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El cine en zapatillas: ‘El gato negro’ ¿Un Fulci menor?
De nuevo Regia Films y de nuevo el mejor cine de terror italiano. O casi, ya que si bien El gato negro (Gatto Nero, 1981), de Lucio Fulci no goza del prestigio que disfrutan otras cintas del director como El más allá o Aquella casa al lado del cementerio, quizás por carecer del gore descarnado de aquellas, no desmerece en cuanto a atmósfera de sus otras contribuciones al fantástico. Merece la pena redescubrirla. Y más si es en óptimas condiciones de imagen y audio como sucede con la edición que Regia Films ha puesto a la venta.
EL GATO NEGRO (Gatto nero, Lucio Fulci, 1981)
Italia. Duración: 88 min. Guión: Lucio Fulci, Biagio Proietti (Historia: Edgar Allan Poe) Música: Pino Donaggio Fotografía: Sergio Salvati Productora: Italian International Film / Selenia Cinematografica
Reparto: Dagmar Lassander, David Warbeck, Mimsy Farmer, Patrick Magee, Al Cliver, Bruno Corazzari, Geoffrey Copleston, Daniela Doria, Lucio Fulci
Sinopsis: La fotógrafa norteamericana Jill Trevers (Mimsy Farmer) realiza un reportaje sobre unas antiguas ruinas de un pueblo de la campiña inglesa cuando una serie de accidentes comienzan a sucederse provocando varias víctimas mortales. Ante las extrañas circunstancias que rodean a todos estos accidentes, la policía local hará venir al pueblo al inspector Gorley (David Warbeck) de Scotland Yard. La investigación pasará por un extraño personaje que vive en el pueblo llamado Robert Miles (Patrick Magee), psíquico e investigador de lo paranormal, quien resulta tener como mascota a un gato negro que, según sospecha Jill, guarda alguna relación con todos los fatales accidentes…
Formato Pantalla: 2,35:1 (16/9) Anamorphic Widescreen
Audio: Castellano, Italiano, Inglés – Subtítulos en Castellano (Doble subtitulado castellano,específico para audio italiano y audio inglés)
Con El gato negro Lucio Fulci nos ofrece su producción más ‘british’, a pesar de que el rodaje se realizó a caballo entre Italia e Inglaterra. Quizás esta atmósfera sea responsable de que se trate de un ejercicio más comedido en cuanto a sangre y vísceras se refiere, ya que no conviene olvidar que Fulci la rodó durante su etapa más virulenta, tras Miedo en la ciudad de los muertos vivientes y antes de El más allá, su obra maestra, Aquella casa al lado del cementerio y El destripador de Nueva York, grandes favoritas entre los admiradores del director italiano que sin lugar a dudas han pasado al panteón del gore más descarnado. Pero El gato negro, vista detenidamente, tiene elementos en común con aquellas grandes favoritas, como un confuso guión, atmósfera envolvente y escenas carentes de sentido pero altamente efectivas. Características que conocen de sobra los admiradores del personal director romano.
Gatos, cementerios y fenómenos extraños protagonizarán esta cinta lejanamente inspirada en el universo de Edgar Allan Poe (como El más allá lo hacía con el de Lovecraft) y como es de prever no tendrá mucho que ver lo que se narra en la cinta de Fulci con la obra del genial escritor de Boston, más allá del minino del título y una referencia en su conclusión. Algo, por otra parte, bastante habitual en las adaptaciones que se han realizado de las obras de Poe ya desde los tiempos de la Universal. El espectador familiarizado con la obra de Lucio Fulci ya debe saber que el director romano pondrá al límite su credulidad, así que no debería sorprenderse ante ciertas escenas protagonizadas por el muy bien amaestrado gato del título, al que veremos abriendo baldas, hipnotizando, provocando incendios o robando llaves. Tampoco podemos olvidar la inesperada y cómica escena del cachiporrazo. Puro delirio. Puro Fulci. No valen medianías: o lo amas o lo odias.
Atmosférica, bien fotografiada, inquietante. Podría pasar como un filme menor de Hammer o Amicus, con influencia del Giallo e infinidad de primeros planos de ojos, del gato y del histriónico Patrick Magee, actor británico eminentemente teatral que interpreta un papel al parecer ofrecido inicialmente a Peter Cushing y Donald Pleasence. Para el resto de personajes, Lucio Fulci recurre a algunos actores sobradamente conocidos para el amante del cine de género italiano, como David Warbeck, con el que volverá a contar Fulci para El más allá; el egipcio Al Cliver, que participó en infinidad de cintas de género, entre ellas varias con el director romano como Nueva York bajo el terror de los zombis (1972) y también El más allá; Dagmar Lassander, que de nuevo se pondría a las órdenes de Fulci en Aquella casa al lado del cementerio; y por supuesto, la protagonista, Mimsy Farmer, actriz norteamericana que tras hacer televisión y rodar títulos como Riot on Sunset Street (Arthur Dreifuss, 1967) o Devil’s Angels (Daniel Haller, 1967), se trasladó a Europa, donde desarrolló el resto de su carrera. No nos olvidamos de Daniela Doria, que tras participar en unas pocas cintas eróticas se topó con Fulci, que le reservó las mejores delicatessens en sus filmes: en Miedo en la ciudad de los muertos vivientes vomita sus tripas mientras llora sangre; y en Aquella casa al lado del cementerio la acuchillan en la cabeza. Pero es en El destripador de Nueva York en la que se lleva la peor parte recibiendo doloros -hasta para el espectador- cortes en todo el cuerpo. No es de extrañar que ese mismo año y tras interpretar un pequeño papel en La camionera está como un tren (I camionisti, Flavio Mogherini) decidiera poner fin a su carrera. Al menos en esta cinta, Lucio Fulci no le tiene reservado, a tono con el resto, una muerte tan violenta.
Daniela Doria, la eterna víctima de Lucio Fulci descompuesta en El gato negro.
Rodando el cameo que finalmente se perdió
Buenas localizaciones, buena dirección, y una partitura de Pino Donaggio que bebe indisimuladamente en el Bernard Herrmann de Psicosis (Psycho, 1960) de Alfred Hitchcock. Como también y del propio Hitchcock, Fulci toma inspiración en algunos pasajes, como el del ataque de los murciélagos, similar al de los pájaros en The Birds (1963); o ese momento en el que la protagonista utiliza el flash de su cámara para cegar al gato y evitar que le ataque, recurso también utilizado por James Stewart ante Raymond Burr en La ventana indiscreta (Rear Window, 1954). Asimismo Fulci compartía con el mago del suspense su afición por hacer pequeñas apariciones en sus películas, pero no le busquen en El gato negro, y no porque no se pensara y se rodara, sino porque se quedó en la sala de montaje.
El cine en zapatillas: ‘Los vampiros’, sesión italiana de lujo con Freda y Bava
De nuevo Serendipia se sumerge en las oscuras aguas del mejor cine de terror italiano y lo hace con la película que inició el género en el país transalpino. Los vampiros (I Vampiri, 1957), es una magnífica e influyente cinta en la que estuvieron involucrados nombres capitales del fantástico como son Riccardo Freda y Mario Bava. Naturalmente hubo otras contribuciones anteriores al género, pero esta es la que inició esa basta producción que llenó los cines europeos y americanos durante los sesenta, los setenta y los ochenta con exquisitos delirios góticos, giallos malsanos e infames (y deliciosas) explotaciones de cintas americanas. Una pieza de museo que llega a nuestras manos impecablemente editada por Regia Films.
Los Vampiros (I Vampiri, Riccardo Freda y Mario Bava, 1957) DVD Regia Films
Duración: 81 min. Guión: Riccardo Freda, Piero Regnoli Música: Franco Mannino, Roman Vlad Fotografía: Mario Bava (B&W) Productora: Titanus / Athena Cinematografica
Reparto: Gianna Maria Canale, Carlo D’Angelo, Angelo Galassi, Wandisa Guida, Dario Michaelis, Renato Tontini, Charles Fawcett, Gisella Mancinotti
Sinopsis: En París, se multiplican los asesinatos de varias jóvenes que aparecen sin una gota de sangre en el cuerpo. El pánico siembra la ciudad ante los rumores de la llegada de unos vampiros que parecen ser los responsables de los acontecimientos. El periodista Pierre Lantin (Carlo D’Angelo) decide investigar por su cuenta, a escondidas de la policía, y descubre la misteriosa figura de la bella y joven condesa Giselle du Grand (Gianna Maria Canale) …
Formato Pantalla: 2,35:1 (16/9) Anamorphic Widescreen
Audio: Castellano, Italiano – Subtítulos en Castellano
Contenido Extra:
Escenas añadidas en montaje USA (5 escenas, 12 min. aprox.)
Escena eliminada (recuperada parcialmente, 15 seg.)
I trucchi del maestro (extracto del programa de TV L’ ospite delle due, 2 min. aprox.)Libreto exclusivo de 20 páginas a color escrito por Carlos Díaz Maroto
Los vampiros representa un auténtico punto de partida para el cine de terror italiano. Un inicio algo tímido, tanteado, pues a pesar de que su argumento contiene elementos altamente sobrenaturales, el desarrollo tiene bastante de policíaco y su acción se ubica en época contemporánea. Pero la cinta de Freda servirá para que los directores italianos se desprendan del complejo y apuesten por rodar un cine de terror profundamente gótico, aportando al género varias obras maestras entre las que destacan El horrible secreto del doctor Hitchcock (L’orribile segreto del Dr. Hichcock, 1962) del propio Freda o La máscara del demonio (La maschera del demonio, 1960) y El cuerpo y el látigo (La Fruta e il Corpo), de Mario Bava.
Mario Bava conoció a al egipcio Riccardo Freda durante el rodaje de Espartaco (Spartaco, 1953), iniciando a partir de entonces una colaboración mutua durante la que Freda no dejó de animar a Bava, por entonces encargado de fotografía y efectos especiales, para que se lanzara a dirigir. Y precisamente gracias a Freda y su carácter, Bava se vio obligado a terminar Los vampiros cuando este, no conforme con los productores, abandonó el rodaje. Circunstancia que se repitió en Caltiki, el monstruo inmortal (Caltiki, el mostro inmortale, 1959). Poco después dirigió La máscara del demonio e inició una carrera cinematográfica tan interesante como influyente. Pura historia del mejor cine de género.
Realizada en dos semanas Los vampiros tiene, como hemos comentado, mucho de película policíaca, pero también se sirve de muchos elementos provenientes de las escuelas americana y británica del cine de terror. A pesar de que su acción se desarrolla en época contemporánea, es cuando Freda nos introduce en la mansión de la condesa Giselle du Grand (intenrpretada por la bella esposa del director, Gianna Maria Canale) cuando entramos en un escenario gótico en el cual no falta de nada: desde un Mad doctor con su correspondiente ayudante deforme; hasta lóbregos castillos y sombrías estancias con visillos mecidos por el viento. Sin olvidar el pintoresco panteón con surrealista decoración ósea.
En este escenario, el vampirismo que nos narra la cinta tiene más paralelismo con la historia de la también condesa Bathory y su obsesión por mantenerse joven mediante la sangre de sus víctimas, que con el clásico chupasangres, a pesar de que la condesa du Grand también cuenta con su Renfield toxicómano particular, Joseph Signoret, encarnado por Paul Muller, un actor suizo muy familiar para el seguidor del cine de Jesús Franco. En una escena eliminada en el montaje final (y aparentemente perdida), se explicaba que este personaje era un hombre reconstruido artificialmente, a la manera de la criatura del Dr. Frankenstein, por el doctor Julien du Grand, que encarna Antoine Balpetré, el científico que trata a la condesa y que tiene como ayudante a un tullido algo rijoso interpretado por Renato Tontini, actor de jocoso nombre.
La calabresa Gianna Maria Canale participó en un buen número de cintas, varias dirigidas por su marido, al que conoció en un rodaje y con el que se casó y convivió hasta la muerte del realizador en 1999. Su porte y voluptuosidad (no en vano había participado en 1947 en el certamen Miss Italia quedando segunda tras Lucia Bosé), les parecieron los ideales a los directores, que durante los años cincuenta y sesenta se la sortearon para participar en numerosos péplums y otras cintas de aventuras hasta su retiro en 1964. Por su parte, y a modo de curiosidad, señalar que Riccardo Freda se permite un cameo como doctor que realiza una autopsia.
Destaca también la película de Freda y Bava por los tan efectivos como sencillos efectos de maquillaje que realizó Mario Bava, en especial para el envejecimiento de la condesa, que consiguió alternando iluminación roja y verde sobre el maquillaje de la actriz, algo que se explica en un pequeño extra incluido también con la película. Un efecto, por otra parte, bastante similar al que utilizó en 1931 Wally Westmore en la clásica El hombre y el monstruo (Dr. Jekyll and Mr. Hyde) de Rouben Momoulian. Por cierto, es curioso pero el envejecimiento final de la condesa posiblemente resulta más efectivo y completo en la versión USA con las escenas insertadas para su exhibición en el mercado norteamericano ¿Insertos? Sigan leyendo que les cuento.
Como hemos visto, aunque la cinta posee los elementos necesarios para el disfrute del espectador, parece que no resultaron ser los suficientes para el distribuidor americano, que decidió rodar y añadir al metraje unas escenas con las que incrementar las dosis de violencia, sexo y… ratas. Esta versión fue la que se estrenó en Estados Unidos en 1963 como The Devil’s Commandment. Pero respiren tranquilos, aunque Regia Films ha editado la versión original italiana de Los vampiros, ha tenido a bien incluir estas escenas como extras para satisfacción de coleccionistas y completitas. Y no solo eso, también entre los contenidos extras se ha incluido el prólogo del filme, con la ejecución de Signoret, que al parecer fue censurado en su momento.
Ambientada en París pero rodada íntegramente en Italia, Los vampiros no tuvo el éxito que merecía en Italia, circunstancia que el director achacó al hecho de haber firmado el filme con su nombre real, algo que para él echó para atrás a un público que no creyó en la eficacia de una cinta italiana de terror, así que de ahí en adelante firmó sus cintas de género como Robert Hampton. Pero fracaso en taquilla o no, Los vampiros preparó el terreno para las cintas de terror del propio Freda, Bava o Margheriti que vendrían a continuación y que tan solo sería el principio del desembarco del cine de terror italiano en las pantallas de todo el mundo. Un terror que supo captar las modas del momento y en muchos casos mimetizó, pero con un inequívoco sabor transalpino que tantos buenos momentos ofrecerá al aficionado y que Regia Films nos ofrece a todo lujo, con su formato de pantalla original, con opción a verla subtitulada, con reverencial respeto en su diseño de carátula a la cartelería original (¿Para qué realizar fotomontajes habiendo tan maravillosos carteles?) y libreto. Una pieza a todas luces imprescindible para los amantes del mejor cine fantástico.
TEXTOS CONSULTADOS:
– DEL GIALLO AL GORE. CINE FANTÁSTICO Y DE TERROR ITALIANO
VV.AA. Donostia Kultura, 1997
– QUATERMASS 7. ANTOLOGÍA DEL CINE FANTÁSTICO ITALIANO.
VV.AA Coord. Javier G. Romero. Retroback/Séptimo Vicio/Quatermass, 2008.
– SPAGHETTI NIGHTMARES
Luca M. Palmerini y Gaetano Mistretta. Fantasma Books, 1996.
El cine en zapatillas: El espejo de la bruja
TERROR MEXICANO: EL ESPEJO DE LA BRUJA (Chano Urueta, 1962) Editada por Regia Films
México 73 min. B/N Guión: Alfredo Ruanota, Carlos Enrique Taboada Música: Gustavo César Carrión Fotografía: Jorge Stahl Jr.
Reparto: Rosita Arenas, Armando Calvo, Isabel Corona, Dina de Marco, Carlos Nieto, Alfredo Wally Barrón
Formato de pantalla: 1,33:1 – 4:3 Fullscreen (Formato original)
Sinopsis: Sara (Isabel Corona) es ama de llaves en el caserón habitado por su ahijada Elena (Dina de Marco) y el marido de esta, Eduardo (Armando Calvo). Pero además Sara es una poderosa bruja que comparte su secreto con Elena. Juntas verán a través de un espejo mágico un futuro en el que Eduardo asesina a Elena para casarse con una joven mujer, Deborah (Rosita Arenas). Sara tratará por todos los medios de evitar el fatal acontecimiento, pero los espíritus ancestrales se lo prohibirán …
Los espejos siempre han casado bien con lo oculto, con lo fantástico. Desde el mágico espejo que consulta la pérfida madrastra de Blancanieves al espejo que libera la imagen de Balduin, El estudiante de Praga, los espejos pueden tanto devolvernos imágenes deformadas como ser puertas a otros mundos, tal y como nos mostraba recientemente Mike Flanagan en Oculus (2013). En El espejo de la bruja, nueva entrega de la colección de Regia Films dedicada al mejor cine de terror mexicano, el espejo servirá como estación de tránsito hacia otros mundos e instrumento mágico con el que bucear por el pasado y el futuro.
De nuevo se trata de una producción de Abel Salazar del que ya les hablamos con motivo del lanzamiento del primer título de la colección, La maldición de la llorona. Salazar, actor metido a productor, quiso probar suerte con el cine de terror realizando fundamentales aportaciones al género como El vampiro, El ataúd del vampiro, El mundo de los vampiros o la delirante El barón del terror (1962), que dirigió Chano Urueta, responsable de El espejo de la bruja.
Rodada antes de la irrupción generalizada del cine de luchadores enmascarados que infantilizaría el género, El espejo de la bruja juega con elementos terroríficos y sobrenaturales: puertas que chirrían, corrientes heladas, música fantasmal o castillos de cartón piedra. Todo es excesivo y bello en esta producción que contiene unos tan sencillos como efectivos trucajes. Fuertemente influida por el cine norteamericano de la época, El espejo de la bruja es también una historia de tintes góticos con Mad Doctor y referencias a Las manos de Orlac (Orlacs Hände, Robert Wiene, 1924) y Los ojos sin rostro (Les yeux sans visage, 1960) de Georges Franju, que tanto influyó a su vez en Jesús Franco y su Gritos en la noche, realizada el mismo año que El espejo de la bruja.
‘Satanaya’ y ‘Lucifudo’ son invocados por la bruja para que abran ‘todas las puertas de la infamia’ en esta historia escrita por los prolíficos Alfredo Ruanova y Carlos Enrique Taboada, que más tarde dirigió algunas de las obras capitales del cine de terror mexicano, como Hasta el viento tiene miedo (1968) o Veneno para las hadas (1984).
Entre los actores protagonistas destaca el sobreactuado Armando Calvo, hijo del actor español Juan Calvo. Nacido en Puerto Rico, desarrolló su carrera a caballo entre España y México; la venezolana Rosita Arenas, que vimos en La maldición de la llorona y que participó en un buen número de cintas mexicanas, entre ellas las dedicadas a la momia azteca; Isabel Corona, actriz que interpreta a la bruja y que estaba especializada en papeles dramáticos y Dina de Marco, cuya carrera se desarrolló sobre todo en televisión.
El espejo de la bruja es encantadoramente naif, tiene desagradables maquillajes, efectos artesanales y ambiente de pesadilla que hacen de esta delicia gótica una tan exótica como interesante adquisición. De nuevo hay que felicitar a Regia Films por esta iniciativa y por tan impecables ediciones.
El cine en zapatillas: La corta noche de las muñecas de cristal
LA CORTA NOCHE DE LAS MUÑECAS DE CRISTAL (La corta notte delle bambole di vetro, Aldo Lado, 1971)
Italia 91 min. Color Guión: Aldo Lado Fotografía: Giuseppe Ruzzolini – Música: Ennio Morricone
Reparto: Ingrid Thulin, Jean Sorel, Mario Adorf, Barbara Bach, Fabijan Sovagovic, Jose’ Quaglio, Relja Basic, Piero Vida, Sven Lasta, Daniele Dublino, Luciano Catenacci, Micaela Martin
Formato Pantalla: 2,35:1 (16/9) Anamorphic Widescreen
Audio: Castellano, Italiano – Subtítulos en Castellano
Sinopsis: El periodista norteamericano Gregory Moore (Jean Sorel) es encontrado sin pulso entre los arbustos de un parque de Praga. Tras darle por muerto, los médicos le conducen al depósito de cadáveres local. Pero Moore está vivo, atrapado dentro de su cuerpo inmóvil y desesperado, tratando en vano de comunicarse y de recordar cómo ha llegado a estar viviendo esa angustiante experiencia… En tal estado, ¿podrá resolver el perverso puzle que le ha llevado a tal situación antes de que sea demasiado tarde?
Magnífica propuesta la que nos ofrece Regia Films con La corta noche de las muñecas de cristal, una cinta de Aldo Lado que aunque enmarcada dentro de la colección que el sello dedica al Giallo, sobrepasa con mucho este subgénero de raigambre italiana. La atmosférica cinta de Aldo Lado, con la que debutó en la dirección, juega al equívoco ya desde su truculento inicio. Rodada en su mayor parte en la antigua Yugoslavia (Ljubljana y Zagreb) y Praga, lugares en los que el director se recrea ofreciéndonos una ciudad repleta de matices que la estupenda banda sonora de Morricone (dirigida por Bruno Nicolai) termina de realzar, contrasta con la claustrofóbica situación que vive el protagonista (Jean Sorel), prisionero de su propio cuerpo en estado cataléptico en la morgue. Allí iremos viendo como ha llegado a esa situación mediante flash-backs. Seremos testigos de la extraña desaparición de su novia, Mira Svoboda (Barbara Bach), y veremos como, ante una policía totalmente hostil e ineficaz, iniciará su propia investigación, que terminará llevándole a un desenlace tan delirante como bello.
Una cinta con la que, como ya hemos indicado, debutaba en la dirección Aldo Lado, realizador que nos dejaría otros buenos títulos como ¿Quién la ha visto morir? (Chi l’ha vista moriré?, 1972) y Violación en el último tren de la noche (L’ultimo treno della notte, 1975) la primera editada por Regia dentro de esta misma colección y la segunda a recuperar por el que todo esto les narra, ya que tuve ocasión de verla años ha en uno de esos descabellados programas dobles de infancia, y alguna de sus enfermizas imágenes todavía dan vueltas por mi cabeza.
Interpretada por algunos pesos pesado del cine europeo, como el francés Jean Sorel, batallado en el cine de género y recordado especialmente por los amantes del giallo, pues entre los títulos en los cuales ha intervenido se encuentran Una historia perversa (Una sull’altra, 1969) y Una lagartija con piel de mujer (Una lucertola con la pelle di donna, 1971) ambas de Lucio Fulci (y ambas editadas por Regia Films); la sueca Ingrid Thulin, que fue dirigida por Ingmar Bergman, Luchino Visconti o Tinto Brass, y que aporta su indudable clase a la cinta de Lado; y la norteamericana Barbara Bach, que buena parte de su carrera la desarrolló en Italia, participando de nuevo junto a Aldo Lado en la delirante El humanoide (L’umanoide, 1979) y en otras cintas como La tarántula del vientre negro (La tarantola dal ventre nero, 1971) de Paolo Cavara (disponible en Regia Films) o La isla de los hombres peces (L’isola degli uomini pesce, 1979) del todoterreno Sergio Martino.
El resultado es sencillamente magnífico. No esperen un giallo al uso. No esperen un giallo siquiera. El primer asesinato se produce a los 53 minutos de metraje y no entra, para nada, en los cánones estéticos de un Bava o un Argento, pero Aldo Lado logra trasmitirnos con esta cinta inquietud e intriga teñidas de irrealidad, manteniendo la angustia hasta el final.
Regia nos ofrece un copia pristina con vivos colores y en Widescreen, para disfrutar en su plenitud del formato original. En cuanto al sonido, les recomiendo que la disfruten en versión original subtitulada. No solo esta película, sino todas. Pero en esta ocasión en especial porque el doblaje ha pisado la estupenda banda sonora de Morricone, siendo sustituida en varias secuencias por anodina música de archivo o incluso Black Magic Woman de Santana. Además, el doblaje es muy poco fiel al diálogo original, así que no se pierden nada.
Tan solo queda felicitar a Regia Films por poner a nuestra disposición La corta noche de las muñecas de cristal, sin género de duda toda una joya a descubrir.
http://https://youtu.be/lZvFGQJddms
El cine en zapatillas: La maldición de la llorona
Hace bien poco les adelantábamos que Regia Films iba a iniciar una nueva colección dedicada a los mejores títulos del cine de terror mexicano. Algo que gusta, y mucho, a Serendipia. Así que raudo y feliz ha disfrutado del primero de ellos: La maldición de la llorona (Rafael Baledón, 1963). Pero esto no termina aquí, ya que Regia continúa con la lujosa edición de los mejores giallos italianos. ¿Entienden porqué Regia es en la actualidad uno de los sellos más queridos por los fans del cine de género?
En 1933 el cubano Ramón Peón dirigió La llorona, una pionera cinta que mezclaba fantasía, misterio y drama a la mexicana con la leyenda local de la Llorona, que era como se llamaba al fantasma de Doña Marina -también conocida como La Malinche-, concubina indígena del conquistador Hernán Cortés a la que arrebataron sus hijos para que recibieran una educación española. Aunque también hay otra teoría que explica que lo que sucedió realmente fue que, enloquecida, mató a sus propios vástagos. Sea por una cosa o por otra, su fantasma anuncia su presencia con terribles lamentos al grito de «¡Ay, mis hijos!», y ambas teorías se utilizaron en la cinta de Ramón Peón. En 1947 Mauricio Magdaleno retomó el personaje con La herencia de la Llorona y de ahí hasta 1960, año en el que René Cardona dirigió una nueva versión del filme inicial que se enmarcó en el boom del cine de terror mexicano que se inició con El vampiro (1957), filme dirigido por Fernando Méndez y producido por Abel Salazar y su compañía ABSA. Este actor metido a productor quiso probar suerte con el cine de terror y en vista del éxito de El vampiro, se animó con su precipitada secuela, El ataúd del vampiro, que fue seguida por otro título más sobre chupasangres, El mundo de los vampiros (1960), aunque en esta ocasión no pudo contar con el magnífico actor asturiano afincado en México Germán Robles. Abel Salazar reconocía que sus producciones tenían una fuerte influencia de los clásicos literarios y del cine de terror de la Universal. No en vano llegó a declarar que El vampiro no era otra cosa que «Drácula ambientado en una hacienda mexicana«. También se atrevió con un sosia de Mr. Hyde con El hombre y el monstruo (Rafael Baledón, 1959), pero también con seres autóctonos en El espejo de la bruja (1962), La cabeza viviente (1963) o la delirante El barón del terror (1962), sin duda la más popular del lote entre los fans junto al díptico vampírico. A estas producciones de Salazar dirigidas por Chano Urueta habría que sumarle la secuela de La llorona, La maldición de la llorona, que en 1961 dirigió Rafael Baledón, un actor metido a director que como hemos visto también dirigió El hombre y el monstruo para ABSA.
La maldición de la llorona tiene, al igual que todas las producciones ABSA, una excelente fotografía en blanco y negro e impecable dirección artística, a pesar de su bajo presupuesto. Con la acción situada en México, recurre a una atmósfera gótica repleta de telarañas, monstruos encerrados en mazmorras, murciélagos y ratas. Y es que esta Llorona tiene mucho de vampiro (no se refleja en los espejos y tiene querencia por la sangre). Con ese comienzo de impacto y esos ojos vacíos, La maldición de la llorona es un cuento de terror naïf, pero efectivo gracias a que no contar con la presencia de ningún elemento cómico, algo casi obligado en las cintas de luchadores que pronto se pondrían de moda.
Además del propio Salazar en su habitual papel de galán (registro que cambiará en El barón del terror), la cinta cuenta con la encantadora Rosita Arenas, actriz venezolana que inició su carrera en 1950 a caballo entre México y España. Se casó con el noble aragán Jaime de Mora y Aragón, con el que tuvo una breve convivencia y, de nuevo en México, trabajó en memorables películas como La momia azteca contra el robot humano (Rafael Portillo, 1958), Neutrón, el enmascarado negro (Federico Curiel, 1960) y la nombrada El espejo de la bruja, próximo título a editar por Regia Films en esta colección dedicada al cine de terror mexicano. Por su parte Rita Macedo intervino en tres de las mejores películas de Luis Buñuel, Ensayo de un crimen (1955), Nazarín (1959) y El ángel exterminador (1962).
La vida cinematográfica de este personaje ha tenido cierta continuidad en el cine mexicano, basta recordar películas como La venganza de la Llorona (Miguel M. Delgado, 1974) en la que el espectro deberá enfrentarse a Santo y el púgil Mantequilla Nápoles; o incluso en una reciente cinta de animación, La leyenda de la Llorona (Alberto Rodríguez, 2011).
Sin lugar a dudas La maldición de la llorona resulta ser un buen título inaugural para esta colección que esperamos sea muy longeva. Bien por Regia Films.
El cine en zapatillas: Neogiallo, historia y fantasía
L’ETRANGE COULEUR DES LARMES DE TON CORPS (El extraño color de las lágrimas de tu cuerpo, Hélene Cattet y Bruno Forzani, 2013) Regia Films (Blu-ray)
Guión: Hélène Cattet & Bruno Forzani Fotografía: Manu Dacosse – Montaje: Bernard Beets Sonido: Dan Bruylandt, Yves Bemelmans, Olivier Thys y Mathieu Cox
Reparto: Klaus Tange, Jean-Michel Vovk, Sylvia Camarda, Sam Louwyck, Anna D’Annunzio, Manon Beuchot, Ursula Bedena, Birgit Yew, Hans de Munter
Nos encontramos ante un homenaje en toda regla al Giallo y más concretamente a su santo patrón Darío Argento. El extraño color de las lágrimas de tu cuerpo, que es a la estética del modernismo lo que Suspiria fue al Art Decó, nos introduce en un mundo de arquitecturas imposibles, barrocas, inspiradas en los grabados de Escher, que su director satura con un caleidoscopio de fascinantes colores que hacen de esta cinta todo un espectáculo visual en el que, como suele suceder en el Giallo, el argumento es lo de menos.
Un misterio, dos misterios. Dos desapariciones en el mismo edificio, extraños sonidos… una pesadilla lisérgica en la que lo principal es la imagen, psicodélica a veces, inquietante siempre. Tanto que sus directores no vacilan en recurrir incluso a imágenes subliminales para transmitirnos esa inquietud directamente a nuestro subconsciente.
Bruno Forzani y Hélène Cattet ya había demostrado su querencia por Argento en otros trabajos anteriores, especialmente en su primer largometraje, Amer (2009), donde recurrieron a partituras de Bruno Nicolai y Stelvio Cipriani. Pero es con El extraño color de las lágrimas de tu cuerpo con la que formalizan su amor por el director romano y por el género que lo encumbró.
Déjense llevar por El extraño color de las lágrimas de tu cuerpo, una experiencia nada convencional que incluye como banda sonora una selección de las melodías que regaron los Giallos originales a los que Cattet y Forzani homenajean: Bruno Nicolai, Alessandro Alessandroni, Riz Ortolani, Ennio Marricone, Nico Fidenco, Guido y Mauricio de Angelis… la plana mayor de la música cinematográfica italiana que completa esta intensa experiencia.
Era imprescindible, y Regia así lo ha comprendido, que era necesario que esta experiencia viniese arropada por una calidad de imagen y sonido acorde, así que ha decidido editarla a todo lujo en formato Blu-ray, y no solo eso, ha dado al objeto en sí mismo una cuidada apariencia que lo convierte en pieza de colección: limitada a 1000 ejemplares, viene en edición subtitulada, con sobrecubierta, libreto de de 20 páginas a color escrito por Roberto García-Ochoa Peces (doblekultocinema.com) y un póster con el magnífico arte original.
Una caja de maravillas que todo selecto gourmet del buen gusto debe poseer.
Video: 1080p FULL HD 2,35:1 – 16:9 Audio: DTS-HD MA 5.1 francés (con fragmentos en danés y flamenco) Subtítulos en castellano
Extras: Trailer original 1080p FULL HD 2,35:1 – 16:9, libreto, poster.
EL CIELO… PROXIMAMENTE (Defending your Life, Albert Brooks, 1991) Regia Films (DVD)
USA. 112 min. Guión: Albert Brooks Música: Michael Gore Fotografía: Allen Daviau Productora: Warner Bros. / Geffen Pictures.
Reparto: Meryl Streep, Albert Brooks, Rip Torn, Lee Grant, Buck Henry, Shirley MacLaine, Michael Durrell, Gary Beach, James Eckhouse, Julie Cobb, Peter Schuck
En el día de su cumpleaños, Daniel Miller (Albert Brooks) sufre un accidente. Acto seguido despierta en un tranvía ataviado con una túnica blanca… ha muerto y está en Ciudad del Juicio, una suerte de purgatorio donde su alma deberá pasar por un proceso judicial para decidir si seguirá evolucionando como ser del universo o, en caso de que el resultado no sea favorable, volver a la Tierra para tener una nueva oportunidad de vencer sus miedos y así ganarse su evolución.
Colaborador del programa Saturday Night Live, Albert Brooks es un actor, guionista y también director que se ha especializado en el campo de la comedia, que es donde se encuadra El cielo… próximamente, aunque en este caso la ha decorado de fantástico. En línea con amables fantasías post-mortem de los cuarenta como El difunto protesta (Here Comes Mr. Jordan, Alexander Hall, 1941) o El diablo dijo no (Heaven Can Wait, Ernst Lubitsch, 1943) y su posterior remake, El cielo puede esperar (Heaven Can Wait, Warren Beatty y Buck Henry, 1978), El cielo… próximamente tiene mucho humor, ironía (allí también hay burocracia), y un batiburrillo religioso New Age que gracias a la deliciosa interpretación de sus protagonistas, en especial una joven Meryl Streep, hacen que la cinta sea de agradable digestión.
Formato Pantalla: 1,85:1 (16/9) Anamorphic Widescreen Audio: Castellano, Inglés –Subtítulos en Castellano
ATENTADO, EL DÍA QUE CAMBIÓ EL MUNDO (Sarajevski Atentat, Veljko Bulajic, 1975) Regia Films (DVD)
Duración: 119 min. Guión: Vladimír Bor, Stevan Bulajic, Veljko Bulajic, Paul Jarrico Música: Juan Carlos Calderón, Lubos Fiser Fotografía: Jan Curík Coproducción: Yugoslavia-Checoslovaquia-Hungría-Alemania del Oeste (RFA); Jadran Film / Filmové Studio Barrandov / Kinema Sarajevo / Mundo Film
Reparto: Christopher Plummer, Florinda Bolkan, Maximilian Schell, Irfan Mensur, Rados Bajic, Ivan Vyskocil, Libuse Safránková
Gavrilo Princip (Irfan Mensur), Nedjeljko Čabrinović (Rados Bajic) y Trifko Grabe¸ (Jan Hrusínský) son tres jóvenes revolucionarios bosnios residentes en Serbia, donde Sarac (Maximilian Schell) les enseña a disparar armas de fuego con un claro objetivo: matar al archiduque y heredero al trono del Imperio austrohúngaro Francisco Fernando (Christopher Plummer).
Si realmente hay días que cambiaron el mundo, sin duda uno de ellos fue ese 28 de junio que desencadenó la Primera Guerra Mundial, la que se conoció como La Gran Guerra y que, visto lo visto poco más tarde, tan solo fue la antesala de lo que estaba por venir. Aquella Gran Guerra fue el final de muchas cosas, no tan solo del Imperio Austrohúngaro (que tan buen resultado ofreció a nuestro Berlanga como recurso cómico), y de la Rusia de los Zares, también fue el comienzo de la hegemonía norteamericana y el final de un cultura y forma de vivir que tenía en Europa como gran modelo. Precisamente Europa era, cuanto se rodó esta lujosa co-producción, un hervidero de películas de género que imitaba los modelos venidos de Estados Unidos, así que entre todas las producciones de esos años setenta destaca esta cuidada recreación de los hechos de Sarajevo dirigida por el Yugoslavo Veljko Bulajic, un realizador tan poco conocido como el cine de su país y del que destacaron también otras dos cintas, una también bélica aunque ambientada en la Segunda Guerra Mundial, La batalla del río Neretva (Bitka na Nertvi, 1969) y la histórico-terrorífica Covjek Koga Treba Ubiti (1979). En Atentado, el día que cambió Europa, el director pudo contar, al igual que en La batalla del río Neretva, de algún actor internacional para dar brillo al cartel, como fue el caso de Maximilian Schell, Christopher Plummer y Florinda Bolkan. Schell, actor austríaco internacional y hermano de la también actriz Maria Schell, disfrutaba de una merecida fama. Ganador de un Oscar en 1961 por su papel como abogado de nazis en Vencedores o vencidos (Judgment at Nuremberg, Stanley Kramer, 1961), disfrutó de una longeva carrera que finalizó cuando falleció en 2014. El canadiense Plummer continúa muy activo y puede verse actualmente en la interesante Remember (2015) de Atom Egoyan. En cuanto a Florinda Bolkan, se trata de una magnífica actriz brasileña instalada en Italia donde ha protagonizado un buen puñado de títulos, entre ellos algunos dirigidos por Visconti, Fulci, o Luigi Bazzoni, de cuya Huellas de pisadas en la luna (Le Orme, 1975) editada también por Regia Films, ya hablamos en Proyecto Naschy.
Atentado, el día que cambió el mundo, es una interesante cinta histórica, muy bien ambientada y rodada en fastuosos palacios y localizaciones reales. Con un vestuario muy cuidado, la acción se nos narra desde dos puntos focales: por un lado vemos la preparación del atentado y las incidencias entre los responsables; y por el otro seremos testigos de la vida del archiduque Francisco Fernando y su esposa, que no es aceptada por el Emperador, mientras se dirigen a Sarajevo, donde se producirá el mortal incidente.
La copia que nos ofrece Regia es de aceptable factura, la versión en castellano nos permitirá vez los cortes que recibió en su pase en España, ya que estos pasajes se nos ofrecen en versión original subtitulada. Lo más curioso es que como extra pueden verse tres escenas extendidas que sí pudieron verse en los cines (y magnetoscopios) españoles y que en esta copia, al parecer de origen americano, se cortaron y que tienen más relevancia para la acción que la que se decidió cortar en España, posiblemente para aligerar metraje. Como curiosidad cabe añadir que en la banda sonora participó el santanderino Juan Carlos Calderón.
Formato Pantalla: 1,85:1 (16/9) Anamorphic Widescreen Audio: Castellano, Inglés –Subtítulos en Castellano
El cine en zapatillas: Duros documentales y México bizarro
THE ACT OF KILLING / LA MIRADA DEL SILENCIO (The Look of Silence) 3 DVD
THE ACT OF KILLING: Dinamarca /Noruega/UK. Año: 2012 Duración: 117 min. Director: Joshua Oppenheimer, Christine Cynn. Guión: Joshua Oppenheimer, Christine Cynn Música: Karsten Fundal Fotografía: Carlos Arango De Montis, Lars Productora: Final Cut for Real / Arts and Humanities Research Council (AHRC) / Danmarks Radio (DR) Género: Documental
LA MIRADA DEL SILENCIO (The look of Silence):Dinamarca / Finlandia / Indonesia / Francia / UK. Año: 2014 Duranción: 99 min. Director: Joshua Oppenheimer Guión: Joshua Oppenheimer. Música: Seri Banang, Mana Tahan. Fotografía: Lars Skree. Productora: Final Cut for Real. Género: Documental
Tras el golpe de estado militar de 1965, el general Suharto ocupó el poder en Indonesia con el beneplácito de Estados Unidos y su política de erradicación del comunismo. A continuación llegó el genocidio: miles de comunistas, reales o presuntos, fueron asesinados por los escuadrones de la muerte. Los habitantes de pequeñas poblaciones tuvieron que aprender a convivir con sus asesinos y hubo un acuerdo tácito de olvidar. The Act of Killing (2012) Joshua Oppenheimer permitía que los propios asesinos se jactaran y se pusieran en evidencia relatando los detalles de sus tropelías, sintiéndose héroes al recordar y representar sus crímenes, ofreciendo un sobrecogedor retrato de la maldad humana sin ningún tipo de concesión hacia el espectador, testigo mudo de toda esa crueldad. Precisamente mientras se rodaba esa película, en la que se pone nombre a una de las víctimas, Ramli, su familia descubrió cómo fue asesinado su hijo. El hermano más joven de la víctima, Adi, decide romper el silencio y el miedo con el que viven los supervivientes, enfrentándose así a a los responsables del asesinato de su hermano – algo inimaginable en un país donde los asesinos permanecen en el poder.Tan solo en el título, La mirada del silencio, se encuentran los factores fundamentales del documental: La mirada acusadora de una víctima, que hace las veces de entrevistador, a los verdugos de su hermano en un cara a cara sin palabras, silencioso. Sin apartar la vista. Regalando momentos incómodos para el verdugo, que desea marchar, mirar hacia otro lado, desaparecer, amenazando incluso antes que enfrentarse a esa mirada limpia y digna que quiere romper con el silencio con el que se ha intentado enterrar el pasado. Ni víctimas ni verdugos parecen querer recordar. Ahora viven en una democracia, y si quieren que no se repitan los hechos del pasado, hay que enterrar y olvidar ese pasado. A pesar de que muchos de los responsables de esas matanzas continúan en el poder.
Si The Act of Killing nos rebelaba como seres humanos, esta mirada del silencio nos consuela en parte al permitir que, por medio de Adi, las víctimas puedan enfrentarse a sus verdugos. Mirarles cara a cara. Pero La mirada del silencio es mucho más, es un testimonio sobre la vida y la muerte. La justicia y la falta de ella. Y sobre el ser humano y la falta de humanidad. Sobre nuestra ceguera en este mundo en el que cualquier noticia entierra la anterior en segundos. La sobreinformación que paradójicamente produce silencio y ceguera.
Dos documentales complementarios, sobrecogedores e imprescindibles.
(En este enlace pueden leer un interesante y revelador artículo escrito por el propio director Joshua Oppenheimer sobre porqué decidió rodar estos documentales, como lo consiguió y las consecuencias de hacerlos hecho)
LA CALLE DE LA AMARGURA (Arturo Ripstein, 2015) DVD
México / España. Duración: 99 min. Guión: Paz Alicia Garciadiego Fotografía: Alejandro Cantú (B&W) Productora: Productora 35 / Wanda Visión / Equipment & Film Design / Cinema Maquina / Alebrije Cine y Video Género: Drama
Reparto: Patricia Reyes Spíndola, Nora Velázquez, Silvia Pasquel, Arcelia Ramírez, Alejandro Suárez, Emoé de la Parra, Greta Cervantes, Alberto Estrella, Eligio Meléndez
Sinopsis: De madrugada, dos putas de mediana edad vuelven a sus cuchitriles. No están cansadas de trabajar. Están cansadas de no hacerlo. Una tiene problemas con una hija adolescente y un marido travestido. La otra tiene que enfrentarse a la soledad. Pero esa noche van a ir a celebrar la victoria en el ring de dos luchadores enanos. En el hotel, para desvalijar a los hombres, los narcotizan. Pero están tan asustadas y confusas que cometen toda clase de errores.
Ya en DVD esta cinta del inclasificable e indomable Ripstein que inauguró el Festival de Cine de Gijón. Un melodrama mexicano habitado por putas viejas y luchadores enmascarados enanos (o liliputienses, como especifica uno de ellos), fotografiado en un maravilloso blanco y negro repleto de grises. Pura orfebrería visual y todo un homenaje al cine mexicano, excesivo ya desde sus inicios, en su retrato de la miseria y la canallesca, aunque manteniendo la distancia con los personajes y añadiendo gotas de ironía y humor. Un fatalismo que puede recordar al que destilaban los habitantes de Los olvidados (1950), y es que no en vano, Ripstein fue amigo personal de Luis Buñuel, iniciando sus pinitos en el cine trabajando para él. Incluso el cartel parece basarse en los clásicos, muchos de ellos ilustrados por Clavé. Poética de la sordidez donde las prostitutas son llamadas ‘sexo servidoras’ con la tragedia y el fatalismo tan caro a una cultura mexicana que escoge convivir con la muerte en su fiesta de difuntos.
‘Vienes, nos echamos unos tragos y odiamos a todo y a todos’.
El cine en zapatillas: los DVD/Blu-ray de Serendipia
Damos un repaso a algunas de las novedades que Serendipia ha disfrutado desde la comodidad de su hogar. Instalado en su sillón orejero, en zapatillas y con un refresco cerca. Novedades que forman parte de su colección particular. No voy a negarles que en ocasiones termino cabeceando, sumido en el estupor, pero eso no sucede con las películas que les presento. Estas son de lo mejorcito editado en esta parte del planeta. Es nuestra selección.
HUELLAS DE PISADAS EN LA LUNA (Le Orme, Luigi Bazzoni, 1975) DVD, Regia Films
Italia. 96 min. Guión: Luigi Bazzoni, Mario Fanelli (Novela: Mario Fanelli)Música: Nicola Piovani Fotografía: Vittorio Storaro Productora: Cinemarte Género: Thriller
Reparto: Florinda Bolkan, Peter McEnery, Nicoletta Elmi, Caterina Boratto, John Karlsen, Esmeralda Ruspoli, Ida Galli, Miriam Acevedo, Rosita Torosh, Luigi Antonio Guerra, Klaus Kinski, Lila Kedrova
Sinopsis: Alice Campos, una mujer portuguesa que trabaja como traductora en un centro de investigación astrofísica, vive atormentada por una escena de una película donde un astronauta es abandonado sin contemplaciones por un compañero en la superficie lunar. La impresión del celuloide corre paralela a una enigmática amnesia que sufre la mujer y le impide recordar su pasado inmediato: sus tres últimos días. Alice Campos decidirá entonces averiguar la razón.
Regia Films nos ofrece otra nueva entrega de su colección Cinema Giallo. Aunque la película de Bazzoni transciende esa etiqueta, ya que es mucho más que eso. Es un thriller psicológico que mezcla los sueños y la realidad de la protagonista, la magnífica Florinda Bolkan, en su viaje a Gorma, un lugar fascinante, mágico, de arquitectura simétrica, magníficamente fotografiado por el prestigioso Vittorio Storaro, al igual que los asépticos interiores, casi futuristas, de la cinta. Realidad y ficción que se entremezclan. Blanco y negro para una película de serie-B, cine dentro del cine, protagonizada por Klaus Kiski y que forma parte de los sueños recurrentes de la protagonista, en contraste con una realidad onírica, extraña, retratada con vivos colores que gracias a Regia podemos admirar en toda su riqueza de tonos, ya que la copia que nos ofrece es magnífica en colorido y nitidez. También puede disfrutarse tanto en versión original en inglés, como en italiano y castellano, con el doblaje de 1978, año de su estreno en España. Regia Films también ha tenido el detalle de incluir una carátula reversible con el cartel original italiano. Detalles que los cinéfilos sabemos agradecer y valorar.
A la brasileña Florinda Bolkan, protagonista absoluta de la cinta de Bazzoni, podemos disfrutarla, también en Regia y dentro de la misma colección, en Angustia de silencio (1972) y Una lagartija con piel de mujer (1971) dos obras maestras de Lucio Fulci.
Una sorprendente y desconocida película que no hay que dejar escapar. Diferente, atmosférica y en la que, sin duda, su director ha sabido sacar partido a las magníficas localizaciones de Valtur de Kemer y Phaselis (Turkia). Si hay que buscarle un pero, quizás sería que Bazzoli debería haber dejado un final abierto con el que el espectador pudiera completar la historia a su parecer.
BUENAS NOCHES SEÑOR MONSTRUO (Antonio Mercero, 1982) DVD, 39 Escalones
España. Duración: 80 min. Guión: Antonio Mercero, José Ángel Rodero Música: Manuel Cubedo, Félix Lapardi Fotografía: Manuel Rojas Productora: José Frade Producciones Cinematográficas S.A. Género: Comedia infantil
Reparto: Grupo Regaliz, Luis Escobar, Fernando Bilbao, Paul Naschy, Guillermo Montesinos, Andrés Mejuto, Miguel Ángel Valero.
Sinopsis: Jaime, Astrid, Eduardo y Eva (Regaliz), están de excursión en el campo con el colegio cuando de repente son sorprendidos por una tormenta. Como se han perdido y no encuentran a sus compañeros, deciden buscar refugio solos, y lo hallan en un enorme caserón oscuro y algo tenebroso. Allí habita el conde Drácula (Luis Escobar), el Dr. Frankenstein (Andrés Mejuto) y su monstruo (Fernando Bilbao), el hombre lobo (Paul Naschy) y un jorobado llamado Quasimodo (Guillermo Montesinos). La aventura comienza cuando sean los propios niños los que asusten a los monstruos.
El mundo se ha olvidado de los monstruos y estos, que habitan el tenebroso castillo en el que se han refugiado los cuatro componentes de Regaliz, quieren volver y sembrar de nuevo el pánico. Lo malo es que se encuentran con una amenaza mucho mayor: la representada por estos cuatro niños cantores.
Números musicales, chistes desafortunados, un Drácula con dentadura postiza, bofetones y collejas a mansalva, el ‘Piraña’ de Verano Azul haciendo de hijo del Conde Drácula y expresiones pasotas de la época como ‘Jo, macho’ ‘¡Cómo mola!’, ‘Vaya marcha’, ‘tronco’ y ‘carroza’, entre otras lindezas, además de poder ver a Paul Naschy haciendo un papel de hombre lobo, sí, pero totalmente diferente a los que había realizado hasta entonces, y a Fernando Bilbao, que ya había interpretado a la criatura del Dr. Frankenstein en dos ocasiones para Jesús Franco, hacen de esta película una pieza imprescindible para los amantes de lo bizarro en general y del Fantaterror hispano en particular. No se pierdan la sonrojante coreografía que el mismísimo Giorgio Aresu realizó para El baile de los monstruitos, tema en el que, a ritmo de yenka, todo el reparto se despendola en dolorosa (y marchosa) catarsis.
El maquillaje está realizado por un especialista como es Fernando Florido, que ya había maquillado antes al hombre lobo de Paul Naschy en El retorno del hombre lobo (Carlos Aured, 1973) y volvería a hacerlo en El aullido del diablo (Jacinto Molina, 1987), siempre con magníficos resultados.
En cuanto a Regaliz, no consiguieron el éxito de sus compañeros de fatigas Parchís, pero llegaron a intervenir como tales en cuatro películas, siendo esta sin duda la más popular. Los niños se dedicaron a otra cosa, mientras que las chicas han insistido en lo de la interpretación, aunque sin mucho éxito, la verdad. Astrid intervino en Darkness (2002) de Jaume Balagueró, mientras que Eva puede verse en un título tan ilustre como Yo, ‘el Vaquilla’ (1985), que dirigieron mano a mano José Antonio de la Loma y su hijo.
El DVD de 39 Escalones tiene una calidad insuperable, como es habitual, y las canciones pueden ponerse en modo karaoke, para los que quieran vivir la experiencia en su totalidad. De hecho pueden seleccionarse las canciones de forma separada. Incluye un magnífico libreto con fotocromos, fotos, clichés de prensa y carátulas de video, lo que hace de este DVD una recomendable adquisición para nuestra colección.
POS ESO (Samuel Ortí Martí -Sam-, 2014) DVD, Regia Films
España. Duración: 81 min. Guión: Samuel Ortí Martí (AKA Sam), Rubén Ontiveros Música: Aritz Villodas Fotografía: Nestor De Les Productora: Basque Films / Conflictivos Productions Género: Comedia
Sinopsis: La Trini, bailaora mundialmente conocida, abandonó los tablaos sumida en una gran depresión desde que su esposo, el gran mataor de toros Gregorio, muriese en un accidente doméstico. Damián, su hijo de 8 años, ha empezado a dar signos de una rebeldía que roza la demencia. Ningún médico, psicólogo o psiquiatra puede explicar el comportamiento del crío, conducta que irá empeorando hasta tal extremo que será necesaria una explicación sobrenatural a su estado. Esta situación pone a la Trini al borde de los nervios, quien decide contactar con el Padre Lenin, cura vasco repudiado por la Iglesia que está atravesando una crisis de fe; pero tal como todas las señales indican, es él la única esperanza de devolver la tranquilidad a tan maltrecha familia.
Muchas ganas teníamos de ver este largometraje de animación con plastilina desde que Cryptshow en su edición de 2014 ofreció unos minutos previos a su estreno en el Festival de Sitges de ese mismo año. Esta mezcla de humor cañí, crítica mordaz y homenaje al terror satánico, principalmente a El exorcista (The Exorcist, William Friedkin, 1973), aunque se permita algún guiño a La profecía (The Omen, Richard Donner, 1976), tiene un ritmo tan frenético que se nos pasó fugazmente, casi sin darnos cuenta, así que es una maravilla (y casi una obligación) recuperarla ahora que Regia Films ha puesto en el mercado una magnífica copia con apetitosos extras.
Sin lugar a dudas Sam es, junto a Pablo Llorens, el mejor en lo que hace, tal y como ya había demostrado con su corto Vicenta (2010), pero Pos Eso se nos antoja como un titánico trabajo que tan solo es posible a base de dedicación y mucho cariño a lo que se hace.
Pero Pos Eso es más que eso, es humor salvaje, gore, crítica mordaz a la prensa del corazón (que se lleva su merecido) y parodia de personajes populares que cuentan con las voces de Santiago Segura, Anabel Alonso, Carlos Areces, Nacho Vigalondo, Josema Yuste y los tristemente fallecidos Alex Angulo y Mariví Bilbao.
El DVD que nos ofrece Regia Films, cuenta además con unos extras breves pero apetitosos, que analizan su realización, animación, doblaje, iluminación, banda sonora… en resumen, los diferentes secretos que han hecho posible Pos Eso. Y si prefieren que su estuche luzca el cartel que tuvo la película, tan solo tienen que darle la vuelta a la carátula, ya que es reversible. Otro detalle gentileza de Regia Films.
El cine en zapatillas: los DVD/Blu-ray de Serendipia
Damos un repaso a algunas de las novedades que Serendipia ha disfrutado desde la comodidad de su hogar. Instalado en su sillón orejero, en zapatillas y con un refresco cerca. Novedades que forman parte de su colección particular. No voy a negarles que en ocasiones termino cabeceando, sumido en el estupor, pero eso no sucede con las películas que les presento. Estas son de lo mejorcito editado en esta parte del planeta. Es nuestra selección.
HISTORIAS PARA NO DORMIR (Pack 8 DVD) 39 Escalones)
Chicho Ibáñez Serrador, mucho antes de que mi generación lo conociera como el jefe del concurso que reunía semanalmente a toda la familia ante la tele, ‘Un, dos, tres…responda otra vez’, ya había revolucionado la televisión argentina junto a su padre adaptando historias de terror clásicas en la serie ‘Obras maestras del terror’. Después supo ver que en España se hacía una televisión muy primitiva y cuando desembarcó aquí no tuvo problema para crear y recrear un buen puñado de espacios que marcan el nacimiento de la ficción televisiva española. Series como ‘Estudio 3′, ‘Tras la puerta cerrada‘ y ‘Mañana puede ser verdad’, dieron pié a Historias para no dormir, que adaptaba obras de Poe, Bradbury o W. W. Jacobs, además de guiones propios. La fórmula tuvo un gran éxito y conoció tres temporadas: la primera (1966) que constó de 18 entregas; la segunda (1967-68) que tuvo 8 entregas y, finalmente una tercera y breve en 1982 que constó de cuatro episodios en color. Luego llegaron periódicamente rumores sobre el retorno de tan añorada serie, que nunca se produjo. Lo que sí llego fue un buen revival ‘Películas para no dormir’ que reunió a Chicho con sus alumnos y admiradores, directores como Jaume Balagueró, Álex de la Iglesia, Paco Plaza, Enrique Urbizu y Mateo Gil que, junto a él, realizaron cada uno una pequeña tv movie que fue tan maltratada por su productora, Tele 5, como reivindicada por los que se hicieron con el magnífico pack que puso Filmax a la venta. Así que a los fans de Chicho y de sus Historias para no dormir solo nos quedaba el consuelo de poder ver los episodios originales en DVD.
Con anterioridad Vellavisión ya había editado en un lujoso pack de 6 DVD 15 de los episodios de los que constaba esta serie, además de dos extras, ‘N.N. 123′ y ‘El televisor’. Con aquello los seguidores de don Narciso nos dábamos por satisfechos, ya que muchos pensábamos que estos espacios estaban más que perdidos por los archivos de TVE. Pero no satisfechos con esto, Vellavisión recuperó algunos episodios más rebuscando en los baúles, sacando a la venta un doble DVD con 6 nuevas y memorables Historias para no dormir, que más tarde reunió junto a los otros en un pack.
Ahora y con el ánimo de rematar lo iniciado, 39 Escalones ha cogido la antorcha y ha reunido todos estos episodios, más otros que quedaron pendientes, en un pack con 8 DVD. Un logro que no puede ser entendido sin conocer la magnífica labor que realiza 39 Escalones con la edición de memorables series españolas, como ya hicieran con ‘Plinio’, ‘Este señor de negro’, ‘El conde de Montecristo’ y, sobre todo, ‘El quinto jinete’, de cuya magnífica edición ya les hablamos puntualmente aquí. Un total de 28 Historias para no dormir, alguna de ellas en dos entregas, que cuentan con tres suculentos extras: ‘El último reloj’, adaptación de Poe perteneciente a la serie ‘Tras la puerta cerrada’; ‘N.N. 23′, episodio de la serie ‘Mañana puede ser verdad’; y el especial ‘El televisor’, un espacio memorable en el que Chicho acomete, paradójicamente, contra el electrodoméstico donde haría carrera y que lo poseería totalmente alejándolo definitivamente de la pantalla grande, donde con tan solo dos películas, demostró que también era, al igual que en televisión, una de las mentes más preclaras e inteligentes.
El elegante pack tiene la particularidad de estar cronológicamente ordenado y contener una magnífica guía escrita por Carlos Díaz Maroto, en la que, además de hablarnos de cada episodio, se nos indica la fecha original de emisión y, no tan solo la obra que se adapta en cada capítulo, sino también donde podremos localizarla por si deseamos leerla y compararla con la adaptación de Luis Peñafiel (seudónimo con el que Chicho firmaba sus adaptaciones, guiones y obras teatrales). Por fin se nos 
ofrece la serie completa, tanto, que incluso contiene un episodio ajeno que se ofreció, al parecer, por no dar tiempo al equipo español a preparar el siguiente. El segundo de la primera temporada, ‘La mano’, que pertenecía a otra memorable serie americana, ‘Rumbo a lo desconocido‘ (The Outer Limits). Pero no hay de qué quejarse, está dirigido por Byron Haskin, el hombre que dirigió la mejor y más memorable Guerra de los mundos (The War of the Worlds, 1953), contando con Robert Culp como protagonista. Además, Chicho en la presentación del primer capítulo, ya advierte que se podría producir esta eventualidad. Fue la única vez que sucedió, y es todo un acierto de 39 Escalones el haberlo incluido en el pack. Un pack impagable que además cuenta con una introducción en su libreto del escritor Ángel Gómez Rivero, en la que muchos nos vemos reflejados.
Por cierto, si ya poseen las anteriores ediciones de Vellavisión y les fastidia (que no debería) comprar este pack completo, deben saber que 39 Escalones ha puesto a la venta también por separado estos 8 nuevos episodios en un DVD doble: Historias para no dormir. Capítulos inéditos. Como ven, no hay nada como el trabajo bien hecho.
DEL TRAZO AL PÍXEL. UN RECORRIDO POR LA ANIMACIÓN ESPAÑOLA (Pack 3 DVD) Cameo
Este extraordinario y exhaustivo trabajo reúne 52 ejemplos de lo que ha dado de sí la animación española desde sus inicios en los años cuarenta hasta hoy. Un triple DVD editado por Cameo que incluye un voluminoso libro de 164 páginas con amplia información sobre cada una de las piezas incluidas, además de artículos escritos para la ocasión por Carolina López, comisaria del ciclo, y Alfons Moliné y Susana Rodríguez Escudero, dos de los principales especialistas en animación de nuestro país. Todo ello reunido en un digipack con una cuidada presentación, diseñado por Estela Robles y con retoques de Iván Jiménez.
El primer disco de esta selección coordinada por Andrés Hispano realiza un significativo recorrido cronológico por la animación española a través de 19 cortos que abarcan desde 1942 a 1999. De los castizos cortos Chamartín de Civilón, animados por un joven Josep Escobar previo a su ingreso en Bruguera, donde creará personajes tan populares como Zipi y Zape y Carpanta; a otros con animación de Muntañola, Peñarroya, Francesc Tur o Cifré, entre otros nombres históricos de nuestro cómic; una colaboración cómic-cine que culmina con El cascabel de Zapirón (Josep Escobar, 1943) una de las cumbres de la animación española de los años cuarenta.
Fuera de los cartoons dirigidos al público infantil, destaca la serie Garabatos, que en forma de revista animada, va dedicada a personajes populares de la época. Con un tono más adulto, esta serie contaba con la colaboración de ilustradores de humor gráfico como Tono o Del Arco, cuyo dibujo contrastaba con el de Escobar, Urda o Peñarroya y su estilo más ‘a la americana’. De Garabatos se realizaron 14 entregas de las que se recoge un ejemplo dedicado al popular actor Valeriano León.
Pero en esta primera selección también hay lugar para experimentos 
stop motion como La venganza del brujo (Salvador Gijón, 1944) o el delicioso Ballet Burlón (Fermín Marimón, 1956), que nos lleva hacia la animación más adulta y experimental con la llegada de Estudios Moro y los cortometrajes de Rafael Ruiz Balerdi y Gabriel Blanco, cuyo La edad del silencio (1978) entra de lleno en la crítica social. De ahí (con un hueco en los años ochenta) al valenciano Pablo Llorens, pionero de la animación con plastilina y su magnífico Gastropotens II. Mutación Tóxica (1994); y los experimentos plásticos de Mercedes Gaspar y Mariscal. En la selección, realizada por Andrés Hispano, se encuentra también el largometraje Historias de amor y masacre (Jordi Amorós (Ja), 1979), así como una cuidada selección de 28 anuncios de televisión de los Estudios Moro. El proyecto ha supuesto un trabajo de dos años de investigación y recuperación de materiales y ha contado con la colaboración de la Filmoteca de Catalunya, la Filmoteca Española y Movierecord, entre otros. Un trabajo imprescindible que complementa al ciclo itinerante Del trazo al píxel. Más de cien años de animación española, producido por el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) y Acción Cultural Española (AC/E). .
IT FOLLOWS (DVD / Blu-ray) Cameo
USA. Duración: 100 min. Guión: David Robert Mitchell. Música: Disasterpeace. Fotografía: Michael Gioulakis. Productora: Northern Lights Films / Animal Kingdom / Two Flints. Género: Terror.
Reparto: Maika Monroe, Keir Gilchrist, Daniel Zovatto, Jake Weary, Olivia Luccardi, Lili Sepe, Linda Boston, Caitlin Burt, Heather Fairbanks, Aldante Foster, Ruby Harris.
Sinopsis: Para Jay (Maika Monroe), de 19 años, el otoño debería consistir en ir a la escuela, salir con chicos y pasar fines de semana en el lago. Sin embargo, tras un encuentro sexual, empieza a tener visiones horribles; no consigue librarse de la sensación de que alguien o algo la persigue. A medida que la amenaza crece, Jay y sus amigos deben escapar de alguna manera del terror que les sigue los pasos.
Una de las propuestas más terroríficas que ofreció el festival de Sitges 2014, sino la que más, fue It Follows (David Robert Mitchell, 2014), un film turbador y atmosférico protagonizado por adolescentes con total ausencia de adultos, con elevadas dosis de horror sobrenatural y el proverbial terror al sexo y a la enfermedad, inevitable metáfora del Sida. Una propuesta desasosegante que no recurre al gore y que se apoya en el sonido: música etérea de sintetizador y unos silencios que no son tales, en los cuales el viento otoñal juega un papel primordial para contribuir a la sensación de desazón en el espectador.
Cierta tristeza se respira en el ambiente, en la luz, en los suburbios de lo que una vez fueron ideales barrios residenciales. Y aunque en estos tiempos resulta inevitable mostrar, más que sugerir, David Robert Mitchell, escritor y director del film, se toma su tiempo en mostrarnos a los seres que horrorizan a la protagonista. Y aún después de hacerlo, resultarán ser monstruos sin máscara, cuyo efectismo se basará en que cualquier viandante puede ser uno de ellos. Y todo ello con orgullo de serie B, como la que se nos muestra desde las pantallas domésticas, donde los jóvenes ojean clásicos psichotrónicos como El planeta de las tormentas (Planeta Bur, Pavel Klushantsev, 1962) o Killers from Space (W. Lee Wilder, 1954).
De estupenda puede tacharse la labor de su joven protagonista, Maika Monroe, así como la del resto del joven reparto, que no son simple carnaza al servicio del matarife de turno, ya que el director se ocupa de retratar a cada uno para, con todos ellos, mostrarnos lo importante que es la amistad incondicional para un adolescente, una necesidad en ese mundo privado e incomprendido en el que los adultos no tienen sitio. Como si de una aventura tenebrosa de Los Cinco se tratase, serán los protagonistas los que se enfrentarán al terror, buscarán la forma de combatirlo y… ¿lo vencerán?
It Follows es uno de esos films que se quedan en la memoria. Una terrorífica e interesante propuesta que juega muy bien las cartas del suspense buscando el miedo del espectador y huyendo de burdas truculencias con un terror desconocido y cercano al que todos estamos expuestos ya que, a fin de cuentas, a todos nos sigue y tarde o temprano nos alcanzará.
Lamentablemente la edición en Blu-ray / DVD que ha editado ISAAN no nos ofrece más extras que el tráiler, pero hay que consolarse, ya que la edición americana tampoco es espléndida en contenidos extra. En todo caso debemos agradecer que It Follows esté a nuestra disposición con toda la excelencia del clásico instantáneo que sin duda es.
EL MUNDO DE KANAKO (DVD/ Blu-ray) Mediatres Estudio
Sinopsis: Showa Fujishima es un antiguo detective retirado que vive sus días ahogado en el alcohol. Cuando su hija Kanako, alumna número uno de su colegio y modelo por excelencia para todo el mundo, desaparece misteriosamente, se verá obligado a investigar lo ocurrido. Poco a poco irá descubriendo que la imagen de la perfección de su hija es sólo una fachada que esconde una aterradora verdad.
Alicia a través del espejo. Un sórdido puzle. Un viaje a la locura mediante un universo visual que solo por si mismo justifica el ver esta película. Pero es que El mundo de Kanako es mucho más. Cautivadora, hipnótica, descubriremos a Kanako mediante retazos y veremos que, detrás de su angelical y dulce cara, hay todo un submundo de bandas, drogas y prostitución de menores en una bajada al infierno subrayada con una acertada selección musical. Tan fascinante como excesiva, rozando la truculencia, El mundo de Kanako está dirigida por el genio visionario Tetsuya Nakashima (Confessions, Conociendo a Matsuko, Kamikaze Girls) y con un espectacular casting encabezado por Koji Yakusho (Cure) y Satoshi Tsumabuki (Dororo). Sin olvidar a la debutante Nana Komatsu como la fascinante Kanako. Dulzura y maldad en estado puro. El Mundo de Kanako se ha convertido en una de las películas japonesas más aplaudidas del año, alabada por la crítica como la heredera del clásico Old Boy de Park Chan-wook, y triunfadora en innumerables festivales como Sitges, donde Koji Yakusho se alzó con el premio al Mejor Actor. El mundo de Kanako fue una de las cintas escogidas para la Sección Panorama en el Casa Asia Film Week 2015.TERROR EN LA ÓPERA (DVD) Regia Films
Regia Films continúa con su larga serie dedicada al giallo editando una de sus piezas, sino capitales, al menos más conocidas. Y hay que celebrarlo y dar gracias a Regia porque Terror en la ópera no tan solo se edita por primera vez en nuestro país de forma digital y con su formato de pantalla, sino también íntegra, ya que la edición que conocemos de la película de Argento, que se estrenó directamente en video sin pasar por las pantallas españolas, es la edición que en 1988 editó Lauren proveniente de la edición americana de Orion Pictures, que dejó sus 102 minutos de duración en aproximadamente 88. Todos estos cortes pueden detectarse viendo la película de Regia en su versión en castellano, ya que las partes que no se doblaron por estar cortadas se han incluido subtituladas. Fastidio para los que gustan de ver las películas dobladas y fascinante trabajo de investigación para los que agrada ver la película en versión original, lo más recomendable. Y la versión original es la inglesa, lengua en la que fue rodada originalmente Opera.
Terror en la ópera puede ser considerada como la última gran película de Argento. El punto de inflexión y declive en la filmografía del romano. El argumento, como suele suceder en las películas del director, es lo de menos, manteniendo guiños y puntos en común con El fantasma de la opera, que el mismo Argento adaptaría y rodaría en 1998. Nos cuenta como a Betty (Cristina Marsillach), una joven cantante de ópera, le ofrecen la oportunidad de debutar como protagonista en el Macbeth de Verdi, al sufrir un accidente la cantante principal. Esta versión de Macbeth, tiene la particularidad de estar dirigida por Marco (Ian Charleson), un director de cine de terror. La obra tiene fama de maldita y, de hecho, empiezan a producirse, en torno a Betty, una serie de extrañas muertes, que vendrían a confirmar tal superstición. El asesino hará que Betty tenga que presenciar los crímenes que comete poniendo bajo sus ojos una fila de alfileres que le impedirán cerrarlos.
Mucha cámara subjetiva; mucho recrearse en las escenas construyendo toda una arquitectura del horror mediante complejos montajes múltiples; un escenario suntuoso; una Cristina Marsillach que nos enamoró ofreciendo una imagen iconográfica del cine de terror con sus ojos amenazados por los alfileres… Pero también fallos. Fallo terribles de guión por un director más preocupado por la estética que por la credibilidad de su historia.
En cuanto a su banda sonora, bien por la ópera, que tan bien casa con el terror, pero mal por el heavy, que acompaña la acción del asesino y que tan fuera de lugar estaba entonces como ahora. Muertes bellas, manos enguantadas, el ocaso del giallo y del director romano, quizás más preocupado por entonces por la producción que por la dirección.
Su reparto nos ofrece, además de una muy joven Cristina Marsillach, a la que el director definió como la actriz con la que le ha sido más difícil trabajar; Daria Nicolodi, ex esposa de Argento y madre de la divina Asia; Ian Charleson, actor escocés muy popular por su interpretación en la celebérrima Carros de fuego (Chariots of Fire, Hugh Hudson, 1981) que durante el rodaje de esta, su ultima cinta, se enteraría de la enfermedad que se lo llevaría a la tumba, con tan solo 40 años, dos años después; Urbano Barberini, protagonista en 1985 de una de las producciones de Argento, Demons, dirigida por Lamberto Bava; un fugaz Michele Soavi, interpretando a un personaje que se llama Daniele Soave… y finalmente el mismo Argento como narrador si escogen la versión italiana del filme. Un Argento que no ha dudado en escoger Opera como una de sus películas favoritas y que, gran amante de la lírica, acaba de estrenar la versión filmada de la ópera Macbeth, que él dirigió, ¿les suena?
Como ven un buen puñado de atractivos. Los suficientes como para hacerse con una copia de Terror en la ópera, nueva y cuidada propuesta de Regia Films.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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