VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 14 de julio de 2017 *
CARS 3 (Brian Fee, 2017)
USA. Duración: 109 min. Guion: Kiel Murray, Bob Peterson, Mike Rich (Historia: Brian Fee, Ben Queen, Eyal Podell,Jonathon E. Stewart) Música: Randy Newman Fotografía: Jeremy Lasky Productora: Pixar Animation Studios Género: Comedia de animación.
Sinopsis: Sorprendido por una nueva generación de corredores ultrarrápidos, el legendario Rayo McQueen queda relegado repentinamente del deporte que tanto ama. Para retomar su carrera, va a necesitar la ayuda de una joven mecánica de carreras, Cruz Ramírez, que tiene su propio plan para ganar, además de la inspiración del fallecido Fabuloso Hudson Hornet y un par de giros inesperados. ¡Y para probar que el nº95 no está ni mucho menos acabado, el campeón tendrá que poner a prueba su valía en el gran circuito de la Copa Pistón!
Dotar de vida y sentimientos a automóviles es una idea que personalmente se me antoja absurda incluso en un campo tan abierto como es el de la animación. Me valen juguetes, animales o monstruos de peluche, pero coches… Sin embargo Pixar lo ha vuelto a conseguir con esta nueva entrega de Cars, una tercera parte que ofrece varias lecciones de vida, algunas de ellas dirigidas a los adultos. Pues si ya nos enseñó que con perseverancia y trabajo puede obtenerse o ser todo aquello que se desea, en esta ocasión se nos muestra, entre otras cosas, que no tan solo está la satisfacción de participar sino que, una buena retirada a tiempo es una victoria cuando arriba el inevitable relevo generacional (en muchos casos arrasando) ante el que hay que saber adaptarse a base de reinventarse.
En Cars 3 tenemos de nuevo como protagonista a Lightning McQueen, que con su apellido realiza un simpático homenaje al actor Steve McQueen y su conocida afición de participar en carreras automovilísticas, pero también a otros conocidos de la primera entrega, a la que hace referencia en diversos flashbacks, sin que por ello se haga imprescindible haberla visto, pues los temas que trata Cars 3 son tan universales que hasta pueden ponerse en boca de coches, motos o incluso actores. Son verdades como puños que, bien interpretadas y narradas, llegan siempre a nuestro corazón. Y todo ello sin olvidar algo que Pixar sabe también hacer muy bien: divertir y entretener.
Eso sí, esta tercera entrega es un muy digno telón para la serie, que aunque ha pasado el relevo a una nueva generación de autos, debería ya centrarse en otros nuevos personajes si no quiere hacerse repetitiva.
EN LA VÍA LÁCTEA (On the Milky Road, Emir Kusturika, 2016)
Serbia/UK/USA. Duración: 125 min. Guion: Dunja Kusturica, Emir Kusturica Música: Stribor Kusturica Fotografía: Martin Sec Productora: BN Films / Pinball London Género: Drama
Reparto: Monica Bellucci, Emir Kusturica, Sergej Trifunovic, Miki Manojlovic, Bajram Severdzan, Maria Darkina
Sinopsis: Primavera en tiempos de guerra. Cada día, un lechero (Emir Kusturika) atraviesa el frente en burro, esquivando las balas para llevar su preciada mercancía a los soldados. Bendecido por la suerte en su misión, amado por una hermosa aldeana (Maria Darkina), un futuro apacible parece esperarle… hasta que la llegada de una misteriosa mujer italiana da un vuelco a su vida (Mónica Bellucci). Así comienza una historia de amor prohibido y apasionado que sumergirá a ambos en una serie de aventuras fantásticas y peligrosas. El destino los ha unido, y nada ni nadie parece poder detenerlos…
Con esta película, basada en una idea originalmente explorada por el cineasta en el cortometraje que hizo para la película de episodios Words with Gods (2014), Emir Kusturika regresa a la escena cinematográfica tras 7 años desde su último largometraje para traernos un emocionante cuento de hadas moderno protagonizado por una radiante Mónica Bellucci junto al propio director.
El director vuelve a reincidir en temas que le son conocidos: el sinsentido de la guerra servo-croata (y en general de todas) que tan marcado le dejó; la naturaleza protectora, ya sea en forma de serpiente o en forma de tormenta; y la vital importancia de la música en su cine. También reincide en el disparate, el surrealismo, para narrar emociones muy reales: «He dirigido un cuento de hadas moderno y, al mismo tiempo, ha sido tan emocionante como todas las películas que he realizado. En esta película, descubrí la belleza, y descubrí mundos intensos, humanos. En la vía láctea nace de numerosas capas de mi propia vida».
En tono de comedia loca, con elementos absurdos entremezclados junto a otros de un lirismo desbordante e incluso de acción e intriga, Kusturika demuestra que sigue gozando de muy buena salud tras su larga pausa, sin lugar a dudas.
Como protagonista absoluto de la película junto a la Bellucci, resulta toda una gozada el poder ver juntas a estas dos bestias pardas del cine europeo, que realizan una inolvidable actuación ya sea bajo las bombas o bajo la lluvia, para Kusturika, «un hombre y una mujer que se enamoran y están dispuestos a sacrificarse en la naturaleza» lo es todo, pues, como bien dice uno de sus personajes, «lo único que tiene sentido es amar a alguien.»
UN MINUTO DE GLORIA (Slava, Kristina Grozeva, Petar Valchanov,2016)
Bulgaria/Grecia. Duración: 101 min. Guion: Kristina Grozeva, Petar Valchanov, Decho Taralezhkov Música: Hristo Namliev Fotografía: Krum Rodriguez Productora: Abraxas Film / Graal S.A. / Screening Emotions / Aporia Filmworks Género: Drama satírico.
Reparto: Stefan Denolyubov, Margita Gosheva, Milko Lazarov, Kitodar Todorov,Ana Bratoeva, Nadejda Bratoeva, Nikola Dodov, Stanislav Ganchev, Mira Iskarova,Hristofor Nedkov, Dimitar Sardzhev, Ivan Savov, Tanya Shahova,Dr. Georgi Stamenov, Deyan Statulov, Decho Taralezhkov
Sinopsis: Cuando Tsanko Petrov (Stefan Denolyubov), un trabajador del ferrocarril, se encuentra un millón de levs en las vías del tren, decide devolver la totalidad del importe a la policía. El Estado le recompensa por ello con un nuevo reloj de pulsera… que pronto deja de funcionar. Mientras tanto, Julia Staikova (Margita Gosheva), jefa de relaciones públicas en el Ministerio de Transporte, pierde su viejo reloj. Así comienza la lucha desesperada de Petrov para que le devuelvan no sólo su viejo reloj, sino también su dignidad.
Segunda obra del tándem búlgaro Kristina Grozeva y Petar Valchanov, autores de La lección (Urok, 2014), una suerte de parábola moral que, bajo su superficial historia sobre bienes robados, escondía una potente reflexión sobre las relaciones de poder y la ética perniciosa de la Europa de nuestros tiempos y que supuso para sus directores el premio Nuevos Realizadores en el Festival de San Sebastián. Esta temática la retoman con Un minuto de gloria segunda parte de una trilogía en la que sus directores quieren denunciar, en forma de crítica ácida no exenta de humor negro, las pérfidas relaciones entre las instituciones deshumanizadas y las personas devoradas por sus engranajes, con mirada irónica pero humana sobre héroes anónimos aplastados por el sistema. Soberbio tour de force final que dejará a los espectadores sin aliento, como ocurrió en el Festival de Gijón de 2016 donde consiguió los premios de Mejor Película, Premio de la Crítica y Mejor Guion.
Sus directores han recurrido para Un minuto de gloria a parte del elenco de La lección, contando con Margita Gosheva y Stefan Denolyubov, que como protagonista realiza una encomiable labor.
Rodada cámara en mano y de forma verista, esta historia de decencia en tiempo de corruptelas, refleja la miserable sociedad en la que vivimos aliviando, muy ligeramente, el tono con leves toques de comedia negra. Muestra al espectador una situación que seguramente no desagradaría a Berlanga y Azcona por su patetismo: funcionarios imbéciles y avinagrados; políticos necios (¿hay de otros?); teléfonos que siempre comunican ofreciendo, en tiempo de espera; exasperantes tonadillas; burocracia inútil e inhumana… todo en una sociedad de ascopena que estos realizadores búlgaros han retratado con milimétrica exactitud.
Nada de lo que sucede se olvida jamás: Descifrando El viaje de Chihiro
EL VIAJE DE CHIHIRO. NADA DE LO QUE SUCEDE SE OLVIDA JAMÁS…
ÁLVARO LÓPEZ MARTÍN. Prólogo Marta Fernández.
Diábolo Ediciones. Encuadernación en tapa dura. 280 páginas a todo color
La primera vez que oí hablar de El viaje de Chihiro fue gracias a un compañero de trabajo. Hasta entonces consideraba el Anime como poco menos que un entretenimiento destinado a niños, que incluso había disfrutado en mi infancia gracias a series como Marco, Heidi y sobre todo Mazinguer-Z. Ya como adulto quise darle un margen de confianza y en 1992, cuando se estrenó en nuestras salas Akira (1988) de Katsuhiro Otomo, acudí a verla no agradándome, a excepción de su animación.
Este amigo me vendió la película de Hayao Miyazaki como una aventura lisérgica muy imaginativa. Sabía que yo entendía lo que quería decir. Mientras su hija la disfrutaba a un nivel, él encontraba otra lectura que convertía la película en una experiencia totalmente diferente. Así que intrigado le hice caso y la vi. Y me conquistó. Hice las paces tan profundamente con el Anime que, con diferencia, es el cine de animación que más disfruto.
Pero El viaje de Chihiro continúa siendo mi favorita, todo ello a pesar de las numerosas cosas que no acabo de entender (que para mí añaden atractivo por estar abiertas a mil conjeturas), así como las exóticas referencias culturales que se escapan a los occidentales. Y es que El viaje de Chihiro, ganadora del Óscar y el Oso de Oro de Berlín, es una de las películas más aclamadas de la historia del cine, pero también de las más complejas y profundas, por lo que se hacía más que necesario que alguien escribiera un libro, en concreto este libro, que nos explicara y detallara estas referencias, que intentara explicarnos qué simbolizan y les pusiera nombre. Y no es que saber todo ello sea realmente imprescindible para disfrutar de esta maravillosa historia, pero estimo que el autor de El viaje de Chihiro. Nada de lo que sucede se olvida jamás… puede ofrecer al lector una visión de la película que podría tornarse también en apasionante, ayudándole a entender ese mundo y su entorno cultural, enriqueciendo así el visionado de esta obra capital del cine.
Lo que el espectador experimenta cuando ve El viaje de Chihiro, además de múltiples lecturas, son los estados de ánimo que sus imágenes trasmiten. Cuando oscurece y aparecen los fantasmas la atmósfera nos contagia cierta desazón, que aumentará ante esas criaturas que aparentan haber surgido de un cuadro de El Bosco; O ante esas máscaras benefactoras silenciosas, quejumbrosas; o ante el melancólico discurrir del tren en su viaje imposible por el mar. Un sentido de la maravilla que esperamos entender más, comprender gracias a El viaje de Chihiro. Nada de lo que sucede se olvida jamás…
Y, para emprender ese viaje, Diábolo no nos podría haber puesto en mejores manos. Álvaro López Martín tiene dos libros sobre el arte de Miyazaki a sus espaldas (Mi vecino Miyazaki y Antes de mi vecino Miyazaki, escritos junto a Marta García Villar y publicados por Diábolo) y dirige un blog de referencia como es, Generación Ghibli, avales más que suficientes como para resultar el autor ideal con el que adentrarnos en los distintos viajes de Chihiro y con el que descifrar todos sus misterios sumergiéndonos, nuevamente pero en su compañía, en esta historia única y fascinante que, como bien indica Álvaro López, es una historia de detalles.
Junto al autor analizaremos cada escena, deteniéndonos en las partes que, ya sea por merecer una interpretación (o más de una) o por hacer referencia a algún detalle perteneciente a la cultura oriental en general, y japonesa en particular, merece ser explicado. Recurriendo incluso en diversas ocasiones a la voz del propio Miyazaki, ya sea mediante declaraciones extraídas de diversos medios o de su autobiografía.
Álvaro nos descubre o confirma algunas de nuestras sospechas, incluidas las más descabelladas ¿Es la casa de baños un lupanar? Pues al parecer sí, con Yubaba como madam del establecimiento, lo cual no significa que contenga trasfondo pedófilo, con el Sin Cara como cliente encaprichado con comprar a toda costa a Chihiro. Pero no deja de ser una lectura apasionante, sugerente y sorprendente.
Cierto es que El viaje de Chihiro es sobre todo una historia de crecimiento personal, de maduración, pero también de respeto hacia las tradiciones ancestrales y al exceso de occidentalización que invade la cultura japonesa. Es una oda a la naturaleza y una fuerte crítica también al capitalismo exacerbado que domina nuestra sociedad y que tantos monstruos ha creado. El viaje de Chihiro es todo eso y mucho más. Son experiencias personales de Miyazaki; son leyendas japonesas; son elementos culturales del japón más tradicional… un maremágnum de referencias que Álvaro López nos aclarará, haciendo asequibles al lector los múltiples mensajes del filme de Miyazaki.
Bien es cierto que muchas veces el cariño y la erudicción no garantizan que la obra resultante sea valiosa. No es este el caso, Álvaro López es, además de un gran especialista y amante del cine de animación de Miyazaki, un estudioso de la cultura oriental, nos muestra escenarios, nos descifra claves y nos traduce palabras y símbolos. Y consigue narrarlo todo de forma ordenada y apasionante. Viajar junto a Álvaro López al extraño mundo de El viaje de Chihiro es viajar hasta el alma y el corazón de esta obra de Hayao Miyazaki que no se olvida jamás…
VAMOS DE ESTRENO (esta sí) * Miércoles 12 de julio de 2017 *
LA GUERRA DEL PLANETA DE LOS SIMIOS (War for the Planet of the Apes, Matt Reeves, 2017)
USA. Duración: 142 min. Guion: Mark Bomback, Matt Reeves (Novela: Pierre Boulle) Música: Michael Giacchino Fotografía: Michael Seresin Productora: 20th Century Fox / Chernin Entertainment Género: Ciencia ficción.
Reparto: Andy Serkis, Woody Harrelson, Steve Zahn, Judy Greer, Gabriel Chavarria,Max Lloyd-Jones, Terry Notary, Sara Canning, Ty Olsson, Devyn Dalton
Para el lanzamiento de la película Superman (Richard Donner) del año 1978 se utilizó una afortunada frase publicitaria «Usted creerá que el hombre puede volar», pues no sería descabellado que esta saga, y particularmente esta tercera entrega, tuviera un reclamo tal que así, «Usted creerá que el mono puede hablar». Y es que esta tercera película de la nueva saga de El Planeta de los Simios es un portento tecnológico de esos que cuando salen en DVD hay que negarse categóricamente a ver los extras, pues toda la magia que se contempla en la pantalla, queda totalmente reducida a pantallas verdes y cosas muy extrañas que enturbian el impresionante resultado. Créanme, se lo que digo. Lo hice con los de Gravity y quiero olvidarlos, sepultarlos en mi memoria.
Hay que creer, pues el cine es lo que nos pide: que creamos en los vemos en la pantalla, todavía con ojos de niño pre-tecnológico. Pero para creer hay que ofrecer un producto bien realizado, con alma, y estos simios poseen alma y nos la trasmiten a través de sus miradas. Y Matt Reeves con su película.
Esta atinada conclusión de la serie de los simios de este nuevo milenio ofrece algunos guiños a la saga precedente. Un guiño para los veteranos. Veremos a Cornelius, estirpe de César; conoceremos a una pequeña humana que será bautizada como Nova; serán Alfa y Omega el objeto de destrucción como también lo fue en el feudo de los mutantes; y se contará con la presencia de simios crucificados, un símbolo que pondrá a los monos esclavizados en consonancia con la revuelta de los gladiadores de Espartaco, naturalmente vía Kubrick.
César ni quiso ni inició esa guerra de humanos contra simios, tan solo busca la libertad de su pueblo, pero cuando él sufra una importante pérdida, se convertirá en algo personal, llenando su semblante de ira hacia el Coronel, el humano que mató a sus seres queridos. Una furia ciega que le aleja de sus intereses hacia el pueblo que lidera. Y es que César tiene más humanidad que los humanos. Incluidos sus defectos, esos pequeños defectos que llevan al hombre a su destrucción. Además, el propio virus que ha dado cada vez más inteligencia a los simios, se la está arrebatando a los humanos. Y contra eso es contra lo que se rebela el Coronel, el villano de la función, que tiene un terrible pánico a perder a deshumanizarse. Lo que no sabe es que, hace tiempo, años, que dejamos de serlo.
¡Bad Ape!
Woody Harrelson está magnífico como ese sosias del Coronel Kurtz, que como aquel pierde la razón. Una similitud que se busca, en cierto modo, con esas pintadas en los túneles (‘Ape-calypse Now’), pero más allá de él, las estrellas de la película, y así se muestra en el reparto, son los actores que encarnan a los simios. Andy Serkis en los ojos de César, sí, pero también Karin Konoval como Maurice o Steve Zahn como ese Bad Ape, un pequeño reducto cómico en un personaje entrañable. Todos ellos actuando con sus ojos y gestos, expresando mucho más que con palabras. Mimo y vuelta a los orígenes del cine, cuando la mímica comunicaba todo lo que necesitábamos saber. Cuando el cine se llamaba Arte Mudo. Cuando el cine dejó, con la llegada del sonoro, de ser Arte. Y algo que, por cierto, hace que la cinta requiera ser parcialmente subtitulada incluso en su versión doblada, lo cual nos lleva a que nos cuestionemos si será posible que esa parte del público que es incapaz de dejarse llevar será capaz de soltar el móvil durante la proyección de la película y consiga centrarse en (¡Oh, diablos!) LEER los subtítulos de la pantalla. de esta cinta multigenérica. Multigenérica porque, de la guerra del título, tiene el inicio y parte de la conclusión, pero con un acto central que utiliza ingeniosamente el lenguaje de otros géneros y subgéneros como el western y el cine de evasiones.
Personalmente la saga original de El Planeta de los Simios forma parte de mi memoria sentimental. De niño compré muñecos Mego de la saga, jugué a las películas que vi en los cines de programa doble, y coleccioné hasta los comics Vértice. Esta nueva saga es diferente, no hay que comparar para evitar agravios, totalmente injustos para ambas partes. Es otra historia, con elementos en común, pero que pueden convivir. Una no anula a la otra. Añade. Suma y engrandece la historia original. Dos horas y veinte minutos de cine, de vida, bien invertidos. Por favor, no perdamos la capacidad de maravillarnos ante las posibilidades de la máscara (tecnológica, pero máscara) y la actuación eficaz. Algo que se ha dado desde el primero actor que prefirió ser anónimo ocultando su cara, para apoyar y añadir eficacia a su interpretación.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 7 de julio de 2017 *
TOM OF FINLAND (Dome Karukoski, 2017)
Finlandia / Suecia / Dinamarca / Alemania / USA. Duración: 115 min. Guion: Aleksi Bardy Música: Lasse Enersen, Hildur Guðnadóttir Fotografía: Lasse Frank Johannessen Productora: Helsinki Filmi Oy / Anagram / Fridthjof Film / Neutrinos Productions / Film and Music Entertainment (F&ME) Género: Drama
Reparto: Pekka Strang, Lauri Tilkanen, Seumas F. Sargent, Jessica Grabowsky,Taisto Oksanen, Jakob Oftebro, Niklas Hogner, Christian Sandström, Martin Bahne,Werner Daehn, Þorsteinn Bachmann, Jimmy Shaw, Kari Hietalahti, Jan Lindwall, Emanuel Claesson
Sinopsis: Tom of Finland, protagonizada por Pekka Strang, sigue los pasos de esta figura pionera de la cultura gay, que sufrió la opresión y la homofobia durante su juventud. Volvió como héroe de la Segunda Guerra Mundia, pero la vida en Finlandia en tiempos de paz no fue como esperaba. Perseguido por su homosexualidad, se encontró sumergido en relaciones secretas y presionado para casarse con una mujer. Encontró una válvula de escape a través de su arte, especialmente por sus dibujos homoeróticos con un estilo marcado por musculados cuerpos masculinos vestidos de cuero. Su fama llegó a ser revolución en Estados Unidos bajo su nombre artístico, Tom of Finland.
Tom de Finlandia es un correctísimo biopic sobre el influyente artista Touko Laaksonen, que fue conocido como Tom de Finlandia, todo un icono de la cultura gay y más concretamente de la estética Leather. La historia parte desde su experiencia desgarradora y heroica en la Segunda Guerra Mundial, donde descubre su homosexualidad y un submundo de lugares de encuentro clandestinos entre hombres. Pero tras la guerra tendrá que lidiar otra lucha en su propio país, pues en Finlandia la homosexualidad fue considerada delito desde 1894 hasta 1971. Así que Touko se refugia en su arte, liberador y centrado en dibujos eróticos y pornográficos de hombres musculosos y desinhibidos. Con el tiempo sus imágenes acabarán publicándose en Los Ángeles, donde será invitado a acudir por unos admiradores, descubriendo hasta que punto ha influido creando toda una estética basada en sus dibujos de modelos musculosos, cubiertos con cuero, uniformes… una parafernalia que lo llevará al éxito comercial en los años setenta y ochenta, viviendo también la eclosión del sida.
Dome Karukoski lleva a la gran pantalla la vida y obra de este artista contando con gran sensibilidad, con un buen diseño de producción, unos competentes intérpretes y sobre todo un magnífico guión que no cae en lo folklórico ni en lo más fácil, mostrando los colores apagados y los grises del Helsinki de los cincuenta y sesenta en contraste con la California multicolor de los setenta y ochenta, donde se desarrolla la segunda parte de la cinta. Una historia de rebeldía magníficamente retratada.
THE LOVE WITCH (Anna Biller, 2016)
USA. Duración: 120 min. Guion: Anna Biller Música: Anna Biller Fotografía: M. David Mullen Productora: Anna Biller Productions Género: Fantástico.
Reparto: Samantha Robinson, Gian Keys, Laura Waddell, Jeffrey Vincent Parise,Jennifer Ingrum, Lily Holleman, Dani Lennon, Stephen Wozniak, Bernard Bullen,Clive Ashborn, April Showers, Elle Evans, Robert Michael Anderson,Jacob Peacock, Giselle DaMier, Ron Kari
Sinopsis: Una joven bruja está empeñada en encontrar el amor a base de conjuros y pócimas que le permitan seducir a cualquiera. Cuando por fin encuentra al hombre de sus sueños, su deseo se convierte en desesperación, en locura y luego en… Con un estilo visual que homenajea los thrillers en Technicolor de los sesenta, The Love Witch explora las fantasías femeninas y las consecuencias del narcisismo exacerbado.
The Love Witch (Anna Biller, 1916) es una deliciosa fábula visual que reproduce la estética vintage e incluso los diálogos y la forma de actuar de los protagonistas del cine que rellenaba las sesiones golfas Grindhouse de los setenta. Repleta de encantamientos, sortilegios, modelitos psicodélicos y mucho, mucho color, resulta perfecta en su forma de reflejarlo, ya sea en cuanto a vestuario como en su cuidado diseño de producción. Pero no piensen que la acción se desarrolla a finales de los sesenta, no, si se fijan bien, verán ciertos anacronismos que por inesperados pueden, paradójicamente, pasar desapercibidos. Como que los protagonistas utilicen con toda naturalidad teléfonos móviles o incluso que se hable de realizar pruebas de ADN bastante antes de que este procedimiento fuese habitual. Su satanismo kitsch a lo Anton LaVey y su estética convierten esta película en toda una proeza, a pesar de carecer de una de las principales virtudes de aquellos nudies de los primeros setenta que tan bien reproduce: su ajustada duración. Aún así The Love Witch es una de las cintas más recordadas de la última edición del Festival de Sitges y toda una obra de orfebrería a tenor de lo declarado por su directora, «(…) una labor de amor total. Yo realicé todo el vestuario renacentista y el armario de Elaine, además de todo el atrezo, incluida una alfombra de pentagrama hecha a mano. Hice cientos de sketches del set y del vestuario y storyboards; hice pinturas y escribí partituras; pasé años escribiendo y reescribiendo el guion y trabajé mucho tiempo con mi actriz principal para desarrollar todas las capas del personaje.»
PREVENGE (Alice Lowe, 2016)
UK. Duración: 88 min. Guion: Alice Lowe Música: Pablo Clements, James Griffith, Toydrum Fotografía: Ryan Eddleston Productora: Gennaker / Western Edge Pictures Género: Terror.
Reparto: Alice Lowe, Kayvan Novak, Kate Dickie, Jo Hartley, Gemma Whelan, Tom Davis,Dan Renton Skinner, Mike Wozniak, Eileen Davies, Grace Calder, Tom Meeten,Leila Hoffman, Sara Dee, David Puckridge, Jacqueline Wright, Della Moon Synnott
Sinopsis: Una lunática mujer embarazada de varios meses escucha la voz de su hijo no nato, que le da instrucciones asesinas.
Prevenge supone el debut en la dirección de la actriz y guionista Alice Lowe, que dirige e interpreta esta comedia negra en 
su séptimo mes real de gestación. Es bien sabido que el embarazo puede desequilibrar y cambiar el metabolismo de la futura madre, pero quizás no de forma tan extrema como le sucede a la protagonista de Prevenge, cuyo hijo no-nato le dará órdenes para que vaya matando, cuanto más sangrientamente mejor, a varias víctimas que, por cierto, parecen merecerlo: ejecutivas implacables, abusadores de mujeres… un ramillete de personajes que como descubriremos están en su lista mortal por un motivo concreto.
¿Tenía Alice Lowe un embarazo complicado? a tenor de lo que explica, parece ser que sí: «El embarazo tradicionalmente es un mundo de color pastel. Pero yo experimentaba una inesperada intensidad. Una tristeza inexplicable. Transformaciones físicas milagrosas. No era nada parecido a los embarazos que había visto en pantalla. Por lo que creé una anti heroína, Ruth. Una mujer cuya furia la ha tomado por completo. Todo este mundo interior tomó la forma de un bebé no-nato dictador. El muñeco ventrílocuo que susurra en el oído de su madre diciéndole lo que tiene que hacer. Ruth como mujer embarazada era el conducto para explorar esta noción. Todo el mundo tiene que ser amable con una mujer embarazada. Pero Ruth es una vengadora, jurado y juez de los fallos de la sociedad.»
En la linea de la francesa y muy sangrienta Baby Blood (Alain Robak, 1990), destaca la utilización de las alucinantes escenas en blanco y negro pertenecientes a Crime Without Passion, una olvidada producción Paramount dirigida en 1934 por Ben Hecht, Charles MacArthur y Lee Garmes protagonizada por Claude Rains y la exótica Margo.
LLEGA DE NOCHE (It Comes at Night, Trey Edward Shults, 2017)
USA. Duración: 97 min. Guion: Trey Edward Shults Fotografía: Drew Daniels Productora: Animal Kingdom / A24 Género: Terror
Reparto: Joel Edgerton, Riley Keough, Christopher Abbott, Carmen Ejogo,Kelvin Harrison Jr., Griffin Robert Faulkner
Sinopsis: Travis (Kelvin Harrison, Jr.), un adolescente de 17 años, deberá enfrentarse, tras un cataclismo de enormes proporciones, a la existencia en una casa tan segura como desoladora con sus protectores padres (Joel Edgerton y Carmen Ejogo), siempre armados y vigilantes. Cuando una joven pareja desesperada (Christopher Abbott y Riley Keough) irrumpe con su hijo en busca de refugio y se vean obligados a acogerles, la familia se debatirá entre el miedo, la paranoia y la desconfianza, que se sumarán a los horrores del exterior.
Llega de noche no toma al público por tonto. Maneja muy bien la intriga midiendo lo que muestra al espectador y poniéndolo al corriente sin necesidad de parar a explicarlo, ya sea poniéndolo en boca de los personajes o mediante farragosos flashbacks. Va creando una intriga y la va desentrañando de manera inteligente, avanzando con el espectador, mientras uno va rogando que no se recurra a la aparición estelar de los tan manidos zombies. No, no hacen falta efectos tremebundos ni come-cerebros, aunque eso no significa que no se nos muestre continuamente el monstruo. Estamos ante una cinta apocalíptica en la que lo de menos es lo del exterior, la pandemia es un tan solo un macguffin que nos llevará a un homo hominis lupus al que en su día también nos llevó aquella Noche de los muertos vivientes de Romero, con la que Llega de noche, guarda elementos en común que no son, afortunadamente, los cadáveres andantes.
Llega de noche está protagonizada por el ascendente Joel Edgerton, un actor australiano protagonista de cintas tan dispares y eficaces como El regalo (que también escribió y dirigió) o Loving (Jeff Nichols, 2016), que se está construyendo una impecable carrera y al que veremos en importantes cintas actualmente en fase de post-producción, entre ellas su segunda película como director, Boy Erased, junto a Nicole Kidman y Russel Crowe. Mientras que a la londinense Carmen Ejogo hemos podido verla en Selma (Ava Duvernay, 2014) y Alien: Covenant (Ridley Scott, 2017). Llegan de noche, segundo largometraje de su director, es la confirmación de Trey Edward Shults, que con tan solo dos cortometrajes en su haber, convirtió el tercero, Krisha (2014) en un largometraje revelación de igual nombre rodado al año siguiente en tan solo nueve días en casa de su madre y protagonizada por su tía, la actriz Krisha Fairchild, para quien lo había escrito, y otros miembros de su familia.
Con una magnífica banda sonora que incrementa la tensión, con la percusión acompasando nuestras pulsaciones, aunque en algún momento caiga en el susto fácil demuestra que, sin ser con todo una obra maestra, Llega de noche es una digna e inteligente cinta de intriga bien narrada y que evita, en lo posible, repetir esquemas. Una grata sorpresa.
BABY DRIVER (Edgar Wright, 2017)
UK/USA. Duración: 115 min. Guion: Edgar Wright Música: Steven Price Fotografía: Bill Pope Productora: Big Talk Productions / Media Rights Capital / TriStar Productions / Working Title Films Género: Thriller
Reparto: Ansel Elgort, Lily James, Jamie Foxx, Jon Hamm, Kevin Spacey, Eiza González,Jon Bernthal, Ben VanderMey, Thurman Sewell, Allison King, Lance Palmer,Keith Hudson, Patrick R. Walker, Hudson Meek, Troy Faruk
Sinopsis: Baby (Ansel Elgort), un joven y talentoso conductor especializado en fugas, depende del ritmo de su banda sonora personal para ser el mejor en lo suyo. Cuando conoce a la chica de sus sueños (Lily James), Baby ve una oportunidad de abandonar su vida criminal y realizar una huida limpia. Pero después de ser forzado a trabajar para un jefe de una banda criminal (Kevin Spacey), deberá dar la cara cuando un golpe malogrado amenaza su vida, su amor y su libertad.
¿Un thriller? ¿Una comedia? ¿Un musical? Baby Driver es todo eso y mucho más. Es un exceso operístico en el que la omnipresente música es fundamental. Una coreografía de gestos y movimientos de los que ni la cámara se libra. ¿Sabían que la detonación de una pistola podría ser utilizada como instrumentos musical? Edgar Wright sí lo sabe y lo pone en práctica en un par de ocasiones en Baby Driver sin miedo al -y sin resultar- ridículo. Y todo ello al ritmo de las mejores -y menos manidas- grabaciones Soul de la Stax o de Chess, junto a The Tubes, Queen o Damned. Todo sirve para añadir ritmo a esta película, que de ningún modo decae.
El británico Edgar Wright lo ha vuelto a hacer tras las exitosas Zombies Party (Shaun of the Dead, 2004) o Bienvenidos al fin del mundo (The World’s End, 2013) cambiando de género, pero manteniendo siempre un pie dentro de la comedia y el exceso, menos evidente, pero presente en Baby Driver. Recurre a actores bien curtidos como Kevin Spacey, Jamie Foxx, Jon Hann o Jon Bernthal en contraste con los muy jóvenes protagonistas, Lily James (a la que vimos como la Cenicienta ideal o, más desmadrada y tirando de katana en Orgullo+prejuicio+zombies) y Ansel Elgort.
Un argumento bien engarzado y unos diálogos electrizantes completan este entretenimiento de primera, este desmadrado cuento de héroes y villanos en el que triunfará el amor con un final color de rosa como el del cartel original.
Trash-o-Rama: ¡Combate los calores con este triple lanzamiento!
¡Combate los calores con este triple lanzamiento Trash-o-Rama! Un musical ninja filmado en Barcelona, una Terminator espacial, Power Rangers contra el alien americano, kung fu girls a lo John Woo y mucho más. Más refrescante que un Colajet!
ALIENATOR (Fred Olen Ray, 1990)
Con Jan-Michael Vincent, John Phillip-Law.
Nueva entrega de la colección VHZ, pura nostalgia de los tiempos del VHS, con un diseño retro y muchas sorpresas.
Alienator es uno de los exploiters de videoclub más descarados de los 80. Una Terminator alienígena en busca de un prófugo interestelar por los bosques californianos. Efectos especiales de serie B, actores míticos y banda sonora de sintetizador.
Y además, la edición incluye Alien Vs Gaia Ranger, el crossover definitivo entre Alien y Power Rangers, con un clon de la criatura de H.R.Giger, kung fu, cromas imposibles y chicas guapas. Premiere mundial con subtítulos.
Contenidos adicionales: Alien Vs Gaia Ranger, trailers originales, fichas técnicas, carteles originales, promos.
Audio: castellano e inglés con subtítulos, 16:9 remasterizada
Precio: 12 euros (gastos de envío incluídos) EDICIÓN MUY LIMITADA
BCN KNOCKOUT (Puri Jagannadath, 2013)
Con Allu Arjun, Ron Smoorenburg
El gran éxito del Festival Nits de Cinema Oriental, la Cutrecon y la Cutrecon on Tour, un alucinante musical con ninjas y mafia internacional filmado en Barcelona con escenas de acción coordinadas por Kaecha Kampakdee (Ong Bak 2) y stuntmen de la talla de Ron Smoorenburg o Steven Dasz.
Acción espectacular, canciones pegadizas, giros argumentales que te dejarán pegado a la butaca y risas sin fin.
Contenidos adicionales: Extra songs, Making of, Trailers, cartel original, ficha técnica, Promos.
Audio: itelugu con subtítulos, 16:9
Precio: 12 euros (gastos de envío incluídos). EDICIÓN MUY LIMITADA
PRINCESS MADAM (Godfrey Ho, 1989)
Con Moon Lee, Sharon Yeung, Michiko Nishiwaki.
Por primera vez editada en DVD con audio original y subtitulada, Princess Madam es la mejor película de acción del mítico Godfrey Ho. Peleas salvajes protagonizadas por tres femme fatales del género. Violencia desatada y tiroteos a lo John Woo para los fans absolutos del cine de Hong Kong.
Contenidos adicionales: Entrevistas a Moon Lee y Sharon Yeung, trailer, cartel original, ficha técnica, promos.
Audio: cantonés con subtítulos, 16:9)
Precio: 12 euros (gastos de envío incluídos). EDICIÓN MUY LIMITADA
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Filmin estrenará en exclusiva el piloto de la serie #Distopia dirigido por Koldo Serra
#Ciudadanos es el piloto del proyecto de serie de televisión #Distopia que estrenará en exclusiva FILMIN el 4 de agosto. Dirigido por Koldo Serra está protagonizado entre otros por Daniel Grao y Juan Fernández.
Tras recorrer todas las plataformas y canales de televisión españoles, sus productores han decidido en un hecho inédito en España estrenar en FILMIN en exclusiva el piloto del proyecto de la serie como agradecimiento a todos los fans y el equipo técnico y artístico involucrados en el proyecto desde el principio.
Virginia LLera coproductora del proyecto: -«Hemos recorrido todos los canales y plataformas posibles y Distopía no ha podido ver la luz como serie. Han sido años de grandes elogios e incluso la suma de una gran productora para intentar llevarlo a cabo pero… no lo hemos conseguido. Como miles de productores que intentan sacar adelante sus proyectos y no lo consiguen. ¡Nadie dijo que fuera fácil!«.
‘Distopía’, una serie española en busca de hogar.
Natalia Marcos. El Pais.
cultura.elpais.com/cultura/2015/06/03/television/1433353759_428112.html
Distopía’, la ‘Black Mirror’ española que las televisiones no deben dejar escapar.
Juan M. Fdez. Bluper.
100 años de Anime en el Salón del Manga de Barcelona
El anime ha tenido una presencia constante en el Salón del Manga de Barcelonadesde sus inicios. El crecimiento del interés por el manga en nuestro país desde hace más de 25 años, viene de la mano de la presencia de la animación japonesa en el cine y la televisión. Para celebrar el centenario del nacimiento del anime en Japón, el XXIII Salón del Manga de Barcelona presentará 100 años de anime, una exposición que recorrerá algunas de las más importantes aportaciones al género.
En 1917 en algunos cines japoneses se pudieron ver por primera vez dos cortometrajes de dibujos animados. El primero se perdió y no se conservan imágenes, pero del segundo sí, titulado Hanawa Hetokai mitad no Maki, que contaba la historia de un samurai y su espada. 100 años después, la industria del anime se ha convertido en un auténtico gigante a nivel mundial.
Desde los años 60, la animación japonesa ha estado presente en televisiones de todo el mundo, aunque a menudo el espectador no era consciente. No fue hasta los años 90 que la palabra anime se empezó a conocer y popularizar, e incluso llegó monopolizar la programación infantil de muchas cadenas de televisión. Las series de magical girls, superhéroes con un alto poder destructivo, o las comedias románticas de instituto tenían algo que dejaba boquiabierto tanto al público infantil, el adolescente o universitario, e incluso más allá.
Con fenómenos como el de Heidi, Mazinger Z o Dragon Ball en la pequeña pantalla, y estudios de referencia en el cine como el Studio Ghibli, o directores con cada vez más solera como Makoto Shinkai o Mamoru Hosoda, la animación japonesa ha cautivado la imaginación de diferentes generaciones de espectadores de todo el mundo. Con esta exposición, se hará un repaso de la evolución de la industria de animación japonesa, con sus títulos más destacados, sus creadores de referencia y los momentos claves de su desarrollo. Una cronología de los hechos que ayudará a entender que el anime tiene esta enorme capacidad para seducir a la audiencia. La exposición cuenta con la colaboración del B-Anime Film Festival.
El XXIII Salón del Manga de Barcelona se celebrará del 1 al 5 de noviembre, ocupando los pabellones 1, 2, 2.1, 3.1, 4 y 5 y Plaza Univers de Fira Barcelona Montjuïc.
La venta anticipada de entradas se realizará exclusivamente desde www.ficomic.coma partir del próximo 21 de junio.
Algunos de los invitados presentes en el festival Nits de Cinema Oriental de Vic
La próxima edición del Festival Nits de cinema oriental de Vic (18-23 de julio) contará con la presencia de artistas llegados de Taiwán, Japón, China y Hong Kong.
La joven actriz taiwanesa Yao Aining, protagonista de Strange Tales of Love and Strangers, llegará a Vic acompañada del director, Raita Kuramoto, y de un representante de la productora del filme, Stardust Pictures.
Yuen Tai-Yung, dibujante protagonista del documental The Posterist y de la exposición El Supercartellista, también estará en el Festival. Junto al director de la película, Hui See-Wai, nos podrá explicar cómo ha vivido el ser actor principal en un filme después de tantos años dedicándose a traducir en dibujos las imágenes de sus ídolos cinematográficos en Hong Kong.
Completan el grupo de visitantes internacionales dos artistas que ya han estado en el Festival Nits anteriormente: el director japonés Hoshino Hisao, que ha coordinado la antología Tetsudon, The Kaiju Dream Match y por segundo año animará la Nit golfa obligándonos a decidir qué cortometrajes amamos y cuales odiamos. Y Andrew Leavold, director australiano especializado en 
cine filipino que en esta ocasión será miembro del Jurado y nos regalará una divertida masterclass. Completan el Jurado del Festival Nits: el periodista Quim Casas y Pemba Chhoti Sherpa Gole, cantante y coordinadora del Festival de cine nepalés de Barcelona.
Con la participación en el Festival Nits de estos profesionales, artistas y autores destacados en sus respectivos países, el certamen se posiciona como festival especializado a escala internacional y a la vez contribuye a difundir la imagen de la ciudad de Vic, su territorio y
cultura.
Adrià Guxens, director del corto Bittersweet Memories y Roberto Torregrossa, colaborador del director de Mitaka Sumo School, Rubèn Ventura, serán los invitados catalanes que podremos conocer en esta 14ª edición.
Teaser trailer de ‘Musa’ de Jaume Balagueró
Ya está disponible el teaser tráiler de la película MUSA, que llegará a los cines el 1 de diciembre de la mano de Filmax.
Protagonizada por Elliot Cowan, Franka Potente, Ana Ularu, Manuela Vellés y Leonor Watling con Joanne Whalley y Christopher Lloyd. MUSA es un thriller sobrenatural de suspense y el noveno largometraje de Jaume Balagueró, y cuenta con un guion del propio Balagueró y Fernando Navarro a partir de la novela “La dama número 13″, de José Carlos Somoza.
MUSA se rodó durante 9 semanas en diversas localizaciones de Irlanda, Bélgica y España. Es una coproducción de Castelao Pictures (España), Fantastic Films (Irlanda), Frakas Productions (Bélgica), The Jokers Films (Francia) y MUSE Film AIE, con la colaboración de Movistar +.
ESTRENO EN CINES 1 DE DICIEMBRE
Sinopsis
SAMUEL, profesor de literatura, no pisa la universidad desde la trágica e inesperada muerte de su novia. Desde entonces, sufre una recurrente pesadilla en la que una mujer es brutalmente asesinada a través de un extraño ritual.
Cuando la misma mujer que aparece todas las noches en sus sueños es hallada muerta en idénticas circunstancias, Samuel se cuela en la escena del crimen para investigar. Allí se encuentra con RACHEL, una joven a la que no conoce de nada, pero que asegura haber soñado también con el asesinato.
Juntos, harán todo lo posible para descubrir la identidad de la misteriosa mujer, sumergiéndose en un oscuro mundo para intentar averiguar la verdad.
Jornada literaria en el XI Cryptshow Festival: literatura fantástica y vermut
En el marco de su jornada literaria Cryptshow presentará siete novedades editoriales con la presencia de sus autores y / o editores. El encuentro será en el Espacio Betúlia de Badalona, tras lo cual habrá un vermut en El Cor de la Marina, en La Rambla, en un ambiente distendido. Las novedades literarias que se presentarán son:
–Estats alterats de la ment. VVAA. Ed. Males Herbes y Cryptshow Festival
La mente humana es un lugar extraño, un paisaje confuso donde es muy fácil perderse, y aún más cuando, por algún motivo, su funcionamiento se aleja de la «normalidad». Drogas, senectud, esquizofrenia, mundos virtuales, percepciones extrasensoriales, delirios, obsesiones y síndromes varias esparcen por las páginas de los diez relatos que conforman Estados alterados de la mente. Una recopilación de cuentos que transita entre la locura y la alucinación, para demostrarnos la facilidad con que podemos borrar la frontera entre lo que es real y lo que no lo es.
–La Cripta: Canibalismo. VVAA (autoedición)
Presentación del cuarto número de la revista de cómics de terror La Cripta, dedicada en esta ocasión al canibalismo.
–Jack Kirby. Una odisea psicodélica. Roberto Bartual. Ed. Marmotilla
¿Cómo fue posible que Jack Kirby anticipara al arte psicodélico, sin haber probado nunca (que sepamos) ninguna droga? Esta es la pregunta que da origen a este libro, donde se revela una visión única de la obra de un genio. Kirby, un artista atávico con los pies en el suelo y la cabeza más allá de las nubes. Jack, el tipo duro del Lower East Side, que sin mover de la silla frente a su tablero de dibujo fue capaz de vislumbrar los rincones más escondidos del universo y de la mente humana. Quizás su obra nos enseña que las dos cosas son una sola.
–Paradoja en Renfield Street Lluís Rueda Ed. Hermenaute
Glasgow, 2000. El joven Andy Telfer despierta en su apartamento de Renfield Street enfrentado a dos enigmas casi irresolubles. A su lado duerme una joven galesa que parece venir del pasado, al menos así lo atestiguan su traje de época y su documentación. El otro enigma hace referencia al viejo manuscrito que sostiene ante sí un misterioso agente literario llamado Edgar Grainger: el texto contiene el primer capítulo de una novela, al parecer escrita por el mismo Telfer y protagonizada por la joven que yace en su lado, Sarah Aveling.
–Horror Dummies. VVAA Ed. Hermenaute
Los dummies, muñecos que imitan humanos gracias al manejo y el arte del ventrílocuo, centran buena parte de los seis relatos de este libro de horror grotesco. Cuentos que nos llevan a varietés de pueblos ignotos, teatros ambulantes y museos del horror, circos decadentes, salones espiritistas en que objetos rituales tratan de captar la esencia humana y, incluso, sociedades tecnificadas donde la muñeca clásica hiperrealista y la robótica se fusionan para crear un esperpento aún mayor.
–Rob Zombie. El renegado del diablo. Iván Allué (autoedición)
Este libro repasa de manera exhaustiva la carrera del polifacético artista norteamericano, desde que emprendiera el camino con White Zombie, en 1985. Al tiempo que biografía, es un análisis de todo el trabajo hecho por Zombie, empezando por sus discos independientes, pasando por sus álbumes en solitario, su faceta como autor de cómic y sus primeros pasos en el mundo de la publicidad, hasta llegar a su última película, «31».
–El Buque Maldito (autoedición)
Y como es tradición, Diego López presentará el último número de su fanzine de cine fantástico y de terror, El Buque Maldito
La antología literaria ‘Horror Dummies’ se viste de largo en el Crypshow Festival
Un libro de horror grotesco sobre la fobia a los muñecos humanizados
La tercera publicación de la colección Caronte de la editorial Hermenaute, dedicada al terror, y que lleva por título Horror Dummies. Marionetas, ventrílocuos, mecanismos psicóticos se presentará por primera vez al público dentro del Cryptshow Festival, que se celebra en Badalona del 5 al 9 de julio. La obra es una antología dedicada a los dummies o muñecos de ventrílocuo y gira en torno a las fobias que generan los seres inanimados.
El libro se presentará el próximo sábado, 8 de julio, a las 11 de la mañana en el Espai Betúlia (c/Enric Borràs, 43-47, Badalona), con presencia de algunos de sus autores. Además, durante todo el Festival Hermenaute contará con un stand en el Cryptshow.
El libro también podrá adquirirse en tiendas a partir del 10 de julio.
Sinopsis:
Los dummies, muñecos que imitan a humanos gracias al manejo y el arte del ventrílocuo, centran buena parte de los seis relatos de este libro de horror grotesco. Cuentos que nos llevan a varietés de pueblos ignotos, teatros ambulantes y museos del horror, circos decadentes, salones espiritistas en que objetos rituales tratan de captar la esencia humana e, incluso, sociedades tecnificadas en que la muñeca clásica hiperrealista y la robótica se fusionan para crear un esperpento aún mayor.
Horror Dummies. Marionetas, ventrílocuos, mecanismos psicóticos reúne a buena parte del equipo de escritores de Momias y embalsamados, Luis Guallar, Daniel P. Espinosa, Jesús Gordillo, Jorge P. López y Lluís Rueda (de nuevo como coordinador), y suma al proyecto a la escritora Patricia Muñiz y a la periodista y diseñadora Marta Torres, responsable de las ilustraciones y los textos complementarios.
Más información:
http://www.hermenaute.com/libro.php?id_libro=15
Nocturna entregará la distinción Maestro del Fantático a Chicho Ibáñez Serrador
El Festival Internacional de Cine Fantástico NOCTURNA MADRID entregará la distinción de Maestro del Fantástico a Narciso Ibáñez Serrador, Chicho, “quien es por derecho propio uno de los nombres más importantes de la historia del cine fantástico español”.
Completará el homenaje al director, guionista y actor, la proyección de su film ¿Quién puede matar a un niño? (1976), en colaboración con la distribuidora Mercury Films y con el canal de televisión 8Madrid TV. Producida en plena Transición, y con una luminosa fotografía de José Luis Alcaine, el equipo de programación del Festival Nocturna Madrid destaca esta película como “una obra fundamental que ilustra las extraordinarias aportaciones de Chicho Ibáñez Serrador a la evolución del cine fantástico en nuestro país”.
Narciso Ibáñez Serrador (Montevideo, 1935), es una de las figuras más emblemáticas de nuestro país por sus trabajos para cine y televisión y por popularizar el cine fantástico. Así con la serie de culto ‘Historias para no dormir’ (1966 – 1982), que adapta a la pequeña pantalla obras maestras de la literatura de terror, descubre a millones de espectadores el hasta entonces desconocido género cinematográfico.
Sus experiencias previas en ‘Obras maestras del terror’, en la televisión argentina o, ya en España, en programas como ‘Estudio 3’, son una prueba de su pasión por el género, y la consagración de ‘Historias para no dormir’ en los años sesenta, supuso la confirmación definitiva de que el fantástico interesaba también al público español, con capítulos emitidos por Televisión Española que han pasado a la memoria colectiva como ‘El asfalto’, donde su propio padre moría sepultado, y que le valió el premio Ninfa de Oro del Festival de Televisión de Montecarlo en 1967.
Narciso Ibáñez Serrador, admirador del humor negro y de la literatura de Edgar Allan Poe y Ray Bradbury ; y de la fórmula de Alfred Hitchcock, no sólo era el conductor y realizador del programa, sino que escribía la mayoría de los capítulos (‘El cumpleaños’, ‘La pesadilla’, ‘El televisor’…) bajo el seudónimo de Luis Peñafiel.
‘Historias para no dormir’ fue uno de los programas más populares de los años sesenta y setenta y el antecesor de ‘Mañana puede ser verdad’, serie también basada en relatos de ciencia ficción codirigida con su propio padre Narciso Ibáñez Menta.
Tras el reconocimiento de sus éxitos y un Premios Ondas como Mejor Autor en 1969, Televisión Española encarga a Ibáñez Serrador el mítico ‘Un, dos, tres’, en emisión durante tres décadas.
Durante estos años, Chicho no abandona el género fantástico y compagina el concurso con nuevas adaptaciones de relatos de terror para Televisión Española y Radio Nacional de España ; además de rodar los largometrajes La residencia (1969) y ¿Quién puede matar a un niño? (1976), estrenados internacionalmente. Con La residencia firma una de las películas más taquilleras del incipiente género, “una película claustrofóbica y de corte clásico que relata la historia de un asesino en una residencia de señoritas y una joya tremendamente reivindicable rodada en una época donde el cine de género casi no tenía presencia en las pantallas españolas”.
Maestro de maestros
Conocedor como pocos de la industria audiovisual en España, Chicho Ibáñez Serrador fundó Prointel, la primera productora independiente de televisión en nuestro país, que conserva su legado y continúa su actividad desarrollando nuevos formatos de la mano de su hijo, Alejandro Ibáñez Nauta.
En 2005 se rodó ‘Películas para no dormir’, una compilación de producciones de terror dirigidas por directores como Alex de la Iglesia, Enrique Urbizu, Paco Plaza, Mateo Gil, Jaume Balagueró y el propio Narciso Ibáñez Serrador.
El trabajo de Narciso Ibáñez Serrador no sólo ha marcado a generaciones de directores de cine de nuestro país como de la Iglesia o Juan Antonio Bayona entre otros, sino que también fuera de nuestras fronteras ha sido reconocido con premios como el del Festival de Televisión de Montecarlo, el Festival de Buenos Aires, y con numerosos homenajes por su contribución al género.
¡Feliz cumpleaños, Chicho!
Palmarés ‘Cortos con K 2017’
Ya podemos anunciar el palmarés de la quinta edición del CORTOS CON K FESTIVAL, que se celebró este viernes y sábado en Barcelona.
Tras la deliberación de los miembros del jurado de esta edición, compuesto por Denise Castro, Paco Ferrari y Juan Antonio Barnes, los votos del público y la deliberación por parte de la organización, estos son los cortometrajes premiados:
PREMIO CORTOS CON K FESTIVAL 2017
250€ + trofeo
“Por su gran capacidad de entretenimiento, por ser entrañable, sorprendente y encajar con el espíritu de ésta edición”
EINSTEIN-ROSEN de OLGA OSORIO
PREMIO Rsservice A LA MEJOR DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA
1000€ de descuento en material de rodaje RCservice + trofeo
“Por su interesante estilo y remarcable gestión de la luz ambiente, y por el cuidado trabajo de cámara que no deja espacio a críticas”
DOWNUNDER de FERNÁNDO GONZÁLEZ
PREMIO SECCIÓN ESPECIAL A CONCURSO 2017
100€ + trofeo
“Por una estupenda puesta en escena y transportarnos con gran acierto al cine de los ’80”
REWIND de RUBÉN PÉREZ
PREMIO DEL PÚBLICO CORTOS CON K FESTIVAL 2017
50€ + trofeo
“Por su divertida y gamberra locura y crear un personaje como Chuck Lee Bronson”
JUSTICIA JUSTICIERA III. KUNFU KARATE ANNIHILATOR de RAFA DENGRÀ
MENCIÓN A LA MEJOR DIRECCIÓN
diploma
“Por su gran estilo, su buen contenido, y por lo qué transmite su historia y sus personajes, en definitiva, por contar algo muy bien contado”
BEHIND de ÁNGEL GÓMEZ
MENCIÓN AL MEJOR GUIÓN
diploma
“Porque nos hace meternos en la piel de lo que posiblemente va a ser de nosotros en un futuro no tan lejano”
TIMELAPSE de ALEIX CASTRO
MENCIÓN A LOS MEJORES FX
diploma
“Por su cuidado en el detalle y por su impecable y originariamente rústica integración con el chroma”
ZONA 84 de LONAN GARCÍA
MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO
diploma
“A pesar de su escasa duración, le basta para explicarnos algo perturbador manteniendo la tensión de principio a fin”
VOID CHAIR de XAVIER MIRALLES
MENCIÓN ESPECIAL KLOWNSASESINOS.COM
diploma
“Por su original propuesta, la angustia que transmite y el terror de su conjunto”
i-MEDIUM de ALFONSO GARCÍA
Las lecturas de Serendipia: Soy pez, soy pájaro, soy lombriz, una fantasía ilustrada de Tomás Bases
SOY PEZ, SOY PÁJARO, SOY LOMBRIZ
Tomás Bases.
Diábolo Ediciones. Encuadernación en tapa dura. 36 páginas a todo color
Sabida es la querencia que tenemos en esta casa por Diábolo Ediciones, de cuyas novedades nos hacemos eco con puntualidad y cuyas publicaciones hemos comentado con frecuencia en esta sección. Nacida como una editorial dedicada el cómic, con los años ha ido ampliando sus focos de interés sin abandonar nunca su voluntad de recoger la cultura popular. Hoy queremos hablar de su colección dedicada a los más pequeños de la casa: Diabolín (línea infantil), en la que han dado a conocer ya cuatro títulos, en nuestras manos ha caído el tercero y a él dedicamos esta reseña.
Tomás Bases es el autor de Soy pez, soy pájaro, soy lombriz y se presenta así en su propia Web: «mi trabajo consiste en imaginar, dibujar y explicar: me gusta imaginar historias y mundos fantasiosos, diseñar una estética para cada proyecto, crear unos personajes y finalmente ponerlo todo en pie en forma de animación, de cuento interactivo, libro impreso, una taza de café o un poster: todo vale a la hora de dejar volar la imaginación! Y eso es lo que vengo haciendo desde 1993«. Y eso es lo que ofrece en su relato para todas las edades, subtitulado «Una fantasía muy medieval», la historia que nos trae Bases emula en su forma a los cuentos tradicionales. Bases construye su relato
dándole tintes de leyenda, nos narra la historia de las fantásticas peripecias del joven y ambicioso rey Leopoldo, que renunciará a si mismo con tal de obtener el poder (una corona de oro oculta en las profundidades del mar), lo obtendrá pero a un precio muy alto que le hará vivir un proceso iniciático y al final… (léanlo para saber como acaba); tanto por su contenido, pues, como por su forma, Bases usa estructuras propias del cuento oral (esas que estudió Propp) y un registro lingüístico adecuado a ello. El propio autor expone cómo tomó en cuenta el maravilloso libro Psicoanálisis de los cuentos de hadas, de Bruno Bettelheim (1975). Los cuentos de hadas siempre tuvieron como último objetivo (en opinión de Bettelheim) llevar al niño a descubrir su identidad y vocación, sugiriéndole, también, qué experiencias necesita para desarrollar su carácter. Podría decirse que sirven al efecto de desarrollar una conciencia crítica, por eso Bases ha querido «abordar un tema para el que vivimos posiciones ambivalentes: el icono del hombre hecho a sí mismo, ambicioso y luchador, paradigma del liberalismo y la economía de nuestros tiempos y por otro lado la visión romántica de un humanismo que sitúa a las personas y sus sentimientos en el centro de los valores» (todas las citas están recogidas en su Web). Soy pez, soy pájaro, soy lombriz es también un cuento educativo, pero lo importante es que educa desde el enaltecimiento de la imaginación y la fantasía. El mayor mérito de este relato, sin embargo, no está en su historia (aunque tenga todos los valores que hemos señalado), no, lo que destaca por encima de todo son sus ilustraciones, obra del propio Bases.
Explica el autor: «buscaba que las ilustraciones lo fuesen todo, se lo comiesen todo y lo desbordasen todo. Quería que fuese una «ilustración narrada» y no tanto un cuento ilustrado.» En este relato se invierten, pues, los términos habituales en el género de los cuentos, lo corriente es tener un texto previo al que se le iluminará con ilustraciones posteriores, aquí lo que domina es la imagen, es ella la que narra y el texto es subsidiario, Bases ha conseguido plenamente el efecto que buscaba. Unas ilustraciones que hablan por sí mismas, de gran belleza, y que traducen en sí el importante trabajo de campo que ha tenido que realizar el autor. Dicho con sus palabras: «tenía claros varios objetivos: tenía que ser un homenaje a las ilustraciones de los manuscritos medievales. De ahí sale un enorme trabajo de documentación y un cuidadísimo trabajo estilístico lo más fiel posible a las iluminaciones de la época. Muchos elementos, como los 
Monstruos Enjaulados o la Ciega Sabia de Doce Brazos, están reproducidos fielmente de originales medievales, aunque luego los haya adaptado a las necesidades del relato«. Soy pez, soy pájaro, soy lombriz es un auténtico placer para todos los sentidos.
Hay que destacar también el trabajo de la editorial. Diábolo ha sabido comprender la naturaleza de la obra que tiene entre manos y ha apostado por darle un acertado formato de edición: en tapa dura, con un tratamiento del color que reproduce a la perfección el trabajo del autor/ilustrador y con un papel de alto gramaje que le da aspecto de libro de arte. Mención especial merece el trabajo de maquetación de Sebastián Romiti.
Esta obra, que ha supuesto más de tres años de trabajo, se completa con material audiovisual. Bases, auténtico hombre orquesta como puede verse, completa su obra con un pequeño filme animado al que remite con un enlace en el propio libro y que puede disfrutarse online. De su corto nos dice Bases: «La versión animada de “Soy pez” busca la parte poética del proyecto. El poder visual del imaginario medieval se confabula con la fuerza de la música para soñar una estampa que se libera del guión del cuento y así volar por la fantasía visual del proyecto«. El libro lleva al audiovisual, pero también puede recorrerse el camino inverso, así que enlazamos la animación como aperitivo que les lleve a comprar este trabajo, publicado en una colección infantil, sí, pero que es disfrutable para todos los públicos. ¡¡Ya están tardando!!
Soy pez soy pájaro soy lombriz from Tomás Bases on Vimeo.
Los rituales diabólicos llegarán al Cardoterror el último fin de semana de octubre
Serendipia
Proyecto Naschy 
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