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Sorteo ‘La historia interminable’
Ya les avisamos desde Proyecto Naschy de que volvía a los cines La historia interminable. La espera ya ha terminado y desde este mismo viernes pueden disfrutarla en la lista de cines que publicamos. Pero hay más, 39 Escalones y Proyecto Naschy lo celebra con un sorteo la mar de sencillo con el que obtendrán una pieza de merchandising exclusivo. Tan solo tienen que responder a la pregunta que tienen al final de esta entrada.
Los tres primeros en responder correctamente en los comentarios a esta entrada (no en Facebook) obtendrán: El primero una camiseta (talla L); el segundo una camiseta (talla M) y el tercero un medallón ¡SUERTE A TODOS!
¿QUIÉN FUE EL ESPECIALISTA DE FX ENCARGADO DE CREAR AL DRAGÓN FUJUR?
Sorteo válido para residentes en España
‘¡Bruja, más que bruja!’ vuelve a las pantallas
Con motivo de su 40º aniversario vuelve a los cines ¡BRUJA MÁS QUE BRUJA!. Escrita y dirigida por un icono de nuestro cine, Fernando Fernán-Gómez, se presenta como una de las comedias más frescas y satíricas de este genio de la cinematografía española, una joya en bruto. Tras su paso por la pasada edición del Festival de Cine de Málaga, la película llegará a las salas el próximo 15 de julio.SinopsisUn pequeño pueblo de provincias vive sometido a los caprichos de Don Justino, el cacique local. Éste obliga a la joven y encantadora Mariana a casarse con él, aprovechando que Juan, el sobrino de Don Justino y novio de la chica, está lejos cumpliendo el servicio militar. A su regreso, Juan se ve burlado y acude a una bruja para que le asista en su venganza.
Vuelve ‘La historia interminable’
A partir del 22 de julio de 2016, y a lo largo de toda la geografía española ya sea mediante programación regular o eventos bajo demanda, se reestrenará en pantallas cinematográficas la película LA HISTORIA INTERMINABLE de la mano de 39 Escalones
Basada en el libro de Michael Ende cuenta la historia de Bastian, un muchacho que, escondido en el desván de su colegio devora, durante horas, un enigmático libro llamado”La historia interminable”, en el que se relata la inminente destrucción del Reino de Fantasía.
Se trata de una oportunidad única para revivir en pantalla grande uno de los grandes fenómenos del cine fantástico/infantil de los 80 y para darlo a conocer a las nuevas generaciones.
Es el momento de disfrutar en las mejores condiciones de audio e imagen, y sin distracciones, de un viaje a un universo ilimitado de entretenimiento y experimentar el mundo encantado que nace de la imaginación de un joven mientras lo acompañamos en la gran aventura que se despliega ante sus ojos.
Con un presupuesto de más de 40 millones de dólares, tras su estreno, en 1984, se convirtió en un fenómeno mundial marcando con su imaginería a muchas generaciones y mostrándoles valores como el amor por la lectura, la imaginación, la amistad o la valentía.Acompañadnos en este viaje extraordinario a la infancia, comienza LA HISTORIA INTERMINABLE.
SINOPSIS:
Basada en el libro de Michael Ende cuenta la historia de Bastian, un muchacho que, escondido en el desván de su colegio devora, durante horas, un enigmático libro llamado ”La historia interminable”, en el que se relata la inminente destrucción del Reino de Fantasía.
FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA
CONSTANTIN FILM presenta:
Una producción de BERND EICHINGER-BERND SCHAEFERS
Una película de WOLFGANG PETERSEN
Título original: “THE NEVERENDING STORY” (Die unendliche Geschichte)
Reparto: NOAH HATHAWAY, BARRET OLIVER, TAMI STRONACH, PATRICIA HAYES, SYDNEY BROMLEY
Productor ejecutivo: MARK DAMON y JOHN HYDE
Productor asociado: KLAUS KÄHLER
Co-productor: GÜNTER ROHRBACH
Diseño de personajes: UL DE RICO
Diseño de producción: ROLF ZEHETBAUER
Música: KLAUS DOLDINGER y GIORGIO MORODER
Director de efectos especiales: BRIAN JOHNSON
Montaje: JANE SEITZ
Guion: WOLFGANG PETERSEN y HERMAN WEIGEL
Director de fotografía: JOST VACANO BVK
Producida por BERND EICHINGER y DIETER GEISSLER
Dirigida por WOLFGANG PETERSEN
Rodada en BAVARIA STUDIOS, MUNICH
Color. Alemania. 1984. 94 minutos.
Expediente Warren: El caso Enfield, no puedo evitar enamorarme de ti
¿Nunca les ha ocurrido que una película se les quede puesta como un chal sobre los hombros y vuelva a proyectarse en su interior, una y otra vez, sobre el telón de los párpados cerrados? A mí me ha pasado en varias ocasiones, cito al azar, con Tiempo de amar, tiempo de morir (1958, Douglas Sirk), con El Gatopardo (1963, Luchino Visconti), con Avanti (1972, Billy Wilder), con La vida privada de Sherlock Holmes (1970, Billy Wilder), y podría seguir. Lo curioso del caso es que esa proyección íntima se pone en marcha siempre en la misma escena, como si fuera una canción seleccionada en repeat, y esas escenas pasan a configurar mi/nuestra personal antología de grandes momentos del cine. Eso justamente ha vuelto a ocurrirme con The Conjuring 2 (su título español encabeza este artículo) la última cinta del maestro James Wan que afortunadamente no ha cumplido su intención de no volver a dirigir una película de miedo.
Desde que la vi por primera vez en el marco del Festival Nocturna, una melodía sobreviene a mí inesperadamente y vuelvo a ver a Ed Warren (Patrick Wilson), guitarra en mano, cantando «Can’t Help Falling in Love» de Elvis Presley. Esa es la escena. Esa es mi escena. Y no puedo evitar insertarla:
No es ya sólo la exhibición de saber hacer en la puesta en escena, de ella se hace gala en toda la cinta, es que esta secuencia se me antoja el corazón del filme en toda su polisemia. The Conjuring 2 va mucho más lejos de la pericia en la construcción del sobresalto, mucho más allá de escribir un argentado capítulo dentro del subgénero de casas encantadas, The Conjuring 2 es una película de amor, un canto al hogar y al cobijo de la familia, y un alegato sobre la importancia de la comprensión y la confianza como pedestal sobre el que asentar nuestras propias diferencias, esas que nos hacen especiales pero que también pueden llegar a aislarnos. Valores, todos ellos, que ya adornaban la primera entrega, no en vano Wan encargó a Mark Isham el tema principal del score (dejando el resto a su músico de cabecera, Joseph Bishara), el que más grabado se nos queda, y que se titula, precisamente, The Family; pero que en este segundo episodio, esos valores, tienen un desarrollo más amplio, más elaborado y ocupan un lugar mucho más central. Lo que la película de 2013 inauguraba, la de 2016 lo confirma y consolida.
James Wan repite fórmula, su díptico tiene modos de serial (y por nosotros puede seguirle añadiendo los episodios que guste siempre que los dirija él). Un prólogo marcado que constituye en sí un pequeño filme dentro del filme (y que, en ambas ocasiones, introduce personajes a los que dedicarles después un spin-off), da paso al cuerpo del relato en el que circulan dos tramas condenadas a encontrarse: la peripecia personal de la pareja Warren (el ya mencionado Patrick Wilson y Vera Farmiga) y el caso del que acabarán ocupándose, en esta ocasión el poltergeist de Enfield, conocido también como el Amityville británico. El desarrollo es un crescendo de ritmo perfecto que va desde las primeras manifestaciones de lo sobrenatural hasta la aparición del elemento demoníaco que constituye el clímax de la narración, un clímax en el que todas las líneas del texto quedan cerradas y concluidas. Para acabar con un epílogo esperado: Ed Warren depositando en su pequeño museo de los horrores un objeto que ha cumplido un papel protagonista dentro del caso, una auténtica reliquia que cumple la función de colofón. Una estructura casi robada a la televisión que permite aglutinar lo mejor de los dos medios en una era en la que las series, para cierto sector del público al menos, le están ganando terreno al séptimo arte. Wan demuestra así que aún le queda larga vida al cine, sólo tiene que saber recoger la afrenta de la modernidad y adaptarla a su terreno.
Y es que si algo domina Wan es la gramática cinematográfica. The Conjuring y The Conjuring 2 son pruebas de que en cine importa casi más el cómo se cuenta que lo contado en sí. Ambas son perfectamente disfrutables aunque no se sea amante del género, no por ser productos maisntream (que lo son) sino porque son dos ejercicios de virtuosismo con la cámara. Wan sabe siempre dónde plantarla, qué movimiento es el más acorde al sentimiento que busca provocarnos, donde cortar el plano en aras del interés argumental y de paso conducirnos por los temas que nos va a destacar con un simple encuadre. Esto es algo que ya comentábamos en 2013, The Conjuring 2 viene a confirmar que aquello no era un acierto puntual sino todo un signo de autoría. Siendo una película de miedo, hay que hacer hincapié en como Wan consigue dotar a la cinta de la dosis exacta de sobresaltos para mantener al espectador pegado a la butaca (o botando en ella si se quiere) sin convertirla en un mero tren de la bruja, su dominio de los recursos le permite amagar el susto cuando le conviene o desplazarlo los segundos justos para que nos hayamos confiado y nos pille desprevenidos a pesar de haberlo estado anticipando.
¿A quién quieres más a mamá o a papá? Difícil elección. La misma dificultad tiene decidir cual de las dos entregas es mejor. Ambas son grandes obras, la diferencia quizás es que en la segunda Wan ya se siente confiado en su producto, el éxito de la primera no le ha supuesto presión (o no lo parece). Al contrario, parece dejarse llevar más por su instinto y así retoma ese humor que se respiraba en su primer Insidious (incluso en el clímax se permite introducir un ligero gag sin despeinarse y sin que ello rompa el ritmo y la tensión dramática). Ese toque de ligereza, paradójicamente, da más profundidad a los personajes y contraste a las situaciones. Queremos a papá y a mamá, no renunciamos a ninguna, sin que ello obste para señalar que la segunda es un producto ya maduro que luce con mayor esplendor.
En enero llega la cinta de ciencia ficción ‘Proyecto Lázaro’ de Mateo Gil
Producida por Arcadia Motion Pictures, Proyecto Lázaro está protagonizada por Tom Hughes, Oona Chaplin, Charlotte le Bon (nominada al César por Yves Saint Laurent. The walk) y Barry Ward.
Con una amplia trayectoria como guionista (Abre los ojos, Mar adentro – Goya al mejor guion original –, El método – Goya al mejor guion adaptado- y Ágora – Goya al mejor guion original – entre muchas otras), y tras atreverse también como director con los más variados géneros cinematográficos desde el drama, el terror, el thriller, hasta el western (Blackthorn, galardonada con cuatro Goya), Mateo Gil (Las Palmas, 1972), firma el guion y la dirección de esta historia de ciencia ficción rodada en diversas localizaciones de Tenerife y Barcelona. Proyecto Lázaro es una producción de Arcadia Motion Pictures en coproducción con Achaman Films AIE y Noodles Production (Francia). Con la participación de Televisión Española, Canal +, Televisió de Catalunya y Scope (Bélgica), y el apoyo de Eurimages.
Sinopsis
Marc (Tom Hughes) es diagnosticado con una enfermedad cuyo pronóstico es de un año de vida. Incapaz de aceptar su final, decide congelar su cuerpo.
60 años después, en el año 2084, se convierte en el primer hombre resucitado de la Historia. Entonces descubrirá que el gran amor de su vida, Naomi (Oona Chaplin), le ha acompañado durante todo ese tiempo de una forma que él no esperaba…
Si Dios quiere, la posibilidad del milagro
«Comprended que si supiera el dueño de casa a qué hora de la noche viene el ladrón, estaría en vela y no dejaría abrir un boquete en su casa» reza la parábola en el Evangelio según San Mateo para advertir a los humanos que la muerte llega sin avisar y es mejor estar preparado para ello. Contra la muerte lucha Tommaso (Marco Giallini), cardiólogo de fama y hombre de firmes creencias, ateo y liberal. Cree en la ciencia y niega los milagros. Pero el mundo de Tommaso dará un vuelco cuando Andrea, su hijo y prometedor estudiante de medicina, revolucione a la familia con su noticia: quiere hacerse cura. La supuesta vocación de Andrea pondrá sobre la mesa la disfuncionalidad de su familia, acomodada y aparentemente ejemplar; pero el principal cambio que introduce es el encuentro entre su padre y el reverendo Don Pietro (Alessandro Gassman), figuras opuestas que acabarán tomando conciencia de que son las dos caras de la misma moneda. Se acabarán reconociendo como el otro, el mismo.
Edoardo Maria Falcone debuta en la dirección con este largometraje (del que es además autor del guión) y nos ofrece una comedia ágil apoyada, fundamentalmente, sobre el carisma de sus dos interpretes principales. Marco Giallini está soberbio en su encarnación de ese médico, sobresaliente por su talento, que destaca por su cinismo (como el Dr. House televisivo), tanto en sus planteamientos vitales como en el trato que da a sus colegas y pacientes. 
Descree de los milagros y no contempla la existencia de Dios, confía únicamente en la ciencia y la inteligencia humana. Y Alessandro Gassman le da la réplica a la perfección encarnando a ese reverendo poco ceremonioso, nada canónico, que levanta pasiones entre sus feligreses con su verbo ágil y coloquial. Exconvicto, Don Pietro es otro de esos personajes de carácter que llenan la escena con su sola presencia, un cura atípico, un tanto anárquico, que se gana la voluntad de quienes le escuchan por sus modos desenfadados, no por ello poco profundos. Del choque de ambos personajes, conducido por un excelente tratamiento de la intriga (aquí, ver quién puede dirigir la voluntad del joven Andrea), nacen momentos y situaciones hilarantes, bien coreadas por el resto de secundarios (tan bien dibujados como los protagonistas), con ciertos toques de caricatura en ocasiones y buen uso de la ironía siempre.
Falcone no sólo ha cuidado el diseño de los personajes y sus arcos de transformación, también ha atado en corto otro de los factores decisivos en toda comedia: el ritmo. Si Dios quiere modula a la perfección su tempo, agitado y percutante en algunas secuencias (con esa banda sonora que 
amplifica las acciones), moderado y cadencioso cuando lo requiere la situación, solemne cuando se hace presente el momento dramático, para acabar con una coda que resume todos los movimientos dejándonos una sonrisa agridulce en su final. El director se muestra hábil en la dosificación de las situaciones cómicas, nos gana con la ración justa de risas desde el principio, de modo que conforme avanza la trama y llega el último acto con su giro dramático, ya somos totalmente suyos y hemos evolucionado a la par que los personajes y su peripecia.
Quedarnos sólo con que Si Dios quiere es una de las mejores comedias que han llegado a nuestras pantallas este año, siendo cierto, sería caer en un reduccionismo que no haría justicia a la cinta. Porque esta ópera prima envuelve con ropajes de liviana comicidad reflexiones existenciales de alto calado, que son introducidas con la misma suavidad y precisión con las que un cirujano practica una incisión. En clave de humor, Falcone nos hace recapacitar sobre la familia, sobre los vínculos y los roles, nos mueve a considerar los límites de la tolerancia (o mejor nuestra propia limitación para tolerar pese a pretendernos liberales y demócratas), pero sobre todo nos obliga a meditar sobre nuestra condición humana.
A seis mil pies de altura, frente al lago de Silvaplana, más allá del hombre y del tiempo, en un momento, pues, de éxtasis, tuvo Nietzsche la revelación del Eterno Retorno, su particular manera de entender la eternidad. En un paraje similar, también frente a un lago, Pietro vivió su «camino de Damasco», su conversión; solo y desconectado, aprehendió el Deus sive Natura de Spinoza. Su fe sólo toma la forma del cristianismo como falsilla a través de la que hacer patente su convicción: Dios está en la naturaleza y el hombre es sólo una figura minúscula en esa inmensidad. El prodigio no es más que el desplegarse de la naturaleza en su armonía silenciosa. Ese es el rostro omnipotente de Dios. Comprenderlo así es el único milagro. Así lo aprehenderá también Tommaso, por eso no importa si el milagro que desearían los espectadores, para que Si Dios quiere tuviese un final feliz, se haya dado o no. El verdadero milagro (que es también la redención del cirujano) ya se ha producido.
Estreno de You’re Gonna Die Tonight en Nocturna
El nuevo trabajo del director madrileño Sergio Morcillo ya tiene fecha de estreno. Lo hará en la cuarta edicion del festival internacional de cine fantástico de Nocturna.
La cita será el próximo día 26 de Mayo a las 22:00 h. en los cines Palafox, donde se viene haciendo todos los años el ya famoso festival. Lo hará junto a Summer Camp de Alberto Marini, producida por Jaume Balaguero.
El evento estará presentado por el propio Sergio Morcillo y también tendrá la presencia de su protagonista, Mónica Aragón y de todo el cartel artístico y técnico que compone este proyecto. Sergio y su enorme equipo nos darán más de un sobresalto y alguna que otra sorpresa.
Os recordamos que está basado en una idea original del propio Sergio y de Ismael de las Heras y que escrito por Álvaro Fuentes.
You´re Gonna Die Tonight supone una vuelta de tuerca al slasher convencional lleno de giros inesperados y que recoge la esencia del erotismo que desprendían los giallos de los 70.
El cortometraje está apadrinado por el director Miguel Ángel Vivas, director de la impactante Secuestrados y de la reciente Extinction. En FX tenemos a INSIDE FX los responsables de la famosa saga de [REC] y que están liderados por David Ambit y producido por Terror Club y por Fonofox, productores de Vampyres.
¿Vais a perderos esta intensa y sangrienta cita?
‘Framed’ de Marc Martínez Jordán ya está en pleno rodaje
El rodaje de FRAMED, la ópera prima del debutante de la ESCAC, Marc Martínez Jordán, ganador de los premios Paul Naschy-Brigadoon y Cine365 de la pasada edición del Festival de Sitges, ya está en marcha. Al frente del proyecto y de la producción está Marc Carreté, responsable del nuevo sello de terror, Creatures of the Dark, bajo el cual se produce la película. El film empezó a rodarse el pasado 24 de abril, en Sant Cugat del Vallés (Barcelona). El reparto está encabezado por Joe Manjón (El Internado, Risen), Àlex Maruny (Promoción Fantasma, Pulseras Rojas) y Clàudia Pons (Elisa K, Asmodexia), y cuenta con presencias tan destacadas como las de Júlia Molins (Cites, Seis Hermanas), Enric Auquer (Los Inocentes, KKM), Biel Montoro (L’Altra
Marc Carreté y Marc Martínez Jordán
Frontera) y Daniel Horvath (Buscando el Norte), entre otros. Además del debut de Lídia Casanova y la colaboración especial de Pep Sais (Rec 2, Los Últimos Días) y Mercè Montalà (El Príncipe).
El guión está escrito a cuatro manos, por el propio Martínez Jordán junto a Jaume Cuspinera (Any de Gràcia), tutor de guión de los proyectos de final de carrera de la ESCAC, de donde proceden también Yuse Riera, Director de fotografía, y Tania Gabrielli, Directora de Arte, así como el grueso del equipo técnico y artístico. La banda sonora original de la película correrá a cargo del compositor Jordi Dalmau (Asmodexia).
Según declara Marc Carreté, “La película está basada en una idea original del propio Martínez Jordán, que con su particular ojo crítico, se adentra en la temática de las redes sociales para ahondar en su cara más oscura, mostrándonos de forma explícita, hasta donde podría llegar alguien para disparar sus cuotas de popularidad y reputación, mal entendidas”.
La película entrará en fase de montaje y posproducción, a finales de mayo, una vez terminado el rodaje y todo apunta a que a durante el verano podremos ver las primeras imágenes promocionales del film. Mientras tanto os dejamos unas instantáneas del rodaje para ir abriendo el apetito.
Sinopsis:
FRAMED es la red social del momento. Permite emitir vídeos en streaming desde cualquier dispositivo móvil. Miles de usuarios de todo el mundo se han lanzado a una alocada carrera para conseguir el máximo número de viewers y, con ello, la máxima notoriedad. No existen normas ni censura y los contenidos emitidos se tornan cada vez más violentos y controvertidos. Álex (Joe Manjón) se prepara para irse a Berlín a empezar una nueva etapa. Su hermana Claudia (Clàudia Pons) se apunta a la fiesta de despedida que le han montado sus amigos. Durante la fiesta, que se celebra en la casa de una de las amigas de Álex, el grupo es salvajemente atacado por tres individuos, encabezados por un psicópata (Àlex Maruny) que pretende conseguir la máxima audiencia sometiéndolos a los jóvenes a juegos y torturas cada vez más espasmódicas.
La bruja, con el infierno en el interior
LA BRUJA (The Withch, Robert Eggers, 2015)
USA/UK/Brasil/Canadá. Duración: 92 min. Guión: Robert Eggers Música: Mark Korven Fotografía: Jarin Blaschke Productora: A24 / Code Red Productions / Pulse Films / Scythia Films / Rooks Nest / Maiden Voyage Pictures / Mott Street Pictures Género: Terror
Reparto: Anya Taylor-Joy, Ralph Ineson, Kate Dickie, Harvey Scrimshaw, Lucas Dawson, Ellie Grainger, Julian Richings, Bathsheba Garnett, Sarah Stephens, Jeff Smith
Sinopsis: Nueva Inglaterra en el año 1630. Una familia de colonos cristiana, formada por un matrimonio y sus cinco hijos, vive cerca de un bosque que, según las creencias populares, está controlado por un mal sobrenatural. Cuando su hijo recién nacido desaparece y los cultivos no crecen, los miembros de la familia se rebelan los unos contra los otros. Más allá de sus peores temores, un mal sobrenatural les acecha en el bosque cercano.
Con La bruja, su director Robert Eggers debutaba en el cine y obtenía el premio a la mejor dirección en el último Festival de Sundance. Basada en un guion suyo y ambientada en Nueva Inglaterra (lugar de origen de Eggers), en el siglo XVII, nos narra como una familia que vive sola en el bosque es pasto de lo que en principio parecen ser supersticiones: un bebé desaparece, una cabra comienza a dar sangre en lugar de leche… Todo situado en un ambiente inquietante, el bosque como lugar donde habita el mal, acompañado de la sobrecogedora banda sonora de Mark Korven y una bella fotografía plagada de colores lavados y sombras marcadas que nos llevan a pensar directamente en el tratamiento de las sombras y luces de Rembrandt, pero cruzado con la imaginería de Gustavo Doré. La trama se desarrolla como una sucesión de tableaux vivants separados entre sí por intermitentes fundidos en negro, convirtiéndola casi en una narración dividida en capítulos. A través de esa estructura pictórica y capitular se consigue un progreso in crescendo de la tensión dramática, en la que la atmósfera va haciéndose cada vez más lóbrega y opresiva.
Basada en varias leyendas de la Nueva Inglaterra del siglo XVII, La bruja es un extraño cruce de cuento folklórico de terror y tragedia familiar. En el origen del conflicto está la soberbia del padre (Ralph Inneson); de creencias más estrictas que la de los mismísimos puritanos, es expulsado (y con él su familia) de la comunidad. Fanático hasta la médula, contagia a los suyos la obsesión por la condición empecatada de todo mortal, nadie nace libre de la mácula ni nadie sabe qué tendrá dispuesto para él el Señor. Su fervor religioso le hace inútil para dar calor y consuelo a su familia incluso en los momentos más críticos. Igual de ineficaz se muestra en las tareas de la granja, le intuimos responsable de su marcha a la colonia (le obsesionaba predicar el Evangelio) dejando atrás el confort de su casa en Inglaterra (un cáliz de plata es testimonio de su mejor vida), y una vez se ven aislados en los límites del bosque es incapaz de asegurar a la familia el sustento más básico (sólo descarga compulsivamente su impotencia cortando leña). Por su empecinamiento, la familia vive en condiciones cada vez más infrahumanas, mezclada esa escasez con la severidad religiosa, la circunstancia que les envuelve es cada vez más aterradora, hasta los juegos de los niños cobran una apariencia perturbadora. Los temores delirantes que van adueñándose de la familia (especialmente de la madre) serán proyectados sobre la hija mayor a la que llegan a encerrar en el establo para ser juzgada como bruja. Así van trenzándose los hilos de la trama para acabar convirtiendo la crónica de una devastación familiar en una cinta de terror sin ninguna concesión a los tópicos del género.
La película tiene más de una lectura: funciona como retrato de la superstición e ignorancia que explica todo mal como producto del diablo; también como parábola de una nación, la americana, que está naciendo envuelta por la obsesión por la culpa; pero además, y quizás sobre todo, es una crítica a los males del patriarcado que relegan a la mujer a un papel pasivo de sumisión y a verlas como fuente de condenación si osan tener mayor protagonismo, es por eso que el final puede (es más, debe) interpretarse como el acto de liberación de la feminidad de la protagonista. ¿Y lo sobrenatural? Eggers da el mismo trato realista a las fugaces apariciones de seres siniestros que a los personajes principales, no puede descartarse el carácter de alucinación, el argumento y la evolución de los personajes permiten pensar así, pero la película siembra también la inquietud sobre la posibilidad de la existencia de un mal autónomo en sí mismo que se cierne sobre los protagonistas. Esa ambivalencia de interpretaciones es una de las mayores bazas de este filme de bajo presupuesto que está llamado a ser uno de los mejores títulos de género que veremos en nuestras pantallas comerciales este 2016.
Cinta inaugural en el Festival de Sitges 2015, sin duda La bruja es una de esas cintas que dejan poso, que apetece volver a revisar, algo en lo que también influye la actuación de sus protagonistas, especialmente el trabajo de, la también debutante, Anya Taylor-Joy en el papel de hija mayor.
Novedades sobre ‘Cine Basura: la película’
El músico Chuck Cirino, luminaria del cine de serie B/Z gracias a sus trabajos para producciones de culto de Roger Corman como Deathstalker 2, Chopping Mall o El regreso de la cosa del pantano, compondrá la banda sonora de Cine Basura: la película , la primera comedia española que rinde homenaje al llamado “cine cutre”.
Un fichaje de lujo que supone un gran valor añadido para el filme y que sin duda pondrá los dientes largos a los aficionados a esta clase de largometrajes. Y es que Cirino es uno de los compositores más célebres del cine estadounidense de bajo presupuesto de los años 80, a la altura de otros artistas tan apreciados como Richard Band (Re-Animator, Ghoulies).
Natalia Alvarez y Paco Fox
No en vano, ha trabajado a los órdenes de famosos directores de cine “trash” como Fred Olen Ray (Alienator, Evil Toons) o Jim Wynorski, figura imprescindible de la factoría Corman. En la actualidad compone música para películas directas a vídeo y televisión, entre las que destacan filmes de monstruos gigantes emitidos en el Canal Syfy como Cobragator o Dinocroc VS Supergator.
Paco Fox, codirector del filme, indica que «muchas películas que homenajean al cine de serie B de los 80 escogen a músicos jóvenes para que hagan pastiches de los sonidos de esa época”. En este sentido, los responsables de Cine Basura: la película, han decidido que “lo mejor es ir a la fuente original, a quien estaba en activo en la industria del bajo presupuesto y ayudó a definir el tipo de música que relacionamos con el cine cutre«.
UN HOMENAJE AL “CINE MALO”
Con 27.500 euros obtenidos, “CINE BASURA: LA PELÍCULA” es el filme español que más dinero recaudó por medio de crowdfunding en 2015. Actualmente en proceso de posproducción y con un estreno previsto para 2016 pero sin fecha definida, este largometraje supone el salto a la gran pantalla de los creadores del programa de culto ‘CINE BASURA’ de CANAL + Xtra y de la webserie ‘VIDEOFOBIA’.
Aunque “CINE BASURA: LA PELÍCULA” es una declaración de amor al también llamado “cine cutre” o “trash”, sus responsables no han querido filmar una película mala a propósito, sino todo lo contrario, como afirman los codirectores de la cinta, Paco Fox y Miguel Ángel Viruete.
Ambos insisten en que se trata de un largometraje “rodado en condiciones, con una trama de verdad y no un festín de referencias y fantasmadas”. En este sentido, Fox indica que el estilo del guión se inspira en el trabajo de los británicos Edgar Wright y Simon Pegg, responsables de comedias de culto como Zombies Party, Arma Fatal o Bienvenidos al fin del mundo. Como muestra de ello está la secuencia que se rodó para la campaña de crowdfunding, la cual puede visualizarse en la web http://www.cinebasura.es y permite hacerse una idea del tono que tendrá el filme.
El cine de serie Z es un fenómeno con legiones de seguidores que crece y crece en España. Algo que han confirmado, entre otros, el reciente éxito de la quinta edición del festival CUTRECON de Madrid o las sesiones de ‘Trash entre Amigos’ de Nacho Vigalondo.
Agustín Jiménez
COMBATIENDO EL “CINE CUTRE”
“CINE BASURA: LA PELÍCULA” narra la historia de dos videobloggers que se introducen por accidente en una película mala. Cuando salen, las constantes del cine ‘cutre’ han invadido el mundo: hay falta de raccord, los planos subjetivos se ven en otros formatos, los cromas son espantosos y hay zombis, punks y otros personajes típicos de este tipo de películas. Un entuerto que los protagonistas tratarán de resolver junto a una amiga realizadora.
El filme está producido por la empresa PECKER AUDIOVISUALES, Miguel Ángel Viruete, Paco Fox y David Gutiérrez Rubio, así como por diversos inversores privados que han participado mediante micromecenazgo.
EQUIPO TÉCNICO Y ARTÍSTICO
Los directores de la película son Miguel Ángel Viruete, autor de varios cortos premiados y realizador de la webserie ‘VIDEOFOBIA’, y Paco Fox (Francisco Rodríguez Prieto), Responsable de Selección de Cine Extranjero de CANAL + a nivel profesional, presentador de ‘CINE BASURA’ y articulista de humor a nivel artístico. El guión, sobre un tratamiento de ambos directores y del popular humorista web José Viruete, viene firmado por el debutante sevillano Fernando Hugo Rodrigo.
Los actores principales son Miguel Ángel Aijón, conocido por sus papeles en Una de Zombis e Isi/Disi: Alto Voltaje; Natalia Álvarez-Bilbao, actriz en alza con filmes como Gernika o Poveda pendientes de estreno; Maite Medina, modelo profesional que ha representado a España en el certamen Miss Mundo; Darío Frías, quien ha participado en series de televisión como Mis adorables vecinos y películas como Omnívoros; y el propio Paco Fox, que interpreta a uno de los protagonistas.
Asimismo, entre los numerosos papeles secundarios se hallan diversos y reconocidos cómicos profesionales como Agustín Jiménez (Paramount Comedy), Kikín Fernández (“Los Serrano”), Richard Salamanca (Central de Cómicos), Mayka Jurado (“Alegrías las justas”), Esther Gimeno (“Sopa de Gansos”) o Fernando Moraño (Central de Cómicos).
‘Ánimas’, terror español en Cannes
Nos gustó mucho el primer largometraje de Laura Alvea y José Ortuño, The Extraordinary Tale, así que recibimos con alborozo la noticia de que su segundo proyecto, Ánimas, será un film de terror y que ha sido seleccionado para participar en L’Atelier de la Cinèfondation del Festival de Cannes
Coproducido por La Claqueta PC y Acheron Films, Ánimas, es el único proyecto español seleccionado este año en el evento galo. En los últimos 3 años sólo 5 proyectos españoles han participado. “Ánimas” se rodará en inglés y tiene previsto su rodaje para finales de año. Su reparto internacional será anunciado en las próximas semanas.
L’Atelier de la Cinéfondation acoge este año su duodécima edición e invitará al Festival de Cannes a 16 directores cuyos proyectos de película han sido considerados especialmente prometedores para cerrar la financiación durante la celebración del Festival de Cannes. Acompañados por su productor, podrán reunirse con posibles socios, indispensables para finalizar su proyecto y pasar a la fase de realización de su película. L’Atelier abre a sus participantes las puertas a las coproducciones internacionales, lo que permite acelerar el proceso de finalización de la película.
Ánimas’ thriller de terror psicológico, está escrito por José Ortuño basado en su novela homónima. Olmo Figueredo (La Claqueta PC) es productor ejecutivo, la jefa de producción es Marichu Sanz (Acheron Films). ‘Ánimas’ ya fue seleccionado el pasado año entre los seis proyectos españoles de “Small is biútiful”, el prestigioso foro de coproducción celebrado en Paris, además de haber pasado por otros foros y mercados internacionales.
Sinopsis: Cuando su mejor amigo comienza a actuar de manera extraña, Alex -un joven de 18 años- comenzará a vivir un descenso a los infiernos en el que encontrará presencias fantasmales, pesadillas horrendas y situaciones límite que pondrán en peligro su vida. Investigará el origen de todo este tormento hasta lograr averiguarlo en un final tan sorprendente como impactante.
https://www.facebook.com/animasmovie/
‘Difuminado’ de Pere Koniec se proyectará en la Universidad de Barcelona
Este próximo marzo, el film Difuminado de nuestro amigo Pere Koniec participa en el ciclo “Road Movies: Camins de llibertat i rebel·lió”, organizado por la Universidad de Barcelona junto a otros compañeros de ciclo como Fellini, Pasolini, Hopper o Adlon. Ahí es nada.
Del anterior proyecto de Pere, Policromía, ya les hablamos largo y tendido en este artículo, pero… ¿Qué es Difuminado? A continuación vamos a intentar saber más sobre este largometraje que nos habla de un misterioso abuelo y un oscuro pasado formado por coches clásicos, mujeres bellas y excesos de juventud y que incluye apariciones sorpresa de Aina Clotet, Dolo Beltrán o Agustí Villaronga, escritores como Javier Pérez Andújar o Sergi Puertas…y dibujantes como Isidre Monés o Josep M. Beà.
EL PROYECTO DIFUMINADO
Difuminado (2014) es una película independiente rodada en blanco y negro sin diálogos con una misteriosa trama y un extrañísimo reparto lleno de arte.
La trama de Difuminado, que conviene no desvelar, habla de la fascinación por un automóvil como obra de arte, imágenes de infancia que marcan la trayectoria erótica y recuerdos de aquellos amigos que fueron cayendo en una juventud politoxicómana.
Armonizan el proyecto las suaves notas de Sergei Prokofiev, la nostalgia de King Crimson y el impulso suicida de Stereolab.
EL EXTRAÑO REPARTO
“Uno de los principales placeres de rodar Difuminado (2014) fue poder contar con una multitud de artistas que irradiaron el proyecto de buena energía. El director Agustí Villaronga aparecía en Perros Callejeros (1979) o Petit Indi (2009) y en nuestra cinta nos regala un mini-prólogo como declaración de principios. Juan Carlos Olaria, que en los 70 facturó la hoy de culto El hombre perseguido por un Ovni (1976), protagoniza un emotivo encuentro con una joven. Y recuperamos a Carmen Serret, que en la época de Iquino y compañía firmó varias cintas como Carla Dey. El título del film, como mi anterior cinta Policromía (2010), remite a una técnica gráfica relacionada con la ilustración. En un instante del film, todos los personajes atracados en un túnel subterráneo son dibujantes en la vida real. Es el caso de Marcos Prior (Potlatch), Raquel Garcia Ulldemolins (Canallades) y Clara-Tanit Arqué (Wassalon). Dos veteranos de la viñeta como Isidre Monés y Josep M. Beà nos ayudan a completar el reparto artístico. Y de las viñetas pasamos a la letras con las breves apariciones de Joan Ripollès Iranzo (Quemar el cielo), Sergi Puertas (Cómo destruir ángeles) o Javier Pérez Andújar (Los príncipes valientes). La cantante y actriz Dolo Beltrán protagoniza un emotivo segmento, el gran Lluís Marco toma el relevo del protagonista vía Henry Miller y la actriz Aina Clotet cierra brillantemente esta película independiente rodada sin permisos y con mucho amor difuminado”.
EL DIRECTOR
Pere Koniec (Varsovia, 1980) es diseñador gráfico y cineasta independiente. En 2003 dirigió su ópera prima L de Lorena estrenada en el Festival de Sitges y recibido como la sorpresa barcelonesa del año. Ha dirigido el frenético cortometraje Efímero 87 (2006) y el mediometraje Policromía (2010), en la que ensayaba su particular estilo alejado de todo diálogo y apoyado únicamente en el lenguaje cinematográfico como motor de la narración. Difuminado (2014) es su última película.
PROYECCIÓN
Lunes 14 de marzo a las 18,30h
Universidad de Barcelona
Gran Vía 585, Barcelona
Entrada gratuita. Aforo limitado.
FICHA TÉCNICA
TÍTULO: Difuminado
DURACIÓN: 53 minutos
GENERO: Drama / Suspense
NACIONALIDAD: España
IDIOMA: Sin diálogos
FORMATO: 16:9
COLOR: Blanco y Negro
GUIÓN Y DIRECCIÓN: Pere Koniec
DIRECTORA DE FOTOGRAFÍA: Miranda Cruz
PRODUCTOR: Pere Koniec
EFECTOS VISUALES: Adam Alsina
MÚSICA: Sergei Prokofiev, King Crimson, Stereolab
EDITOR: Pere Koniec
‘Red Earth’ una película de Carlos Violadé
Mañana jueves 17 de diciembre comenzará en Coria del Río (Sevilla) el rodaje del teaser de «Red Earth», el salto al largometraje del director y guionista Carlos Violadé tras su exitosa experiencia en los cortometrajes.Este teaser supone el primer paso en la realización de un proyecto, ambientado en el primer viaje con seres humanos a Marte, con un marcado carácter internacional y que ha sido presentado en mercados cinematográficos como el del pasado Festival de Toronto.
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Mañana jueves 17 de diciembre comienza el rodaje del teaser de «Red Earth», película que supondrá el salto al largometraje del productor, guionista y director Carlos Violadé. El sevillano se ha labrado un exitoso nombre como cortometrajista, con trabajos tan laureados como «Tres» y «No tiene gracia». «Red Earth», aun en fase de desarrollo, es un proyecto largamente acariciado por Carlos Violadé y La Balanza Producciones, productora creada en 2006 por el arquitecto y cineasta y Julio Vergne, conocido por sus labores como fotofija en títulos como «La Isla Mínima», «Gordos» o «Grupo 7», entre muchos otros. El proyecto de «Red Earth» comenzó a despegar en octubre de 2013, tras una invitación de The Sundance Institute, la fundación de apoyo al cine independiente internacional creada por Robert Redford. El Instituto mostró interés en el trabajo de Carlos Violadé tras el premio concedido meses antes a «No tiene gracia» en el Palm Springs Short Film Festival. Poco tiempo después, en febrero de 2014, «Red Earth» participaba como único proyecto europeo en el taller de guión celebrado en Oaxaca, México, con la colaboración de The Sundance Institute. Así, cineastas y profesionales de la talla de Laura Esquivel («Como agua para chocolate»), Jeremy Pikser («Bulworth»), Beatriz Navarro («Danzón») y Lawrence Konner («The Sopranos») realizaron labores de consultoría en el borrador del libreto de «Red Earth». En septiembre de 2014, Zachary Sklar, co-guionista de «JFK» junto a Oliver Stone, se unió al proyecto como script-doctor. En estos momentos aun en desarrollo, «Red Earth» cuenta -incluyendo asimismo en este teaser que servirá como carta de presentación del largometraje- con un equipo técnico de impecable trayectoria, entre los que hallamos al director de arte Pepe Domínguez y al director de fotografía Álex Catalán, últimos ganadores del Goya en sus respectivas categorías por «La Isla Mínima». Asimismo, y dado el argumento del filme y el interés internacional que ha despertado, «Red Earth» ha dispuesto desde su inicio con el asesoramiento de reconocidos y prestigiosos profesionales en diferentes ámbitos de la ciencia. De esta manera, el psicólogo colaborador en la ESA (European Space Agency) Gabriel González de la Torre, un experto en Biodiversidad en condiciones extremas como Felipe Gómez, el astronauta Eduardo Lurueña (actualmente en plena preparación para ser el segundo español en viajar al espacio) y el ingeniero aeronáutico con una destacada participación en el programa Apollo desarrollado por la NASA Keith M. Wright, entre otros, se han unido al proyecto. Cabe destacar que aunque la acción de «Red Earth» se desarrolla en el espacio, el filme no puede catalogarse dentro del género de la ciencia-ficción. El interés de Carlos Violadé radica más en las relaciones entre los miembros de un viaje interestelar y los factores psicológicos que rodean una proeza de tales características. Como bien avisa la breve sinopsis que han podido conocer ya citas como el pasado TIFF – Toronto International Film Festival, la premisa de «Red Earth» surge más de la exploración del mundo interior de sus protagonistas que del espacio exterior que les rodea: «Cinco astronautas. Una nave. Y el espacio exterior. Pero el mayor viaje de sus vidas no será a Marte, sino al interior de sus mentes». El rodaje del teaser de «Red Earth» tendrá lugar desde mañana jueves 17 de diciembre y hasta el próximo domingo 20 en las instalaciones de Plató Coria (Coria del Río, Sevilla), con un reparto encabezado por la actriz sevillana Tamara Arias («Tu vida en 65′») y un elenco de actores internacionales formado por Luka Peros («Mar de plástico»), Akihiko Serikawa («Menú degustació»), Claudia Coelho («Historias de Lavapiés») y Adrián Buffuna. Sigue los pasos de «Red Earth» a través de: |
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 11 de diciembre *
LA NOVIA (Paula Ortiz, 2015)
España / Alemania. Duración: 95 min. Guión: Javier García, Paula Ortiz (Obra: Federico García Lorca) Música: Shigeru Umebayashi Fotografía: Migue Amoedo Productora: Get In The Picture Productions / Mantar Film / TVE (Televisión Española) Género: Drama romántico.
Reparto: Inma Cuesta, Asier Etxeandía, Álex García, Manuela Vellés, Consuelo Trujillo, Leticia Dolera, Carlos Álvarez Novoa, Luisa Gavasa.
Sinopsis: Desde pequeños, Leonardo (Álex García), el novio (Asier Etxeandia) y la novia (Inma Cuesta), han formado un triángulo inseparable. Sin embargo, las cosas se han complicado mucho últimamente: el novio y la novia se van a casar, pero entre ella y Leonardo siempre ha habido algo más que una amistad. La tensión entre ambos cada vez es mayor, como un hilo invisible que no pueden explicar, pero tampoco romper.
Bodas de sangre y de nuevo Lorca en esta ocasión tratado de una forma excesivamente esteticista. La directora se recrea tanto en los planos que uno se siente expulsado de la narración. Con un inicio que recuerda a un western mediterráneo, no carece de buenos momentos, pero la preocupación de la directora por la plasticidad de las escenas juega en contra del filme, en especial porque tampoco olvida recurrir a la cámara lenta (ese recurso tan peligroso). El desierto de los Monegros y sus localizaciones en ruinas; la mezcla de vehículos y vestuario de toda época para dar atemporalidad a la historia; la cálida fotografía de interiores; y las bonitas tomas en un lugar tan mágico como Cappadoccia (Turkía), no consiguen que quien esto les cuenta entre en la historia. Y cuando lo hace, es expulsado a golpe de plano e incluso por algún molesto momento video-clip.
Los actores y actrices están todo lo bien que pueden, destacando la protagonista, Inma Cuesta (fantástica en ‘Tres bodas de más’ de Javier Ruiz Caldera) y Leticia Dolera, con un papel diferente al registro al cual nos tiene acostumbrados. La pobre Manuela Vellés consigue pasar casi desapercibida. Sin olvidar a María Alfonsa Rosso y Luisa Gavasa, dos veteranas impecables siempre en su labor.
UN PASEO POR EL BOSQUE (A Walk in the Woods, Ken Kwapis, 2015)
USA. Duración: 104 min. Guión: Michael Arndt, Bill Holderman (Libro: Bill Bryson)Música: Nathan Larson Fotografía: John Bailey Productora: Route One Films / Surefire Entertainment Capital / Wildwood Enterprise Género: Comedia
Reparto: Robert Redford, Emma Thompson, Kristen Schaal, Nick Nolte, Mary Steenburgen, Nick Offerman, Sandra Ellis Lafferty, Derek Krantz, Linds Edwards, Andrew Vogel, Hayley Lovitt, John Kap, Walter Hendrix III, R. Keith Harris, Alex Van
Sinopsis: Tras pasar dos décadas en Inglaterra, Bill Bryson (Robert Redford) regresa a los Estados Unidos con el fin de emprender la gran aventura de su vida: escalar el sendero de los Apalaches y sus más de 3.500 kilómetros de longitud, atravesando algunos de los paisajes más bellos del continente. Aunque para ello tenga que alejarse de su familia y de Catherine (Emma Thompson), su esposa. En este viaje contará con la ayuda de su viejo amigo Stephen Katz (Nick Nolte) quien, después de toda una vida confiando en su ingenio para escabullirse de sus deudas, es el único loco dispuesto a acompañarle en su espectacular viaje. El problema es que los dos tienen una definición muy distinta de la palabra «aventura»… Adaptación de las memorias de Bryson, un conocido escritor de libros de viajes.
Definida acertadamente como una versión geriátrica de Alma salvaje (Wild, Jean-Marc Valleé, 2014), Un paseo por el bosque es eso, un respetuoso y agradable paseo por el monte con dos entrañables actores que, por desgracia, no ofrecen muy buena química conjunta, aunque por separado gane Nolte por goleada a un Redford un tanto frío. La cinta nos cuenta la necesidad que tienen ambos hombres de marcarse un reto con el que sentirse vivos y luchar contra lo ineludible; loable, pero el resultado es un tanto superficial y tópico. Agradable de ver, es muy posible que guste al espectador medio.
SITGES TOUR A CONTRACORRIENTE:
TURBO KID/ THE SALVATION / LA PRÓXIMA VEZ APUNTARÉ AL CORAZÓN/ BLOOD SUCKINGBASTARDS
Al igual que se hizo el año anterior, A contracorriente, con la colaboración del Festival de Sitges, ofrece cuatro de los títulos proyectados durante el certamen, que se ofrecerán por tiempo limitado en varias salas españolas. En esta ocasión puede decirse que el nivel de las cintas escogidas es alto y muy heterogéneo. Un menú variado para todos los paladares.
TURBO KID (François Simard, Anouk Whissell y Yoann-Karl Whissel)
Canadá. Duración:89 min. Guión: Anouk Whissell, François Simard, Yoann-Karl Whissell Música: Jean-Philippe Bernier, Jean-Nicolas Leupi, Le Matos Fotografía: Jean-Philippe Bernier Productora: EMA Films / Timpson Films Género: Ciencia ficción.
Reparto:Munro Chambers, Laurence Leboeuf, Michael Ironside, Edwin Wright, Aaron Jeffery, Romano Orzari, Orphée Ladouceur, Steeve Léonard, Yves Corbeil
En 1997 la humanidad ha sufrido un apocalipsis y los supervivientes luchan por conseguir agua, un bien escaso. Un adolescente, solitario y amante de los cómics books de Turbo Ryder, revuelve entre los escombros y la basura para encontrar algún objeto que canjear en el mercado negro a cambio del precioso líquido. Este es el punto de partida de esta coproducción entre Canadá y Nueva Zelanda que pretende (y consigue) tener la apariencia de haber sido rodada en los años ochenta, premisa totalmente conseguida ofreciendo una estética retro en la que tienen cabida cintas de cassette, cubos de rubick, VHS y vestuario delirante, además de unos efectos gore premeditadamente burdos y un argumento naif regado con una banda sonora a base de sintetizadores. Villanos de cuchufleta entre los que destacan Zeus, un enorme Michael Ironside, y Edwin Wright como su secuaz Skeletron.
Basada en el corto ‘T’ is for Turbo de los canadienses François Simard, Anouk Whissell y Yoann-Karl Whissel, en principio se rodó para formar parte de la antología A,B,C of Death , ahora sus responsables han decidido alargar hasta los 93 minutos sin que por ello resulte pesada. Muy al contrario, se trata de un filme delicioso, entretenido y totalmente disfrutable que consigue su premisa de transportarnos a la edad de oro de los video-clubs.
BLOODSUCKING BASTARDS (Brian James O’Connell)
USA. Duración: 86 min. Guión: Ryan Mitts Música: Anton Sanko Fotografía: Matt Mosher Productora: Fortress Features / MTY Productions Género: Comedia terrorífica.
Reparto: Fran Kranz, Pedro Pascal, Emma Fitzpatrick, Joel Murray, Yvette Yates, Joey Kern, Patricia Rae, Parvesh Cheena, Zabeth Russell, Neil W. Garguilo, Kyran Danaher, Marshall Givens, Justin Ware, Sean Cowhig
Sinopsis: Evan es un empleado obediente y sobrecargado de trabajo, atrapado en una empresa que le explota, al igual que a su novia Amanda y a su holgazán mejor amigo Tim. El frágil mundo de Evan termina de desmoronarse cuando su jefe, Ted, le concede su ansiado ascenso a su némesis en la empresa, Max. Pero todo eso no será nada comparado con el secreto que está a punto de descubrir y que pondrá su vida y la de sus compañeros en peligro. Y es que la empresa de tele-marketing contrata a un vampiro para que vampirice a sus trabajadores y así tener una plantilla perfecta: sin quejas, sin horarios, sin bajas, sin cobrar… vamos, el sueño de la patronal española. Si bien la premisa que se nos propone en Bloodsuking Bastards resulta atractiva, la verdad es que el resultado dista de ser interesante: como comedia no tiene maldita gracia y como película de terror menos. Lástima.
THE SALVATION (Kristian Levring, 2014)
Dinamarca. Duración: 92 min. Guión: Anders Thomas Jensen, Kristian Levring Música: Kasper Winding Fotografía: Jens Schlosser Productora: Zentropa Productions Género: Western.
Reparto: Mads Mikkelsen, Eva Green, Jeffrey Dean Morgan, Michael Raymond-James, Sivan Raphaely, Douglas Henshall, Mikael Persbrandt, Jonathan Pryce, Eric Cantona, Alexander Arnold, Nanna Øland Fabricius, Toke Lars Bjarke
Sinopsis: Estados Unidos. 1870. Al matar al hombre que asesinó a toda su familia, John despierta la furia del cabecilla Delarue.
Que el western es un género universal debería estar más que claro, pero uno no puede evitar sentir cierta extrañeza cuando se topa ante uno proveniente de Dinamarca. ¡Pues craso error! The Salvation realiza una convincente recreación del salvaje oeste en Sudáfrica y además cuenta con un reparto tan heterogéneo como eficaz compuesto por Mads Mikkelsen, actor de afilado rostro que igual interpreta al villano en un filme de Bond que al mismísimo Aníbal Lecter en la exitosa serie televisiva. De Eva Green, que interpreta con la mirada por ser mudo su personaje, no echaremos nada en falta su voz cuando veamos sus enormes y bellos ojos verdes encendidos de furia. Jeffrey Dean Morgan (al que podemos recordar como el Comediante de los Watchmen) resulta totalmente convincente en su papel de villano sin escrúpulos, mientras que el británico Jonathan Pryce (que también fue villano de Bond y cuyo papel más recordado es el de protagonista de Brazil), es un sosia del mismísimo Walter Brennan.
La película, que se presentó en los festivales de Cannes, Sitges y Gijón, tiene un ritmo absolvente y un tono violento, duro y tenso que hará disfrutar tanto a los que añoran el western clásico americano, como los incondicionales de Sergio Leone. Ah, y por una vez no estamos ante un western crepuscular.
LA PRÓXIMA VEZ APUNTARÉ AL CORAZÓN (La prochaine fois je viserai le coeur, Cédric Anger, 2014)
Francia. Duración: 111 min. Guión: Cédric Anger (Novela: Yvan Stefanovitch)Música: Grégoire Hetzel Fotografía: Thomas Hardmeier Productora: Sunrise Films / Les Productions du Trésor / Mars Films Género: Thriller
Reparto: Guillaume Canet, Ana Girardot, Jean-Yves Berteloot, Patrick Azam, Arnaud Henriet, Douglas Attal, Pierick Tournier, Alexandre Carrière, François-Dominique Blin, Franck Andrieux, Arthur Dujardin, Alice de Lencquesaing, Cédric Le Maoût
Sinopsis: Durante varios meses entre 1978 y 1979, los habitantes de una tranquila comarca de la perifería de París vivieron aterrorizados por culpa de un maníaco que se dedicaba a asesinar muchachas. Sorprendentemente, el asesino escapa con suma facilidad de las redadas y las trampas que le tiende la policía.
Un frío asesino en serie que a la vez investiga sus propios crímenes, pues pertenece al cuerpo de gendarmes de París. Distante, carente de emociones, el director nos muestra las acciones y parte de sus motivaciones, pero evita entrar totalmente en la psique del personaje o en los motivos que le llevan a la necesidad de matar a mujeres jóvenes. Muy bien interpretada por Guillaume Canet (nominado al Premio César como Mejor Actor), la cinta, de la que es el protagonista absoluto, logró más de 500.000 espectadores en su estreno en Francia.
Un notable film que se acerca a la figura del asesino en serie de forma realista y huyendo de las truculencias con las que suele abordarlo el cine norteamericano.
EL CUENTO DE LOS CUENTOS (Il racconto dei racconti, Matteo Garrone, 2015)
Italia / Francia. Duración: 125 min. Guión: Matteo Garrone, Edoardo Albinati, Ugo Chiti, Massimo Gaudioso (Libro: Giambattista Basile) Música: Alexandre Desplat Fotografía: Peter Suschitzky Productora: Archimede / Le Pacte Género: Drama fantástico.
Reparto: Salma Hayek, Vincent Cassel, Toby Jones, John C. Reilly, Alba Rohrwacher, Bebe Cave, Shirley Henderson, Hayley Carmichael, Stacy Martin, Jessie Cave
Tras su paso por el Festival Internacional de Cine de Cannes y el Festival de Cine Europeo de Sevilla, la película de Matteo Garrone, llega a nuestras pantallas. Inspirada en los famosos relatos cortos del escritor del siglo XVII, Giambattista Basile, editados en España por SIRUELA bajo el título de PENTAMERON, El cuento de los cuentos es una fascinante epopeya cinematográfica ambientada en el Barroco que narra, con tintes fantásticos, la historia de tres reinos y sus respectivos monarcas. Desde la amarga búsqueda de la Reina de Longtrellis (Salma Hayek) que renuncia a la vida de su marido (John C. Reilly) por su obsesión por la maternidad; a dos misteriosas hermanas que encienden la pasión del Rey de Strongcliff (Vincent Cassel); y de ahí al Rey de Highhills (Toby Jones), obsesionado con una pulga gigante, lo que le lleva a romper el corazón de su joven hija. Todas estas historias mezclan lo fabuloso con lo grotesco creando una obra asombrosa y absolutamente original repleta de monstruos, conjuros, ogros y encantamientos, todo con una belleza cromática de inequívoca inspiración pictórica y una partitura exquisita de Alexandre Desplat al servicio de unas historias en las que cabe el humor y el horror, la magia y la picaresca, en una cuidada producción que no evita mostrar la crueldad de los cuentos clásicos.
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Serendipia
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