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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 31 de agosto de 2018 *
YUCATÁN (Daniel Monzón, 2018)
España. Guion: Daniel Monzón, Jorge Guerricaechevarría Música: Roque Baños Productora: Ikiru Films / Telecinco Cinema Género: Comedia
Reparto: Luis Tosar, Rodrigo de la Serna, Joan Pera, Stephanie Cayo, Toni Acosta,Adrián Núñez, Txell Aixendri, Angelo Olivier, Alicia Fernández, Leticia Etala,Xavi Lite, Cristóbal Pinto, Óscar Corrales, Joche Rubio, Alex Amaral,Aranzazu Coello
Sinopsis: Lucas (Luis Tosar) y Clayderman (Rodrigo de la Serna) son dos estafadores, profesionales del engaño a turistas ingenuos en cruceros de lujo. Hace años trabajaban juntos, pero la rivalidad por Verónica(Stephanie Cayo), la bellísima bailarina del barco, les hizo perder la cabeza y dio al traste con su sociedad. Ahora trabajan por separado, Lucas en el Mediterráneo y Clayderman en el Atlántico. Ese fue el acuerdo. Pero un inesperado botín impulsa a Lucas a irrumpir en el barco de su exsocio, lo que convierte la exótica travesía de Barcelona a Cancún, pasando por Casablanca, Tenerife, Brasil y la selva de Yucatán, en un encarnizado duelo de tramposos sin ninguna regla, pero muchos golpes bajos…
La acción de la última película de Javier Monzón se sitúa en un crucero, una Rue del Percebe donde conoceremos a varios personajes que progresivamente se irán interrelacionando. Canallas, buscavidas y timadores competirán a bordo por encontrar un primo a quien engañar. Nacerán amores mecidos por la música y el glamour. Y la intriga se desarrollará con una cadencia que tiene mucho de cine clásico, pues la acción podría trasladarse sin problema a los años 30 y estar protagonizada por Gary Cooper, William Powell y Marlene Dietrich, por decir tres nombres. Al menos hasta que comienza a salir algún gag escatológico y los cuñados hacen su entrada, sin que por ello se empañe el desarrollo de esta magnífica comedia.
El que su acción se desarrolle en un crucero ofrece la oportunidad a Monzón de rodar en escenarios exóticos durante las escalas: de las favelas de Brasil, al Teide en Tenerife, y de ahí a el zoco de Casablanca. Más clásico y cinematográfico, imposible.
El apartado actoral está magníficamente bien resuelto con Luis Tosar, Rodrigo de la Serna y Stefanie Cayo, el trío protagonista, que quedan, eso sí, ensombrecidos por Joan Pera, actor que consigue que nos preguntemos porqué no se prodiga más en cine. Un Joan Pera con todos los números para recoger un Goya como secundario por su trabajo en Yucatán.
¿Le ponemos algún pero? Vamos allá: algunas situaciones resultan previsibles y el ritmo va decayendo hacia la última media hora de su, quizás, excesivo metraje, pues los guionistas, el propio Monzón junto a Jorge Guerricaechevarría, parecen tener una necesidad, posiblemente excesiva, de dejar atadas y bien atadas todas las subtramas.
Peter Nanoogian y el rodaje de ‘Eliminators’
Tras unas primeras incursiones en el mundo del cine realizando, entre otras tareas, la de asistente de director para algunas de las más destajistas productoras norteamericanas como la New World de Roger Corman, Cannon o Embassy, donde asiste al propio Charles Band en la dirección de Parásito (Parasite, 1982) y Metalstorm: The Destruction of Jared-Syn (1983), Peter Nanoogian parecía estar más que preparado para librar su propia batalla, así que tras participar en el filme episódico El amo del calabozo (Ragewar /The Dungeonmaster, 1984), para el que escribe y dirige el segmento Cave Beast, recibe el encargo de Empire de hacerse cargo de Eliminators, una producción que en principio se pensaba rodar en Florida contando con una fuerte inversión por parte de Bob Guccione, propietario de Penthouse. Financiación que le permitiría contar con unos efectos especiales de John Buechler presupuestados en 200.000 dólares. Pero al volver de buscar localizaciones en los Everglades y los pantanos de Florida, Manoogian se llevó el gran chasco al ser informado de los nuevos planes que Band tenía para la producción:
“Charlie Band me dijo: ‘Peter, no haremos la película en Florida porque he decidido que no quiero tener ningún compañero coproductor en ella. Yo mismo aportaré el dinero y la haremos por 600.000 dólares en España’. Me dejó destrozado. Le contesté: ‘Charlie, la película está ambientada en los Everglades’. Me dijo: ‘¡No te preocupes, encontraremos una selva en España!’”[1]
Ilustración promocional realizada para las ventas en el extranjero
Charles Band había oído hablar de lo ajustado de presupuesto que le habían resultado a Eduard Sarlui de Transworld Pictures las dos producciones que rodó en España, Leviatán (Monster Dog, Claudio Fragasso, 1984) y Cosmos Mortal (Alien Predator, Deran Sarafian, 1985). “Charlie quedó tan impresionado de que se pudiera hacer una película con tan poco dinero que pensó que debería financiarla él mismo y así ganaría mucho más dinero. Así que tuve que buscar localizaciones en España y reescribimos el guión”. [2]
Eliminators contó con el guión de Paul de Meo y Danny Bilson, guionistas de confianza de Band que volverían a colaborar con Nanoogian en Arena, ring de las galaxias (Arena, 1989). Lo cierto es que la historia que escribieron no es demasiado compleja:
Takada (Tad Horino) y Reeves (Roy Dotrice) son dos científicos que disponen de una máquina del tiempo, con la que envían al pasado a su mandroide (Patrick Reynolds). Cuando el despiadado Reeves sugiere a Takada que desmantele al Cyborg, pues ya ha dejado de serles útil, este intentará escaparse con él. En su huída Takada será herido de muerte por los secuaces de Reeves, no sin antes indicarle al mandroid que debe buscar al Coronel Hunter.
El Coronel Hunter resultará ser Nora Hunter (Denise Crosby), una atractiva científica que tras escuchar lo que le cuenta el mandroide, entenderá que sus descubrimientos han sido utilizados para crear aberraciones (como el propio Cyborg). Partirá pues junto a él para enfrentarse a Reeves. Con ellos irá el pequeño robot Spot y Harry Fontana (Andrew Prine), un aventurero al que contratarán para que les lleve en su barco a la isla donde está el laboratorio de Reeves, cerca de México. Finalmente se les unirá Kuji (Conan Lee), un Ninja que resultará ser hijo de Takada y que al enterarse del fin de su padre, se unirá al grupo para vengarse.
Una vez en la fortaleza de Reeves, descubrirán que ha modificado su cuerpo convirtiéndose en un poderoso mandroide y que planea viajar al pasado para convertirse en César de la antigua Roma. Pero gracias a la intervención de los Eliminators, Reeves terminará en la era Silúrica, millones de años antes de la aparición del hombre en la tierra[3].
El mandroide en modo oruga…
Los resultados, como no podía ser de otra forma no satisficieron al director, que tenía claras las carencias del producto: “Mi problema principal con la película fue el guión. Es como un dibujo animado (…) no es el tipo de película que quisiera hacer, es como un Indiana Jones de pobre. Si vas a hacer una película como esa, tienes que hacerla por 30 millones de dólares y dejar que la acción brille. Pero Charlie no deja que ese tipo de contratiempos lo detengan, lo cual explica por qué ha hecho más de 200 películas”[4].
La cinta se inicia con unos confusos títulos de crédito compuestos por un batiburrillo de imágenes entre las que vemos un ser con media cara ‘a lo Terminator’, romanos (sí, romanos) y alguien que tiene un accidente de avión. La perplejidad da paso sin respiro al comienzo de la película que se desarrolla en el laboratorio donde conoceremos a los doctores Takada y Reeves y al mandroide, un organismo cibernético creado con partes mecánicas y orgánicas. Aunque el aspecto de su cara es insultantemente similar al que lució ese mismo año Arnold Schwarzenegger en Terminator, de James Cameron, lo cierto es que ciertas características de su diseño nos trae a la memoria a Robocob, lo cual resulta curioso, ya que la cinta de Paul Verhoeven no se estrenaría hasta tres años después del estreno de Eliminators. También comparte con el protagonista del filme de Verhoeven que ambos personajes tan solo conservan de humano la cabeza, siendo el resto mecánico. Así vemos como adapta armas a su brazo o sustituye sus piernas por lo que llama ‘unidad móvil’, accesorios que resultarán, tal y como veremos a lo largo de la cinta, francamente ineficaces: las armas lanzan unos proyectiles con sonido y aspecto de cohete verbenero, y la ‘unidad móvil’ más que velocidad y autonomía, ralentiza y entorpece el desplazamiento del mandroide. Eso sí, esta ‘unidad móvil’ luce magníficamente bien en los carteles promocionales y carátulas del filme.
El ‘mandroide’ y Spot, tal para cual…
Además del cyborg tenemos otro ingenio futurista, Spot, (Search, Patrol Operacional Tactician), un pariente lejano de R2-D2 con aspecto de aspiradora que pretende ser un desahogo simpático a la acción y un guiño hacia el público infantil. Spot terminará siendo una especie de compinche del mandroide, llegando a situarse en su hombro, como si del loro un corsario se tratara. Continuando con los paralelismos efectuados con la saga galáctica, Harry Fontana sería el equivalente, en pobre, a Han Solo: un buscavidas que con su barco (de significativo nombre, No questions!), llevará al grupo a su destino y terminará luchando codo a codo junto a los protagonistas. La taberna donde será contratado no tendrá tanta clientela de diversos pelajes como la que muestra el filme de George Lucas: los principales competidores de Fontana para hacerse con el encargo del grupo de aventureros será Betty Bayou, (claramente una lesbiana) y su compañero Maurice (un homosexual). Dos arquetipos sexistas que perseguirán a los protagonistas con su lancha y serán ridiculizados en diversas ocasiones pretendidamente cómicas.
Pero no todo es acción en Eliminators. También se intenta introducir con calzador su cuota de drama e interés romántico cuando vemos que el mandroide conserva parte de su memoria humana. Averiguamos que se llamaba John, tenía mujer e hijo y se estrelló con un avión antes de ser convertido por los doctores Reeves y Kanada en un mandroide para sus experimentos. También comenzará a tener dudas existenciales, llegando a pedir a la doctora que lo desactive en una escena que desemboca en algo parecido a un intervalo romántico que terminará en un beso interrumpido por el simpático SPOT.
Ya en la isla el grupo tendrá más aventuras: serán apresados por unos extraños seres que resultarán ser neandertales traídos por Reeves con su máquina del tiempo; y se les unirá un nuevo miembro, Kuji, un Ninja que resultará ser hijo del doctor Takada. Porque no hay nada más natural que el hijo de un científico se haga Ninja. Kuji va equipado con sus nunchakus, un elemento que por cierto se censuró en Inglaterra, donde había una ley que no permitía mostrarlos, así que esta escena fue recortada en las ediciones de video que se editaron en la pérfida Albión.
La delirante aparición del Ninja motivará que incluso Harry Fontana exclame algo que muchos espectadores piensan:
“¿Esto qué es? ¿Un cómic? Tenemos robots, tenemos cavernícolas, tenemos Kung-Fu… Pero ya está bien, ¿entienden?: renuncio”
Es posible que el personaje hablara por boca del director, el reparto, el equipo y gran parte de los espectadores, pero faltaba el delirio final, protagonizado por Abbott Reeves, que convertido en una poderosa reinona Cyborg, con capa y escudo y armado con un rayo destructor de átomos, planea ir a la antigua Roma para ser su nuevo César. Pero como ya hemos indicado antes, nuestros amigos terminarán con sus planes enviándolo, de forma casual, a la era Silúrica.
Con semejantes medios y argumento fue todo un mérito que los actores se tomaran medianamente en serio sus papeles pero, ¿Quién puede censurárselo?
Denise Crosby no resulta en Eliminators nada creíble como mujer de acción. Nieta de Bing Crosby, al que nunca llegó a conocer, Denise fue en 1979, con tan solo 22 años, protagonista de un soberbio reportaje fotográfico en Playboy que posiblemente hizo revolverse en su tumba a su mítico abuelo, fallecido tan solo dos años antes. Pero a Denise le llegó la inmortalidad (o algo así) gracias a que llegó a entrar a formar parte de Star Trek, la nueva generación (Star Trek: The Next Generation), donde encarnó durante siete años a la Teniente Tasha Yar, papel que compaginó con otras series televisivas y películas como Muñeco diabólico (Child’s Play, Tom Holland, 1988), El cementerio viviente (Pet Sematary, Mary Lambert, 1989) o Il ritmo del silenzio (Andreas Marfori, 1993), junto a Traci Lords. En la actualidad continúa realizando pequeños papeles para cine y televisión, además de acudir a convenciones Trekkies.
El mandroide / John está encarnado por Patrick Reynolds, otro nieto ilustre, ya que su abuelo era nada menos que R.J. Reynolds, fundador de una de las más importantes industrias tabaqueras norteamericanas (Camel, Winston…). Patrick estudió cine y su documental Berkeley se presentó en Cannes en 1970. Fue invitado por Robert Altman a participar en Nashville (1975), a raíz de lo cual decidió dedicarse a la actuación, faceta en la que no tuvo mucha suerte a tenor de su filmografía, compuesta por series de televisión y pequeños papeles en largometrajes, muchos de ellos sin acreditar, como hippy bailarín en Hair (Milos Forman, 1979); Hare Krishna en Aterriza como puedas (Airplane!, Zucker, Zucker y Abrahams, 1980) o bailarín en Xanadú (Xanadu, Robert Greenwald, 1980). Así que su primer y único papel importante fue el que le proporcionó Eliminators, experiencia que Reynolds no ha dudado en calificar como los tres meses y medio más memorables de su vida.
Montando un mandroide…
En todo caso si el actor se ha hecho popular no ha sido por el cine, sino por la campaña que inició contra el consumo de tabaco mediante su organización por una América libre de humo. Y es que, paradójicamente, el nieto se rebeló contra el imperio que su abuelo ayudó a fundar.
Andrew Prine es, como Harry Fontana, posiblemente uno de los actores que quedan más aparentes en el filme. Y es que Prine es un prolífico actor de teatro, televisión y en menor medida, cine, al que pueden ver en películas como El milagro de Anna Sullivan (The Miracle Worker, Arthur Penn, 1962) o Chisum (Andrew V. McLaglen, 1970), pero también en La tumba de la isla maldita (Julio Salvador / Ray Lanton, 1973), una coproducción hispano-americana rodada en Turquía en la que compartía reparto con Teresa Gimpera, Patty Shepard y Frank Braña. Tras su intervención en Eliminators su carrera sorprendentemente no se resintió y continuó su itinerario por diferentes series televisivas. Recordado es su papel como uno de los visitantes de la serie V (1983). Recientemente Rob Zombie contó con él para que realizara un pequeño papel en The Lords of Salem (2012).
Aunque se tuvo en consideración a Don ‘The Dragon’ Wilson, para el papel de Kuji el Ninja, finalmente fue Conan Lee quien interpretó y coreografió sus intervenciones en el film. Nacido en Hong-Kong como Lloyd Hutchinson, Conan ha realizado su poco remarcable carrera a caballo entre su lugar de nacimiento y Estados Unidos. Estudiante de Wing chun, Kung-fu, Taekwondo, Karate y boxeo, creó su propia arte marcial que bautizó como ‘Realistic Fist’.
Roy Dotrice es un prolífico profesional británico que dos años después de interpretar a Leopold Mozart en Amadeus, de Milos Forman, se las tuvo que ver encarnando al villano de la función, Abbott Reeves, en Eliminators. Todavía muy en activo, su papel más reciente es en la serie Juego de tronos (Game of Thrones).
Como ya se ha comentado con anterioridad, Charles Band decidió que la producción se rodara en España, contando con parte autóctona del equipo y del reparto. Como ejecutivo de producción, por la parte americana se contó con un hombre de confianza de la compañía, Dennis Stuart Murphy, responsable de otros producciones como Re-Animator; Zone Troopers (1985) de Danny Bilson (uno de los guionista de Eliminators); Torok el Troll (Troll, John Carl Buechler, 1986) o Dolls (Stuart Gordon, 1987). Pero para la parte española, esta labor la realizó el director Carlos Aured, detengámonos un momento en este nombre.
Carlos Aured, que inició su carrera como ayudante de León Klimovsky, se lanzó a la dirección en solitario realizando algunos de los más memorables títulos españoles del terror de los setenta como El espanto surge de la tumba (1973), El retorno de Walpurgis (1973) o La venganza de la momia (1973). Cuando llegó el boom del cine ‘S’ dirigió varias cintas eróticas, entre las que destacaron La frígida y la viciosa (1981) y El fontanero, su mujer, y otras cosas de meter… (1981). Cuando recibió la propuesta de colaborar en algunas coproducciones con Estados Unidos, Carlos Aured “quería descansar, replantearme las cosas y meditar sobre la insoportable levedad del ser, así que me pareció una buena idea”[5]. En la primera de ellas, Leviatán (1984), cinta dirigida por Clyde Anderson (Claudio Fragasso) y lanzada en video como Monster Dog, título que también recibiría en Estados Unidos, Carlos Aured realizó labores de producción y guión. En Cosmos mortal (Alien Predator, Deran Serafian, 1985) rodada casi a la vez que la anterior, también se encargó Aured de la producción.
Posiblemente su participación en estos dos títulos facilitó el que Carlos Aured trabajar en Eliminators, una decisión que como veremos terminará lamentando. Otros técnicos y actores españoles que habían participado en estas cintas se incorporaron a la producción Empire, como el actor Charly Bravo o el director artístico Gumersindo Andrés, que trabajó en los tres proyectos. En Eliminators se encargó de ambientación y decorados. Con una larga carrera a sus espaldas, Andrés había trabajado en los años setenta en muchas películas de terror, coincidiendo con Carlos Aured en El espanto surge de la tumba (1973), La venganza de la momia (1973) y Los ojos azules de la muñeca rota (1974).
La producción también contó con la participación del realizador cinematográfico Francisco Lara Polop como asistente de director.
El mandroide en el taller…
Los efectos especiales de maquillaje estuvieron, por la parte americana, a cargo de Everett Burrell, responsable el año anterior de los de Re-Animator (Stuart Gordon, 1985). Y por parte española estuvieron a cargo de Carlos Paradela, que creó maquillajes especiales para La furia del hombre lobo (José María Zabalza, 1972) o El buque maldito (Amando de Ossorio, 1974), por nombrar algunos de sus múltiples trabajos. Su hija Mar Paradela, que debutó en Eliminators encargándose de peluquería, compaginó este trabajo con el de maquilladora hasta la actualidad en películas como El laberinto del fauno (Guillermo del Toro, 2006), o las series Hispania e Isabel, de TVE.
En cuanto a los intérpretes españoles, su participación fue muy poco destacada:
Luis Lorenzo interpreta a Maurice, uno de los roles de afeminado que tantas veces interpretara en cine y televisión. Nos viene a la memoria el de hombre lobo amanerado en El liguero mágico (Mariano Ozores, 1980) o su personaje en El chiste (Eduardo Manzanos, 1976); el chamán neanderthal está interpretado por Pepe Moreno, actor nacido en Chiclana (Cádiz) con una larga trayectoria entre la que destaca El huerto del Francés (Jacinto Molina, 1978); Charly Bravo, que encarna al barman de la taberna donde los protagonistas contratan los servicios de Harry Fontana, tiene una larguísima filmografía, en la que destaca, precisamente por ser uno de sus contados papeles protagonistas, el de Robin Hood nunca muere (1975) de Francesc Bellmunt, cinta de aventuras que produjo Profilmes. En 2012 Charly Bravo, junto a otros actores olvidados por la industria, fue homenajeado en el documental Contra el tiempo de José Manuel Serrano Cueto. Finalmente la cinta cuenta con la presencia de un joven Gabino Diego, que interpreta un minúsculo papel como vigilante de seguridad.
Eliminators fue rodada íntegramente en Madrid, de junio a mediados de octubre de 1985. Patrick Reynolds recuerda que el tiempo fue especialmente caluroso.
Peter Nanoogian, que llegó a Madrid acompañado de Marc Ahlberg, el director de fotografía y de su ayudante de dirección, no sabía gran cosa sobre el equipo español que iba a encontrarse, y mucho menos sobre Aured: “No conocía su trayectoria, aunque cuando llegué a España tenía entendido que había trabajado en películas eróticas y que nunca rodó con sonido directo”[6]. Precisamente esa inexperiencia con el sonido directo fue una de las principales quejas de Nanoogian, “¡Teníamos un equipo técnico de nivel inferior que ni siquiera sabía cómo grabar el sonido! Fue una pesadilla. Afortunadamente tuvimos seis semanas de preparación, lo cual es extraño en una película de Charlie. Se dio cuenta de que esta era una película mayor con muchos efectos especiales”[7]. Y pronto comenzaron los problemas de liquidez: “Charlie estaba diciendo a Carlos que teníamos 600.000 dólares. Pero cuando hice el primer presupuesto me di cuenta de que no podríamos hacer la película por menos de 900.000 dólares. Carlos se encontraba entre la espada y la pared porque siempre estaba intentando recortar gastos y no sabía realmente cómo tratar con todo esto. No sabía lo que debería costar una película de este tipo. Y entonces, a las dos semanas de rodaje me di cuenta de que la película tardaba en rodarse el doble de lo previsto (…) Así que un rodaje de cuatro semanas se convirtió en uno de ocho semanas y la película terminó costando alrededor de un millón de dólares. A pesar de todo creo que a cambio del dinero obtuve muchos valores de producción, construimos algunos decorados enormes y las actuaciones fueron buenas. Se la mostré a un amigo mío que trabajaba como jefe de producción en Cannon y pensó que nos debimos gastar alrededor de 3 millones de dólares”[8].
Aured no recuerda la experiencia con tanta satisfacción: Eliminators, (…), fue un desastre. Por “blancas y polvorientas razones” que no vienen al caso, el director se pasó de tiempo y presupuesto en un 120% (…) y me dejaron colgado con ciento ochenta mil euros de deudas a mis espaldas. Tuve que andar escondido, pues los acreedores me perseguían”[9].
Denise Crosby, Andrew Prine y Patrick Reynolds.
La película se estrenó el 31 de enero de 1986 en casi 1000 salas estadounidenses, recaudando durante el primer fin de semana, 1.987.072 millones de dólares de los 4.601.256 millones totales de su recaudación. Poco después se editó en videocasete por Playhouse Video, la división infantil de CBS/FOX Video, donde continuó su andadura por los video clubs norteamericanos.
En muchos países europeos, incluida España, la película fue directa al estante del video club. Entre los más exóticos nombres que recibió podemos destacar Decapitron (Francia), Os Mercenários da Aventura (Portugal) y Destroyers (Alemania).
Resulta cuanto menos curioso que en muchas de estas carátulas venia una sinopsis un tanto libre del argumento. Por ejemplo, la que venía en la edicion española de CBS/FOX nos narra lo siguiente:
“Diana Carson, una profesora de matemáticas y física recibe la trágica noticia de la desaparición de todos los chicos de un campamento de verano, entre los que se encontraban sus hijos. Diana decide salir en su busca. Todas las pistas conducen a Abbott Reeves, un genio renegado que capitanea las terribles legiones de Worship. Para conseguir la liberación de sus hijos, Diana Carson alista a un grupo de guerreros: Reinhardt, un ex-mercenario, junto a su robot Robota, el Ninja Kuji y el poderoso Crossbow. Juntos se convierten en una fuerza invencible de eliminators vengadores”. Un imaginativo argumento que se repite en las carátulas noruegas, por poner un ejemplo.
Andrew Prine, Conan Lee y Denise Crosby
La versión VHS argentina editada por Magia Video Home también recurrre a la imaginación para explicar el argumento de Eliminators, titulada allí Los aniquiladores:
“La importante KGB busca apoyo en la CIA para lograr encontrar y reducir a una muy peligrosa organización delincuente que con técnicas sofisticadas elude constantemente a la ley. Los EE.UU. tampoco logran someterlos pero encargan a un grupo profesional privado la misión ‘aniquilar’. Ellos son una MERCENARIA, un BOINA VERDE, un MANDROIDE (mitad hombre, mitad máquina) y un NINJA, cada uno es el mejor en lo suyo… juntos son ‘LOS ANIQUILADORES’ ”
Lo más curioso es que estos falsos argumentos se repiten por internet, figurando en algunos de los portales de cine más populares de la red, perpetuando así otro de los múltiples misterios de la era VHS, muchos ellos producto de la picaresca de las casas editoras.
Bueno, digamos que tienen poseen ciertas similitudes.
En cuanto a su edición digital, la norteamericana Shout! Factory editó en DVD Eliminators en 2013 formando parte de un cuadruple ‘SciFi Movie Marathon’ ochentero junto Arena (1989), también de Nanoogian, America 3000 (David Engelbach, 1986) y The Time Guardian (Brian Hannant, 1987). Y diciembre de 2015 la misma compañía la editó en formato Blu-ray formando programa doble con The Dungeonmaster / Ragewar, película en episodios de la que recordemos, Nanoogian dirigió uno. La edición cuenta entre sus extras con una entrevista con el director.
Finalmente, no sabemos si puede decirse que un filme como Eliminators puede haber dejado huella, más allá de las deudas que persiguieron a Carlos Aured durante años. Nanoogian reconoce que se la han acercado jóvenes que en 1986 eran niños reconociendo cuanto les gustó la cinta. Posiblemente uno de ellos podría haber sido el director Steven Kostanski, que ha reconocido en Eliminators su principal fuente de inspiración para Manborg (2011), película con la que también comparte un delirante argumento y puntos en común: soldados que vuelven a la vida como Cyborgs y una banda de aventureros que deberán luchar contra hordas de demonios en un futuro apocalíptico.
NOTAS:
[1] Jay, D., Dewi, T. y Shumate, N. Empire of the B’s: The Mad Movie World of Charles Band. Hemlock Books Limited, 2014. Pág. 263
[2] Íbidem.
[3] El Silúrico es el periodo de la era Paleozoica que abarca desde el final del Ordovícico (hace 443,7 ± 1,5 millones de años) hasta el principio del Devónico (hace 416,0 ± 2,8 millones de años). La base del Silúrico viene marcada por un gran evento de extinción, en el que aproximadamente el 60% de las especies marinas se extinguieron.
[4] Jay, D., Dewi, T. y Shumate, N. Opus cit.
[5] López, D. y Pizarro, D. Silencios de pánico. Historia del cine fantástico y de terror español 1897-2010. Tyrannosaurus Books, Barcelona 2014. Pág. 452-453.
[6] Jay, D., Dewi, T. y Shumate, N.
[7] Íbidem
[8] Ïbidem
[9] López, D. y Pizarro, D. Opus cit.
El 5 de octubre se estrena el thriller de terror psicológico ‘ÁNIMAS’
El próximo 5 de octubre se estrenará en cines, de la mano de Filmax, Ánimas, un thriller de terror psicológico escrito y dirigido por Laura Alvea y José Ortuño.
La película es una adaptación de la novela homónima escrita por José Ortuño y se adentra en la psique adolescente. Además fue el único proyecto español seleccionado en L’Atelier del Festival de Cannes 2016.
Ánimas está protagonizada por Clare Durant (serie TV ‘Centro médico’), Iván Pellicer(serie de TV ‘Fugitiva’), Luis Bermejo (Magical Girl, Fe de etarras, serie de TV ‘Amar es para siempre’), Liz Lobato (series de TV ‘La Zona’ y ‘Motivos personales’), Chacha Huang (El hombre de las mil caras, Perdiendo el este) y Ángela Molina (Blancanieves, Carne Trémula, La mitad del cielo).
Ánimas es una coproducción hispano-belga de La Claqueta PC, Acheron Films, Tito Clint Movies, Ánimas AIE y Raised By Wolves con el apoyo de Eurimages, ICAA, Junta de Andalucía, Media, Ibermedia y la participación de Canal Sur TV.
Para los directores y guionistas Laura Alvea y José Ortuño “estrenar “Ánimas” es la culminación de un sueño que empezó hace casi veinte años. En ella se retrata de forma muy personal el paso de la adolescencia a la edad adulta y todos los temores que eso implica: el miedo a adquirir la responsabilidad de la vida o a tomar decisiones vitales y las riendas del propio destino. Por eso solemos decir que ésta no es una película de miedo, sino sobre el miedo. En este caso, a crecer”.
El productor Olmo Figueredo señala que “quien vea esta película encontrará referencias internas al cine de terror slasher de los 70, a Hitchcock o a Lynch, pero la realidad es que “Ánimas” es la mejor representación del universo creativo de sus directores, Laura Alvea y José Ortuño. Y es que, como pasara con su anterior película, ambos nos han regalado una de las películas de terror más personales, psicológicas y originales de los últimos años que, sin duda, no dejará a nadie indiferente”.
Sinopsis
Álex es una chica segura de sí misma, con una fuerte personalidad y gran tenacidad. Está muy unida a su mejor amigo Abraham, a quien brinda constante ayuda y apoyo, ya que Abraham es un chico tímido, retraído e inseguro, principalmente debido a la compleja relación con sus padres.
Pero todo cambia cuando Daniel, el padre de Abraham, muere en un extraño accidente, cuya causa no está clara. A partir de este momento, Álex caerá en un viaje alucinatorio que la llevará a un descenso al infierno, donde la línea entre la realidad y la pesadilla se volverá borrosa hasta el punto en el que Álex comenzará a cuestionar los fundamentos de su propia existencia.
LAURA ALVEA es una de las profesionales del audiovisual andaluz más activas de la actualidad.
Ha desarrollado su carrera, principalmente, como ayudante de dirección, aunque también ha trabajado en la producción de numerosas obras audiovisuales y es una reputada directora de casting.
Ha codirigido el documental Tebraa, retratos de mujeres saharauis (premiado con La Rosa del Desierto), cortometrajes como Relojes de Arena, y el premiado largometraje The Extraordinary Tale of the Times Table junto a José F. Ortuño.
Como ayudante de dirección, destaca su trabajo en los largometrajes Kiki el amor se hace, El autor, El mundo es nuestro, Carmina o revienta, Arde Madrid, La trinchera infinita, Juan de los Muertos, Carmina y Amén, Cenizas, Un mundo cuadrado, Asesinos inocentes, Flamenco, flamenco, de Carlos Saura, Colorado Avenue o el mediometraje El legado de Munt.
Ha sido directora de producción del largometraje Juan de los Muertos, de Alejandro Brugués, y ha participado en los castings de los filmes Grupo 7, Héctor y Bruno, La isla mínima, Un mundo cuadrado, Asesinos inocentes o Déjate caer, entre muchos otros.
JOSÉ ORTUÑO ha escrito y/o dirigido documentales como Ignacio Sánchez Mejías: Más allá del toreo o Alcalá Zamora: la Tercera España. Mediometrajes como El legado de Muntpara Universal, largometrajes como El Sueño Logrado o Pleno al quince.
Como autor dramático ha escrito y dirigido más de un centenar de obras teatrales, que han sido estrenadas tanto en España como en el Royal Court Theatre de Londres. Su obra Atrapado se hizo con el Teatro, convocatoria en la que también se hizo con el segundo y tercer premio. En 2005, ganó el I Premio Jerry Goldsmith de Jóvenes Compositores Europeos a la Mejor Banda Sonora Europea por Palomita Mía y dos años después volvió a ser nominado por El árbol seco. Sus últimos trabajos han sido escribiendo y codirigiendo el largometraje The Extraordinary Tale of the Times Table y los documentales La Vida en llamas, Way to Jerez o Nacido en Siria.
‘Suspiria’, de Luca Guadagnino, inaugurará Sitges 2018
Tilda Swinton visitará el Festival y recibirá un Gran Premio Honorífico
La esperada nueva versión del clásico de Dario Argento de 1977, Suspiria, abrirá la 51ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya el próximo 4 de octubre. Una de las cintas que más expectación despierta entre los amantes del terror será presentada por su director, Luca Guadagnino (Call Me by Your Name, Cegados por el sol), y la actriz Tilda Swinton, que también recibirá el Gran Premio Honorífico.
Una oscuridad se arremolina en el corazón de una compañía de danza de renombre mundial, una fuerza que engullirá a la directora artística, a una joven y ambiciosa bailarina y a un psicoterapeuta afligido. Algunos sucumbirán a la pesadilla. Otros, por fin, se despertarán.
Suspiria está protagonizada por Dakota Johnson, Tilda Swinton, Chloë Grace Moretz, Mia Goth y Jessica Harper, protagonista del film original de Argento. La banda sonora ha sido creada por Thom Yorke, líder de la reconocida banda Radiohead.
Tilda Swinton recibirá en Sitges el Gran Premio Honorífico en reconocimiento a una trayectoria que brilla por su talento, versatilidad y una predilección por un cine atrevido e independiente. Entre los títulos que ha protagonizado destacan Orlando (Sally Potter, 1992), Adaptation (Spike Jonze, 2002), Quemar después de leer (Joel y Ethan Coen, 2008), El curioso caso de Benjamin Button (David Fincher, 2008), Tenemos que hablar de Kevin (Lynne Ramsay, 2011), Sólo los amantes sobreviven(Jim Jarmusch, 2013), Rompenieves (Bong Joon-ho, 2013), El Gran Hotel Budapest (Wes Anderson, 2014), Dr. Strange (Scott Derrickson, 2016) y Okja (Bong Joon-ho, 2017).
El reconocimiento a Tilda Swinton es el último premio anunciado por Sitges 2018 hasta el momento, y se suma a los otros ganadores del Gran Premio Honorífico, Peter Weir, Nicolas Cage y Ed Harris; la Màquina del Temps para Pam Grier y Ron Perlman; la Maria Honorífica para Traci Lords y el Premio Nosferatu para Helga Liné.
La venta de entradas para la gala de inauguración se iniciará este jueves, 30 de agosto, a las 12.30 horas, a través de la web del Festival.
Al tanto con la última producción de J. J. Abrams… ¡Overlord!
Ya está disponible el PÓSTER y el trailer de la película más salvaje, aterradora y entretenida del próximo otoño, «OVERLORD» (#Overlord)
Dirigida por Julius Avery (“Son of a gun”) y producida por Bad Robot– JJ Abrams, Lindey Weber, Billy Ray y Mark L. Smith e interpretada por Jovan Adepo (“Fences”, “madre!”), Wyatt Russell (“Infiltrados en la universidad”, “Todos queremos algo”) Pilou Asbaek (“Ghost in the Shell”, ”Juego de tronos”…), Mathilde Ollivier (“The misfortunes for Francois Jane”, “Valeria”) y John Magaro (“War machine”) entre otros…
SINOPSIS: La víspera del Día-D, un grupo de soldados aliados son enviados a la Francia ocupada por los nazis para completar una misión esencial para la victoria en la guerra. Sobre el terreno, descubren un laboratorio nazi en el que se llevan a cabo grotescos y descabellados experimentos con los habitantes de la localidad.
La formación básica que han recibido no les ha preparado para lo que tendrán que afrontar –habrán de salvar al mundo de una despiadada amenaza, librando una desigual batalla con una tropa de super soldados manipulados genéticamente.
El actor Emilio Gavira presentará ‘Matar a Dios’ en la edición especial La Palma del Festival Isla Calavera
El Festival de Cine Fantástico de Canarias – Isla Calavera se instalará los días 21 y 22 de septiembre en el Teatro Chico de Santa Cruz de La Palma con una propuesta dedicada al cine de género que abarca diferentes actividades, con el patrocinio del Cabildo insular, el Ayuntamiento de Santa Cruz de La Palma y Dorada Especial. El actor Emilio Gavira (‘El milagro de P. Tinto’) se suma al elenco de invitados ya anunciados para presentar el viernes, día 21, el estreno de la comedia negra ‘Matar a Dios’, ópera prima de Caye Casas y Albert Pintó. Tras la proyección, que arrancará a las 20:30 horas con el cortometraje ‘RIP’ (Mención Especial al Mejor Guion en la primera edición del Festival Isla Calavera), también de los cineastas catalanes, tendrá lugar una charla sobre la película con su protagonista.
El sábado, a las 11:10 horas, el Teatro Chico ofrecerá el documental ‘¡Zarpazos! Un viaje por el Spanish Horror’, un recorrido histórico por el fantaterror español dirigido por el experto en el género, director y guionista Víctor Matellano, seguido de una clase magistral a cargo de Fernando de Iturrate (doctor en Periodismo y profesor de Cine en la Universidad de La Laguna) y Víctor Conde (escritor, ganador del premio Minotauro, el premio Ignotus y el premio Kelvin 505 del festival Celsius 232 de Avilés).
El mismo sábado, día 22, a partir de las 20:30 horas, el Festival Isla Calavera propone disfrutar de una proyección especial dedicada a ‘La historia interminable’ (1984), con la presencia del maestro de los efectos especiales y el maquillaje, autor de las criaturas del clásico del género fantástico Colin Arthur, y su colaboradora Sarah Pooley, quienes al término de la película participarán en un coloquio abierto al público en el que se recordará el intenso rodaje de la adaptación al cine de la novela de Michael Ende, así como la trayectoria de Arthur, quien lleva en la profesión desde 1968, cuando elaboró las máscaras de los simios para ‘2001: Una odisea del espacio’ de Stanley Kubrick. Discípulo del mítico maquillador Stuart Freeborn (creador de las criaturas de ‘Star Wars’), cuenta en su filmografía con títulos como ‘El resplandor’ (Stanley Kubrick, 1980), ‘Conan el bárbaro’ (John Milius, 1982), ‘Alien, el octavo pasajero’ (Ridley Scott, 1979), ‘Furia de Titanes’ (Desmond Davis, 1981) o ‘El viaje fantástico de Simbad’ (Gordon Hessler, 1977), entre otras.
Sobre ‘Matar a Dios’
En la primera edición del Festival Isla Calavera, el cortometraje ‘RIP’ de Caye Casas y Albert Pintó logró una Mención Especial al Mejor Guion “por unos brillantes diálogos y un divertidísimo componente de humor negro”. En ‘Matar a Dios’, también escrita por Casa y Pintó, una familia se dispone a celebrar el fin de año en un aislado caserón en medio de un bosque cuando irrumpe un misterioso vagabundo, interpretado por Emilio Gavira (‘La gran aventura de Mortadelo y Filemón’, ‘Blancanieves’, ‘El milagro de P. Tinto’), quien dice ser Dios y amenaza con exterminar a la especie humana al amanecer. Sólo dejará dos supervivientes y sus anfitriones tendrán la oportunidad de escogerlos.
‘Matar a Dios’ logró en el Festival de Cine de Sitges el Premio del Público al Mejor Largometraje, en el Festival de Cine Fantástico Buenos Aires Rojo Sangre, el premio a la mejor dirección y a la mejor actriz, para Itziar Castro, y en el Fantafestival de Roma el Premio al Mejor Largometraje Extranjero, entre otros galardones. Tras su exitoso periplo por festivales, llega el 21 de septiembre a la cartelera española.
Sobre el Festival de Cine Fantástico de Canarias – Isla Calavera
El Festival de Cine Fantástico de Canarias – Isla Calavera nació en 2017 con una exitosa edición que disfrutaron más de 2.000 personas a finales de noviembre en Tenerife. A lo largo de cinco días se proyectaron 15 cortometrajes y 15 largometrajes, y se ofertaron diversas actividades paralelas. La segunda entrega del Festival tendrá lugar del 21 al 25 de noviembre de este año, nuevamente en el complejo Multicines Tenerife como sede principal.
Codirigido por Daniel Fumero y Ramón González Trujillo, el Festival Isla Calavera está organizado por la Asociación Cultural Charlas de Cine, la Asociación Cultural Isla Calavera, la publicación especializada TumbaAbierta.com y Multicines Tenerife. Como iniciativa regional, en su objetivo de difundir el cine fantástico por todo el Archipiélago, el Festival Isla Calavera trasladará a finales de septiembre su actividad a La Palma, bajo la coordinación de Patricio Ducha, con el patrocinio del Cabildo insular, el Ayuntamiento de Santa Cruz de La Palma y Dorada Especial, y con la colaboración de la Universidad de La Laguna y el Aula de Cine de la ULL.
Novedades de Diábolo Ediciones para septiembre
Vuelta al cole con las novedades de Diábolo Ediciones y comenzamos con el cómic: La blusa, es la nueva obra maestra del francés Bastien Vivés, que después del éxito de Una hermana, nos ofrece una de sus obras más turbadoras. Y Orlando y el juego IV: La danza de los errantes, es el penúltimo volumen de la obra magna de Luis Durán.
(PARA AMPLIAR CLICK EN LA IMAGEN)
CINE Y ANIME
CÓMIC
https://issuu.com/diaboloediciones/docs/dm_2018_09_ok
http://www.diaboloediciones.com/
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 24 de agosto de 2018 *
REVENGE (Coralie Fargeat, 2017)
Francia. Duración: 108 min. Guion: Coralie Fargeat Música: Robin Coudert Fotografía: Robrecht Heyvaert Productora: M.E.S. Productions / Monkey Pack Films / Logical Pictures / Charades Género: Terror.
- Reparto: Matilda Anna Ingrid Lutz, Kevin Janssens, Vincent Colombe, Guillaume Bouchède
- Premios: Festival de Sitges 2017. Sección Oficial: Mejor dirección y dirección novel.
Este impactante thriller, Rape & Revenge de nuevo milenio, es la ópera prima de Coralie Fargeat, realizadora y guionista francesa salida de la prestigiosa escuela de cine parisina La Femis. Obra redonda a varios niveles, por un lado no tiene complejo a la hora de abordar el gore con exceso, desaforadamente, transformándolo en un elemento más con el que iluminar las bellas imágenes que la cineasta plasma en la pantalla. Revenge tiene una factura impecable y está rodada de manera inteligente y bella, brillante, captando las texturas del desierto. Y a pesar de la magnífica y estética forma en la que nos presenta su obra, que destila cuidado por el acabado, no le tiembla el pulso a Fargeat a la hora de llenar la pantalla con explosiones de violencia.
Resulta fundamental en el brillante resultado su protagonista, Matilda Lutz, actriz y modelo italoamericana escultural y aniñada. Un sueño. Un cuerpo objeto de deseo, un cuerpo que es puro poder. Y lo sabe. Con ella el deseo y el calor aumentan progresivamente, mientras la violencia comenzará a aflorar y la sangre, tímidamente, hará su aparición. Pero todo aumentará de manera tangencial: el deseo hasta consumarse. La violencia y la sangre hasta desbordarse. Los papeles se invertirán y el cazador se convertirá en presa. La presa tomará el poder y demostrará que es más fuerte y más inteligente. La directora, de manera muy ingeniosa, hará que la protagonista, ultrajada, asesinada, tenga una ceremonia de iniciación durante la cual volverá a renacer, mucho más poderosa y adquiriendo el relato saludables aires pulp, que no reñirán con el tono reivindicativo que también tiene Revenge, una magnífica película, con la acción situada en un tan bello como inhóspito paisaje, campo de juegos sin escape, en el que una mujer y tres hombres odiosos (Kevin Janssens, Vincent Colombe y Guillaume Bouchède), deberán enfrentarse. Ellos para confirmar su supremacía. Ella para demostrarles que puede con ellos y además, vengar su ultraje.
Tras tener su première mundial en la sección Midnight Madness del Festival de Toronto, Revenge pudo verse en otros certámenes tan importantes como Sundance o Torino, así como en numerosos festivales de cine fantástico, entre los que destacan el Festival de Sitges, donde la película se alzó con el Premio a la Mejor Dirección y el Premio Citizen Kane a la Mejor Dirección Novel y el Nocturna Madrid, donde ganó de nuevo el premio a la Mejor Dirección y el Premio a la Mejor Interpretación Femenina.
¿QUIÉN ESTÁ MATANDO A LOS MOÑECOS? (The Happytime Murders, Brian Henson)
USA/UK. Duración: 91 min. Guion: Todd Berger, Dee Robertson Música: Rupert Gregson-Williams Fotografía: Mitchell Amundsen Productora: Jim Henson Company / Henson Alternative / On The Day Productions / STX Entertainment / Black Bear Pictures Género: Comedia fantástica
Reparto: Melissa McCarthy, Elizabeth Banks, Maya Rudolph, Joel McHale, Cynthy Wu,Leslie David Baker, Jimmy O. Yang, Colleen Smith, Pamela Mitchell, Mitch Silpa,Brian Palermo, Drew Massey, Dorien Davies, Bill Barretta, Jen Sung, Allison Bills,Brekkan Spens, Ryan Tran, Thelma Gudmunds, Dana Schick
Sinopsis: En el barrio más vulnerable de Los Ángeles, donde cohabitan muñecos y humanos, dos detectives enfrentados, una humana (Melissa McCarthy) y un muñeco, se ven obligados a trabajar juntos para tratar de averiguar quién está asesinando brutalmente al antiguo elenco de «La Pandilla Dicharachera», un exitoso programa de marionetas de los años 80.
Brian Henson (‘Los Teleñecos en la isla del tesoro’), digno heredero de su padre, dirige esta película protagonizada por algunas de las cómicas más importantes de EEUU: Melissa McCarthy (‘Cazafantasmas’), Elisabeth Banks (‘Dando la nota’) y Maya Rudolph (‘La boda de mi mejor amiga’), entre otras. Una comedia satírica con humanos y marionetas que se basa estéticamente en el cine policíaco de los años setenta, sumergiendo al espectador en los peores antros de Los Ángeles, habitados por muñecos adictos, pero con guiños al cine negro de los cuarenta. ¿El resultado? sin resultar trasgresor, a pesar de utilizar un lenguaje y registro adulto en un medio tradicionalmente infantil como son los ‘muppets’ (aquí ‘moñecos’), la película resulta agradable y divertida, con buenos gags y en general indicada para pasar un buen rato fresquito en el cine.
Martín Rosete rueda ‘Remember Me’
El viernes 24 de agosto empezará el rodaje de “REMEMBER ME”, la nueva película de Martín Rosete protagonizada por Bruce Dern (“Nebraska”), Brian Cox (“Churchill”), Caroline Silhol (“La vida en rosa (Edith Piaf)”) y Verónica Forqué (“Kika”), que cuenta también con las interpretaciones de Sienna Gillory (“Love Actually”), Jesús Vidal(“Campeones”), Brandon Larracuente (la serie “Por 13 razones”), e Isabel García Lorca (“Ignacio de Loyola”).
El film se rodará principalmente en Madrid y Navarra, pero algunas tomas tendrán lugar en Francia y Los Ángeles. Está previsto que el rodaje se alargue hasta finales de septiembre.
Se trata de una co-producción mayoritaria española (Tornado Films AIE, LAZONA, KAMEL FILMS), con participación de Estados Unidos (REMEMBER ME LLC), y Francia (F COMME FILM), que será distribuida por FILMAX y cuenta con la participación de RTVE.
Sinopsis
Claude, un hombre viudo de unos setenta años, que vive solo y está desencantado con su única hija, se entera un día de que Lillian, la mujer que fue el amor de su vida y con la que tuvo una apasionada historia de amor, tiene Alzheimer y está recluida en una residencia especializada.
Claude va a visitarla y, al ver que no la cuidan con el cariño que se merecería, decide fingir que tiene Alzheimer para ingresar en la misma residencia y estar junto a ella, sin decir nada a nadie de su familia o entorno, salvo a un vecino y amigo, Shane, también anciano, que se convierte en su “cómplice de fechorías”.
Pero Lillian, una conocida actriz de teatro, no le recuerda y Claude tendrá que luchar para conseguir darle la vuelta a esta situación aunque por ello tenga que mentirle a su familia. En su epopeya contará con la ayuda de su nieta Tania, una adolescente problemática que se volcará con su historia.
Por fin… Shocking Asia: Cine asiático para espectadores inconformistas
Shocking Asia llega para todos aquellos que estamos descubriendo que las mayores alegrías y sorpresas cinéfagas y cinéfilas provienen de Asia, continente de cuya basta producción tan solo llegan a nuestras pantallas cintas ganadoras en festivales y/o de los cuatro directores que todos sabemos (Koreeda, Kawase…), o de animación a lo Miyazaki. Y es que, aunque festivales como el de Sitges, cada vez aumenta su oferta de cine de género asiático, son festivales como Nits de Cinema Oriental de Vic los que nos ofrecen una panorámica más amplia de todo lo que no llega (ni llegará) a nuestras colonizadas pantallas. Un cine muy variado que mezcla géneros sin complejos. Hecho para sorprender, entusiasmar, para ver acompañado y ante el que reaccionar espontáneamente. De todo eso y mucho más nos habla Shocking Asia. Y lo mejor es que lo hace con un lenguaje cercano, ameno, canalla, pero no por ello exento de erudición. Ni mucho menos.
Muy al contrario, estamos hablando de especialistas en la materia, capitaneados por Domingo López, LA autoridad sobre cine asiático que, también desde su sello Trash-o-rama, les ofrece raras piezas de arqueología proveniente en su mayoría de Asia, o del cajón de la basura del cine europeo. Domingo, explicaba durante la presentación del zine, que tuvo lugar durante la última edición de las Nits de Cinema Oriental de Vic, que con Shocking Asia ha visto por fin cumplido su sueño de hacer el bookzine que le gustaría comprar. Y de paso el nuestro: Un voluminoso libro de 262 páginas repleto de imágenes de buena calidad reproducidas a todo color. ¿Su contenido? Veamos. Sus páginas estás divididas por colores. La primera parte del zine está dedicado a las reseñas del cine más reciente de Hong Kong, China (con un apartado específico al terror), erótico coreano, japonés de culto (de la mano de Don Fernando), Zen Pictures, Giga Pictures, cine indio (Masala y Bollywood) y un cajón de sastre de películas inclasificables de lo más sabroso. Para el neófito, como Serendipia, todas estas reseñas a cascoporro pueden dejarle un poco agotado, la verdad, a pesar del tono ameno con el que están realizadas, en su mayor parte por el responsable de la publicación. Pero es en la segunda parte de Shocking Asia donde más fundamente ha encontrado Serendipia:
Hong Kong sangriento de Jesús M. Pérez Molina, nos habla de la participación de la mafia china, las triadas, en el cine de Hong Kong, algo de lo que no se librado ni Jackie Chan; Domingo López nos hace casi un monográfico Giga con, además de las ya mencionadas reseñas, un artículo sobre la historia del sello, Extreme Tokusatsu! que demuestra que lo de extreme no es gratuito (no se pierdan lo del porno escatológico). Además de entrevistas con el director de cine Bueno y el coreógrafo de acción Shigeki Hayase. Sigamos: artículo sobre Simon Lui; entrevista con los especialistas y directores de acción Andrew Dasz y Kaecha Kkampakdee (Baahhi 2, BCN Knockout) y con cuatro directores de festivales de cine: Albert Galera (TerrorMolins), Ángel Sala (Sitges Film Fest), Toni Benages (Cryptshow) y Quim Crusellas (Nits de Cinema Oriental), respecto a la participación del cine asiático en los certámenes que dirigen; Rapeman, héroe enmascarado que reparte justicia a base de violaciones (sí, han leído bien) ocupa la parte final de Shocking Asia, con un repaso al personaje desde las páginas del manga a la pantalla. También incluye la primera aventura que protagonizó. Incorrección política y mal gusto que compensa Quim Crusellas con su pasional (y empoderado) artículo dedicado a la supestar de Bollywood Vydia Balan.
Y dejo para el final uno de los artículos con los cuales mejor se lo ha pasado Serendipia, y ya es decir, pues ha devorado Shocking Asia con el ansia del que se lo quiere terminar pero, a la vez, teme que se termine porque habrá que esperar largamente para leer su segundo número: Del Hard al Mainstream, un artículo sobre algunas de las actrices porno japonesas que han saltado a los medios generalistas algo que, como es bien sabido, siempre ha sido complicado, cuando no imposible o de corto recorrido. Divertido e instructivo, su autor, Don Fernando, deja un agotador campo de investigación abierto. Tan solo basta ver una imagen de Saori Hara o Nanami Kawagami para que los dedos se disparen sobre el teclado…
Y vamos terminando. Si les interesa ese cine asiático inédito que tan solo puede verse en la pantalla del ordenador o en festivales, Shocking Asia es su revista, un lujo para cinéfagos sin complejos y con ganas de descubrir perlas más allá de lo de siempre en compañía de auténticos especialistas.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 17 de agosto de 2018 *
EL PACTO (David Victori, 2018)
Pais: España Guion: Jordi Vallejo, David Victori Música: Miquel Coll Fotografía: Elías M. Félix Productora: Ikiru Films / 4 Cats Pictures / El Pacto La Película / Mogambo / Movistar+ / Televisión Española (TVE) Género: Fantástico
Reparto: Belén Rueda, Mireia Oriol, Darío Grandinetti, Antonio Durán, Josean Bengoetxea,Carlus Fàbrega, Vanessa Buchaca
Sinopsis: Una mañana, Clara (Mireia Oriol), la hija adolescente de Mónica (Belén Rueda) desaparece en extrañas circunstancias. Horas más tarde es encontrada inconsciente, con vida pero condenada a una muerte inminente.
Mónica se niega a aceptar la irremediable pérdida de su hija y, arrastrada por la desesperación, participa en un oscuro ritual donde un misterioso hombre le propone un pacto para salvar la vida de Clara. Al día siguiente y de forma inexplicable Clara vuelve a la vida. El viaje hacia el infierno de Mónica ha comenzado.
Con El Pacto David Victori demuestra su buen pulso en la dirección. Con un inicio impecable, en el cual nos presenta a los personajes principales y nos introduce en el misterio de forma modélica, despertando la curiosidad del espectador, va profundizando en los personajes, pincelada a pincelada, mostrando sus diferentes circunstancias: una madre sobreprotectora debido a la enfermedad de su hija; una hija adolescente que ya comienza a demandar escapar del control materno; un padre policía ex-alcohólico que tras el divorcio de su esposa vive en un barco. Y sobre todo una intriga que va en aumento conforme avanza la película y a la que comenzarán a sumarse elementos sobrenaturales con un pacto mefistofélico y un precio muy alto a pagar. Lamentablemente también surgen, conforme avanza la cinta, las primeras incongruencias en el guión.
Con buenos golpes de efecto, la película cuenta con Belén Rueda, que al parecer se ha especializado en el género fantástico, algo que si bien resulta positivo, pues no es una actriz nada despreciable, tira para atrás a los fans más acérrimos al género. Mireia Oriol hace su segundo papel cinematográfico tras E.S.O (Entidad sobrenatural oculta) de Santiago Lapeira, cinta también de temática fantástica, y finalmente, el argentino Darío Grandinetti vuelve a demostrar su eficacia como padre de la joven.
David Victori se dio a conocer como ganador del Festival de Cortometrajes de YouTube en 2012, premio que le llevó a rodar Zero, un proyecto producido por Ridley Scott y Michael Fassbender que le convirtió en uno de los directores jóvenes más interesantes a nivel internacional. El pacto es su ópera prima.
Llega el octavo número de ‘Cine-Bis’
Para abordar este número de Cine-Bis que, como es habitual, ha paralizado todas las lecturas que tenía iniciadas, he realizado un experimento: no he ojeado los contenidos. Ni siquiera he dado un vistazo a las imágenes de su interior. No se lo que me voy a encontrar al pasar cada página. Ignoro los contenidos. A ver que tal…
Tras varias páginas centradas en diversas presentaciones de publicaciones amigas y cartas de los lectores, leemos el panegírico que ha escrito el director de Cine-Bis, Javier G. Romero, con motivo del reciente fallecimiento de Ramón Freixas, autor de capital importancia en el mundo de la crítica cinematográfica y literaria de nuestro país. De Freixas es, precisamente, ‘Crimen perfecto. El crimen siempre paga‘, el artículo que abre este octavo número de Cine-Bis y en el que, junto a Joan Bassa, analizan perlas de la categoría de La jungla de asfalto (The Asphalt Jungle, John Huston, 1950), Atraco perfecto (The Killing, Stanley Kubrick, 1955), Rififí (Du rififi chez les hommes, Jules Dassin, 1955) o Los dinamiteros (L’ultimo rififi, Juan G. Atienza, 1962), entre muchas otras. Y es que el tema da para mucho, tanto que contará con una continuación y conclusión en un próximo número de Cine-Bis. Sin duda un buen comienzo.
Pasamos página y…¡un Ninja!: Sí, las artes marciales han llegado a nuestra publicación y por la puerta grande. Escrito por Jesús Manuel Pérez Molina, autor de Golden Ninja Operation. Los secretos de la IFD y la Filmark, el artículo, completo, desde luego, pero quizás también un tanto farragoso, analiza el origen de estos ‘asesinos silenciosos’ en la historia del Japón, así como sus primeras apariciones en el cine nipón. Y de ahí a su participación en la saga James Bond y al todo vale de los ochenta, con ferrallas de video-club protagonizadas por Franco Nero y Michael Dudikoff. Puro Cine-Bis.
Y comienzan a llegar nuestros artículos favoritos, como la magnífica entrevista con Tonino Valerii que ha realizado Carlos Aguilar. Maravillosa. Como también lo es la segunda entrega del estudio que, también Aguilar, ha realizado de la saga del Dr. Mabuse, en esta ocasión atendiendo a sus bastardos, dirigidos por Harald Reinl, Wermer Klingler, Paul May y Hugo Fregonese. Un artículo en el que desfilan grandes nombres del cine europeo de género como Lex Barker, Karin Dor, Daliah Lavi, Gert Frobe, Peter van Eyck o Klaus Kinski. Y no cesa la felicidad, de nuevo gracias a Carlos Aguilar, con otra fenomenal y extensa entrevista (de hecho es una síntesis de tres), a Aldo Sambrell, un actor de vuelta de todo que no se calla nada…
‘Aulas conflictivas’, el siguiente artículo, es un erudito estudio sobre las películas basadas en esa temática que ha escrito el crítico Quim Casas. Desde los clásicos del género de los años cincuenta y sesenta (Semilla de maldad, Rebelde sin causa, Los jóvenes salvajes o Rebelión en las aulas) a las Serie-B de Roger Corman protagonizados por estudiantes díscolas y las de los ochenta como Curso 1984 (Class of 1984, 1981) de Mark L. Lester o su vuelta de tuerca Curso 1999 (Class of 1999, 1989) del mismo Lester. Sin olvidar las últimas muestras estrenadas en nuestras salas, como El profesor (Detachment, Tony Kaye, 2011) y Profesor Lazhar (Monsieur Lazhar, Philippe Falardeau, 2011). Delicioso, sin ánimo completista y con la solvencia que caracteriza al autor.
Con esa gozada de artículos, uno no puede más que sentir cierto desconcierto y sensación de frenazo ante los ‘perros verdes’ de este número: ‘Gorod Zero. Ciudad sin salida’, en el que Javier G. Romero analiza esta extraña y poco conocida película rusa; y ‘Oldrich Lipský. Farsa y estilo ante todo’, en el que Pablo Herranz disecciona la filmografía de este director checo. Cine extraño y desconocido para gran parte de los lectores y que gracias a estos artículos muchos descubrimos.
Y para terminar un fin de fiesta que vuelve a elevar el tono: ‘Cuerpos copiados. La clonación humana en el cine’, un tan completo como ameno estudio realizado por Pedro Triguero-Lizana en el que repasa algunos títulos harto conocidos sobre esta temática (Los niños de Brasil, El quinto elemento…) y nos descubre alguno menos popular o que se nos pasó por alto como La isla (The Island, Michael Bay, 2005) o Nunca me abandones (Never Let Me Go, Mark Romanek, 2010). Un buen artículo que tiene una parte mala, pésima, nefasta: que es el último de este Cine-Bis, así que con él quedamos a la espera, deseando que esta no se prolongue mucho y tengamos pronto a nuestra disposición una nueva entrega, la novena, de esta imprescindible publicación, que ya valdría su precio tan solo por su magnífica selección de imágenes (olvídense de fotografías cutres pixeladas o carteles de dudoso origen) y la exquisita maquetación que la caracteriza.
Pedidos: quatermass@hotmail.com
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 10 de agosto de 2018 *
EL REHÉN (Beirut, Brad Anderson, 2018)
USA. Duración: 109 min. Guion: Tony Gilroy Música: John Debney Fotografía: Björn Charpentier Productora: Radar Pictures / ShivHans Pictures. Distribuida por Bleecker Street Media [USA] Género: Thriller.
Reparto: Jon Hamm, Rosamund Pike, Mark Pellegrino, Dean Norris, Shea Whigham,Alon Aboutboul, Jonny Coyne, Larry Pine, Jay Potter, Ben Affan, Mohamed Zouaoui, Mohamed Attougui
Sinopsis: El rehén cuenta la historia de Mason Skiles (Jon Hamm), uno de los diplomáticos más importantes de Estados Unidos que abandonó el Líbano en la década de los 70 tras un trágico incidente. Diez años más tarde, la CIA lo cita de nuevo en un Beirut devastado por la guerra con una misión que sólo él puede cumplir. Mientras tanto, una agente de la CIA (Rosamund Pike) que trabaja encubierta en la embajada estadounidense tiene la tarea de mantener a Skiles con vida y asegurar que la misión sea un éxito. Sin saber quién está de su lado y con muchas vidas en juego, Skiles debe superar todos los obstáculos para exponer la verdad.
Presentada en la pasada edición del festival de Sundance, El rehén reproduce, sin caer en los excesos, las dos décadas en la que se desarrolla la acción, los años setenta y los ochenta, el los que el protagonista Mason Skiles (Jon Hamm) deberá enfrentarse con su pasado mirando cara a cara al responsable de la tragedia que partió su vida en dos. Todo ello en una historia que puede resultar un tanto compleja si no se tienen los mínimos conocimientos sobre términos como el Mossad, siglas como la OLP o qué sucedió en Munich en 1972, elementos históricos que sirven de marco y enriquecen la verosimilitud de la acción, que resulta bien sencilla, pues si la despojamos de las diferentes intrigas, de lo que se trata, únicamente, es de que el protagonista medie y negocie con los palestinos el intercambio de un rehén.
La trama cuenta con la tensión necesaria, la intriga, la acción y las suficientes situaciones explosivas (discúlpennos el chiste fácil), para resultar altamente entretenida y emocionante en su clímax. Así como con un impecable anti héroe que no tiene nada que perder, encarnado por Jon Hann. Rosamund Pike resulta convincente en el papel de una tan gélida como poderosa agente de la CIA, un personaje que va mucho más allá de servir de simple interés romántico del protagonista.
THE EQUALIZER 2 (Antoine Fuqua, 2018)
USA. Duración: 120 min. Guion: Richard Wenk (Personaje: Richard Lindheim, Michael Sloan) Música: Harry Gregson-Williams Fotografía: Oliver Wood Productora: Columbia Pictures / Lonetree Entertainment / Mace Neufeld Productions / Sony Pictures Entertainment (SPE) / Fuqua Films / Escape Artists Género: Thriller
Reparto: Denzel Washington, Ashton Sanders, Pedro Pascal, Bill Pullman, Melissa Leo,Jonathan Scarfe, Sakina Jaffrey, Lexie Roth, Caroline Day, Donald Cerrone,Abigail Marlowe, Alin Halajian, Annie Pisapia, Joseph Oliveira.
Sinopsis: Si tienes un problema y no sabes a quién acudir, Robert McCall es tu hombre. Él es The Equalizer. McCall asegura una justicia inquebrantable para los apaleados, explotados y oprimidos, pero cuando su peligroso pasado llama a la puerta, necesitará de todas sus habilidades para ajustar las cuentas. Esta vez deberá enfrentarse cara a cara con asesinos altamente entrenados que no pararán hasta acabar con él.
Denzel Washington retoma uno de sus personajes más característicos en la primera secuela de su carrera. Y aunque el resultado es algo inferior, contiene, al igual que aquella, altas dosis de brutalidad, característica que distinguía The Equalizer (2014) del resto de los thrillers al uso. Dirigida, al igual que la primera entrega, por el prolífico Fuqua, The Equalizer 2 contiene las suficientes escenas de acción e intriga como para resultar un entretenimiento de primera. Además, no es fundamental tener fresca la primera o incluso no haberla visto para disfrutar de las aventuras de este ex-militar declarado oficialmente muerto metido a taxista justiciero con afición a quebrar el mayor número de huesos a sus contrincantes.
Destaca su parte final, rodada a la manera de un western, con una eficaz banda sonora y un viento que ya en el climax, se convertirá en todo un huracán, que con la calma volverá a dejar abierta la puerta a una tercera entrega.
Las lecturas de Serendipia: ‘Haunted Love’… Horror is in the Air
BIBLIOTECA DE CÓMICS DE TERROR DE LOS AÑOS 50: HAUNTED LOVE
Seleccionados por Steve Banes
Diábolo Ediciones. Encuadernación en tapa dura. Formato magazine, 144 páginas a todo color
¡Por fin un interesante cómic con el que refrescarse durante esta dura canícula! Y además muy indicado para esta época, en la que el amor parece estar en el aire, pues este tomo recopilatorio reúne historietas de terror de los años 50 con el común denominador del amor. Sí amigos, 142 páginas llenas de amor. Pero el amor tal y como se entendía en los cómics de terror pre-code. O sea, con putrefactos cadáveres que vuelven a la vida para pasar toda la eternidad junto a su amado o amada; enamorados que disecan a su pareja fallecida para que les haga compañía; mandriles que se enamoran de sus dueños y se vuelven locos de celos… sí, hablamos de historias de amor condenadas a terminar mal y que abordan la necrofilia y la zoofilia junto a otras, digamos que más convencionales, protagonizadas por vampiros y muertos vivientes.
Todo ello en un tomo a todo color con páginas de buen gramaje que contiene un total de 22 historietas seleccionadas por Steve Banes provenientes de cabeceras como Journey into Fear, Mysterious Adventures, Adventures Into the Unknown, Tomb of Terror o The Beyond, ilustradas por artistas como Gene Fauzette, Nick Cardy o Carmine Infantino nombres que, con excepción de Infantino, han sido en su extensa mayoría olvidados. Títulos editados a rebufo del filón que había abierto William M. Gaines y sus EC Comics tras el fin de la edad de oro de los superhéroes. Unas publicaciones valientes y de gran calidad dedicadas al terror, pero también a la ciencia ficción, la crónica negra, el género bélico y otras temáticas tratadas con un enfoque que llegó a incomodar, ya no solo a las mentes biempensantes de turno, sino también a la propia industria por su osadía. Hasta que en primavera de 1954 el psiquiatra austriaco Frederic Wertham publicó The Seduction of the Innocent, un sensacionalista libro que prácticamente echaba la culpa a los cómics de toda la violencia que inundaba la sociedad norteamericana, dando pie a una investigación del comité del Senado que motivó que la propia industria se autocensurara mediante un código, cuyo sello, a partir de entonces, se incluiría en todas las portadas de los Comic Books. Este conservador código iba claramente dirigido contra muchas de las cosas que habían contribuido al éxito de la EC y de los comics de terror en general. Vean si no: además de la prohibición de palabras como «horror» y «terror», se prohibió la representación de sangre, violencia, lujuria y «escenas e instrumentos relacionados con muertos vivientes, torturas, vampiros, demonios necrófagos, canibalismo y licantropía«, vamos, prácticamente todo lo que el lector va a encontrar en las páginas de Haunted Love, que Diabolo Ediciones ha publicado a todo lujo, respetando los colores originales y reproduciendo estas antiguas planchas en todo su imperfecto esplendor, para que el acercamiento del lector a estos incunables sea lo más fiel al espíritu de aquellos tiempos.
Un tomo que será el primero de una serie, ya que Diábolo tiene pensado continuar editando nuevas entregas de esta linea de cómics. Sin duda una buena noticia para el lector más inquieto.
GALERÍA DE PORTADAS
Y para cerrar este artículo, qué mejor que mostrar algunas portadas pertenecientes a los cómics incluidos en Haunted Love, todos y cada uno todavía sin el sacrosanto sello del código de censura. Posteriormente estos títulos desaparecieron o tuvieron que reconvertir sus contenidos para adaptarse a los dictados del Comic Code.
El festival ‘Fimucité 12’ contará con la presencia de Christopher Young
FIMUCITÉ confirma dos nuevos invitados que formarán parte del cartel de la duodécima edición del Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife, que se celebrará entre el 21 y el 30 de septiembre de este año con el patrocinio del Cabildo Insular de Tenerife, el Gobierno de Canarias y el Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife.
El reconocido compositor Christopher Young, quien ya participó en el Festival hace una década, presentará la interpretación en el marco de la Gala de Clausura de una suite de su música para la película de ciencia ficción Species: Especie mortal. Además, Nick Foster acudirá con motivo de la interpretación, también dentro del programa del concierto ‘La verdad está ahí fuera’, de la banda sonora de la serie de animación Thunderbirds are go!, que firma junto a su hermano, el director invitado a FIMUCITÉ en esta misma edición, Ben Foster.
El compositor nominado al Globo de Oro Christopher Young, natural de Nueva Jersey, cuenta con una excelsa trayectoria en cine y televisión con cerca de un centenar de películas, en la que destaca su dedicación al cine fantástico y de terror, con títulos como ‘Hellraiser’, ‘Sinister’, ‘El Exorcismo de Emily Rose’, ‘La Mosca 2’, ‘La Mitad oscura’, ‘Pesadilla en Elm Street 2’, ‘Ghost Rider: El motorista fantasma’ o sus colaboraciones con el director Sam Raimi en ‘Arrástrame al Infierno’ y ‘Spider-man 3’. Una de sus obras más aclamadas, la banda sonora de ‘Species: Especie mortal’, por la que fue nominado a los galardones Golden Reel, sonará el sábado 29 de septiembre en el Auditorio de Tenerife Adán Martín dentro del programa previsto dedicado a la mejor música del subgénero de ciencia ficción sobre avistamientos de ovnis e invasiones alienígenas. Profesor de composición de música para el cine en la Universidad del Sur de California, ha dedicado también su carrera a la formación especializada y cuenta con numerosos seguidores por todo el mundo como quedó demostrado cuando visitó la segunda edición de FIMUCITÉ y protagonizó un inolvidable encuentro con fans.
La Orquesta Sinfónica de Tenerife también interpretará en el marco de la Gala de Clausura la música compuesta por los hermanos Foster para la serie ‘Thunderbirds are go!’, con la que lograron una nominación a los Premios BAFTA. Nick Foster es conocido por sus numerosas partituras para series de televisión en Reino Unido y Estados Unidos, con títulos como la comedia ‘Timewasters’ o la exitosa ‘Bounty Hunters’. También destaca por sus trabajos en publicidad para marcas como Stella Artois, Amazon o la cadena BBC. Actualmente prepara la música de una nueva producción para Netflix del mentalista Derren Brown, con quien ya colaboró en ‘Apocalipsis’ y ‘The Cube’, y para una nueva tanda de episodios de ‘Thunderbirds are go!’, junto a su hermano Ben Foster.
Las entradas para los dos conciertos sinfónicos que tendrán lugar en FIMUCITÉ 12, en el Auditorio de Tenerife, ya se encuentran a la venta en taquilla y a través de Internet en http://www.auditoriodetenerife.com. Como ya había sido anunciado, el viernes 28 de septiembre, a las 20:00 horas, el Auditorio de Tenerife acogerá la première española de un espectacular concierto “live to picture” dedicado al clásico, considerado obra maestra, de la ciencia ficción “Encuentros en el la Tercera fase” de Steven Spielberg, en el que mientras se proyecta la película la Orquesta Sinfónica de Tenerife, el Tenerife Film Choir interpretarán íntegramente la legendaria partitura de John Williams. El director artístico del Festival, el reconocido compositor y director de orquesta Diego Navarro, se pondrá al frente de esta original propuesta, el primer concierto “live to picture” sinfónico de un gran éxito de Hollywood que tiene lugar en Canarias. El concierto ‘La verdad está ahí fuera’ será el sábado 29 de septiembre, a las 19:00 horas.
Christopher Young y Nick Foster se suman al resto de invitados ya confirmados en FIMUCITÉ 12: los compositores Laura Karpman, quien actualmente ejerce como gobernadora de la rama musical en la Academia de Hollywood, y Jean-Michel Bernard, extraordinario pianista y colaborador habitual del cineasta Michel Gondry; además del citado Ben Foster, como director invitado.
El Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ) cuenta para la celebración de su duodécima edición, que tendrá lugar del 21 al 30 de septiembre de 2018, con el patrocinio del Cabildo Insular de Tenerife, el Gobierno de Canarias y el Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife, Audi Canarias, Dorada Especial y Teleférico del Teide, y con la colaboración de la Fundacion SGAE.
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