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Estuvimos en el Cardoterror y lo pasamos de miedo
Como ya casi es habitual, llegamos los primeros.
Nuestra primera visita al Festival Cardoterror resultó ser del todo deliciosa. Decidimos reservar parte del diminuto presupuesto que había quedado tras el Festival de Sitges, después de ver la programación que se ofrecía y que ya les detallamos en este enlace: un completo y perfecto combinado de películas de toda época con la figura del mad doctor como denominador común. Lamentablemente este año nos ha sido imposible acudir a Molins, pero las fechas son demasiado seguidas y uno llega hasta donde puede.
Nos habían hablado de lo bien que se lo pasaba uno en Cardedeu y… se quedaron cortos. El festival, que cubrió desde el jueves 25 al domingo 28 de octubre, ofreció una amplia muestra de películas entre las que se incluyeron La novia de Frankenstein ( 1935 James Whale), El gabinete del Dr. Caligari (1920, Robert Wiene), El hombre invisible (1933, James Whale), Re-Animator (1985, Stuart Gordon) o The Human Centipede. First Sequence (2009, Tom Six). Pero también hubo lugar para una amplia muestra de cortos, exposición de dibujos y pintura y presentación de libros, en esta ocasión la estupenda y completa obra dedicada a la producción fantástica de los estudios Universal Monstruos eléctricos, de Lluis Rueda y Pau Roig, que ya deberían tener en su selecta biblioteca.
Magnífico ambiente tanto fuera como en la repleta sala donde se proyectaba en ese momento Darkman (1990, Sam Raimi)
El festival además contó con la presencia de un invitado de excepción, Jaume Balagueró, que ofreció una charla distendida, contestó a las preguntas que se le hicieron y recibió el premio del festival, el trofeo Audrey en reconocimiento a su trayectoria, todo ello antes del pase de su ópera prima, Els sense nom (1999).
La organización fue sencillamente perfecta y la sala de lujo, a pesar de ciertos problemas con el proyector totalmente ajenos a ellos, que pudieron solventar ante la comprensión del público. También fue genial la presencia de amiguetes con los que compartimos conversación, cervezas y unas albóndigas en el Bar Manolo que han quedado marcadas a fuego en nuestra memoria y cuya degustación sin duda pasará a formar parte obligada de futuras ediciones del festival. Les dejamos con un completo documental que la televisión local ha dedicado al Cardoterror, un festival que pasa a ser otra cita obligada en nuestra agenda y, si quieren saber lo que es bueno, en la de ustedes.
Parte de la organización de Cardoterror, los autores de Monstruos Eléctricos y Jaume Balagueró durante el festival.
(Fotos: Serendipia)
Ya puedes participar en la VI Muestra Cryptshow de narración, ilustración, comic y fotografía de terror, fantasía y ciencia ficción
Como cada año el Festival Cryptshow organiza la Muestra Cryptshow Festival de Relato de Terror, Fantasía y Ciencia Ficción con el objetivo de promocionar el género y dar publicidad a los trabajos de los relatistas de lo fantástico. Los trabajos ganadores y finalistas de los diferentes apartados (cuento, comic, fotografía, ilustración y fotonovela) se publicarán en el libro Cryptonomikon 6, que saldrá coincidiendo con el festival, a celebrar en julio del próximo año.
Estas son las bases:
1. Pueden participar todos los autores con una única obra original e inédita, en lengua catalana o castellana en el caso de contener texto. Los derechos de edición y/o reproducción de la obra presentada no podrán estar cedidos a terceros. El tema de la narración será libre dentro de los géneros del terror, la fantasía y la ciencia ficción.
2. Sea cual sea la disciplina artística empleada, la obra deberá siempre narrar una historia. Las disciplinas admitidas son:
2.1. CUENTO. La extensión mínima del cuento será de una frase y la máxima de 7.000 caracteres, incluidos los espacios.
2.2. ILUSTRACIÓN. Deberá ser en blanco y negro.
2.3. CÓMIC. Deberá ser en blanco y negro y con una extensión máxima de 3 páginas.
2.4. FOTOGRAFÍA. Deberá ser en blanco y negro.
2.5. FOTONOVELA. Deberá ser en blanco y negro y con una extensión máxima de 3 páginas.
3. Las obras deben enviarse antes del día 1 de abril de 2013 a: obra@cryptshow.com. En el título del mensaje debe figurar: «VI Muestra Cryptshow – 16» si el autor tienes menos de 16 años y «VI Muestra Cryptshow + 16» si el autor tiene 16 años o más. Se deberán enviar dos archivos adjuntos nombrados según el siguiente ejemplo: titulodelaobra.doc y titulodelaobraPLICA.doc. El primer documento contendrá la obra. El segundo documento contendrá la plica, es decir: título, nombre y apellidos del autor, fecha de nacimiento, dirección postal completa, dirección de correo electrónico y número de teléfono, así como un texto en el que se comprometa a aceptar las bases de esta muestra.
4. Se constituirá un jurado que hará una selección de las obras recibidas y escogerá los ganadores.
5. Se establecen dos galardones, uno por cada categoría: menores de dieciséis años y mayores de dieciséis años.
6. Cryptshow Festival publicará las obras galardonadas y las finalistas en un libro titulado «Cryptonomikon 6», que se podrá adquirir a través de Internet a partir de la celebración del Cryptsow Festival’13. En el festival se podrán leer las obras ganadoras dentro en la revista del festival, de distribución gratuita. Todos los finalistas y ganadores recibirán gratuitamente una copia digital del libro «Cryptonomikon 6».
7. Las deliberaciones tendrán lugar durante la primera mitad del año 2013 y los galardonados se darán a conocer durante la celebración del Cryptshow Festival’13.
8. Mediante su participación, todos los autores manifiestan que la obra es de su autoría y que los derechos de edición y/o reproducción de esta no están cedidos a terceros. Asimismo, autorizan a Cryptshow Festival a publicar su obra y a utilizarla para fines promocionales. El autor nunca perderá los derechos de edición y/o reproducción de la obra. Cualquier publicación posterior deberá identificar la obra como galardonada en la VI Muestra Cryptshow Festival de Narración de Terror Fantasía y Ciencia Ficción. Toda responsabilidad derivada del incumplimiento de este punto recae directamente sobre el autor.
9. Cryptshow Festival se reserva el derecho de utilizar la sobras presentadas o parte de ellas en acciones promocionales del festival.
10. La participación en la V Muestra Criptshow Festival de Narración de Terror, Fantasía y Ciencia Ficción implica la aceptación sin reservas de estas bases.
Así que si quieren participar, ya saben. Por nuestra parte nos alegramos de que la sierra circular del Cryptshow 2013 haya comenzado a girar.
Diario de Serendipia en Sitges (Tercera parte): El desenlace
Ya con muestras y de agotamiento, Serendipia inicia sus últimas jornadas en Sitges 2012 pero, como ya les comentamos en anteriores entregas, hacemos un inciso para hablar de…
EL NUEVO SISTEMA DE TICKETS DE PRENSA
La prensa acreditada al festival dispone de varias proyecciones, fundamentalmente las de la mañana, en las que puede acceder simplemente con mostrar su acreditación en la puerta. Pero hay otras sesiones en las que es necesario que solicite un ticket. En años anteriores se podían solicitar el día anterior al de las proyecciones haciendo cola a partir de las 16 horas. Hasta ahí bien, uno sacrificaba ciertos pases o el sentarse a comer como un ser humano para ponerse en una cola, sistema que no tendría más problema de no ser por parte de los mismos medios acreditados: los «colegas». Uno podía estar el tercero de la cola, por ejemplo, y ver estupefacto como llegaban infinitos amigos de los que estaba delante y colarse hasta llegar a un número del todo inadmisible. Lo hacian sonrosados y contentos por haber comido bien o comentando la película que acababan de ver y que tú te habias perdido por estar haciendo cola . Y solo tenían que pasar por delante tuyo, saludar al amiguete y colarse ante tí, que llevabas haciendo cola (hasta entonces pacientemente) una o dos horas.
El sistema no funcionaba y desde aquí llegamos a pedir a la organización que hiciera algo.
Ignoramos si nuestra queja tuvo éxito, pero el caso es que este año se ha puesto en práctica un nuevo sistema que funciona de la siguiente manera: uno puede acceder a sacar un máximo de tres tickets desde internet a partir de las 7 de la mañana. Una forma cómoda, sin duda, si tienes acceso a la red y si te pegas el madrugón, cosa a la que estábamos dispuestos ya que nos habíamos puesto como norma el solicitar el menor número y acudir a las sesiones de mañana. Pero nuestra sorpresa fue el ver que a las siete y un segundo ya no había tickets para algunas sesiones, algo sumamente sospechoso. Inconvenientes aparte, pensamos que el sistema es mejor. No perfecto, pero mucho mejor. Podríamos decir nosotros sus pros y contras, pero hemos querido contar con la opinión de amigos y colegas, a los que agradecemos desde ya su colaboración al respecto:
Jose M Rodriguez (Dioses y Montruos /Kifund/Tyrannosaurus Books): Bien porque ahorra colas y pérdida de tiempo. Mal por los madrugones, el colapso, la sensación de que se ofertan pocas entradas y se da por hecho de que todo el mundo dispone de conexión a internet.
Penelope Callau (Klowns Asesinos): Es genial no hacer dos horas de cola y perderte la hora de la comida o alguna peli. Y fatal por los madrugones, el colapso en la red y las pocas entradas. Me siento estafada
Manu Argüelles (Cine Divergente): Yo creo que el sistema es mejor. Realmente las pocas invitaciones ya existían antes, porque que yo recuerde siempre tenía que improvisar. Las invitaciones siempre han sido escasas. Ahora quizás se ve mejor. Lo de la saturación del sistema, no es cierto. Funcionó perfectamente siempre. Sí, el madrugón, pero es lógico que sea en un horario anterior a cuando se abre la programación para que todo el mundo tenga las mismas oportunidades. Al fin y al cabo, ya era una hora a la que tenías que levantarte si querías ir al primer pase de prensa. Porque ellos cuentan que la prensa va principalmente a sus pases, que creo que es lo que debe ser. En Donosti es así. El problema no es el sistema de invitaciones, es que Sitges no tiene la infraestructura para las dimensiones que maneja. No puede programar 250 películas en solo esos tres cines y pasar la Sección Oficial de forma simultánea en dos salas o proyectarlas dento de un maratón. Las películas tendrían que tener 4 pases mínimo….en fin, que en realidad el problema es otro. ¿Te obliga a tener internet? Ellos cuentan con eso, que toda prensa tiene internet disponible, algo que también veo lógico que lo presupongan.
Marta Torres (Judex Fanzine): Tuve la sensación de que había gente que pillaba todas las entradas que podía sin criterio, ya que el sistema fomenta una cierta competencia por acaparar. Lo digo porque en prensa quedaban muchas entradas reservadas que nadie recogía… para el año que viene estaría bien que hubiera un tope de horario para recoger las entradas reservadas y, pasado este tiempo, se liberaran otra vez para la prensa.
Por cierto, esta es la parrilla de prensa para el día 7 de octubre. En ella pueden verse las actividades, el lugar y los presentes a los actos.Hagan clic sobre la imagen y fíjense en el asistente al premio Brigadoon Paul Naschy. Es posible que fuera una errata o quizás se trate de una nota romántica ya que Paul Naschy estuvo presente en el festival, aunque de forma virtual en dos documentales y en O Apóstolo.
VIERNES DIA 12
Un nuevo amanecer para un día en el que la naturaleza sacaría lo mejor/peor de sí misma como ya veremos. De momento la jornada de este largo fín de semana se iniciaba bien pronto (a las 8’30) con El Bosc de Óscar Aibar, película a la que teníamos ganas de echarle un ojo y que no nos defraudó. Ciencia ficción en el bajo Aragón con la guerra civil de fondo, un tratamiento a primera vista bien extraño pero que funciona a la perfección en esta película totalmente hablada en catalán de la franja. Perfecta ambientación, un guión muy bien llevado que no cae en el ridículo (pero sí en un humor totalmente voluntario) y unos actores, María Molins, Àlex Brendemühl y Pere Ponze impecablemente en su lugar. Sencillamente deliciosa e ingeniosa la manera en la que un hombre de campo, que no ha salido de una vida dedicada a la labranza, describe alienígenas y paisajes extraterrestres directamente extraídos de novela pulp. Una fantasía que merece toda la suerte, aunque no sé si tendrá su lugar en estos tiempo que corren… Esperemos que sí.
Tras una carrera para volver a coger lugar en la cola, nos adentramos en el Hotel Transilvania, film con el que se estrena el director de animación Genndy Tartakovsky. Una película con impecable animación, homenaje a los monstruos de la Universal y un doblaje correcto, a pesar de que tras él estén populares rostros como Santiago Segura o Alaska. Aunque se echa en falta un humor algo más adulto, es disfrutable y si tienen vástagos, se lo pasarán en grande.
Una amplia representación de directores presentando The A,B,C’s of Death.
Ya por la tarde vino otro de los platos fuertes del festival, The A,B,C’S of Death, una película con tantos cortos y directores como letras hay en el abecedario. No deja de ser eso, un festival de cortos y como tal tiene altos y bajos, a gusto del consumidor, aunque a nosotros en general el nivel nos pareció por lo general bastante alto con obras de Nacho Vigalondo, Adrían García Bogliano, Lee Hardcastle, Noboru Iguchi o el desmesurado Yoshihiro Nishimura. No a todo el mundo le gustó la propuesta ni los cortos, pero el público respondió bien y el pase fue presentando en tropel por varios de los directores.
Adrían García Bogliano
Tras la proyección decidimos recogernos en casita, cosa que nos salvó de la salvaje tormenta que arruinó la Zombie Walk. Fueron horas de violenta lluvia que amenazaron también las proyecciónes nocturnas, pero para nuestra suerte amainó a tiempo de poder ver Ahí va el diablo, última película de Adrián García Bogliano, un tipo encantador al que tuvimos ocasión de saludar por la mañana y del que prometemos hablarles pronto con mucho más detenimiento. La película, rodada en México, nos narra con guión del propio Adrián, una historia de posesiones sobrenaturales. El caso es que nos habían llegado críticas adversas y como siempre que te dejan algo a caer de un burro, no nos pareció tan nefasta como nos habían dicho.
Supone un bajón respecto a Sudor Frío, y quizás porque se dispuso de menos medios, tiene un aspecto más primerizo y amateur. Parece querer jugar a crear atmósfera, así construye encuadres asimétricos que violan todas las leyes de la Gestalt, para provocar desasosiego en la percepción; pero luego no acaba de resolverlo con el entramado. Adrián afirma que ha querido revisar todas las formas de la sexualidad vinculadas al terror (cito de memoria): ahí está el despertar púber que activa lo telúrico, y antes la culpa y el castigo asociados al sexo en la escena lésbica, pero aunque estén ahí los elementos parece como si no se lograse dar de ellos una visión de conjunto y continuidad, de modo que la escena inicial se ve gratuita e inconexa con el resto. Yo diría que hay muy buenas ideas, pero que en conjunto no acaban de cuajar. Luego ya hay aspectos como los efectos especiales y las interpretaciones nada matizadas que acaban de rematar. Con todo él dice que sigue teniendo la intención de hacer una película por año, así que veremos y esperaremos con ganas sus nuevas propuestas.
Y a casita que llueve y llega el fatídico último día oficial del festival.
SABADO DIA 13
El momento de la verdad: el jurado del 45 Festival de Sitges leyendo el palmarés
Lo dicho, ya la cosa va de bajada. A pesar de ser sábado el festival está dando sus últimos coletazos con la película de clausura, Looper de Rian Johnson, una sorprendente y emocionante película de acción futurista que juega con los viajes en el tiempo y que cuenta con la agradecida presencia (para el que esto escribe) de Bruce Willis. En general gustó y resultó una correctísima sesión de cierre para la edición de este año. Tras ella quedaba saber el palmarés del jurado. Paradójicamente imaginaba, y así lo expresé en las tertulias de turno, que la película ganadora sería precisamente la única que me hizo abandonar la sala a mitad de proyección. Y efectivamente así fue: Holy Motors de Leós Carax se llevó los premios a mejor película y mejor director, además de otros reconocimientos como el Méliès d’Argent y el premio de la crítica. Era algo que se respiraba en el ambiente y me alegró que así fuera. Sí, soy así, me gusta ver feliz a la gente, aunque me mostré mucho más de acuerdo con la mención especial del jurado a Chained de Jennifer Lynch, así como al de mejor actor para su protagonista masculino, Vincent D’Onofrio. También me alegró el reconocimiento que recibió Antiviral de Brandon Cronenberg, que obtuvo los premios Citizen Kane y el del jurado Carnet Jove. Finalmente nos encantó que Jordi O. Romero se fuera a casa con el premio Brigadoon al mejor corto por su Zona de caza. En fin, premios son premios y ha de haber para todos los gustos. Si quieren ver el palmarés al completo, pueden consultarlo aquí.
Pero no todo termina aquí, ya que por la tarde nos quedaban algunas citas más. Por un lado nos hacía mucha ilusión poder asistir al estreno en Brigadoon de Lentejuelas de sangre, un mediometraje documental de Eduardo Gión en el que hemos podido colaborar centrado en la figura del artista Pierrot, concretamente en su faceta más terrorífica. El documental disfruta de un buen montaje y una buena selección de material visual, además de entrevistas a personas cercanas al artista como Sanjulián, Manuel Dominguez, Sebastían D’Arbó, José Lifante o Ricard Reguant, entre otros. Sobre el documental ya hemos escrito con más detenimiento en este artículo.
Eduardo Gión presentando Lentejuelas de Sangre en Brigadoon
¿Les dije que solo me salí a mitad de película con Holy Motors? Pues les engañé en parte: A Keyhole (Guy Maddin) solo le dí 15 minutos de mi tiempo, aunque la otra parte de Serendipia fue más paciente y además escribió un artículo sobre la película.
Vida en sombras es un sorprendente experimento y única película rodada por Llorenç Llobet-Gràcia, un film autobiográfico rodado en 1948 que muestra el cariño de su director por el cine. Entre sus actores un siempre bienvenido Fernando Fernán-Gómez, que parece que ya desde joven se apuntaba a propuestas arriesgadas, como se demostró hace un par de años en este mismo festival cuando se recuperó la también poco vista Manicomio (1954) codirigida por el actor junto a Luis María Delgado. También intervienen en la película María Dolores Pradera, Fernando Sancho, Mary Santpere (que como no podía ser de otra forma aporta el humor al film) y la bella Isabel de Pomés. Película perdida durante muchos años, su recuperación ha sido posible gracias a la labor de la Filmoteca de Catalunya, que ha podido recomponerla partiendo de las únicas copias supervivientes en 16 mms. Quizás no es la obra más importante del cine español como alguien ha dicho, pero sin duda si se trata de una rara avis que como tantas otras películas isla, nos deja con la pregunta de que más nos podría haber ofrecido su director.
…Y LA CONCLUSIÓN
Este es nuestro colofón. Días inolvidables y felices en los que nos hemos reencontrado con amigos y hemos conocido a más. Cada vez se hace más difícil caminar por Sitges sin encontrar a alguien que conoces, y eso es fantástico. El festival ha sido un éxito y nos alegramos. La organización ha sido impecable, desde la cúpula a los voluntarios, algunos de los cuales han pasado a ser amigos. Han sido buenos momentos, hemos visto muchas películas, conseguido algún fetiche y hemos sobrevivido a este festín de buen cine.
Ahora el holocausto cinéfilo de los dias anteriores ha llegado a su fin y el domingo, jornada de maratones de películas, lo dedicamos al paseo, el reposo y a entrar en ese estado melancólico que se siente cuando algo finaliza. La escena final de ese domingo, y por extensión de ese festival, la tenemos a última hora de la tarde en la ahora desierta zona de L’Auditori, cuando moviéndose entre los escombros vemos al director del certamen, Ángel Sala, que ya relajado adquiere unas películas en el stand del Fnac.
Sitges 2012 ha terminado. En este momento comienza a gestarse un nuevo Festival.
(Todas las fotos: Serendipia)
Ángel Sala esperando a los protagonistas de Drácula 3-D, que se proyectó en sesión de gala en el Auditori.
Sitges 2012: el fin de una era, Cosmópolis
Quien tiene la información, tiene el control, ese fue uno de los descubrimientos más importantes de la matemática del siglo XX, ahora en plena era de la información es más cierto que nunca. Pero también es un valor sutil que va de la mano de la entropía. La Entropía puede ser considerada como una medida de la incertidumbre y de la información necesarias para, en cualquier proceso, poder acotar, reducir o eliminar esa incertidumbre. Los mensajes menos probables son los que más información aportan, y eso es lo que anhelamos, pero en ellos va el riesgo del desorden de la incomprensión y el colapso, esto es del desorden, del descontrol. Y ahí mismo estamos ahora en nuestra época de crisis sistémica. Si una obra de arte lograra explicitarlo como imagen, como símbolo, esa sería la obra de arte que expresara el espíritu de nuestro tiempo (el zeitgeist) y eso es precisamente lo que ha conseguido Cronemberg en Cosmópolis de la mano de la novela de Don DeLillo. Podría decirse sin exagerar (o así nos lo parece) que la última cinta del canadiense es la primera que logra hablar del S. XXI.
En cada nuevo encuentro su matrimonio fracasa un poco más
Selección de novedades DVD /Blu-ray fantástico: agosto,septiembre y octubre 2012
REC 3: GÉNESIS (Warner Bros) DVD / Blu-rayOjo, el Blu-ray no solo es bastante más barato, sino que además trae un documental de dos horas que no está en el DVD. Ya empezamos… con lo bonitas que eran las ediciones de dos discos. Un buen momento para repasarla mientras estamos a la espera de la cuarta entrega.
Sinopsis: Koldo y Clara están hechos el uno para el otro. Van a celebrar su enlace acompañados de sus seres queridos. Pero una negra sombra se cierne sobre ellos. En el día más feliz de sus vidas, el infierno va a desatarse.
Contenidos: Teaser. – Tráiler. – Tráiler San Valentín. – Tráiler Semana Santa. – Spots. – Making of (22´) – Escenas eliminadas. – Tomas falsas.
METRÓPOLIS (Divisa) La Versión de Giorgio MoroderDirector: Fritz Lang. Con Alfred Abel, Gustav Frohlich, Rudolf Klein-Rogge, Fritz Rasp, Theodor Loos, Erwin Biswanger. Música: Gottfried Huppertz, Abel Korzeniowski 1927. 82 min Color – PAL – Widescreen. Audio: Muda (Dolby Digital). Subtitulos: Español, Portugués. Lanzamiento: 29/08/2012.
En los años que siguieron al estreno de METRÓPOLIS en enero de 1927, la película de Fritz Lang sufrió numerosos cortes y alteraciones que redujeron su metraje en más de un tercio de su duracion original. Esa versión mutilada fue la que circuló internacionalmente durante cerca de 60 años. El primer intento de restaurar la imagen de METRÓPOLIS surgió de Giorgio Moroder, un cantante de origen italiano convertido en productor discográfico y compositor de populares bandas sonoras. Hay quien desprecia esta versión. Para algunos fue nuestro primer acercamiento a esta obra de arte de Fritz Lang.
INSEPARABLES (Divisa)
Dead Ringers Director: David Cronenberg. Con: Jeremy Irons, Genevieve Bujold, Barbara Gordon, Shirley Douglas, Stephen Lack, Nick Nichols. Música: Howard Shore 1988. 111 min. Nacionalidad: Canadá, USA Color – PAL – Fullscreen 1.85:1 – 4:3. Audio: Español (Dolby Digital 2.0 Stereo), Catalán (Dolby Digital 2.0 Stereo), Inglés (Dolby Digital 2.0 Stereo). Subtitulos: Español, Inglés. Lanzamiento: 29/08/2012.
Con Cosmópolis en cartelera es un gran momento para revisar una de las más perversas obras de Cronenberg.
Sinopsis: Los gemelos Mantle son dos eminencias de la ginecología. Respetados y admirados, sus vidas dan un vuelco radical cuando conocen a una paciente muy peculiar, con la que intimarán sin que ella se dé cuenta de que son dos personas diferentes…
LOS RITOS SATÁNICOS DE DRACULA (Suevia)
The Satanic Rites of Dracula. Director: Alan Gibson. Con: Michael Coles, William Franklyn, Freddie Jones, Joana Lumley, Christopher Lee, Peter Cushing. Música: John Cacavas 1973. 83 min. Nacionalidad: Reino Unido Color – PAL – Fullscreen 1.77:1 – 4:3. Audio: Español (Dolby Digital 2.0), Inglés (Dolby Digital 2.0) Subtitulos: Español. Lanzamiento: 14/09/2012.
Sinopsis: Londres, 1974. El profesor Van Helsing (Peter Cushing) es llamado para ayudar al servicio de Inteligencia Británico para controlar a cinco importantes funcionarios que están bajo vigilancia en Pelham House. Mientras observa una foto. Van Helsing reconoce a un viejo amigo que finalmente le confiesa su participación en el desarrollo de una nueva cepa de peste negra, financiada por el misterioso D. D. Denham (Christopher Lee), un solitario 
multimillonario que nunca se deja ver a la luz del día
Hitler’S Children Director: Edward Dmytryk. Com: Tim Holt, Bonita Granville, Kent Smith, Otto Kruger, Erford Gage, H.B. Warner. Música: Roy Webb 1943. 80 min. Nacionalidad: USA Blanco y Negro – PAL – Fullscreen 1.33:1 – 4:3. Audio: Español (Dolby Digital 2.0 Stereo), Inglés (Dolby Digital 2.0 Stereo). Subtitulos: Español. Lanzamiento: 27/09/2012.
Sinopsis: En el Berlín de 1933 hay dos escuelas una al lado de otra. Una es una escuela americana donde enseña el profesor Nichols (Kent Smith). La otra es una escuela de las juventudes hitlerianas, donde Karl Bruner es adiestrado junto a otros muchachos que han sido seleccionados. Anna Muller (Bonita Granville) es una estudiante de la escuela del profesor Nichols, y éste empieza a interesarse por ella…
LA CARRERA DE LA MUERTE (Suevia)
Sinopsis: El superintendente Bellaver (Alfred Marks) de la policía investiga las circunstancias de la muerte de una muchacha violada y asesinada brutalmente, de la desaparición de un atleta y del asesinato de un político. Los tres casos se relacionan porque la autopsia de los cadáveres revela que se les ha extraído toda la sangre, lo que remite a la acción de un vampiro. El asesino es identificado, pero en el último momento desaparece de la casa del doctor Browning (Vincent Price). Según éste, se ha suicidado lanzándose a un depósito de ácido.
LA BESTIA DE LA NOCHE AMARILLA (Versus)Sinopsis: Durante la II Guerra Mundial, un soldado norteamericano logra salvar el pellejo después de venderle su alma al mismísimo Satán. Después de varios años de tranquilidad y sosiego, cuando el diablo regresa a su vida para cobrarse su deuda, el soldado intentará zafarse del trato. Como resultado de la desigual disputa, una maldición cae sobre el desdichado, la cual lo convertirá en una bestia deforme a la que saldrán garras y pelos donde nunca los tuvo. Los ataques de la bestia son de lo más salvajes y los aldeanos no saben como deshacerse de esta feroz amenaza, pues esta parece ser indestructible.
Contenidos: Videofobia. – Cortometraje. – Tráiler. – Ficha artística. – Ficha técnica.
EL FANTASMA DEL PARAÍSO (Smile)
Phantom Of The Paradise Director: Brian De Palma Con: William Finley, Paul Williams, Jessica Harper, Gerrit Graham, George Memmoli, Archie Hahn. Música: Paul Williams. 1974 88 min.:Color – PAL – Widescreen 1.85:1 – 16:9. Audio: Español (Dolby Digital 2.0 Stereo), Inglés (Dolby Digital 2.0 Stereo). Subtitulos: Español. Lanzamiento: 27/09/2012.
Un clásico que necesita una revisión urgente.
Sinopsis: Paul Williams escribió la partitura de éste clásico del cine de terror, en el cual participa interpretando el papel del malvado magnate de la música perseguido e insultado 
por un compositor desfigurado al que mete en prisión para robarle sus composiciones.
Sinopsis: Un cínico novelista casado por segunda vez va a sufrir una experiencia única: el espíritu de su primera esposa, fallecida tiempo atrás, se le aparece ahora para amargarle la existencia. El escritor tratará por todos los medios, de librarse de la presencia de tan molesto fantasma.
Premios: Oscar Mejores Efectos Especiales.
CRIMEN PERFECTO (Blu-Ray 3D+Blu-Ray)
A Perfect Murder Warner Bros. Director: Alfred Hitchcock. Con Ray Milland, Grace Kelly, Robert Cummings, John Williams, Anthony Dawson, Leo Britt. Música: Dimitri Tiomkin. 1954. 105 min. USA Color – PAL – 1920x1080p – 1.78:1. Audio: Español (Dolby Digital 1.0), Inglés (Dolby Digital 1.0 DTS HD Master Audio), Alemán (Dolby Digital 1.0), Francés (Dolby Digital 1.0), Italiano (Dolby Digital 1.0), Portugués (Dolby Digital 1.0). Subtitulos: Español, Francés, Portugués, Holandés, Inglés para Sordos, Alemán para Sordos, Italiano para Sordos. Lanzamiento: 09/10/2012.
Por fín en versión 3-D, tal y como se estrenó en la época.
inspector Hubbard, de la policía británica.Director: David Lean. Actores: John Mills, Tony Wager, Valerie Hobson, Jean Simmons, Bernard Miles, Francis L. Sullivan. Música: Walter Goehr. 1946. 90 min Reino Unido Blanco y Negro – PAL – Fullscreen. Audio: Español (Dolby Digital). Subtitulos: Español. Lanzamiento: 17/10/2012.
Otra fantástica pieza inglesa.
Sinopsis: Célebre adaptación de la novela de Charles Dickens. Un niño huérfano visita la tumba de sus padres, y se encuentra con un preso que le pide que le traiga víveres y una lima. El reo vuelve a ser apresado. Pasados unos años, el niño huérfano recibe una pensión de 
alguein desconocido para su educación.
Sinopsis: Un supuesto dentista se casa con una mujer a la que le ha tocado la lotería. El frustrado novio de ésta le acusa de no tener licencia para ejercer como tal. A causa de ello, el matrimonio vive pobremente, pero la mujer ahorra compulsivamente. La avaricia y los 
celos conducirán a una tragedia.
Sinopsis: Una bruja intenta vengarse del reino de sangre que impone un noble, impartiéndole una terrible maldición a él y a su familia. Un demonio con forma de hombre joven es enviado a asesinar a la familia del terrateniente.
EL VAMPIRO (Llamentol)
Sinopsis: La joven Marta llega a Sierra Negra para visitar a su tía enferma. En el mismo tren viaja Enrique, un agente viajero que se ofrece a acompañarla. Al llegar a la estación, la pareja acepta continuar el recorrido en una desvencijada carreta que llegó a recoger una misteriosa caja procedente de Hungría. Al llegar a la hacienda de sus parientes, Marta se entera de que 
su tía ha muerto y decide quedarse, sin percatarse de que está a merced de los vampiros.
El VIENTO (Muda) (Llamentol)
The Wind Director: Victor Sjöström. con Lillian Gish, Lars Hanson, Montagu Love, Dorothy Cumming, Edward Earle, William Orlamond. Música: Carl Davis 1928. 76 min USA Blanco y Negro – PAL – Fullscreen 1.33:1 – 4:3. Subtitulos: Español. Lanzamiento: 29/10/2012.
Otro clasicazo mudo incontestable. Obra maestra.
Sinopsis: Letty, una inocente joven de Virginia, se traslada del Este a las praderas de Texas, donde parece que el viento nunca deja de soplar y donde la arena llega a todas partes. Allí se instala a vivir con unos parientes, pero al no sentirse querida, se verá abocada a un matrimonio que no desea.
EXTRAÑO SUCESO (Divisa)
So Long At the Fair Director: Terence Fisher, Anthony Darnborough. Con Jean Simmons, Dirck Bogarde, David Tomlinson, Marcel Poncin, Cathleen Nesbitt, Honor Blackman. Música: Benjamin Frankel 1950. 81 min. Reino Unido Blanco y Negro – PAL – Fullscreen 1.33:1 – 4:3. Audio: Español (Dolby Digital 2.0 Stereo), Inglés (Dolby Digital 2.0 Stereo). Subtitulos: Español. Lanzamiento: 17/10/2012.
Otro clásico inglés que siempre agrada revisar.
Sinopsis: Dos hermanos ingleses, un hombre y una mujer, viajan a París donde van a pasar las vacaciones. Se instalan en un lujoso hotel. Por la noche deciden ir al Moulin Rouge, donde ella pasa una fantástica velada pero no él, quién se encuentra mal. Vuelven al hotel para descansar, pero al día siguiente ella descubre que su hermano y su habitación han desaparecido. En el hotel insisten en que ella llegó sola. Nadie la cree, a excepción de un joven a quien el desaparecido prestó 50 francos la noche anterior.
HÉRCULES EN EL CENTRO DE LA TIERRA (Sony)
Ercole Al Centro Della Terra Director: Mario Bava, Franco Prosperi. Con Reg Park, Christopher Lee, Leonora Ruffo, George Ardisson, Marisa Belli, Ida Galli. Música: Armando Trovajoli 1961. 91 min Italia Color – PAL – Widescreen. Audio: Español (Dolby Digital 1.0 Mono). Lanzamiento: 23/10/2012.
Sinopsis: Tras su regreso de la batalla en la película anterior, el gran guerrero Hércules se entera de que su amante, Daianara, ha perdido la cordura. Según el oráculo de Medea, la única esperanza para Dianara es la Piedra del Olvido que se encuentra en las profundidades del reino de Hades. Hércules, con dos compañeros, Teseo y Telémaco, se embarca en una peligrosa misión para conseguir la piedra, inconsciente de que el guardián de Dianara, el rey Lico, es el responsable de su estado y planea quedarse a la chica como su esposa cuando se recupere.
LA TIENDA DE LOS HORRORES (Warner) Blu-Ray
Little Shop Of Horrors Director: Frank Oz. Con Rick Moranis, Ellen Greene, Vincent Gardenia, Steve Martin, Tichina Arnold, Michelle Weeks. Música: Miles Goodman 1986. 113 min USA Color – PAL – 1920x1080p – 1.85:1. Audio: Español (Dolby Digital 1.0), Inglés (Dolby Digital 5.1 DTS HD Master Audio), Alemán (Dolby Digital 1.0), Francés (Dolby Digital 1.0), Italiano (Dolby Digital 1.0). Subtitulos: Español, Francés, Inglés para Sordos, Alemán para Sordos, Italiano para Sordos. Lanzamiento: 09/10/2012.
Unos extras para no perderse.
Sinopsis: El negocio florece en la floristería Mushnik cuando llega una exótica planta llamada Audrey II. Resulta ser una planta carnívora, «una madre malvada y verde del espacio exterior», que llenará de horrores la pequeña tienda. «La tienda de los horrores» germinó primero en 1960 como una película de bajo presupuesto de Roger Corman, resurgió como un musical de gran éxito en Broadway y cerró el ciclo en esta película de 1986, que es una adaptación del exitoso musical con la música de Alan Menken y Howard Ashman, ganadores de varios premios de la Academia.Un reparto lleno de estrellas profesionales de la comedia, que atrapa completamente al espectador y le hace disfrutar.
Contenidos: Comentarios opcionales de Frank Oz en los 20 minutos de final alternativo que contiene este Montaje del Director. – «Frank Oz y la Tienda de los Horrores: El Montaje del Director». – «Una Historia de la Tienda de los Horrores». – Escenas eliminadas y adicionales con los comentarios opcionales de Frank Oz. – 2 Tráilers Cinematográfico.
LAS ZAPATILLAS ROJAS (Divisa) Blu-Ray
The Red Shoes Director: Michael Powell, Emeric Pressburger. Con Moira Shearer, Anton Walbrook, Marius Goring, Jean Short, Gordon Littmann, Austin Trevor. Música: Brian Easdale 1948. 128 min Reino Unido Color – PAL – Fullscreen 1.33:1 – 4:3. Audio: Español (Dolby Digital 2.0 Mono), Inglés (Dolby Digital 2.0 Mono). Subtitulos: Español. Lanzamiento: 17/10/2012.
Sinopsis: Una joven bailarina de ballet se debate entre dos hombres, un compositor y un autoritario empresario. Las Zapatillas Rojas es uno de los grandes títulos del genial equipo que formaron Michael Powell y Emeric Pressburger.
Premios: Mejor Dirección Artística Color, Mejor Banda Sonora, Finalista a la Mejor Película OSCAR, 1948. – Mejor Banda Sonora GLOBO DE ORO, 1948.
LOS TRECE FANTASMAS (Sony)
13 Ghosts Director: William Castle. Con Charles Herbert, Jo Morrow, Martin Milner, Rosemary DeCamp, Donald Woods, Margaret Hamilton. Música: Von Dexter 1960. 89 min. USA Blanco y Negro – PAL – Widescreen 1.85:1 – 16:9 Audio: Español (Dolby Digital 1.0 Mono), Inglés (Dolby Digital 1.0 Mono). Subtitulos: Español. Lanzamiento: 23/10/2012.
Sinopsis: Cuando un excéntrico tío deja en herencia una casa enorme y destartalada a Cyrus (Donald Woods) y a su empobrecida familia, estos reciben la mayor sorpresa de toda su vida. Su nueva residencia se completa con un ama de llaves fantasmal, Elaine (Margaret Hamilton), con un tesoro enterrado y con 12 terroríficos fantasmas.
M, EL VAMPIRO DE DÜSSELDORF (Ed. Restaurada) (Divisa) DVD / Blu-Ray
M (Mörder Unter Uns) Director: Fritz Lang Con Peter Lorre, Otto Wernicke, Inge Landgut, Gustaf Grundgens, Ellen Widmann, Theodor Loos. 1931. 110 m. Alemania Blanco y Negro – PAL – Fullscreen 1.33:1 – 4:3. Audio: Español (Dolby Digital 2.0 Mono), Alemán (Dolby Digital 2.0 Mono). Subtitulos: Español, Portugués. Discos:2 Lanzamiento: 17/10/2012.
He corrido a la tienda a por ella, ya que no sabía que se conservara la versión en inglés de este gran clásico. Espero que la alemana sea mejor que las editadas anteriormente por Divisa, todas ellas provenientes de la copia de reestreno con la imagen mutilada. Veremos…
- Sinopsis: «M» es para muchos el primer largometraje que presenta a un asesino en serie. Para otros fue la alerta de la ascensión nazi debido a su título original y que supuso su posterior prohibición: «M. Mrder unter uns» (M. Asesino entre nosotros). Pero en la que fue su primera obra sonora, Lang plasmó uno de sus mejores retratos del hombre acosado por sus propios demonios y por una sociedad marginal que se une para combatir a quien pone en peligro su delicado equilibrio, un tema extraído de «La ópera de cuatro cuartos» de Bertolt Bretch y Kurt Weill
- Contenidos:
Disco 1: – Versión alemana restaurada. Disco 2: – Versión rodada en inglés.
Extras: – Fritz Lang. – Las dos versiones. – Peter Krten. – Galería.
QUE VIENE EL COCO (Llamentol)
The Boogie Man Will Get You Director: Lew Landers.Con Boris Karloff, Peter Lorre, Maxie Rosenbloom, Larry Parks, Jeff Donnell, Don Beddoe. 1942. 66 min. USA Blanco y Negro – PAL – Fullscreen. Audio: Español (Dolby Digital 2.0), Inglés (Dolby Digital 2.0). Subtitulos: Español. Lanzamiento: 29/10/2012.
Un raro film de Boris Karloff.
Sinopsis: Nathaniel Billings, un científico loco, trata de devolver la vida a los muertos en el sótano de una mansión de nueva Inglaterra. Cuando la casa es comprada por una pareja y convertida en hotel, Billings y su amigo el doctor Lawrence utilizarán a los huéspedes para sus experimentos.
REDADA ASESINA (Sony)
The Raid Director: Gareth Evans. Con Iko Uwais, Joe Taslim, Donny Alamsyah, Yayan Ruhian, Pierre Gruno, Ray Sahetapy. Música: Mike 2011. 97 min. USA Color – PAL – Widescreen 1.78:1 – 16:9. Audio: Español (Dolby Digital 5.1), Indonesio (Dolby Digital 5.1). Subtitulos: Español, Inglés. Lanzamiento: 30/10/2012.
Sinopsis: En el corazón de los barrios marginales de Yakarta, los asesinos y gangsters más peligrosos del mundo se refugian en un edificio inexpugnable. Hasta ahora, el bloque de apartamentos ha sido considerado intocable. Oculto en la oscuridad, un equipo de SWAT de élite tiene la misión de asaltar el edificio con el fin de acabar con un célebre capo de la droga. Pero cuando un soplo hace que se descubra su tapadera, se encuentran atrapados en la sexta planta del edificio, sin salida. La unidad deberá luchar a muerte para alcanzar el exterior y sobrevivir a su misión.
Contenidos:
MÁS DE 100 MINUTOS DE CONTENIDOS ADICIONALES, INCLUYENDO: – Siete cortos sobre los dobles – La música – Cómo se hizo – Una noche con Gareth Evans, Mike Shinoda y Joe Trapanese. – Videoblog del director – Comentario con el director Gareth Evans y mucho más!
SOMBRAS EN LA OSCURIDAD (Warner)
House Of Dark Shadows Director: Dan Curtis. Con Jonathan Frid, Grayson Hall, Kathryn Leigh Scott, Roger Davis, Nancy Barrett, John Karlen. Música: Bob Cobert 1970. 93 min USA Color – PAL – Widescreen 1.78:1 – 16:9. Audio: Español (Dolby Digital 1.0), Inglés (Dolby Digital 1.0), Francés (Dolby Digital 1.0), Alemán (Dolby Digital 1.0). Subtitulos: Español, Francés, Inglés para Sordos, Alemán para Sordos. Lanzamiento: 30/10/2012.
Sinopsis: La serie que inventó un nuevo género dentro de la televisión adentrándose en las vidas y amores de los vampiros, es la semilla de esta película original y a todo color, dirigida por el creador de la serie Dark Shadows, Dan Curtis. Sombras en la Oscuridad se centra en la majestuosa Collinwood, donde el afl igido Barnabas Collins (Jonathan Frid) tratará de convertirse en humano mediante unas injecciones de serum. Por supuesto, nada puede salir como estaba planeado en la misteriosa Collinwood.
UNIVERSAL MONSTERS – The Essential Collection (Blu-Ray) Universal
Comienza la operación Blu-ray de Universal con este fantástico cofre que como gran novedad incluye la versión 3-D de La mujer y el monstruo (Creature of the Black Lagoon, 1954 Jack Arnold).
Sinopsis:
Disco 1 Drácula (1931) (Blu-Ray) Audio: DTS-HD Master Audio 2.0: Inglés. DTS Digital Surround 2.0 Mono: Castellano, Francés, Italiano, Alemán Subtítulos: Castellano, Francés, Italiano, Inglés para sordos Imágen: 1080p High-Definition 1.33:1 Duración: 70 minutos Extras: Versiones Inglesa e Hispana. Presentación de la Versión Hispana por Lupita Tovar Kohner (4:16). Drácula: La Restauración (8:44). El Sendero hacia Drácula (35:03). Lugosi: El Príncipe Siniestro (36:08). Archivos de Drácula (8:13). Nueva Banda Sonora de Philip Glass interpretada por The Kronos Quartet.
El castillo de Drácula se eleva como una amenaza entre las tinieblas de los montes Cárpatos, infunde pánico a los vecinos de la aldea transilvana situada a sus pies.
Disco 2 El Doctor Frankenstein (1931) (Blu-Ray) Audio: DTS-HD Master Audio 2.0: Inglés. DTS Digital Surround 2.0 Mono: Castellano, Francés, Italiano, Alemán. Subtítulos: Castellano,Francés, Italiano, Alemán, Danés, Finlandés, Noruego, Sueco, Inglés para sordos Imágen: 1080p High-Definition 1.33:1 Duración: 70 minutos Extras: Los Archivos de Frankenstein (44:52) Karloff: El Monstruo Tierno (37:59). El Terror de la Universal (96:00). Los Documentos de Frankenstein (9:26). Boo!: Un Cortometraje (9:31)Boris Karloff da vida al monstruo más célebre de la pantalla en esta película de terror considerada por muchos como la mejor de todos los tiempos. El doctor Frankenstein osa jugar con la vida y la muerte, y uniendo diversos trozos de cadáveres, crea un monstruo humano, que va en busca de su identidad.
Disco 3 La Momia (1932) (Blu-Ray) Audio: DTS-HD Master Audio 2.0: Inglés. DTS Digital Surround 2.0 Mono: Castellano, Francés, Italiano, Alemán Subtítulos: Castellano, Francés, Italiano, Alemán, Inglés para sordos Castellano, Francés, Italiano, Alemán, Imágen: 1080p High-Definition 1.33:1 Duración: 73 minutos Extras: Querida Momia (30:13). La Vida y el Arte de Jack Pierce (25:02). Desentrañando el Legado de La Momia (8:08). Los Archivos de La Momia (9:45)
La interpretación legendaria de Boris Karloff marcó un hito en los anales del cine. Un grupo de arqueólogos británicos revive accidentalmente a la momia Im-Ho-Tep, interpretada por Karloff, 3.700 años después de su muerte. Descubriremos que le habían embalsamado vivo por tratar de resucitar a la virgen vestal de la que se había enamorado, que había sido ofrecida en sacrificio. Tras despertar, Im-Ho-Tep se propone encontrar a su amor perdido.
Disco 4 El Hombre Invisible (1933) (Blu-Ray) Audio: DTS-HD Master Audio 2.0: Inglés. DTS Digital Surround 2.0 Mono: Castellano, Francés, Italiano, Alemán. Subtítulos: Castellano, Francés, Italiano, Alemán, Inglés para sordos Imágen: 1080p High-Definition 1.33:1 Duración: 72 minutos Extras: El Hombre Invisible al Descubierto (36:16). Personajes Inolvidables (8:17). Fotografías
Claude Rains realiza una magnífica interpretación del misterioso doctor que descubre un suero que le hace invisible. Para ocultar su descubrimiento se esconde en una aldea inglesa a la que llega cubierto de vendajes y con gafas de sol. Sin embargo la misma sustancia que le hace ser invisible va impulsándole también poco a poco, a cometer actos brutales y atroces.
Disco 5 La Novia de Frankenstein (1935) (Blu-Ray) Audio: DTS-HD Master Audio 2.0: Inglés. DTS Digital Surround 2.0 Mono: Castellano, Francés, Italiano, Alemán Subtítulos: Castellano, Francés, Italiano, Alemán, Danés, Finlandés, Noruego, Sueco, Inglés para sordos Imágen: 1080p High-Definition 1.33:1 Duración: 75 minutos Extras: Creando La Novia de Frankenstein (38:56). Los Archivos de La Novia de Frankenstein (13:14)
Este es uno de los clásicos de terror más populares de todos los tiempos, a la vez que la aplaudida continuación de El Doctor Frankenstein. El legendario Boris Karloff repite el papel del monstruo más incomprendido de la historia, cuyo anhelo, en esta ocasión, es tener una compañera, como todo el mundo. El ambicioso doctor Frankestein que crea a la desdichada compañera del monstruo.
Disco 6 El Hombre Lobo (1941) (Blu-Ray) Audio: DTS-HD Master Audio 2.0: Inglés. DTS Digital Surround 2.0 Mono: Castellano, Francés, Italiano, Alemán Subtítulos: Castellano, Francés, Italiano, Alemán, Inglés para sordos Imágen: 1080p High-Definition 1.33:1 Duración: 70 minutos Extras: Monstruos a la Luz de la Luna (32:39). De la Antigua Maldición al Mito Moderno (10:04). La Vida y el Legado de Lon Chaney Jr. (36:47)
Clásico del terror en el que hace su aparición uno de los monstruos más siniestros de la pantalla, intrepretado por Lon Chaney. El joven Larry Talbot, que regresa la castillo de su padre en Gales y empieza a salir con una bella mujer. Una fatídica noche Talbot y su novia asisten a una fiesta de carnaval, donde una misteriosa adivina revela a Jenny su futuro…
Disco 7 El Fantasma de la Ópera (1943)(Blu-Ray) Audio: DTS-HD Master Audio 2.0: Inglés. DTS Digital Surround 2.0 Mono: Castellano, Francés, Italiano, Alemán Subtítulos: Castellano, Francés, Italiano, Alemán, Danés, Finlandés, Noruego, Sueco, Inglés para sordos Imágen: 1080p High-Definition 1.33:1 Duración: 92 minutos Extras: Un Fantasma Desenmascarado (51:16). Fotografías (5:47)
Esta espectacular versión de la inmortal historia de terror de Gaston Leroux tiene como protagonista a Claude Rains en el papel del enmascarado fantasma de la Opera de París: un compositor enloquecido que planea hacer de una joven y bella soprano la estrella de la compañía y descargar su venganza contra aquéllos que robaron su música.
Disco 8 La Mujer y el Monstruo (1954) (Blu-Ray) Audio: DTS-HD Master Audio 2.0: Inglés. DTS Digital Surround 2.0 Mono: Castellano, Francés, Italiano, Alemán Subtítulos: Castellano, Francés, Italiano, Alemán, Danés, Finlandés, Noruego, Sueco, Inglés para sordos Imágen: 1080p High-Definition 1.33:1 Duración: 79 minutos Extras: Exclusivo: La Versión en Blu-ray 3D de la película. Regreso a la Laguna Negra (39:37). Fotografías (11:27)
Un grupo de científicos droga y captuta a una extraña criatura que después se enamora de la ayudante del jefe. Este ser solitario, un eslabón perdido de la familia de los anfibios, consigue escaparse y secuestrar al objeto de su deseo.
Más contenidos extras: 8 postales con los pósters. – Libreto de 48 páginas con fotos de los rodajes, carteles originales de cine, correspondencia sobre las películas y más. 100 Años de Universal: * Restaurando los Clásicos (9:11). * La Era de Carl Laemmle (8:40). * El Estudio (9:25). * Tráilers originales de cada película y sus secuelas. * Comentarios de la película por el reparto, el equipo técnico e historiadores cinematográficos.
Un repaso a la saga Halloween
El amigo José Mellinas ha tenido a bien repasarse toda la saga de Halloween para ofrecernos este grandioso artículo que nunca podremos agradecerle lo bastante, aunque lo intentaremos mediante algunas cervezas y liándolo para que siga contribuyendo cuando quiera con más colaboraciones. Eso si no ha terminado definitivamente demente tras tal sobredosis de degollinas de Michael Myers. Enchufen pues la ya inmortal banda sonora del film inaugural y adéntrense en el universo Halloween…
«Hace ya quince años, dijeron que estaba vacío, sin razonamiento ni conciencia, ni el más rudimentario sentido de la vida o de la muerte, del bien o del mal, de lo correcto o lo incorrecto. Llegué a conocer a aquel niño de seis años con aquella cara pálida, sin expresión ni emoción, y unos ojos negrísimos… Los ojos del diablo. Tardé ocho años en intentar llegar hasta él y luego otros siete intentando conseguir que siguiera encerrado después de ver que lo que había en esos ojos era sencilla y puramente el mal» (Dr.Loomis, 1978).
En lo que se refiere a la terrorífica fiesta de Halloween, de la magia del truco o trato, el género del terror tiene un amo y señor indiscutible: Michael Myers. La saga está a punto de cumplir 35 años y goza de una excelente salud, alimentada por el cariño de los fans de todo el mundo. Os ofrecemos un amplio vistazo a una franquicia que empezó de manera muy modesta.
Los buenos resultados de Asalto en la comisaría del distito 13 (Assault on Precinct 13, 1976) dieron a su joven director, John Carpenter, la oportunidad de labrarse un futuro prometedor dentro de la industria del cine. Los productores de cine independiente Irwin Yablans y Moustapha Akkad fijaron sus ojos en él para dirigir un proyecto al que le habían dado vueltas, y que pretendía revolucionar el género del terror. La alianza entre los tres (reforzada en gran parte por la novia de John, Debra Hill) derivó en el guión de The Babysitter Murders (Los asesinatos de las canguros), un slasher en el que un asesino psicópata acechaba adolescentes. Al poco tiempo, se decidió situar la acción en la noche de Halloween y contar con un título más simple, que es el que todos conocemos.
Con un limitado presupuesto de 300,000 dólares, Carpenter se alió con sus colegas y habituales para afrontar el duro rodaje del film, encargándose él mismo de la música (¡menuda banda sonora!). Para el papel principal, el del doctor Sam Loomis, intentó persuadir a actores de la talla de Peter Cushing o Christopher Lee sin éxito alguno. Tras la rotunda negativa, el realizador recurrió a Donald Pleasence, un actor veterano con más de treinta años de experiencia y conocido por su villano Blofeld de Sólo se vive dos veces (You Only Live Twice, 1967). El actor británico se unió al reparto del film al mismo tiempo que irrumpía en él una jovencita Jamie Lee Curtis, hija de Janet Leigh (Psicosis) y Tony Curtis (El estrangulador de Boston), en el papel de Laurie Strode.
Crucial fue el cuidado que se le otorgó al antagonista por excelencia de la película: Michael Myers, conocido como «The Shape» o «La forma» en los créditos finales. Para lograr el aspecto fantasmagórico de su máscara tal y como describía el guión, se modificó una máscara infantil de William Shatner, el mítico Capitán Kirk de Star Trek. Y para interpretarlo, fueron necesarios tres actores: Will Sandin en su niñez, Tony Moran cuando es desenmascarado y Nick Castle en la gran mayoría de escenas de acción. Añadir también que los mismísimos John Carpenter, Debra Hill y Tommy Lee Wallace (director de arte, amigo de Carpenter y pieza clave de la saga) también se pusieron la careta para algunos planos importantes de la película.
La noche de Halloween se estrenó en 1978, con un discreto pero eficiente éxito de crítica y taquilla, alimentada por el boca a boca del público americano. Con el tiempo, la película ha ganado un merecido status de culto y dio el pistoletazo de salida a multitud de imitaciones durante los años posteriores (Viernes 13 en 1980, por poner un ejemplo). Justo es decir que la película de Carpenter bebe de las obras de Dario Argento, Mario Bava o Lucio Fulci, pero a su director no le tembló el pulso a la hora de marcar su propio estilo y sentido.
La repercusión del original, con esos más de 55 millones de dólares recaudados y el final abierto que nos sorprendía tanto como al propio Sam Loomis, llevó a los productores a empujar a sus creadores a un terreno en el cual la pareja no mostraba interés por moverse: una secuela. John Carpenter y Debra Hill se pusieron entonces manos a la obra con el guión.
Cuando a Carpenter le preguntaron si iba a dirigirla, respondió que ya había rodado la película que quería. Propuso enseguida el nombre de Tommy Lee Wallace, pero éste rechazó tajantemente y finalmente fue el debutante Rick Rosenthal quien se hizo cargo de Halloween II (bautizada en España como ¡Sanguinario!) en 1981. Para servidor, la mejor secuela de todas y una continuación dignísima.
Esta nueva aventura contó con un apoyo mucho más grande: presupuesto mayor (más de dos millones de dólares), mejor distribución y muchas más facilidades a la hora de rodar. Parte del primer equipo decidió repetir, así como el casting principal: Jamie Lee Curtis (toda una Scream Queen), Donald Pleaseance, Charles Cyphers y Nancy Kyes. Se habló incluso de rodarla en tres dimensiones, pero la idea se descartó casi al instante.
Esta segunda parte arranca justo allá donde lo dejó La noche de Halloween: Michael Myers (Dick Warlock) se ha levantado tras recibir seis disparos; el doctor Loomis sigue buscando exhaustivamente a su paciente y Laurie Strode ha sido ingresada en el Haddonfield Memorial Hospital. Este escenario terminará convirtiéndose en el patio de recreo del psicópata nocturno. Y mientras las muertes suceden y la tensión asfixia, Halloween II revela un nuevo e impactante dato a la mitología de la serie: Laurie y Michael son hermanos de sangre, separados tras el asesinato de Judith en los sesenta. Barato o no, cierto es que el truco argumental afectó a los capítulos posteriores de manera más o menos sutil.
El montaje inicial del film no contentó a la Universal. Para el estudio daba tanto miedo como un episodio de Quincy. El director les recordó que lo importante era respetar el suspense y la sutileza del original, y que el metraje no necesitaba corrección. Pero a pesar de la insistencia de Rosenthal, a John Carpenter se le dio la orden de rodar durante tres días nuevas escenas llenas de sangre y muertes truculentas: Halloween II debía ser vendida como una película violenta, gore. Rosenthal todavía piensa que el maestro del horror «arruinó la película, que tenía un ritmo perfecto«.
Más allá de estos problemas, la película funcionó, gustó e hizo más de 25 millones de dólares.
Al final de Halloween II (1981), el doctor Loomis se sacrificaba poniendo punto final a las fechorías de Michael Myers, pasto de las llamas. La única superviviente, Laurie Strode, era socorrida y puesta a salvo al ritmo de Mr.Sandman de The Chordettes. Y entonces, créditos finales. Blanco y en botella. Para John Carpenter y Debra Hill, éste era el final definitivo de los personajes que habían creado años atrás… Pero no necesariamente de la serie.
La idea de una nueva secuela se antojó fugaz a los productores -Yablans y Akkad, esta vez acompañados del entrañable Dino DeLaurentiis-, pero se decidió prescindir de la historia de Michael Myers a favor de algo nuevo y fresco. El tercer episodio de la franquicia iba a ser el primero de un curioso experimento cinematográfico: al más puro estilo La dimensión desconocida, Carpenter y Hill apadrinarían cada año una película fantástica ambientada en la víspera de Halloween. Historias diferentes, con nuevos personajes, que permitirían utilizar infinidad de ideas con la máxima libertad creativa. A grandes rasgos, asi nació Halloween III: El día de la bruja (Halloween III: Season of the Witch, 1982).
Joe Dante fue elegido como director de la cinta, y éste decidió contar con Nigel Kneale (el creador de la mítica saga Quatermass) como guionista. En el proceso de preproducción, los diálogos de la historia sufrieron algunos cambios a petición de DeLaurentiis y el nivel de gore subió drásticamente, por lo que un enfurecido Kneale exigió su nombre fuera de los créditos finales. Por si fuera poco, Dante se apartó del proyecto y fue sustituido por Tommy Lee Wallace.
La historia nos situa en la pequeña localización de Santa Mira, todo un cariñoso guiño a La invasión de los ladrones de cuerpos. Allí, un magnate loco conocido como Cochran (Dan O´Herlihy) planea la muerte en masa de miles de niños la noche de Todos los Santos, utilizando las máscaras infantiles que vende su empresa. Éstas están provistas de chips que se activarán en el momento justo en el que aparezca en televisión el anuncio de Silver Shamrock. El doctor Dan Challis (Tom Atkins) y la joven Ellie (Stacey Nelkin) deben evitar que Cochran se salga con la suya.
Halloween III: El día de la bruja, a pesar de ser una muy buena película, fue abucheada por apartarse de la mitología de los dos primeros Halloween. Y la taquilla no ayudó en absoluto: se la pegó fuerte. Como dijo Debra Hill en su día, era una entrega de invasión, no de cuchillo, y el público no terminó de conectar del todo con su terror gótico. Aún así, tiene sus seguidores, que no son pocos.
A todo esto, ¿ha habido alguien capaz de sacarse la melodía del anuncio de Silver Shamrock de la cabeza? ¡Faltan ocho días para Halloween, Halloween, Halloween!
La tercera parte de Halloween dio más disgustos que alegrías al productor Moustapha Akkad, que no dudó en vender los derechos de la franqucia a la productora Trancas International. El cambio de rumbo de la saga se convirtió en una arriesgada apuesta al todo o nada que lamentablemente no acabó bien, y para redimir el error y ganar de paso unos cuantos dólares, Akkad lo tenía claro: Michael Myers tenía que volver de ultratumba. La decisión no fue instantánea y hubo un parón de seis años, momento en el que la competencia se disparó. Amén de los infinitos slashers que iban apareciendo, los otros dos grandes iconos del terror de los ochenta, Jason Voorhees y Freddy Krueger, jugaban sus cartas con la séptima Viernes 13 y la cuarta Pesadilla en Elm Street respectivamente.
Halloween IV: El regreso de Michael Myers (Halloween 4: The Return of Michael Myers, 1988), que fue dirigida por el debutante Dwight H. Little, contó en un principio con un interesante tratamiento de guión escrito por John Carpenter y Dennis Etchinson. Ambos artistas dieron con la trama más adulta y madura de la serie, con Michael Myers y la festividad de Todos los Santos convertidos en temas tabús dentro del pueblecito de Haddonfield. Cuando la fecha del 31 de Octubre se acerca, el miedo y la angustia aumentan, y eso es precisamente lo que revive a la leyenda de Myers. Pero esta «historia de fantasmas» no gustó a Akkad, que lo tachó de «demasiado cerebral«. El productor demandaba un slasher simple, sin complicaciones. A partir de ese punto, cuando se rechazó su propuesta, Carpenter se alejó para siempre de la franquicia.
El guionista Alan B. McElroy dio con lo que quería Akkad: una auténtica secuela que se situaba diez años después de Halloween II, recuperando al asesino de la máscara blanca y a su Van Helsing particular, el doctor Sam Loomis (Donald Pleaseance de nuevo). Jamie Lee Curtis, que por aquella época se hacía hueco en Hollywood, rechazó volver, y para paliar su ausencia, McElroy «mató» al personaje en un accidente de tráfico e introdujo a su hija de siete años de edad, Jamie Lloyd (Danielle Harris). En esta ocasión, el especialista George P.Wilbur se puso la (nueva) máscara de goma y cogió el cuchillo de cocina.
Halloween IV volvió a los orígenes de la saga, algo que contentó mucho a los fans y que se vio reflejado en la recaudación, una de las mejores de la vida de Michael Myers.
Justo cuando Halloween IV: El regreso de Michael Myers llegaba a los cines en 1988, el productor Moustapha Akkad ya tenía su mente centrada en un quinto episodio, que quería tener listo para el año siguiente. El inesperado giro argumental en los minutos finales de la película de H. Little trazó el camino a seguir, y Shem Bitterman fue contratado para escribir una primera versión del guión de Halloween V: La venganza de Michael Myers (Halloween 5: The Revenge of Michael Myers, 1989). En él, Jamie Lloyd se había convertido en una asesina y Michael Myers continuaba su intento por matarla. La idea fue rechazada (disgusto de Donald Pleaseance incluído) y Michael Jacobs y el director de la película, Dominique Othenin-Girard, formaron el guión definitivo que llegó a la pantalla. El rodaje empezó el 1 de Mayo de 1989 y la película se estrenaba cinco meses más tarde.
Jamie Lee Curtis y Donald Pleasence
Lástima, porque la idea de Bitterman era más refrescante que el producto final. En Halloween V se decide regresar a la formula que ya funcionó en el anterior film: Jamie escapando una y otra vez de Michael Myers mientras el doctor Loomis le persigue, y los demás personajes entran y salen sin apenas repercusión. Ahora hay un claro compotente fantástico en el ambiente: tío y sobrina están enlazados por un extraño vínculo telekinésico que tendrá más o menos explicación en la secuela posterior, como ese misterioso Hombre de Negro que decide liberar al mal en el último minuto.
Halloween V fue calificada X por el gran nivel de violencia y sangre que fueron añadidos tras el rodaje, por lo que algunas secuencias de muerte fueron editadas para conseguir llegar al nivel R (menores de 17 años acompañados de un adulto). La película es una de las gráficas de la saga y no está exenta de anécdotas, como la eliminación de una secuencia en la que el cuchillo de Michael Myers (Don Shanks) alcanza y traspasa la pierna de la pequeña Jamie Lloyd (Danielle Harris).
Esta cuarta secuela (o tercera, según se mire) se descalabró bien en taquilla, cayendo en picado a la semana de estrenarse. Actualmente, es la Halloween que menos dinero ha dado. Unamos a eso que la crítica no la aceptó.
Parece ser que, a pesar del final abierto, la gente se estaba cansando de Michael Myers más allá de las lágrimas de éste…
En los años 90, Daniel Farrands, fan acérrimo de la saga, escribió una primera versión de Halloween 6, que pretendía enlazar a la perfección la historia de las cinco películas anteriores y al mismo tiempo reinventar la franquicia. A Paul Freeman, el productor de Halloween V, le gustaba mucho el trabajo de Farrands. Al mismo tiempo, Miramax Films se hacía con los derechos de Michael Myers para utilizarlos en el futuro.
Halloween 666, la propuesta de Farrands, daba respuestas al porqué Michael Myers es un sádico criminal. Los aspectos sobrenaturales que se intuían en la quinta película volvían con más fuerza que nunca y presentaban a Michael como una víctima de la maldición de Thorn, una maldición ancestral celta que se activa la noche de Halloween. Por esa razón, empezó a perseguir y a matar a miembros de su familia.
El guión (considerado por Donald Pleaseance como el mejor desde el original) fue reescrito más de once veces, pero no fue el único problema al que se tuvo que enfrentar Halloween: La maldición de Michael Myers (Halloween, The Curse of Michael Myers), finalmente estrenada en 1995. El casting y la dirección sufrieron algunas bajas: Danielle Harris ya no iba a interpretar a Jamie Lloyd por no llegar a un acuerdo económico; no se pudo contactar con Brian Andrews, el Tommy Doyle original, para que lo volviese a encarnar, y el director previsto, Fred Walton, le pasó el proyecto a Joe Chapelle. Durante el rodaje los disgustos no cesaron: Paul Freeman, el productor, no dudaba en eliminar y modificar secuencias a su antojo (incluyendo el propio final) en el set. Miramax, viendo el desastre, pidió a Chapelle rodar escenas adicionales para paliar algunos problemas de narrativa. En ese marco temporal, Pleaseance fallecía a los 76 años de edad (éste es su último doctor Loomis).
Existen dos montajes de esta sexta entrega: el Producer´s Cut y el que se estrenó en cines, el Theatrical Cut. El primero es, para gran mayoría de los fans, infinitamente superior y se centra más en Thorn y en los miembros de la secta que son responsables de la locura de Michael. En el final original, el misterioso Hombre de Negro revelaba su identidad real: Wynn, un personaje que apareció fugazmente en La noche de Halloween. En el plano final del film, Loomis descubría horrorizado que había caído víctima de la maldición.
En la taquilla pasó sin pena ni gloria (Miramax decidió destinar la prioridad de su dinero a Hellraiser: Bloodline) y los críticos de todo el mundo la destrozaron. A día de hoy, incluso el propio Farrands reniega de ella, alegando que no es el Halloween 6 que tenía en mente.
Trivia: ¿sabe el fan más loco y fiel de la saga que Quentin Tarantino estuvo a un paso de formar parte del proyecto?
Con Scream (Wes Craven, 1996) y sus secuelas revitalizando el fuego del slasher adolescente y el veinte aniversario de la saga a la vuelta de la esquina, era de esperar que Michael Myers tuviese de nuevo su momento de gloria tras la irregular última entrega. Fue la misma Jamie Lee Curtis quien creyó oportuno el momento ideal para volver a la noche de Halloween, así que se alió con Kevin Williamson (el guionista y padre de la mencionada Scream) para dar con una historia que estuviese a la altura. Robert Zappia y Matt Greenberg escribieron el guión, con el título Halloween 7: The Revenge of Laurie Strode.
Se optó por reanudar la historia allá donde lo dejó Halloween II e ignorar lo sucedido en las tres películas anteriores, aunque el tratamiento original sí las respetaba e incluía una referencia a la muerte de Jamie Lloyd. John Carpenter declinó la oferta de dirigir esta especie de reencuentro y le dio el relevo a Steve Miner, el responsable de Viernes 13: 2ª parte y Viernes 13: 3ª parte. El resultado fue la estimable Halloween H20: 20 años después (Halloween H20: 20 Years Later), que llegó a las pantallas en 1998.
En esta séptima -o tercera, según se mire- entrega, situada veinte años después de lo acontecido en 1978, volvemos a ver a Laurie Strode (Jamie Lee Curtis), ahora madre de un joven (Josh Harnett, como reclamo teen) y profesora de instituto. Aterrorizada por lo sucedido en el pasado, Strode vive bajo un nombre falso, Keri Tate y se dedica a ahogar sus penas en alcohol. Pero para su -no- sorpresa, Michael Myers (Chris Durand) regresa por todo lo alto y tumba su mundo haciendo lo que mejor sabe: matar.
Hasta 2007, Halloween: H20 fue la más taquillera de la saga. Gracias al resurgimiento del género en la época en la que se estrenó y al empeño de Lee Curtis, la crítica la vio con buenos ojos y se convirtió en todo un hit. Para los fans más puritanos, la historia de Michael Myers termina aquí, con un contundente final que dejó clavado a más de uno en la butaca el día de su estreno.
A veces, hay cosas que son mejor dejarlas tal y como están. Entre ellas estaba la saga que nos ocupa. La séptima película había acabado a lo grande con Michael Myers, pero Miramax quería repetir la jugada de Halloween III: El día de la bruja y presentar una nueva secuela sin el silencioso ejecutor de la máscara neutra. Moustapha Akkad y los fans insistieron en resucitar al personaje, y en el año 2000 se anunció de forma oficial Halloween: The Homecoming. El título cambió más tarde al definitivo: Halloween: Resurrección (Halloween: Resurrection, 2002). Para quien escribe estas líneas, la peor película que ha parido la serie.
Rick Rosenthal, director de la maravillosa Halloween II, se hizo cargo de esta octava entrega tras el rechazo inicial de Whitney Ransick. El reparto se compuso de caras jóvenes y conocidas como las de Bianca Kajlich, Sean Patrick Thomas, Daisy McCrackin o Thomas Ian Nicholas. Mención aparte merece un INSOPORTABLE Busta Rhymes empeñado en tirar abajo los momentos en los que aparece. También tenemos a una fugaz Jamie Lee Curtis, obligada a intervenir por contrato, que regresa para un breve cameo de quince minutos. Brad Loree encarna (como puede y le dejan) a Michael Myers.
La trama no hay por donde cogerla, no tiene razón de ser. Tras un prólogo en el que Laurie Strode no termina del todo bien, nos presentan a unos personajes (los más flojos que hayamos visto) que concursan en una especie de Gran Hermano dentro de la casa de los Myers. Claro está, éste aparece y los mata uno a uno, mientras sus webcams son seguidas por los adolescentes de Haddonfield. Los productores, conscientes del desastre de película que habían visto, pidieron rodar secuencias adicionales, lo que retrasó el estreno previsto en Abril de 2002 a Julio del mismo año.
Poco más que añadir. Los espectadores se sintieron defraudados y en la taquilla la película funcionó de manera irregular. Da pereza hablar de una secuela que no aporta nada y que aparte destruye el buen sabor de boca de Halloween: H20. La explicación que se da del porqué Myers sigue con vida es, cuanto menos, paupérrima y muy cogida por los pelos.
Señor Rosenthal, con lo bien que le había salido el invento en 1981, ¿qué le ocurrió en Resurrección?
«Adelante, pero ante todo que tenga tu estilo» le aconsejó John Carpenter a su amigo Rob Zombie (director de La casa de los mil cadáveres y Los renegados del diablo) cuando éste fue elegido por Dimension para reiniciar Halloween. El anuncio se hizo oficial en 2006, un año después de la trágica muerte del productor Moustapha Akkad en un atentado acontecido en Ammam.
Halloween: El origen (Halloween, 2007) es un remake pero también es una precuela y también un reboot. Básicamente, son como dos películas en una. El primer acto, completamente nuevo, lo protagoniza un Michael Myers niño (Daeg Faerch) que empieza a cortejar con la maldad matando al típico abusón de colegio. Cuando decide acabar con la vida de su hermana y de su novio, asistimos a una recreación de La noche de Halloween tal y como la conocemos, pero Zombie se permite modificar y expandir la historia a su gusto porque al fin y al cabo es SU película. Como bien señaló el crítico Bill Gibron, La noche de Halloween se centraba más en Haddonfield y en sus ciudadanos y en Halloween: El origen, Zombie hace que sentamos empatía por Michael Myers.
Una de las virtudes del film es su respeto al clásico original mientras lo adapta a los tiempos modernos. Los personajes siguen siendo los que Carpenter y Hill idearon en 1978, algunos incluso con más tiempo de pantalla. El tema principal sigue ahí, maravillosamente conducido por Tyler Bates. La máscara de Michael Myers tiene un peso significativo en la historia y éste, interpretado por el gigante Tyler Mane, vuelve a marcar esa presencia amenazante que se perdió en las secuelas. Incluso las localizaciones son las mismas, utilizando el mismo vecindario que fue testigo de los primeros pasos de Michael en los 70.
El recibimiento a la propuesta de Zombie fue algo tibio, pero la taquilla se encargó de subsanar cualquier duda: ésta es la entrega que más dinero ha recaudado. Mala o no, este Halloween: El origen resultó ser un bálsamo de lo más estimulante.
El hijo de Moustapha Akkad, Malek, confirmó en 2008 el deseo de trabajar en una segunda entrega del Halloween: El origen que tanto dinero les había dado. A los franceses Julien Maury y Alexandre Bustillo (Al interior) se les ofreció la posibilidad de dirigir, pero rechazaron. En principio, Rob Zombie no quería dirigir una continuación, pero finalmente llegó a un acuerdo: él se encargaría del guión y de la dirección al completo. Ahora ya no había necesidad de seguir el patrón de las secuelas ni de las notas de John Carpenter. Malek dio a Zombie absoluta libertad creativa para hacer lo que le viniera en gana. Los cimientos de lo que acabaría siendo Halloween 2 (2009) ya estaban en pie.
Homenaje o pura casualidad, en este Halloween 2 encontramos piezas del Halloween II de 1981: un inicio que enlaza con la película anterior, Laurie Strode (Scout Taylor-Compton) siendo llevada al hospital de Haddonfield y la revelación de que se llama en realidad Angel Myers y es hermana del asesino que la persigue. He señalado este «enlace» porque ya no encontraremos nada más de lo que se ofreció en el pasado. El doctor Loomis (Malcolm McDowell) ahora intenta lucrarse de la matanza con un libro que narra lo acontecido un año atrás y Michael Myers (Tyler Mane) es una figura fantasmal que vaga por las calles hasta que una visión de su madre (Sheri Moon Zombie) hace que reactive la búsqueda de su hermana.
Como ocurrió en la sexta película de la saga, Halloween 2 puede verse en dos montajes: el Director´s Cut y el Theatrical Cut. El primero, más oscuro y con muchos más minutos, solo puede verse en USA y se asemeja a la visión original de Zombie. El segundo es el que llegó a los cines y a DVD en España. La diferencia entre ambas versiones radica en el personaje de Laurie Strode y su lucha por intentar olvidar la masacre de Myers el año anterior y en el climax final. A gusto personal, el Director’s Cut es claramente superior.
La crítica, como su predecesora, estuvo dividida: a algunos les encantó el cambio maduro, psicológico y duro que Zombie había imprimido en una saga necesitada de frescura. Otros odiaron su toque personal y lo catalogaron de «basura infecta». Para bien o para mal, lo cierto es que Halloween 2 sabe distanciarse de sus hermanas y ofrecer algo que no dejará indiferente a los espectadores.
De momento, la saga acaba aquí. Pero no es ni mucho menos el final: siguen apareciendo comics, sigue apareciendo merchandasing y Dimension ya trabaja en Halloween 3D. Sí, las tres dimensiones han alcanzado finalmente a Michael Myers. Se desconoce si aprovechará la historia iniciada por Rob Zombie, pero se sabe con seguridad que Patrick Lussier (editor de Halloween: H20) se pondrá detrás de las cámaras. Existe un guión y se dice que es bueno, pero la producción se ha ido directa a estrenarse el año que viene. El tiempo dirá. Porque claro, en Halloween todo el mundo se merece un buen susto de vez en cuando.
José Mellinas
Un chico de portada: un documental de David Muñoz sobre el cartelista Mac
El director de cortos David Muñoz, además de ser un tipo humilde y competente, poseé una mente creativa que no para de pensar proyectos de todo tipo. Ha tocado la animación, el subrrealismo y también con Un chico de portada, el documental. Un trabajo dedicado al mejor artista de carteles de cine que ha dado España, Mac. Y es que a Macario Gómez, lo de cartelista le queda definitivamente corto, lo suyo es arte y en este documental vemos una muy pequeña muestra de su genio. Ha habido otros prolíficos cartelistas como Jano o el genial Soligó que han dejado una obra repleta de calidad tras ellos, pero en nuestra opinión, Mac convirtió en arte lo que pasó por ser un efímero objeto de propaganda y un reclamo para hacernos entrar en las salas. Tan poco recordado, como suele pasar en este santo país, sorprende y se agradece que David Muñoz nos ofrezca un acercamiento a la figura de este artista, que se muestra también tan humilide como humano. Un gran dibujante, un gran artista y también un gran documental en el que tuvimos ocasión de colaborar y que ofrecemos integramente desde nuestro blog.
Queriendo saber más sobre los entresijos de Un chico de portada, le hacemos unas preguntas a David Muñoz.
– ¿Cómo nace la idea de hacer un documental sobre Mac?
En Olesa de Montserrat conocí a Akira, posteriormente productora del documental, que era amiga de Mac y ambos comentamos que sería muy interesante realizar, en la medida de nuestras posibilidades, un documental para dar difusión a la obra de Mac, ya que a pesar de todo lo que ha hecho por el cine sigue siendo un gran desconocido en nuestro país.
– ¿Conocías con anterioridad sus carteles?
Conocía los más míticos, pero mis conocimientos sobre el trabajo de Mac han aumentado con creces tras el documental. He descubierto montones de carteles impresionantes. Ojala hubiéramos podido sacar más en el documental, pero desgraciadamente ni el propio Mac tiene muchos de sus carteles, ya que, anteriormente, sobre todo en nuestro país, no se respetaba mucho al autor y jamás se le devolvía el original, a diferencia de cómo funcionaba todo en el extranjero.
– ¿Cómo recibió Mac la idea del documental?
Pensamos que iba a ser más complicado poder filmarle, pero se mostró entusiasmado con la idea. A fin de cuentas quiere lo que cualquier otro artista, que su obra se dé a conocer.
– ¿Cómo fue el rodaje?
El rodaje transcurrió muy a contrareloj, por desgracia o tal vez por suerte no hubo tiempo para que ocurriera alguna anécdota. Solo disponíamos de un par de horas y media para estar con él. Mac está muy mayor y no muy bien de salud, así que decidimos no atosigarle mucho y estando ese par de horas con él, grabar todo lo que nos contara. Ojala todo lo hubiéramos podido preparar mejor, pero para ser algo que hemos hecho con escasos medios, estamos muy contentos del resultado.
– ¿Cómo fue la presentación en Sitges? ¿Has recibido ofertas para proyectarlo en algún otro festival?
La presentación en Brigadoon fue genial. La verdad es que tenía miedo dado lo amateur que fue el rodaje de que a Mac no le agradara, pero la expresión que pude ver en su cara al acabar la 
proyección disipó todos mis miedos. Quedó muy satisfecho y por lo visto, el público también. Incluso tuvimos que improvisar una sesión de firmas de Mac en una mesa, dada la gente que quería carteles dedicados. Y varias personas estaban interesadas en comprar el Dvd. Como no tenía ninguna intención de comercializarlo, justo después de estrenarlo he decidido colgarlo en Internet. Cuanto más se dé a conocer la figura de Mac y todo lo que ha hecho por el cine, mejor.
En cuanto a festivales, por el momento ya hay varios que se han mostrado muy 
interesados en proyectarlo e incluso en invitar a Mac para homenajearlo. Pero aún falta bastante para que se celebren la mayoría de ellos. Casi todos son de cara a 2013.
– ¿Algún nuevo proyecto en cartera?
Junto a Adrián Cardona acabo de finalizar Fist of Jesus, un corto bien loco cargado de golpetazos y gore, que esperemos divierta a la gente. Estamos tan contentos del resultado que ansiamos convertirlo en largo, así que en cuanto empecemos a moverlo vamos a ponernos de lleno a buscar ayuda, tanto de productoras como mediante crowfunding y eventos para financiar Once Upon a Time in Jerusalem. Esperamos conseguir un cruce entre Mad Max y las típicas películas del Nuevo Testamento.
También, junto a David García, de Monsterworld, esperamos poder hacer un documental similar al de Mac sobre la figura de Sanjulián, siempre que nos sea posible coincidir a los tres, ya que vivimos en distintas ciudades.
Ahora os dejo con Mac que tiene cosas más interesantes que decir:
Diario de Serenidipia en Sitges 2012 (Segunda Parte)
En el episodio anterior: Serendipia llega al Festival de Sitges y comienza el atiborre de cinefilia, pero no sabían que… ¡lo peor estaba por llegar!
Caminando por Sitges uno se encuentra todo tipo de detalles decorativos
LUNES DIA 8
Casi todo el mundo tenía dos películas en mente que no podía perderse durante este festival, Holy Motors y la nueva de Rob Zombie: The Lords of Salem. Zombie, que se había tomado su tiempo para presentar un nuevo film, nos ofreció un cambio de registro que dejó defraudados a parte de sus seguidores. En The Lords of Salem el terror pasa a ser más psicológico y menos visceral y directo. La película, que no deja de ser una actualización encubierta de La semilla del diablo (Rosemary’s Baby, 1968 Roman Polanski), tiene varios logros estéticos y un principio brutal, trozos sueltos que, para nosotros, no logran una película redonda. Aunque es muy de valorar el que Zombie no quiera eternizarse en psicokillers y familias enfermas para dar un paso adelante con nuevas propuestas, este Lords of Salem es un tanto quiero y no puedo. En el reparto, la siempre bienvenida compañera del director, Sheri Moon Zombie y los rostros familiares de Ken Foree (Zombi), Dee Wallace (Aullidos) y Meg Foster, presentes ambas actrices en el festival. Lamentablemente se cortó en la película una escena en la que salía la inolvidable Barbara Crampton (Re-animator). Eso sí, para el que esto suscribe, la película no es ni mucho menos desechable y no se merecía los silbidos que recibió, así que seguiremos atentos a las nuevas obras que este interesante realizador, que tanto aire fresco ha aportado al género, nos siga ofreciendo.
Claudio Simonetti
Tras la necesaria comida tocó el turno a una nueva dosis de cine de animación con Alois Nevel (Tomás Lunák) un film checo que sigue la línea de clásicos como Trenes rigurosamente vigilados (Ostre Sledované Vlaky, 1966), del también checo Jirí Menzel. La acción se enmarca en las postrimerías de la Guerra Fría con los soviéticos abandonando Checoslovaquia. Imágenes en blanco y negro y animación rotoscópica para acompañar un guión agridulce en el que es el primer largometraje de su director. Un oasis de paz en medio del festival.
Pero tras la calma llega de nuevo el despiporre. Ya le hablamos en la anterior entrega de la presencia italiana en esta edición del festival, y en esta jornada tuvo uno de sus momento álgidos con el concierto gratuíto de Claudio Simonetti en Ricky’s, actuación memorable organizada por Diego López, responsable del Brigadoom y del fanzine El Buque Maldito. Una buena experiencia y un agradecido cambio de ambiente que satisfizo a todos. Simonetti repasó con su teclado para el público que abarrotaba el local memorables bandas sonoras de Phenomena (1985, Dario Argento), Demons (1985, Lamberto Bava) o Suspiria (1977, Dario Argento) ante el delirio de muchos. Un gran ambiente que además contó con la presencia de Lamberto Bava, Luigi Cozzi y el mismo Argento, que acababa de llegar al festival. Nosotros lo vimos desde lejos y apostados en la barra del local, pero gracias a la tecnología y gentileza de J. M. Contel, que tuvo a bien compartirlo en el tubo, podemos rememorar unos momentos de la actuación.
Un buen broche para un día que culminó con Lovely Molly (2011, Eduardo Sánchez), de la que mejor leen aquí con más detalle lo que nos pareció.
MARTES DIA 9
No sé porqué pero siempre hay un día en el Festival de Sitges en el que la ingestión de películas es mayor. En el que se acumulan títulos imprescindibles de ver y en el que uno acaba al límite de sus fuerzas, llegando a confundir todos los argumentos e incluso realizando algun inevitable fundido en negro personal. Leve, pero inevitable. Ese día fue el martes 8.
La jornada comenzó con Chained, última película de Jennifer Chambers Lynch, digna vástaga de su padre que nos ofreció la que para el que esto les cuenta, fue una de las mejores películas del festival. Triste, físicamente molesta, sucia, perturbadora y con una interpretación que le valió a su protagonista Vincent D’Onofrio el merecido premio a la mejor interpretación masculina, Chained, historia del secuestro de larga duración de un niño por parte de un psichokiller, no da tregua ni lugar para la esperanza. En este artículo la tratamos más detenidamente. Sin pausa, tras este escalofriante film nos sumergimos en Cosmópolis de David Cronenberg, un complejo film cuyos diálogos obligan a estar pendientes al 100% de lo que sucede en pantalla (algo que parecen olvidar las almas de cántaro que no dejan de juguetear con sus móviles mientras ojean la película). Un muy correcto Robert Pattison demuestra que sabe hacer algo más que de lánguido vampiro enamoradizo en la saga Crepúsculo, interpretando la bajada a los infiernos de un despiadado broker de bolsa que vive en su Limusina. Enrevesados diálogos y un desenlace en la que el personaje interpretado por Pattison se enfrentará a su némesis, alargado fin que quizas lastra un poco el resultado final redondo de la cinta. Para volver a visionar con más calma.
Si ambos films despertaron cierta controversia entre los espectadores, hubo unanimidad para El juego de los niños, un innecesario remake del clásico ¿Quien puede matar a un niño? (1976, Narciso Ibáñez Serrador) al que sigue de forma casi textual. Las mejores escenas del film clásico son recreadas milimétricamente y las únicas innovaciones de Maquinov, un director que se oculta tras un seudónimo, son unas gotas de gore del todo postizas. Sin duda resulta mucho más perturbador ver en el film original como el protagonista descubre a unos niños desnudando el cadáver de una turista que la escena que nos
Peter Strickland presentando Berberian Sound Studio
ofrece Maquinov con los niños destripando el cadáver de la desafortunada. Por otra parte, el desenlace también acerca al film a las tan manidas películas de muertos andantes, escenas que fueron, por otra parte, aplaudidas por el respetable. Por nuestra parte estamos casi seguros de que Narciso Ibáñez Serrador no aplaudiría ese gore y esa violencia de saldo que no hacen más que confirmar a ¿Quien puede matar a un niño? en el podium de las obras más perfectas, completas e inteligentes que ha dado el Fantaterror español.
De la británica Berberian Sound Studio (Peter Strickland) no sé muy bien que decirles. Lo que se inicia como la muy interesante historia de Gilderoy, un creador de efectos especiales inglés (Toby Jones) que desembarca en unos pintorescos estudios italianos durante los años setenta para colaborar en una película gótica, mostrándonos los diferentes modos de trabajo entre el tímido inglés y el peculiar modo de hacer mediterraneo, finaliza como un experimento lisérgico de los de coger con pinzas. Lo dicho, no sé que decirles, así que no les digo más, prefiero que lean lo que escribió la otra parte de Serendipia sobre este film que en Berlín se alzó con el Oso de Plata.
Desde luego Drácula 3-D, la última película de Dario Argento no presagiaba, en vista de lo que se había podido leer sobre ella, nada bueno y, lamentablemente así fue. Si bien el pope del giallo ha creado escuela con sus logros visuales, aquí no vamos a descubirles nada sobre ello, desde hace unos años está bien lejos de lo que había sido. Aún así, como admiradores del cineasta y sobre todo por curiosidad al nuevo tratamiento de la novela de Stoker, no podíamos perdernos la cita con el rey de los no muertos. Rodada en régimen de coproducción entre Italia y España, por esta parte de la mano de Enrique Cerezo (que también ha ejercido de guionista), personaje del que los aficionados al fútbol (entre los que no me cuento) sabrán más, este Drácula 3-D tiene una factura televisiva y unos cambios con respecto a la novela que no aportan gran cosa. Se ha intentado evitar tanto que el vampiro se convierta en murciélago que en una delirante escena, que ha pasado automáticamente a formar parte del museo del esperpento y el despropósito, aparece como… ¡Mantis gigante! en uno de los momentos más memorables y que más jolgorio despertaron en la amodorrada platea del Auditori. Efectos especiales de vergüenza ajena y algunas interpretaciones risibles con especial mención al que sin duda pasará a la historia como el peor Renfield, Giovanni Franzoni y unos del todo perdidos Rutger Hauer, como un Van Helsing con la mirada siempre pendiente hacia lugar fuera de plano, dando la sensación de que lee el guión en pancartas preparadas ex profeso. Y finalmente el español Unax Ugalde como Jhonathan Harker, al que hacia el final de la película alguien tiene a bien clavarle una estaca y terminar con su sufrimiento (y con el nuestro).
Ángel Sala, director del festival junto al equipo de Drácula 3-D
El alemán Thomas Kretschmann, que repite con Argento tras La sindrome di Stendhal (1996) film que marca la decadencia del cineasta a decir de sus seguidores, no tiene demasiado carisma en el difícil papel de Drácula. Pero indudablemente no ha de ser fácil tener que enfrentarse a comparaciones con sus ilustres antecesores. Finalmente, la parte femenina, por distintas razones, es quizás la que se salva, con Asia Argento a la cabeza, una presencia que siempre es bienvenida aunque no ejerza como protagonista y la italiana afincada en España Miriam Giovanelli, que es la encargada de poner toda su carne en el asador. Aún así y a pesar de todo fue una proyección entretenida si a uno le queda un gramo de compasión, y los efectos 3-D eran bastante efectivos. Además, la glamorosa presentación del filme, que se proyectó en gala en el Auditori, contó con la presencia de Argento, Ugalde, Giovanelli, Cerezo (que recibió una María honorífica) y un Simonetti poco inspirado como compositor de la banda sonora y al que prefiero recordar por el memorable concierto del día anterior. Y venga, a dormir que es tarde y al día siguiente hay que madrugar…
Dario Argento y Miriam Giovanelli
MIERCOLES DIA 10
A madrugar de nuevo que el mundo se acaba y la cita es con Brandon Cronenberg y su esperada ópera prima, Antiviral. La verdad es que el muy digno hijo de su padre ha demostrado su valía con este filme, una obra total, ya que también es responsable del guión. La historia es bastante retorcida, pero no por ello esta parábola ¿futurista? se ve demasiado lejana o irreal ¿Quien no conoce o ha oido de alguien que tenga ADN de su ser admirado o aspire a ello? ya sea en forma de cabello o incluso toallas mojadas por el sudor de una estrella de rock. Madonna hace que se destruyan todos los kleenex (y lo demás) de sus camerinos tras sus conciertos, sin duda para evitar que se trafique con ellos. Pues imagínense que se comercializara con las 
enfermedades y virus de «los famosos» e incluso de sus mascotas, para poder compartir los mismos males y sentirse así más cerca de ellos… algo así es el punto de partida de este Antiviral, que obtuvo el premio del jurado jóven del festival y que, a pesar de algún silvido que calificaría de inexplicable, pone a Brandon Cronenberg entre los valores a tener en cuenta en el futuro. Si quieren leer más detalladamente sobre ella les emplazo a nuestro artículo.
The Tall Man, la nueva película del responsable de Martyrs (2008) Pascal Laugier, es posible que defraudara a parte de sus seguidores por ese engañoso argumento en el que nada es lo que parece, además de por su falta de carnaza, pero es un film que indudablemente tiene su interés y también es un paso adelante para un realizador esforzado por ofrecer un trabajo muy distinto a su aplaudida antecesora, contando con una impecable Jessica Biel en el reparto, un misterioso hombre del saco que resultará ser una ONG radical y un mensaje tachado de fascista e inmoral por algunos críticos y amigos a los que parece que hay que recordar que… Es solo una película… es sólo una película… es sólo una película…
De The Tall Man, que para su estreno en nuestras pantallas ha sido bautizada como El hombre de las sombras, pueden leer con más detalle en este artículo, así como sobre Grabbers, del irlandés Jon Wright, una monster movie en toda regla repleta de humor beodo que dió una buena bocanada de aire fresco a las proyecciones de la jornada aliviando, en parte, la nota raruna oriental de nuestra selección, la coreana The Weight (Mu-Ge). Un film agrio, pesimista y sobre todo marciano del director Jeon Kyu-Hwan que nos ofrece varias variantes de un catálogo de perversiones con la necrofilia en cabeza. Delirios subrrealistas y costumbrismo macabro como solo la mente de un oriental puede concebir. A veces me planteo el dejar de ver cierto cine oriental, pero no puedo evitar terminar seleccionando lo más extraño del catálogo del festival, ya que a veces nos ofrece agradables e inolvidables sorpresas como Guilty of Romance (Koi no Tsumi, 2011 Shion Sono), que tuvimos ocasión de ver durante la edición del pasado año y que todavía hoy se mantiene dulcemente intacta en la memoria.
Queriamos redondear el día con dos propuestas que no tuvieron éxito por distintas razones: una era ir a la Master Class que ofrecía Dario Argento, pero al ser abierta al público (y la asistencia fue importante), se dejó pasar a prensa en último lugar, lo que dificultaba en parte el realizar nuestra labor, así que decidimos desechar la idea. La otra opción condenada al fracaso fue la intención de ver la última película de Tim Burton, Frankenweenie. Decir que se agotaron los pases para prensa en un microsegundo es exagerar… fue en menos, lo que quizás hace sospechar que, de haber algun ticket para prensa, fueron muy, muy escasos ya que les puedo asegurar que fui muy rápido al teclear. Pero como ya les dije en la anterior entrega de esta crónica, de ese tema ya hablaremos más adelante.
Pero no hay mal que por bien no venga, así que se pudo cenar en condiciones humanas y en plato, como los seres civilizados que a veces recordamos que somos.
JUEVES DIA 11
Al barcelonés Daniel Calparsoro ya hace tiempo que le seguimos la pista. Desde su debut con Salto al vacío en 1995, ha construido una interesante filmografía de películas de escueto título a la que se suma este año Invasor, un thriller denuncia poco o nada alejado de la realidad de esas noticias filtradas que se nos ofrecen en prensa de, en este caso, conflictos bélicos. Desde que vimos la Guerra del Golfo en directo y como si de un vídeo juego se tratara, han saltado a la prensa algunas imágenes que demuestran que no todo es como nos quieren hacer creer y que ni unos son los campeones de la libertad, ni los otros salvajes fu-manchús que guardan bombas de destrucción masiva en pintorescos zulos con aspecto de decorado. Calparsoro nos muestra como puede manipularse la información para ocultar la cruda realidad en la que unos soldados (en misión humanitaria) se ven inmersos. Para ello se vale de un pulso narrativo frenético en las modélicas escenas de acción, de un guión perfectamente construido y de unos protagonistas creíbles interpretados por Alberto Ammann, el ascendente Antonio de la Torre y el fantástico Karra Alejalde en el papel de villano con actitud diplomática hasta que pierde los papeles… ¡y cuanto demonio suelta por su boca cuando los pierde!
Pero naturalmente el día nos ofreció bastante más, como Sinister de Scott Derrickson, un director adscrito al fantástico como demuestran sus dos anteriores cintas: El exorcismo de Emily Rose (The Exorcism of Emily Rose, 2005) y Ultimátum a la tierra (The Day the Earth Stood Still, 2008) . Su más reciente obra es un film terrorífico al uso con sustos y momentos inquietantes. Un escritor de crónica negra que tiene la costumbre de trasladarse al lugar de los hechos para motivarse, encuentra en una de estas casas, en la que se instala con su familia, un proyector de super-8 con varias cintas que, además de las típicas escenas familiares, contienen terribles asesinatos con un misterioso personaje por medio. Ya estamos otra vez, aunque de forma implícita, con aquello del found footage pero realizado de forma ingeniosa. Un principio de impacto y terror sobrenatural puro y duro que se agradece, aunque solo sea para no olvidar que uno está en EL Festival de Cine Fantástico y de Terror de Sitges y también deben proyectarse películas de ese género.
Y… ¿Que mejor que un poco de comedia para despedir las proyecciones del día? pues eso es lo que nos ofrece la película inglesa A fantastic fear of Everything (Crispian Mills y Chris Hopewell). Una fábula sobre la inseguridad y el miedo a lo desconocido por parte de un escritor (y van…) de cuentos infantiles que decide pasarse al terror. Chistes ingeniosos y una potente selección musical (no en vano Mills es cantante del grupo Kula Shaker), además de una fantástica actuación de su protagonista Simon Pegg, al que seguro que recuerdan de Zombies Party (Shaun of the Dead, 2004 Edgar Wright), entre otras, ya que este actor está en alza. La película cuenta además con algunas caras conocidas para el fan del cine de terror, como Clare Higgins, la morbosa Julia de Hellraiser (1987, Clive Barker).
Crispian Mills, uno de los directores de A Fantastic Fear of Everything.
Quedan más días de festival y más aventuras para nuestros amiguitos, pero el resto se lo contaremos en la tercera (y última entrega) de esta crónica.
(Continuará)
Todas las fotos: Serendipia
Sitges 2012: la magia del sonido, Berberian Sound Studio
El rey indiscutible de las composiciones para cine: Bernard Herrmann
Lejos quedan los tiempos en que las estrellas del mudo despotricaban contra el sonoro considerando que con el sonido no se aportaba nada al cine, la historia no les ha dado la razón porque, si bien es cierto que las imágenes se bastan por sí mismas para crear una obra maestra, no deja de serlo tampoco que con la sonorización se contribuye a generar atmósfera y que el sonido, por tanto, interviene narrativamente en las películas. Y no sólo por los diálogos, sino por el score y los efectos de sonido. Pese a todo, algunos sentimos que todavía se valora poco la importancia de la banda sonora pues algunos la ven como elemento secundario pese a los numerosos ejemplos que pueden demostrar su trascendencia. Ahí está Scarlata O’Hara jurando a Dios que nunca volverá a pasar hambre con la maravillosa música de Steiner realzando y dando el auténtico peso a la acción, o Marion huyendo en Psicosis con la música de Herrmann introducinedo la angustia que vive el personaje, o, buscando un ejemplo reciente, el crescendo de Desplat creando tensión en el momento en que el personaje de Ben Affleck toma la decisión fundamental en la recién estrenada Argo. Por otra parte, los efectos de sonido aún corren peor suerte y los galardones que reciben se consideran premios menores, tanto es así que en algunos certámenes ni siquiera existe la categoría. Ese es el caso de Sitges, por ejemplo, y nos parece que es un olvido imperdonable puesto que en el fantástico el sonido tiene especial relevancia.
De haber existido la categoría de Mejores efectos de sonido en Sitges la ganadora absoluta habría sido Berberian Sound Studio. Y es que la cinta de Peter Strickland es una apuesta original, película homenaje, se apoya en los efectos sonoros para crear el relato. Nos cuenta la historia de Gilderoy (Toby Jones) técnico de sonido inglés especializado en sonorizar documentales sobre la campiña británica. Gilderoy es llamado por el estudio Berberian para encargarse de organizar el 
sonido de una película italiana de terror gótico. Una vez allí descubre la desorganización, prácticamente kafkiana, de la compañía italiana, pero, más importante, poco a poco irá sucumbiendo a la pavorosa atmósfera que él mismo ayuda a crear hasta quedar totalmente vampirizado por ella.
Berberian Sound Studio es toda una tesis sobre la importancia del sonido en el cine de terror, su reto ha sido conseguir la tensión de la trama, esa progresiva obsesión por la película que se está montando, sin mostrarnos una sola imagen de ella. Y sale bien parada de este experimento. Durante dos tercios del film asistimos a todo un despliegue testimonial de cómo en los años setenta se lograban artesanalmente los efectos, todo un festín para los sentidos resulta ver esos melones y sandias que simulan el ruido de los cuerpos y las cabezas al quebrarse, y más recursos igualmente ingeniosos y caseros para reproducir las torturas (vaginales algunas, pues ese cine transalpino se definía por mezclar violencia y sexo) y todo lo que creaba la atmósfera. Y consigue hacernos sentir cómo sólo el sonido ya basta para provocar terror.
De la mano de los efectos creados con la habilidad de la ingeniaría nos adentramos en una historia de obsesión que acaba desembocando, como ya decíamos, en la vampirización de Gilderoy por parte de la película que construyen. Así, en su tercio final, el filme entra en un descenso a los infiernos de influencias lynchianas que, al menos a los espectadores españoles, nos trae a la memoria el Arrebato de Zulueta. Strickland se reconoció deudor de Lynch en la rueda de prensa, pero afirmó no haber visto la genialidad de Zulueta, cosa que parece demostrar la existencia de universales en el arte que serían recorridos por los diferentes artistas sin necesidad de que haya habido conocimiento entre ellos. El problema de Berberian Sound Studio es que ese giro hacia la caída, hacia la sumersión en la ficción hasta no distinguirla de lo real, pese a utilizar recursos conocidos no acaba de estar totalmente logrado; toma una dirección que lleva a la confusión del público llegando incluso a provocar anonadamiento, y no un anonadamiento extático sino el asimilable a la simple perplejidad. Toda una lástima.
Con todo celebramos haberla incluido en nuestra selección y pese al casi chasco final, pensamos que es una cinta muy disfrutable en lo que tiene de estimulación de otros sentidos implicados en el arte visual por excelencia. Lo mejor es dejarse llevar por el homenaje sonoro y dejarse arrullar por su serenata.
¡¡Klowns Asesinos organiza otra fiesta en Halloween!!
Un año más, la web de Cine Fantástico y de Terror KlownsAsesinos.com con la colaboración de La Sociedad Coral L’Espiga de Les Corts y el patrocinio de Roparadical.com, organiza el próximo sábado 3 de Noviembre una terrorífica tarde/noche de Halloween.
Una sesión donde disfrutaremos de cuatro cortometrajes, tres de ellos recientemente estrenados en el festival de Sitges 2012, y la proyección de dos largometrajes, The Last Will and Testament of Rosalind Leigh (Rodrigo Gudiño) que compitió en dicha edición, y Demons el gran clásico de Lamberto Bava. También contaremos con el habitual stand de camisetas, quiz games y regalos entre sesiones, y para terminar la noche, por primera vez en un KlownsHalloween, organizaremos un torneo de juegos de mesa zombie.
La tarde dará comienzo a las 19h con la proyección del divertido cortometraje bélico Un día de Golf dirigido por David Muñoz, y tres cortometrajes estrenados recientemente en el festival de Sitges 2012, como el nuevo corto del madrileño Sergio Morcillo, quien nos presenta unos terroríficos payasos como homenaje a la serie B de los ochenta en Tus Gritos me dan Risa. Oscuro Resplandor, una historia de experimentos, poderes psicokinéticos y zombies dirigida por Rafa Dengrá y por último, Fist of Jesus, el último y divertido trabajo dirigido a dos manos por David Muñoz y Adrián Cardona. En este último, se nos explica cómicamente, varios de los milagros relacionados con Jesucristo, como la resurrección y la multiplicación de los panes y los peces…
Además contaremos con la presencia de algunos de sus directores y miembros del equipo.
¿Te lo vas a perder?
Siguen los remakes, esta vez Evil Dead
Si habéis pinchado en el vídeo habréis visto casi cinco minutos de un sorprendente ataque extraterrestre en Montevideo y habréis engrosado la ya abultada lista de visitantes. Se trata de Ataque de pánico, el corto de Fede Álvarez, cineasta experto en efectos especiales, que le llevó a ver cumplido su sueño. Veamos cómo.
La idea del corto le sobrevino en su periodo de estudios en Amsterdam viendo la cuña de un videojuego. Después, regresado a Montevideo llevo a cabo su ídea con un equipo de producción limitado y un presupuesto aún más exiguo. La mayor parte del trabajo la ocupó la postproducción, esos efectos especiales que él y su equipo elaboraron durante seis meses dilatados a lo largo de dos años, con una colección de programas muy conocidos, sin ningún poderoso ordenador como los que destruyeron el mundo en 2012 (Roland Emmerich): 3dMax, FumeFx, Glu3d, AfterEffects, Photoshop y Premiere. Como todos los que empiezan todo ese trabajo lo hicieron gratis, con la dedicación de quienes hacen aquello que les ilusiona, todo el presupuesto, menos de 500 dólares, se invirtió en la contratación de los cincuenta extras que corren aterrados. Concluido el filme, un jueves lo subía a Youtube. Al lunes siguiente (en sólo tres días de exhibición) su correo estaba invadido con propuestas de los grandes estudios de Hollywood. Casi un cuento de hadas.
De todas las ofertas la que acabó cuajando fue la que le lanzó Ghost House Pictures, la productora de Sam Raimi. A cambio de darle la exclusividad, Raimi se comprometía a invertir 30 millones de dólares para que rodase un largo sobre una invasión extraterrestre. En esa película iba a gozar de total libertad y podría filmarla en Uruguay y Argentina.
No sabemos que fue de ese proyecto. Los sueños a veces no son perfectos. Pero la historia tiene, a pesar de todo, un final feliz: Fede Álvarez ha sido elegido por Raimi para dirigir el remake de Evil Dead. Y a juzgar por las primeras imágenes la cinta promete. Acaba de filtrarse el primer trailer y tiene muy buena pinta:
Últimamente parece que la industria cinematográfica se ha vuelto pusilánime y no se atreve a apostar por nuevos proyectos, estamos viviendo años de precuelas, secuelas y remakes, con distinto acierto. Algunos remakes han sido reconocidos como superiores a la cinta original, sería el caso de Las colinas tienen ojos de Alexandre Aja; otros no han sido tan afortunados, no aportan nada y son absolutamente prescindibles, ese es el caso de Juego de niños (Makinov) que tuvimos ocasión de ver en la última edición del Festival de Sitges. Temor nos produce qué vaya a ocurrir con Carrie, aunque en el reparto esté Clhoe Moretz. Pero desde luego habrá que darle una oportunidad, aunque sólo sea porque otro de los remakes que nos producía mieditis ha resultado ser un film más que notable, se trata de Maniac (Franck Khalfoun). Pero estábamos con Evil Dead, ¿tiene sentido volver a rodar el ya clásico de 1981 del que el mismo Reimi nos ofreció en 1987 otra versión, con más medios, disfrazada de secuela como Terroríficamente muertos (Evil Dead II)?
Evil Dead fue bien acogida por el público y también por la crítica, Variety, por ejemplo, destacó la atmósfera lograda por el director y elogió el trabajo de cámara. Y Stephen King se refirió a ella como «la película de terror más original del año», cosa que en su día ayudó a lanzarla todavía más. Sin duda son muchos los aspectos destacables en ella, pero no es el menor la suma de comicidad que se unía a las violentas imágenes, eso se convirtió en sello de fábrica de la saga que arrancó con ella. Si hay que ponerle algún pero al trailer del anunciado remake es que no permite colegir en él esas muestras de humor, quizás sea pronto para decirlo de todas maneras, y desde luego este anticipo la hace ver apetitosa.
Diario de Serendipia en Sitges 2012 (Primera parte)
La edición del festival de este año se anunciaba con el leiv motiv temático del fín del mundo, el acabose y el desmorone de la civilización. Y sí, en alguna de las largas jornadas del mismo tendríamos esa sensación ante el agotamiento pero… no llegó la sangre al río. Demos pués un escueto repaso de lo que para nosotros dió de sí este festival al que llegamos el miércoles, día antes de que todo empezara, una jornada en la que la zona de L’Auditori nos ofrecía un espectáculo muy diferente al de los días que estaban por venir. Todo eran preparativos y los únicos seres vivos que deambulaban por las cercanías eran los operarios y el personal del Melià: Ni camisetas de monstruos, ni bar, ni carreras y procesiones hacia el pueblo. Ni una palabra ni comentario sobre tal o cual película. Silencio. ¡Cuanto cambiaría todo en un solo día!
Hasta en los escaparates de las tiendas de Sitges se respira el Festival
JUEVES DÍA 4
El nuevo sistema de pases de prensa (del que ya hablaremos más adelante), hizo que las entradas que requerían ticket hubieran sido seleccionadas el día antes mediante internet. Así que tras la pertinente acreditación, comenzamos nuestra particular orgía cinéfila con el film que inauguraba el festival, El cuerpo, una producción española lanzada a bombo y platillo que cuenta con los populares nombres de Belén Rueda, Hugo Silva y José Coronado en su reparto. El filme, ópera prima de Oriol Paulo, un director ya batallado en televisión y con algún corto en su haber, además de guiones como el de Los ojos de Julia (a medias con su director Guillem Morales) y el de este El cuerpo, es un engañoso thriller de misterio firmemente rodado pero no redondo del todo en su resolución. Buenos momentos, otros no tanto, y la constancia de la magnífica madurez de una Belén Rueda que, para variar, no hace el frágil papel de siempre, así como un cambio de registro (y de peinado) de José Coronado como torturado inspector de policía.
Durante esa jornada pudimos fotografiar a los siempre variopintos integrantes del jurado de la sección oficial del Festival: Nacho Cerdà, un director al que todos conocemos y apreciamos por cortos como Aftermath (1994) y su largometraje Los abandonados (2006); Judith Colell, también directora y Vicepresidenta de la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas de España; la actriz Denise Crosby; William Lustig, director de, sobre todo, Maniac (1980) uno de los films más insanos y violentos de los ochenta (y eso es mucho decir) y gran presencia del Festival. A estos cuatro se les sumó posteriormente Lamberto Bava, una incorporación que formará parte de la muy especial representación que tendrá Italia en este certamen. Algo a celebrar por los fans del terror transalpino, que somos legión.
El jurado de la sección oficial del Festival 2012 al completo
Continuando con las proyecciones del día, en nuestra particular selección hay espacio para todo, así no iba a ser menos el terror oriental, por lo que pisamos por primera vez El Retiro para ver la coreana Horror Stories, un film de episodios dirigido por seis directores que como tal tiene sus más y sus menos, pero que mantiene un buen nivel. Una perversa versión de las mil y una noches en la que un psicópata secuestra a una joven, que se convierte en su particular Sherezade y que tendrá que explicarle historias de terror para evitar ser asesinada. Lamentablemente The Butterfly Room de Jonathan Zarantonello, otra de nuestras seleccionadas, quedó pisada por el pase matinal de El cuerpo. Afortunadamente el film coreano consiguió arreglarnos un poco la jornada.
Ese día también pudimos echar un vistazo a un maratón centrado en films con el denominador común de estar rodados con la ya cansina técnica Found Footage, o lo que es lo mismo, cámara en mano con ajetreados diálogos como «corre, corre», «que miedo», «está todo muy oscuro», «what a fuck» y «¿que diablos está pasando?». De las tres películas que se proyectaron pueden leer un artículo pormenorizado en este enlace, ya que nosotros nos vamos a dormir para prepararnos para el…
VIERNES DÍA 5
La segunda jornada la iniciamos con otro film español, Insensibles, de Juan Carlos Medina, otro debutante en el mundo del largometraje. Realmente es importante remarcar y valorar el que se apoye a nuevos valores en el mundo del cine. Insensibles es un atípico film, más arriesgado que el que vimos el día anterior y para nosotros, mucho más interesante. Mutantes en la España de la guerra civil y un inquietante personaje, Berkano (Tómas Lemarquis), que resulta de lo más inolvidable y marciano.
Llegó el momento de Holy Motors, el por muchos muy esperado retorno a la dirección de Léos Carax . Calificada entre otras lindezas como uno de los monumentos cinematográficos del año, su visión, así como su aplastante victoria en el palmarés del festival, fue en general muy celebrada (me fue imposible encontrar una voz contraria), incluso por la parte inteligente de Serendipia. Yo por mi parte salí de la sala a mitad de película. Eso sí, muy valorable la camaleónica interpretación de su protagonista Denis Labant, que consigue un auténtico tour de force interpetativo, así como la presencia de Michel Piccoli o Edith Scob y, por otros motivos, Eva Mendes y Kilye Minogue. Aquí pueden leer con más conocimiento de causa sobre el film de Carax.
Un momento de la presentación y rueda de prensa de algunos de los directores de cortos a competición
Siempre hay espacio para la animación en el Festival de Sitges y en nuestro itinerario personal, pero por retraso en la programación nos fue imposible ver la interesante Magazine des Suicides (Patrice Leconte), pero no por ello perdimos el tiempo, ya que pudimos ir a la rueda de prensa que ofrecieron varios de los directores de los cortometrajes de la sección oficial a competición. Entre ellos José Luis Alemán, que tras el díptico La herencia Valdemar / La sombra prohibida (2010), presentaba el corto Hotel, así como Ángel Gómez Hernández con su western terrorífico Y la muerte lo seguía y Miguel Ángel Font Bisier con Llagas, cuyo guión ha contado con la colaboración de Paco Plaza. En general un ramillete internacional de directores que mostraban visiblemente la alegría de haber llegado a participar en este importante certamen. Además, Ángel Gómez Hernández, junto a su padre el escritor Ángel Gómez Rivero traían bajo el brazo un muy interesante libro, Lágrimas de papel, obra escrita al alimón de la que ya les hablaremos más detenidamente y que tiene un alto interés para los seguidores de Paul Naschy.
John Dies at the End, del recordado Don Coscarelli, resultó ser un film lisérgico, gamberro y divertido cuyos chistes fueron bastante celebrados por el respetable. Basada en un serial escrito y difundido por David Wong en su web Cracked (y posteriormente editado como libro) narra las desventuras vividas por él y su amigo John (que ya sabemos como terminará), consumidores de una droga que les permite ver eventos futuros, además de poder detectar una serie de monstruos que viven entre nosotros.
Don Coscarelli recibiendo La Máquina del Tiempo de la mano de Ángel Sala, director del festival.
Con posterioridad al pase, Don Coscarelli ofreció una rueda de prensa donde contó que conoció la obra John Dies at the End por medio de Amazon, donde compra habitualmente novelas sobre zombies. El programa de Amazon le recomendó el libro de Wong, que se animó a pedir atraído por sus aspectos metafísicos. También fueron inevitables las preguntas sobre su film de culto Phantasm (1979) y su posible nueva entrega. Aunque todos los actores están bastante mayores, no descartó que, visto el interés por la saga, se ponga manos a la obra con una quinta entrega. El director, que se animó a venir a Sitges por recomendación de Eli Roth, recibió La Máquina del Tiempo como premio a su carrera.
SABADO DIA 6
El equipo de Aftershock: Eli Roth, Natasha Yarovenko y su director Nicolás López.
Aftershock, el film dirigido por el chileno Nicolás López con la colaboración en el guión, producción e incluso interpretación de Eli Roth no contentó a todo el mundo. Provocó iras en varios e indiferencia en muchos pero, como este es un mundo de contrastes, al que escribe esto le gustó e incluso le hizo salir del cine con los nervios a flor de piel contagiados desde la pantalla. Naturalmente no es un film transcendental (para eso hubo otros muchos títulos) y se trata solo de entretenimiento puro y duro con un principio en la linea de Hostel del propio Roth mezclado con Resacón en las Vegas. Ya pueden imaginarse, un gringo medio tonto (Roth) de vacaciones y despiporre en Chile con unos amigos de allí al que el país, textualmente, se le cae encima a causa de un terremoto. Gore generoso y gracioso, algunos momentos muy serios, bellas actrices, buenos efectos y un entretenimiento total que, repito, no agradó a muchos.
Tras el pase pudimos ver al propio Eli Roth, que zafado tras unas delatoras gafas negras llegó tarde al Photocall y que, con indiferencia, nos garabateó algo parecido a un autógrafo en un cartel que le traía preparado de su Hostel. Luego pude comprobar que esa es, efectivamente, su firma. Por su parte el director resultó mucho más amigable, así como la despampanante actriz ucraniana afincada en Barcelona Natasha Yarovenko, que te desarmaba con su sonrisa y que ha actuado en películas como Habitación en Roma (2010, Julio Medem) o en El Capitán Trueno y el Santo Grial (2011, Antonio Hernández) donde era Sigrid.
Natasha Yarovenko sonríe para nuestra cámara
Por la tarde tocó hacer una larga cola bajo un sol abrasador para ver la recordada Phantasma (1979) film de culto de Don Coscarelli que él mismo presentó y al que lamentablemente el tiempo no ha tratado demasiado bien, aunque algunos logros visuales y de ambientación siguen siendo insuperables. Quizás también influyó en ello el lamentable estado de la copia, descolorida y virada al rosa como esas viejas fotos de convites y comuniones que todos ustedes tienen, al menos los de más edad.
Pese a todo ello, un rato agradable que se tornó aún más cuando fuimos al encuentro de la legendaria Barbara Steele.
Si el año anterior la actriz no pudo acudir al festival, dejándonos a todos con las ganas, en esta ocasión si fue posible. Además de recibir una Máquina del tiempo por parte del festival, presentó su último film de terror, The Butterfly Room (2012,
Barbara Steele… ¡Grande!
Jonathan Zarantonello), en el que comparte reparto con otras grandes damas del cine de terror como Camille Keaton (I Spit on your Grave, 1978 Meir Zarchi) o Heather Langenkamp (Nightmare on Elm Street, 1984 Wes Craven), entre otras. Barbara Steele ofreció un informal encuentro con sus fans en el que habló sobre su carrera y contestó a las preguntas que se le hicieron. Explicó que se convirtió en mito del terror de forma circunstancial y que el ser etiquetada como tal le resultó a la vez bonito y trágico. Naturalmente habló de los rodajes en Italia, época favorita de su carrera y país al que declaró su incondicional amor. Especialmente disertó sobre Mario Bava, de cuyos rodajes explicó que el equipo era como una loca familia. Resaltó el gran contraste que conseguía el director entre el blanco y negro en La máscara del demonio (1960), que daba como resultado una visión muy íntima y mágica a la ambientación. En contraste, para ella los rodajes de ahora son más acelerados, y aunque los films eran modestos, se cuidaba todo mucho y las actrices lucían unos vestidos maravillosos, aunque resaltó divertida que a ella la vestían casi siempre como a una monja.
Rememoró sus inicios. Cuando dejó Inglaterra al ser contratada en Estados Unidos por la Fox. Odiaba profundamente todo lo que significaba Hollywood y el viaje fue muy largo. Una vez allí fue recibida en el aeropuerto por personal del estudio que portaba una pantera negra, que formaba parte de la campaña promocional con el que pensaban hacer su lanzamiento. Pero no tardaron en cambiar de parecer respecto a su aspecto, ya que hicieron que tiñera su pelo de rubio. Pronto la emparejaron con Elvis en un western, Flaming Star (1960, Don Siegel). Según Bárbara, el actor y cantante se pasó los tiempos muertos del rodaje partiendo rocas con golpes de karate. En una escena en la que el personaje que interpretaba Barbara Steele se suponía que cabalgaba durante 200 kilómetros, decidió ensuciarse la ropa para dar más verosimilitud a su actuación y no aparecer inmaculada tras semejante cabalgata por el desierto, pero esto enfureció al director Don Siegel y terminaron discutiendo. Esa misma noche Barbara Steele cuenta que marchó para Nueva York sin decírselo a nadie. Poco después recibió una llamada del director diciéndole que nunca más volvería a trabajar en Hollywood. A lo que la gran dama contestó que le daba lo mismo, siendo reemplazada por Barbara Eden.
¡Conseguido!
Finalmente también tuvo palabras hacia el Festival, al que ya había acudido en 1995 como jurado. Lo recordaba entonces como más modesto y actualmente lo veía grandioso. En aquella ocasión reconoce que cometió el error de traer con ella a un amigo que se emborrachaba continuamente y que en ese estado decía a todos que era el presidente de la Paramount. Tras una pelea en el pueblo, se perdió su rastro, apareciendo tres dias después en un pequeño hospital a varios kilómetros de Sitges rodeado de vacas y monjas. Una velada deliciosa que tuvimos que abandonar antes de tiempo, quedándonos sin preguntarle por otros actores ilustres con los que ha rodado como Boris Karloff o Vincent Price pero, teníamos una cita con Maniac.
Este remake personalmente daba algo de grima, ya que uno tiene la original de Lustig entre sus preferidas, como ocurría con gran parte del público que acudió a verla. Además, el hecho de que Elijah Wood interpretase el personaje que inmortalizó Joe Spinell pues… como que así de entrada no colaba. Afortunadamente hubo que admitir que esta nueva versión de Maniac, de la que ya les hablaremos con más calma, es una propuesta valiente que no evita el gore más descarnado de su modelo, es narrativamente innovadora (aunque eso de rodar con cámara subjetiva no es nuevo, ni mucho menos) y que Elijah termina siendo convincente en su papel. No en vano, entre su larga caterva de productores están el mismo William Lustig y Alexandre Aja , que también aporta su granito de arena como guionista. Por cierto, Elijah, que presentó el film junto a su director Frank Khalfoun y el mismo Lustig, tuvo que pasar huidizamente por el festival ante la avalancha de público que deseaba inmortalizarse con él o conseguir su autógrafo. También anunció que ha fundado una productora que se especializará en cine de terror, lo que no deja de ser una buena noticia si los productos en cartera son de la categoría de este Maniac, respetuoso con su original, pero a la vez innovador y, repito, valiente en su vertiente violenta y gore, tanto que no sé si será fácil su estreno en nuestras remilgadas salas. Veremos…
Pero el día dio para más con otras películas de las que les hablamos con más detenimiento en sus respectivos artículos: la muy interesante Compliance (2012, Craig Zobel) y la ingeniosa, aunque quizás excesiva en su tramo final, Iron Sky (2012, Timo Buorensola). Lamentablemente no pudimos obtener tickets para ver American Mary (2012, Jen y Sylvia Soska), ya que se agotaron en el segundo uno (y no exagero), pero afortunadamente nos esperaba una cena bastarda en la que dimos buena cuenta de varios pollos, botellas de vino y no mucho más, ya que al día siguiente había que madrugar de nuevo.
DOMINGO DIA 7
Tras la ajetreada jornada anterior, la agenda de Serendipia era más magra en propuestas, pero no en cuanto platos fuertes. Lo Imposible, el nuevo trabajo de Juan Antonio Bayona, es un auténtico tsunami lagrimógeno que encantará a todas nuestras madres. De impecable ritmo y factura, uno estaba seguro tras el pase de que devoraría las taquillas españolas, aunque quizás no tanto como lo ha hecho. Hay que felicitar pues al señor Bayona por este gran éxito, por su película y también por sus aciertos de casting encabezados por una correcta Naomi Watts y, sobre todo por Tom Holland, un pequeño gran actor casi debutante pero admirablemente convincente en su duro papel. Tras el éxito comercial vendrán los merecidos galardones, con los Goya en cabeza y, ¿quien sabe si el tío Oscar?
O Apóstolo, la película de animación de Fernando Cortizo de la que ya les hablamos en este artículo, era una de las citas ineludibles de Serendipia, ya que representa, junto con algunos guiños en un par de cintas, la cita Naschyana del festival. Repleta de mitos y leyendas gallegas y de una sorprendente animación stop-motion, quizás no llegó a convencer a todo el mundo, aunque su magia y humor (especialmente remarcable en el personaje que interpreta Paul Naschy) nos llegó. Esperemos que tenga buenos resultados en su distribución en salas que comenzará en una fecha tan especial como es el 30 de octubre. Por cierto, Jack Taylor, otra figura capital para los fans del Fantaterror, se paseó esos dias por Sitges para presentar Wax de Víctor Matellano, su primer largometraje de ficción. Autor de varios libros, entre ellos dos sobre el terror español que supongo figurarán en sus surtidas bibliotecas: Spanish Horror y Spanish Exploitation. Wax también cuenta, además de con la presencia de Jack Taylor, con la de Caroline Munro, Geraldine Chaplin y (por medio de la magia de los efectos especiales) con una aparición póstuma de Paul Naschy.
El director Fernando Cortizo con dos de las figuras de O Apóstolo bajo el brazo: Don Cesáreo (Xosé Manuel Olveira) y el Arcipreste (Paul Naschy)
También se proyectó el documental Contra el tiempo, del también escritor José Manuel Serrano Cueto. El film reúne un compendio de entrevistas a figuras clave del cine de género, que si bien forman parte del pedestal de cualquier amante del Fantaterror o el Euro Western, están un tanto olvidadas por el cine español «oficial». Antonio Mayans, Mabel Escaño, Ricardo Palacios, Aldo Sambrell o Lone Fleming, entre muchos otros, comparten sus valiosos recuerdos y experiencias. Para presentar el film, se contó, además de con la presencia del director, con la de la encantadora Lone Fleming, que vino acompañada de su marido el director Eugenio Martín. Decir de Lone que es encantadora es quedarse corto: es un auténtico tesoro. Ya no únicamente por sus hechizadores ojos, también por la gran simpatía y cariño que derrochó con todos.
Otro de los platos fuertes del festival fue la celebrada The Cabin in the Woods (2011, Drew Goddard), un ingenioso juego de muñecas rusas que termina siendo mucho más que lo que aparenta en principio. Repleta de referencias y guiños cinéfilos (incluída Sigourney Weaver) y unos memorables y cínicos villanos con alma de broker bursátil (vamos, todos unos hijosdeputa), es una película inteligente, divertida y además de terror. De haber estado en competición, quizás habría hecho temblar ligeramente a Holy Motors de su pedestal. Pero vamos, es una suposición…
(Continuará)
Todas las fotos: Serendipia
Dos grandes: Lamberto Bava y William Lustig (foto: Serendipia)
Sitges 2012: Antiviral & Chained dos películas con apellidos ilustres
Fotos: Sitges Film Festival
Brandon Cronemberg respondía en la rueda de prensa en el Festival de Sitges que David Cronemberg no es su padre, ocurrencia que no fue bien recibida por todos. Lo cierto es que en su debut es inevitable encontrarle influencias de su progenitor puesto que Antiviral entronca con la nueva carne en la que tanto ahondó Cronemberg padre. La película nos sitúa en un futuro no muy lejano (e incluso bastante verosímil) en el que las industrias farmacéuticas comercian con virus incubados por los famosos para que sus fans puedan inoculárselos y padecer así los mismos dolores que sus ídolos. Syd Marc (un acertadísimo Caleb Landry Jones), trabaja para una de esas compañías y trafica con virus pirateados, poco a poco se irá complicando y descubrirá toda una red de corrupción.
Impecable en su puesta en escena, retrata espaciosas estancias dominadas por la asepsia del blanco para retratar una sociedad enferma, que se regodea en lo mórbido como negocio. Llama igualmente la atención que no haya escenas de sexo, en verdad el deseo de entrar en comunión con los idealizados famosos se viabiliza igualmente a través de la enfermedad, incubar sus virus es una manera de poseerlos, de hacerlos carne de la propia carne (y por si fuera poco también se comercializan filetes de carne elaborados con las células de los admirados).
Antiviral se alzó con el premio a mejor película concedido por el jurado joven en Sitges, prueba de que se supo reconocer sus méritos. Sin embargo, en la platea se oyeron algunos silbidos empañando los aplausos, se hace extraña esa reacción ante una película que de haber estado firmada por Cronemberg padre habría sido recibida como el gran regreso al fantástico. Parece que algunos no le perdonasen la filiación al body horror quizás precisamente porque lo hace con mucho talento propio y con un ojo crítico muy certero. Ya se sabe, hay tantas opiniones como opinantes y es difícil que haya unanimidad. En cualquier caso, desde esta tribuna animamos a estar pendientes de este director que muestra buenas trazas ya desde este distópico debut.
Tampoco hubo unanimidad en la acogida a Chained, última película de Jennifer Lynch que se hizo con la mención especial del jurado y el premio a la mejor interpretación masculina para Vincent D’onofrio.
Lynch sigue dándonos buenos momentos de cine de género con este relato de uno de esos secuestros prolongados durante años que tanto nos impresionan en las noticias. Por su tono frío y realista nos recordaba en ocasiones la atmósfera de Henry, retrato de un asesino (Henry: Portrait of a Serial Killer, 1986, John McNaughton), aquí el asesino serial adopta al hijo de una de sus víctimas para entrenarlo como esclavo casero y, más tarde, como primogénito de su linaje de perversiones. Una tarde de sábado, Tim (Evan Bird) de ocho años, y su madre Sarah (Julia Ormond), serán escogidos por un demente taxista, Bob (Vincent D’onofrio) a la caza de su próxima víctima. Para su horror, Tim es testigo del asesinato de su madre. Pero no será el último. Bob mantiene a Tim como un esclavo, encerrándolo bajo llave y forzándolo a limpiar y enterrar los cuerpos de las jóvenes mujeres que lleva a casa. Ahora un adolescente, Tim (Eamon Farren) comprende que se le permitirá tener cierta libertad si él se convierte también en un asesino.
“Sentía una fascinación enorme por el personaje de un monstruo humano y de la infancia robada”, ha explicado Lynch. Así lo retrata, el personaje de D’Onofrio tiene mucho de esos ogros de los cuentos infantiles, se alimenta del niño (al que pasa a denominar rabbit) pero no literalmente como en las fábulas sino que se estimula más a sí mismo pervirtiendo a su rehén, eso es lo que hace diferente a Chained. Pueden ser brutales sus asesinatos (aunque Lynch no se regodea en los aspectos más gores) pero su malignidad se manifiesta en su máximo esplendor en su trabajo de anulación del pequeño al que condiciona en toda su voluntad. Y la cámara de Lynch se muestra precisa en su planificación, los detalles justos para hacer comprender al espectador la intensidad dramática de lo que nos plantea la película. Se le critica que haya sucumbido a la tentación de haberle buscado una explicación biográfica y psicológica al origen de la psicopatía de nuestro asesino, es cierto que le resta crudeza pero se entiende como intención de mostrar al monstruo humano en toda la polisemia del término. Igualmente se le critica el último giro que viene a explicar el secuestro, pero, sea más o menos forzado ese final, no empaña a un film crudo como pocos se tuvo ocasión de ver en Sitges.
Y no lo empaña porque el segmento central tiene la suficiente fuerza como para hacerse perdonar ese supuesto declive en el epílogo. Ahí es donde brilla, además, el buen hacer de D’onofrio, quien borda ese ser depredador por el que sentimos asco, miedo y pena. Muy merecido el premio a su actuación contenida a la par que espléndida. En suma, una pequeña gran obra la que nos ofrece Jennyfer Lynch, en ella brilla con luz propia lo que ya es un logro cuando el apellido pesa como un constante juego de comparaciones.
Segundo lanzamiento Grindhouse: Karloff, nudie y cárceles femeninas
Si hace bien poco recibimos la grata noticia del lanzamiento de unos interesantes packs por parte de T-sunami, denominados Grindhouse Collection, de cuyos primeros lanzamientos ya les hablamos aquí, tenemos el placer de ver que los dos nuevos packs son igual, o más interesantes que los anteriores. Lean sino:
PACK GRINDHOUSE VOL. 3: THE BORIS KARLOFF COLLECTION (2 DVD)
Los amantes del cine de terror más clásico satisfarán su afición con este pack, que en sus dos DVD reúne algunos filmes inéditos del mítico actor.
El Castillo de Frankenstein no es otra cosa que Frankenstein 1970 (1958, Howard W. Koch) un descerebrado film en el que Karloff pasa a ser doctor en vez de creación, con una de las peores encarnaciones de nuestro adorado monstruo que puedan verse. Un film altamente disfrutable que se complementa con dos producciones de bajo presupuesto de los años cuarenta en la que nuestro actor favorito hizo, al igual que en la anterior, el tan recurrente papel de científico loco (o no): El gorila (The Ape, 1940 William Nigh) y La venganza del ahorcado (The Man They Could No Hang, 1939 Nick Grinde ) estrenada en su momento como La horca fatal. Ambas en maravilloso blanco y negro, el pack se completa con Vudú mortal (Snake People, 1971 Juan Ibáñez y Jack Hill) una psicotrónica coproducción entre Estados Unidos y México que siempre nos hará pensar en porqué Boris Karloff no dejó el cine tras la fantástica El héroe anda suelto (Targets, Peter Bogdanovich) en 1968. Pero no, siguió rodando hasta la extenuación algunos churros, entre los que figura este Vudú Mortal que podremos disfrutar en este pack.
La calidad del producto es variable aunque en general satisfactoria. Impecable en El Castillo de Frankenstein y La venganza del ahorcado, con copias remasterizadas y ofrecidas en versión original con subtítulos en castellano. Mientras que las virtudes decaen en Vudú mortal y sobre todo en El gorila, que están en versión doblada al castellano o en inglés sin subtítulos.
PACK GRINDHOUSE VOL. 4: THE SEXPLOITATION COLLECTION (2 DVD)
Por fín se pueden ver editadas en nuestro país dos de las más alocadas comedias nudies americanas. Repletas de enormes pechos, monstruos y despiporre festivo. La Casa de los Monstruos Cachondos es la (casi) mítica The House on Bare Mountain (1962, Lee Frost), todo un despropósito al igual que La vida sexual de Frankenstein (Kiss Me Quick!, 1964 Peter Perry Jr.). Dos magníficos títulos que se complementan con dos sobresalientes muestras del más exploitation cine carcelario (ya saben, apetitosas e inocentes mujeres a merced de compañeras y funcionarias lesbianas en las más libertinas cárceles que se pueda pensar). La carcel caliente (Caged Heat, 1974), es uno de los títulos bandera del subgénero y está dirigida por Jonathan Demme bajo producción de Roger Corman ¿Les parece poco? Pues sepan que entre sus protagonistas figura una Barbara Steele en horas bajas cuya mirada seguro sembrará el terror entre las internas y entre ustedes, que seguro que también se han portado mal y merecen un severo castigo.
Finalmente para terminar de redondear el pack tenemos Violencencia en una cárcel de Mujeres (Caged Woman, 1982), una coproducción italo-francesa con dirección de Bruno Mattei, ese director que tantas alegrías nos dió durante los años ochenta, especialmente con Apocalipsis caníbal (1980). Una barrabasada que incluye en su reparto a nuestra querida Emanuelle, Laura Gemser.
En cuanto a la calidad, es bastante alta. Por un lado los dos nudies se ven como nunca antes los había visto. Magníficos colores y versión original con subtítulos, lo que hace que ya puedan tirar al barranco las viejas VHS de Something Weird video (que a pesar de su encomiable labor se veían fatal). En cuanto a los dos dramas carcelarios están remasterizados aunque, eso sí, doblados al castellano o, en el caso de la de Demme, con audio también en inglés pero sin subtítulos.
En general ambos productos están bastante cuidados así que ¿Que más puede pedirse? Pues un buen precio, y sepan que cada pack cuesta 16,95 euros solamente.
Así que corran a su proveedor habitual ya que están disponibles desde el día 15 de octubre.
Sitges 2012: la reina del palmarés, Holy Motors
Un año más el Festival de Sitges ha tocado a su fin. Atrás quedan las carreras para llegar a las colas en buen lugar, las risas, las cervezas, los comentarios y horas y horas de buen cine. Y como cada año la culminación ha venido con el anuncio del palmarés que este año ha tenido una novia indiscutible, la francesa Holy Motors que se alzaba con cuatro de los principales galardones: Méliès de Plata; Premio de la crítica; Mejor director para Leos Carax y mejor película. Amada y odiada por la crítica tras su paso por Cannes, en Sitges se convirtió en la película del festival, con permiso de The cabin in the wood (2012, Drew Goddard) que no concurría a la sección oficial. No es una película fácil, y aunque está llena de fantasía, no es una película de género, que haya resultado ser la ganadora indiscutible habla bien de la salud del fandom como colectivo que no se deja encasillar por sus gustos y que muestra ser apto para ejercicios de cinefilia de los que algunos le creen incapaz.
Jurado de la sección oficial en esta 45 edición (Foto: Serendipia)
Leos Carax no dirigía un largo desde 1999, llevaba trece años casi apartado del cine, y ya antes se había tomado una pausa considerable entre Les amants du Pont Neuf (1991) y Pola X (1999) (concretamente ocho años), sigue siendo a sus más de cincuenta años el mismo enfant terrible que fue en sus inicios. Carax ha despertado desde siempre amores y odios irreconciliables, en 1999 se decía: «A Carax no se le puede ne-gar -pese a su inclinación al manierismo y el jugueteo audiovisual- talento, pero tampoco hay que escatimarle la petulancia, con frecuencia algo idiota, de los que se sienten genios incomprendidos, con el añadido de que en el arte la verdadera genialidad tiende casi siempre a la humildad como sombra inseparable y perturbadora» (fuente El País), duras palabras, sin duda. Para otros en cambio el francés se convirtió en director de culto, por lo breve y extravagante de su carrera, y ese aura impregna su última película, todo un ejercicio descarnado de reflexión sobre la vida y el cine que transpira pesimismo y voluntad a partes iguales.
A Holy motors se la califica de película de culto inmediato, se la podría tildar igualmente de obra personalísima no apta para todos los públicos, pero a nosotros todos esos calificativos se nos antojan huecos. Esos epítetos suelen esconder el extravío del crítico ante una obra difícil de juzgar, ante una obra como esta que dinamita todas las estructuras clásicas de la narración; no hay inicio ni desenlace sino que la película se mantiene en un prolongado nudo que deja sin resolver el conflicto, porque el conflicto es la vida misma y nuestra posición en el mundo. Durante las casi dos horas de proyección acompañamos a Óscar (Denis Lavant) en su viaje en limusina, conducida por la fiel Celine (Edith Scob), durante el que cumplirá con varias citas en las que adoptará diferentes personalidades, desde magnate de la banca a barriobajero asesino, pasando por padre de clase media, citas pues que funcionan casi como episodios separados engarzados por la línea común de ese viaje por la representación. Al espectador virgen, aquel que llega sin referencias sobre el film, le causará extrañeza porque, aunque nunca nada es real en la ficción al contemplarla nos esforzamos por crear la línea de la verdad en el relato, línea que normalmente es ocupada por la trama principal, jugamos a trazarle un perfil único al protagonista, a buscarle una lógica al relato incluyendo, si es necesario, episodios ficticios que se discernirían de la trama «real». Pero en Holy Motors no se da esa realidad de la ficción, como en un texto de Pirandello, la única tierra firme es la representación dentro de la representación, y su sentido no tiene excusa argumental. Así el filme se convierte en metáfora de la propia vida en la que todos vivimos sin guión.
Desde un sentir nihilista, Carax nos enfrenta en su última obra a la vida como representación. «Unos mueren y otros siguen viviendo» se nos dice en un momento del film, verdad perogrullesca que, sin embargo, pocos serán quienes la perciban en toda su crudeza. Para captar la tragedia que esconde esa afirmación tan simple es necesario haber demolido todos los filtros con los que nos enfrentamos al día a día, vivir desnudos ante la conciencia cárnica de la muerte, hay que haber percibido la fuga constante del tiempo como un fluir continuo e inapelable hacia la agonía del individuo y la continuidad de la existencia que no se compromete con ningún sujeto. Estamos aquí como actores de un guión no escrito, nuestro actuar es un representar sin cámaras ni público. Lo humano viaja sin repetición, no hay retorno a ninguna Ítaca, igual que Óscar en su limusina se desplaza de una actuación a otra sin solución de continuidad. Y en medio de esta fuga, los hombres modernos ya no quieren ver la verdad, ya no se comprometen con la acción, banales como el signo de los tiempos prefieren desprenderse de su responsabilidad con los motores de la historia, así lo concluye Carax en el epílogo dejándonos con un regusto amargo cuando se encienden de nuevo las luces de la platea.
Y no puede haber reflexión sobre la vida sino la hay también sobre el arte. Holy Motors es también un ejercicio de metacine. Ahí están las citas a Franju y a Renè Clair, pero ahí está sobre todo la pregunta por el sentido de seguir haciendo cine. Carax, a través del actor como alter ego, se manifiesta cansado ante un arte que ha perdido su poética, arrastrado hacia lo digital que lo vuelve todo más simple y superficial. Pero, con todo, no quiere tirar la toalla porque sigue importando crear belleza. Ahora bien, la belleza de la obra se completa en el espectador que la contempla, ¿podrá mantenerse en una sociedad en la que la mirada cada vez está menos educada? Con su arrolladora fuerza visual Holy Motors nos deja con la pregunta como problema.
Holy Motors funciona pues a varios niveles, como canto, como reflexión, como interrogante, pero lo que nos acompañará siempre de ella es su poderío visual, porque no deja resolverse en el plano conceptual. Lo que más cuenta es el anonadamiento estético en el que nos sume y esa sensación de dulce tristeza que era comentario general a la salida del cine. Podrá decidirse que es un tipo de cine que no nos interesa, e incluso abandonar la proyección, pero nadie podrá negarle nunca su carácter de sinfonía de imágenes inquietantes. Difícil de catalogar, nos atrapará o nos provocará rechazo, pero a nadie le va a dejar indiferente este ejercicio cinético y el reto actoral que presupone. Para gozarla u odiarla, no admite término medio.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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