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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 20 de septiembre de 2024 *
NOEMÍ DICE QUE SÍ (Noémie dit ouia, Geneviève Albert, 2022)
Canadá. Duración: 113 min. Guion: Geneviève Albert Música: Frannie Holder Fotografía: Léna Mill-Reuillard Compañías: Leitmotiv Films. Distribuidora: Wayna Pitch, K Films Amerique Género: Drama
Reparto: Kelly Depeault, Emi Chicoine, Genevieve Alarie, James-Edward Métayer, Sylvio Archambault, Maxime Gibault, Megane Ayan, Badr Bahsis, Véronique Beaudet, Thara Hillary Benjamin
Sinopsis: Noemí, una adolescente que vive en un centro de menores, huye el día que su madre decide no hacerse cargo de ella. A través de su amiga Lèa conoce a Zach y se enamora de él. Zach intenta convencer a Noemí de que haga como su amiga y se convierta en escort. De esa forma, podrá conseguir dinero para salir de la calle y poder ser libre.
Magnífica ópera prima de la canadiense Geneviève Albert, que tras realizar diversos cortometrajes y escribir documentales, entre otras disciplinas artísticas, ha escrito y dirigido Noemí dice que sí partiendo de las experiencias que le han contado mujeres que se iniciaron en el mundo de la prostitución en su adolescencia, pues como remarca la directora, la edad media de las mujeres que entran en ese sórdido mundo en su país es de 14/15 años, que son los que tiene la protagonista de su película, interpretada convincentemente por Kelly Depeault.
La directora aborda el tema de manera cruda, pero evitando resultar complaciente o voyeurista. Las imágenes más duras de la película tocan la fibra, alcanzan el estómago del espectador y le hacen pensar. Sobre todo si son varones, haciendo que se pregunten y piensen qué hay detrás de ese mundo en el cual el cuerpo humano es un simple producto de consumo. Para la directora, «La prostitución es una realidad que me resulta muy interesante. Me toca el alma, no porque yo misma haya tenido un pasado en la prostitución, sino porque mi humanidad y mi compasión se dirigen a estas chicas. Las mujeres están siendo explotadas sexualmente en todo el mundo, así que es un tema tan fuerte para mí que era obvio que haría mi primer largometraje sobre ello«.
Geneviève Albert ha conseguido con su primer largometraje realizar una obra inmersiva y muy física, que sumerge al espectador en la experiencia de la prostitución desde el punto de vista de la agredida, con frialdad, no convirtiendo la experiencia en algo glamuroso y despojándola de violencia física para no caer en el folletín o en la pura explotación. «Para mí», prosigue la realizadora, «hay una violencia inherente a la prostitución. Los clientes no tienen por qué ser violentos ellos mismos. Los proxenetas no necesitan ser violentos ellos mismos. Es solo que la prostitución en general es violenta en sí misma, y yo pensé: ‘Bien, ¿Cómo puedo trasladar esto a mi cine y a la historia en sí?’. Así que opté por la estética de la repetición. Hay muchos clientes.«
La película enfoca la prostitución como algo muy diferente a lo mostrado habitualmente, no hay mafias e incluso los proxenetas no son adultos, son también adolescentes que viven en un mundo en el cual todo llega como un juego, una forma de hacer dinero «fácil» en la que tienen mucho que ver las redes sociales. Tampoco se olvida el entorno, que lejos de la basura y el extrarradio, se sitúa en un gran evento, como es una gran feria o un Gran Premio de Fórmula 1, lugares que, como bien se sabe, aglutinan a un buen número de participantes que buscan todo tipo de servicios.
Noemí dice que sí es un drama social, con familias desestructuradas y madres jóvenes, inmaduras, que llegan a la maternidad sin estar preparadas para ello, entre varios otros motivos que llevan a las más jóvenes a ser caldo de cultivo y víctimas potenciales de estas pequeñas redes, que por reducidas que sean están preparadas para acogerlas. Todo ello en una historia y una problemática social global, pues es una lacra que está presente en todas las culturas y que va mutando adaptándose hasta, por ejemplo, tomar forma en el «inocente» juego de la web Only Fans. Un film que merece mucha más atención y reconocimiento que el que posiblemente vaya a recibir en su fugaz pase por las carteleras españolas, tan necesitadas de cine social y con contenido que haga reflexionar al espectador.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 30 de agosto de 2024 *
EL CUERVO (The Crow, Rupert Sanders, 2024)
USA/ UK/ Francia. Duración: 111 min. Guion: Zach Baylin, William Schneider. Cómic: James O’Barr Música: Volker Bertelmann Fotografía: Steve Annis Compañías: The Electric Shadow Company, Edward R. Pressman Film, Davis Films, Hassell Free Productions, Edward R. Pressman Film Género: Thriller.
Reparto: Bill Skarsgård, FKA Twigs, Danny Huston, Isabella Wei, David Bowles, Paul A Maynard, Sebastian Orozco, Baha Chbani, Laura Birn, Jordan Bolger, Sami Bouajila, Jim High, Dukagjin Podrimaj, Kim Girschner, Karel Dobrý
Sinopsis: Las almas gemelas Eric Draven (Skarsgård) y Shelly Webster (FKA twigs) son brutalmente asesinados cuando los demonios de su oscuro pasado les alcanzan. Ante la oportunidad de sacrificarse para salvar a su verdadero amor, Eric se propone vengarse despiadadamente de sus asesinos, atravesando el mundo de los vivos y los muertos para saldar sus deudas.
Con El cuervo (The Crow) llega una moderna adaptación de la novela gráfica original de James O’Barr que ya fue llevada a la pantalla por primera vez hace exactamente 30 años bajo la dirección de Alex Proyas. Un film, el de 1994, que era pura serie B pero que por avatares de la providencia ha llegado a ser considerado una cinta de culto que generó tres cansinas secuelas que, obviamente, tuvieron que contar con otro protagonista, y que tras un breve lapso de estancia en cines, pasaron a su hábitat natural, el videoclub. También se creó una serie televisiva, en esta ocasión protagonizada por Mark Dacascos.
Ahora, en plena decadencia de las adaptaciones de cómics de súper héroes, gracias (¿?) a la nefasta política suicida de Disney, Rupert Sanders, que ya se llevó todos los palos posible por Ghost in the Shell: El alma de la máquina (2017), una interesante adaptación del manga homónimo, se atreve a despertar las iras de los puristas retomando el oscuro universo de The Crow con una adaptación prominentemente romántica, como la original, pero adaptándola a los nuevos tiempos.
Bill Skarsgård asume el icónico papel de Eric Draven/El Cuervo, en un reparto que se completa con FKA twigs y Danny Huston, todos ellos realizando una correcta labor, en un filme entretenido, de lento despegue pero que, a los pacientes que hayan sabido hacer oídos sordos a las críticas gratuitas vertidas en la red, la mayoría de ellas sin sentido, deparará mucha acción de alto voltaje y litros y litros de sangre. Y ya se sabe que… ¡la sangre es vida!
BONNARD, EL PINTOR Y SU MUSA (Bonnard, Pierre et Marthe, Martin Provost, 2023)
Francia. Duración: 122 min. Guion: Marc Abdelnour, Martin Provost Fotografía: Guillaume Schiffman Compañías: Les Films du Kiosque, Volapuk, Umedia, Canal+, Ciné+ Género: Drama.
Reparto: Cécile De France, Vincent Macaigne, Stacy Martin, Anouk Grinberg, André Marcon, Hélène Alexandridis, Grégoire Leprince-Ringuet, Peter Van den Begin, Yveline Hamon, César Domboy, Laura Sepul, Angelo Bison, Stanislas Merhar
Sinopsis: Pierre Bonnard no sería el famoso pintor sin Marthe, su enigmática musa y compañera, que aparece en más de un tercio de su obra. La película explora su compleja relación, marcada por la reclusión y la dependencia mutua. Marthe, con su fuerte personalidad y misterioso pasado, inspira profundamente a Bonnard, influyendo en su arte hasta el final.
Varias han sido las vidas de pintores y artistas que han sido llevadas al cine, con mejor o peor fortuna. Recordamos clásicos como El loco del pelo rojo (Lust for Life, Vincente Minnelli y George Cukor, 1956) o El tormento y el éxtasis (The Agony and the Ecstasy, Carol Reed, 1965) o, más recientemente, Mr. Turner (Mike Leigh, 2014). Todas ellas con el común de retratar, además de la biografía del protagonista, la vida y época en la que se desarrolla. Un importante contexto para entender las decisiones vitales del biografiado. La última película de Martin Provost (Séraphine, Violette o Dos mujeres), también es un retrato de la sociedad en la que se desenvolvió el protagonista del film: la Europa de finales del siglo XIX y principios del XX. Una sociedad que, para los más agraciados socialmente representaba una libertad y una relajación de costumbres muy similares a las que se desean vivir en la actualidad. Vidas sin vínculos matrimoniales en las que el hedonismo campa a sus anchas y en las que tienen cabida las relaciones a tres. Y entre medias, una guerra que partió todo por medio llenando de realidad esa balsa de indolencia. Para ello, el director se valdrá de la biografía del pintor Pierre Bonnard (1867-1947), pintor francés de estilo impresionista y precursor de la pintura abstracta que en el film es interpretado por Vincent Macaigne, y Marthe, su musa proletaria, compañera y gran amor, que encarna Cécile de France. Juntos serán dos niños gamberros, libres, dependientes el uno del otro. A los que encanta jugar y amarse en esta historia de pasión, amor y celos más grande que la vida. Les acompañan en el reparto Stacy Martin, Anouk Grinberg y André Marcon.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 23 de agosto de 2024 *
MAXXXINE (Ti West, 2024)
USA/Nueva Zelanda/Canadá. Duración: 103 min. Guion: Ti West Música: Tyler Bates Fotografía: Eliot Rockett Compañías: A24, Bron Creative, Film New Zealand Género: Terror
Reparto: Mia Goth, Elizabeth Debicki, Michelle Monaghan, Bobby Cannavale, Kevin Bacon, Moses Sumney, Giancarlo Esposito, Halsey, Lily Collins, Larry Fessenden, Chloe Farnworth, Uli Latukefu, Ned Vaughn
Sinopsis: Años 80 del siglo pasado. Maxine Minx, estrella del cine para adultos y aspirante a actriz, tiene por fin su gran oportunidad. Pero mientras un misterioso asesino acecha a sus compañeras, un rastro de sangre amenaza con revelar el siniestro pasado de Maxine.
En esta trilogía dirigida por Ti West el interés ha ido en aumento. Tras X (2022), una correcta primera entrega ambientada en los años setenta con Mia Goth interpretando dos papeles: el de Maxine, una descarada actriz porno; y el de la anciana Pearl, llegó, precisamente, Pearl (2022), en la que retrocedemos en el tiempo otorgando al film el aspecto de una feliz película de los años cincuenta en Technicolor, a pesar de que la historia realmente se desarrolla en unos años veinte que veían desarrollar un nuevo arte, en blanco y negro y silente. Con todo, el film de West consigue que el espectador penetre en la mente de Pearl y sea testigo de sus ilusiones y decepciones, pero también de su desmoronamiento y bajada a los infiernos. Puro American Gothic en el que Mia Goth tiene todo el protagonismo y se enfrenta a retos interpretativos tales como un largo monólogo y una antológica escena final que convirtieron a Pearl y a la interpretación de la actriz, en inolvidables. Ahora, con Maxxxine, recuperamos el tono y el personaje avanzando en el tiempo, y situando la historia en los años ochenta, con Maxine en la cima del porno y buscando una salida por la que entrar en el cine convencional. Una barrera que no ha conseguido superar ninguna de las actrices que se lo han propuesto, más allá del cine de serie B. Maxxxine retoma la acción e incluso el film hace referencia a X, pero puede verse como un ente autónomo con una historia propia y totalmente disfrutable. Maxxxine, el film que cierra la trilogía es, al igual que Pearl, una declaración de amor al cine, pero que no duda en mostrar a la industria como una secta satánica y el triunfo como un pacto con el diablo.
Al igual que las otras dos entregas anteriores, la época está perfectamente retratada, y la forma de exponerla 
también. Colores, grano y estética videográfica para una época en la que los asesinos en serie campan a sus anchas y el cine porno vive su época dorada gracias al video doméstico. Suciedad y esa entente entre el cine X y el de terror como géneros malditos, relegados de la industria y con sus propios canales autónomos de distribución. Géneros que han compartido caudal de seguidores y que, finalmente y en el caso del terror, han sabido situarse y ganar algo de respetabilidad, mientras que el cine pornográfico, como industria, desapareció. Ti West rinde pleitesía al genio del suspense, visitando el Motel Bates y tiñendo a su heroína de rubia a lo Hitchcock, pero no serán los únicos guiños al orondo director y padre del cine de terror moderno al que tanto se le debe. Ni al cine, en general, con un clímax que se produce donde todo comenzó: en la letra H del cartel de Hollywood Land desde la que, el 16 de septiembre de 1932 y con tan solo 24 años, la joven starlette Peg Entwistle se sacrificó saltando al vacío.
Maxxxine es un inmejorable broche de oro a esta trilogía de Ti West, un director al cual personalidades del peso de Paul Schrader ven facultades que le hacen merecedor de pasar a «ligas mayores» que las que les pueden ofrecer estos slashers. Por nuestra parte, y venerando al viejo guionista y director, pensamos que los films de Ti West son dignas películas, que cuentan historias más allá del simple body count, como es este auge, caída y tragedia de una industria, la de Hollywood, fábrica de sueños que sigue siendo secta siniestra y en la que la fama, la frágil y a veces efímera fama, se consigue, muchas veces, a cambio de sacrificar el alma al diablo.
Por cierto, además de Mia Goth, gran protagonista del film y de la trilogía, la cinta cuenta con la participación de reputados actores y actrices, de entre los cuales destaca un Kevin Bacon al que no dejan de sacudir la badana durante todo el metraje.
ISLA PERDIDA (Haunted Heart, Fernando Trueba, 2024)
España/Colombia Duración: 128 min. Guion: Rylend Grant, Fernando Trueba Música: Zbigniew Preisner Fotografía: Sergio Iván Castaño Compañías: Fernando Trueba P.C., Caracol Televisión, Atlántika Films, RTVE, ICAA Género: Thriller
Reparto: Matt Dillon, Aida Folch, Juan Pablo Urrego, Kika Georgiou, Polydoros Vogiatzis
Sinopsis: Álex es una española que comienza un nuevo trabajo como camarera en un restaurante de una isla perdida. A pesar de ganarse rápidamente el corazón del brasileño Enrico, Alex se enamora de Max, el gerente norteamericano del establecimiento. Mientras su amor florece, se empiezan a descubrir inquietantes pistas sobre el oscuro y misterioso pasado de Max.
Fernando Trueba no comparte generación con José Luis Garci, pero ambos cineastas tienen más en común que el mero hecho de haber sido obsequiados por la industria norteamericana con un Óscar. Los dos poseedores de la ansiada estatuilla se definen por tener en el cine clásico el cofre que alberga su memoria sentimental, hombres que se han forjado como personas a partir de su fascinación infantil por la fábrica de sueños y sensaciones que es el séptimo arte. Cinéfilos de pro, esencialistas del lenguaje clásico, aman al cine, otra cosa es que sean correspondidos por éste. Y es que es necesario algo más que admiración y dominio técnico de los recursos a imitar para conseguir que la imagen-movimiento sea arte y no un mero ejercicio de copista monacal, comparación que no es del todo justa con los monjes pues al menos éstos hacían gala de su pericia artística en su control de la iluminación miniada. Si acaso Trueba llegó a tener la gracia del cine, ésta hace décadas que lo abandonó. Desde su adaptación cinematográfica de la novela de Marsé, El embrujo de Shanghái (2002), el madrileño ha encadenado productos que, aunque sean bellos en su esteticismo, no tienen alma. Isla perdida es una película hueca, pero con pretensiones. Quiere emular el suspense hitchcockiano y hasta parece que quiere elevarse hasta entrar en el reino de la tragedia shakespeariana (si aguantan hasta el final, entenderán por qué lo decimos), pero el infierno está empedrado de buenas intenciones. Su preciosismo es impostado, su intriga no sorprende nunca (el espectador siempre va dos pasos por delante de la acción) y su diseño de personajes, que se pretenden complejos y profundos, no llega a tener ni el grosor del A4 de 80 gramos que emplea cualquier impresora doméstica. Nada funciona en la isla, no sabemos si perdida o no, pero de lo que sí estamos seguros es de que invertir dos horas largas en desentrañar el macguffin menos disimulado de toda la historia del cine es una absoluta pérdida de tiempo.
Hay quien ha dicho que Fernando Trueba rinde tributo, en su última película, a los maestros del suspense, en especial a Alfred Hitchcock y Patricia Highsmith, y es posible que esa sea su intención, pero es una crítica muy generosa, pues el resultado no pasa de ser un anticuado thriller de consumo televisivo que se toma la molestia de detenerse en todos y cada uno de los habituales tópicos y que bien podría haberse titulado Isla letal. En el film, además, el director añade detalles propios que tan solo el oscarizado director sabrá el porqué han sido incluidos (no se pierdan la serpiente, el 11-S y el mimo, sobre todo, el mimo), todo lo cual ofrece un resultado tan exagerado que, de haber estado protagonizado por un actor como Will Farrell, tendríamos una estupenda comedia. Isla griega en al que todos se lo pasan en grande trabajando, jugando al ajedrez y bailando el sirtaki y, por supuesto, cocina mediterránea (increíble el plato que el personaje que interpreta Matt Dillon prepara al que encarna Aida Folch, un menú que no nos imaginamos ni en las peores pesadillas de Ferran Adrià). Todo tiene encanto en esta isla. Todo es de ensueño: mercados de antigüedades vintage, playas de aguas cristalinas, diálogos que invitan a la hilaridad, desorden ordenado en las rústicas estancias ¡Si hasta el misterioso protagonista fue un reputado clarinetista de jazz antes de dejarlo todo y montar, de la nada, un restaurante de lujo en una isla griega! Pero no todo es negativo. Lo mejor es la expresión de felicidad de Aida Folch cuando ve cumplido uno de sus sueños de juventud besando y retozando con un Matt Dillon muy, muy perdido. Tan perdido y remoto como la isla.
ODIO EL VERANO (Fernando García-Ruiz, 2024)
España, Guion: David Marqués Música: Vanessa Garde Fotografía: Ángel Amorós Compañías: Telecinco Cinema, Sony Pictures, Mediaset España. Distribuidora: Sony Pictures España Género: Comedia
Reparto: Julián López, Kira Miró, Jordi Sánchez, María Botto, Roberto Álamo, Malena Alterio, Mariano Venancio
Sinopsis: Alonso (barrendero; Roberto Álamo) y Marisa (tarotista; Malena Alterio), Torres y Fátima (propietarios de una charcutería; Jordi Sánchez y María Botto) y Calatrava (cirujano estético; Julián López) y Vicky (influencer; Kira Miró) han reservado una casa aislada en Canarias para pasar las mejores vacaciones de su vida con sus respectivas familias. Lo que no saben es que, por un error de la agencia, han alquilado la misma casa. Ninguno está dispuesto a renunciar a ella y tampoco hay muchas alternativas, por lo que se ven obligados a compartir habitáculo durante todas sus vacaciones. Las patentes diferencias entre cada uno de sus miembros convierten esos días en un caótico cúmulo de divertidas y desmadradas situaciones. A pesar de ello, tienen que aprender a convivir y comprender a toda esa gente tan distinta… Y a ellos mismos.
No engañan el título ni el cartel de esta adaptación española de la italiana Odio l’estate (Massimo Venier, 2020), comedia coral que se centra en la historia de tres hombres que reservan, sin saberlo, la misma casa para sus vacaciones estivales en familia, convirtiendo el verano en un cómico ejercicio de tolerancia, y basando el supuesto humor en las situaciones derivadas de las abisales diferencias entre las diferentes unidades familiares por pertenecer a diferentes clases sociales. Una situación que, como es previsible, terminará uniendo a estos polos opuestos, pues todos tienen su corazoncito y el dinero, ya saben, no da la felicidad.
No hay verano sin comedia coral de situación desternillante para toda la familia con la que forzar un poco el mecanismo del humor, y más si se cuenta con caras tan conocidas realizando variaciones de sus personajes habituales: Jordi Sánchez no hace de cascarrabias pescatero. En esta ocasión tiene una charcutería; Malena Alterio retoma su caricatura de esposa de clase media-baja que sabe disfrutar con lo (poco) que le ha deparado la vida; Kira Miró es una estirada pija de cuerpo vertiginoso y quizás la más digna dentro de esta comuna, pues sabe poner una impecable cara de desagrado ante todas las situaciones; Julián López es el cómico al que todos conocen por Julián López, aunque con un papel menos histriónico y la dentadura reparada; y Roberto Álamo y María Botto salvan sus papeles de la mejor forma posible, pues por ello son unos todoterreno.
El director, Fer García-Ruiz, que este año ha estrenado, por el momento, dos películas, pues no hace mucho llegaba a los cines Mala persona, ya había recurrido anteriormente a un reparto coral en la más destacable Descarrilados (2021), que además de contar con Julián López en su reparto, tenía un guion escrito por David Marqués, responsable de esta adaptación y que además de guionista es director. Entre sus películas recordamos El club del paro (2021).
En conclusión, Odio el verano ofrece al espectador justo lo que se espera de ella. No engaña a nadie. Un rato de agradable distracción con algún afortunado gag bien defendido por curtidos actores en el campo de la comedia.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 6 de septiembre de 2024 *
ESTACIÓN ROCAFORT (Luis Prieto, 2024)
España. Duración: 89 min. Guion: Iván Ledesma, Ángel Agudo, Luis Prieto Música: Nami Melumad Fotografía: Marc Miró Compañías: Estación Rocafort Película, Nostromo Pictures, Showrunner Films. Distribuidora: Filmax Género: Terror
Reparto: Natalia Azahara, Javier Gutiérrez, Valèria Sorolla, Xavi Sáez, Francesc Albiol, Aimar Vega, Tatín Revenga, Celso Bugallo
Sinopsis: Un misterio que durante años ha sacudido a la estación de Metro de Rocafort en Barcelona entra de lleno en la vida de Laura (Natalia Azahara) cuando empieza a trabajar en esta vieja y tranquila parada. No tardará en descubrir una leyenda que la empezará a perseguir: allí ha muerto mucha gente en extrañas circunstancias. Laura, decidida a descubrir la verdad, pedirá ayuda a Román (Javier Gutiérrez), un curtido expolicía que alberga sus propios demonios relacionados con el caso. Lo que sea que ocurre en la estación maldita sigue sucediendo a día de hoy. Irá a por ella, y a por todos los que la rodean.
Confieso que en esta casa somos muy aficionados a que se utilicen escenarios familiares y próximos para el cine de terror. Después de décadas de fantástico acomplejado durante los años setenta y ochenta, que en la gran mayoría de casos ocultaba su origen desarrollando la acción en capitales y poblaciones europeas y norteamericanas, algunos autores dejaron de pensar en la exportación y crearon horrores cercanos, como Pedro Olea y El bosque del lobo (1970) o Jacinto Molina y El huerto del francés (1978). Pero no fue hasta [Rec] (2007) de Paco Plaza y Jaume Balagueró cuando el espectador pudo sentir que el horror palpitaba cerca de su casa. Es por todo ello que cuando supimos que se rodaba Estación Rocafort simpatizáramos inmediatamente con el proyecto, que ha dirigido el realizador afincado en Estados Unidos, Luis Prieto, que hace un alto en su extensa trayectoria americana (Kidnap, Pusher) para filmar esta inquietante película de terror y suspense que transcurre en el metro de Barcelona. Lo malo, es que se ha decidido, por razones que desconocemos, crear una estación ficticia, pues la ubicación y la línea que se muestra, no se corresponde con la antigua estación Rocafort, todavía en funcionamiento. Y puede parecer todo esto una tontería, pero situar la acción del film en un espacio reconocido para el espectador y mostrar otras ubicaciones, no ayuda a dar credibilidad a la película. Y más cuando la voluntad de Showrunner Films era hacer una película de terror donde Barcelona estuviese en el centro de la historia, tal y como explicaban sus productores: «Queremos que los espectadores reconozcan en pantalla la ciudad y la estación de metro por la que podrían pasar cada día para ir al instituto o el trabajo. El público verá hacerse realidad las leyendas que alguna vez ha oído y nunca ha querido creer«
En todo caso y dejando esto de lado, la intriga y la atmósfera del film consigue capturar al espectador, con su bella iluminación a lo Mario Bava, de azules y rojos, además de por ciertos detalles, como el almacén de las atracciones de Montjuïc y la acción que allí se desarrolla. En la parte interpretativa, cuenta con la participación y el buen hacer de Javier Gutiérrez, que sirve de contraste a la expresión de continuo sufrimiento de la protagonista, la joven Natalia Azahara, y del irritante personaje encarnado por Valèria Sorolla. El film también abusa un poco de las piruetas técnicas, que si bien en su inicio carecen de fundamento, quedan más en su lugar conforme la confusión en la psique de la protagonista va aumentando.
Con guion original de Iván Ledesma, Ángel Agudo y el propio Luis Prieto, completan el equipo el director de fotografía Marc Miró (Rainbow); Sarah Webster, la directora artística habitual de Prieto; la montadora Beatriz Colomar y la diseñadora de sonido Laura Díez (Los renglones torcidos de Dios, Venus).
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 2 de agosto de 2024 *
DOGMAN (Luc Besson, 2023)
Francia. Duración: 114 min. Guion: Luc Besson Música: Eric Serra Fotografía: Colin Wandersman Compañías: Europa Corp, TF1 Films Production, Ondamax Films Género: Drama
Reparto: Caleb Landry Jones, Jonica T. Gibbs, Christopher Denham, Clemens Schick, Michael Garza, Grace Palma, Corinne Delacour, John Charles Aguilar, Lincoln Powell, Marisa Berenson, James Payton, Bennett Saltzman, Derek Siow
Sinopsis: Douglas (Caleb Landry Jones), maltratado por su padre y su hermano mayor durante su infancia, encuentra la salvación gracias al amor incondicional de sus perros. Tras este pasado lleno de abusos y dolor, crece rodeado por su manada de la que adquiere sus aspectos más salvajes para dejar atrás su cruel infancia.
“Donde hay un desafortunado, Dios envía un perro”.
– Lamartine
Con Dogman Luc Besson añade a su filmografía otro de esos personajes violentos, pintorescos, extremos, en una palabra, fascinantes, que tanto gustan al director y guionista y que tan inamovibles permanecen en la memoria del espectador. Uno de esos personajes que encuentran su redención a golpes y que hallan el consuelo en los lugares más insospechados. Muchas veces en la muerte. Pero en una muerte bien recibida, como sinónimo de paz.
Y para un personaje más grande que la vida, como es el que nos presenta Besson en Dogman, hace falta un actor que sepa encarnarlo de la mejor manera, y ese no es otro que Caleb Landry Jones, interprete que parece estar especializado en personajes diferentes. Únicos. Como su Douglas, que tan solo él podría haber hecho creíble sin caer en la farsa.
Cine fantástico disparatado, con altas dosis de violencia que ha fascinado a unos y otros han tildado de ridículo, Dogman que se estrenó mundialmente en el pasado Festival de Venecia llega por fin a nuestras pantallas.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 12 de julio de 2024 *
BIKERIDERS. LA LEY DEL ASFALTO (The Bikeriders, Jeff Nichols, 2023
USA. Duración: 116 min. Guion: Jeff Nichols. Libro: Danny Lyon Música: David Wingo Fotografía: Adam Stone Compañías: 20th Century Studios, Regency Enterprises, Tri-State Pictures, Regency Television. Focus Features Género: Drama
Reparto: Jodie Comer, Austin Butler, Tom Hardy, Michael Shannon, Norman Reedus, Boyd Holbrook, Mike Faist, Damon Herriman, Beau Knapp, Karl Glusman, Emory Cohen, Toby Wallace, Will Oldham
Sinopsis: El film retrata el ascenso de un club de motociclistas del medio oeste en una época de rebelión y de cambio en la cultura y en la gente de Estados Unidos. Tras un encuentro casual en un bar, Kathy (Jodie Comer), una mujer con carácter, se siente profundamente atraída por Benny (Austin Butler), el miembro más reciente de The Vandals (Los Vándalos), un club de moteros liderado por el enigmático Johnny (Tom Hardy). Al igual que el país, el club empieza a cambiar, y pasa de ser un lugar de reunión a convertirse en un punto de encuentro para un violento submundo, obligando a Benny a escoger entre Kathy y la lealtad que siente por sus compañeros.
Los protagonistas de Bikeriders. La ley del asfalto se quieren mucho a sí mismo y a sus personajes. Salta a la vista. Simpatizan con los integrantes de la hermandad motera que protagoniza el film y su forma de vida, que se reduce a una sobredosis de James Dean, a hacer rutas con la moto, prescindir de la higiene personal, fumar y beber continuamente, huir de la policía y pelearse con otros forajidos como ellos. Pero cuando la guerra de Vietnam finaliza y retornan los veteranos, muchos son los que encuentran en estos grupos un refugio y un lugar fuera de la sociedad en el que sentirse a gusto. Lo malo es que traen las secuelas de la guerra en forma de traumas mentales, armas y drogas, todo lo cual comienza a carcomer a ese pequeño grupo de motoristas, transformándose en otra cosa muy diferente a lo que eran en sus inicios. También pasan de ser un grupo de gente que quiere vivir fuera de las reglas, a incorporar a su hermandad un buen montón de normas propias.
En su reparto figura el quien es quien de los tipos duros del Hollywood actual, encabezados por un impecable Tom Hardy, como líder de la banda, además de Norman Reedus, que no tiene que maquillarse mucho para encarnar su papel. O Michael Shannon, que lo borda con un personaje que bordea el retraso mental. O Damon Herriman como un rocker que termina sus días en la carretera. Como debe de ser. Además de la pareja protagonista, encarnada por Austin Butler y Jodie Comer, que como esposa de uno de ellos, ve todo desde un punto de vista más realista. Todo ello extraído de las declaraciones que los propios bikers y sus novias y esposas, proporcionaron al joven periodista gráfico Danny Lyon, que pudo seguir su itinerario y retratar su arco de transformación, entre 1965 y 1973. A lo que se añade una banda sonora a base de buen R&B y, sobre todo, hits de The Shangri-las, el grupo femenino norteamericano que fue para las bandas de motoristas lo que los Beach Boys para los surfistas.
Aunque le puede la mítica del perdedor, del rebelde «sin causa» que se cree algo más que ustedes por conducir una moto grande y ruidos y vestir idénticos colores que todos sus compañeros, Bikeriders es un retrato bien realizado por su director, Jeff Nichols, de quien recordamos vivamente Loving (2016), que muestra la transformación de pendencieros a criminales y que aprovecha los diferentes puntos de vista de los protagonistas, destacando sobre todos ellos la descripción proporcionada por el personaje que encarna Jodie Comer, esposa de uno de los forajidos.
FLY ME TO THE MOON (Fly Me to the Moon, Greg Berlanti, 2024)
USA. Duración: 132 min. Guion: Rose Gilroy. Historia: Keenan Flynn, Bill Kirstein Música: Daniel Pemberton Fotografía: Dariusz Wolski Compañías: Berlanti Productions, Apple Studios, Apple Original Films, These Pictures, Scott Free Productions. Distribuidora: Sony Pictures, Apple TV+ Género: Comedia
Reparto: Scarlett Johansson, Channing Tatum, Woody Harrelson, Jim Rash, Ray Romano, Colin Woodell, Anna Garcia, Noah Robbins, Donald Watkins, Nick Dillenburg, Art Newkirk, Ashley Kings, Jonathan Orea Lopez
Sinopsis: Protagonizada por Scarlett Johansson y Channing Tatum, «Fly me to the moon» es una comedia dramática, inteligente y elegante, ambientada en el histórico alunizaje del Apolo 11. Llamados para mejorar la imagen pública de la NASA, las chispas vuelan en todas las direcciones cuando la prodigio del marketing Kelly Jones (Johansson) causa estragos en la ya difícil tarea del director del lanzamiento Cole Davis (Tatum). Cuando la Casa Blanca considera que la misión es demasiado importante para fracasar, Jones recibe la orden de simular un alunizaje falso como respaldo, comenzando la verdadera cuenta atrás…
Fly me to the Moon es una deliciosa comedia que reúne el sabor del viejo Hollywood. De aquellas screwball comedys en las que la guerra de sexos tenía gran protagonismo, lideradas por poderosas mujeres frente a varones que veían como su, hasta entonces, sólida y tranquila existencia como jefes de la manada, se revolucionaba al confrontarse con unas sensibilidades muy diferentes, unos temperamentos que trasmitían a la perfección actrices como Katherine Hepburn, Rosalind Russel o Jean Arthur y que Scarlett Johansson capta a la perfección. Al igual que Channing Tatum, que a pesar de su horrible tocado capilar y sus horrendo jerseis, se convierte en una encarnación de Gary Cooper o Cary Grant. A ellos se les suma un fantástico Woody Harrelson como infiltrado gubernamental a la sombra, todo un personaje luciferino que pondrá en peligro la relación de la pareja. Una pareja unida ante un proyecto más grande que la vida: ganar la batalla espacial a Rusia y dar a los estadounidenses, y de paso a todo Occidente, una buena noticia tras las pésimas que llegan desde Vietnam.
Como vemos, esta película tiene bastante en común con Bikeriders. La ley del asfalto de la que hablamos en esta misma entrada, solo que si aquella se centra en los perdedores, en la basura de la sociedad, esta lo hace en la juventud que forjará una nueva y moderna Norteamérica, a pesar de las maquinaciones de Nixon. Pero para eso, hay que poner un cohete tripulado en la luna. Y además hay que hacer llegar esas imágenes a todos los hogares del mundo.
Lo dicho, una delicia perlada, en esta ocasión, con los sones y ritmos de la mejor música Soul de la Stax. Puro Menphis Sound. The Sound of Young America.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 5 de julio de 2024 *
BLONDI (Dolores Fonzi, 2023)
Argentina/España/USA. Duración: 88 min. Guion: Dolores Fonzi, Laura Paredes Música: Pedro Osuna Fotografía: Javier Juliá Compañías: La Unión de los Ríos, Gran Vía Producciones, Setembro Cine, Amazon Studios Género: Comedia dramática
Reparto: Dolores Fonzi, Carla Peterson, Rita Cortese, Leonardo Sbaraglia, Santiago Rovito
Sinopsis: Blondi (Dolores Fonzi) y Mirko (Santiago Rovito), a simple vista, parecen una pareja ideal. Les encanta vivir juntos, escuchan la misma música, ven las mismas películas, les gusta fumar porros, ir a conciertos, tener los mismos amigos, todo es perfecto entre ellos… pero, aunque parecen casi de la misma edad, Blondi es la mamá de Mirko.
No depender en nuestro actuar de terceros es ser independiente. Si aplicamos el adjetivo al cine estaremos hablando de aquellas cintas que se realizan al margen de los tradicionales estudios, que cuentan con un bajo presupuesto y que, por ello, elevan lo cotidiano a categoría artística. Relatos menudos, contados sin aspavientos, que nos llevan a sentir afirmados nuestros día a día como dignos objetos de protagonizar historias de interés universal. Aunque podemos rastrear las raíces de este modo de proceder cinematográfico en el Free Cinema británico y la Nouvelle Vague francesa, solemos asociar la categoría de cine indie a todo un plantel de filmes que nos llegan de EE.UU. trufados con un espíritu de acercamiento de lo cinematográfico a lo no heroico, casi a lo irrelevante, a la vivencia de unos personajes que podríamos ser nosotros mismos. Pero elevar lo modesto a lo sobresaliente no es potestad exclusiva de los americanos, modos idénticos los podemos encontrar esparcidos en todas las cinematografías. Así, Blondi, el debut tras las cámaras de la actriz Dolores Fonzi, es cine indie con sabor argentino. Y con perfume de mujer, porque da voz a vivencias propias de universos femeninos contados desde la propia sensibilidad de sus protagonistas. Podremos sentirnos identificados o no con sus avatares, pero siempre tendremos que reconocerle a Fonzi haber sabido capturar la esencia de unos personajes de a pie, con mucho en común con nosotros mismos, que en su menudencia encumbran lo diario a lo extraordinario. Fonzi nos regala el protagonismo de nuestras vidas, nos lleva a poner en valor nuestra heroicidad anónima, tan capaz de compartir espacio en el séptimo arte con esas grandes gestas de todo tipo de las que se encargan, fundamentalmente, las producciones de presupuestos millonarios. La argentina pone en pie de igualdad el cine artesano con el de la gran industria.
Marcan los cánones de la narrativa que todo relato presente un conflicto, un nudo y un desenlace, expuestos, además, en ese orden. Blondi no es una película canónica; durante los primeros dos tercios del filme nos paseamos por la presentación de personajes, y situaciones que les vinculan, sin que parezca haber disputa por resolver y sobre cuya conclusión proyectemos nuestras expectativas. Una trama sin enredo, aparentemente, al menos. Para cuando la protagonista se enfrenta a la epifanía del conflicto, estamos ya en el nudo de la historia. Y más que un desenlace que cierre la acción de la obra, lo que ocupa su lugar es la transformación de los personajes, su avance hacia la madurez, cosa que simplemente trae consigo la modulación de sus relaciones. Nada concluye, todo continúa, salvo que habiendo asumido y superado los equívocos y contradicciones que todo vínculo de parentesco, de afinidad, conlleva. Por eso sólo cabe seguir cantando mientras la trayectoria vital prosiga.
Película de personaje(s) como es, Blondi se beneficia de la profesionalidad esmerada de todo el elenco, cada miembro del cual parece respirar su personaje, nos los ponen ante nosotros con la consistencia que sólo tienen los humanos reales. Todos están absolutamente creíbles. Unas interpretaciones que les valieron el galardón conjunto de Mejor actuación de elenco en el BAFICI. Y es que podrían ser perfectamente nuestros parientes, igual que la reflexión sobre una familia atípica, podría estar refiriéndose a la nuestra. Blondi es una cinta humana. Muy humana.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 28 de junio de 2024 *
INVASIÓN (David Martín Porras, 2024)
España. Duración: 92 min. Guion: Guillem Clua Música: Arnau Bataller Fotografía: Jose Martín Rosete Compañías: Secuoya Studios, Álamo Producciones Audiovisuales Género: Ciencia ficción
Reparto: Claudia Salas, Fran Berenguer, Sofía Oria, Álvaro Rico, María Adánez, Andrés Gertrudix, Nourdin Batan, Carlos Fuentes, Marga Arnau
Sinopsis: Una irrupción extraterrestre tiene sometido al planeta Tierra. Dos prisioneros de bandos contrarios encerrados en una celda, tres soldados del ejército español refugiados en una fábrica y un matrimonio de científicos a solas con un extraterrestre preso deberán aprender a confiar en el enemigo para poder sobrevivir a la noche más larga de sus vidas.
Escasas han sido las incursiones de la cinematografía española en el cine de ciencia ficción. Hubo una rara avis que dirigió el denostado Mariano Ozores, La hora incógnita, que se atrevió con una film apocalíptico en pleno 1962 y que además le salió con un resultado muy digno e interesante resultando, como dijo en su autobiografía, ser el único con el que perdió dinero. A partir de ahí el género se ha tocado de refilón y como fondo a historias, básicamente, de terror. Así que, cuanto menos, hay que aplaudir la buena voluntad de levantar en España una cinta sobre invasiones alienígenas, con cierta «trampa», eso sí, pero lo que demuestra gran valentía tanto por parte de los productores como por el director, David Martín-Porras, que con Invasión vuelve a adaptar una obra teatral de Guillem Clua, tras hacerlo con La piel en llamas (2022).
Invasión parte de una buena idea, a la que se han añadido otras ingeniosas como son el formato de pantalla partida en forma de viñeta con las que conectar las acciones de distintos lugares, pues tan solo hay tres escenarios y 9 personajes, cuyas acciones se narran en paralelo. También, esta eventual pantalla dividida en viñetas permite añadir auténticas páginas de cómic, para las cuales se ha contado con los dibujos del gran Carlos Giménez.
El resultado trasmite la frescura de los jóvenes talentos participantes, así como unas buenas ideas, pero la argamasa no termina de cuajar, a pesar de la energía y las buenas intenciones invertidas. Tampoco ayudan algunos actores, bastante bisoños, que no ponen demasiada convicción a sus líneas.
La película está protagonizada por María Adánez (‘Espejo, espejo’), Álvaro Rico (“Elite”), Claudia Salas (“La Ruta”), Fran Berenguer (“Culpa mía”), Sofía Oria (‘Mamá o papá’), Nourdin Batán (‘Todos los nombres de Dios), Marga Arnau (“Hierro”), Carlos Fuentes (“Antártida”) y Andrés Gertrúdix (“American Star”).
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 14 de junio de 2024 *
GREEN BORDER (Zielona granica, Agnieszka Holland, 2023)
- Polonia-Francia-República Checa-Bélgica. Duración: 147 min. Guion: Gabriela Lazarkiewicz-Sieczko, Maciej Pisuk, Agnieszka Holland Música: Frédéric Vercheval Fotografía: Tomasz Naumiuk Compañías: Astute Films, Blick Productions, Beluga Tree, Canal+ Polska, Centre du Cinéma et de l’Audiovisuel, Metro Films, Marlene Film Production Género: Drama
- Reparto: Behi Djanati Atai, Agata Kulesza, Piotr Stramowski, Jalal Altawil, Maja Ostaszewska, Tomasz Wlosok, Jasmina Polak, Magdalena Poplawska, Maciej Stuhr, Marta Stalmierska, Roman Skorovskiy, Jan Aleksandrowicz, Al Rashi Mohamad
Sinopsis: En los bosques traicioneros y pantanosos que conforman la llamada “frontera verde” entre Bielorrusia y Polonia, los refugiados de Medio Oriente y África que intentan llegar a la Unión Europea están atrapados en una crisis geopolítica cínicamente diseñada por el dictador bielorruso Alexander Lukashenko. En un intento de provocar a Europa, los refugiados son atraídos a la frontera mediante propaganda que promete un paso fácil a la UE. Peones en esta guerra oculta, las vidas de Julia, una activista recién reclutada que ha renunciado a su vida confortable, Jan, un joven guardia fronterizo, y una familia siria, se entrelazan.
Homo homini lupus (el hombre es el lobo del hombre), nada es tan cierto, pero el lobo caza para alimentarse, mientras que el hombre parece encontrar un gran placer en causar y ver el mal ajeno, quizás para exorcizar el suyo propio. En todo caso, mientras en Occidente estamos preocupados, y con razón, con las dos guerras que ocupan primeras planas, hay otras que pasan desapercibidas o que dejan, un día, de ocupar su lugar en los periódicos. Así, guerras que han provocado un gran número de refugiados, son paulatinamente olvidadas, mientras otras (África) son directamente ignoradas, a no ser que, de rebote, le toque a algún occidental. Refugiados de Siria y Afganistán buscaban puntos para entrar en Europa y sus vidas eran utilizadas como arma arrojadiza entre Polonia y Bielorrusia en siniestro partido de tenis. No es un tema agradable, es mejor mirar para otro lado claro, ¿Qué podemos hacer? pues no tiene todas las respuestas, pero el film de la tres veces nominada al Óscar Agnieszka Holland (Europa, Europa, Amarga Cosecha, In Darkness) ofrece varias pistas para comprender y contribuir a mejorar esas injusticias.
Lo dicho, no es un relato agradable, de hecho es incómodo, pero hay que obligarse a ver este tipo de cine-denuncia, que ataca directamente a las tripas. Un tipo de cine que muchos añoran ver en las carteleras pero que cuando está, no van a ver. Un retrato fidedigno de la miseria humana, de la crueldad, de la pérdida de la humanidad mostrado mediante varios puntos de vista: el de la familia que huye de la guerra y quiere reunirse en Suecia con un familiar; el de la solitaria afgana que huye del radicalismo islámico; el de un vigilante de fronteras; el de unos cooperantes que ayudan a los refugiados…varias piezas en este complejo puzle que ayudan a entender un poco la tragedia. Un puzle cuya última pieza revela que, también entre los refugiados, hay clases dependiendo de su lugar de procedencia. Aún así, el film deja abierto un camino a la esperanza, un puerta entornada que sirve de alivio al espectador. Pues si bien las autoridades aislaron a los medios de comunicación y a toda la ayuda humanitaria y médica para impedir ayudar a los refugiados, política con la que no solo muchos polacos estuvieron de acuerdo, sino también la Unión Europea, que cerraba los ojos ante lo que sucedía, una gran parte de la población local y de los jóvenes activistas, ante el sufrimiento y el miedo de personas inocentes, reaccionaron como debería de ser normal: ayudando a esas personas.
El compromiso de la cineasta polaca es total, “Soy consciente de que podría provocar reacciones muy desagradables y mal entendidas por parte de las personas, quienes, tal vez si escucharan lo que digo, podrían entenderlo. Pero en general no tengo miedo. No tenía miedo antes, así que no veo ninguna razón para tener miedo ahora. Cada vez tengo menos que perder y cada vez más responsabilidad por lo que debo transmitir.”
VIDAS PERFECTAS (Mothers’ Instinc, Benoît Delhomme, 2024)
USA/UK. Duración: 94 min. Guion: Sarah Conradt-Kroehler. Novela: Barbara Abel Música: Anne Nikitin Fotografía: Benoît Delhomme Compañías: Freckle Films, ACE, Mosaic Media Group, Versus Production. Distribuidora: Neon Género: Intriga.
Reparto: Jessica Chastain, Anne Hathaway, Josh Charles, Anders Danielsen Lie, Caroline Lagerfelt, Steve Routman, Blaise Alexandre, Lauren Yaffe, Scott Robertson, Keeley Miller, Joel Nagle, Larry Petersen
Sinopsis: Alice (Jessica Chastain) y Celine (Anne Hathaway), disfrutan de sus idílicas vidas junto a sus respectivos hijos y exitosos maridos. Son mejores amigas y vecinas. La perfecta armonía de sus vidas se rompe repentinamente después de un trágico accidente. Una combinación de culpa, sospecha y paranoia destruye el vínculo entre Alice y Celine dando lugar a una dura batalla psicológica cuando los instintos maternales de ambas revelen su lado oscuro para defender a los suyos.
Vidas perfectas es un perfecto thriller psicológico dirigido por el francés Benoît Delhomme (El amante de Lady Chatterley, El hombre más buscado, Lawless), ambientado a principios de la década de los 60 y protagonizado por dos actrices de primera: Jessica Chastain y Anne Hathaway, en la que ya es su tercera película juntas. El film está basado en la novela Derrière la Haine de Barbara Abel y es un remake de la película belga Duelles (Instinto maternal) de Olivier Masset-Depasse. Precisamente Mothers’ Instinct es el título con el cual se bautizó este remake, que aquí se ha preferido titular Vidas perfectas. Y es que de ambas cosas hay en esta historia, que toca temas como el frustrante papel de la mujer en aquella feliz época en la que todavía los hombres eran los encargados de llevar el sustento a un hogar que perfectas amas de casa mantenían limpio y en orden. Pero también es una película que incide en le tema de la culpa pero, ¿Quién tendrá la culpa?¿Alguien la tiene?
La acción, que se desarrolla en un suburbio de New Jersey en el cual dos familias de vecinos comparten, además de cercanía, el mismo colegio para sus hijos y dos jóvenes esposas recluidas en el hogar. Ambas guardan una gran complicidad hasta que se produce una gran tragedia, un accidente que desbaratará ese perfecto equilibrio y abrirá muchas pequeñas puertas con olor a cerrado y, en algunos casos, a podrido. Será a partir de ese momento cuando se producirá un juego de intrigas y desconfianzas que, perfectamente manejado por el director, llevará al espectador a señalar quién, de los dos personajes femeninos, miente o trama algo, manteniendo, en todo momento, bien equilibrada la balanza de la sospecha. Todo ello con una magnífica ambientación y un vestuario soberbio que realza la eficacia y el encanto de las dos actrices.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 7 de junio de 2024 *
HIT MAN (Richard Linklater, 2023)
USA. Duración: 113 min. Guion: Richard Linklater, Glen Powell Música: Graham Reynolds Fotografía: Shane F. Kelly Compañías: AGC Studios, Barnstorm Productions, Detour Pictures, Monarch Media, Cinetic Media, Aggregate Films, ShivHans Pictures Género: Acción.
Reparto: Glen Powell, Adria Arjona, Austin AmelioRetta, Molly Bernard, Anthony Michael FrederickMike Markoff, Jo-Ann Robinson, Ritchie Montgomery, Nathalie J. Alarcon, Morgana Shaw, Richard Robichaux, Kim Baptiste
Sinopsis: Gary Johnson (Glen Powell) es el tipo más buscado de Nueva Orleans. Un misterioso asesino a sueldo… que trabaja como infiltrado para la policía. Cuando rompe el protocolo para ayudar a una mujer desesperada (Adria Arjona) que intenta huir de un marido maltratador, acaba convirtiéndose en uno de sus falsos personajes y coqueteará con transformarse en un verdadero criminal.
La nueva película de Richard Linklater (Boyhood, trilogía Antes del amanecer), con guion de él mismo junto al actor protagonista de la cinta, Glen Powell es, ante todo, una comedia, basada lejanamente en un hecho real y que ofrece al espectador un rato agradable. Su protagonista Gary Johnson (Glen Powell) es como uno de los personajes que retrataba Frank Capra: íntegro, inteligente, imperturbable. Pero en algunos momentos también puede recibir el espectador la ilusión de estar viendo una película que podría haber sido escrita por Woody Allen. De hecho hasta se podría imaginar a Allen, más joven, interpretando a ese profesor que se ve, de la noche a la mañana, encarnando a sicarios. También la banda sonora compuesta por jazz de New Orleans, donde se desarrolla la acción, aporta lo suyo para conseguir la ilusión.
Y si ya tenemos claro que Hit Man. Asesino por casualidad es una comedia, deberíamos saber que también se trata de un thriller, con romance incluido, cuando en la vida del supuesto sicario entra Madison (Adria Arjona), con tintes de cine negro y un trasfondo de falsas identidades e identidades secretas cargado de humor negro.
Hit Man. Asesino por casualidad ha sido un gran éxito de crítica en Estados Unidos, posiblemente porque el film está firmado por Linklater, pero también porque se trata de un film bien construido, agradable y un divertimento ligero.
EX MARIDOS (Ex-Husbands, Noah Pritzker, 2023)
USA/MEX. Duración: 99 min. Guion: Noah Pritzker Música: Robin Coudert Fotografía: Alfonso Herrera Salcedo Compañías: Rathaus Films, Bruce Cohen Productions, Pimienta Films Género: Drama
Reparto: Griffin Dunne, James Norton, Miles Heizer, Rosanna Arquette, Eisa Davis, Lou Taylor Pucci, Richard Benjamin, Echo Kellum, John Ventimiglia, Natalie Gold, Marcia Jean Kurtz, Nate Mann, Rosa Gilmore
Sinopsis: Los padres de Peter se divorciaron tras 65 años juntos; su mujer le abandonó después de 35 y sus hijos, Nick y Mickey, tienen su propia vida. Cuando Peter vuela a Tulum y se cuela en la despedida de soltero de Nick, la cual ha sido organizada por su hermano Mickey, se da cuenta de que no es el único que está en crisis.
El segundo largometraje de Noah Pritzker es, como su opera prima, Quitters (2015), una intriga familiar relatada en tono de comedia agridulce. Si en aquella recuperaba a Mira Sorvino, en esta el director se da el gusto de contar con veteranos como Griffin Dunne, Rosanna Arquette y Richard Benjamin, que protagonizan este film junto a un extenso reparto de jóvenes actores.
Esta comedia multigeneracional, que tuvo su premiere en España en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián y más tarde formó parte de la programación del Americana Film Festival, es un retrato agridulce de la masculinidad, las complejas relaciones entre tres generaciones de hombres de una misma familia y la búsqueda de su lugar en estos nuevos tiempos. Tanto el padre como el hijo mayor, un superdotado que, ya treintañero, sigue trabajando de camarero, acaban de separarse de sus parejas y deben abordar, el uno el divorcio tras un largo matrimonio, y el otro un nuevo fracaso de pareja mientras el tiempo pasa y no termina de encontrar su lugar en el mundo. El tercer miembro varón de la misma familia acaba de salir del armario y todavía está empezando a sobrellevarlo. Entre el drama íntimo y la comedia negra, la película es un relato honesto y conmovedor sobre los desamores y desencuentros de sus personajes, pero también de las relaciones que hay entre ellos, con las mujeres y con los amigos.
Puro cine indie norteamericano con buenos actores y un buen guion que deja un sabor agridulce en sus momentos más crueles, pero que también sabe hallar la dulzura en la entrañable relación entre padre e hijos y con los ya veteranos amigos.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 31 de mayo de 2024 *
TATAMI (Zar Amir-Ebrahimi, Guy Nattiv, 2023)
Georgia/USA. Duración: 105 min. Guion: Elham Erfani, Guy Nattiv Música: Dascha Dauenhauer Fotografía: Todd Martin Compañías: Keshet Studios, Maven Pictures, New Native Pictures, Sarke Studio, WestEnd Films. Distribuidora: WestEnd Films Género: Intriga
Reparto: Jaime Ray Newman, Zar Amir-Ebrahimi, Nadine Marshall, Arienne Mandi, Ash Goldeh, Sina Parvaneh, Mehdi Bajestani, Lir Katz, Elham Erfani
Sinopsis: La judoka Leila (Arienne Mandi) y su entrenadora Maryam (Zar Amir-Ebrahimi) viajan al Campeonato Mundial de Judo con la intención de traer a casa la primera medalla de oro para Irán. A mitad de la competición, y cuando todo parece anunciar que la final será entre Leila y la participante de Israel, reciben un ultimátum de la República Islámica que exige a Leila fingir una lesión y perder. Con su libertad y la de su familia en juego, Leila se enfrentará a una decisión imposible: obedecer al régimen iraní, como le implora Maryam, o desafiar a ambos y seguir luchando por el oro.
La iraní Zar Amir, protagonista de la magistral Holy Spider (Ali Abbasi, 2022), interpreta y codirige, junto al israelí Guy Nattiv Tatami, una historia de lucha por la libertad en la cual su protagonista, Arienne Mandi, deberá enfrentarse a todo y a todos para conseguir su sueño de ganar un campeonato de judo en un triple combate durante el cual deberá enfrentarse al poder de un estado patriarcal y dictatorial, pero también, naturalmente, para ganar el campeonato. Para su directora, “(…) es la historia de demasiadas atletas iraníes que han perdido oportunidades de toda una vida, a veces obligadas a abandonar su país y a sus seres queridos por culpa del conflicto entre sistemas y gobiernos».
Y todo se desarrollará casi a tiempo real, entre combate y combate. Golpe tras golpe, manteniendo un pulso tenso y constante, con el espectador encerrado junto a las protagonistas en una reducida y asfixiante pantalla en formato académico y con fotografía en blanco y negro. Todo con tal de que sienta todo a lo que deberá enfrentarse la judoka iraní. Y si eso es lo que se pretendía conseguir haciéndolo de esa manera, funciona. Incluso haciendo que el espectador haga sus agarres y gire con las luchadoras en las espectaculares llaves de judo. Funciona en todo momento, también por desarrollar la acción en escasos escenarios. Del gimnasio al tatami y del tatami al gimnasio, lugares que terminarán resultando familiares y en los cuales se desarrollarán las diferentes luchas.
El film, finalmente, también es una muestra palpable de la hermandad cultural entre dos pueblos cuyos gobiernos oficialmente se esfuerzan en ser antagonistas uno del otro, tal y como cuenta Guy Nattiv, “sin tener en cuenta los verdaderos sentimientos de la gente». A pesar de los problemas ideológicos y logísticos, la colaboración consiguió llevarse adelante: «Unimos nuestras fuerzas a dos horas de Tel Aviv y Teherán, en Tiflis (Georgia)«, prosigue Nattiv, «para contar la historia de unas valientes atletas iraníes que se jugaron la vida por la libertad. Artistas israelíes e iraníes se han podido acercar a sus hermanos y hermanas, encontrándose entre ellos gracias al arte y han descubierto que en realidad están muy cerca y tienen mucho en común, compartiendo arte, estética y cine», consiguiendo con este film realizar «un homenaje hacia ellas, más allá de los delirios del odio ciego y la destrucción mutua”, concluye Amir, en una bella película, eficaz en su denuncia pero también perfecto thriller, envolvente, cargado de emoción y que cuenta con dos protagonistas, Arienne Mandi y Zar Amir que saben trasmitir toda la tensión por la que sus personajes deben pasar.
BACK TO BLACK (Sam Taylor-Johnson, 2024)
Sinopsis: Cuenta la extraordinaria historia de Amy Winehouse con imágenes vibrantes y llenas de vida de las calles del barrio de Camden, en Londres, que consideraba su hogar, y la lucha que implica la fama global. La película celebra sus habilidades artísticas, su ingenio y honradez, pero también intenta entender sus demonios. Una mirada inquebrantable a la maquinaria de la celebridad moderna y un gran tributo a un talento que solo aparece una vez en cada generación.
Para la directora, Sam Taylor-Johnson, los biopics sobre estrellas musicales no son nada nuevo. Ya lo hizo en Nowhere Boy (2009), un atípico acercamiento a la adolescencia de John Lennon, y ahora vuelve con Back to Black, en la que, tal y como cuenta la realizadora, ha querido hacer «una película desde la perspectiva de Amy, desde su mirada«. Para ello ha contado con el propio testimonio de la artista, y «el único sitio donde podía encontrar su verdad era en la música que componía, por eso decidí contar su historia con sus palabras, a partir de las canciones que escribía, a las que entregaba su alma. Cantaba su amor, su dolor, sus decepciones, y lo hacía con una emoción profunda salpicada de un humor cortante«
Y el resultado es satisfactorio, pues si el biopic es un género en sí mismo, es terriblemente fácil hacer un producto postizo o ridículo y ese no es el caso de Back to Black. Y quien esto les dice es un profundo admirador de la estrella londinense, posiblemente la última del siglo XX y la primera leyenda del XXI. Con un arte fuertemente enraizado en la música negra de la segunda mitad del XX (blues, soul, jazz, blue beat…) que encontró su lugar en el XXI antes de convertirse en un juguete roto y un icono pop con su estúpida muerte. Y es una gran lástima, pues quizás el panorama musical sería muy distinto de lo que es si Amy Winehouse hubiera seguido componiendo y jugando con estilos clásicos.
Back to Black, en todo caso, permanecerá como esa puerta entre milenios, ese homenaje a un siglo musicalmente rico, en el cual la juventud hizo de la música algo particularmente personal, un paisaje de la propia vida. Una puerta de acceso que, por desgracia, quedó cerrada con desaparición de la artista, a la que esta película rinde sincero homenaje. Para ello la directora ha contado con la imprescindible colaboración de Marisa Abela, una racial Amy (aunque a veces su cara me trae a la memoria a Britney Spears, otro juguete roto, este más intrascendente), que imita los gestos y el acento cockey de la cantante, trasmitiendo también su fragilidad y fortaleza. Además, canta las canciones convincentemente. También resultan perfectos Jack O’Connell como Blake y Eddie Marsan como Mitch, el padre de la artista.
LA MUJER DORMIDA (Laura Alvea, 2024)
Sinopsis: Ana (Almudena Amor), auxiliar de enfermería, comienza a sentirse atraída por Agustín (Javier Rey), el marido de una mujer en estado vegetativo (Amanda Goldsmith), a la que ella cuida. Es entonces cuando empieza a ser acosada por extraños fenómenos que parecen tratar de echarla de la casa y separarla de Agustín.
Cine fantástico autóctono dirigido por una vieja amiga de la casa, Laura Alvea, que como es habitual no tiene ningún complejo en mostrar en pantalla fenómenos inexplicables, en este caso dentro de un thriller de suspense muy influenciado, como no podría ser de otra manera, por el que fuera llamado mago del suspense, Alfred Hitchcock, pues en La mujer dormida hay elegantes retazos de Rebeca (1940) y Vértigo (1958).
Protagonizada por Almudena Amor, Javier Rey y Amanda Goldsmith, el film cuenta con un alambicado guion en el cual la directora ha tomado parte junto a Daniel González, Miguel Ibáñez Monroy y Marta Armengol. Un guion que no puede decirse que sorprenda demasiado, pues las pistas que van quedando en el camino nos harán sospechar claramente del que, precisamente, resulta ser el culpable.
Dirigida de manera académica y con buen ritmo por su directora, La mujer dormida, posiblemente el film más convencional de la directora tras Extraordinary Tales (2014) y Ánimas (2018), ambos dirigidos conjuntamente con José F. Ortuño, tuvo su premier nacional en el Festival de Cine de Málaga y recientemente inauguró el Festival de Cine Fantástico-FANT, de Bilbao. Mientras que a nivel internacional ha participado en Fantasporto (Portugal) y en el Ibero American Film Festival Miami- IAFF, donde recibió una Mención Especial del Jurado.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 24 de mayo de 2024 *
SEGUNDO PREMIO (Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez, 2024)
España/Francia. Duración: 109 min. Guion: Isaki Lacuesta, Fernando Navarro. (No es una) Biografía sobre Los Planetas Música: Susana Hernández ‘Ylia’. Canciones: Los Planetas Fotografía: Takuro Takeuchi Compañías: La Terraza Films, Áralan Films, BTeam Pictures, Ikiru Films, Sideral Cinema, Los Ilusos Films, Toxicosmos. Distribuidora: BTeam Pictures Género: Drama
Reparto: Daniel Ibañez, Cristalino, Stéphanie Magnin, Mafo, Eduardo Rejón, Chesco Ruiz
Esta (no)es una película sobre los Planetas.
Todas las biografías, por mucho que lo intenten, son meros relatos fantásticos, suposiciones de lo que el biografiado pensaba o pensó en el momento de crear o hacer lo que llevó llevó a la inmortalidad. Narraciones dramatizadas de lo más “gustoso”, como dice uno de los personajes del film, dando a todo una épica de la que, seamos realistas, tal vez en realidad todo careció. Pero ¡ay! cuánto nos gustan los relatos protagonizados por unos personajes más grandes que la vida, cuyas gestas serán recordadas por las generaciones venideras. Pero que sean, ante todo, humanos. Como usted y yo.
O no.
Así que, tomando un poco el ejemplo del mejor y más falso biopic de la historia del cine, Ed Wood (Tim Burton, 1994), Isaki Lacuesta aborda en Segundo premio la historia de la gestación en Granada y grabación en Londres del más exitoso bombazo de Los Planetas, banda ya al borde del precipicio por, sobre todo, cuestiones relacionadas con los opiáceos. Pero Segundo premio, que, recuerden, no es una historia sobre Los Planetas aunque esté regada por sus canciones, es mucho más. Por lo pronto usted formará parte del relato, pues Lacuesta ha tenido el acierto de meter al espectador en la pantalla, junto a los músicos, bebiendo, viviendo, tocando y drogándose con sus componente. Nos llegará claramente el olor a alcohol y humo que hay en el ambiente. Todo tipo de humos. Y nos alcanzará el sufrimiento de la creación y el éxito que, como veremos, no compensan las pérdidas que por el camino se producirán, en especial las de amigos. Pues sobre la amistad va, principalmente, Segundo premio.
Y eso, a grandes rasgos, es lo que cuenta Segundo premio, una película dirigida por Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez, que heredaron el proyecto tras ser abandonado por Jonás Trueba, y que se hizo en Málaga con los máximos galardones: el de mejor película, mejor dirección y mejor montaje. Ciertamente todos ellos merecidos. Isaki Lacuesta también firma el guion junto a Fernando Navarro y la película está protagonizada por Daniel Ibáñez, Cristalino, Stéphanie Magnin, Mafo, Chesco Ruiz y Edu Rejón, todos los cuales dan una enorme credibilidad a una historia que, no es, recueden, la de Los Planetas.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 17 de mayo de 2024 *
VÍCTIMA IMPERFECTA (Quitter la nuit, Delphine Girard, 2023)
Bélgica/Francia/Canadá. Duración: 108 min. Guion: Delphine Girard Música: Ben Shemie Fotografía: Juliette Van Dormael Compañías: Versus Production, Colonelle Films, Haut et Court Género: Drama
Reparto: Veerle Baetens, Anne Dorval, Astrid Whettnall, Guillaume Duhesme, Selma Alaoui, Adèle Wismes, Gringe, Florence Janas
Sinopsis: La fiesta se tuerce: Dary agrede a Aly. Cuando Aly llama a la policía, es Anna quien responde y consigue evitar que la agresión vaya a más. Al día siguiente, Aly intenta seguir con su vida como si nada y relativiza los efectos de la agresión. Dary trata de autoconvencerse de una versión de los hechos que no le quita el sueño. Anna hace por seguir involucrada en el asunto. Comienza el juicio. ¿Qué consigue la justicia? ¿Qué se puede reparar?
Captada la atención del espectador de manera modélica, se nos presenta el triángulo protagonista, y se hace de manera igualmente impecable: se exponen los antecedentes; las consecuencias; y los hechos desde diferentes puntos de vista y yendo adelante y hacia atrás en el tiempo. Con la cotidianidad posterior de los implicados, su día a día. Su forma de ver los hechos y la reacción que vivirán los familiares cuando estos sean aclarados. Y todo sin mostrar a la víctima como desvalida ni al presunto atacante como una bestia lujuriosa. No, son tan solo personas normales que no hacen las cosas lo bien que deberían haberlas hecho y que responderán ante ello. Cada una a su manera.
Ópera prima de Delphine Girard basada en su corto Une soeur (A Sister), que estuvo nominado al Oscar en 2020. Con este largometraje, la directora belga aborda de una manera íntima y muy real el tema de la violación y las víctimas imperfectas, reflexionando sobre lo que la sociedad y la justicia esperan de ellas.
Víctima imperfecta llega a nuestras pantallas tras pasar por la Muestra de Venecia 2023, donde fue galardonada con el Premio del Público en la Sección Venice Days (Giornate degli Autori); y por el Festival de San Sebastián 2023 (Sección Zabaltegi-Tabakalera).
AMIGOS IMAGINARIOS (If, John Kraskinski, 2024)
USA Duración: 104 min. Guion: John Krasinski Música: Michael Giacchino Fotografía: Janusz Kaminski Compañías: Paramount Pictures, Sunday Night, Maximum Effort, Platinum Dunes. Distribuidora: Paramount Pictures Género: Comedia fantástica
Reparto: Ryan Reynolds, Cailey Fleming, John Krasinski, Fiona Shaw, Michael Sarnoski, Alan S. Kim, Bobby Moynihan, Catharine Daddario
Las luces se encienden y entre las voces alguien dice Toy Story. Y sí, y no, pues Amigos imaginarios es más, mucho más. Toca tantas teclas, para el que las sabe detectar, que a veces puede resultar apabullante para el espectador.
Al igual que ya pasaba con Toy Story puede ser disfrutada por niños y adultos, pero el target ideal es el de Bea, la protagonista, la niña pre adolescente, pues si el niño sabe que lo es, aunque a veces quiera dejar de serlo; y el adulto sabrá que ha dejado detrás la infancia, aunque en muchas ocasiones querrá recuperarla cual idealizado paraíso perdido, Bea vive entre dos mundos, confundida, sola. Triste. Pero no teman, Amigos imaginarios conecta con todas las edades pues es un canto a la imaginación (nótese la total ausencia de dispositivos móviles); a no dejar de ser aquel niño que una vez fuimos; a aceptar la muerte de los seres queridos y perder el miedo a la parka; a valorar a nuestros mayores; en una palabra, Amigos imaginarios es una oda a vivir y valorar cada momento sin perder la espontaneidad. Todo eso y mucho, mucho más en una película que conseguirá, sin ser lacrimógena, emocionar al espectador a poco que se descuide.
John Krasinski escribe, dirige, dobla a uno de los personajes imaginarios e interpreta al padre de la niña protagonista, Bea, magistralmente interpretado por una Cailey Fleming (The Walking Dead) impecable para el papel que debe encarnar, al igual que el siempre eficaz Ryan Reynolds. Ignoramos, y casi preferimos que así sea, quienes serán los «populares» que doblarán a los diferentes amigos imaginarios al español, pero entre los dobladores originales se encuentran el recientemente fallecido Louis Gossett Jr. dando vida y alma al más veterano de los amigos imaginarios, además de Awkwafina, Bradley Cooper, Matt Damon, George Clooney, Amy Schumer o Sam Rockwell, entre muchos otros. La película también cuenta con Brad Pitt en persona, pero, ciertamente no lo supimos ver. Lo que sí supimos ver es la reverencia que los creadores de Amigos imaginarios ofrecen a la película por excelencia sobre la temática, El invisible Harvey (Harvey, Henry Coster, 1950), un gran clásico que, como todos, están pasando al olvido para las nuevas generaciones de devora series. A destacar la gran partitura que Michael Giacchino ha compuesto para el film.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 10 de mayo de 2024 *
MARISOL, LLÁMAME PEPA (Blanca Torres, 2024)
España. Duración: 87 min. Guion: Blanca Torres Música: VV.AA Fotografía: Elisa Moreno Compañías: Tu luz y mi calma, Sarao Films Género: Documental
Con la participación de: Amaia Romero, Vicky Flores, Cristina Almeida, Fernando Méndez-Leite, Elvira Lindo, Cristina Hoyos, Enrique Cerezo, César Lucas, Esperanza Aguirre, Nativel Preciado, Nines González
Sinopsis: La niña prodigio Marisol fue inmortalizada casi a diario, en una sobreexposición que acabó borrando los límites entre el personaje y su propia vida. Este documental alumbra de nuevo las imágenes de este mito, para redescubrir el camino vital de la Marisol niña y adolescente, y acabar descubriendo a la verdadera Pepa Flores, la mujer que se escondía tras ella y que tuvo que desaparecer para recuperar su voz, o mejor dicho, su derecho al silencio.
Marisol, llámame Pepa es un más que correcto documental. Un académico acercamiento a una figura trascendental de la historia de España mediante su vida, su filmografía y, en menor medida, su carrera discográfica. Analizando, con la colaboración de algunos entrevistados, la situación de la mujer en la España de los sesenta y setenta y el impacto que causó la irrupción de su figura, niña prodigio gracias a tu talento y belleza natural; y más tarde como comunista que posiblemente no fue nunca tomada en serio. Un documental necesario para conocer a Marisol/Pepa Flores y para iniciarse en su figura y legado. También para reflexionar sobre la evolución del papel de la mujer en la sociedad española.
Dicho esto, ¿por qué Marisol, llámame Pepa nos ha parecido totalmente insuficiente?
Primero por su extensión. Pues la figura de Marisol/Pepa Flores y el enfoque que se le quiere dar al trabajo se muestra, a todas luces, insuficiente, y hubiera merecido el espacio que habría podido brindarle otro formato como el de serie. Así su directora, Blanca Torres, hubiera conseguido ese «primer acercamiento riguroso a la figura y el mito de Marisol» que no consigue, y su 
archivo visual habría podido realmente recoger «sus éxitos internacionales con imágenes inéditas de sus giras por Japón, Angola, EEUU, Argentina o Perú» de una manera relevante, y no ofrecer poco más que las habituales escenas de sus películas y del NO-DO. El resultado es que no hemos visto nada en el documental de Blanca Torres que no se conozca, sea inédito o poco conocido, si acaso, las declaraciones de la hermana de la estrella, Vicky Flores, de largo las más interesantes y esclarecedoras respecto al cambio de voz que sufrió la cantante. Pero todo sabe a poco en «El esperado documental sobre Marisol«.
La directora y guionista ha recurrido para la narración del documental, principalmente, a dos fuentes: la colección y supuesta biografía de la actriz «narrada por ella misma» que publicó editorial Mandolina a principios de los sesenta; y a la cruda entrevista que concedió la actriz a Interviú en 1979 y publicada en tres números consecutivos de la revista en agosto de ese año. Sin cambiar el tono entre una y otra y definiéndolas como supuestas declaraciones de la actriz, dudosas las primeras y reales las segundas, añadimos. Se pasa de puntillas por la oscura figura del jefe del clan Goyanes (y su 
descendencia) y se prescinde de marcar el contraste con la carrera de otros niños prodigio que vivieron una situación similar (Joselito) o muy diferente (Ana Belén) a la de Marisol. También se patina dulcemente sobre quien, a día de hoy, sigue lucrándose con la obra de la actriz. Posiblemente porque esa figura, que agradece a Goyanes el descubrimiento de Pepa y la creación de Marisol -faltaría más-, está presente en el documental y tiene los derechos sobre la práctica totalidad de las imágenes de sus filmes, cedidos alegremente mediante acuerdo a este documental. Todo ello mientras no se explica en ningún momento que en el acuerdo de divorcio (marital y laboral) entre los Goyanes y Marisol se estipulaba que Pepa renunciaba a los derechos sobre todo lo realizado hasta el momento (discos y películas). O sea, que cada vez que se pasa una de sus películas -mañana, por ejemplo- en televisión o suenan sus canciones más populares, otros hacen caja. También se pasa por alto significativo viaje de la actriz a Alemania, donde actuó para los emigrantes que se buscaban las habichuelas huyendo del famoso milagro económico del franquismo, mientras que las imágenes de sus viajes al extranjero se reducen a breves jirones, inéditos o no.
Se puede leer en la nota de prensa, en boca de la directora y guionista del film que, «Desde 1985, Pepa Flores vive alejada de la vida pública. No ha vuelto a hacer ninguna aparición e incluso, cuando la Academia de Cine le otorgó el Goya de Honor en el 2020, decidió no acudir a recogerlo«, ignorando así cuando aceptó, y recogió personalmente, un título que le hizo especial ilusión por estar dado en la tierra en la que nació, el de Malagueña del Siglo XXI, en octubre de 2000. Una información falsa que, como hemos comentado, forma parte de la nota de prensa del film y se ha repetido alegremente en medios. También participó en algunos discos de amigos y compañeros, con los que no dudó en mostrarse generosamente en vistas a promoción. Respecto al affaire Interviú, en el documental se cuenta con el responsable de que esas imágenes llegaran a los quioscos, pero no 
se explica el porqué se realizaron, cuando se hicieron, ni la reacción de la estrella ante los problemas legales de escándalo que cayeron sobre el fotógrafo César Lucas. También a esas bellas imágenes, obras con la categoría histórica de La Maja Desnuda y que el juez en su momento estipuló que a nadie podían ofender, se las censura hoy en Marisol, llámame Pepa, con llamativos pixelados.
También se ajusta a placer la información para encajarla con la narración que se quiere ofrecer, por ejemplo dejando caer a Pepa como única responsable de querer hacer un cine más adulto y decidiéndolo tras separarse de los Goyanes, algo que no es cierto, pues ya durante su matrimonio con el hijo del productor se plantearon el hacerlo. Y precisamente el productor fue el que le facilitó los contactos a su hijo para hacerlo. Ahí están las películas. Y las fotos -ahora ya saben cuales y para qué se realizaron- que habrían formado parte de un book destinado a potenciar a la actriz de cara a una carrera internacional.
Malagueña del Siglo XXI
¿Qué queda? Pues un documental justito, para nada el que se merecía Pepa, pues no suma y hay silencios. Un batiburrillo de imágenes que cuenta con la presencia de algunas invitadas que narran cuanto le gustaba Marisol de niñas, entre ellas, además de la nombrada Vicky Flores, Fernando Méndez-Leite, Enrique Cerezo, Cristina Hoyos, Elvira Lindo, César Lucas, Esperanza Aguirre (¡!), Cristina Almeida y la que más brilla, que es justo la voz de la que menos esperábamos: la cantante Amaia, por su cariño y la sinceridad en su acercamiento a su admirada Marisol. Por cierto, excepto por una mención escrita, se ignora a Massimo Stecchini, el recientemente fallecido compañero de Pepa, con el que estuvo unida durante 35 años.
Finalmente, tampoco termina el documental de reflejar la situación social de aquella España de los sesenta y setenta, pues, se falta bastante a la verdad si se piensa que la situación de Pepa se parecía en algo a la de las miles de anónimas españolas del franquismo y de la Transición, hijas y nietas de los perdedores y represaliados, que aspiraban a parecerse, en algo, a la mágica estrella, luz de esperanza para aquellas niñas durante el oscuro y gris tardofranquismo.
VAMOS DE ESTRENO * MIÉRCOLES 1 DE MAYO DE 2024 *
IMMACULATE (Michael Mohan, 2024)
USA. Duración: 89 min. Guion: Andrew Lobel Música: Will Bates Fotografía: Elisha Christian Compañías: Black Bear Pictures, Fifty-Fifty Films, Lupin Film. Distribuidora: Neon Género: Terror
Reparto: Sydney Sweeney, Álvaro Morte, Simona Tabasco, Benedetta Porcaroli, Giampiero Judica, Dora Romano, Giorgio Colangeli, Niccolò Senni
Sinopsis: Cecilia (Sydney Sweeney), recién llegada de Estados Unidos, ingresa como novicia en un convento de la remota campiña italiana. Allí es recibida por el Padre Sal Tedeschi (Álvaro Morte), quien la introduce en las rutinas religiosas. Un día descubre que está embarazada y lo que parecía un milagro, por conservar aún su virginidad, resulta ocultar un siniestro secreto que hará que busque salir de aquel lugar desesperadamente.
Immaculate tiene casi todo para ser una inquietante e inteligente propuesta, pues la idea es ingeniosa, el entorno en el cual se ha rodado es inmejorable y muy atmosférico y la protagonista, Sydney Sweeney, muy creíble en su personaje, es, además, muy popular entre el público de series, especialmente gracias a su participación en Euphoria. Entonces, ¿Qué es lo que falla en Immaculate acercándola al terreno de la mediocridad? Pues esa primera parte en la cual los sustos de pasaje del terror se van turnando sin orden ni concierto, convirtiendo esta interesante propuesta en un engañoso divertimento palomitero para adolescentes. Lo que más duele es que la película (o su director o alguien) parece recuperar la cordura en la última parte del film, ofreciendo un clímax y una conclusión modélica y terrorífica sin necesidad de sustos y sobresaltos absurdos de tren de la bruja. Una lástima, toda una lástima haber convertido lo que pudiera haber sido una de las más interesantes propuestas del cine de terror en una atracción de feria con cierto olor a escándalo de lo más postizo pero que, aún así, merece ser vista por ese último tercio-recompensa para el aficionado al género, que tanto tiene que escarbar entre la basura y las mediocridades de las plataformas, los nuevos video-club de barrio, para hallar una, ya no gema, pero al menos una piedra con forma curiosa o brillo llamativo.
Sydney Sweeney, que ya había trabajado con el director del film, Michael Mohan, en la simpática The Voyeurs (2021), cambia totalmente de registro en Immaculate encarnando a la tan frágil como poderosa hermana Cecilia, acompañada por, entre otros actores y actrices, por el español Álvaro Morte (La casa de papel, Durante la tormenta) que como el padre Sal Tedeschi y al igual que la hermana Cecilia, la hermana María (Simona Tabasco), la hermana Gwen (Benedetta Porcaroli) y otras internas del convento, forma parte de un grupo de religiosos que bajo ningún concepto uno esperaría encontrarse tras los cálidos muros de un convento en el cual, naturalmente, se produce alguna leve -y algo forzada- tensión sexual.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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