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Primer cartel y teaser-trailer de ‘Vampus Horror Tales’
El pasado 11 de octubre se pasaron unos minutos de Vampus Horror Tales, una antología de historias de terror dirigidas por diferentes directores que tienen al guardián del cementerio, Vampus (Saturnino García), como maestro de ceremonía y presentador. En total, cuatro historias dirigidas por cuatro directores debutantes Manuel Martínez Velasco, Isaac Berrocal, Erika Elizalde y Piter Moreira. Más el director Víctor Matellano, que además realiza la producción creativa de la película.
Con guión de Yolanda García Serrano, Victoria Vázquez, Ignacio López-Vacas, Isaac Berrocal, Piter Moreira, Diego Arjona y Víctor Matellano, Vampus Horror Tales es una producción de Argot Films en asociación con Wild Duck Productions, ViMa pc, Raccord Films, Infilmity y RedRum basada en una idea original de Víctor Matellano.
Además del entrañable Saturnino García, la película cuenta con Nacho Guerreros, Félix Gómez, Montse Plá, Elena Furiase, Diego Arjona, Erika Sanz, Dunia Rodríguez, Luis Hacha, Daniela Dardanelli, Almudena León, Rafa Rodrigo, David M. Santana, Marian Clar, Gus Cantolla, Alberto Rivas, Marina Romero y Sergio Morcillo, además de la colaboración especial de José Lifante, África Gozalbes, Miguel Molina, Lone Fleming y Antonio Mayans.
Colin Arthur ha llevado a cabo la supervisión de efectos especiales de esta película, volviendo a elaborar la sangre artificial que se utilizó para la mítica secuencia del ascensor de El resplandor de Kubrick.
El estreno mundial de Vampus Horror Tales será en el Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera, que se celebrará del 13 al 21 de noviembre en Tenerife.
Os presentamos el primer teaser-trailer presentación y el cartel, obra de David Benzal, prestigioso artista conceptual, que ha recibido importantes reconocimientos y galardones internacionales.
«Desde siempre los fans del fantástico y el terror han apreciado los largometrajes en forma de antología. Existe una gran tradición en el cine con este tipo de antologías, que se siguen realizando en la actualidad, pero no tanto en el cine español, cuestión por la que nos parecía interesante hacer nuestra propia aportación. En la tradición de las películas de la productora Amicus, y de los títulos deudores de comics como «Tales from de Crypt» o «Creepy», con su personaje «anfitrión» introductor de las historias, y en riguroso blanco y negro, nuestra propuesta aúna misterio, humor y terror. Un buen ejercicio para que un grupo de directores, artistas y técnicos, desarrollen un proyecto común y colectivo».Erika Elizalde. Productora Argot Films
Vampus nos introduce en cuatro de esas historias que transcurren en una perdida casa en la montaña, en un siniestro parque de atracciones, en un singular salón de bodas y en un mundo acosado por una extraña pandemia
Bteam Pictures distribuir ‘Robot Dreams’, película de animación de Pablo Berger
Basada en la popular novela gráfica de norteamericana Sara Varon, Robot Dreams cuenta las aventuras y desventuras de “Dog” y “Robot” en el Nueva York de los años 80. Esta historia de amistad supone la primera incursión en la animación de su director, Pablo Berger.“Muchas de mis películas favoritas son de animación. Desde “Fantasía” de Disney, “Mi vecino Totoro” de Ghibli, “Wall-E” de Pixar o el cine reciente de animación europea como “Persépolis”, “La vida de calabacín” o “I lost my body”. Con esta película quiero explorar las infinitas posibilidades narrativas de este medio” explica Pablo Berger.
La película de terror Saint Maud se estrenará el día 25 de diciembre
Estas navidades llega a los cines de toda España Saint Maud, la sobrecogedora película de terror psicológico escrita y dirigida por la británica Rose Glass, quien debuta con su primer largometraje protagonizado por la ganadora de dos premios Tony y un BAFTA Jennifer Ehle (‘La noche más oscura’, ‘Historia de una pasión’ o la miniserie ‘Orgullo y Prejuicio’) y por la estrella emergente Morfydd Clarck.
Tras su paso por la última edición del Festival de Cine Fantástico de Sitges y su estreno en el Festival de Cine de Toronto, la película ha sido aclamada por la crítica y se ha convertido en una de las grandes sorpresas de los festivales.
SINOPSIS
Maud (Morfydd Clark), una joven y devota enfermera llega a la casa de Amanda (Jennifer Ehle), una famosa bailarina postrada en su aislada casona a causa de una enfermedad. Al principio, Amanda se muestra intrigada por esta joven religiosa que consigue distraerle de su mala salud. Maud, a su vez, está hechizada por su nueva paciente. Pero Maud no es todo lo que parece. Vive atormentada por un violento secreto de su pasado y por momentos de éxtasis que cree recibir directamente de Dios. Maud se convence de que ha sido enviada a Amanda no simplemente como enfermera, sino para cumplir un propósito divino. A medida que pierde el control sobre su conexión con la realidad, los cuidados de Maud se convierten en una misión letal para salvar el alma de Amanda, por todos los medios.
‘SAINT MAUD´ llegará a los cines de toda España el próximo 25 de diciembre.
Diario de Serendipia en Sitges: Año de la pandemia. Quinta cápsula
Nuevo madrugón para un día de lo más completo compuesto por dos largometrajes de Sección Oficial, uno de ellos el que resultará ganador en las categorias de mejor película y director; continuando después con una película muy especial perteneciente a la sección Noves Visions que estamos deseando volver a ver, pues en sus fotogramas están depositadas la prosa y el alma de una de las mentes más preclaras y que más admiramos del estos últimos siglos; y finalmente retornamos al cine más popular, el de nuestra infancia, aquel al que íbamos con nuestros padres, el que ha marchado y que tan solo volverá en nuestros sueños o en la intimidad de nuestro hogar a modo de revival.
Serendipia comienza el -¡atención, alarma, ranciofact!- ecuador del festival con una muy interesante película de terror, Relic (2020), producción 
australiana que llega a Sitges tras ser presentada en el festival de Sundance y haber pasado por diferentes certámenes como el Bucheon Film Festival de Corea del Sur y el Fantasy FilmFest de Alemania. Dirigida y escrita por la cineasta novel Natalie Erika James con la colaboración en el guion de Christian White, este viaje a la locura se inicia con la inexplicable desaparición de la anciana Edna (Robyn Nevin), que causa que su hija Kay (Emily Mortimer) y su nieta Sam (Bella Heathcote) se apresuren a ir a la decadente casa de campo de la familia, donde encontrarán pistas de su progresiva demencia esparcidas por toda la casa. Pero lo más extraño comenzará a suceder cuando, de manera tan misteriosa como lo fue su desaparición, Edna regrese al hogar. Los sucesos que irán aconteciendo parecen tener una explicación natural, pero a través de las pistas que le dan sus sueños a Kay se nos introduce la duda: ¿puede ser, después de todo, que exista una causa paranormal para la locura de Edna? Parece una constante en el nuevo cine de terror australiano abordar problemas muy humanos como pudiera ser el dolor por la pérdida de un marido (es el caso del The Babadook de Jennifer Kent) o la dificultad de ser madre de un niño autista (nos referimos a Triangle dirigida en 2009 por Christopher Smith), para derivarnos hacia el terror sobrenatural en la resolución del conflicto. En su debut en el largo, Natalie Erika James se inscribe en esta forma de entender el género y nos ofrece toda una inquietante y cautivadora intriga, parábola sobre la vejez y la decadencia humana, que nos abismará en la explicación en clave fantástica de la demencia hereditaria y su consecuencia en las relaciones madre/hija, finalizando con una aterradora imagen del tópico de las tres edades de la mujer. Protagonizada impecablemente por tres reputadas actrices, en la cinta tienen un gran protagonismo el sonido y la propia mansión, que como un personaje más, parece respirar.
En vista del brillante resultado obtenido con Relic, habrá que seguir la pista de Natalie Erika James, que en estos momentos trabaja en un nuevo proyecto de Folk Horror japonés llamado Drum Wave. Como vemos, la cosa promete.
Por mucho que le moleste que le saquen el tema, Brandon Cronenberg es el alumno más aventajado de su padre. Y no solo por las temáticas que toca, sino porque también es un tipo brillante. Ya lo demostró en 2012 con Antiviral, con la que, por cierto, ganó el premio al mejor director revelación en Sitges, y ahora lo confirma con Possessor (2020). Cronenberg vástago nos propone, en este su último trabajo, reflexionar sobre qué define nuestra identidad y qué ocurriría si pudiera ser controlada por terceros que nos llevarán a actuar en contra de nuestra voluntad. Como premisa argumental para esta reflexión nos presenta una trama en la que una corporación criminal ha desarrollado el método para invadir, con implantes cerebrales, las mentes ajenas con la personalidad de sicarios profesionales, quienes actuarían así con total impunidad y sin dejar rastro alguno. Tasya Vos (Andrea Riseborough) es una de esas asesinas y un día, durante una misión rutinaria, algo sale mal. La agente Vos se ve atrapada dentro de la mente de uno de los sujetos que trata de controlar (Christopher Abbot), cuyo apetito por la violencia se acaba convirtiendo en su peor aliado, superando incluso el suyo propio. De nuevo tecnología y carne al servicio del horror, y las consecuencias que puedan tener sobre el sujeto humano la manipulación del yo. Todo, en un trabajo que, si bien no nos convenció tanto como su opera prima, si ha conseguido, como veremos, encumbrar de nuevo a su director en Sitges, confirmando su personalidad y su voz como propia más allá de los ecos y las esclavitudes de su ilustre apellido. Brandon es el Cronenberg de la generación milenial y tiene mucho que decir sobre nuestro mundo digitalizado que tan bien domina (¿o acaso es víctima de él?) esa generación.
Y mientras estamos sumidos en las sombras, en la sala Garbí del Auditori se presentan tres atractivos libros editados por nuestros amigos-hermanos de Editorial Hermenaute, sobre cuya presentación nos ha escrito unas líneas su propio responsable, Lluis Rueda:
Presentación de novedades Hermenaute: Sombras de Caligari, ¡A mordiscos! La increíble historia de Germán Robles, un vampiro español en México y La madre terrible en el cine de terror
Jesús Palacios y Lluís Rueda durante la presentación de ‘¡A mordiscos!’
El lunes 12 de octubre la Sala Garbí acogió nada menos que 3 presentaciones de la Editorial Hermenaute. El sello de Badalona especializado en ensayo de cine, entre otras materias, afronta por tercer año consecutivo la tarea de editar el libro oficial del festival, este año por partida doble.
Conducidas por Desireé de Fez, la primera presentación, que se inició a las 10:30, trajo a un viejo amigo de Sitges, el crítico, periodista e historiador de cine Jesús Palacios. Palacios presentaba uno de los libros oficiales del festival, ¡A mordiscos! La increíble historia de Germán Robles, un vampiro español en México, reedición ampliada de un libro de 2008 que fue publicado en el marco de la Semana Negra de Gijón. Acompañado del editor Lluís Rueda, Palacios desgranó parte de la biografía del actor Germán Robles, actor asturiano conocido por interpretar al conde Lavud, en los clásicos dirigidos por Fernando Méndez ‘El vampiro’ y ‘El ataúd del vampiro’. También se habló mucho sobre el cine gótico mexicano durante el periodo de esplendor de la productora ABSA y los Estudios Churubusco. Entre anécdotas y un repaso exahustivo a la materia, se pasó volando una mañana sorprendente por la cantidad de asistentes un lunes festivo a primera hora.
Presentando ‘Sombras de Caligari’: Lluís Rueda, Jordi Sánchez-Navarro, Ángel Sala, Violeta Kovacsics y Carlos Tabernero
A las 12:30 le llegó el turno a Sombras de Caligari. Cien años de cruces y diálogos con el primer gran clásico del fantástico, libro oficial de Sitges 2020 centrado en el ítem de este año, el caligarismo y el centenario del clásico ‘El gabinete del doctor Caligari’. De nuevo con Desireé de Fez conduciendo y los coordinadores del libro Ángel Sala (director artístico del festival) y Jordi Sánchez-Navarro, se abrió esta presentación, un apasionante viaje a la génesis de Caligari, su marco sociopolítico y los asuntos, la puesta en escena y los recursos narrativos de la película en el cine y la televisión posteriores. Los asistentes también participaron de este encuentro en el que no faltaron el resto de articulistas de la obra, Lluís Rueda, Alan Salvadó, Carlos Tabernero y Violeta Kovacsics. Jorge Gorostiza, fue la única ausencia ya que las circunstancias impidieron su desplazamiento desde Gran Canarias. Una gran presentación en tiempos ciertamente caligarianos.
Desireé de Fez y Javier Parra, autor de ‘La madre terrible en el cine de terror’
Ya por la tarde, a las 18:00, en la sala Garbí nos sorprendía la proyección de un video impactante con filmes como ‘Psicosis’, ‘El caso de Lucy Harby’, ‘Carrie’, ‘Babadook’ o ‘Hereditary’. La cosa claramente iba de “madres terribles” y es que Javier Parra, bien arropado por Desireé de Fez y Xavi Sánchez Pons, nos adentraba en una estimulante presentación en la que Carl Gustav Jung se daba la mano con la mitología y el cine de terror. La presentación del libro La madre terrible en el cine de terror, en que Javier Parra hacía su puesta de largo, resultó doblemente especial, ya que el libro apareció en pleno confinamiento y el autor no había podido hacer ninguna presentación presencial hasta la fecha. El encuentro fue divertido, apasionante y acabó en un carrusel de referencias que podrían conformar una jornada de cine de madres peligrosas perfecta para Halloween.
(Texto: Lluís Rueda. Fotos: Marta Torres)
Por su parte, Serendipia continuó con más y más películas. Y de Oficial Fantastic Competició pasamos a Noves visions con la producción independiente The Show (Mitch Jenkins, 2016), una inclasificable fantasía producto de la mente de su, también inclasificable autor, Alan Moore, que mezcla intriga con comedia en una acción detectivesca repleta de viajes oníricos, ingeniosos diálogos y pintorescos personajes, de entre los cuales destaca el secundario Frank Metterton, interpretado por el propio mago de Northampton. Todo ello con el telón de fondo de la convicción de nuestro autor de que la poesía es hermana de la brujería, pues la evocación poética es equivalente a la invocación nigromante, dos formas distintas de llegar al mismo objetivo: nombrar desde la palabra, a través de la imaginación y la memoria, las potencias que rigen nuestro desarrollo y nuestro destino como humanos. Con The Show, Moore escribe por primera vez para el cine tras haber renegado, quizás injustamente, de todas y cada una de las adaptaciones que sobre sus comics se han realizado. El film es una prolongación de una serie de cortos dirigidos también por el fotógrafo Mitch Jenkins (Act of Faith, Jimmy’s End y His Heavy Heart y que se recopilaron en Show Pieces en el año 2014), escritos todos por Alan Moore y ambientados, al igual que The Show, en Northampton, ciudad británica natal del escritor. Una película que se mueve entre la comedia absurda y el thriller onírico que tan perfectamente sabe ofrecer David Lynch y que también nos hace recordar al Under the Silver Lake de David Robert Mitchell, en tanto ambas obras son un compendio de cultura popular sobre la que indagan para llevarnos a especular la existencia de directrices en lo humano que nos harían ser lo que somos. El Northampton de este Show de Moore es tan extraño y extravagante (o, si nos permiten la apropiación del término inglés, tan weird) como el Twin Peaks de la serie homónima de Lynch, escenarios en los que el mundo y el inframundo coexisten y donde lo real está hecho con el mismo tejido que los sueños ¿O acaso no hay diferencia entre esos extremos y es así que es posible que los muertos puedan seguir viviendo en los sueños como lo hacen en la cultura popular? Con ese interrogante nos deja el espectáculo de Moore.
El jovial Manuel de Blas dirigiéndose al público del Prado (Foto: Serendipia)
Y cerramos el día con otro viaje al pasado. Nueva visita al cine Prado ahora para ver un atípico spaguetti western que contó con la presentación de uno de sus protagonistas, Manuel de Blas, que ese mismo día había subido al escenario del Auditori para recibir el merecido Premio Nosferatu que otorga la sección Brigadoon del Festival. Marido durante 46 años de la mítica actriz Patty Sheppard, Manuel de Blas ha sido también una cara visible del fantástico estatal desde la década de los sesenta, y permanece todavía en activo. Ha trabajado en más de 200 producciones para cine, televisión y teatro, transitando por todos los géneros (western, comedia, drama…), con el fantástico como puntal importante en su carrera con títulos como El coleccionista de cadáveres (Santos Alcocer, 1970), donde compartió reparto con Boris Karloff, Los monstruos del terror (Tulio Demicheli y Hugo Frengonese, 1970), La orgía nocturna de los vampiros (León Klimovsky, 1973) o El jorobado de la morgue (Javier Aguirre, 1973). Para coronar el homenaje a Manuel de Blas en Sitges 2020, se ofreció en el entrañable Prado una copia restaurada por Victory Films del atípico euro-western Manos torpes, rodado en 1969 y que cuenta con el sello de los revalorizados hermanos Romero Marchent, con el recientemente fallecido Rafael a la 
dirección y Joaquin colaborando en el guion con Santiago Moncada. Si bien se trata de un rutinario western, protagonizado por Peter (Peter Lee Lawrence), un joven pacifico que se opone a resolver los conflictos con las armas y que como pueden suponer terminará en ensalada de tiros, resulta atípico porque, para ejecutar la venganza de turno, su protagonista contará con el adiestramiento en el manejo de las armas de un anciano chino, adelantándose así este tipo de personaje a series como Kung-Fu (1972-75) u otros filmes que incluyeron personajes orientales tras el primer desembarco en occidente del cine de artes marciales de Hong-Kong en 1973.
Otra velada adorable con sabor a palomitas, pipas, altramuces y pan de higo desde el gallinero del cine Prado en una jornada perfecta y muy diferente al mundo de oropel y colorín que se ofrece en otros espacios del mismo festival tal y como muestra el magnífico making de Quim Crusellas y su equipo. Pero todo, todo es cine y todo, todo es Sitges y cada cual escoge el que prefiere vivir. Y este que les contamos es el nuestro.
Diario de Serendipia en Sitges: Año de la pandemia. Cuarta cápsula
Una nueva jornada de festival que, coincidiendo con el fin de semana, ha animado la asistencia de público y con ello la taquilla, llenando de una animada anormalidad las calles y las salas de Sitges. Y para nosotros es una jornada muy especial, porque tendremos dos buenos títulos más y porque será el reencuentro con uno de los grandes clásicos de Paul Naschy y en las mejores condiciones. Todo en una día en el que nuestros amigos Octavi López Sanjuán y Sergio Colmenar presentarán también sus libros dedicados a dos importantes sagas del terror de los ochenta, lo cual nos lo contará el propio Octavi. Vamos a ello.
Serendipia comienza el día más tarde de lo habitual, pues también prevé que se acostará más tarde, y lo hace con dos películas que suponen el debut en el largometraje de sus directores. La primera de ellas, Sea Fever (Neasa Hardiman, 2019), es una muy entretenida propuesta que mete al espectador en un espacio reducido, un barco, en el que junto a una pequeña y variopinta tripulación se las tendrá que ver, en la inmensa soledad del océano, con un pringoso y enorme ser primigenio y tentacular. Todo en una eficaz monster movie con ecos de El enigma de otro mundo (The Thing from Another World, Christian Nyby y Howard Hawks,1951), con una intriga muy bien estructurada y unos personajes muy bien construidos que tendrán que aceptar sus propias responsabilidades para con su propia especie, pues como posibles portadores de las larvas del ser, estará en sus manos evitar que la criatura llegue a tierra firme. Lo dicho, una buena cinta de terror, sencilla y eficaz, que podremos ver en nuestras pantallas próximamente como Contagio en alta mar gracias a A Contracorriente.
Posiblemente la soledad sea uno de los males endémicos de nuestra sociedad y sobre ella va Rent-a-Pal (Jon Stevenson, 2020), una película que nos cuenta la historia de David (Brian Landis Folkins), un cuarentón obeso que cuida de su madre senil y que busca compañía con la que consolar una vida monótona. La encontrará en una extraña cinta de video hallada en el cajón de saldos de una agencia matrimonial que David frecuenta y en la que los y las candidatas se conocen mediante mensajes grabados en cintas VHS. Desde esa cinta su protagonista (un inmenso Wil Wheaton) parecerá dirigirse directamente a él. Sordidez, tristeza, obsesión y alcohol en este viaje a la locura en una de las películas que más nos interesó de esta edición del festival y que formaba parte de la sección Noves Visions. La cinta de Stevenson no solo es aguda en su disección del desamparo, encierro y clausura que embotan el alma del protagonista hasta obnubilarle en la enajenación, sino que es igualmente atractiva en su propuesta formal: en su lenguaje expresivo interpola la imagen de vídeo doméstico con la cinematográfica, una interacción que ofrece grandes posibilidades visuales y escenográficas (magistral el clímax en el que en un primer plano fijo David dialoga con la pantalla de su televisor) y que le imprimen su carácter de cine de autor que sabe combinar el discurso experimental con la tradicional arquitectónica del cine. Buen ritmo, buenas interpretaciones y excelente puesta en escena convierten a esta pequeña película en una de las joyas que pudieron verse en esta edición.
Mientras Serendipia estaba inyectándose en vena estas sesiones de cine, en otra zona del Melià dos buenos amigos presentaban sus más recientes libros, Octavio López Sanjuán y Sergio Colmenar, y dado que Serendipia aún no tiene el poder de bilocarse, dejemos que el propio Octavio, uno de sus protagonistas, nos cuente como fue el evento:
Presentación de «Hellraiser: Mitología del lamento» de Sergio Colmenar y «¡Está vivo! La saga mutante de Larry Cohen», de Octavio López Sanjuán
Para el domingo 11 de octubre a las 13:15 horas estaba fijada la presentación de las novedades de la colección Noche de Lobos, de la editorial Applehead Team. Previamente, Octavio López y su bebé mutante estuvieron realizando un paseo matutino por todo Sitges donde los vecinos pudieron deleitarse con el llanto y las facciones de la criatura, a la vez que los más atrevidos se fotografiaron con la icónica creación de Larry Cohen.
La citada presentación, preparada en la sala Garbí del Hotel Meliá, tuvo un aforo de más de una treintena de asistentes, un tanto sorprendente a tenor de las complicadas circunstancias en las que se estaba celebrando el certamen de este año. Entre los asistentes, figuraban insignes figuras de la prensa fantástica nacional, como Pako Mulero, Santi Serrano, Laureano Clavero, Jordi Arasa, Adrián Roldán o José Mellinas.Por supuesto, el bebé de Cohen daba un buen recibimiento a los asistentes, orgulloso en su carrito a la entrada de la sala, si bien la auténtica bienvenida la ofreció la escritora y periodista Desirée de Fez, que presentó de manera distendida y agradable a los intervinientes en la presentación. Por un lado, Sergio Colmenar, autor de Hellraiser: Mitología del lamento, se ocupó de describir el enfoque tan personal que había empleado para desglosar el aberrante mundo de Clive Barker y cómo había desarrollado en su libro todo el universo del autor. Por otro lado, Octavio López explicó cómo y porqué decidió escribirun libro sobre la saga de los bebés asesinos de Cohen. Entre ellos, el experto en cine mutante Enrique Muniesa se ocupó de dirigir el diálogo entre ambos autores, dotando de una dinámica fresca y divertida la charla. Conforme se desarrollaba la presentación, los autores intercambiaron preguntas sobre sus respectivos trabajos y sobre las temáticas que su compañero había tratado, ya fuese sobre la existencia de una adaptación definitiva de Hellraiser, o sobre el punto de inflexión que supuso en la carrera de Larry Cohen su encuentro con Michael Moriarty. Después, los asistentes más curiosos realizaron varias preguntas a los autores sobre futuros proyectos y los pormenores de cada uno de los libros.
Al final de la charla, se proyectó un breve pero intenso video promocional de las futuras publicaciones de la editorial Applehead Team para la nueva temporada. De este modo, a ritmo de Power of the Night, de la película Critters, fueron desfilando los icónicos rostros de Freddy Krueger, Jason Vorhees, los demonios italianos o los mismísimos Krites.(Fotos y texto presentación por gentileza de Octavio López Sanjuán)
Pero para Serendipia esta edición era también muy especial porque le daría ocasión de poder revisar, en inmejorables condiciones, el Santo Grial del cine de Paul Naschy: El Huerto del Francés.
ENRIC PÉREZ, UNA VIDA PARA EL CINE
Enric Pérez en marzo de 2017 durante la presentación del BCN Film Fest (Foto: Serendipia)
Por fin alguien ha puesto aceite a las ruedas y se ha podido restaurar El Huerto del Francés directamente desde el negativo original. Esa persona ha sido Enric Pérez Font. Nacido en Barcelona, Enric Pérez es una apasionado del cine: operador en la Filmoteca Nacional, en 1982 se hizo cargo del cine Verdi de Barcelona que corría peligro de convertirse, como tantos, en un bingo, y la operación se saldó con tal éxito que contribuyeron a dinamizar un barrio que por entonces estaba envejecido y muy lejos de ser lo que es en la actualidad.
En una primera etapa (1983-1986), en la que Pérez Font comparte la gestión del Verdi con Joan Pol, se ofrece cine popular en sesión doble, pero la colonización generalizada del video doméstico hace que la recaudación de los cines se derrumbe, por lo que tocó reconvertirse: a partir de 1987 y ya en solitario, Pérez Font decide dividir la sala en tres y comenzar a ofrecer cine en versión original subtitulada. Así, en los Verdi se pudieron ver por primera vez sin censura y en su idioma original películas como ‘Teléfono rojo, volamos hacía Moscú’, de Kubrick. La propuesta tuvo mucho éxito y provocó una transformación del barrio a principios de los años noventa, mientras, Enric Pérez se convertía en distribuidor importando, entre otras cinematografías, obras pertenecientes al cine asiático.
Películas como ‘Un lugar en el mundo’, ‘La doble vida de Verónica’ o ‘La linterna roja’ tendrán mucho éxito y permanecerán meses en cartelera. En 1992 compra la discoteca Beat Verdi que estaba sobre el cine y abre dos nuevas salas, que se incrementarán con otras nuevas que abrirá en la calle Torrijos, las conocidas como Verdi Park. Un enorme éxito que peligró cuando se incrementó el IVA de los cines del 8% al 21% en 2012. Afortunadamente, Pérez se asoció con Adolfo Blanco, fundador de A Contracorriente, que cogió el testigo y consiguió levantarlos, eso si, ofreciendo en su programación una equilibrada mezcla de cine de autor y comercial.
Persona, como hemos visto, inquieta, Enric Pérez se dedica actualmente a la restauración de películas y ha sido el responsable de hacerlo con ‘El Huerto del Francés‘, una cinta practicamente perdida, tal y como decíamos en nuestro extenso artículo sobre el film, así que cuando todos dábamos por imposible el poder llegar a ver esta joya en salas o tenerla en Blu-ray… sucedió el milagro. Y no solo hemos podido disfrutarla, en una copia maravillosa y prístina con el color y el sonido restaurados en el Festival de Sitges, sino que, tal y como anunció el propio Pérez, el día 3 de diciembre estará disponible en edición Blu-ray de la mano de Divisa en una edición digipack con libreto de 16 páginas y muchos extras, que tendrá su prolongación en otra editada en Estados Unidos, aunque con una compañía que desconocemos, pues todavía se encuentran en negociaciones y Pérez no quiso especificarnos el sello que podría llevarse el gato al agua. Enric Pérez nos contó que hay más restauraciones en cartera, pero que de momento prefiere no dar más detalles hasta ver qué tal funciona y como es recibida El Huerto del Francés.
Pero dejemos que el mismo Enric Pérez les cuente más detalles, pues la velada se inició con una introducción del responsable de la restauración del film y de Sergio Molina, hijo menor del actor, guionista y director del filme, introducción que grabamos para poder ofrecerla íntegra en Proyecto Naschy (rogamos sean indulgentes con el accidentado inicio del video):
Y felices, terminamos la cuarta jornada de este festival en el que, como vemos, hubo espacio también para los milagros cinematográficos.
Diario de Serendipia en Sitges: Año de la pandemia. Tercera cápsula
Serendipia aborda el primer fin de semana de festival con mucha fuerza, no en vano tan solo hace dos días que ha comenzado y la energía y las ganas todavía nos pueden. Además, la jornada está encabezada con un prometedor trabajo de Juanma Bajo Ulloa que teníamos muchas ganas de ver. También y a pesar de la situación, como es habitual, el largo fin de semana anima a muchos a acercarse a Sitges, borrando en parte el triste panorama de los dos días anteriores, que incluso superaron mi proverbial enoclofobia. Más cine, pues.
Vamos con un nuevo día.
Aunque el Juanma Bajo Ulloa más interesante ya volvió, tras el exitazo popular de Airbag (1997), con la casi invisible y reivindicable Frágil en 2004, es con Baby con la que vuelve a arriesgar en una obra que no está abierta a todos los gustos, pues pensamos que levantará tanto opiniones tibias, cuando no negativas, como, en menor medida, entusiastas. Serendipia es de los segundos. Ya desde que viéramos el inquietante trailer del filme, nos despertó la curiosidad lo que Bajo Ulloa estaba preparando y, afortunadamente, no solo no nos ha defraudado sino que, muy al contrario, ha estado muy por encima de las expectativas esperadas. Ya desde su inicio mezcla heroína, religión y un parto en soledad. Un comienzo de impacto que deja en el espectador un poso de tristeza que no le abandonará durante todo el metraje, mezclando lo bello y lo horrible y pasando de la realidad más descarnada a la fantasía más desbordante transportándonos a la casa de la bruja, a la guarida del ogro, en el que la protagonista jugará al escondite buscando subsanar el que podría ser el error de su vida. Se denota en cada plano un cuidado trabajo de orfebrería desprovisto de pedantería y si cargado de belleza. Como la de ese icónico chupete de plata y nácar que esconde en su interior un tesoro, una perla. Serendipia sabe que está disfrutando de la mejor película que le ha ofrecido este aciago año. Una cinta que formará parte de su filmoteca particular, cual tesoro, para ser disfrutada una y otra vez. Y es que Juanma Bajo Ulloa ha sido muy valiente escribiendo y dirigiendo una película que posiblemente no sea comprendida, pero Baby, que carece de diálogos y está totalmente protagonizada por mujeres, es el cuento perverso y repleto de magia que muchos estábamos esperando del realizado vasco.
“Al igual que ocurre con la vida, la trama de BABY contiene simbolismos y metáforas, tal vez invisibles en ocasiones para el intelecto, pero perceptibles para el corazón o el espíritu. Alegorías que suscitan en el espectador sentimientos no racionales y estimulan una interpretación más profunda. No se emiten juicios ni valoraciones éticas, no hay moralina o paternalismo, los personajes actúan movidos por sus instintos, y es al ancestral instinto al que va dirigido este cuento de vida, lucha y muerte.«
Juanma Bajo Ulloa
Y de lo sublime a un thriller adrenalítico y con gotas de humor negro: No matarás de David Victori, quien, tras ser todo un «niño prodigio» con sus cortometrajes, debutó en el largo con El pacto (2018). En su segundo y mucho más solido film, el director introduce al espectador en el día a día de Dani, personaje interpretado por un contenido Mario Casas, que tras dedicar los últimos años a cuidar a su padre, enfermo de cáncer, tomará, por circunstancias del azar, una decisión que cambiará radicalmente el rumbo de su existencia. David Victori mostrará como escenario una siniestra Barcelona nocturna, llena de depredadores y trampas, y lo hará siguiendo a su protagonista muy de cerca, con largos plano-secuencia y cámara en mano, consiguiendo implicar al espectador que parecerá andar y correr junto al protagonista. Paisajes industriales fantasmales del Poble Nou, polígonos y suciedad. De lo más familiar a lo más extremo, el protagonista descenderá a un infierno de cuyo círculo veremos si puede escaparse. Presentada en sesión especial, No matarás, esta especie de ¡Jo, que noche! (After Hours, 1985, Martin Scorsese) a la española con su peculiar mujer fatal (brillantemente interpretada por la debutante Milena Smit), resulta muy entretenida. Con una primera parte ejemplar, solo hacia el final tensará en exceso la suspensión de la incredulidad, a pesar de lo cual, no se empaña el resultado que será de lo más satisfactorio.
Serendipia termina la jornada con la comedia político-vampírica Comrade Draculich (Drakulics Elvtárs, Márk Bodzsár), un relato de espionaje que se desarrolla en plena Guerra Fría en la Hungría comunista de los setenta. Los protagonistas de la cinta, una pareja de espías, deberán descubrir el secreto de 
la eterna juventud que posee el camarada Fábián, héroe húngaro de la revolución cubana e invitado de honor de la campaña de donación de sangre que ha organizado el régimen para apoyar a Vietnam, entonces en guerra contra Estados Unidos. El secreto será, claro, su vampirismo, y con él buscarán perpetuar a Leonid Brezhnev en el poder y el comunismo en la Unión Soviética y el Telón de Acero. Bodzsár, en este su segundo largo, combina un repaso del pasado comunista de Hungría con la comedia de vampiros y esa combinación le dio libertad para expresar su opinión honesta sobre esa época y bromear al respecto. El vampiro es el personaje más normal de la cinta. Sabemos que puede volar y todo, pero está dibujado del modo más humano posible, de modo que lo caricaturesco afecta, sobre todo, al Servicio Secreto. Comrade Draculich es una clara muestra de como el fantástico y la sátira son la mejor vía para la denuncia social y política. Bodzsár menciona como referentes principales de su sentido de la comedia a Chaplin y Buster Keaton, a la vez que reconoce haberse inspirado en Steve McQueen para construir a su héroe. Necesario es destacar el esmerado trabajo de ambientación que ha llevado a cabo Márton Ágh. Una película simpática y disfrutable por el público en general, a pesar de que alguno de sus gags tiene un fuerte componente de color local.
Y dejamos este tercer día compartiendo este video que recuerda a las personalidades desaparecidas del mundo del cine. Por cierto, a ver si detectan el (gran) error:
(pista: minuto 0:.36)
‘Menéndez: El día del Señor’, la apuesta española para Halloween 2020
Netflix estrena en exclusiva el día 30 esta cinta sobre exorcismos poco ortodoxos dirigida por el barcelonés Santiago Alvarado Ilarri
Juli Fàbregas, Dolores Heredia, Ximena Romo y Héctor Illanes protagonizan esta coproducción hispano-mexicana
El día 30 de octubre de 2020 Netflix estrena en exclusiva en más de 190 países la película Menéndez: El día del Señor dirigida por el barcelonés Santiago Alvarado Ilarri. El largometraje sigue la suerte de Menéndez (Juli Fàfregas) un sacerdote retirado que convive con los fantasmas de su pasado. El cura regresará a las tinieblas cuando un amigo le suplica que ayude a su hija, ya que piensa que está poseída (Ximena Romo).
La película estará disponible para una audiencia potencial de 193 millones de personas la mañana del viernes 30 de octubre a las 09:00 hora española. Rodada íntegramente en Ciudad de México entre abril y mayo de 2019, es una producción de la mexicana Sula Films en coproducción con la productora española Magno Entertainment. El estreno coincide, no por casualidad, con el fin de semana de la festividad mexicana de El día de Muertos y la fiesta de Halloween celebrada en casi todo el mundo cada vez con más fervor.
Los caminos del diablo también son inescrutables
El director Santiago Alvarado Ilarri, ganador del Premio Noves Visions del Festival de Sitges con su debut Capa caída (2013), plantea una cinta que es un auténtico viaje a los infiernos para los protagonistas. “La idea era llevar una película sobre un exorcismo a un nuevo terreno, dándole una vuelta de tuerca al género. Menéndez es violenta, grotesca, terrorífica y con pinceladas de humor muy negro. Pero también es una película sobre personajes complejos que andan perdidos y llegarán a situaciones límite para encontrarse.” De la misma manera que en su ópera prima, en Menéndez: El día del Señor también ha realizado la labor de guionista a cuatro manos junto a Ramón Salas.
Para el protagonista del film, Juli Fábregas, el papel de sacerdote exorcista en horas bajas ha significado una experiencia de la cual ha disfrutado y sufrido a partes iguales. “Ha sido un reto personal impresionante. Construir, vivir y querer a Menéndez ha sido un regalo que se me ha brindado después de veinticinco años de carrera”. El actor catalán, además, asegura haber disfrutado y aprendido con esta nuevo proyecto internacional. “Con Santiago llevábamos mucho tiempo ensayando y creando al personaje. La relación con los compañeros de reparto ha sido un aprendizaje y una retroalimentación que ha conseguido crear una magia única que creo que se transmite perfectamente en la película.”
La actriz Ximena Romo asume el desafío de interpretar a una joven con problemas que van más allá de los propios de la adolescencia. “El proyecto me retó muchísimo como actriz, sobre todo físicamente y emocionalmente. Es un personaje que me permitió tocar extremos”. Romo destaca también la importancia de los personajes y sus mochilas emocionales en la trama. “Esta película me permitió jugar, salirme de lo que he hecho siempre. Es un thriller muy intenso, que se centra sobre todo en las actuaciones.”
El largometraje también cuenta con la participación de los actores mexicanos Héctor Illanes y Dolores Heredia en la piel del padre de la niña y una amiga del sacerdote respectivamente.
Para el productor de Magno Entertainment, Joaquim Vivas, la oportunidad de trabajar codo a codo con México significa, sin duda, un paso de gigante para el proyecto. “Esta producción sin la parte mexicana hubiese sido casi imposible de realizar. Sula Films y su productor Alejandro Sugich apostaron todo por el proyecto. Era terreno inexplorado para las dos empresas, ya que nunca habíamos hecho una coproducción internacional, pero el viaje ha valido muchísimo la pena.”
Para el productor de Sula Films, Alejandro Sugich, esta película ha sido un gran reto en su carrera como productor, “puse en juego todo lo que venía construyendo los últimos 11 años.” En palabras de Sugich, “esta es mi sexta película como productor y en lo personal la que más me ha enseñado. No conviertes goles si no tienes un equipo detrás y la primera parte de la Trilogía Menéndez es un golazo. Por último un fuerte agradecimiento a Netflix por apostarle al cine independiente de género iberoamericano hecho entre dos países unidos por el idioma y por el cine.”
La versión restaurada de ‘Crash’ de David Cronenberg se estrenará en cines el 29 de enero de 2021
A CONTRACORRIENTE FILMS repondrá en cines Crash, la película de culto dirigida por David Cronenberg («La mosca», «Inseparables») estrenada en 1996, en su versión restaurada en 4K. El film, adaptación de la novela homónima escrita por J.G.Ballard y que obtuvo el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes, vuelve a los cines el próximo 29 de enero, 25 años después de su estreno en salas.
Crash, presentada en su versión restaurada en la 76 edición de la Mostra de Venecia, está protagonizada por James Spader («Secretary», serie de TV «The Blacklist»), Holly Hunter («El piano», «Al filo de la noticia»), Elias Koteas («La delgada línea roja»), Deborah Kara Unger («The Game») y Rosanna Arquette («Pulp Fiction»).
Sinopsis:
James, un prestigioso científico en crisis personal y profesional, sufre un accidente de coche en el que también se ve afectada la mujer de otro vehículo, Helen. Ambos han de pasar un tiempo en el hospital y, a partir de entonces, comienzan a sentir una extraña y poderosa atracción mutua. James se precipita a un mundo perverso y peligroso en el que se mezclan el sexo, los coches y la muerte.
A CONTRACORRIENTE FILMS repondrá en cines CRASH el 29 de enero de 2021.
Álex de la Iglesia rueda en Venecia ‘Veneciafrenia’
Álex de la Iglesia ha comenzado a rodar VENECIAFRENIA, el primer largometraje de THE FEAR COLLECTION, el nuevo sello cinematográfico creado por Sony Pictures International Productions y Pokeepsie Films, la productora creada por Álex de la Iglesia y Carolina Bang, en asociación con Amazon Prime Video, para la coproducción de películas de género de terror y suspense que conformarán una colección que tendrá como anfitrión al propio Álex de la Iglesia.
Bajo la dirección de Álex de la Iglesia, quien además firma el guion junto a Jorge Guerricaechevarría, el rodaje de VENECIAFRENIA comenzó el pasado 5 de octubre en la ciudad de Venecia, y se prolongará durante 7 semanas en localizaciones de Venecia y Madrid. El reparto lo conforman Ingrid García Jonsson, Silvia Alonso, Goize Blanco, Nicolás lloro, Alberto Bang, Cosimo Fusco, Enrico Lo Verso, Armando di Razza, Caterina Murino y Nico Romero.
SINOPSIS
En la naturaleza existe vínculo indisoluble entre la belleza y la muerte. El ser humano, deudor de su entorno, imita lo que observa. Como mosquitos atraídos por el faro más brillante, los turistas están apagando la luz de la ciudad más hermosa del planeta. La agonía de las últimas décadas ha desatado la ira entre los venecianos. Para frenar la invasión, algunos se han organizado, dando rienda suelta a su instinto de supervivencia. Nuestros protagonistas, un sencillo grupo de turistas españoles, viajan a Venecia con la intención de divertirse, ajenos a los problemas que les rodean. Allí se verán obligados a luchar por salvar sus propias vidas.
Producida por Sony Pictures International Productions y Pokeepsie Films, en asociación con Amazon Prime Video, con la participación de Mogambo Productions, VENECIAFRENIA se estrenará en cines de toda España el próximo año de la mano de Sony Pictures Entertainment Iberia y tras su paso por las salas de cine estará disponible en Amazon Prime Video. El proyecto cuenta con la supervisión de Sandra Condito y Natalia Fernández por parte de Sony Pictures International Productions.
Sobre Pokeepsie Films
Con Pokeepsie Films, Alex de la Iglesia (guionista, director y productor) y Carolina Bang (actriz y productora) han dado salida a proyectos de nuevos talentos como «Musarañas» (Esteban Roel y Juan Fernando Andrés), «Los Héroes del Mal» y “En las Estrellas” (Zoe Berriatúa), “Pieles” (Eduardo Casanova) y “La Casa de Tiza” (Ignacio Tatay). También han emprendido proyectos como “El Bar”, “Perfectos Desconocidos”, y la serie de televisión para HBO “30 Monedas” (todas de Alex de la Iglesia).
Novedades Astiberri: Diciembre de 2020
Gente de aquí, gente de allí Quan Zhou Wu
Color. Rústica con solapas
208 páginas. 20 x 20 cm
20 euros
ISBN: 978-84-18215-13-1
A la venta el 26 de noviembre
En este ensayo gráfico y sin abandonar el humor, la autora explora las relaciones entre migrantes, descendientes de migrantes y españoles para hablar de identidad, arraigo, integración y convivencia. Gente de aquí, gente de allí es un libro reversible, con dos portadas, que puede leerse por ambas caras.
Algo extraño me pasó camino de casa Miguel Gallardo
Color. Cartoné
80 páginas. 17 x 24 cm
14 euros
ISBN: 978-84-18215-33-9
A la venta el 26 de noviembre
El autor catalán se embarca con su fluido gracejo habitual en un inusual viaje, esta vez desde su cama de hospital, donde, sin esperárselo remotamente, se encuentra con que le acaban extrayendo de la cabeza un tumor de cuatro centímetros.
Regreso al Edén Paco Roca
Color. Cartoné. 176 páginas. 17 x 24 cm. 18 euros
ISBN: 978-84-18215-20-9
A la venta el 3 de diciembre
El autor valenciano vuelve a indagar en la memoria con Regreso al Edén, inspirada a partir de una foto familiar de 1946, para firmar su obra más ambiciosa como creador completo desde Los surcos del azar y La casa.
Matadero Cinco Albert Monteys y Ryan North (novela de Kurt Vonnegut)
Color. Cartoné
192 páginas. 19 x 26,7 cm
18 euros
ISBN: 978-84-18215-28-5
A la venta el 3 de diciembre
Albert Monteys dibuja la clásica novela antibelicista de Kurt Vonnegut medio siglo después de su publicación. El humor negro y absurdo, y las agudas observaciones de la naturaleza humana contenidos en Matadero Cinco conservan toda su vigencia.
Rumble 6: Último caballero John Arcudi y David Rubín
Color. Cartoné
160 páginas. 17 x 26 cm
18 euros
ISBN: 978-84-18215-22-3
A la venta el 3 de diciembre
Este sexto tomo pone punto final a la serie originalmente creada por John Arcudi y James Harren. Para celebrar el cierre, este volumen se incluye una selección de historias cortas dibujadas por Matej Stic, Gerardo Zaffino, Andrew MacLean, James Harren y Gonzalo Ruggieri.
«La divina comedia de Oscar Wilde», de Javier de Isusi, Premio Nacional del Cómic 2020
La novela gráfica La divina comedia de Oscar Wilde, de Javier de Isusi, de la que ya les hablamos puntualmente en Proyecto Naschy, es la ganadora del Premio Nacional del Cómic 2020 que otorga el Ministerio de Cultura y Deporte. El premio tiene una dotación de 20.000 euros. Javier de Isusi ha dedicado cinco años a trabajar en esta obra, que reconstruye los últimos momentos de la vida del autor irlandés en París, alcoholizado, enfermo e incapaz de escribir una línea.
El jurado ha elegido esta obra “por su guion perfectamente articulado con una introducción y coda final que evocan la representación del teatro de la vida, y una brillante caracterización de los personajes mediante el acertado recurso de entrevistas individuales”. Ha destacado además que “las ilustraciones, muy sugestivas y al servicio de la narración, son el resultado de un excelente dominio de la acuarela de tinta sepia, con sutiles transparencias y diferentes planos de profundidad marcados por el virtuosismo en el empleo tonal de una misma gama cromática”.
Inframundo, de Pep Brocal, también publicada por Astiberri en 2019, ha sido la otra obra finalista.
Oscar Wilde murió exiliado en París en noviembre de 1900 a la temprana edad de 46 años, tan sólo tres después de salir de prisión, en la ruina moral y económica, fuertemente alcoholizado, incapaz de escribir una línea. El escritor, dramaturgo y poeta irlandés entendía la vida como una obra de arte y según dijo en numerosas ocasiones era en su vida donde había puesto todo su genio, mientras que en su obra sólo su talento. Le gustaba mirarse en el espejo de La Divina comedia y comparar sus momentos vitales con los de la obra de Dante. Su vida es el drama perfecto de quien ha alcanzado todo lo que el mundo puede ofrecerle para luego perderlo de golpe.
La divina comedia de Oscar Wilde, de Javier de Isusi, ateniéndose fielmente a lo que se sabe de la existencia del escritor, desborda esos límites para imaginar lo que podría haber pasado por dentro de su alma en esos tres últimos años. Rinde además un prolijo homenaje a toda su obra mediante citas y referencias textuales que transmiten buena parte de las ideas de Wilde, todo ello contado a través de sus encuentros con las personas que más le acompañaron durante ese periodo final.
Javier de Isusi presentó su obra en Madrid en septiembre de 2019 acompañado por expertos wildeanos como Gloria G. Durán y Luis Antonio de Villena. La charla en la que se disecciona la obra de Isusi y la figura de Wilde, puede verse en este vídeo.
Javier de Isusi
Bilbao (1972). Estudia arquitectura en las escuelas de San Sebastián y Lisboa. Acabada la carrera, prueba brevemente la profesión y emprende un viaje que le llevará durante un año a recorrer buena parte de Latinoamérica. Al volver de ese viaje decide dedicarse a lo que siempre ha querido hacer: contar historias en viñetas. Después de ganar algunos premios en diversos concursos de cómics empieza a publicar en 2004 Los viajes de Juan Sin Tierra, tetralogía que comprende: La pipa de Marcos (2004), La isla de Nunca Jamás (2006), Río Loco (2009) y En la tierra de los Sin Tierra (2010), todos ellos publicados en Astiberri.
Tras finalizar la saga retoma junto con Luciano Saracino los guiones del cómic colectivo Historias del olvido (Dolmen, 2007 y 2011), escribe La partida del soldado, cuento ilustrado por Leticia Ruifernández (El Jinete Azul, 2011), ilustra la novela El retrato de Dorian Gray, de Oscar Wilde (Astiberri, 2012), y dibuja Ometepe (Astiberri, 2012), cómic con guión de Saracino. Con He visto ballenas (Astiberri, 2014) –editado también en euskera, francés y alemán– es nominado a los premios de los festivales de cómic más importantes de España y Francia. En 2015 publica para CEAR-Euskadi (Comisión Española de Ayuda al Refugiado de Euskadi) Asylum, una nueva novela gráfica que aborda la temática de los refugiados desde distintos puntos de vista, y que, en 2017 coeditan CEAR y Astiberri.
La divina comedia de Oscar Wilde le ha llevado a Javier de Isusi casi cinco años de trabajo, desde que comenzó a trabajar en ella el verano de 2014.
Diario de Serendipia en Sitges: Año de la pandemia. Segunda cápsula
Se inicia un largo puente que podría animar las magras taquillas del festival. La sala Tramuntana amanece con dos espectadores en su primera sesión, pero va animándose conforme avanza el día culminando con el pase de la última trastada de Juan Cavestany, Un efecto óptico. Uno no puede evitar cierta sensación desazón ante la situación. Afortunadamente, entre que las butacas están numeradas otorgando, por tanto, asiento asegurado al público donde ha escogido, y que los acreditados tienen su propia zona delimitada, ya no hay carreras para coger los mejores asientos de las salas. En todo caso Serendipia se dispone a meterse entre pecho y espalda su segunda ración de cine en Sitges, con películas que irán desde la Sección Oficial; pasando por el Anime; y terminando con dos Noves Visions tras haberse quedado sin tickets de prensa para ver la esperadísima Mandíbules, último chiste de Quentin Dupieux, un director que incrementa en cada edición su número de seguidores.
Mientras tanto, sesión tras sesión el operario que se encarga de desinfectar las salas, realiza puntualmente su trabajo de manera tan eficaz como rápida, cumpliendo así el protocolo anunciado y señalado por el festival.
La segunda jornada la iniciamos con La vampira de Barcelona, uno de los casos más populares de la crónica negra catalana que, afortunadamente, su director ha sabido abordar tal y como (no) sucedió, desterrando el sensacionalismo que tanto en su época como ahora ha teñido páginas y más páginas de falsedades, inundando de sangre y vísceras una historia que enmascara la pobreza y la necesidad que pasaban las clases más humildes de Barcelona.
En la película de Lluís Danés veremos que las falsas noticias conspiranoicas, que tanto nos encontramos actualmente en las redes sociales, han existido siempre, repitiéndose y perpetuándose hasta la saciedad: niñas que son asesinadas para satisfacer los vicios y miserias de los poderosos, ¿les suena? Pues ya era una teoría que corría a pie de calle a principios del siglo XX, alimentada por una prensa ávida de titulares. Una historia/leyenda, por otra parte, demasiado preciosa como para que la realidad la ignorara cubriéndola con su gris tonalidad, así que Danés ha escogido quedarse con lo mejor de ambos mundos, con un blanco y negro de aire expresionista para retratar el sucio y gris barrio barcelonés del Raval en fuerte contraste con el colorido y la luminosidad de los lupanares de lujo en los que se mueve la élite de la ciudad. Drogas, prostitución y el Raval, elementos que han permanecido unidos íntimamente durante todo el siglo XX. Danés también ha optado por narrar su historia mediante escenarios minimalistas, que llevan al espectador al Sjöström de La carreta fantasma (Körkarlen, 1921) o al Robison de Sombras (Schatten, 1923), sin olvidar la feria de fenómenos de Caligari y el Tim Burton más fantasmal. Un remarcable diseño de producción al que se suma la sobresaliente interpretación del elenco femenino, compuesto por Bruna Cusí, Nora Navas y Núria Prims.
Tras semejante inicio, llega la hora del anime con Hello World (Tomohiko Itô, 2019), una producción japonesa de carácter fantástico en el que su protagonista, el joven y apocado Naomi, recibirá la visita de su yo del futuro, que además de desvelarle que su realidad no es más que una simulación virtual del pasado, querrá evitar un hecho traumático antes de que se produzca. Todo en un anime que, como tal, contiene algunos momentos complejos que dificultarán al espectador menos avezado seguir la evolución del relato. En realidad, estamos ante una historia romántica, pues su marco de ciencia ficción, que pone sobre la palestra paradojas como si sería posible o no modificar el pasado para cambiar el presente o como de qué manera podemos estar seguros de que nuestro mundo es real, está al servicio de la idea de que es el amor la verdadera fuerza que nos mueve y hace posible que nuestra voluntad se imponga sobre las directrices del destino. Destaca el colorido y la fantasía de la que hace gala la producción. Lamentablemente la asistencia de público fue bastante baja, asistiendo tan solo 55 almas a la sesión de un género que tiene un amplio número de seguidores.
Serendipia cerró el día con dos títulos pertenecientes a la sección Noves Visions. Primero Minor Premise, escrito y dirigido por Eric Schultz, que tuvo como antecedente el teaser/cortometraje Premise (2020), del mismo autor, narra el arriesgado experimento del Dr. Kochard, que, superando al Dr. Jekyll, consigue dividir su propia conciencia en diez estadios que se alternan sucesivamente en el tiempo y que pugnan por ser la identidad dominante. Todo empieza con la hipótesis de que nuestra conducta emocional es directamente proporcional a la posibilidad de manipular nuestros recuerdos. Someter nuestra memoria al control del intelecto facultaría la capacidad de eliminar las aristas de nuestra personalidad hasta lograr una versión mejorada de nosotros mismos. Pero la incidencia del recuerdo sobre el yo viene determinada por su vinculación al sentimiento, por tanto la premisa menor de esta especie de silogismo no es otra que la que afirma que es necesario aislar cada uno de nuestros rasgos afectivos para autodominarnos. Kochard se usará a sí mismo como cobaya del experimento crucial que habría de validar la hipótesis, pero algo sale mal y se desintegra su yo que queda desgajado en múltiples identidades que van desde el intelecto a la ira, pasando por el miedo y la ansiedad. Su vida dependerá de conseguir revertir los efectos y reintegrar su conciencia, es vital que la personalidad predeterminada vuelva a tomar las riendas de su identidad, empresa que chocará con los intereses particulares del fragmento más alejado y que no es más que su reverso desinhibido, el Hyde que todo Jekill lleva dentro. A partir de ahí la cinta se convierte en un thriller psicológico totalmente atípico que cuida la veracidad científico/filosófico en su ejecución. Una producción de pequeño formato que se desarrolla en escenarios claustrofóbicos y que cuenta con pocos personajes, de entre los que destaca el propio Dr. Kochard, interpretado por Sathya Sridharan.
Si nuestra mente estaba a punto de reventar tras los futuros alternativos de Hello World y la fragmentación múltiple de la conciencia en Minor Premise, no nos lo pondría más fácil Un efecto óptico, la última marcianada de ese inclasificable director que es Juan Cavestany, y que fue la propuesta más exitosa en cuanto a público que hubo en la sala Tramuntana durante esa segunda jornada de festival. Maestro del absurdo y el extrañamiento, Cavestany lleva a sus protagonistas, Carmen Machi y Pepón Nieto a un viaje a Nueva York, ciudad que, sospechosamente, es pastada a Burgos. La ciudad como espacio de despersonalización es siempre el escenario de las fábulas del director. Pero no terminarán ahí los hechos extraños y el adentramiento de la pareja protagonista (y del público) en el reino de lo raro, pues Cavestany es especialista en convertir lo cotidiano en tragicómico. Una película desarrollada con repeticiones y elipsis, que nos lleva a la ironía brechtiana. Con astracanadas que recuerdan al maestro José Luis Cuerda, el director distorsiona la realidad ofertando más de una visión al espectador. Pero permítannos que no desvelemos mucho más de un film que, precisamente en el efecto sorpresa, esconde sus grandes bazas, con lo inesperado como aliado perfecto.
Cine extraño, ingenioso y que tiene en común con Minor Premise la escasez de personajes y escenarios, así como un final abierto a la interpretación por parte del espectador. Podríamos preguntarnos qué hace una comedia postmoderna en un festival de género, pero tenemos la respuesta. Más allá de la presencia de lo sobrenatural, hay un humor muy autóctono que debe considerarse fantástico por el propio dibujo surreal y absurdo de las situaciones cómicas. Humorismo que hunde sus raíces el la otra generación del 27 (con Jardiel a la cabeza) de la que, sin duda, Cavestany es su heredero más directo ahora que José Luis Cuerda nos ha abandonado. El esperpento es una de las mayores aportaciones que el ingenio español ha dado al mundo de la narrativa, ya sea ésta literaria o cinematográfica.
Y esto es cuanto dio de sí esta jornada. Mañana será otro día que para Serendipia estará especialmente marcado por el reencuentro con el más esperado Juanma Bajo Ulloa.
Pero eso será mañana.
Diario de Serendipia en Sitges: Año de la pandemia. Primera cápsula
Año atípico. Con una pandemia de por medio y unas circunstancias totalmente extraordinarias bajo las cuales Serendipia ha celebrado, como ha podido, su undécimo festival de Sitges acreditado. Hay ganas de cine en el ambiente. Hay ganas de fantástico y de festival. Los ojos de más de uno brillan de entusiasmo: “se ha podido hacer”. Y es que las cosas no estuvieron del todo claras durante estos meses. Vivimos, más que nunca, de un día para otro. Casi de prestado, así que hay que aprovechar, más que nunca, los buenos momentos. Buscarlos, crearlos, vivirlos. Me cruzo con el director del certamen, Ángel Sala, y me pregunta que qué tal lo veo. “Raro, con una sensación extraña”. “Pero se ha podido hacer”, me responde. Sí, con las restricciones y zonas especiales asignadas para prensa; escasez de invitados y colorín; así como una alarmante falta de afluencia de público en general. Pero aquí hemos venido, como siempre, a lo que hemos venido: a rendir pleitesía al cine.
Serendipia inaugura su primera jornada en el Festival de Sitges 2020 con Archenemy, una historia muy indicada para estas circunstancias. Una historia que nos habla de héroes y de la búsqueda de la luz. En ‘el barrio’ donde se desarrolla la acción de Archenemy todos buscan su manera de sobrevivir, ya sea vendiendo drogas o ‘stories’ para redes sociales. Cada uno 
tiene su historia, pero la más extraña es la de un borracho, un sintecho que dice ser un viajero interdimensional atrapado en nuestra realidad ¿será cierto, serán tan solo delirios derivados del alcohol? No lo sabremos hasta que averigüe la misión que le ha traído a esta dimensión en esta nueva propuesta de Adam Egypt Mortimer, de quien ya pudimos ver en Sitges sus dos anteriores filmes, Some Kind of Hate (2015) y Daniel Isn’t Real (2019). En Archenemy se vale de la animación para mostrar al espectador los recuerdos/delirios cósmicos de Max Fist, el viajero de otras dimensiones, con un dibujo de línea clara que nos recuerda el imaginario de los hermanos François y Luc Schuiten, especialmente el que idearon para su obra más reconocida, la Trilogía de las Tierras Huecas (Caparazones, Zara y Nogegon). Tanto Mortimer como los belgas nos presentan mundos inventados a través de los cuales se nos ofrece un conjunto de reflexiones que nos permiten iluminar nuestra realidad desde el escapismo del fantástico y, a la vez, meditar sobre nuestra condición. Y todo como metáfora de esa búsqueda de una existencia más luminosa, lucha en la que, quien más, quien menos, estamos enfrascados y con la que escapar de nuestra sucia y gris realidad. Recibida con opiniones dispares sobre su valía, fue unánime que uno de sus principales méritos es la interpretación del carismático Joe Manganiello en el papel de ese superhéroe antiheroico que viene a rescatar al mundo de la ambición de quienes pretenden convertirlo en su coto privado de dominación. Más allá del desacuerdo, sigue habiendo consenso sobre que Adam Egypt Mortimer es una de las voces más interesantes del panorama fantástico actual.
Malnazidos fue la película escogida para inaugurar el festival de Sitges, una película de zombies que va mucho más allá, pues ante todo es una cinta de aventuras con mucho de comedia. Lo que en principio podría tomarse como una idea descabellada, ubicar un ejército de zombies, en la Guerra Civíl española, se convierte en un escenario totalmente creíble por la manera en la que sus directores, Javier Ruiz Caldera y Alberto de Toro, han enfocado la idea, llevándola al campo del humor. En Malnazidos, al igual que sucedía en la que vemos como su directa inspiración, La Horda (La Horde, Yannick Dahan y Benjamin Rocher, 2009), dos grupos rivales, al parecer, irreconciliables, tendrán que unir fuerzas ante un enemigo común e idéntico en ambas cintas: los zombies. Así, tendremos a un capitán del bando nacional y un soldado raso carente de ideología política que deberán convivir y superar las naturales desconfianzas junto a un sargento republicano, un comisario político anarquista y una joven miliciana, ‘la matacuras’, entre otros, en un variopinto grupo contagiado del espíritu Bruguera, en su 
forma y en algún homenaje directo, como en el nombre del capitán que interpreta Miki Esparbé, Jan, un detalle sin duda responsabilidad de Javier Ruíz Caldera, director de Anacleto: agente secreto (2015) y de, precisamente, Superlópez (2018) basada en la obra más celebrada de Juan López Fernández, Jan. Una cinta entretenida cuyo estreno se producirá en enero de 2021.
La producción canadiense Vicious Fun es una comedia negra dirigida por Cody Calahan protagonizada por un crítico/freaky de cine de terror que se encontrará en el lugar y en el momento equivocado cuando accidentalmente entre a formar parte de una especie de terapia de grupo de asesinos en serie. Buenos gags y en general un buen rato en una cinta para ver y celebrar, preferiblemente, en compañía. Película inaugural de la sección Panorama Fantástico, es un film totalmente festivalero, con sus personajes caricaturescos y su buen ritmo.
Por su parte Península (Train to Busan 2, Sang-ho Yeon) la esperada secuela de Train to Busan tiene bastante en común con Malnazidos, pues ambas son, principalmente, películas de acción en las que los zombies pasan a un segundo plano, lo cual no significa que la película no tenga sus momentos de tensión protagonizada por unos muertos vivientes (o infectados) de lo más hambriento y ágil. La acción se desarrolla cuatro años después de la infección que ha convertido Corea en un erial apocalíptico en perpetua cuarentena. Los países han dejado de aceptar refugiados y los supervivientes que quedan son culpabilizados como responsables de la catástrofe humanitaria.
Una digna continuación dirigida de nuevo por Yeon Sang-Ho que incide en los momentos melodramáticos pero repleta de acción que demuestra que, como suele suceder, en los momentos de crisis los humanos son los peores enemigos de si mismo. Todo un cruce del espíritu de Mad Max con el ritmo del thriler coreano y con zombies como fondo, que nos resultó más disfrutable de lo que hacían prever los comentarios negativos vertidos en redes sociales antes de su proyección.
Aunque nos mantenemos y nos mantendremos cada día más alejados del colorín, o si prefieren, glamour, los cócteles y las alfombras rojas, nuestro amigo Quim Crusellas y su equipo son los que mejor saben captar la esencia del día a día que el festival desea difundir en sus making of, aunque dándole pequeños guiños a la clase de tropa y otorgando al conjunto un magnífico sentido del humor. Este año han sido menos, tan solo cuatro, pues los eventos diarios daban para poco más.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 16 de octubre de 2020 *
CORPUS CHRISTI (Boże Ciało, Jan Komasa, 2019
- Polonia/Francia. Duración: 116 min. Guion: Mateusz Pacewicz Música: Evgueni Galperine, Sacha Galperine Fotografía: Piotr Sobocinski Jr. Productora: Aurum Film, Canal+ Polska Género: Drama
- Reparto: Bartosz Bielenia, Eliza Rycembel, Aleksandra Konieczna, Tomasz Zietek, Leszek Lichota, Lukasz Simlat, Barbara Kurzaj, Zdzislaw Wardejn
- Sinopsis: Narra la historia de Daniel, de 20 años de edad, quien experimenta una transformación espiritual mientras vive en un Centro de Detención Juvenil. Quiere ser sacerdote, pero esto es imposible debido a sus antecedentes penales. Cuando es enviado a trabajar a un taller de carpintería en una pequeña localidad, a su llegada se hace pasar por sacerdote y se hace cargo accidentalmente de la parroquia local. La llegada del joven y carismático predicador es una oportunidad para que la comunidad local comience el proceso de sanación tras una tragedia ocurrida en esa pequeña población.
- Premios:
- BCN Film Fest 2020: Premio de la crítica a la mejor película
-
Premios Oscar: Nominada a Mejor película internacional 2019Chicago Film Festival 2019: Mejor actor (Bartosz Bielenia)
Corpus Christi es una película sobre la fe. Pero también un alegato sobre el lugar que la sociedad parece tener reservado para cada individuo. Del que le ha tocado por ambiente y posición social y del que es difícil escapar. No nos encontramos ante una apología al catolicismo, sino que más bien es un film social, en el que está presente el perdón y la redención, por supuesto, pero también en referencia a la justicia cuestionando la cárcel, y su antesala el reformatorio, como lugar de reinserción del individuo en la sociedad. Una interesante cinta polaca con momentos de humor y pasión y una actuación remarcable de su protagonista, que lo ha hecho merecedor del premio al mejor actor en el Chicago Film Festival.
DeAplaneta estrenará «Mamá te quiere», con Sarah Paulson
El 27 de noviembre llegará a nuestras pantallas de Mamá te quiere, thriller de terror protagonizado por Sarah Paulson (American Horror Story) y dirigida por Aneesh Chaganty (Searching).
Sarah Paulson, convertida ya en un icono del terror psicológico contemporáneo gracias a su trabajo en la aclamada serie antológica “American Horror Story” y la reciente “Ratched”, interpreta a una madre con un oscuro secreto que intentará ocultar a toda costa. Comparte protagonismo con Kiera Allen en el papel de 
Chloe, una adolescente en silla de ruedas que necesita escapar de su madre, pero no encuentra la manera de hacerlo. Esta es la primera incursión en el cine de Allen, primera actriz con discapacidad motriz que protagoniza un thriller en los últimos 70 años.
Mamá te quiere está inspirada libremente en la historia real de Gypsy Rose y Dee Dee Blanchard, en la que una madre provoca distintas enfermedades a su hija para poder dedicar su vida a cuidarla.
Del visionario equipo de guionistas, productores y director de la exitosa película Searching, llega este apasionante thriller sobre lo que pasa cuando MAMÁ TE QUIERE demasiado.
SINOPSIS
Dicen que el amor de una madre es para siempre… pero para Chloe esto no es un consuelo, sino una amenaza. Hay algo extraño, incluso siniestro en la relación de Chloe (Kiera Allen) y su madre, Diane (Sarah Paulson). Diane ha criado a su hija completamente aislada, controlando cada uno de sus movimientos, pero Chloe pronto empezará a descubrir los oscuros secretos que guarda su madre…
DeAPLANETA ESTRENARÁ «MAMÁ TE QUIERE» EL PRÓXIMO 27 DE NOVIEMBRE
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