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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 9 de febrero *
THE FLORIDA PROJECT (Sean Baker, 2017)
- USA. Duración: 115 min. Guion: Sean Baker, Chris Bergoch Fotografía: Alexis Zabé Productora: Cre Film / Freestyle Picture Company / June Pictures. Distribuida por A24 Género: Drama
- Reparto: Willem Dafoe, Brooklynn Prince, Bria Vinaite, Caleb Landry Jones, Mela Murder,Valeria Cotto, Christopher Rivera, Macon Blair, Sandy Kane, Karren Karagulian,Lauren O’Quinn, Giovanni Rodriguez, Carl Bradfield, Betty Jeune, Cecilia Quinan,Andrew Romano, Samantha Parisi, Gary B. Gross
- Sinopsis: Moonee sueña con ir a Disneylandia, pero lo más cerca que ha estado es el motel barato a las afueras de Orlando (Florida), en el que vive con su madre Halley, de 22 años: el Magic Castle Motel. Lo más parecido que Moonee tiene a un padre es Bobby, el gerente del motel, un hombre cauto y diligente que se burla de las payasadas de los niños. Halley ha perdido su trabajo, y otra niña de la misma edad que Moonee se acaba de mudar al motel de al lado. Promete ser un verano inolvidable.
- Premios:
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2017: Globos de Oro: Nominada a mejor actor de reparto (Willem Dafoe)2017: Premios BAFTA: Nominada a mejor actor secundario (Willem Dafoe)2017: National Board of Review (NBR): Mejores películas del año, actor sec. (Dafoe)2017: American Film Institute (AFI): Top 10 – Mejores películas del año2017: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor director y actor sec. (Dafoe)2017: Críticos de Los Angeles: Mejor actor sec. (Dafoe) y 2ª mejor película2017: Premios Independent Spirit: Nominada a mejor película y director2017: Critics Choice Awards: Mejor intérprete joven (Brooklynn Prince)2017: Premios Gotham: Nom. mejor película, actor, nueva actriz y premio del público2017: Satellite Awards: Nominada a mejor director, guion original y actor sec. (Dafoe)2017: British Independent Film Awards (BIFA): Nom. a mejor pel. internacional indep.2017: Sindicato de Actores (SAG): Nominada a mejor actor secundario (Willem Dafoe)2017: Asociación de Críticos de Chicago: Mejor actor secundario (Willem Dafoe)
Maquillada de cierto aspecto documental, The Florida Project busca comunicar, trasmitir, puramente mostrando. Exponiendo ante el espectador un reflejo de la sociedad nortemericana que no sale habitualmente en el cine de Hollywood. Basura (blanca, mestiza, negra) y extrarradios. Madres adolescentes, niños asilvestrados -pero felices-, olor a sudor, pizza, tabaco y gofres. Tatuajes y reggaeton sonando continuamente por el móvil. Malviviendo durante un verano en un microcosmos de edificios de nombres tan equívocos como Futureland o Magic Castle, moles situadas en una Florida circundante con Disney World.
Una banda sonora basada en la música de los móviles y los sonidos de la televisión, además de los continuos ruidos de las aspas de los helicópteros, que no dejan de aterrizar y despegar de un helipuerto cercano. Sonidos del caos en el que vive una madre-niña y su hija-adulta, enormes protagonistas ejemplarmente interpretados por Bria Vinait y Booklynn Kimberly Prince, dos debutantes que compiten en credibilidad con gran Willem Dafoe, que como Bobby, el gerente-portero del edificio representa al único personaje con cierta autoridad moral, protectora-paternal para todos sus inquilinos.
Dirigida por Sean Baker, quien alcanzó el favor de crítica y público con su anterior película Tangerine (2015), la película no sermonea ni juzga, tan solo expone con la mayor naturalidad los hechos sin buscar razones ni culpables terminando con uno de los más poderosos finales que podría haber ofrecido.
Una de esas películas que no toma al espectador por tonto y que demuestra como hacer una película con niños sin que resulten insufribles ni queden aburridas.
https://www.youtube.com/watch?v=O1tbYO6eENU
Oculto el sol, la vida como claroscuro
Siempre estamos ante la luz. La luz, esa fuente esencial de todo lo que se da en y ante nosotros, de cómo vemos y de qué vemos. Sin luz no hay mirada. Sin luz no hay vida. Sin luz no hay cine. Pero tampoco lo hay sin sombra que contraste. La luz no puede ser sin oscuridad que la resalte. Oscuridad y luz se implican en su ser contrarias y los contrarios alcanzan el ser gracias a su oposición, no son el uno sin el otro. Por eso, en el lugar del límite, los opuestos son el otro, el mismo.
Es profundizando en lo oscuro que podemos definir lo luminoso, afirma Jung. Las palabras de Jung presiden y dan sentido a Oculto el sol. Fabricio D’Alessandro, en su opera prima, reflexiona sobre la dialéctica luz/oscuridad para mostrar como es en el claroscuro, en el lugar del eclipse, donde se despliegan nuestras vidas. Lo hace con un filme coral que se mueve entre el drama y el suspense, en el que siete historias de vida, ajenas entre sí, se entrelazan bajo el manto de un eclipse solar, que es físico, pero también personal. Ana y Mora, dos amigas que se cuelan en la casa de una famosa actriz; Lorenzo, un músico que descubre que sus padres actuales no son los auténticos; Laura, una novia que no quiere acudir a su boda; Fedérico, un chico que acosa a su ex amante, Juana, mientras espera a su esposo; Gustavo, un bailarín frustrado que no quiere salir a escena; Ginna, la esposa de un médico con fobia a la soledad, una soledad en la que intuye presencias extrañas, y Clara, que busca comunicarse con su hermano. Siete estados mentales, que en manos de D’Alessandro se convierten en un bosquejo de la psique humana.
Oculto el sol es un ejercicio de estilo con mucha escuela (que no escolar), perfecto en su lógica interna y lleno de sugerencias. Un filme que se juega en el tablero de la metáfora y nos habla de la importancia de la conciencia y el sentimiento a la hora de tomar decisiones, una idea que su director venía madurando hace tiempo. Su punto de partida es una obra teatral compuesta por siete escenas cortas, en la línea del Jarmusch de Coffe and cigarettes 
(2003), que inspiró a D’Alessandro su trabajo de adentramiento en las profundidades del inconsciente, colectivo e individual. Para llevarlo a cabo se impusieron una serie de restricciones que permitieron el afloramiento de una obra fresca y lúdica en la mejor línea del Oulipo. Sólo dos actores por relato, una única localización para cada episodio y una sola toma para cada escena, permiten capturar la inmediatez y la irrepetibilidad del teatro, sin olvidar, no obstante, lo cinematográfico. Cada capítulo es una acción viva y única en la que los actores se rinden a su papel y brillan con luz propia como si estuvieran sobre un escenario en contacto directo con el público. Pero la cámara no es invisible, se la nota en su cascada de planos cortos, en su juego con el eje para transmitir todos los ángulos de una acción, en su seguimiento del personaje, D’Alessandro se expresa con el lenguaje del cine. Oculto el sol no es, pues, teatro filmado, es una pieza que nace allí donde se imbrican las dos disciplinas artísticas, es una apuesta formal por maridar ambos modos de la representación. Y el resultado no podía ser más interesante.
Aunque teja siete historias independientes, no estamos ante una película de episodios sino ante toda una cinta puzzle. Ese carácter le viene dado por el recurso temporal de hacer que todas transcurran en el mismo lapso, ese eclipse solar que se resolverá fuera de campo y que las hace participar de una misma 
idea de fondo. Pero la coincidencia temporal y la unidad conceptual no es lo único que convierte a los relatos en un mismo todo. Es el montaje el que logra convertir las siete tramas en una sola, D’Alessandro las despliega en paralelo fluyendo de una otra como si fueran el mismo río y sabe secuenciarlas y dosificarlas de modo que la intriga permanezca constante. En la película no hay valles, no declina el interés, su ritmo no se atropella ni decae, cada historia es un crescendo y la excusa del eclipse permite que el clímax sea común a todas. El momento de mayor brillo coincide, en todas, con el instante del sol oculto, para descender después suavemente hacia la sombra cuando regresa la luz. La oscuridad es, para los personajes, el ámbito de la magia, la luz el espacio de la realidad, y Oculto el sol los transporta de uno al otro con la dulzura de la melancolía, sembrando en el espectador la necesidad de investigar sobre sus propios claroscuros, sus propios eclipses interiores.
Coral y personal, simultáneamente, el primer largo de ficción de Fabricio D’Alessandro da buenas referencias de sus dotes cinematográficas. Estamos ante un debut prometedor que emociona y mueve a reflexión, dos ingredientes que convierten a su director en autor y a la cinta en una pequeña (gran) obra de arte.
Presentación del 36 Salón Internacional del Cómic de Barcelona
En la Sala de Actos del centro cultural Arts Santa Mònica se ha dado el pistoletazo de salida del 36 Salón Internacional del Cómic de Barcelona que se celebrará del jueves 12 al domingo 15 de abril de Fira de Barcelona Montjuïc. Un Salón que quiere rendir un sentido homenaje al cómic y a sus autores. La presente edición tendrá una superficie de unos 50.000 metros cuadrados, ocupando el Palacio 2, 4, 5 y la Plaça Univers.
La presentación ha contado con la presencia de Patrici Tixis, presidente de FICOMIC; Jan, el responsable del cartel del Salón de este año; Antoni Guiral, comisario de exposiciones del 36 Salón Internacional del Cómic de Barcelona; y Meritxell Puig, directora general de FICOMIC. El certamen continúa con su apoyo a los aficionados de toda la vida, pero sin olvidar a los más pequeños de la casa. Por este motivo estrenamos el espacio Comic Kids, una gran área de unos 3.000 metros cuadrados que dará prioridad a la divulgación del cómic entre los más pequeños, pero también a las familias. Este espacio didáctico servirá para conocer técnicas de dibujo, guión y diseño, leer cómics, jugar, dibujar con los autores, hacer tu propio cómic y mucho más…
Sobre el 36 Salón del Cómic, Patrici Tixis ha comentado que este año el Salón Internacional del Comic de Barcelona “quiere dedicar un cálido homenaje a los comics de los últimos 25 años del siglo XX”. En especial “a los autores españoles de ese periodo”.
Jan, autor del cartel de esta edición, ha destacado que “ha querido rendir un homenaje a los cómics clásicos de toda la vida”. Como anécdota ha destacado la dificultad que ha tenido en reproducir fielmente al Príncipe Valiente. De hecho, “ha sido el personaje que más trabajo me ha dado”.
Por su parte Meritxell Puig ha anunciado “una nueva distribución de los pabellones para que el visitante tenga una experiencia más gratificante y fluida”. En esta ocasión el área profesional, la sala de actos y auditorio se situarán en el pabellón 5, con lo que se reducirá la contaminación acústica y hará más agradable el trabajo de los profesionales. La directora general de FICOMIC también ha presentado la nueva página web del Salón del Cómic de Barcelona: www.comic-barcelona.com. El nuevo site ofrece al visitante una página más navegable, más funcional, con un contenido mejor estructurado, un diseño renovado y elegante.
Antoni Guiral ha dado un pequeño avance de las exposiciones del 36 Salón Internacional del Cómic de Barcelona. La muestra antológica Las revistas del boom del cómic (para adultos), se centrará en las revistas españolas de cómics aparecidas entre 1978 y 1992. También destaca Superlópez xJan, una gran muestra dedicada a los 45 años del popular superhéroe creado por Jan. El cómic clásico se verá representado en Jack Kirby, The King of Comics una exposición que repasará la trayectoria profesional de este genio del cómic. Además tendremos las muestras de los ganadores de los premios de la pasada edición, como la del Gran Premio del Salón del Cómic 2017, que fue para Josep Maria Martín Saurí, y la de Jamás tendré 20 años, de Jaime Martín que ganó el premio a la Mejor Obra de Autor Español del pasado Salón. Javi Rey, premio al Autor Revelación, galardón patrocinado por la Fundación Divina Pastora, y el fanzine Paranoidland, Premio al Mejor Fanzine, también tendrán sendas exposiciones. En las próximas semanas se darán a conocer nuevas exposiciones y actividades que se están cerrando.
La retrospectiva Kung Fu Girls! arranca esta semana en Barcelona
La retrospectiva Kung Fu Girls! arranca esta semana en Barcelona, organizada por el Festival Nits y la Fundació Institut Confuci.
El miércoles 7 de febrero a las 19.00 h se proyectará el primer título de la retrospectiva: My Young Auntie (Las garras de la tigresa. Liu Chia-Liang, 1981).
Antes de iniciar la proyección, se presentará el libro Kung Fu Girls!, último título de la Biblioteca FesNits, escrito por Jorge Endrino y Domingo López, con ilustraciones de Toni Benages.
El programa de este homenaje a las mujeres de acción en el cine asiático es el siguiente:
7 de febrero: My Young Auntie (Las garras de la tigresa. Liu Chia-Liang, 1981)
14 de febrero: Yes Madam (Ultra Force 2. Corey Yuen, 1985)
21 de febrero: Iron Angels (Raymond Leung, Teresa Woo, 1987)
28 de febrero: Magnificent Warriors (Guerreros invencibles. David Chung, 1987)Horario de las proyecciones: 19.00h
Dirección: Fundació Institut Confuci: Carrer Elisabets 10, Barcelona.
Así mismo, con motivo de la celebración del Año Nuevo Chino 2018, el 15 de febrero tendrán lugar una serie de actividades también en la sede de la Fundació Institut Confuci de Barcelona. La velada se iniciará a las 18.30h con la apertura de la exposición ‘El Supercartellista’, que presenta los pósteres más emblemáticos del artista de Hong Kong Yuen Tai-yung. La exposición está formada por 10 carteles de gran formato de los éxitos de las productoras Harvest o Cinema City, protagonizados por Bruce Lee, Jackie Chan o los hermanos Hui. Permanecerán expuestos en el Institut Confuci hasta el día 2 de marzo. Una vez inaugurada la exposición, se proyectará el documental que rinde homenaje al cartelista The Posterist (Hui See-Wai, 2017), Mención Especial del Jurado en la edición del Festival
Nits de cinema oriental de Vic 2017.
La celebración se completará con el concierto del grupo de rock chino GAS.
El programa detallado de las proyecciones y actividades está disponible en:
http://www.cinemaoriental.com
http://www.confuciobarcelona.es/
Entrada gratuita, con reserva previa a través de la página web de la Fundació Institut Confuci.
Ya a la venta en DVD ‘Parada en el infierno’ de Víctor Matellano
Ya se encuentra a la venta el DVD del thriller de acción dirigido por Víctor Matellano, Parada en el Infierno (Stop Over in Hell), distribuida por Premium.
Se trata de la tercera película de ficción dirigida por Matellano, contando en esta ocasión con un reparto que incluye a uno de los padres del eurowestern, el actor y director Enzo G. Castellari, autor de la mítica Keoma, y mentor de Quentin Tarantino.
La película, rodada en inglés y escrita por Juan Gabriel García y Antonio Durán junto al propio Matellano, centra su argumento en el macabro juego al que un violento grupo somete a unos rehenes en una parada de diligencias, mientras se espera la llegada de un cargamento de oro. Un planteamiento moderno y actualizado de los viejos mitos del cine del oeste, sin escatimar acción, violencia y gran tensión.
Junto a Castellari, el reparto de carácter internacional incluye a Tania Watson, Pablo Scola, Veki Velilla o Armando Buika, junto a participaciones especiales en papeles destacados de Nadia de Santiago, Manuel Bandera, Ramón Langa o Guillermo Montesinos.
El DVD incluye la versión original en inglés de la película, versión doblada al castellano, Making Of con entrevistas e imágenes de rodaje, así como el tráiler.
La comercialización en el mercado doméstico español de Parada en el Infierno coincide con el estreno de la película en países como USA, Canadá y Alemania de la mano de la distribuidora VMI Worldwide de USA, así como su participación en nuevos internacionales.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 2 de febrero *
AMITYVILLE: EL DESPERTAR (Amityville: The Awakening, Franck Khalfoun, 2017)
USA Duración: 85 min. Guion: Franck Khalfoun Música: Robin Coudert Fotografía; Steven Poster Productora: Blumhouse Productions / Dimension Films / Miramax Género: Terror
Reparto: Bella Thorne, Cameron Monaghan, Mckenna Grace, Jennifer Jason Leigh, Jennifer Morrison, Taylor Spreitler, Thomas Mann, Kurtwood Smith,Hunter Goligoski, Dan Martino, Brian Breiter
Sinopsis: Belle (Bella Thorne) y su familia se mudan a una nueva casa, con el fin de ahorrar dinero para ayudar a pagar el costoso tratamiento de su hermano gemelo que se encuentra en coma. Pero cuando fenómenos extraños empiezan a ocurrir en la casa, incluyendo la recuperación milagrosa de su hermano y pesadillas cada vez más espeluznantes, Belle comienza a sospechar que su madre (Jennifer Jason Leigh) no le está contando toda la verdad y pronto se da cuenta de que, 40 años después de los extraños sucesos que tuvieron lugar allí, acaban de mudarse a la terrorífica casa de Amityville.
Dirigida por Franck Khalfoun, quien saltó a la fama gracias al buen sabor que dejó a muchos con su remake de Maniac con Elijah Wood como protagonista, se adentra en esta ocasión en el pequeño universo de Amityville y lo hace, al igual que hiciera con aquella, demostrando un gran respeto por la cinta original que pasa, físicamente, a formar parte de la historia, pues el director demuestra haber aprendido la lección que ofreciera Wes Craven en Scream (1996) y añade esa ficción a su propia ficción. Y también la realidad, directamente extraída de la crónica de sucesos, de los hechos acaecidos en la tenebrosa casa ofreciendo, con todo ello, una nueva lectura y, lo más difícil, consiguiendo un buen resultado, que sin ser extraordinario resulta digno y más ingenioso que la media, no basando exclusivamente su efectividad en sustos fáciles y efectismo splatter.
Utilizando los resortes habituales del género: ruidos extraños y puertas que se abren y cierran solas, la cinta ofrece algunos ingeniosos guiños al aficionado que se topará con otras cintas del género como Patrick (Richard Franklin, 1978), Annabelle (en un plano podemos ver una muñeca idéntica a la Annabelle ‘real’) y por supuesto la saga Amityville, lo que da ocasión al director de ofrecer al espectador metacine en estado puro
Los personajes están correctamente perfilados y los adolescentes no resultan sonrojantes, muy al contrario, Bella Thorne construye un atractivo personaje y Jennifer Jason Leigh demuestra su práctica en este tipo de cine, no en vano se dio a conocer con el thriller terrorífico Mujer blanca soltera busca… (Single White Female, Barbet Schroeder, 1992) y no ha dejado de intervenir en algún que otro festín terrorífico como eXistenZ (1999) de Cronenberg.
CAVERNÍCOLA (Early Man, Nick Park, 2018)
UK Duración: 89 min. Guion: Mark Burton, James Higginson, John O’Farrell Fotografía: Charles Copping, Dave Alex Riddett, Paul Smith, Peter Sorg Productora Aardman Animations Género: Comedia
Sinopsis: Dug, cavernícola, y Hognob, jabalí, son los protagonistas de esta nueva aventura de Aardman en la que dos civilizaciones, la de la Edad de Piedra y la de Bronce, compiten por hacerse hueco en la historia. ¿Cómo? De la mejor forma que sus ancestros les enseñaron: con «el juego sagrado». ¡Un partido de fútbol llamado a ser el más épico de la historia! En juego no hay una copa, sino la supervivencia de la tribu de Dug, que ve en peligro su hogar ante la llegada del malvado y moderno villano de la Edad de Bronce Lord Nooth.
Si el oscarizado Nick Park creador de Wallace & Gromit ya parodió La gran evasión (The Great Scape, John Sturges, 1963) en su Chicken Run (2000), para Cavernícola parece haberse inspirado más en la Evasión o victoria (Victory, John Huston, 1981) que en Los Picapiedra, aunque naturalmente algún guiño ofrece a aquella serie, sobretodo en forma de ingenioso invento. Con una historia situada en el fin de la Edad de Piedra y el inicio de la del Bronce, Cavernícola es una divertida cinta para toda la familia que cuenta con ingeniosos personajes, entre los que destaca Hognob, el jabalí mascota con complejo de perro que en la versión original de la película se encarga de doblar el propio Park.
El prólogo, uno de los mejores momentos de la cinta, es casi una aventura en sí misma que funcionaría como cortometraje autónomo, y aunque Cavernícola no resulta tan redonda como las anteriores propuestas de Park, si que dispone del suficiente atractivo para el espectador, especialmente el aficionado al fútbol. Exalta simultáneamente los valores de trabajar en equipo y los de ser imaginativo y tener ideas propias, sin despreciar la crítica social representada por el personaje del villano Lord Nooth, que ofrece al pueblo ‘pan y circo’ mientras se lucra con sus impuestos ‘voluntarios.’
Buenos personaje y buenos gags en esta recomendable nueva película de los artesanales estudios de animación Aardman.
https://www.youtube.com/watch?v=ACN-PvqichU
EL CUADERNO DE SARA (Norberto López Amado, 2018)
España. Duración: 115 min. Guion: Jorge Guerricaechevarría Fotografía: David Omedes Productora: Telecinco Cinema / Ikiru Films Género: Aventuras
Reparto: Belén Rueda, Manolo Cardona, Enrico Lo Verso, Marián Álvarez, Florín Opritescu,Malcolm Sitté, Iván Mendes, Marta Belaustegui, Nick Devlin
Sinopsis: Laura busca desde hace años a su hermana Sara, desaparecida en medio de la selva del Congo. Ni la ONG para la que trabajaba ni la Embajada tenían noticias de su paradero… hasta que aparece una foto de un poblado minero del Este del Congo con la imagen borrosa de Sara. Sin dudarlo un momento, Laura viaja hasta Kinshasa dispuesta a adentrarse en el territorio de los Señores de la Guerra, dejando atrás las diferencias que la separaron de su hermana, y sin sospechar que esa aventura le llevará hasta la más sucia, violenta y oculta trastienda de los grandes poderes occidentales.
De nuevo el egoísmo y el saqueo de África por parte de las potencias occidentales son los responsables de los dramas que suceden en el continente africano. En esta ocasión ya no es el oro ni los diamantes, es el Coltán, un mineral metálico negro y opaco relativamente escaso en la naturaleza que se utiliza en la fabricación de componentes para dispositivos electrónicos. La explotación abusiva de este mineral con propiedades únicas en el uso de aparatos móviles, es una de las causas principales de conflicto en el Congo, y esta es la base, el macguffin que habrá detrás de la historia que narra El cuaderno de Sara, una película con trasfondo de crítica social pero mucho también de aventuras con guion de Jorge Guerricaechevarría (‘Cien años de perdón’, ‘El Niño’) y que cuenta en su reparto, además de con Belén Rueda, con Manolo Cardona (‘Narcos’), Marian Álvarez (‘La herida’), el debutante Ivan Mendes y Nick Devlin (‘El Canal’), además de la colaboración especial de Marta Beláustegui (‘El principio de Arquímedes’) y Enrico Lo Verso (‘Hannibal’). Dirigida por Norberto López Amado, la película se rodó durante ocho semanas en la República de Uganda y la isla de Tenerife, lugares de los que el director ha sabido sacar todo el provecho. Una atípica y correcta cinta de acción protagonizada por una Belén Rueda que demuestra, una vez más, que se atreve con todo tipo de género.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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