por la actriz de culto del Pinku Eiga (el cine para adultos japonés) Kei Mizutani.

“Las versiones femeninas de Robocop y Terminator juntas por primera (y última) vez.”(Domingo López)

Extractos de la crítica:

Un homenaje al Metropolis de Fritz Lang y al eterno conflicto entre hombre y máquina” Hong Kong Cinemagic.

Cien minutos de puro entretenimiento para aquellos que buscan nuevas emociones en el cine asiático” Far East Films

Un cruce entre C3PO, Robocop y Metropolis con robots gigantes, comedia y romance. Ni Spielberg lo haría mejor” Hong Kong Movie Database

COCODRILO + CENTIPEDE HORROR

Cocodrilo (1981)

Director: Sompote Sands. Con Nat Puvanai, Angela Wells, Kirk Warren. (Doblada al castellano)

Cocodrilo es una superproducción panasiática con un cocodrilo gigante a medio camino entre la leyenda y la amenaza atómica. Estrenada en cines españoles con gran éxito (250.000 espectadores)  dio lugar a diversas secuelas en su país de origen.

“No creerá lo que ven sus ojos. Cocodrilos gigantes de cartón piedra contra tailandeses cabreados.” (Domingo López)

Centipede Horror (1984)

Director: Keith Li. Con Margaret Lee, Miu Kiu-Wai. (V.O Subtitulada al castellano)

Centipede Horror está considerada  posiblemente como  la película de terror más repugnante de la historia, especialmente por los que son poco amantes de los insectos. En el film, ciempiés y gusanos devoran el cuerpo desde dentro a causa de la magia negra.

Además tenemos el aliciente de que  Centipede Horror es un título muy famoso en el mundo del cine de terror nunca antes editado en dvd en ningún país del mundo.

Extractos de la crítica:

Una imitación de Tiburón mezclada con lo mejor de las películas de monstruos gigantes japonesas” WTF Film

La película más desagradable que he visto en mi vida” Sam Raimi, director de Posesión Infernal.

Divertida, única, enloquecida. La película más vil y famosa del género de animales asesinos.” B-Scared.

 SEGUNDO LANZAMIENTO (Mayo 2011)

HOLY VIRGIN VS THE EVIL DEAD + CORRE, CORRE QUE TE COMO

Holy Virgin vs the Evil Dead (1991)

Director: Tony Liu (¿Quién Mató a Bruce Lee?). Con Donnie Yen (Siete Espadas),  Pauline Yeung (Los 3 Dragones), Ken Lo (Impacto Inminente). (V.O. Subtitulada)

Holy Virgin vs the Evil Dead es una de las cintas más celebres de la oleada de cine de Categoría III (solo para adultos) del cine de Hong Kong de los 90. Protagonizada por la famosa estrella del cine de artes marciales Donnie Yen (Hero, Blade 2, Siete Espadas) y repleta de acción, erotismo y efectos especiales. Todo un título de culto entre los fans del cine oriental.

“La película que Donnie Yen querría borrar de su filmografía. Artes marciales, tetas y posesiones por el precio de un cubata.” (Domingo López)

Corre, Corre que te Como (1980)

Director: Tsui Hark (En el Ojo del Huracán). Con Norman Chu (Las 36 Cámaras de Shaolin), Eddy Ko (Arma Letal 4), Melvin Wong (El Regreso de los Supercamorristas). Doblada al castellano.

Corre Corre que te Como es la más inusual película de kung fu jamás filmada, que mezcla el cine de artes marciales con el gore al estilo de Herschell Gordon Lewis (2000 Maníacos) con un toque de humor negro. Estrenada en cines en España pero nunca editada en DVD, está dirigida por Tsui Hark, llamado el Spielberg de Asia, productor de cintas como Una Historia China de Fantasmas o The Killer, y director de films internacionales como Double Team o En el Ojo del Huracán, protagonizadas por Jean Claude Van Damme.

Extractos de la crítica:

Esta película es increíble. Holy Virgin vs the Evil Dead tiene sexo, terror y acción. Qué más se puede pedir.”  Amazon.com

Una experiencia inigualable. Una mezcla de terror con artes marciales que tiene peleas espectaculares, monstruos, gore, desnudos y todo lo que esperabas ver en un drive-in, solo que en el comedor de tu casa.” Unseen Films.

Corre Corre que te como es una macabra cinta de artes marciales, con sangre y tripas y coreografías únicas.” Rotten Tomatoes.

Una terrorífica comedia totalmente demente” KFC Cinema.

LAS DESNUDAS CONTRA LOS MUERTOS VIVIENTES +LA LEYENDA DE LOS CUERPOS VIVIENTES

Las Desnudas Contra los Muertos Vivientes (2003)

Director: Seiji Yamada (La Masacrede las Colegialas Karatekas). Con Tamami Kaneko (The Hidden Blade), Erina Nakanishi, Hirokatsu Kihara.

Las Desnudas contra los Muertos Vivientes es una delirante película del director de culto Seiji Yamada, interpretada por celebridades del cine japonés (incluyendo algunas estrellas del porno) y llena de referencias al cine de terror clásico nipón y figuras tan míticas como Zatoichi, el espadachín ciego. Acción, terror y sexo en una película ideal para coleccionistas de cine Grindhouse oriental.

“Si siempre has soñado con una película que reúna zombis, científicos locos, ninjas, chicas desnudas, a Zatoichi y a Torrebruno, sigue soñando, porque en esta Torrebruno no sale.” (Domingo López)

La Leyenda de los Cuerpos Vivientes (1977)

Director: Joseph Kuo (Los 18 Hombres de Bronce). Con Carter Wong (Golpe enla PequeñaChina), Tung Li (El Regreso del Espadachin Manco), Mark Lung (Kickboxer Asesino).

La Leyenda de los Cuerpos Vivientes es una mezcla de cine fantástico con artes marciales, protagonizado por conocidas estrellas del género y dirigido por el mítico Joseph Kuo. Acción sin descanso intercalada por inesperadas escenas donde los protagonistas son los zombies-vampiros al estilo chino.

Extractos de la crítica:

La película que inició la moda del cine de vampiros chinos en el cine hongkonés” Listal.com

Una inusual combinación de la trama conocida de los Ching contra los Ming con muertos vivientes.” Hong Kong Digital

Abundantes y energéticas peleas en un film entretenido y original.” Kung Fu Cinema

KUNG FU ZOMBIE + THAI ZOMBIE DRAGON

Kung Fu Zombie (1981)

Director: Hwa I Hung (La Sombra de la Garra de Cristal). Con Billy Chong (El Aguila Acecha la Guarida del Tigre), Chiang Tao (Robovampire), Kwan Yoon-Moon (Lord Dragon).

Zombis y artes marciales en la película más espectacular de Billy Chong, una historias de venganzas y muertos vivientes con increíbles secuencias de acción y terror más allá de la tumba. Un clásico del cine de kung fu editado por primera vez en nuestro país.

“De los creadores de Ong-Bak llega el despropósito más grande de la historia. Acción bestial en una historia de muertos vivientes de arrebatador realismo”.(Domingo López)

Thai Zombie Dragon (1997)

Director: Praphan Phet-in. Con Panna Rittikrai (Thai Dragon), Banlu Srisaeng (Ong-Bak).

Thai Zombie Dragon es la película más demente de la filmografía de Panna Rittikrai, el maestro de Tony Jaa y director de acción de todas sus películas. Acción y stunts salvajes se mezclan con comedia absurda, fantasía taoista y zombies sedientos de sangre.

Extractos de la crítica:

Una de las mejores películas de artes marciales y terror de la historia.”  Buried.com

Kung Fu Zombie no se encuentra demasiado lejos de Posesión Infernal o Braindead. Altamente recomendada.” The Film Fiend.

Sam Raimi tuvo que ver Kung Fu Zombie antes de rodar Posesión Infernal.” Kung Fu Cinema.

Lo dicho, cualquiera de estos pack representa una experiencia alucinante, ya no únicamente por los dos (2) títulos que incluyen, sino también por los abundantes extras. Así que… ¡Corran!, ¡Corran a su proveedor habitual y entren en el sorprendente mundo de ASIAN TRASH CINEMA!. 

… Y ahora un poco de memorabilia a la española:

 La sombra de Mazinger Z es alargada y dejó una amplia huella por estos lares, así que la primera idea de los avispados comerciales fue disfrazar un poquito la cosa con este título…

…pero pronto decidieron atenerse al título americano: Infra-Man, aunque eliminando el guión y colocando el nuevo nombre con un pegote sobre el poster, que también reproduce el diseño americano realizado por el mítico Basil “Famous Monsters” Gogos.

Aquí un anuncio promocional de los más efectivo…

Y otro film de los  estrenados en nuestras pantallas con el título original que se escogió (vean el detalle del título entre paréntesis, aclarado para los menos imaginativos).

Y finalmente manténganse informados en: http://www.temadistribuciones.com/index.php

Categorías:DVD / BLU-RAY

Hemos entrevistado a Paco Limón un director con pensamiento suicida y alma de guerrillero

26 abril 2011 6 comentarios

La pasión por la arqueología del cine fue uno de los motivos que hizo nacer a Serendipia y abrir este blog que homenajea a Naschy en su título. Nos gusta encontrar rarezas y si en ellas ha participado Paul el placer es doble, así fue cuando descubrimos el episodio Casting cedido por su director Ricard Reguant. Queda mucho por conocer de la obra de Naschy, algunos son proyectos que quedaron por terminar, es el caso de Los Resucitados. Siguiendo la pista de esta película conocimos a Paco Limón y nos encantó todo lo que leímos sobre su largo Doctor Infierno, de modo que si al principio sólo queríamos preguntarle por Arturo de Bobadilla (director de Los Resucitados) al final quedamos fascinados por su propia obra y quisimos saber más de él. Seguro que al leer sus palabras comprenderéis el interés de Serendipia por este director que merecería mayor reconocimiento en esta nuestra tierra donde tanto se desaprovechan los talentos.

Un poco su vida y su relación con el cine

Empecemos hablando de ti. ¿Desde cuándo te interesaste por el cine?

Paco Limón

¿Qué películas te gustaban de niño?

Las películas que me gustaban de niño eran las típicas de dibujos. Mucho Disney clásico y sobre todo pelis de género fantástico tipo Star Wars, Star Trek. En cuanto salía una nave espacial o el espacio negro con sus estrellitas me quedaba embobado. “2001” por ejemplo la ví con ocho o nueve años. No entendí nada pero flipé.

¿Cuándo decidiste dedicarte al cine profesionalmente?

Pues fue a los veinticinco años tras pasar una enfermedad grave que pude esquivar por los pelos. Me hizo replantearme toda mi vida hasta ese momento. Desde siempre había fantaseado con hacer cine. Siempre. Pero nunca me había tomado muy en serio. Así que tomada la decisión empece a lo bruto, no fue una decisión muy meditada, la verdad. Tenía mucha prisa de repente. Energía desbocada y sin control. Luego poco a poco he ido aprendiendo todo lo que NO se debe hacer en la profesión.

Hablanos de tus terrores favoritos.

Pues te puedo asegurar que son de lo más normal y comunes, (e incluso bastante incogruentes). El cine de Carpenter, Raimi, Verhoven, Jackson, Cronenberg, Spielberg fue donde aprendí a mirar. Luego, más mayor, devoré cine español, europeo y asiatico (Kurosawa, Ozu, Kitano, Shindo, Mizoguchi). Ahora veo todo lo que cae en mi mano, sin importar procendencia o género. Intento ver una media de una o dos películas al día. Si tuviese que escoger un género, ahora y siempre sería LA COMEDIA en todas sus vertientes. Pero me gusta muchísimo la ciencia ficción, y el fantástico. Del terror me encanta su faceta más imaginativa y clásica con elementos sobrenaturales. Pero no soporto (oh, sorpresa) las películas de psicópatas con hacha o cuchillo, ni chicas llenas de sangre huyendo descalzas por el bosque. (Excepto la primera de Halloween, claro).

Mizoguchi, uno de sus maestros, loable gusto el de Paco

Amistades “peligrosas”

Hermanos Bogliano

En la página que dedica a ti IMDB vemos que has colaborado varias veces con los hermanos García Bogliano, ¿cómo surgió esa relación?

A Ramiro le conocí con 17 años o así, Adrian tendría 12 o 13. Ellos hacían un corto llamado DEGÜELLO con un actor amigo mío. Nos presentamos y enseguida surgió el amor. Luego llegó el fanzine Confusos que ellos editaban en “fotocopias-horror” y enseguida nos pusimos a colaborar en todos lo ámbitos: maquetación, logística, etc. Son muchos años de amistad. Es más. El argumento de DOCTOR INFIERNO se creó una tarde de domingo del año 96 en mi casa, a partir de una idea que Ramiro quería desarrollar.

¿Qué opinas de su carrera?

Creciendo a un buen ritmo. Con paciencia y buena letra. Pasito a pasito. Dentro de poco no me cogerán el teléfono. Hay AÑOS y AÑOS de duro trabajo detrás de su éxito. Toda su vida han vivido y respirado cine.

¿Cómo valoras la gesta de estrenar comercialmente Sudor Frío?

Pura ÉPICA.

Javier G. Romero director de la revista Quatermass describe a Bobadilla con estas palabras: “Era imparable y locuaz, incluso brillante, lleno de proyectos e ideas audaces que rozaban el delirio.” ¿Compartes su opinión? Descríbenoslo tú. Arturo es el caos. Pero un caos ordenado y brillante. De una manera que sólo él conoce. Su genialidad es genuina y apabullante. Sus bastos conocimientos sobre cine y literatura de terror no tienen parangón. Su imaginación es tan grande que a veces le desborda y mucha gente lo considera un excéntrico. Pero no es más que el resultado de una mente portentosa y un poco incomprendida.

Arturo de Bobadilla

Paco Limón y su ópera prima Dr.Infierno

La película de Paco Limón se puede incluir en el subgénero de los Mad Doctors, en Dr. Infierno (2007) se nos cuenta la historia del Doctor Infierno, ginecólogo de renombre, desea dominar el mundo. Su plan: curar a la humanidad gracias a un medicamento milagroso, a cambio de su total sumisión. Pero sus objetivos se verán comprometidos cuando un cabo suelto, la Enfermera García, quiera vengarse de él. El asesino enviado para su exterminación ha fallado. Enfermera, asesino, el novio de una vecina, el portero de la finca y multitud de otras gentes vulgares y corrientes, se verán inmersas en una frenética sinrazón bajo el bunker secreto del Doctor Infierno. Un esquema argumental que se repite pero del que Paco Limón sabe sacar una delirante comedia gore de la que sólo quedan unas pocas imágenes en la red pero que resultan tan prometedoras que comprendemos que en su momento se le comparara al Peter Jackson de Bad Taste (1987). Y Paco nos contó lo que sigue sobre su película.

Tú mismo te produjiste tu película, cuéntanos los avatares de la producción independiente.

En mi caso, fue gastarse todos los ahorros de un montón de años, para comprar cámaras, ordenadores, programas… tampoco tiene mucho misterio. Este mundillo es carillo. Y si eres pobre como yo, tienes que adquirir cierto pensamiento suicida y guerrillero. Se convirtió en una forma de vida durante bastante tiempo. Todo lo que ganaba lo invertía de nuevo en esto.

Doctor Infierno nace como corto ¿fue difícil rodar con tantos efectos especiales?

Rodar con efectos no fue ningún misterio. Lo peor fue la postproducción. Cuando dependes de gente que colabora contigo gratis, no puedes exigir fechas de entrega. Hay planos en la película cuyos contraplanos están rodados y postproducidos tres o cuatro años después.

En mayo de 2002 participaste en la maratón de cortos del festival de cine fantástico FANT, en Bilbao, y el encargado de presentar tu corto fue Nacho Vigalondo, él lo contaba años después en su blog, ¿qué recuerdas de ese día? ¿Qué opinas de Vigalondo como cineasta?

Pues una gran satisfación porque el corto fue el más aplaudido de la noche y la gente te felicitaba por los pasillos y las chicas te ponían ojitos. Para mí, que nunca había ido a un festival, fue increíble y muy estimulante. Vigalondo es un gran tipo y un director con dos cojones.

¿Cuándo decides convertir el corto en largo? Según IMDB el presupuesto fue de 20.000 euros ¿fue suficiente? ¿Cuáles fueron los principales gastos? ¿Habéis recuperado la inversión?

Bueno, la peli fue bastante más cara. Como unos 20.000 € más cara. Realmente los gastos vienen cuando tienes que moverla. Los betacam son caros de cojones y no digamos las copias. Luego invadimos todo el espectro de festivales con cientos de copias en DVD que en suma son bastante dinero. Luego hay muchos que sólo para tenerte en “consideración para su selección” tienes que soltar la pasta aunque luego te den puerta. Aunque NADIE en la película haya cobrado ni un duro, no significa que no trates bien a la gente. Se fue mucho dinero en catering, transporte, efectos físicos, maquillaje, bastante en vestuario, alquileres de focos. Y bueno, como he dicho antes los equipos de edición son caros.

¿Coinciden los actores del corto con los del largo? No todos eran profesionales del gremio, creo que el “casting” para elegir a la enfermera García fue un tanto particular. Cuéntanoslo. Seguro que el rodaje dio para muchas más anécdotas divertidas, nos gustaría que las compartieras con nosotros.

Todos los actores son amigos mios del barrio. Excepto Arturo de Bobadilla y Raquel Escribano, que es actriz profesional. Eso creo que se nota muy bien en la película. Amigos, gente que te debe un favor, exnovias, familiares. Todas las localizaciones son las casas o tiendas o chalets de familiares o amigos.

Belinda, La enfermera García, era una camarera de Huertas, que una noche tuvo que canear a un borracho que se metía con su jefe. En plena calle le dio tal paliza que poco después nos la jugabamos a los chinos para ver quien la entraba para ofrecerle el papel. Nos miró mal pero finalmente acepto.

La enfermera García

Vigalondo definió tu corto como “un redoble de patadas voladoras, miradas a cámara y gore con derrapes” . Cuando das el salto al largo se te llega a comparar con el Peter Jackson de Bad Taste y se define tu film como “comedia, salvaje, brutal, gore y alucinada pero una comedia. Es por tanto una película hecha con las tripas, el hígado y los intestinos (sobre todo el grueso). Con lo cual aviso, que no es para todos los públicos.” ¿Qué piensas de estas valoraciones? ¿Cómo defines tú tu película?

Es una comedia de acción de muy dudoso gusto. Acelerada, cutre, divertida, traviesa, amateur, hecha con una energía furiosa y desenfrenada. Con muchas tripas y poca cabeza. Con mucho amor por el cine en su concepto más básico. Puro entretenimiento sin miras filosóficas.

En Austin una primera edición de una nueva e innovadora modalidad en la que cinco películas y cinco cortometrajes de todo el planeta podrán visionarse y votarse online, para deleite del público internacional desde la comodidad del hogar. “Doctor Infierno” constituye el único representante español en tal modalidad. ¿Cómo fue esa experiencia de voto on line?

Quedamos la segunda. Muy muy cerca de la ganadora. Mucha gente de todo el planeta la vió y encima gratis. ¿Qué más se puede pedir?

Tras el paso por el work in progress en el Festival de Málaga la mismísima Troma se interesó por tu película con la intención de distribuirla en USA ¿Llegó a cuajar la oferta? ¿Cómo podemos ver ahora tu película?

La película se quedó congelada por motivos ajenos a nuestra voluntad. Pero lo importante es que ahora vamos a ponerla de nuevo en marcha para venderla y que se pueda comercializar. La oferta de Troma sigue en pie, pero de momento era solo para considerarla no para editarla.

El protagonista del film es Arturo de Bobadilla , ¿Cuál es tu relación con él? ¿Fue fácil dirigirle?

A Arturo le conozco desde hace más de quince años. Nos conocimos en una tele de barrio dónde él editaba su peli LOS RESUCITADOS. Nosotros (Los confusos) comenzábamos un programa de cine llamado HERVIDERO en el que sólo participé en un capítulo. Dirigir a Arturo es muy estimulante. Es de esos actores que te da por culo solo para que te ganes la autoridad delante del equipo. Le divierte putearte. Pero a la vez te lo da todo. Al 300%. Y nunca falla. Es una máquina. Improvisando diálogos es el rey. Nunca sabes que morcilla te va a soltar. Y eso se traduce en la peli con frescura y mucha locura.

Y aún hay más: nuevos proyectos

En un entrevista comentabas tus proyectos de futuras películas, destacabas un corto con una historia de superhéroes muy salvaje y un largo, un peplum de cienciaficción espectacular, suenan hilarantes y entran ganas de verlos, ¿siguen en pie esos proyectos? ¿cuáles son tus últimos trabajos?

Hemos empezado la preproducción de mi nuevo proyecto. Se trata de una película compuesta por cuatro historias cortas. Todas de género fantástico (superheroes, ciencia ficción, terror y post-apocalíptico) cuyas protagonistas son cuatro mujeres muy distintas entre si. Las historias no tienen relación aparente, si exceptuamos el género y son totalmente independientes unas de otras. Muy al estilo de “The twiligth Zone”.

En cuanto al Peplum… ya os contaré más adelante.

Deseamos a Paco mucha suerte en sus proyectos y le damos las gracias por haber contestado nuestro largo cuestionario y encima nos haya dado:

La gran primicia sobre Los Resucitados

El nombre de Arturo de Bobadilla es conocido sobre todo por ser director de la inconclusa Los Resucitados que reunía a Santiago Segura y Paul Naschy, ¿tuviste relación con ese proyecto? ¿sabes por qué se detuvo? Si la conoces, cuéntanos cómo fue la participación de Naschy en ese rodaje. Yo entré en ese proyecto hace relativamente poco (un par de años). Lo tenemos ahora mismo en la mesa de edición y postproducción. Paul Naschy interpreta a El CAMINANTE, que tienta a los protagonistas y los engaña para que cometan los más temibles crímenes.


Y aún hay más: Paco Limón nos  cedido una imagen anónima de La película con nuestroadmirado Naschy y Arturo de Bobadilla.


Interesante libro sobre el descubrimiento del metraje “perdido” de Metrópolis.

21 abril 2011 2 comentarios

Hace un tiempo os hablamos de los estupendos libros que se han editado en Argentina, y más concretamente de los lanzados por Fan Ediciones. Pues bien, su último libro es una muy interesante obra sobre el descubrimiento de la edición íntegra de la obra maestra de Fritz Lang, Metrópolis, hallazgo que hizo realidad la quimera de verla tal y como se estrenó en el lejano 10 de enero de 1927. Lo más interesante del libro es que está narrado por el mismo descubridor de este metraje “perdido”, Fernando Martín Peña. 

Este «Detective del celuloide», como acertadamente lo llama Kevin Brownlow en el prólogo de este libro—, realizó un descubrimiento considerado por muchos investigadores del cine como el de un verdadero «Santo Grial» cinéfilo: una copia de la versión completa del monumental film «Metrópolis», de Fritz Lang. La noticia se hizo mundialmente conocida en 2008, aunque Peña, para entonces, llevaba varias décadas tras la pista.

Como una cautivante novela policial «Metrópolis», el libro, nos lleva a recorrer la historia de esa cinta perdida desde su desembarco en los cines porteños de la década del ‘20 hasta el reestreno del film completo —posible sólo gracias al reciente hallazgo— en la edición 2010 del Festival de Berlín (que también pudimos disfrutar en Sitges 2010). Contada por su protagonista, el lector disfrutará en primera fila de una historia no exenta de curiosidades, humor y un toque de idiosincrasia bien criolla, como cuando hace su aparición un dúo de paradigmáticos «empleados públicos argentinos» para aguar la fiesta, un momento del relato sólo digerible gracias a la certeza de un —demorado— final feliz.

152 páginas. Pedidos a: http://www.fanediciones.com.ar/la_editorial.html

Fernando Martín Peña nació en Buenos Aires en 1968. Egresó en 1991 de la escuela de cine del Instituto Nacional de Cinematografía, donde se especializó en Investigación y Crítica. Docente y periodista, codirigió la revista Film. Con Octavio Fabiano fundó la Filmoteca Buenos Aires, entidad dedicada a la preservación y difusión del cine. Ha publicado, entre otros, los siguientes libros: Gag: La comedia en el cine, René Mugica, Cine de súper acción (en colaboración con Diego Curubeto), El cine quema: Raymundo Gleyzer (en colaboración con Carlos Valli­na) y El cine quema: Jorge Cedrón. Ideó y editó el libro Generaciones 60/90. Desde noviembre de 2004 hasta diciembre de 2007 fue director artístico del Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI). Desde 2002 es responsable del área de cine del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba). Ideó y conduce, junto a Fabio Manes, el programa de TV Filmoteca – Te­mas de cine, emitido diariamente por Canal 7.

Spooky Cinema XI: Especial hombres lobo de segunda.

SPOOKY CINEMA XI

Domingo 1 de Mayo del 2011, 18 horas en Espai Jove La Fontana, Gran de Gracia, 190 (Metro Fontana, Barrio de Gracia).ESPECIAL HOMBRES LOBO DE SEGUNDA

ENTRADA GRATUITA

PROGRAMA

The Werewolf of Washington (Milton Moses Ginsberg 1973)

El asistente personal del presidente de los Estados Unidos resulta mordido por un hombre lobo en un viaje en Hungría. A su vuelta, una serie de asesinatos se suceden en la Casa Blanca.

+

Full Moon High (Larry Cohen 1981)

Tony es un joven muy admirado por sus compañeros como jugador de rugby, pero tiene un problema, su cuerpo se transforma todas la noches en un hombre lobo y, claro, asusta mucho a las chicas y él termina agotado. Su afán es terminar con esta situación hasta que conoce a su nueva profesora.

+ Trailers, videos y cortos licantropos.

Entrada Gratuita + golosinas terrorificas de regalo.Venta de Golosinas, bocadillos, repostería del horror, palomitas, cervezas y refrescos

Stand de The Monster Museum y Sweet Fangs

Categorías:Z CAJÓN DESASTRE

Por fin podemos ver el primer episodio de Amazing Mask

El hiperactivo Dani Moreno ha puesto a disposición de todos sus seguidores el primer episodio de Amazing Mask, donde se enfrenta contra el sindicato del mal , que cuenta con la maléfica Sugar Brown, interpretada por la porno star Dunia Montenegro. Vudú, puñetazos, zombis e incluso la colaboración de Manuela Velasco tienen cabida  en las descabelladas aventuras de Amazing Mask en Ciudad Capital.

Amazing Mask comienza a repartir mamporros desde su propio computador con este primer episodio que con poco más de seis minutos se nos queda corto y con ganas de ver más:

También pueden verlo y acceder así a nutritivos extras desde:

http://www.amazingmask.tv/

Por si esto fuera poco, también se presentó durante este último Salón del Comic de Barcelona el octavo número de Amazing Monsters (“The 8chenter monster culture magazine!”) con artículos de casi todo el fandom barcelonés: David García (Supersonic Man), Marc Gras (Troma is spanish for Troma), James J. Wilson (Condenados a luchar), J. O. Romero (Classics Werewolf Special), Adrian Encinas (Penes en stop-motion en la historia del cine ¡¡…!!), Diego Lopez (Los perversos rostros de Victor Israel), Naxo Fiol (Pseudo-Aliens),  Luis Rueda (Village of the Damned), Jess Bernal (Ghostbusters), Victor Olid (Películas exploitation con enanos), Jordi Valls (Splatterhouse), A. Orante (8 Bit Zombies), además de muchos comics.

Sólo nos queda felicitar a nuestro amigo Dani y animarle a seguir al pié del cañón.

Categorías:EN CORTO

“Con lo que más se disfruta es con lo que menos dinero se gana”: Entrevista a Emilio Linder.

19 abril 2011 4 comentarios

Emilio Linder es uno de esos actores todoterreno y una cara familiar en todas las áreas de la actuación:Puede recordarse como presentador en televisión del programa De película, en cintas de terror de Piquer Simón, en films eróticos de la transición, en infinidad de series de televisión… pero repasando su abultada filmografía vimos que había todo eso y mucho más, así que cuando tuvimos la ocasión de contactar con él y hacerle una entrevista no lo dudamos.

El resultado no podía haber sido más satisfactorio: Emilio Linder es una persona vital, optimista y  colaboradora, que aunque siempre está ocupado con proyectos -aunque siempre menos de los que le gustaría-  hizo un hueco para contestar el abultado cuestionario que le enviamos, y de tal forma, que hemos preferido no completar ni añadir demasiados datos para que sea él, el protagonista, el que nos cuente y repase su carrera.

Es una gran satisfacción ofrecer esta entrevista que esperamos que os guste tanto como a nosotros.

  

Tu carrera en el cine comienza fuerte en 1980 con El gran secreto (P. Mario Herrero) y La mano negra (Fernando Colomo) compartiendo cartel junto a grandes nombres del cine español como Francisco Rabal, Emilio G. Caba, Charo López, Manuel Alexandre ¿Que significó esto para un actor principiante? ¿Como conseguiste estos papeles?

Bueno, pues no era tan principiante ya que mi carrera como actor había empezado en 1977, cuando dejé (sólo profesionalmente, claro) la música y participé en series como El Juglar y la Reina de Julián Mateos, Escrito en América de Miguel Picazo, Los Desastres de la Guerra de Mario Camus y en teatro en Satán Azul, y luego estuve un año de gira (78 – 79) por España y Europa con Flowers y Salomé, con la Lindsay Kemp Company. Vamos, que no fue tan difícil conseguir esos papeles, con los que disfruté y seguí aprendiendo mucho, claro.

¿Como das el salto al floreciente cine erótico? ¿Que opinas de ese cine? ¿Alguna anécdota?

El “salto” al “floreciente cine erótico” se debió a que, en esos maravillosos y esperanzadores años de la “transición” había unas referencias de cine “S” extranjero como Historia de O, Bilitis, Emmanuelle, o nada menos que El último tango en París y además los cachés  eran muy buenos y tentadores, razones más que suficientes para que muchos actores y actrices españoles “cayéramos en la tentación”. Yo sólo intervine en 7 u 8, ya que en el 82, creo, se legalizó el cine X y el S dejó de hacerse. Y anécdotas muchas. Las más cachondas, claro, son las que ocurrían al finalizar las sesiones de rodaje, en el que todo, por supuesto, era “fingido” y actuado y después del rodaje, ya no… A buen entendedor… Y las películas eran bastante malas, salvo pocas y honrosas excepciones.

Resulta sorprendente que no te encasillaran en el cine erótico y que saltaras de este tipo de cine al cine comercial  y a la televisión ¿Alguna vez tuviste algún problema, a nivel profesional, por haber interpretado este tipo de cine?

No, ninguno. Quizás, entre otras razones, porque ya había más “cosillas” en mi currículum anterior y porque mi trabajo actoral en esas películas no estaba tan mal…

A inicios de los años ochenta comienza tu colaboración con Juan Pique Simón, actuando en Mil gritos tiene la noche. Actualmente es un film de culto que ha sido editado lujosamente en DVD en Estados Unidos. ¿Que recuerdos tienes del rodaje y del director?

Los rodajes de las películas de Juan Piquer eran muy especiales, en el mejor sentido de la palabra. Había en ellos una magnífica sintonía entre todo el equipo, que es algo imprescindible para lograr un producto de calidad. Y esto, por supuesto, no era casual, sino que era una de las prioridades de Juan el conseguirlo. Era una gozada muy divertida y enriquecedora trabajar con amigos y profesionales de esa magnitud.

Por cierto, ¿Te gusta el cine de terror?

Sí, me gusta. No es mi género favorito como espectador, aunque he disfrutado mucho con varias películas, obras maestras del cine. Pero como actor disfruto y, paradójicamente, también me divierto mucho en los rodajes.

También colaboras en otros films del director como Los nuevos extraterrestres (1983), Guerra sucia (1984), Slugs (1988) -donde te prepararon una muerte de lo más repugnante-, La Grieta (1990)y La mansión de Cthulhu (1992) ¿Nos cuentas algo sobre ellas?

Insisto, lo paso bien en los rodajes. El día que se rodó mi muerte en Slugs, p. ej., en un restaurante de La Moraleja, mientras se preparaba la secuencia, repugnante, por cierto, en el mejor sentido también, de pronto descubrí que, en una mesa estaba sentada nada menos que Silvana Mangano, relacionada con los Escrivá, productores de la peli, preparada para hacer un “cameo”, con el que empezaba la secuencia. Y claro, me acerqué y estuve charlando con ella un rato inolvidable.

¡Vayan!, ¡Vayan y vean  en el minuto 1 de este video la repugnante muerte de nuestro amigo Emilio Linder en Slugs!

¿Que tal fue el rodaje de La Grieta, film repleto de efectos especiales?

Pues el más claro y mejor ejemplo de la maestría de Juan. Vamos, resumiendo, esos efectos especiales tan bien conseguidos, en una película americana hubieran supuesto un gasto de producción cien veces mayor y, seguramente, no hubieran sido tan convincentes y creíbles. Todo se rodó en un plató y una piscina, creo recordar… El rodaje fue una gozada, con esos actorazos, entre los que estaba R. Lee Ermey.

 También intervino el televisivo Pocholo, ¿ Daba señales de estar tan desquiciado como demostró más tarde?

No, para nada, aunque ya era un poquito especial…

Compaginando rodajes con el cine “S” interpretas Mi conejo es el mejor (1982, Ricardo Palacios), junto a Lina Romay, un primer acercamiento al universo Jesús Franco, junto a quien rodaste varios films ¿Que recuerdas de esos rodajes? ¿Te gustó rodar con Jesús Franco y Lina Romay? ¿Son tan caóticos  y divertidos los rodajes como aparentan?

Esta pregunta prefiero no contestarla, por razones que te contaré personalmente…

Has tomado parte en una buena cantidad de films coproducidos con Estados Unidos, supongo que rodados en inglés, ¿Te ha ayudado esto a la hora de conseguir trabajo en este tipo de films?

No es que me haya ayudado, sino que era imprescindible. Además, había que ser bilingüe, ya que se rodaban con sonido directo y no admitían tener que doblarte. Estaban obligados a contratar personal artístico y técnico español y actores españoles que hablaran inglés y en esos años éramos aún menos que ahora…

Has actuado junto a actores muy populares como Tom Berenguer, Rod Taylor, Britt Ekland, Peter O’Toole, Donald Sutherland o Anouk Aimée ¿Tienes alguna anécdota de los rodajes que compartisteis?

Tengo muchas e inolvidables. Aquellos rodajes eran maravillosos y muy enriquecedores (en todos los sentidos…). Y te preguntabas por qué aquí no tenían esa “estrategia” de mimar a los actores, una cuestión de sentido común, ya que, cuanto mejor te tratan y más te dan mejor te portas y más aportas. “Personal coach”, atención constante, doble de luces y un largo y maravilloso etcétera… En Wings of Fame, (1990, Otakar Votocek)  p. ej., el primer día de rodaje me preguntaron si me apetecía tomar una copita después de comer. No entendí por qué me lo preguntaban, pero contesté que me gustaba el cognac y al día siguiente me encontré una botella de Napoleón Gran Reserva en mi camerino… Y un día, en el mes de octubre, rodando en Cannes una secuencia en un muelle, en la que me metían una hostia y me caía al mar, por supuesto con dobles y especialistas, el dire, Otakar, maravillosa persona, muy cortado, me preguntó si yo estaría dispuesto a no ser doblado y caerme al mar para rodar un plano mucho mejor y más realista, y yo dije que por supuesto. Rodamos la primera (y única) toma y, al salir del agua, había como diez personas esperándome con mantas, calefactores y más cosas. Está claro, ¿no? Y con Peter O’Toole tuve una casi amistad muy divertida y varias anécdotas, como las que ocurrían al ponernos a fumar al lado de los que nos criticaban por viciosos… Y con mi amigo Donald Sutherland también, como cuando fuimos juntos a un conciertazo (de James Brown, creo) en la sala Jácara y la gente flipaba… Dos maravillosas personas, humildes y generosas…

Otro film de terror en el que tomaste parte es Leviatán (Monster Dog, 1984 Claudio Fragasso)  film protagonizado por Alice Cooper ¿Hizo muchas barrabasadas? ¿Es tan bella Victoria Vera al natural como en cine?

Alice Cooper, maravillosa persona también, estaba en un proceso de “recuperación” y recuerdo que tenía siempre a su lado una caja de Coca-Cola y se bebía una botella tras otra. Y Victoria es una de las personas más bellas, por dentro y por fuera, que he conocido en toda mi vida…

Has tomado parte también en rodajes para directores italianos bien reconocidos para los seguidores del cine de género como son Bruno Mattei (Scalps, Venganza India) y Andrea Bianchi (Comando Mengele) ¿Que tal fueron los rodajes? Tengo entendido que el de Bianchi se rodó en Uruguay.

En Comando Mengele (1987) no rodé en Uruguay, sino en España. Hace tantos años, que ya no recuerdo muchos detalles. Y lo que recuerdo de los rodajes de Scalps (1987) y de otros “spaghetti westerns”, es que también eran muy divertidos. Era como jugar a ser cowboys y cobrando (bien, por cierto…). Aún conservo buenos amigos que hice durante aquellos rodajes en Almería.

Por cierto, gracia al cine has viajado mucho ¿ Has llegado a instalarte en el extranjero?

Estuve a punto de instalarme en dos oportunidades: rodando Wings of Fame en Amsterdam me enamoré profundamente de esa ciudad, a la que volví y seguiré volviendo muchas veces y de sus habitantes y luego me ocurrió lo mismo con Berlín, donde íbamos cada año a la Berlinale, con el De Película. Pero por diversas circunstancias nunca tomé la decisión de hacerlo…

¿Cual sería la película que te hubiera gustado hacer? ¿Hay alguna que te hayan ofrecido que te arrepientas de no haber interpretado?

Pues hay muchas en las que me hubiera gustado estar, claro, pero no me arrepiento de no haber trabajado en ninguna, ya que tampoco he rechazado muchas…

¿A que crees que se debe de que seas solicitado por tantos directores extranjeros?

Últimamente no estoy muy solicitado por directores extranjeros, ya que llevo muchos años sin trabajar fuera de España. Pero en la época en que sí lo estaba, quizás fuera porque mi “método” de trabajo sintonizaba más con el suyo que el que predominaba aquí todavía, ya muy “anticuado” y porque hablaba inglés, claro. Pero estas dos razones siguen existiendo, creo. A buen entendedor… Como decía Ortega y Gasset, el hombre es el hombre y sus circunstancias y las circunstancias me están haciendo pensar en volver a intentar trabajar fuera…

Emilio Linder en Kalte, dirigida por Ramón Alfonso.

En cuanto a la televisión, además de presentar el programa De película (1988-1991), has participado en infinidad de series (prácticamente en las más importantes de los años 90), en algunas muy populares como Al salir de clase, Más que amigos, Hospital Central y últimamente en Amar en tiempos revueltos ¿Que opinas de televisión y de las series en general? También has sido presentador.

Las series (y la televisión, en general) son, por lo general, los trabajos mejor remunerados y que te “mediatizan”, dos factores imprescindibles, lamentablemente, si quieres participar en proyectos más enriquecedores, pero en otro sentido, como el teatro. O sea: el participar en una serie de éxito, además de ser, casi siempre también, un trabajo reconfortante y un entrenamiento muy bueno y muy constante, te proporciona esa “paz espiritual” (o económica…) que propicia que la energía y la creatividad estén en pleno rendimiento. Por lo general, con lo que más se disfruta es con lo que menos dinero se gana y viceversa… Vamos, que estoy respondiendo, creo a la siguiente pregunta.

Has tomado parte en cortos, ¿Que opinas de ellos? ¿Crees que puede ser un buen punto de partida para nuevos talentos?

Lo es, desde luego. Siempre (y últimamente mucho más) se han hecho, porcentualmente, muchos mejores trabajos en cortos que en largos y la razón es, como decía Rilke, que para que un trabajo creativo pueda convertirse en una obra de arte, es imprescindible que lo que te motive para llevarlo a cabo no sea el que vaya a gustar o ser rentable, sino que sea lo que realmente quieras decir y transmitir…

Has utilizado otros nombres artísticos, algunos de lo más exóticos como Neivi Trempat, ¿a que es debido, sobre todo este en concreto?

Neivi Trempat creo que fue el nombre de un personaje de alguna de aquellas pelis de los 80. Y los otros se deben a que mi apellido real es Lindner y es muy complicado tener un apellido así en España. En las pelis extranjeras lo ponían bien, pero en los trabajos españoles era siempre Linder y, como era este mi país de residencia, me “adapté” y así “perduró”. O sea que mi “nombre artístico” fue, es y seguirá siendo “Emilio Linder”.

Repasando tu carrera veo que puedes decir algo que no todos los actores de este país  pueden decir, y es que prácticamente no te ha faltado nunca el trabajo y que has podido compaginar todo tipo de cine sin complejos ni tonterías ¿Crees que esto es debido a tu ductilidad como actor y a los idiomas? ¿Cual es el secreto?

Bueno, como todos los actores (y todos los artistas), repito lo que dijo una vez Fernán Gómez, algo así como que el verdadero éxito es que puedas sobrevivir tantos años trabajando y ganándote la vida como actor. Y yo le añadiría que, además, es una bendición de la que no muchas personas disfrutan. Pero también he tenido rachas difíciles, como todos. Siempre que tocamos este tema, tan común entre artistas, recuerdo un anuncio que salió, creo que en los años 70, en un periódico de Los Ángeles: “actriz con DOS OSCARS busca trabajo desesperadamente”, publicado nada menos que por Bette Davis, que atravesaba una situación realmente desesperada… Yo no he ganado ni un Oscar, pero sí algún que otro premio y ahora, dadas las circunstancias, las cosas tampoco están muy a mi favor. Pero mira por dónde, como dijeron ya muchos genios, Einstein entre ellos, en las crisis se crece, te superas a ti mismo sin quedar superado. Es cuando aflora, por necesidad, lo mejor de cada uno… Y estoy poniendo en marcha varios proyectos teatrales muy apetecibles y con muy buena pinta. Ya veremos…

Muchas gracias de verdad y desde el corazón y la cabeza, Carlos y Montse, por darme esta magnífica oportunidad de explayarme y decir y recordar tantas cosas tan reconfortantes, tan “justificantes” y tan “auto-sanadoras” o terapéuticas.

Y con esto dejamos a Emilio, siempre ocupado, impartiendo cursos de interpretación,  actuando tanto en producciones independientes   de directores  como Ramón Alfonso (Kalte) como para directores consagrados  como Benito Zambrano (La voz dormida), pero sin dejar de buscar  incansablemente trabajo, actuando en El Caldero de Cobre  recitando poemas de Don Francisco de Quevedo y de otros grandes de la poesía, como Lope, Benedetti, Gil de Biedma, Borges… y con lo que surge a partir de ellos, hablando sobre la mujer, la amistad, la familia, las crisis, el amor y todos estos “temillas” que rigen nuestras vidas…

Gracias a tí Emilio y a tu amabilidad, ya que da gusto contar con la colaboración de un tan consagrado actor que no duda en  darnos un poco de su tiempo recordando su ya prolongada carrera en el cine y en el teatro, carrera  que sin lugar a dudas todavía tiene mucho que ofrecernos.

…. Y para terminar algún cartel y un poco de memorabilia terrorífica  Linder / Pique Simón:

Bolsa para vomitar que se daba en las entradas de los cines donde se proyectaba Slugs.

 

La lujosa edición americana (claro) en dos discos de Mil gritos tiene la noche, una de las películas favoritas de Eli Roth.

Internet es el presente del cine: Primer Festival europeo de cine invisible ¡¡¡online!!!

14 abril 2011 4 comentarios

Álex de la Iglesia se despedía de la presidencia de la Academia afirmando que Internet es el presente del cine, sin duda su discurso fue lo más aplaudido de la gala por parte de todos los internautas. Esta semana Enrique González Macho arrasaba en las votaciones y salía elegido decimotercer presidente, dejando fuera a Bigas Luna, y señaló que Internet es el futuro, desde una actitud conciliadora que enfriara las caldeadas aguas del debate. Pero estamos seguros de que González Macho habla de un futuro que ya es ahora, no en vano es el propietario del portal Filmin servicio de alquiler on line que muchos hemos puesto como ejemplo de a qué nos referimos cuando sostenemos que, no se trata de prohibir o cerrar webs, sino de innovar el negocio del cine.

No sólo Filmin ofrece la posibilidad de ver películas en Internet de forma legal, hay otras plataformas entre las que destaca Filmotech. Y Filmotech es noticia estos días por otra gran iniciativa: la organización del I Festival europeo de cine invisible .  Excelente idea la que ha tenido este portal puesto que nos va a dar ocasión de ver películas que no se han estrenado comercialmente ni conocen edición en DVD, es más se trata de películas que tendrían problemas de distribución en el apretadísimo mercado cinematográfico. La sección oficial consta de tres apartados: cine español inédito con seis interesantes títulos, Dispongo de Barcos (Juan Cavestany), Ander (Roberto Castón), La vida útil (Federico Veiroj), Los materiales (Colectivo Los Hijos (Javier Fernández Vázquez, Luis López Carrasco y Natalia Marín Sancho)), Morir de día (Laia Manresa y Sergi Díes), Todos vos sodes capitans (Fayçal Algandouzi); cine europeo inédito con tres títulos a competición, Tourneé (2010, Mathieu Amalric), Dinero fácil (Snabba Cash, 2010, Daniel Espinosa) y Cartas a Dios (Oscar et la dame rose, 2009, Eric-Emmanuel Schmittz); por último, compiten también Draquila (2010,Sabina Guzzanti), Im bazar geschlecht (2009, Sudabeh Mortezai) y Little Alien (Nina Kusturica), en la categoría documentales inéditos. Como todo buen festival que se precie tiene su sección paralela en la que podrán revisarse los clásicos españoles como son El pisito (1958, Carlos Saura, Marco Ferreri, Isidoro Martínez Ferry), Plácido (1961, Luis GracíaBerlanga), El espíritu de la colmena (1973, Víctor Érice), Viridiana (1961,Luis Buñuel), La caza (1965, La Caza) y Calle Mayor (1956, J.A. Bardem), todas ellas incluidas en los fondos de Filmotech. El premio del jurado a la mejor película estará dotado con la edición en DVD de la ganadora, su emisión en TCM y 2.500 euros en metálico, acertado galardón si pensamos que se trata de dar difusión a películas que podrían haber acabado siendo invisibles.

Hasta aquí este festival no difiere demasiado de otros tantos, su novedad es que se trata de un festival on line con acceso gratuito a todas esas obras durante un mes (desde el 11 de abril al 11 de mayo). No sólo es cine gratuito a través de Internet sino que además se trata de un visionado legal, tal como afirma la organización:  El visionado de las películas a competición se ofrecerá de forma completamente gratuita, respetando los derechos de propiedad intelectual. Las categorías de Cine Inédito Documental y Europeo admiten un máximo de 500 visionados por película. Tras su estreno en el Festival de Cine Online, las películas se explotaran comercialmente en cines y DVD.

Imagen de Film Socialism, película que Godard estrenó a la vez en Cannes y en Internet

Y es que el espíritu que anima a este festival es sacar a la red el partido que esta puede ofrecer para difundir obras cinematográficas que de otro modo no llegarían al público. Así lo expresa Jordi Minguell, impulsor del certamen junto a Jesús Ulled: mientras comíamos en la Playa de San Sebastián y hablábamos de todo ese cine que se produce y termina en el cajón de un distribuidor, en el mejor de los casos, o directamente se quedaba en el cajón del equipo de producción. Cine invisible que a pesar de su indudable calidad e interés no llegaban a las pantallas por un cálculo de rentabilidad apretado, apretadísimo, por la coyuntura.(…)Cine invisible a pesar de la plataforma de exhibición que tendría que ser Internet. Y se pronuncia rotundamente defendiendo lo mismo que opina quien escribe esto: Más allá de la piratería, haciendo del problema la solución, Internet es hoy por hoy una plataforma legal, rentable y sostenible para un cine en búsqueda de nuevos formatos, nuevos modelos, nuevos productos… Con este 1º Festival europeo de Cine Invisible no sólo se busca difundir lo inédito sino también apostar por la reformulación de un modelo de negocio que tiene los días contados (guste o no a nuestros exhibidores, a nuestros distribuidores o a nuestra ministra).

Durante un mes podremos disfrutar de todas las películas mencionadas gratis, para ello basta con registrarse en la página del Festival: http://www.festivalcineonline.com/Default.aspx Tras estar registrados, se recibirá por mail un código y con ese código las películas pasan a estar disponibles en streaming de definición Media o Alta. Para cada película disponemos de 24 horas, ¡¡¡como los videoclubs de toda la vida!!! No sólo se es espectador, el público puede votar por su favorita entre todas las de la sección oficial, la que obtenga más votos recibirá un premio honorífico. Y aún hay más, el propio público-jurado puede recibir uno de los diez abonos para disfrutar gratis de Filmotech durante un año, abonos que serán sorteados entre los votantes.

Ya estamos tardando en tomar parte de esta excelente iniciativa.

Categorías:w Otros festivales

Continúa en DVD el ciclo “terrorífico” de Abbott y Costello

Atelier edita dos nuevos volúmenes de esta serie dedicada a las comedias que Abbott y Costello protagonizaron y que contaban con personajes que, pocos años antes, había popularizado la misma Universal para la que trabajaban los cómicos.

El primer volumen contenía dos títulos que en la época se estrenaron aquí: el primer acercamiento del dúo al cine fantástico, Agárrame ese fantasma (Holt that Ghost, 1941 Arthur Lubin) que contó con el atractivo de las Andrews Sisters en los números musicales y El fantasma huye (The Time of  Their Lives, 1946 Charles Barton), otra comedia de fantasmas.

El menú mejoraba con la segunda entrega, ya que contiene el mejor título de estos cómicos: Bud Abbott y Lou Costello contra los fantasmas (Abbott y Costello Meets Frankenstein, 1948 Charles Barton), uno de los  films que más  monsters freaks ha creado en todo el planeta, incluida España, ya que además de estrenarse  en la época fue repuesta varias veces, siendo en una de estas  reposiciones de los años setenta en las que el antiguo niño que esto les cuenta tuvo ocasión de verla numerosas veces, quedando enloquecido para siempre por sus queridos monstruos, cosa que no me extraña ya que cuenta con la presencia de Bela Lugosi, Lon Chaney Jr. y Glenn Strange, que sustituye al ausente Boris Karloff en el rol de monstruo de Frankenstein quedando más presentable que los anteriores experimentos que hizo Universal con Bela Lugosi y Lon Chaney Jr. Pero no teman, ya que el otro título que contiene este segundo volumen es Abbott y Costello contra el asesino (Abbott and Costello Meet the Killer Boris Karloff, 1949 Charles Barton), film menor pero estimable sobre todo por la presencia del mágico Karloff haciendo de mago hipnotizador de pega (de esos con turbante que también interpretó Lugosi).

Ahora Atelier 13 anuncia otros dos  lanzamientos dobles:

El volumen 3 reune dos películas que, al igual que la de Karloff quedaron inéditas en nuestro pais: Abbott y Costello contra el hombre invisible (Abbott and Costello Meet the Invisible Man, 1951 Charles Lamont) y la descabellada Abbott y Costello van a Marte (Abbott and Costello Go to Mars, 1953 Charles Lamont) que contó con la intervención siempre agradable de Anita Ekberg.

Finalmente el cuarto DVD doble contiene las muy interesantes -y naturalmente inéditas-  Abbott y  Costello contra el Dr. Jekyll y Mr. Hyde (Abbott and Costello Meet Dr. Jekyll and Mr. Hyde, 1953 Charles Lamont), que contó con Karloff en el papel de Dr. Jekyll, pero no como Hyde,  que interpretó Eddie Parker con una máscara y Abbot y Costello contra la momia (Abbott and Costello Meet the Mummy, 1955 Charles Lamont).

Todos los DVD tienen trailers, filmografias y están en V.O. en inglés con subtítulos en castellano y francés. También incluyen el libreto al que nos tiene acostumbrados Atelier.

¿Qué queda por editar? pues ciñéndonos al fantástico  yo diría que bien poco, si acaso se echa en falta el documental Meet the Monsters que se incluía en el cuarto pack americano The Best of Abbot and Costello y que tenía la curiosidad de contener tomas falsas de Abbott y Costello contra los fantasmas, incluídas bromas a Bela Lugosi que no se toma nada bien, por cierto. Y ya puesto a pedir: The 30 Foot Bride of Candy Rock (1959, Sidney Miller), comedia interpretada en solitario por Lou Costello el mismo año en el que falleció y que parodiaba Attack of the 50 Foot Woman (1958, Nathan Hertz), con novia gigante incluída  para el gordo cómico.

DVD /Blu-ray: Abril

Escasos lanzamientos en este mes con dias de vacaciones (quien las tenga o pueda hacerlas) y los que hay tampoco son para lanzar cohetes pero… 

SCAR (Emon Home Entertainment) DVD /Blu-ray

Scar 3D ,EE.UU. 2007 Duración: 83 min Clasificación: Mayores de 18 años Género: Terror, Thriller Color: Color Fecha de estreno: 25/06/2010

Director: Jed Weintrob Guión: Zack Ford Intérpretes: Angela Bettis, Kirby Bliss Blanton, Devon Graye, Ben Cotton Música: Roger Neill Fotografía: Toshiaki Ozawa Montaje: Chris Figler Distribuidora: Flat Cinema Web: http://www.scarthemovie.com

Argumento: La historia de Ernie Bishop (Ben Cotton), el enterrador local, sigue en boca de todos en Ovid, un pueblo de Colorado. La terrible leyenda nació hace 16 años, pero el pueblo aún no se ha recuperado. Ernie Bishop secuestraba a adolescentes y los encerraba en el sótano de la funeraria, en los cajones destinados a los cadáveres. Torturaba e infligía cortes a sus víctimas y les enseñaba el reflejo de su sadismo en un pequeño espejo. Los recuerdos de esa época no se han borrado. Una de sus víctimas, Joan Burrows (Angela Bettis), consiguió escapar, matando a Bishop en su huida, y se convirtió en la heroína local. Joan, que se fue del pueblo después del incidente y ahora es una agente inmobiliaria de éxito, regresa por primera vez al cabo de 16 años con ocasión de la coronación de su sobrina Olympia (Kirby Bliss Blanton) como “Reina Pescadora”. Pero en cuanto llega, alguien empieza a imitar a Bishop. Secuestran a varios adolescentes, todos amigos de Olympia, y aparecen sangrientas pistas. Al principio, Joan teme que Bishop haya regresado y cree que se está volviendo loca. Pero cuando Olympia también desaparece, Joan decide seguir las huellas del asesino. Sin embargo, una serie de desdichadas coincidencias hace que la policía la detenga como principal sospechosa. Joan consigue escapar con la ayuda de Paul (Devon Graye) e intenta llegar a Olympia antes de que sea demasiado tarde. Encuentra a su sobrina en una cámara subterránea. El asesino mata a la mejor amiga de Olympia sin que Joan pueda impedírselo, pero la mujer consigue salvar a su sobrina, que se convierte en una heroína como ella.

Extras en mínima expresión: Trailer, fichas y filmografía.

Lanzamiento 13 de abril de 2011.

AGNOSIA (Aurum) DVD

Agnosia, España 2010 Duración: 105 min Color
Fecha de estreno: 05/11/2010

Director: Eugenio Mira
Guión: Antonio Trashorras
Música: Eugenio Mira
Fotografía: Unax Mendía
Montaje: Jose Luis Romeu

Argumento:

Joana Prats (Bárbara Goenaga) sufre agnosia, una extraña enfermedad neuropsicológica que afecta a su percepción. Aunque sus ojos y sus oídos están en perfectas condiciones, su mente no interpreta bien los estímulos que recibe a través de ellos. Única conocedora de un secreto industrial guardado por su padre, la enigmática joven será víctima de un siniestro plan urdido para extraerle esa valiosa información aprovechando su confusión sensorial. Durante el complot, dos personajes cercanos a ella jugarán un papel crucial: Carles (Eduardo Noriega), prometido de Joana y mano derecha de su padre, y Vicent (Félix Gómez), un joven e impulsivo criado de la mansión Prats.

EXTRAS: Escenas eliminadas, prologo alternativo, making of, entrevistas y trailers.

Lanzamiento 20 de abril de 2011.

LOS OJOS DE JULIA (DVD /Blu-ray)

Título original: Los ojos de Julia
País: España
Estreno en USA:
Estreno en España: 29/10/2010
Productora: Rodar y Rodar
Director: Guillem Morales
Guión: Guillem Morales, Oriol Paulo
Género: Thriller, Terror, Fantástico
Reparto: Belén Rueda, Lluís Homar, Pablo Derqui, Francesc Orella, Joan Dalmau, Boris Ruiz, Daniel Grao, Clara Segura, Andrea Hermosa, Julia Gutiérrez Caba

Julia recibe la noticia de la inesperada muerte de su hermana, Sara. Todos los hechos apuntan a que se trata claramente de un suicidio. A pesar de todo, Julia es incapaz de aceptar esta versión y empieza a investigar las circunstancias que rodeaban la vida de su hermana, a la que no visitaba desde hacía unos meses.

Pero algunos inquietantes indicios, que contradicen el carácter de Sara, y el descubrimiento de que su hermana se había apartado completamente de sus vecinos y amigos sólo hacen aumentar en ella las sospechas de que algo extraño se oculta tras su muerte.

La obsesión de Julia por seguir sus últimos pasos en vida la conducen a cruzarse con una amenaza misteriosa que nadie más en su entorno parece percibir, ni siquiera su marido, Isaac. Julia debe enfrentarse a este peligro desconocido superando además una trágica adversidad: una enfermedad genética degenerativa que le provoca la pérdida progresiva de su visión.

EXTRAS: Como se hizo.

Lanzamiento: 27 de abril de 2011.

Categorías:DVD / BLU-RAY

Nuevo libro de Víctor Matellano: Spanish Exploitation. Sexo, sangre y balas.

En 2009 Víctor Matellano publica Spanish Horror, libro que hacía un ameno repaso al Fantaterror Español, profusamente ilustrado y con un estupendo capítulo dedicado a los rodajes realizados en Talamanca del Jarama, esponsor de este libro junto a la editorial T&B. El libro fue presentado en la sala del terror del  museo de cera de Madrid , contando con la presencia de Paul Naschy. También se presentó  en la Filmoteca (Ciné Doré) con la presencia de grandes figuras del Fantaterror Español (como pueden comprobar en  la foto de abajo)

Ahora Víctor vuelve a la carga y publica un perfecto complemento al anterior  libro: Spanish Exploitation. Sexo, sangre y balas. Un libro -el número 17 del autor-  en el que trata películas de Jesús Franco, Piquer Simón y en general de directores que hicieron films basando en éxitos americanos ¿Algunos ejemplos? pues ya se pueden imaginar: Superman (1978, Richard Donner)= Supersonic Man (1980, Juan Piquer Simón); Viernes 13 (Friday the 13th, 1980 Sean S. Cunningham) = Mil gritos tienen la noche (1982, Juan Piquer Simón); La noche de los muertos vivientes (Night of the Living Dead, 1968, George A. Romero)= No profanar el sueño de los muertos (1974, Jorge Grau);… dignas exploitation que en muchos casos figuran entre nuestras favoritas más que las que las inspiraron.

Segun el autor, el libro se divide en tres bloques: Sexo (cine erótico y pornográfico), Sangre (terror)  y Balas (western y quinqui), repitiendo apartado especial dedicado a Talamanca del Jarama y los rodajes realizados allí como escenario cinematográfico, tal y como hiciera en su Spanish Horror.

Esperemos que otros géneros como el bélico, peplum o policíaco/espias, por ejemplo, no se queden en el tintero.

El libro fue presentado el 9 de abril en la V edición del Festival Talamanca  de Cine 2011 y su autor también se lo llevará a la  VIII Edición del Festival de Cine de Alicante (23 al 29 de mayo), lugar donde se han rodado también infinidad de los films reseñados.

El libro con prologo (¿necesario?) de Alaska, también está editado por T&B Editores y esponsorizado por Talamanca de Cine,  tendrá 256 páginas, costará 19,50 euros y se espera que para primeros de mayo podamos hincarle el diente los mortales que no acudamos al Festival de Alicante.

Ganas de leerlo hay, aunque lo que tiene por tratar es muy amplio, así que esperemos que no sea un trabajo superficial  que quede como una oportunidad desaprovechada de hacer un trabajo a fondo sobre un tema poco tocado y ciertamente apetitoso.

Presentación de Spanish Horror en la Filmoteca (Cine Doré) de izquierda a derecha: José Ramón Larraz, José Lifante, Paul Naschy, Víctor Matellano, Jack Taylor, Antonio Mayans y Saturnino García.

Los Zombies invaden el Salón del cómic de Barcelona

En esta ocasión la moda zombie va a tomar el Salón del Cómic de Barcelona. Esperemos que los simpáticos muertos andantes no terminen calcinados con tanta reivindicación, que la cosa parece que ya empieza a oler, nunca mejor dicho. Pero bueno, como me dijo una antigua novia, lo mejor de las modas es que cuando llega una que te interesa y que satura el mercado,  puedes quedarte con lo mejor que se ha hecho y desechar lo que no vale, porque luego viene otra fiebre y se olvida.

Ignoro si en este caso  sucederá eso, pero el Salón de este año si que puede asegurarse que va a oler a muerto, ¿cadaveres andantes para animar el moribundo mercado del cómic? Todo es válido si es para animarnos a que religiosamente acudamos a nuestra tienda de cabecera a adquirir nuestros comics favoritos.

Yo, al menos no pienso dejar de hacerlo, aunque la crisis me haya obligado a abandonar alguna colección…

Pero bueno, dejémonos de rollos y repasemos un poco como tomarán los muertos el salón:

CONCURSO COSPLAY ZOMBI (modalidad individual y grupos): Vamos, que se trata de demostrar que tal haceis el zombie en dos minutos ante un jurado que escogerá juzgando  cinco categorias: gruñidos, actuación, caracterización y zombi de mercadillo (¿cutrezombie?).  Así escogerán 20 zombies con lista de reservas por si no se presenta alguno. Los ganadores obtendrán “premios hediondos y horripilantes” de las empresas colaboradoras.

EXPOSICIÓN: ZOMBIES, NI MUERTOS NI ENTERRADOS: La exposición  quiere realizar un recorrido por este género en el cine, el cómic y en la televisión. El comisario de la muestra es Ángel Sala, director de Sitges Festival Internacional del Cine Fantástico de Catalunya. La exposición se estructura en diferentes apartados que  permitirán conocer las diferentes tipologías de zombies y cómo se han extendido como una plaga a través del celuloide y de las viñetas.

VIDEOCONFERENCIA CON ROBERT KIRKMAN Y MARATÓN THE WALKING DEAD:  FOX, Megacine y Ficomic ofrecen una  videoconferencia con Robert Kirkman, creador de The Walking Dead, que tendrá lugar el jueves 14 de abril a las 21 horas en el Megacine del Magic Badalona. A continuación los asistentes podrán quedarse a disfrutar de un maratón con los seis episodios de la primera temporada de The Walking Dead. Además, en el acto también participará el dibujante de esta obra Charlie Adlard.
Para ser uno de los afortunados, debes entrar en el facebook de Megacine  (http://www.megacine.eu/) y FICOMIC y superar una prueba.
También se  puede participar a través http://www.foxtv.es/ donde encontrarás información sobre The Walking Dead y muchas otras series.

PHENOMENA: El viernes 15 de abril se proyecta en el cine Urgel una nueva entrega de Phenomena, en esta ocasión dedicada a los muertos andantes con tres grandes films:  El día de los muertos (Day of the Dead, 1985  George A. Romero) 21.30 horas; Posesión infernal, (Evil Dead, 1981 Sam Raimi) 23.15 horas; y La Horde   (2009, Yannic Dahan y Benjamin Rocher) 00.30 horas.Tres formas distintas de ver a nuestro queridos muertos devoradores. El precio de la entrada única para ver las tres películas es de 12 euros y los filmes se exhiben en versión original subtitulada al castellano. Por lo tanto, una oportunidad única para ver estos tres grandes éxitos del cine de terror en las mejores condiciones y a un precio muy económico.

Dejando ya el tema Zombies y entrando en el Salón en sí, incluye este año entre sus premios la novedad de otorgar uno a la mejor película estrenada en salas durante el año 2010 basada en  un cómic o que tenga como protagonista el mundo del cómic, reconociendo el Salón así la relación entre el cómic y el cine que se está intensificando en estos últimos años.

Todo ello sin olvidar la visita de artistas y guionistas invitados como: Angel Stano (dibujante de Dylan Dog), Brent Anderson (Dibujante de Ka-Zar, X-Men…), Charlie Adlar (Dibujante de The Walking Dead, Batman: Gotham Knights, Green Lantern…), Eddie Campbell (Artista de From Hell),  Garth Ennis (Guionista de Predicador, Juez Dredd, Hellblazer…) Brian Azzarello (guionista de 100 Balas, Luthor…) y  Kurt Busiek (Guionista de Historias jamás contadas de Spiderman, Superman…) entre otros.

Además de recomendables conciertos de Tiki PhantomsMotorzombis, Los Toros y un monólogo de Berto Romero zombificado para la ocasión.

Tiki Phantoms

Para saber más y conocer todo los detalles:  http://comic-29.ficomic.com/INFO/default.cfm

Categorías:Cómic Barcelona

Nueva proyección de El Buque Maldito y Zombie Walk en Barcelona.

8 abril 2011 1 comentario

Poco más que añadir. Nos encantará escuchar las anécdotas y vivencias de José Lifante, veterano y de rostro familiar actor que permanece inolvidable para los fans del fantaterror como zombie en la magníficia No profanar el sueño de los muertos (1974, Jorge Grau), además de, entre otras en El asesino de Muñecas (1975, Miguel Madrid), El extraño amor de los vampiros (1977, León Klimovsky), Dagon, La secta del mar (2001, Stuart Gordon) o Rojo Sangre (2004, Christian Molina). En esta ocasión tendremos la oportunidad de ver La Perversa caricia de Satan, un film dirigido por Jordi Gigó en 1975, una coproducción entre España, Francia y… Andorra  que cuenta con la colaboración de Silvia Solar, José NIeto, María Silva y Victor Israel entre otros.

El director Jordi Gigó -también George Gigo y Georges Lewis-  tuvo una corta carrera en el cine, co-dirigiendo El jovencito Drácula junto a Carlos Benpar en 1977, y dirigiendo a solas, además de su primer film  La perversa caricia de Satán, Porno Girls (1977) otra coproducción con Andorra y L´Espectre de Justine (1986), película de terror que contó con Tony Isbert y con nuestra amiga Mercé Fillola que no llegó a estrenarse.

También como guionista, además de las suyas, intervino en el de Exorcismo (1975, Paul Naschy), junto a Jacinto Molina y Juan Bosch, director de la película.

Respecto al argumento me remito a Carlos Aguilar “(…) Una especie de  monstruo de Frankenstein animado mediante prácticas satánicas por una vengativa “mad doctor” (Silvia Solar) es la estrella de la función“. Para conocer la crítica que hace del film mejor la consultan en la Guía del Vídeo-Cine que seguro todos ustedes tienen.

El DVD, naturalmente inédito por aquí, se puede encontrar en Estados Unidos como Devil’s Kiss en dos ediciones, la de Image Entertainment y otra, posiblemente inferior de Sinister Cinema.

Por otro lado, después de la Marcha Zombi de Madrid que se celebró el 2 de abril, tenemos las segunda Zombie Walk Spooky Walk II en la que tocará nuestro amigo Dani Moreno y los Motorzombis, entre otras muchas cosas. Lean, lean… 

No intentes correr, no mires atrás…
camina como ellos en…
Zombie Walk Spooky Walk II
Barcelona – Barrio de Gracia
Viernes 6 de Mayo 2011
Hora de Encuentro: 21h
Inicio de la Marcha 21:30hPunto de Encuentro: Paseo de San Joan,
fuera del Metro Verdaguer.

Los Zombies marcharan amistosamente por el barrio de Gracia encaminados por un guía zombie que les conducira hasta la gran Monstruo-Fiesta.

Sesión de Zombificación de 17h-20h en The Monster Museum (C/. Camprodon 22),
Precio: 2€ la zombificación

Spooky High School y Cryptshow Festival hacen un llamado a todos los Zombies, No-Muertos y cualquier Ente (Monstruos, Hombres Lobo, Vampiros, Momias y demás..) para unirse a esta monstruosa concentración y participar en la Segunda Zombie Walk Spooky Walk de Barcelona.

Al finalizar la marcha: MONSTRUO-FIESTA SPOOKY WALK

Espai Jove La Fontana
(C/. Gran de Gracia, 190 – Metro Fontana)
22h
Con concierto de los MOTORZOMBIS y THE RIPPINGS
+ música a cargo de los Djs Don Diablo y J. Oskura Nájera.

Premio al mejor monstruo de la noche.
Cerebros de regalos para los primeros asistentes.
Monstruo Stands

5€ para los zombies y demas monstruos
7€ para el resto
A la venta en The Monster Museum
y en la taquilla el día del evento.

Categorías:Z CAJÓN DESASTRE
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