Archivo
Póster y tráiler de ‘La mujer dormida’ de Laura Alvea
La mujer dormida, dirigida por Laura Alvea (La chica de nieve) y protagonizada por Almudena Amor (La abuela; El buen patrón) y Javier Rey (El verano que vivimos; Fariña) se estrenará en cines el próximo 31 de mayo.
Sinopsis: Ana (Almudena Amor), auxiliar de enfermería, comienza a sentirse atraída por Agustín (Javier Rey), el marido de una mujer en estado vegetativo a la que ella cuida. Es entonces cuando empieza a ser acosada por extraños fenómenos que parecen tratar de echarla de casa y separarla de Agustín.
Amanda Goldsmith (Competencia oficial) completa el reparto de este thriller psicológico escrito por Daniel González, Miguel Ibáñez Monroy y Marta Armengol y que también cuenta con la colaboración de Laura Alvea. Antes de su estreno en cines, La mujer dormida tendrá su première nacional en el Festival de Cine de Málaga, dentro de la Sección Oficial fuera de competición. Internacionalmente ha sido seleccionada para participar en el Festival de Cine de Porto, Fantasporto, dentro de su Sección Oficial a Competición. Siguiendo la estela de festivales, también se ha podido ver en el Ibero American Film Festival Miami- IAFF, donde recibió una Mención Especial del Jurado.
La mujer dormida es una producción de Olmo Figueredo González-Quevedo y Carlos Rosado Sibón para La Claqueta PC y Marta Ramírez para Coming Soon Films, con la producción ejecutiva de Sara Gómez y la producción delegada de Lluís Ruscalleda. Cuenta con la participación de RTVE, HBO Max y con la colaboración de 3Cat, con la financiación del ICAA y con el apoyo de la Junta de Andalucía, con la financiación de CreA SGR e ICO y con la colaboración de Filmax, que se encarga de la distribución nacional y de las ventas internacionales.
Laura Alvea
Laura Alvea es una directora andaluza con más de dos décadas de experiencia en diversas áreas cinematográficas. Ha sido guionista de largometrajes como Ánimas (Netflix), ayudante de dirección en decenas de películas y series (La Trinchera Infinita, Arde Madrid, El Autor, Pan de Limón con Semillas de Amapola…) y ha dirigido documentales como Fernando Torres: El Último Símbolo (Amazon Prime), largometrajes como Ánimas o The Extraordinary Tale (Filmin) y series como el thriller La Chica de Nieve (Netflix).
«Marisol, llámame Pepa» se podrá ver por primera vez en el Festival de Málaga
El largometraje documental ‘Marisol, llámame Pepa’ dirigido por Blanca Torres, se podrá ver por primera vez en el FESTIVAL DE MÁLAGA (Sección Oficial – Fuera de Concurso).
Sinopsis: La niña prodigio Marisol fue inmortalizada casi a diario, en una sobreexposición que acabó borrando los límites entre el personaje y su propia vida. Marisol, llámame Pepa alumbra de nuevo las imágenes de este mito, para redescubrir el camino vital de la Marisol niña y adolescente, y acabar descubriendo a la verdadera Pepa Flores, la mujer que se escondía tras ella y que tuvo que desaparecer para recuperar su voz, o mejor dicho, su derecho al silencio.
El esperado documental sobre Marisol está producido por Chema de la Peña (Tu luz y mi calma), José Carlos de Isla y Paco Ortiz (Sarao Films). Se trata del primer acercamiento riguroso a la figura y el mito de Marisol que recoge sus éxitos internacionales con imágenes inéditas de sus giras por Japón, Angola, EEUU, Argentina o Perú. Cuenta con la participación de Vicky Flores (hermana de Pepa), Amaia, Fernando Méndez-Leite, Enrique Cerezo, Cristina Hoyos y amigos personales de la propia Pepa.
Marisol es el mejor símbolo de esta España contradictoria y un retrato espectacular de los cambios que atravesaron las mujeres en esos años. El documental alumbra su impresionante trayectoria como cantante y actriz para enfocar no solo al mito, sino también a la niña, adolescente, y después mujer que se escondió tras ella; y que tuvo que desaparecer para recuperar su voz o, mejor dicho, su derecho al silencio.
Ninguna artista española ha encarnado como Marisol la historia reciente de España. En apenas 25 años de carrera, pasó de ser La Niña Prodigio del franquismo a una de las primeras militantes comunistas; y de los coros y danzas de la Sección Femenina, a protagonizar el primer desnudo en portada de la democracia. Toda España siguió por televisión su primer matrimonio y su papel de perfecta esposa. Solo 10 años después, la veríamos casarse en Cuba apadrinada por el mismísimo Fidel Castro. Un personaje en constante conflicto con la fama. Una lucha entre Pepa Flores, la mujer de carne y hueso, y el ídolo de masas.
Participan TVE, CANAL SUR, el ICAA, Ayuntamiento de Madrid y Comunidad de Madrid. La distribución en salas corre a cargo de Nieves Maroto (ME LO CREO).
Marisol, llámame Pepa según Blanca Torres (Directora y guionista)Ser un mito no se elige. Es la mirada de los otros lo que convierte a algunas personas en un espejo en el que mirarse. Y eso es para mí Marisol-Pepa Flores. Un mito que me ha ayudado a entender de dónde vengo, y cuál fue el pasado de las mujeres que me precedieron.Este personaje totémico, mitad Marisol, mitad Pepa Flores, es capaz de representar como ningún otro, a todas las mujeres de este país.Marisol fue un verdadero rayo de luz en la España de los años 60. Un personaje de ficción encarnado por una niña prodigiosa que se convirtió en el modelo femenino omnipresente de todas las niñas del tardofranquismo, a las que, como a Marisol, les costaría mucho dejar atrás su rol infantil y ser tratadas como adultas de pleno derecho.Y esa es la Transición que cuenta este documental. El paso de todas ellas hacia la conquista de su propia identidad a mediados de los años 70. Un largo proceso del que yo todavía me siento parte y del que Pepa Flores representa el despertar, con sus contradicciones, el miedo a la propia libertad, y la valentía de romper con el pasado y alzar la voz.Desde 1985, Pepa Flores vive alejada de la vida pública. No ha vuelto a hacer ninguna aparición e incluso, cuando la Academia de Cine le otorgó el Goya de Honor en el 2020, decidió no acudir a recogerlo. Lo ha hecho todo por desaparecer, pero todavía hoy, después de 40 años de silencio, se la considera un mito viviente. Parece que Marisol-Pepa Flores tiene el poder de ser inolvidable. Ese es su don. Y también su cruz. Porque lo único que ha buscado a lo largo de toda su vida, es ser una persona normal… aunque ¿Qué persona normal renunciaría a la fama y a la fortuna si supiera, como ella, que la tiene al alcance de la mano?
Filmin distribuirá “Love Lies Bleeding”, el nuevo thriller de A24 con Kristen Stewart
Filmin presenta el tráiler de la nueva película de la directora de Saint Maud, Rose Glass, que llegará a cines españoles este verano tras estrenarse mundialmente en el festival de Sundance.
Love Lies Bleeding, el nuevo thriller de A24 protagonizado por Kristen Stewart y dirigido por Rose Glass, la flamante directora de Saint Maud (2019), se estrenará en cines españoles este verano distribuido por Filmin. Con premiere mundial en Sundance y premiere internacional en el Festival de Berlín, la película retrata la electrizante historia de amor y crimen entre Lou (Kristen Stewart), una solitaria gerente de gimnasio, y Jackie (Katy O’Brian), una recién llegada a Las Vegas en busca de su sueño de ser culturista. Como una frenética reacción en cadena, su pasión las empuja hacia la violenta red criminal de la familia de Lou. El estelar reparto lo completan Ed Harris (Apolo 13, Las horas), Dave Franco (The Disaster Artist) y Jena Malone (Los juegos del hambre).La película se erige como un thriller de venganza que explora la fuerza embriagadora de los excesos, la ambición y el amor locoa través de la 
combinación de comedia negra, crimen queer, pulp explosivo y dramas familiares. “Pocos directores están haciendo películas tan cinematográficas, vivas y estilizadas”, comenta Stewart. “Rose hace películas que no emulan a ninguna otra, aunque puedas percibir sus inspiraciones en ellas. Lo que hace surge desde un lugar tan auténtico que el contexto, la arquitectura y la voz de la película son distintivamente suyas. Creo que quiere asustar al público y a ella misma no con propósitos provocadores, si no para que la gente de media vuelta y se mire a sí misma”. A lo que Dave Franco añade: “Es una historia que no puedes predecir hacia dónde va. El ambiente es extraño y escalofriante a la vez que muy humano y lleno de dramas familiares de lo más locos. […] Todo es posible en esta película, y eso te mantiene alerta todo el rato”.Se trata del segundo film de la cineasta británica Rose Glass, quien en 2019 sorprendió al público y a la crítica con su opera prima Saint Maud, un thriller también producido por A24 que tuvo una acogida excepcional hasta el punto de ser considerada actualmente una “obra de culto moderna”. La esperada Love Lies Bleeding se estrenará en las salas de cine españolas este verano de 2024, con distribución de Filmin.
ROSE GLASS, DIRECTORA Y GUIONISTA
Londres (Reino Unido), 1990. Hizo su debut cinematográfico con la película de terror psicológico «Saint Maud» en 2019, producida por A24, que fue nominada a dos premios en la 74ª edición de los Premios de Cine de la Academia Británica. En 2020, Glass fue nombrada Mejor Directora Debut en los British Independent Film Awards.
Nuevos lanzamiento de VideoClub 79 (28 de febrero)
Sinopsis: Jennifer (Charlee Danielson) nace con una extraña mutación: tiene 7 clítoris que le provocan una avidez sexual desmesurada. Con la mayoría de edad se da cuenta que ha desarrollado una fecundidad súper humana, con gestaciones exprés de dos horas que darán como resultado a bebés deformes y grotescos. A Batz (Anthony Sneed), en cambio, no le crece su miembro como es debido. Ya entrado en la adolescencia, pretende solucionarlo inyectándose esteroides y todo tipo de drogas. Debido a este arriesgado tratamiento, su pene adquirirá un tamaño gigantesco y personalidad propia…
Jennifer y Batz están predestinados a encontrarse en la última e inclasificable película del legendario realizador Frank Henenlotter (Brain damage, Frankenhooker, Basket case) que eleva lo incómodo, lo grotesco y lo políticamente incorrecto a nivel de obra maestra y de culto del cine fantástico más extremo.
DVD Formato: 16:9 Audio: Inglés DD 5.1 Subtítulos: Castellano, catalán e inglés Duración: 81 min. Extras: los cortometrajes El ataque del pene mutante de Dani Moreno, La humillación de James J. Wilson, Assholes de Carles Hortolà y Miss Lucifer de José Martos.
NOMADS (John McTiernan, 1986)
Sinopsis: Un famoso antropólogo (Pierce Brosnan) ingresa en un hospital de Los Ángeles apalizado y ensangrentado. No tardará en morir en dolorosa agonía y delirando extrañas palabras en francés. La enfermera que lo atendió (Leslie-Anne Down) establecerá con el difunto una conexión psíquica no exenta de terribles visiones
Oscuro thriller sobrenatural y opera prima del director John McTiernan (Depredador, La jungla de cristal) que se atreve a cargarse a Pierce Brosnan en menos tiempo del que James Bond tarda en pedirse un vodka Martini.
DVD Formato: 16:9 Audio: Inglés y castellano DD 2.0. Subtítulos: Castellano y catalán. Duración: 89 min. Extras: los cortometrajes Two Dices Tales Collection de Wiman y Adrià Carreras: La comida más importante del día, El amanecer del crepúsculo, RB&PG y 03:04.
NECROMANIA (Ed Wood Jr. 1972)
Sinopsis: Shirley (René Bond) y Danny (Ric Lutze), una joven pareja, visitan a Madame Heles (Maria Arnold), una despampanante nigromante para dar con la solución de los problemas de erección de Danny. Después de un extraño ritual con una calavera, una asistente de la bruja dispensará un tratamiento individualizado y muy físico a ambos miembros de la pareja. Finalmente el protagonista masculino acabará celebrando su revitalizada hombría con Madame Heles ¡En su propio ataúd!
El ataúd utilizado fue, nada más y nada menos, que el del propio Criswell, amigo y colaborador de Edward D. Wood Jr. (Plan 9 from Outer Space), en alguna de sus cintas, y el cual, en el largo ocaso de su carrera, inundada en alcohol y proyectos, guionizó y dirigió Necromania, su única incursión como director en el cine para adultos. Del film se incluyen dos montajes: el original de 1972 realizado por el propio genio de Poughkeepsie, y la versión X, con sexo explícito añadido.
DVD Formato: 4:3 Audio: Inglés DD 2.1 Subtítulos: Castellano. Duración: 51 min y 52 min (versión X)
Sinopsis: Helen (Alanna Lavierge) sufre un espantoso accidente trabajando de mensajera. Mientras se recupera en un lúgubre motel comenzará a experimentar terribles alucinaciones, pérdidas de memoria y terrores nocturnos ¿La estará acechando el fantasma de una prostituta suicida? ¿Estará siendo poseída por su hermana gemela nonata que absorbió en el útero de su madre?
¿Qué tendrán (otra vez) en Canadá con el body horror? Cody Calahan (Vicious fun) nos regala esta oscura película de terror con altas dosis de casquería y mutaciones.!
DVD Formato: 16:9 Audio: Inglés DD 5.1 Subtítulos: Castellano y catalán. Duración: 84 min. Extras: los cortometrajes Baby la tuerta y 27 de James J. Wilson, Noise de Callahan Ruiz y Quien tira de la manta de Callahan Ruiz y Marcos Fernández.
PREVENTA: AQUÍ
Y muy pronto más novedades y el regreso de nuestra querida Colección Fantaterror.
Filmin recupera dos obras clave del Nuevo Terror Francés
Trouble Every Day (16 de febrero) y Martyrs (15 de marzo) llegan al catálogo de Filmin de la mano de Vértigo Films.
Filmin sumará en las próximas semanas a su catálogo de suscripción dos de las películas de terror más influyentes del siglo XXI: Trouble Every Day (2001), de Claire Denis (16 de febrero), y Martyrs (2008), de Pascal Laugier (15 de marzo). Ambas abanderaron una corriente cinematográfica a principios del milenio, el llamado Nuevo Extremismo Francés, heredero del gore y del cine de explotación estadounidense de los años 70. Bajo este paraguas algunos discursos críticos reunieron un puñado de películas francesas producidas en la primera década del siglo XXI que reconfiguraban el cine de terror apostando por altísimas dosis de violencia, una reflexión sobre el cuerpo, la carne y el erotismo deudora de Georges Bataille, y una celebración del exceso sádico. Las espantadas y desmayos en las proyecciones de estas películas configuraron la mejor campaña de marketing del movimiento, al que podemos sumar otros títulos clave como Al interior (Alexandre Bustillo, Julien Maury, 2007), Frontière[s] (Xavier Gens, 2007), Alta tensión, (Alexandre Aja, 2003) o Irreversible (Gaspar Noé, 2002).
Trouble Every Day es sin duda una rareza dentro de la filmografía de Claire Denis (Un sol interior) y también una de las colaboraciones más exquisitas entre la directora y el grupo Tindersticks, responsables de la música en la mayoría de sus películas. Protagonizada por Vincent Gallo y Tricia Vessey, mezcla una trama asimilable al arquetipo del científico loco con el canibalismo que «padecen» algunos personajes a su pesar. A su vez, su extraño erotismo la emparentaba con la obra de otras autoras galas como Catherine Breillat o Virginie Despentes. 
A Martyrs, la película que puso en el mapa internacional a su director Pascal Laugier, no le quedaría ancha la etiqueta de ser considerada la película más violenta de todos los tiempos. Impacta por su salvajismo, perpetuado en el metraje con saña, pero también por el componente místico, trascendente y elevado de su desenlace que aporta extrañeza y remite a la etiqueta de culto del largometraje, todo lo cual nos recuerda avisarles de que no se acerquen a la versión norteamericana de 2015, una falta de respeto al espectador y a la obra original. La película nunca llegó a estrenarse en los cines españoles, y de hecho permanecía inédita en nuestro país hasta que Vértigo Film la editó en Blu-ray en 2021. Ahora debutará en plataformas digitales de la mano de Filmin.
VAMOS DE ESTRENO * Miércoles 14 de febrero de 2024 *
PRISCILLA (Sofia Coppola, 2023)
USA. Duración: 110 min. Guion: Sofia Coppola. Música: Phoenix Fotografía: Philippe Le Sourd Compañías: American Zoetrope, Stage 6 Films, The Apartment Distribuidora: A24 Género: Drama
Reparto: Cailee Spaeny, Jacob Elordi, Emily Mitchell, Ari Cohen, R Austin Ball, Kamilla Kowal, Deanna Jarvis, Luke Humphrey, Kelaiah Guiel, Jorja Cadence, Stephanie Moran, Katie Garyfalakis, E. Fegan DeCordova
Sinopsis: Cuando la adolescente Priscilla Beaulieu (Cailee Spaeny) se encuentra con Elvis Presley (Jacob Elordi) en una fiesta, él ya es una meteórica superestrella del rock and roll. Su genuina conexión inicial les lleva a pensar que están hechos el uno para el otro, y así surge una gran amistad y un apasionante flechazo que dará lugar a una relación en la que ambos creen que ninguno volverá a sentirse solo.
Priscilla es una historia de soledad. De dos soledades punzantes: la que vive Elvis en medio del huracán de la fama y la que vive Priscilla en Graceland. También es una historia de dependencia, la que tiene Elvis del refugio que le supone Priscilla, y la que ella tiene de él. Si su primer amor ha sido Elvis, ¿Quién más podría despertar su interés? Mientras, tanto la soledad como la dependencia se cubre, y se multiplica, con píldoras. Píldoras para dormir, píldoras para despertarse, píldoras para mantenerse despierto, píldoras para estar animado y, vuelta a empezar. Pero, ante todo, la película de Sofia Coppola es una historia de amor, la de una adolescente muy madura que consiguió, sin pretenderlo, poseer el corazón del hombre más deseado del planeta.
Basada en la autobiografía Elvis & Me, escrita por la propia Priscilla Presley, la cinta de Coppola está muy alejada de los habituales biopics, tan maniqueos y redentores como los que se han dedicado a la vida -y obra- de otras estrellas del Rock. Incluido el reciente y olvidable Elvis (Baz Luhrmann, 2022). Priscilla muestra al hombre por medio de la mujer que más lo conoció. Viviremos el drama de la mujer y la ilusión de la adolescente, tan bien trasmitida por la expresión de Cailee Spaeny, auténtico hallazgo de la cinta, cuyo personaje transita de la adolescencia a la maternidad sin llegar a sentirse mujer, en un reino de oropeles, lujos y mentiras. Un mundo de soledad y dependencia.
Sofia Coppola huye de los titulares para pintar su retrato, no acompaña a la estrella en su exhibición pública sino que se decanta por el espacio del adentro. Por el sitio de su recreo. Pone su mirada en el lugar del ocultamiento íntimo, esa trastienda de sí mismo, arrière-boutique, dice Montaigne, en la que queda cancelada o en suspenso la presión del mundo exterior. Y ahí la reina es Priscilla. Una reina escondida, casi enjaulada, a la que se modela como quien cincela una estatua. Poderosa y sometida. En Priscilla el viaje de la heroína va del yo embelesado (subyugado) al yo deshechizado (liberado). De la máscara a la persona. Y la directora nos lo cuenta apoyándose en el detalle. En su película la minucia es lo significativo. Basta con poner la cámara casi a los pies del porche de la mansión para que ese leve contrapicado resuma lo que tiene de refugio y lo que tiene de cárcel Graceland. Basta con saber hilvanar esos plano-detalle que riegan el metraje insinuando más que sentenciando. Sin subrayar nunca, nos lleva de paseo por el núcleo del alma que habita en Priscilla. Externaliza lo interior sin perder el sabor intimista. Como leer un diario personal, sin traicionar su recato, así es Priscilla.
Protagonizada por Cailee Spaeny (The Craft: Legacy) y por la estrella de Euphoria, Jacob Elordi, en el papel de Elvis Presley, la película tuvo su première mundial en el último Festival Internacional de Cine de Venecia, donde la joven actriz Cailee Spaeny ganó una merecidísima Copa Volpi a la Mejor Actriz.
MADAME WEB (S.J. Clarkson, 2024)
USA. Duración: 116 min. Guion: Matt Sazama, Burk Sharpless Historia: Kerem Sanga Compañías: Sony Pictures, Columbia Pictures, Marvel Entertainment Distribuidora: Sony Pictures Género: Fantástico.
Reparto: Dakota Johnson, Sydney Sweeney, Celeste O’Connor, Isabela Merced, Tahar Rahim, Adam Scott, Emma Roberts, Mike Epps.
Sinopsis: Cassandra Webb (Dakota Johnson), una paramédica de Manhattan descubre que tiene el poder de ver el futuro y la facultad de cambiarlo. Huérfana y obligada a enfrentarse a sucesos que se van revelado de su pasado, crea una relación con tres adolescentes con las que comparte un nexo y a las que en sus visiones de futuro ve morir en diversas ocasiones a manos de un mismo asesino. Unas jóvenes que, aunque aún no lo saben, tienen un destino común… si consiguen sobrevivir a un presente mortal.
Uno, como antiguo marvelita de pro, se sorprende de que el cine se haya decidido a abordar un personaje como Madame Web, poco relevante en el universo arácnido, al que pertenece, y mucho menos en el global de Marvel. Extraña porque, la Madame Web que recordamos es una frágil anciana ciega, paralítica y con extraordinarios poderes mentales que protagoniza unas escasas viñetas en el prolífico deambular, en forma de cómic, de Spider-Man. Que sepamos, el personaje no ha protagonizado ninguna serie, así que, dado su limitado peso dentro del universo Marvel, llama la atención y despierta la curiosidad el que se haya decidido realizar un largometraje sobre su figura. En todo caso, el resultado no es tan decepcionante como cabía esperar en vista de los últimas adaptaciones estrenadas. Si bien Madame Web se suma (y sigue) a la tendencia de un universo Marvel exclusivamente femenino, consigue ofrecer un guion interesante y unos personajes que, cuanto menos, caen bien al espectador. Y todo sin recurrir, todavía, a coloridos uniformes o chistes malos. Además, Madame Web permite entrever que la conexión que tiene con el arácnido más famoso del cómic es más que casual, y que podría dar pie a una película que los uniera. También sirve como nexo de unión de las diferentes Spider-Woman de la editorial, a las que se les ha respetado (o respetará, pues lo que se nos permite ver de ellas en acción acontece en en visiones futuras), sus vistosos uniformes. El que Madame Web sea encarnada por Dakota Johnson también es algo que nos ofrece garantías, y será ella, ejerciendo de salvaguarda de ese trío de adolescentes de diferente origen: latino, afroamericano y caucásico, (Isabela Merced, Celeste O’Connor y Sydney Sweeney, respectivamente), lo que dará entidad al personaje. Y es que, sin proclamas sonrojantes, Madame Web posee una trama que apuesta por el empoderamiento femenino, sí, pero de manera natural y con algunas variantes a otros ejemplos que hemos podido ver. Por una parte la protagonista es una solitaria que se desenvuelve mejor en un entorno mayoritariamente masculino, como es el que vive en su trabajo de paramédica y conductora de ambulancia, encontrándose fuera de lugar en las reuniones, exclusivamente, de mujeres, como sucede cuando hay una fiesta pre-mamá por el embarazo de la cuñada de su compañero de trabajo, Ben Parker (Adam Scott). Sí, ese Ben Parker. Así que lo más parecido a una familia que tiene la protagonista, es la formada por sus compañeros. Y son las diferentes clases de familia las que conformarán el trasfondo de Madame Web.
Madame Web está escrita y dirigida por la británica SJ Clarkson (Toast, Anatomía de un escándalo), con la que debuta en el largometraje tras dirigir diversas series, entre ellas algunos episodios de dos conectadas con el Universo Marvel, Jessica Jones y The Defenders.
Nuevo tráiler de ‘Imaginary’, el próximo estreno de Blumhouse
Nuevo tráiler de Imaginary, una de las películas de terror más esperadas de 2024, la última e inquietante producción de Blumhouse Productions, estudio responsable de muchos de los éxitos recientes de cine de terror como Five Nights at Freddy´s o M3gan.
Sinopsis: Cuando Jessica (DeWanda Wise) vuelve con su familia a la casa de su infancia, Alice (Pyper Braun), su hijastra más pequeña, comienza a desarrollar un extraño apego hacia Chauncey, el oso de peluche que encuentra en el sótano. En un primer momento, Alice y Chauncey se entretienen con juegos aparentemente divertidos que, poco a poco, irán volviéndose más siniestros y peligrosos. A medida que el comportamiento de Alice se va volviendo más inquietante, Jessica decide intervenir, pero cuando lo hace se da cuenta de que Chauncey es mucho más que un inofensivo oso de peluche.
Imaginary se adentra en el aparentemente inocente mundo de los amigos imaginarios para plantear una inquietante pregunta: ¿son realmente producto de la imaginación infantil o esconden algo más terrorífico?
La película, dirigida por Jeff Wadlow (Verdad o reto, Kick Ass 2: Con un par, rompiendo las reglas), sumerge al espectador en una atmósfera inquietante y sobrenatural al dar una vuelta de tuerca, a través de Chauncey, un oso de peluche de aspecto adorable, pero interior malvado, a la idea del amigo imaginario que muchos niños afirman tener.
Protagonizada por DeWanda Wise (Jurassic World: Dominion, Nola Darling), Tom Payne (Prodigal Son, The Walking Dead), Taegan Burns (Somos los mejores: Una nueva era, Dumplin’) y la joven Pyper Braun (Superkitties, Desesperation Road) como Alice, la niña que se encariña del oso Chauncey, en el que es su segundo papel en un largometraje.
Verónica Falcón (La purga infinita, Ozark), y Betty Buckley (Múltiple, El incidente) completan el reparto.
Imaginary llegará a los cines españoles en 15 de marzo de 2024 de la mano de Vértice 360.
SOBRE LA PELÍCULA
La fotografía principal se llevó a cabo en Nueva Orleans desde mayo hasta finales de junio de 2023.
Coescrita por el propio cineasta junto con Greg Erb, Bryce McGuire (La piscina, Every House is Haunted), creador de decenas de terroríficos cortometrajes alabados en el mundillo. y Jason Oremland.
Además, la banda sonora es obra del destacado Bear McCreary, compositor con una amplia experiencia en el terreno del terror y muy conocido por su participación en videojuegos como God of War, series como ‘El señor de los anillos: Los anillos de poder’ o ‘Fundación’.
Filmin adquiere los derechos de «Late Night With The Devil» uno de los grandes hits de terror del año
Filmin redobla su apuesta por las salas de cine y estrenará en la cartelera española una de las películas más esperadas por los amantes del cine de terror: Late Night With The Devil, dirigida por Cameron y Colin Cairnes y ganadora del Premio al Mejor Guion en la última edición del Festival de Sitges, donde fue una de las películas más comentadas y aplaudidas por el público y la prensa especializada. El film llegará a los cines el próximo 24 de mayo.Late Night With The Devil es la nueva película de los hermanos Cairnes, que hasta la fecha habían dirigido dos largometrajes de terror: 100 Bloody Acres (2012) y Scare Campaign (2016). Los directores demuestran su dominio del género con una película que adopta la estética y las formas de un programa de televisión de finales de los 70, «Night Owls», un espacio nocturno de entrevistas que presenta el popular Jack Delroy (David Dastmalchian). Después de la muerte de su mujer, Delroy ha vivido momentos muy complicados y las audiencias de su programa lo han acusado. Dispuesto a recuperar el interés de los espectadores, decide montar el especial de Halloween más sonado de la televisión estadounidense, sin ser consciente de la maldición que está a punto de lanzar sobre todos los hogares del país.Stephen King fue una de las primeras personas que se manifestó a favor de la película, diciendo de ella que es «brillante» y que nadie debería perdérsela. La crítica especializada, nacional e internacional, la ha destacado como una de las propuestas más sugerentes del cine de terror en los últimos tiempos. En Cinemanía, Miguel Ángel Romero habla de «El mejor especial televisivo de Halloween de la historia» y de «una de las mejores películas de terror del año«. Damon Wise, en Deadline, describe la película como una mezcla entre «Network, un mundo implacable« (Sidney Lumet, 1976) y «La semilla del Diablo« (Roman Polanski, 1968) definiéndola como «una película ingeniosa y una muy buena opción para ver por la noche«. En Variety, Dennis Harvey destaca que la película supone un punto y aparte en la carrera de los hermanos Cairnes: «Sugiere que tienen imaginación para explorar nuevos terrenos dentro (o más allá) de los límites del género«. Por su parte Dread Central, una de las webs de cine de terror más leídas del mundo, habla de «un glorioso espectáculo de caos demoníaco«.
Primer tráiler de ‘Un lugar tranquilo: Día Uno’
Descubre por qué nuestro mundo se quedó en silencio
Paramount Pictures presenta
en asociación con Michael Bay
una producción de Platinum Dunes / Sunday Night
“UN LUGAR TRANQUILO: DÍA 1”
PRODUCTORES EJECUTIVOS
Allyson Seeger, Vicki Dee Rock
PRODUCTORES
Michael Bay, Andrew Form, p.g.a., Brad Fuller, John Krasinski
BASADA EN LOS PERSONAJES CREADOS POR
Bryan Woods y Scott Beck
ARGUMENTO
John Krasinski y Michael Sarnoski
GUION
Michael Sarnoski
DIRIGIDA POR
Michael Sarnoski
REPARTO
Lupita Nyong’o, Joseph Quinn, Alex Wolff y Djimon Hounsou
CRÉDITOS NO SON FINALES Y ESTÁN SUJETOS A CAMBIOS
Cartel de ‘The Beast (La Bestia)’, de Bertrand Bonello, con Léa Seydoux. Estreno en cines 27 de marzo
Sinopsis: En un futuro cercano en el que reina la inteligencia artificial (IA), las emociones humanas se han convertido en una amenaza. Para librarse de ellas, Gabrielle debe purificar su ADN regresando a sus vidas pasadas. Allí se reencuentra con Louis, su gran amor. Pero el miedo la invade y presiente que se avecina una catástrofe.
The Beast (La Bestia), la nueva película de Bertrand Bonello, llegará a los cines de la mano de Caramel Films y YouPlanet Pictures el próximo 27 de marzo.
Además de director y guionista, Bertrand Bonello es también músico y compositor. Se trata de uno de los directores franceses más eclécticos y personales del panorama actual. Un autor que retrata la contemporaneidad como nadie, desde un estilo robusto pero incómodo. Su trabajo también ha sido asociado a la corriente New French Extremity. Desde la presentación de ‘Le pornographe’ en Cannes 2001, Bonello es uno de los nombres imprescindibles del cine francés contemporáneo.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 9 de febrero de 2024 *
EL DESHIELO (Het Smeltaka, Veerle Baetens, 2023)
Bélgica/Países Bajos (Holanda). Duración: 111 min. Guion: Veerle Baetens, Maarten Loix, basado en la obra de Lize Spit. Música: Bjorn Eriksson Fotografía: Frederic Van Zandycke Compañías: Savage Film, PRPL, Versus Production Género: Drama
Reparto: Charlotte De Bruyn, Rosa Martchant, Sebastien Dewaele, Spencer Bogaert, Naomi Velissariou, Amber Metdepenningen, Femke Van der Steen, Olga Leyers, Simon Van Buyten, Charlotte Van Der Eecken, Anthony Vyt, Matthijs Meertens.
Sinopsis: Trece años después Eva (Charlotte De Bruyne), una joven de 26 años, regresa a su pueblo natal con un bloque de hielo en el maletero de su automóvil. Durante el viaje, en pleno invierno, Eva confronta su pasado, desentrañando secretos enterrados de un verano desbordante y tumultuoso, mientras el frío exterior se mezcla con el calor en una narrativa intensa y emocional.
El deshielo (When It Melts, 2023), trenza entre sí tres debuts. Guion adaptado, parte de la primera novela, homónima, de la belga Lize Spit, todo un fenómeno literario en su país. Al frente de su trasvase al cine está la actriz y cantante Veerle Baetens que se pone por primera vez al otro lado de las cámaras, y, frente a ellas, nos encontramos con la pubescente Rosa Marchant con una interpretación que le ha valido el Premio Especial del Jurado a Mejor Actriz en el Festival de Sundance. El deshielo habla en femenino sobre los despertares que acontecen en aquellos veranos que suponen el final, la muerte definitiva de la infancia. Despertar es sinónimo de avivar, de activar, de introducir un conocimiento que da vida. Pero también lo es, sinónimo, de acalorar hasta el incendio las circunstancias que abrasan el alma. El verano del que habla es de aquel que inyecta simultáneamente el aprendizaje y el trauma. La ópera prima de Baetens se muestra como el reverso sombrío de Verano Azul, bicicletas incluidas. Una obra caudal que se deja apreciar como una sinfonía patética que, como aquella de Chaikovski, es apasionada y emotiva, pero a la vez triste y fatídica. Vamos a examinar esta composición atribuyéndole tres movimientos de distinto tempo que gradualmente van llevándonos del vivace (ma non troppo) al adagio.
Crecimiento
Todos tenemos nuestra novela de iniciación predilecta. La mía es El río de Rumer Godden. Tal vez porque la leí en el momento ideal: yo, como Harriet, en su versión original, como Queta, en la traducción de León Felipe, tenía doce años y como ella también tenía vocación de escribir. Ambas estábamos dejando la infancia, pero aún no queríamos cambiar. El río de Queta, símbolo del fluir constantemente mudable de la vida, la lleva a enfrentar el nacimiento de un deseo incipiente y a experimentar la muerte como la presencia cercana que es. Y, por proyección, también me llevó a mí a enfrentarlos un poco. Así son los relatos de crecimiento, viajes hacia el descubrimiento del vivir con todas sus aristas, las amables y las punzantes.
La Eva niña, esa Rosa Marchant en estado de gracia, también está viviendo el verano de sus doce años. El estío iniciático en el que despiertan sus sentidos. El mismo que la hará ser consciente a la vez del amor y del dolor. Y del vínculo entre ambos. Pero ese su despertar no es como el de Queta, ni como el mío. Porque ella no será la espectadora, sino la que vive en primera persona la conmoción que arrebata la niñez. Abre los ojos al mundo a golpe de infamia. El deshielo es un relato de crecimiento tenebroso.
Acertijo
La obra de Baetens (igual que la novela que adapta) nos trae memoria de nuestros juegos púberes, aquellos en los que nos acercábamos a los otros con una mezcla de interés lúdico y afán morboso por exponernos al escarnio. Como lo era aquel clásico de “verdad o acción” en el que nos sometíamos (y sometíamos nosotros a los demás) a la malicia de los otros jugadores. El vértigo en el estómago como diversión, como esas montañas rusas de los parques de atracciones. Todos tenemos a esa edad algo de funambulistas. Eva también.
Laurens y Tim son los compañeros de correrías de Eva. Son inseparables desde su infancia más
tierna, tanto que en el pueblo los conocen como “Los tres mosqueteros”. En su amistad no importa el género. Ni siquiera cuando los dos niños empiezan a sentirse atraídos por el sexo. No importa el género, porque ellos la siguen viendo como la compañera asexuada que ha sido siempre. Pero ella también está despertando al deseo y quiere ganarse su interés, sobre todo, el de Tim del que quisiera ser algo más que una amiga. La única vía que encuentra ella para llamar su atención, es actuar como camarada y cómplice de unos juegos que van aumentando de voltaje. Será ella la que proponga el acertijo de difícil resolución con el que conseguir que otras mocitas tengan que ir quitándose prendas cada vez que no acierten la respuesta. Es sólo un juego. Atrevido, quizás perverso, pero juego, al fin y al cabo. O lo es, al menos, hasta que el coming of age se desplaza al drama.
Y es que a los acertijos los carga el diablo. Dicen que Homero murió de pena al no poder resolver el enigma de los jóvenes pescadores (“Lo que hemos cogido lo hemos dejado, lo que no hemos cogido lo traemos”). Y Eva acabará siendo víctima de su propio ingenio. Porque al llevar la apuesta al límite, se volverán las tornas contra sí misma, conduciéndola, dolorosamente, a la muerte de su infancia. Un golpe seco que dejará su alma tocada de por vida. Una herida que seguirá en carne viva hasta su vuelta, trece años después, al pueblo.
Tiempo
En ese punto vital de los trece años después, se inicia la película. Uno de los mayores aciertos narrativos de la debutante directora (también de la escritora novel) es romper con la linealidad de la trama. Igual que la nueva cocina deconstruye los platos para lograr las nuevas texturas que surgen de la descomposición de los sabores, siempre teniendo en cuenta el respeto a los 
ingredientes y su armonía, Bateens deconstruye el tiempo de la acción para alcanzar una nueva estructura de los sucesos que saca a la luz la secuencia de cómo se han vivido en la esfera íntima del personaje. Los flashback y los flash forward se alternan sin que su sucesión resulte artificiosa, porque desde el prólogo, con esos planos cortos que nos adhieren casi hasta la piel de la protagonista, sabemos que el que vamos a recorrer es un viaje interior. Deshacer la línea temporal permite anticipar, intuir, más bien, que ha habido algo sombrío en el pasado de la Eva adulta. Algo grave que aún no conocemos. Usar un tiempo fragmentado nos obliga a ir releyendo lo ya narrado, pues, a la luz del progresivo desvelamiento, lo ya visto alcanza una nueva dimensión. Sin perder un ápice del intimismo que requieren los relatos de vivencias lesivas, El deshielo se despliega ante nosotros a modo de thriller.
Bateens no pierde nunca el hilo, ni hace que lo pierda el espectador, su matrioska está perfectamente diseñada, de modo que la complejidad se desgrana con la misma simplicidad que se dibujan circunferencias concéntricas con un compás. Al acabar, reconocemos que todo estaba dicho ya en el prólogo. Incluido el final. Un final que no es abierto ni ambiguo, pero, por su propia lógica aplastante, tiene tanto de infortunio, como de liberación.
Lo hemos dicho ya, El deshielo se deja entender como una sinfonía de tres movimientos que se cierra con un adagio: un tempo lento que evoca lo triste, pero, a la vez, es majestuoso.
Vamos de estreno * Viernes 2 de febrero de 2024 *
SALA DE PROFESORES (Das Lehrerzimmer, Ilker Catak, 2023)
Alemania. Duración: 96 min. Guion: Johannes Duncker, Ilker Çatak Música: Marvin Miller Fotografía: Judith Kaufmann Compañías: if… Productions, ARTE, ZDF. Distribuidora: Alamode Film Género: Drama
Reparto: Leonie Benesch, Eva Löbau, Leonard Stettnisch, Michael Klammer, Anne-Kathrin Gummich, Kathrin Wehlisch, Sarah Bauerett, Rafael Stachowiak, Uygar Tamer, Özgür Karadeniz.
Sinopsis: Carla Nowak (Leonie Benesch), una idealista profesora, comienza su primer trabajo en una escuela de secundaría. Cuando se producen una serie de robos en la escuela y se sospecha de uno de los alumnos, decide llegar al fondo del asunto por su cuenta. Carla intenta mediar entre padres indignados, colegas obstinados y estudiantes agresivos, pero se enfrenta a las implacables estructuras del sistema escolar.
Basada en las experiencias de la vida real de Ilker Çatak y el coguionista Johannes Duncker, que fueron a la misma escuela en Estambul, Sala de profesores es un emocionante drama escolar con ritmo y tono de thriller protagonizado por Leonie Benesch (serie “The Crown”, “La cinta blanca”), Eva Löbau (“Malditos bastardos”) y Leonard Stettnisch.
Catak nos propone una historia cotidiana que afecta a una comunidad concreta, sigue a sus personajes en su entorno laboral, en su universo particular, y nunca abandona ese punto de vista. Y, sin embargo, lo que nos cuenta rebasa los lindes de ese espacio definido para alzarse hacia temas universales: la soledad del idealista en un mundo que se mueve en la esfera de lo pragmático; la fragilidad de la bastida que sostiene el empeño por la búsqueda de la verdad en un mundo, el nuestro, que se ha acostumbrado a regirse por débiles indicios sin contrastar, cuando no directamente por la simulación (en términos modernos, por el fake), en nuestro hoy, si parece cierto, y resulta cómodo en términos de embastar un relato que dé razón de nuestros prejuicios, ya nos basta como explicación; y, sobre todo, nos pone ante el dilema de elegir entre la justicia y la ley. Como en Sed de mal, la protagonista se verá enfrentada a las consecuencias de su exceso de celo. Queriendo demostrar la falsedad de una acusación, incurre en la ilegitimidad de recabar pruebas sin reparar en la falta de ortodoxia de sus métodos. De modo que, tener la evidencia, más que evitar la condena del inocente, desencadena un cúmulo de circunstancias que acabará aplastando al que menos culpa tiene. Amargamente se concluye que, si nos apartamos de lo legal, de nada sirve haber pretendido hacer justicia. Con sus limitaciones, sólo la ley evita los abusos del poder.
Candidata a los Oscar por Alemania, Sala de profesores ganó 5 premios en los Premios del Cine Alemán (Lolas) y arrebató los principales galardones a la ganadora del Oscar «Sin novedad en el frente»: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guion, Mejor Actriz y Mejor Montaje. Y no sólo ha recibido reconocimiento en su país, la película ha conquistado nominaciones y galardones en certámenes internacionales: se presentó en la sección Panorama del Festival de Berlín, donde ganó el premio Europa Cinemas Label, en el Festival de Telluride y Toronto y en la Sección Oficial de la Seminci (Premio al Mejor Montaje). Sala de profesores está nominada a los Premios Goya en la categoría de Mejor Película Europea.
MISÁNTROPO (To Catch a Killer, Damián Szifron, 2023)
USA. Duración: 119 min. Guion: Damián Szifron, Jonathan Wakeham Productores: Aaron Ryder, Stuart Manashil, Shailene Woodley, Damián Szifron Música: Carter Burwell Fotografía: Javier Juliá Compañías: Filmnation Entertainment, RainMaker Films. Distribuidora: Vertical Entertainment Género: Thriller.
Reparto: Shailene Woodley, Ben Mendelsohn, Jovan Adepo, Ralph Ineson, Dusan Dukic, Mark Camacho, Richard Zeman, Nick Walker, Sean Tucker, Jason Cavalier, Bobby Brown, Mark Antony Krupa
Sinopsis: Eleanor (Shailene Woodley) es una joven investigadora de la policía que lucha contra los demonios de su pasado cuando es reclutada por el investigador jefe del FBI (Ben Mendelsohn) para ayudar a perfilar y rastrear el trabajo de un individuo perturbado. A medida que la policía y el FBI inician una persecución por todo el país, se ven frustrados a cada paso por el comportamiento sin precedentes del individuo. Dada su torturada psique, Eleanor puede ser la única persona capaz de comprender la mente de su agresor y llevarlo ante la justicia.
Dirigida por Damián Szifron, Misántropo está ambientada en Baltimore, la noche de Año Nuevo. La película se adentra en una investigación policial centrada en la búsqueda y caza de un asesino múltiple, un francotirador que pondrá en jaque a la policía y al FBI.
Un thriller old school, repleto de intrigas policiales y entre departamentos, que tiene la particularidad de cambiar los arquetipos que utiliza, todo ello de manera muy ingeniosa, dando peso, además, al calado psicológico de sus personaje principales, interpretados por Shailene Woodley y Ben Mendelsohn, que muchas voces han querido comparar con Starling y Crawford de El silencio de los corderos. Y algo hay, pero reducir Misántropo a simple remedo de aquella se antoja injusto.
El trabajo de Shailene Woodley es intenso, y su papel atípico. Una representación del trauma, de los demonios del pasado con el cual la actriz parece querer alejarse de los roles románticos. Otros de los nombres destacados son los de Jovan Adepo, Ralph Ineson, Richard Zeman, Dusan Dukic y Jason Cavalier.
Las lecturas de Serendipia: ‘Impact Vol. 1′
IMPACT VOL. 1
Diábolo Ediciones. Encuadernación en tapa dura. Formato magazine, 168 páginas a todo color
Llega una nueva entrega de la lujosa e imprescindible edición de los clásicos EC que realiza Diábolo Ediciones. Tras completarse Tales from the Crypt y Weird Science, e iniciarse Shock SuspenStories, una de las más interesantes de EC Comics (y ya es decir), llega Impact, título perteneciente a la New Direction y, como tal, con contenidos suavizados al haber sido publicada tras las audiencias del Senado sobre la delincuencia juvenil de 1954. Se trata de un tomo único, que contiene la colección completa con sus cinco números.
Tras los problemas que obligaron a EC a retirar sus títulos clásicos del mercado, Gaines y su equipo intentaron encajar en la industria del cómic con unas cabeceras atractivas y plenas de calidad, pero por desgracia exentas de la garra que poseían los títulos de la etapa anterior. Así nacieron seis colecciones que se publicaron con carácter bimensual: Extra! (sobre periodismo); Psychoanalysis (con casos médicos explicados mediante esta técnica); M.D. (protagonizado por médicos); Valor (con historietas de aventuras); Aces High (aventuras de aviación) e Impact, que adaptaba a las nuevas circunstancias el final sorprendente que tan buenos réditos dio a la editorial. Prosiguieron su andadura Incredible Science Fiction y las recientes Panic y Piracy, mientras Mad, pasaba poco después a editarse en formato revista. A pesar de todo, la editorial sufrió sabotajes por parte de distribuidores y quiosqueros, así como por parte de la propia industria, lo que obligó a Gaines a añadir, a partir de mayo de 1955 y bien visible en portada, el sello del Cómic Code en todas sus publicaciones. Pero todo había terminado. A pesar de ceder a las presiones, EC se vio obligada a cerrar todas sus colecciones, y tras replantearse otras opciones, EC tiró la toalla, prosiguiendo en activo tan solo la longeva revista Mad.
Pero esa es otra historia.
El nuevo tomo que ofrece Diábolo ediciones pertenece a una de estas últimas colecciones, Impact, lo que nos permitirá comparar y analizar cómo afectó esta autocensura a los cómics de Bill Gaines. La serie no contará con un equipo fijo de dibujantes y guionistas, que en muchos casos serán anónimos. Tan solo las portadas serán realizadas por un mismo artista: Jack Davis.
Reed Crandall (1917 – 1982)
Reed Crandall nació en Winslow, Indiana en 1917 y se graduó en 1939 en la Escuela de Arte de Cleveland. Con su compañero de escuela Frank Borth, Crandall encontró trabajo pintando carteles en los escaparates de las tiendas. Tras mudarse a Nueva York con su madre y su hermana, Crandall encontró trabajo en el Eisner and Iger Studio, iniciando una carrera en el cómic que cubrió desde 1939 hasta 1973. Su primer trabajo aparece en la editorial Quality Comics, donde creó al superhéroe Firebrand con guion de SM «Jerry» Iger. Otros trabajos iniciales incluyen el entintado del arte a lápiz de Jack Kirby en dos de las primeras historias del Capitán América. En 1942 comenzó su larga carrera como artista de su serie distintiva, la tira del equipo de aviadores de la Segunda Guerra Mundial Blackhawk, en Military Comics #12-22 (octubre de 1942 – septiembre de 1943). Tras su servicio en la Segunda Guerra Mundial en, precisamente, la Fuerza Aérea del Ejército, prosiguió la serie en Modern Comics, concluyendo en agosto de 1953 con una historia de siete páginas más portada en el número 67.
Crandall se casó con la artista Martha Hamilton y tuvieron dos hijos. Debutó en EC Comics con la historia de seis páginas Bloody Sure, escrita por Al Feldstein y publicada en The Haunt of Fear # 20 (agosto de 1953). A partir de entonces participó en diversas cabeceras de la editorial: Crime SuspenStories, Shock SuspenStories, Tales from the Crypt, Two-Fisted Tales, The Vault of Horror, Extra!, Impact, Piracy y Weird Fantasy y su serie secuela, Weird Science-Fantasy .
Tras la desaparición de EC, trabajó como autónomo en diversas editoriales como Atlas Comics (futura Marvel), así como para Gilberton Company, donde realizó proyectos conjuntos con George Evans a principios de los años sesenta. En 1965 comenzó a colaborar en Blazing Combat, el cómic bélico de Warren, y pronto pasó a contribuir a la línea de publicaciones de terror en blanco y negro de la compañía, incluidas Creepy y Eerie, para las que realizó su mejor trabajo. A mediados y finales de la década de los sesenta ilustró historias de superhéroes y espionaje para Tower Comics , y de Flash Gordon para para King Comics.
Crandall, que había abandonado la ciudad de Nueva York en la década de los sesenta para cuidar a su madre enferma en Wichita (Kansas), tuvo problemas con el alcohol. Fallecida su madre y recuperado de su adicción, dejó el mundo de la ilustración en 1974 para trabajar como vigilante nocturno y conserje en la sede general de Pizza Hut en Wichita. Después de sufrir ese año un derrame cerebral, pasó el resto de su vida en un asilo de ancianos y murió en 1982 de un ataque cardíaco. El que posiblemente sea su último trabajo, Soul and Shadow, se publicó en Creepy #58 (1964), trabajo del que podemos ver, a la izquierda, una de sus viñetas originales.
Un repaso pormenorizado de los contenidos de Impact Vol. 1
(Portadas: Jack Davis)
IMPACT #1: marzo-abril de 1955.
Si esta colección es recordada lo es, sin lugar a duda, por este primer número, que contiene una de las más representativas y, a la vez, innovadoras historietas nunca editadas por EC, La raza superior (Master Race), única contribución de Al Feldstein en Impact y toda una creación artística de Bernard Krisgstein, que cierra el cuaderno ofreciendo una nueva y dinámica estructura de página y viñetas que dotan de movimiento a los personajes de esta trama subterránea protagonizada por un antiguo nazi, director del campo de concentración de Belsen que, años después del fin de la guerra y ya instalado en Estados Unidos, se cruza en el metro con uno de los internos. Con un argumento y dibujo de impacto, esta historieta es muy posible que originalmente fuera destinada a algunos de los títulos de la anterior etapa de la editorial pero que, colgada, pasara a formar parte de este primer número de Impact. Una historia a la que Jack Davis rinde pleitesía en su fabulosa portada.
El resto de historietas contrastan, ya no en la calidad de su arte, siempre a la altura de la editorial, sino en que esos finales shock, sangrientos y espeluznantes a los EC nos tenía acostumbrados, pasan a ser, en su mayor parte, inofensivas conclusiones. Unas veces tristes, otras irónicas, e incluso en alguna ocasión, felices, como es el caso de Un poli duro (Tough Cop), historia que, ilustrada por Reed Crandall, abre el cuaderno y en la que veremos que las cosas no siempre son lo que aparentan. El medallón del diamante (The Diamond Pendant) es la contribución de Graham Ingels al número. Con un guion de Carl Wessler basado en una historia de Guy de Maupassant, Ghastly no tiene ocasión de lucirse con sus seres de ultratumba, pero la historieta consigue dejar helado al lector. El vestido (The Dress) es una extraña propuesta de ingeniosa conclusión ilustrada por el siempre eficaz George Evans sin guionista acreditado. El cuaderno se cierra con Master Race, de la que ya hemos hablado.
IMPACT #2: mayo-junio de 1955.
Un segundo número que tiene la particularidad de ser el primero de los cómics EC con el sello del Comic Code en su portada. Tras una promoción de las nuevas series M.D. y Psychoanalysis, se inicia el cuaderno, que cuenta con artistas de primera: Reed Crandall dibuja Tu madre sabe lo que te conviene (Mother Knows Best), una historieta que 
habría encajado en Psychoanalysis. Jack Davis ofrece Divorcio (Divorce), la historia que se referencia en portada que cuenta con un sonrojante guion de Carl Wessler, responsable también del guion de El traje (The Suit), que ilustrada por Graham Ingels bien podría haber formado parte de Tales from the Crypt. Joe Orlando cierra el cuaderno con Bien pagado (Paid in Full), una historia repleta de buenos sentimientos de la que se ignora quien fue el responsable del guion.
IMPACT #3: julio-agosto de 1955.
Reed Crandall abre el fuego con Cadena perpetua (Life Sentence), una historieta en la que se desconoce la identidad del guionista. La deuda (The Debt) está ilustrada por Jack Davis con guion de Carl Wessler y es otra historia que no desentonaría en la New Trend, anterior etapa de la editorial. Jack Kamen dibuja A ciegas (Totally Blind), su única contribución a Impact. Con guion de Otto Binder, tiene mucho en común con Marianela, de Benito Pérez Galdós, ya saben, chica fea de la que se enamora un atractivo joven invidente y… lo que pasa a continuación -no- les sorprenderá. En todo caso, resulta muy curioso lo que le cuesta a Kamen dibujar a una mujer fea, pues no siempre lo 
consigue. Finalmente, El hada buena (The Good Fairy) es la historieta de portada que ilustra Graham Ingels con guionista desconocido un predecible final feliz.
En este tercer número comienza The Punch Bowl, la página del correo del lector. Las opiniones sobre el primer número de Impact están divididas. Master Race gustó, desde luego, y en general la revista, pero también hay quejas con respecto a las historietas, indicando que los finales son previsibles y no demasiado buenos. Un lector incluso se avergüenza del camino que ha tomado la editorial, aunque lo que posiblemente no sabía este lector es que este cambio de rumbo era obligado por las circunstancias y con el objetivo de que los sueldos siguieran llegando puntualmente a los empleados de la editorial.
IMPACT #4: septiembre-octubre de 1955.
Otra de las grandes portadas e historietas de Impact es la que abre este cuarto número, El solitario (The Lonely One), con dibujo de Jack Davis y guion de Jack Oleck. Un drama bélico ambientado en la guerra de Corea, que tan solo dos años antes había finalizado y en el que el valor y el racismo son los dos grandes protagonistas. Toda una lección de humanidad. Graham Ingels y Carl Wessler ofrecen Más dura será la caída (Fall in 
Winter), una historieta protagonizada por un oficinista modélico que, tras 30 años trabajando en la misma empresa es, durante el mismo día, despedido y acusado de robo, todo lo cual le hará tomar una decisión desesperada. Hasta el final (The Bitter End) es casi un folletín de guionista desconocido que ilustra un atípico Reed Crandall con una línea clara muy alejada de las detalladas y barrocas historietas que dibujará para Warren. George Evans cierra el número con Médico rural (Country Doctor), una historia sobre el sacrificio de un doctor que cuenta con una trama de Carl Wessler que podría haber formado parte de la colección M.D.
IMPACT #5: noviembre-diciembre de 1955.
Llegamos al último número de Impact, que cuenta con una fabulosa y pugilística portada de Jack Davis que hace referencia a la historieta Mucho más (So Much More), ilustrada por Bernard Krigstein y de la que se desconoce el autor. Mucho más cierra el cuaderno y la colección y en ella Krigstein no ofrece uno de sus mejores trabajos, muy al contrario, es un dibujo muy diferente al que ofreció en el primer número, con un entintado duro, grueso, y un dibujo que recuerda al de otros artistas, como Larry Lieber o Gene Colan. Adiós con el corazón (Heart Interest) es otra de esas historias que hubieran encajado más en otra colección, en este caso M.D., pero su final inesperado 
la hace merecedora de formar parte de Impact. Ilustra George Evans. Joe Orlando dibuja Los viajeros (The Travelers), una extraña narración que cuenta con un guion de Carl Wessler y un cruel final. El general (The General) es la última historia que Ingels dibuja para Impact y al igual que sucede con el resto, con excepción de Los viajeros, se ignora su guionista. Una historieta con final sorprendente e irónico.
Este último número no tiene correo del lector por razones que se ignoran, en su lugar hay una sorprendente página con recomendaciones de películas y discos, donde hay una halagadora crítica de La dama y el vagabundo (Lady and the Tramp, Clyde Geronimi, Hamilton Luske y Wilfred Jackson, 1955), la producción Disney que recientemente se había estrenado.
Artículos publicados:
Tales from the Crypt Vol. 1
Tales from the Crypt Vol. 2
Tales from the Crypt Vol. 3
Tales from the Cript Vol. 4
Tales from the Crypt Vol. 5
Weird Science Vol. 1
Weird Science Vol. 2
Weird Science Vol. 3
Weird Science Vol. 4
Shock SuspenStories Vol. 1
Serendipia
Proyecto Naschy 
Últimos comentarios