Sitges 2016 ofrecerá ‘Herederos de la Bestia’ el esperado documental de Diego López y David Pizarro
|
||||||
|
TerrorMolins 2016 ofrecerá Gueopic, sesión de cortos infantiles solidarios
Después del éxito del año pasado, el Festival de Cine de Terror de Molins de Rei vuelve a repetir sesión infantil de cortos y la transforma en una sesión solidaria, ya que servirá para recoger fondos para la asociación sin ánimo de lucro Gueopic que trabaja para las persones con autismo y problemas comunicativos.
La sesión se realizará en el teatro de La Peni el sábado 12 de noviembre a las 16.30h.
Karl Freund, Zita Johann y las imágenes cortadas de ‘La momia’ (1932)
Director: Karl Freund. Producción: Carl Laemmle Jr. Guión: Nina Wilcox Putnam, Richard Schayer y John L. Balderston. Fotografía: Charles J. Stumar. Montaje: Milton Carruth. Música: James Dietrich (sin acreditar). Efectos especiales: John P. Fulton. Maquillaje: Jack P. Pierce (sin acreditar).
Reparto: Boris Karloff, Zita Johann, David Manners, Arthur Byron, Edward Van Sloan, Bramwell Fletcher, Noble Johnson, Kathryn Byron, Leonard Mudie, James Crane.
ARGUMENTO: El sumo sacerdote de Karnak, Im-Ho-Tep (Boris Karloff) es condenado a ser momificado en vida por el sacrilegio de pretender resucitar a su amada princesa Anck-es-en-Amon (Zita Johann) con el pergamino de Thoth. En 1921 su tumba es hallada por una expedición del Museo Británico y su momia resucita al ser leído el pergamino, que se lleva consigo. Once años después un misterioso egipcio, Ardath Bey, da la pista a una nueva expedición para que descubran la tumba de Anck-es-en-Amon. Bey resulta ser Im-Ho-Tep, que encontrará a la reencarnación actual de la princesa y querrá convertirla en inmortal como él, pero sus planes serán frustrados por el Dr. Muller (Edwar Van Sloan) y Frank Whemple (David Manners)
La momia es ante todo una historia de amor. Una fantasía romántica que trasciende el tiempo y el espacio. Hay quien ve ciertas similitudes con el Drácula de Tod Browning que un año antes inauguró el ciclo terrorífico de Universal, al que se adscribe también este título. Con Drácula no solo comparte un par de actores, sino que también estos realizan el mismo papel que en aquella: Edward Van Sloan se enfrenta al vampiro como el Dr. Van Helsing, mientras que aquí, como el Dr. Muller, luchará contra Im-Ho-Tep. Por su parte David Manners encarna en ambos títulos al insulso galán de turno que terminará arrebatando la chica a su fascinante rival, que en ambos casos habrá caído bajo el hipnótico influjo de la parte oscura.
Rodada por Karl Freund, el hombre detrás de la cámara en míticos títulos como Metrópolis (1927 Fritz Lang) o El último (Der Letzte Mann, 1924 F. W. Murnau), en esta ocasión toma la batuta y dirige su primer film americano. Lamentablemente alguien decidió aligerar metraje, así que quizás una de las partes más fascinantes del film se quedó en el suelo de la sala de montaje, quedando perdida para siempre y únicamente dejando como testigo de su existencia unas pocas fotos y el testimonio de la actriz que la protagonizó, Zita Johann. Ese metraje sigue al momento en el que Ardath Bey le muestra a la reencarnación de su querida princesa Anck-es-en-Amon el acto de amor que hizo que le condenaran a ser momificado en vida: el intentar resucitarla leyendo el pergamino de Thoth con el que Isis devolvió la vida a Osiris. A continuación Karl Freud rodó tres escenas, que
Todo parece marchar bien entre Freud y Zita Johann
son las que se han perdido, que mostraban la muerte trágica de la princesa en tres reencarnaciones sucesivas: en la edad media; suicidándose como princesa sajona ante la invasión de una horda de bárbaros; y como cristiana devorada por los leones en Roma. Unos finales tan trágicos como la relación que tuvo Zita Johann con Karl Freund. Zita, actriz teatral de origen húngaro que no guardaba especial cariño por el mundo del cine y que tenía un gran carácter, era amiga de decir las cosas claras y no se llevó en ningún momento bien con Freud, que no dudó en torturarla hasta el límite, situación que llegó a causarle incluso desmayos durante el rodaje. Todo culminó con la escena de Roma, que, según contó la actriz al historiador cinematográfico y escritor Greg Mank, se rodó con el equipo y el director protegidos tras los barrotes de una jaula mientras que ella tuvo que caminar entre unos leones que, afortunadamente, no se interesaron por la actriz. Con esa escena finalizó el rodaje de La momia, momento en el que la actriz aprovechó para comunicar personalmente al mandamás de Universal, Carl Laemmle Jr., que rechazaba la opción de seguir contratada con el estudio.
Tres años después dejó el mundo del cine.
LAS IMÁGENES PERDIDAS
Suicidándose como princesa sajona ante la mirada de los bárbaros…
Como dama medieval, antes de ser ejecutada…
… y en estas dos imágenes, como cristiana antes de ser echada a los leones como merienda. Estas son las únicas imágenes que se conocen, pues no se ha encontrado (de momento, que uno es hombre de fe) metraje.
El dia que King Kong llegó a España
Sí, Kong llegó y bastante puntual, por cierto. Pero no piensen que el gran mono lo tuvo fácil cuando desembarcó en nuestro país Aquí hubo opiniones de todo tipo y la crítica no se lo puso del todo fácil al enamoradizo primate. Y eso que la situación en España entonces, al igual que ahora, no estaba para echar cohetes y lo que hacía falta era eso, puro entretenimiento. Pero bueno, el respetable sí que parece que se rindió al gran Kong, La 8ª maravilla del mundo, ya desde su desembarco en el madrileño cine Avenida de Madrid el 9 de octubre de 1933 (siete meses más tarde que en USA) y después, el 20 de noviembre en el Tivoli de Barcelona. Y no crean que destaco estas dos plazas por sectarismo, sencillamente lo hago por tratarse de los dos lugares de los que he podido recabar información.
Programa de cine español (gran formato troquelado)
La llegada de Kong, al igual que sucedió en todo el mundo, fue anunciada en España con bastante antelación al estreno. En un artículo acertadamente titulado “Una extraña película” publicado en La Vanguardia del 13 de diciembre de 1932 se hablaba del rodaje, casi secreto, de King-Kong en los estudios RKO. Se aseguraba que se trataría de una película que daría ocasión de presenciar trucos técnicos y efectos fotográficos jamás vistos en el cine, y se aprovechaba para narrar detalladamente el argumento del film. Se desbarataba la historia, si, pero no solo eso ya que, a pesar de que el autor indicaba que: “Nadie conoce aún cómo es ni como aparecerá ‘Kong’ sobre la pantalla. Cada uno lo imagina a su manera, y en ello está uno de los grandes secretos que mantienen la curiosidad popular en torno a esta producción extraña…”[1]. No le tembló el pulso cuando en un momento de la narración describía a Kong como “una especie intermedia entre el hombre y el mono, de una estatura no menor a siete metros, de una fuerza y una agilidad de acuerdo a su tamaño”[2].
Un mes antes del estreno se publicaron más notas en la prensa española, en este caso provenientes de la prensa argentina, en cuyo diario, La Razón, se alabó la impresionante factura técnica de la producción, aderezando el texto con unas gotas un tanto políticamente incorrectas. Pongan acento porteño y lean un extracto de la reseña:
“Reviviendo la fábula de «La bella y la bestia», los directores de «King Kong» aprovecharon la idea para convertirla en una cinta de grandes vuelos. «King Kong», el monstruo gorila que había desafiado los siglos, soberano absoluto en su milenario reinado, vencedor de épicas luchas con otros seres prehistóricos no menos gigantescos y feroces que él, es derrotado por una delicada mujercita. Juguete en sus descomunales garras. «King Kong» no había visto en su prodigiosa vida más que las negras hijas de la tribu, que compartían con él la existencia en la fantástica isla. La expedición de los hombres blancos, los primeros de esta raza que hollaron aquel reino desconocido, trajo la única arma que podía vencer definitivamente al monstruoso animal, una mujer rubia y blanca, encarnada por la gentil Fay Wray. Fascinado por aquella visión, siente brotar en su pecho gigantesco una pasión que lo domina y lo vence. Y cuando en pleno centro civilizado, en pleno Nueva York, «King Kong» huye con la bella, las escenas más emocionantes, más audaces, de más atrevida técnica se suceden colocando a esta cinta en una situación tan elevada que dudamos que durante mucho tiempo la cinematografía pueda producir una obra mecánica comparable con «King Kong»”[3].
Suena adorable eso de “obra mecánica” ¿no les parece?
Programa de mano español gran formato
Ya con el inminente estreno del film en Madrid, se realizó un pase privado que despertó gran entusiasmo entre los asistentes:
“Hace unos días, en la sala de pruebas que posee la casa S. I. C. E., distribuidores en España del material R. K. O., ha sido pasada de prueba a varios empresarios la producción «King-Kong». Cuantos han asistido a dicho acto comentan favorablemente los muchos valores que contiene esta cinta, y han declarado que es una de las películas más excepcionales que se presentarán durante esta temperada. La técnica que ha sido preciso desarrollar en este film, para la reconstrucción de los monstruos antediluvianos, es de un perfeccionamiento que asombra, y su acción dinámica, repleta de una emoción difícil de igualar, tiene en suspenso el ánimo del espectador hasta la última escena, en la que el enorme gorila destruye a uno de los aeroplanos que han salido en su persecución, resulta de un efecto tan fantástico que bastaría ella sola para catalogar a esta película como una de las producciones más grandes que ha realizado el cinematógrafo”[4].
El ambiente estaba perfectamente caldeado y preparado para la llegada del gran Kong. A la información que la prensa diaria dedicó a la película se sumó la de las numerosas revistas sobre cine que se publicaban en la España de la época. Pero nada daba una idea de las colosales proporciones de la película que se avecinaba.
Poco después se produjo el estreno en Madrid, tal y como hemos mencionado, el día 9 de octubre de 1933, despertando elogios inmediatos:
“(…) La Radio Pictures nos presenta una nueva modalidad cinematográfica con la magia de la técnica mecánica puesta al servicio de una fábula impresionante y dramática que nos recuerda la encantadora obra de Jonathan Swift «Viajes de Gulliver».
(…)El viaje a la isla desconocida y misteriosa, las ceremonias de sus habitantes, la cacería para capturar a la bestia, la huida de ésta en la ciudad civilizada, sembrando el pánico y el terror por todas partes y por último su ascensión a la torre del Empire para depositar en la cornisa de su remate a la muñeca de carne y hueso que le fue arrebatada para caer en su poder de nuevo, son episodios de «King Kong» de una gran novedad artística, de una fantasía cinematográfica digna de la admiración de los entusiastas y de los profanos de la pantalla, lo mismo que de la ovación con que fue recibida por el público”[5].
Cuarenta y dos días después también la crítica y el público de Barcelona pudieron ver por si mismos el film que tanto interés estaba suscitando.
Pero provocó opiniones encontradas:
“Todo lo que ocurre aquí es sencillamente inverosímil. Lo sabemos tan de antemano que cuando ante el espectador desfilan las primeras escenas, el que se retarde la presencia de lo absurdo le sienta como una desilusión. No importa; porque lo maravilloso se prodiga tanto y tanto en «King-Kong» que la impaciencia se vuelve fácilmente en obsesión. No es nuevo jugar con animales antediluvianos—en algunas partes hemos leído «antidiluvianos»—en la pantalla (…) En «King-Kong» esos animales forman el fondo o el ambiente de un puñado de escenas de interés, en que vemos desfilar aparatosos y solemnes, una porción de reconstrucciones animales prehistóricas: desde los «tricepatops» hasta el «pterodáctylo», pasando por el impresionante «diplodocus», a los que quita intensidad emotiva la casi familiaridad con que el público se los mira.
Pero hay una novedad decisiva en «King Kong», que constituye, por cierto, el eje de la obra: es ese «King Kong», ese simio gigante o lo que sea, digno de la imaginación de un Julio Verne un poco más atormentado que el de «Los hijos del capitán Grant» y, sobre todo, de la técnica americana del cinema.
(…) Todo en esta película es grandioso, imponente, y cae sobre el espectador como una pesadilla en la que la fuerza ciega de la naturaleza luchase a brazo partido con el hombre y con su civilización.
Novela editada en la época del estreno
El tema es ya de por si interesante, y no es otra cosa que esa lucha. Y la película es, de verdad, un alarde de técnica, con sus defectos graves y con sus aciertos definitivos. Hay momentos en que King-Kong nos descubre, por sus sacudidas bruscas, lo artificioso de su contextura; pero a pesar de todo, logra impresionar puesto en acción, más que por él mismo, por su significado de fuerza ciega e indomable. Hay que destacar como bien realizadas las escenas del asedio aéreo, que tienen su emoción, y, en general, a los protagonistas de la obra -Fay Wray, Robert Armstrong y Bruce Cabot—así como la sonorización, que era difícil y que aparece bien realizada.
«King Kong» es seguido por el público con un singular interés y emoción”[6].
Aunque el responsable de la crónica se muestra bastante exigente con los trucajes, en general deja más que bien una película que, dos días después, todavía hace correr ríos de tinta a más de un crítico maravillado ante lo visto en la pantalla del barcelonés cine Tivoli:
“No nos engañaba la prensa americana cuando nos aseguraba que esta temporada sería pródiga en avances cinematográficos. El film (…) es un paso de gigante en el orden de la técnica; «King Kong», es un alarde asombroso de como la técnica del cinema puesta al servicio de la fantasía, puede realizar los milagros más increíbles.
(…)Toda la riqueza escenográfica, toda la riqueza de conjuntos se ponen a contribución para la pintoresca presentación del pueblo primitivo que bastaría para ambientar una espléndida aventura cinematográfica. Pero esto no es más que un brillante prólogo. Lo insólito es la seudo reconstrucción de la vida en el planeta tal y como debió ser antes de que el hombre hiciese en él su aparición. Los bosques de plantas colosales, las lagunas sin límites, saurios y reptiles de monstruosas dimensiones y espantable aspecto aparecen ante la asombrada vista del espectador como algo alucinante…
En estos dominios vive «King Kong» el descomunal gorila, al que los salvajes del cercano poblado rinden el tributo de las más bellas mujeres. Fuera flaco servicio para el lector revelarle el desenlace de la extraordinaria aventura de la bella Fay Wray, baste decir que «King Kong» siguiendo a su adorable y leve presa, destruye el poblado de los indígenas y que más tarde en Nueva York, siembra el espanto, destruyendo coches, aviones y edificios como si fuesen para el simio gigante lo que para nosotros castillos de naipes. Al final el monstruo es vencido más que por la fuerza por la belleza. ¿Qué más podría fingir y cómo lo fingirá mejor el cinematógrafo? Hasta ahora lo que en «King Kong» crea y alienta es un milagro insuperable”[7].
Sellos promocionales SICE
Pese a no querer revelar el desenlace de la historia, el responsable de la anterior crítica casi llega a desvelarlo en su totalidad movido por el entusiasmo. Y si entusiastas fueron las críticas positivas, también lo fueron las negativas, basadas sobre todo en defectos técnicos, pero también en la supuesta falta de cierta verosimilitud para una historia que a fin de cuentas es pura fantasía. Tampoco puede evitar algún crítico, como sigue sucediendo ahora, ver este tipo de cine desde una supuesta superioridad intelectual. Sebastià Roig en su magnífica obra, Els malsons dels nostres avis (Las pesadillas de nuestros abuelos) recogió algunas de estas reseñas. Disfruten de lo caducas que han quedado en su mayor parte:
“(…) una técnica prodigiosa puesta al servicio de unos temas que, de tan refinadamente pueriles, naufragan en la extravagancia (…) Y es que todas esas aventuras fantásticas y extravagantes (…) no dan en ningún momento la sensación de realidad. Todo hace olor a estudio. La trampa se mastica constantemente. Todos esos monstruos no son otra cosa que muñecos mecánicos. Sus movimientos bruscos son como de dibujos animados mediocres. Y se adivina fácilmente que estos monstruos, como los personajes de los dibujos, se mueven gracias a la yuxtaposición de imágenes, cada una de las cuales es la fase de un gesto”.
“(…)Los espectadores cultivados no encontrarán en King Kong (…) el matiz, el detalle que se busca en una obra artística. Todos estos trucos (…) solo les harán sonreír en lugar de emocionarlos. Una película así solo puede satisfacer e impresionar a un público popular y fácil. Le auguramos mucho éxito en cines de barrio y pueblos, donde encontrará la calurosa acogida que el teatro Tivoli le niega”. [8].
“King Kong tiene, al igual que una fábula clásica, su moraleja. Es la bestia vencida por la bella. No es este el aspecto más verosímil de un film tan cargado de cosas inverosímiles La verdad, entre King Kong y Fay Wray hay una diferencia de tamaño tan enorme, que la posibilidad de darse una pasión, digamos extática, por no decir erótica, aparece como un máximo reto al más elemental sentido común”
“(…) King Kong gesticula de una manera inconfundiblemente mecánica que delata la presencia de un autómata allí donde se necesitaría una bestia para hacerlo creíble”[9].
“En King Kong se tiene la sensación de encontrarse en la entrada de un nuevo mundo cinematográfico, repleto de posibilidades, pero como en la infancia de todo nuevo mundo, imperfecto y, en cierta manera, rudimentario”[10].
“El movimiento de los monstruos y especialmente de Kong, la brusquedad de su caminar, dejar entrever claramente su construcción mecánica, y por consiguiente es muy natural que el público no pueda sentir la emoción si el truco está tan claro”[11].
Programa español gran formato.
Un crisol de críticas de todo tipo para una película que continuó circulando en salas hasta el inicio de la contienda que azotaría España y que dejaría su propio rastro de destrucción muy pocos años después. Durante esos años previos a la guerra civil, King-Kong se exhibiría como único plato, pero también compartiendo programa doble acompañada en muchos casos de otra producción R.K.O., Los gángsters del aire (Parachute Jumper, 1933 Alfred E. Green), un film de aventuras para lucimiento de Douglas Fairbanks Jr., en el que fue secundado por una ascendente Bette Davis.
Pero no había abandonado King-Kong todavía las carteleras cuando se informó que el enorme gorila tenía descendencia, tal y como pudo leerse, muy apropiadamente, en la sección «Chismorreo Hollywudense» de La Vanguardia: «¿Sabían ustedes que Kong tuvo un hijo?… ¿No?… Pues le verán en la nueva película de aventuras, «El hijo de Kong», en la que aparecerá el retoño del formidable gorila, pero en vez de Fay Wray la heroína será Helen Mack. Robert Armstrong, Frank Reicher y el «chinito», continúan interpretando los mismos papeles que iniciaron en la sensacional cinta «King Kong»»[12]
Y en enero de 1935 el albino vástago de Kong asomó su cabeza por España, aunque parece ser que sin conseguir que el público olvidara a su añorado padre, como demuestra esta crítica publicada al día siguiente de su estreno en Barcelona, en la que incluso el autor se permite descubrirnos sus conocimientos de boxeo (o de su jerga). Toda una delicia:
«El hijo de Kong» es un remedo, en menor escala, y resuelto de distinta manera, de la anterior cinta (…) La primera mitad del film no deja adivinar, por lo vacilante y vulgar, la forma que toma la acción en el resto del film, es decir, desde que ésta transcurre en la isla polinésica—made in Hollywood—donde mora «el hijo de Kong» y una serie de animales antidiluvianos, diseñados y construidos en los estudios. A partir de este momento, el film cobra un tono irónico (de no haberse hecho adrede hubiera podido ocurrir lo propio), que constituye un evidente acierto. Los monstruos se acometen con «uppercuts» y «swings» y por último un terremoto sepulta la isla en el océano, pereciendo el hijo de Kong y dejando ya al director del film definitivamente imposible, por falta de descendencia, para una tercera edición sobre el mismo tema.
Estas películas fueron tan populares que se adaptaron en forma de popular tebeo
Buen film en su aspecto técnico»[13].
Y nos quedamos sin Kong durante una larga temporada, ya que aunque tras la guerra civil es posible que circulara alguna copia por salas, no hay constancia de que se reestrenara hasta mediados de los años sesenta, concretamente en 1965, año en el que Rey Soria Films puso en circulación de nuevo en cine King Kong, pero cometiendo el agravio de utilizar, por aquello de modernizar la cosa, el cartel de una película británica que se basaba (por no decir que plagiaba) a nuestro inmortal simio: Konga (1961, John Lemont). Eso sí, al cartel se le realizaron unos sutiles cambios, siendo el más significativo el de sustituir el emblemático Bing Beng por el Empire State Building, pero dejando los característicos autobuses ingleses de dos pisos.
La reposición fue recibida con cierto cariño:
««King Kong» es una de las películas «de miedo» cuyo interés ha sobrevivido al paso de los años. En el «Ciclo de cine del terror» proyectado en el último Festival de San Sebastián, fue una de las que llamaron más poderosamente la atención. Ya unos meses atrás la película había sido extraída de los archivos y vuelta a proyectar en las pantallas comerciales de diversos países, al parecer con éxito. (…) El guión está realizado hábilmente, y para llevarlo a cabo se ha empleado una enorme cantidad de recursos técnicos, muchos de los cuales todavía sorprenden por su audacia y perfección. Aun cuando la película fue realizada en 1933, conserva todavía incentivos que la hacen estimable. Naturalmente que este género de cine requiere no ser demasiado exigente y aceptar lo convencional con una relativa manga ancha. De todos modos, lo importante es que la película continúa interesando»[14].
Y hubo más reestrenos en salas comerciales (como el de 1982, posiblemente el último) pero el filme, que muchos en su momento ya disfrutamos y descubrimos en televisión, reclamaba su lugar en filmotecas caseras, primero en forma de cinta VHS (cuando no en Súper-8) y más tarde en formato digital.
De lo que no hay duda es que la película King-Kong es pura historia del cine y su personaje un icono del siglo XX. Y sí, aunque el tamaño hacía imposible “la posibilidad de darse una pasión, digamos extática, por no decir erótica” entre el simio y la chica, la historia y el puro espectáculo que representó y sigue representando, ha resultado ser inmortal e inolvidable y motivo de culto entre varias generaciones de amantes del cine.
NOTAS
[1] “Una extraña película” en La Vanguardia del día 13 de diciembre de 1932. Pág. 17.
[2] Íbidem. Pág. 16-17.
[3] “Ecos y noticias” en La Vanguardia del día 5 de mayo de 1933. Barcelona, Pág. 17
[4] “Los comentarios que ha suscitado ‘King-Kong’” en La Vanguardia del día 11 de octubre de 1933. Barcelona, Pág. 11.
[5] Crítica de El Heraldo, citado en “La prensa madrileña, sobre el estreno de King Kong” en La Vanguardia del día 7 de noviembre de 1933. Pág. 18.
[6] “King-Kong. Una fantasía cinematográfica de la R.K.O” por J. Ruiz de Larios en La Vanguardia del martes 21 de noviembre de 1933. Pág. 15.
[7] La Vanguardia, 23 de noviembre de 1933. Pág. 12.
[8] Sebastià Gasch en L’Opinió citado por ROIG, S. Els malsons dels postres avis. Ed. Dux, Barcelona 2006. Pag. 60-61-62-63.
[9] Josep Palau en Mirador, citado por ROIG, S. en Opus cit. Pag. 60-61-62.
[10] Àngel Ferran en La Publicitat, citado por ROIG, S. en Opus cit. Pág. 61.
[11] El de la fila 12 en La Humanitat, citado por ROIG, S. en Opus cit. Pág. 62.
[12] La Vanguardia, miércoles 24 de enero de 1934. Pág. 13.
[13] S. M. en La Vanguardia del martes, 29 de enero de 1929. Pág. 17.
[14] A.M.T en La Vanguardia del sábado 6 de noviembre de 1965. Pág. 51.
Arranca el décimo Fimucité
El Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ) alcanza en 2016 su décima edición y presenta un intenso programa, que tendrá lugar entre el 23 de septiembre y el 1 de octubre gracias al patrocinio del Cabildo Insular de Tenerife, el Gobierno de Canarias y el Ayuntamiento de Santa Cruz. Las dos líneas temáticas del festival, representadas en el cartel oficial, son las más importantes producciones de ciencia ficción, desde “Star Wars” a “Star Trek”, bajo el título genérico de “Space Opera: La música de las estrellas”, y la obra de Howard Shore, creador de la banda sonora de las trilogías de “El Señor de los anillos” y “El Hobbit”.
FIMUCITÉ cumple diez años en los que ha logrado posicionarse en el calendario internacional como evento referente dentro del género de las bandas sonoras cinematográficas.
El concierto inaugural “Lalo Schifrin’s Jazz Goes to Hollywood” se ofrecerá el viernes 23 de septiembre, a las 20:30 horas, en el Auditorio Infanta Leonor de Los Cristianos. La Big Band de Canarias, con el prestigioso saxofonista Kike Perdomo al frente, realizará un sensacional recorrido a través de las obras del músico argentino creador de la reconocible banda sonora de la serie de televisión “Misión Imposible”.
El sábado 24 de septiembre, el Teatro Guimerá de Santa Cruz de Tenerife acoge una nueva entrega de la exitosa propuesta de The Pop Culture Band, un espectáculo en el que las mejores canciones del cine de los años 70 serán esta vez protagonistas: “That 70s show”. La banda canaria liderada por Gonzalo de Araoz ofrecerá un repertorio en el que no faltarán piezas como “Disco Inferno” o “Staying Alive”, de la película “Fiebre del Sábado Noche”, un medley con lo mejor de la banda sonora de “Grease” o el tema principal de la serie de televisión “Vacaciones en el mar”. Hay dos funciones programadas de este evento, la primera a las 19:00 horas y la segunda a las 22:00 horas.
El domingo 25 de septiembre, a las 19:30 horas, el Paraninfo de la Universidad de La Laguna acoge la proyección de la película “El Ladrón de los guantes blancos”, considerada el primer largometraje canario. Con motivo del 90º aniversario de su rodaje, con la colaboración de Filmoteca Canaria se proyectará la película en una sesión con música en directo a cargo de la pianista Sophia Unsworth.
Además, FIMUCITÉ legitima e impulsa en su décima edición su colaboración con el Conservatorio Profesional de Música de Santa Cruz de Tenerife con la programación de varios conciertos dedicados a las populares series de animación de los estudios Warner Bros., que serán interpretados por la Banda Sinfónica y la Orquesta Sinfónica del centro en el Teatro Guimerá de la capital tinerfeña los días 28 y 29 de septiembre, a las 20:00 horas. El primero será “Homenaje a Shirley Walker”, la primera mujer compositora en hacerse un nombre en Hollywood, y el segundo estará dedicado a los “Héroes animados de la Warner”.
En ambos conciertos participarán los reconocidos compositores Lolita Ritmanis, Kristopher Carter y Michael McCuistion, componentes del colectivo Dynamic Music Partners, prolíficos discípulos de Walker. Varias de las piezas serán dirigidas en directo por estos magníficos compositores.
El viernes 30 de septiembre, a las 20:00 horas, el Auditorio de Tenerife “Adán Martín” acogerá el concierto “Space Opera: La Música de las estrellas”, que contará con el destacado director de ópera, música contemporánea y música de cine de origen alemán Christian Schumann, quien se pondrá al frente de la Orquesta Sinfónica de Tenerife (OST) en la interpretación de piezas de películas como «Dune», «Perdidos en el espacio», «El Quinto elemento», «Galactica, estrella de combate», «Starfighter: La aventura comienza», «Interstellar», «Flash Gordon», «Gravity» y «Star Trek», entre otras.
Asimismo, los compositores Óscar Navarro y Federico Jusid, que visitarán este año FIMUCITÉ para recoger los Premios de la Crítica Especializada 2016 de Scoremagacine que les han sido otorgados, dirigirán a la OST al inicio del concierto del viernes 30 en la interpretación de sus obras. Así, el alicantino Óscar Navarro, galardonado en la categoría de mejor score nacional presentará el estreno mundial de la suite de la música del documental premiado con un Goya “Sueños de sal”. El argentino Federico Jusid, premiado como mejor compositor español o afincado en España, presentará su música para las series de televisión “Isabel” y “Carlos, Rey Emperador” y el largometraje “Misconduct”.
Finalmente Howard Shore, el autor de la música de la trilogía de “El Señor de los Anillos” y compositor indispensable para cineastas como David Cronenberg o Martin Scorsese, será el protagonista de la Gala de Clausura del sábado 1 de octubre que dará inicio a las 19:30 horas. Shore, a quien estará dedicado el concierto que dirigirá Diego Navarro, recibirá el premio FIMUCITÉ – Antón García Abril. Además, el compositor dirigirá a la OST en algunas piezas.
El otro galardón honorífico FIMUCITÉ – Antón García Abril de esta décima edición se otorgará, a título póstumo, a Shirley Walker.
ACTIVIDADES PARALELAS
De otro lado, son numerosas las actividades paralelas al programa de conciertos que tendrán lugar en el marco de FIMUCITÉ 10.
Nace este año la Fimucité Film Scoring Academy (Academia Fimucité para Compositores Audiovisuales) dirigida a estudiantes y profesionales que quieran recibir formación especializada. Se ofrecerá un taller para músicos impartido por Lolita Ritmanis, Kristopher Carter y Michael McCuistion, y un seminario para compositores del sector audiovisual y estudiantes de composición a cargo de Richard Bellis. Asimismo, dentro de esta iniciativa, los conciertos que tendrán lugar el 28 y el 29 de septiembre en homenaje a la compositora Shirley Walker y a los héroes animados de la Warner Bros. respectivamente, contarán los mismos días con funciones matinales, a las 10:30 horas, para el público escolar en el Teatro Guimerá. FIMUCITÉ apuesta de este modo por fomentar la cultura entre los más jóvenes y por promover la creación de nuevos públicos, amantes de la música y el cine en este caso.
Y por cuarto año consecutivo, el Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife ofrece su sección oficial a concurso FIMUCINEMA, donde se premia el apartado de composición musical tanto para largometrajes de ficción, documentales y cortometrajes y que se desarrollará de manera paralela al festival. Las proyecciones tendrán lugar en TEA Tenerife Espacio de las Artes entre el lunes 26 y el jueves 29, a partir de las 17.00 horas, con entrada gratuita previa retirada de invitación en taquilla. FIMUCINEMA contará también con la participación del Aula de Cine de la Universidad de La Laguna, Charlas de Cine y Multicines Tenerife, que acogerán la proyección inaugural de «Playing Lecuona» el sábado 24 de septiembre y la apertura de la sección a concurso el domingo 25, además de la proyección final de las películas ganadoras el domingo 2 de octubre tras ser anunciado el palmarés durante el concierto del viernes 30 en el Auditorio de Tenerife “Adán Martín”.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 23 de septiembre de 2016 *
BASKIN (Can Evrenol, 2015)
Turkia Duración: 97 min. Guión: Ogulcan Eren Akay, Can Evrenol, Cem Ozuduru, Ercin Sadikoglu Música: Ulas Pakkan Fotografía: Alp Korfali Género: Terror
Reparto: Muharrem Bayrak, Mehmet Akif Budak, Fadik Bülbül, Mehmet Cerrahoglu, Elif Dag, Mehmet Fatih Dokgoz, Aslihan Erguvan, Mümin Kaar, Gorkem Kasal, Sevinc Kaya, Serhat Mustafa Kiliç, Ergun Kuyucu .
Baskin, esa pesadilla lyncheana (con sabor a Clive Barker) a la turca, no resiste un segundo visionado. Así de rotundo (casi categórico) es mi juicio tras volverla a ver.Aciertos tiene: la atmósfera insana de ese inframundo al que desciende la patrulla, con su gore a lo Fulci y que tiene su clímax con la salida a escena de ese enano-maestro de ceremonias infernal; el intento de construir un relato en el que el plano de lo onírico se confunde con el plano de lo real, para acabar manifestándose como narración de un auténtico bucle temporal; la escena casi costumbrista en la que se nos presenta a los protagonistas (y que a mí, llaménme rara, es lo que más me interesa del filme)… Pero (uno de esos peros en los que uno se apoya en la sílaba tónica para alargarlo hasta el infinito) no, la película es un no. Y lo es porque no puede ocultar que su origen es un corto que aquí se ha hinchado con planos innecesarios, escenas alargadas a fuerza de utilizar la cámara lenta y episodios inconexos que poco aportan, hasta conseguir unos escasos noventa minutos que puedan hacerlo pasar por un largo. Escaso sentido del ritmo, una intriga que se apoya en la acumulación y no en la tensión dramática, mera suma de momentos más que trabazón narrativa, son lastres que empañan el resultado cuanto menos cuando ya conoces el argumento. Baskin es una de esas películas que es disfrutable en el marco de un certamen, pero que vista en solitario, y sin el cansancio eufórico que arrastra el espectador durante un festival, no tiene solidez suficiente como para funcionar por ella misma.
Un debut justito el de Can Evrenol y cuidado que ya está trabajando en la secuela. No sé si nos quedarán ganas.
NERUDA (Pablo Larraín, 2016)
Chile/España/Francia. Duración: 107 min. Guión: Guillermo Calderón Música: Federico Jusid Fotografía: Sergio Armstrong Productora: AZ Films / Fabula / Funny Balloons / Participant Media / Setembro Cine / TELEFE Género: Drama biográfico
Reparto: Luis Gnecco, Gael García Bernal, Mercedes Morán, Alfredo Castro, Pablo Derqui, Marcelo Alonso, Alejandro Goic, Antonia Zegers, Jaime Vadell, Diego Muñoz, Francisco Reyes, Michael Silva, Victor Montero
Sinopsis: En 1948, el senador y escritor Pablo Neruda acusa al gobierno chileno de traicionar a los comunistas en el congreso. El presidente González Videla lo desafuera y ordena su captura. El poeta emprende la huida del país junto a su mujer. Mientras es perseguido por el prefecto de la policía, Neruda comienza a escribir «Canto general» y se convierte en símbolo de la libertad y leyenda literaria.
Pablo Larraín no ha querido hacer un biopic al uso, él mismo declaraba tras su estreno en Cannes, que la suya “más que una película sobre Neruda, es una película nerudiana”. Larraín toma la figura del poeta y construye un relato poético más cercano a la obra que a un prosaíco documento sobre el autor de la Canción desesperada. El suyo es un retrato ficcionado que juega a mostrarnos la construcción del mito, sin dejar de entrar para ello en su cara oculta, en la húmeda intimidad gástrica como la llamaba Sartre (no es baladí que la película arranque en los lavabos del senado chileno con los políticos discutiéndo allí).
Tomando la falsilla de un momento concreto de la vida de Neruda, el período en el que por la ilegalización del Partido Comunista se vio forzado a la clandestinidad, primero, y al exilio, después, Larraín penetra en el Neruda hombre, con su complejidad y sus contradicciones: mujeriego, megalómano, aburguesado en ocasiones, pero también entrañable, idealista y generoso en otras. Y así nos irá desgranando el reverso de su imagen idealizada y lírica. Pero el director chileno no se limita a ello, si se hubiese limitado a desvelar el lado antiheroíco, su cinta habría sido un retrato plano más, lo que dimensiona el filme del autor de No es haber introducido en la trama la figura del perseguidor, así lo emparenta con el género policíaco pero para llevarlo mucho más allá. La voz narrativa se entreteje con el objeto a narrar y aporta un punto de vista que permitirá la digresión y el metadiscurso.
Al frente de la trama nos encontramos con una tríada protagonista, el poeta, el comisario encargado de detenerlo (de cuya existencia real sólo se conserva el nombre, Óscar Peluchonneau), que pone la voz en off como narrador en primera persona, y la “hormiguita”, Delia del Carril, segunda esposa de Neruda y auténtica artífice de su pátina legendaria. Lo humano y lo mítico se entremezclan en este juego de enfrentamiento entre el poeta y su antagonista, un juego entre gato y ratón que nos trae dos personajes que acaban confundiéndose en uno solo, pues ambos se necesitan para existir (como Los duelistas de Conrad adaptados al cine por Ridley Scott). La primera persona insertada en el filme permite auténticos juegos con el adentro de la ficción narrada y una estancia metadiscursiva en la que se cuece el afuera. No son pocas las escenas en la que este desdoblamiento se plasma con un cambio de eje que nos saca del decorado de la trama para instalarnos en el espacio de la metaficción más universal que la ficción misma. Desde ahí se introducen los hilos de la reflexión sobre el crear mismo que convierte a la cinta de Larraín en un ejercicio que es a la vez de antibiografía y de digresión literaria. Lo importante no es sólo alejarse de la descripción romántica de Neruda, lo verdaderamente significativo es analizar cómo se tejen los mitos, cómo se construyen los iconos y dilucidar quién es el verdadero autor del autor, quién escribe a quién y reparte los roles. En este sentido la secuencia más relevante es la que relata el encuentro (supuesto) entre Peluchonneau y Delia del Carril, secuencia en la que se ponen las cartas narrativas sobre la mesa y viene a concluir que poco importa la historia porque el espacio de la leyenda es el verdadero taller donde se confecciona el sentido. Neruda es también, así, la historia de un sacrificio, el de la esposa del poeta que se busca secundaria para contribuir a que el mito prevalezca, un mito en el que ella ha sido creadora activa pero del que borra su huella porque el vate es el que ha de pasar a la historia como dador de nombre y constructor de épica. Sólo de ese modo se da esperanza a los hombres.
FLORENCE FOSTER JENKINS (Stephan Frears, 2016)
UK Duración: 110 min. Guión: Nicholas Martin Música: Alexandre Desplat Fotografía: Danny Cohen Productora: Qwerty Films / Pathé / BBC Films Género: Comedia dramática
Reparto: Meryl Streep, Hugh Grant, Simon Helberg, Nina Arianda, Rebecca Ferguson, Neve Gachev, Dilyana Bouklieva, John Kavanagh, Jorge Leon Martinez, Danny Mahoney, Paola Dionisotti, David Menkin, Tony Paul West, Philip Rosch, Sid Phoenix
Sinopsis: Narra la historia real de Florence Foster Jenkins, una mujer que, al heredar la fortuna de su padre, pudo cumplir su sueño de estudiar para ser soprano. El problema era que carecía de talento, pero la gente acudía a sus recitales para comprobar si de verdad era tan mala cantante como decían los críticos.
Hace bien poco, concretamente a principios de abril de este mismo año, les hablábamos de Madame Marguerite, una producción europea que abordaba, en clave de ficción, el caso de una millonaria que desea, a pesar de hacerlo nefastamente, cantar ópera en público. Y realiza su sueño, siendo adoptada por unos divertidos anarquistas que harán de ella una figura que podría formar parte de un circo de fenómenos. La historia estaba basada en la de Florence Foster Jenkins, una adinerada norteamericana, y esa historia es la que ha dirigido Stephan Frears en lo que ha resultado ser una coincidencia que podría haber sido desafortunada y, sin embargo, no lo es porque ambas cintas tienen su valor y son dos modélicas producciones (cada una en su estilo y enfoque) que no tienen porque ser comparadas. Si acaso la más ficticia incide más en lo trágico e universal de la anécdota, pero ambas tratan a la imposible soprano con gran tacto, consiguiendo que el espectador ría, pero también sienta, a la vez, lástima y simpatía por ella. Ambas hacen gala de una extrema ternura.
En esta, Meryl Streep encarna a la protagonista con la solvencia que la caracteriza, consiguiendo meterse en el personaje y realizando casi una transformación física a la altura de las de Lon Chaney; mientras que Hugh Grant demuestra que, a pesar de que ya no es aquel joven galán que vivió tan buenos momentos en los años noventa, sigue manteniendo el encanto de antaño y continúa siendo el mejor para interpretar a esos bribones simpáticos que tan bien sabe encarnar. Nos gana con su encanto y su clase. Sin olvidar a Simon Helberg, el tercero en discordia. Popular por ser uno de los protagonistas de la popular serie Big Bang Theory, escapa de su encasillamiento interpretando al pianista que acompaña a la Jenkins. También destaca la banda sonora de Alexandre Desplat.
Comedia agridulce pero, ante todo comedia, Florence Foster Jenkins es una magnífica y refinada propuesta cinematográfica compatible con Madame Marguerite, pues las dos cintas son lo suficientemente diferentes como para convivir e incluso soportar un programa doble conjunto.
EL HOMBRE DE LAS MIL CARAS (Alberto Rodríguez, 2016)
España Duración: 123 min. Guión: Alberto Rodríguez, Rafael Cobos (Libro: Manuel Cerdán) Música: Julio de la Rosa Fotografía: Alex Catalán Productora: Zeta Cinema / Atresmedia Cine / Atípica Films / Sacromonte Género: Thriller
Reparto: Eduard Fernández, José Coronado, Carlos Santos, Marta Etura, Emilio Gutiérrez Caba
El Hombre de las Mil Caras es la historia del hombre que engañó a todo un país. Inspirada en el libro periodístico de Manuel Cerdán Paesa, el espía de las mil caras, es un thriller ambientado en los años 90 que gira en torno a la vida del agente secreto español Francisco Paesa y su determinante papel en la fuga y posterior entrega del entonces jefe de la Guardia Civil, Luis Roldán. Pero es mucho más, es la confirmación de Alberto Rodríguez como un magnífico director de thriller, algo que ya demostró con La isla mínima (2014) y que corrobora ahora con esta mezcla de ficción y realidad, espionaje y corrupción. José Coronado, el actor mejor y peor aprovechado del cine español, realiza un magnífico papel como testigo y narrador de todos los acontecimientos en los cuales el principal protagonista es el súperespía español Paesa, magistralmente interpretado por Eduard Fernández, personaje para el cual los demás serán tan solo piezas del tablero a la espera de la jugada maestra.
El director mantiene la tensión durante las dos horas de duración de la cinta (que en este caso resultan justificadas) con el concurso imprescindible de la magnífica banda sonora de Julio de la Rosa, que acompasa el pulso de nuestro corazón con el vertiginoso ritmo de la narración hasta su desenlace. Algunos comentarios cuestionan la utilización de la voz en off, pero su compañía resulta necesaria, de entrada, si no queremos perdernos en la complejidad que en algunos momentos tiene la trama. Pero hay más argumentos en favor de ese recurso, la utilización de la primera persona para narrar nos mete más de lleno en la acción haciéndola más cercana al espectador e imprimiéndole aún mayor fuerza.
Saliendo de ver otra producción española, un crítico afirmaba que en España no se sabía hacer cine de género de calidad, yo defendí entonces (y defiendo ahora) lo contrario, poniendo como ejemplo destacado, precisamente, La isla mínima. El Hombre de las Mil Caras está nuevamente a la altura de las mejores producciones que ha dado el thriller: sabiamente narrada, con un sentido del ritmo del que sólo las mejores producciones hacen gala, más que meritoria en la construcción de personajes y destilación de la intriga, atenta a los detalles sin olvidar esos toques de humor que imprimen carácter a la trama y la hacen aún más ágil. Es cine corazón, cine con garra, pero también cine de preciosista factura y sabia puesta en escena, con unas interpretaciones sobresalientes y una dirección de pulso perfecto. El Hombre de las Mil Caras, impecable ejercicio de crónica política ficcionada, es cine. Cine de ese que puede escribirse con mayúsculas y perdurar en la historia.
Los ganadores de la WCS (World Cosplay Summit) invitados al Salón del Manga
El XXII Salón del Manga de Barcelona contará con los mejores cosplayers del mundo. Si ya habíamos anunciado la presencia de TWIN cosplay, los cosplayers mejicanos que ganaron la edición de 2015 del World Cosplay Summit, ahora nos toca anunciar otro galardonado dúo. Rian CYD y Frea Mai son la pareja de cosplayers que acaban de ganar World Cosplay Summit 2016 celebrado en Nagoya, el concurso de cosplay más importante 
del mundo. La pareja sorprendió al público asistente, no solo por la calidad y el detalle de sus trajes si no por su espectacular presentación. Rian CYD y Frea Mai son originarios de Indonesia. CYD es cosplayer desde 2009 y Maidesde 2006. Ambos se hicieron con el principal galardón del WCS ataviado con trajes del manga de Trinity Blood. Rian CYD iba de Cain Knightlord y Frea Mai de Seth Nightlord. El equipo de Indonesia se proclamó vencedor entre los 30 equipos participantes. Un día antes, en la semifinal de la competición, ya se hicieron con el favor del público gracias a su espectacular actuación y sus llamativos efectos visuales.
Rian CYD y Frea Mai participarán en diversos actos del XXII Salón del Manga de Barcelona. Podéis seguirlos en sus respectivas cuentas de Facebook:www.facebook.com/riancydcosplay y www.facebook.com/fairymagicosmaker.
El XXII Salón del Manga de Barcelona se celebrará del sábado 29 de octubre al martes 1 de noviembre en Fira de Barcelona Montjuïc.
La venta anticipada de entradas se realiza exclusivamente desdewww.ficomic.com.
Bruce Lee The Game of Death
Director: Robert Clouse. Producción: Raymond Chow. Guión: Robert Clouse. Fotografía: Godfrey A. Godar. Montaje: Alan Pattillo. Música: John Barry. Efectos especiales: Anthony Matt.
Reparto: Bruce Lee, Colleen Camp, Dean Jagger, Gig Young, Robert Wall, Dan Inosanto, Kareen Abdul-Jabbar, Mel Novak.
ARGUMENTO: Billy Lo (Bruce Lee) sufre un intento de asesinato por parte de unos mafiosos. Todos lo creen muerto, así que de esa forma podrá vengarse de todos ellos, no sin antes enfrentarse a varios especialistas en diferentes artes marciales.
Muchos de los que éramos niños en los setenta nos quedamos huérfanos cuando murió Bruce Lee tras solo protagonizar cuatro películas de acción. Por muchos imitadores de nombres tan exóticos como Bruce Li o Dragón Lee que nos pusieran delante no nos podían engañar. Había muerto el mejor.
Las productoras intentaron aprovechar el tirón desempolvando y estrenando en salas viejas series como The Green Hornet, con la que en los sesenta se intentó renovar el éxito obtenido por la serie Batman, en este caso con Bruce como Kato, ayudante/sirviente del héroe Britt Reid (Van Wiliams), junto al que luchaba contra el crimen dando algunas patadas voladoras e incluso luciendo un, por entonces, exótico nunchaku.
Pero nada nos podía consolar.
Game of Death debía haber sido la segunda película dirigida por Bruce Lee tras El furor del Dragón, film muy recordado por contener el épico combate contra un por entonces imberbe Chuck Norris en un Coliseum reproducido en los estudios de Hong-Kong. Sin duda Game of Death era su proyecto más ambicioso, ya que enfrentaría su arte de lucha, el Jeet Kune Do, contra otras artes marciales tradicionales. Pero decidió interrumpir el rodaje cuando recibió una oferta que no pudo rechazar proveniente de Warner Bros: El rodaje de Operación Dragón, film con el que por fin apostaban los grandes estudios de Hollywood por él como protagonista.
Y Operación Dragón fue un gran éxito en todo el mundo, aunque poco ante de su estreno Bruce Lee falleció.
Murió el hombre y nació la leyenda.
Pero no olvidemos que quedaba un poco de material rodado para Game of Death: tres combates coreografiados y dirigidos por el mismo Bruce. Un material al que tras añadirle un nuevo guión, remontarlo chapuceramente y completar el metraje con un doble, fue lanzado a bombo y platillo en 1978 como la nueva película “del auténtico” Bruce Lee. Una cinta que corrimos a ver pero que en general defraudó.
Excepto cuando salían esos tres combates. Entonces la pantalla (y la platea) estallaba en llamas.
Así que cuando en el año 2000 John Little recopiló las extensas anotaciones realizadas por el actor y director y con acceso a todo el material rodado hizo un montaje tal y como lo había pensado Bruce Lee, uno no pudo menos que emocionarse por haber visto un fragmento real de la auténtica Game of Death, tal y como su creador la había concebido.
El resultado es posiblemente el más importante documento sobre el arte de la lucha que nunca se haya rodado.
Retozando con la muerte: una introducción a la necrofilia
“Carne pálida y tranquila en un lecho. Real y hermosa… Y muerta” (Dennis Nilsen)
Necrofilia (Del griego νεκρός (nekros «cadáver» o «muerto») y φιλία (filia; «amor» o «atracción»).
- Atracción por la muerte o por alguno de sus aspectos.
- Perversión sexual de quien trata de obtener el placer erótico con cadáveres[1].
«El que, faltando al respeto debido a la memoria de los muertos, violare los sepulcros o sepulturas, profanare un cadáver o sus cenizas o, con ánimo de ultraje, destruyere, alterare o dañare las urnas funerarias, panteones, lápidas o nichos será castigado con la pena de prisión de tres a cinco meses o multa de seis a 10 meses[2].
ME GUSTA CUANDO CALLAS
La necrofilia forma parte del extenso catálogo de pasiones más o menos excéntricas que el psiquiatra alemán Richard Von Krafft-Ebing (1840-1902) incluyó en su libro Psychopathia Sexualis (1886), el primer libro dedicado enteramente a las perversiones sexuales, tal y como se entendían entonces. Entre las páginas de este compendio de casos, puede leerse sobre sadismo, masoquismo, fetichismo, coprolagnia o zoofilia, hasta un total de 238 casos. Y claro, también sobre necrofilia, poniendo como ejemplo el caso del sargento Bertrand, que cuando se masturbaba “se imaginaba una habitación llena de mujeres con las que realizaba el acto venéreo, tras lo cual las mataba. Inmediatamente después pensaba en ellas como cadáveres, que se dedicaba a violar. Comenzó a practicar con pequeños animales, subiendo en la escala con perros, ante los que, tras matarlos y destriparlos, se masturbaba. Poco después comenzó a realizar estas prácticas con cadáveres recién enterrados, declarando que durante estos actos se sentía en un estado indescriptible de excitación sexual. Una vez despedazados, los enterraba de nuevo. En julio de 1848 se topó por accidente con el cuerpo de una muchacha de dieciséis años. Entonces, por primera vez sintió deseos de copular con un cadáver. “La cubrí de besos y la apreté furiosamente contra mi corazón. Todo el placer que uno puede disfrutar con una mujer viva no es nada en comparación con el placer que yo experimenté. Después de disfrutar durante un cuarto de hora, corté en pedazos el cuerpo, como de costumbre, y le saqué las entrañas. Luego, volví a enterrar el cadáver.[3]” Aunque el sargento volvió a repetir la cópula con algún cadáver más, lo que realmente le satisfacía era cortar en pedazos los cadáveres, así que lo suyo fue diagnosticado como “monomanía”, ocasionándole una condena, en consejo de guerra, de un año de prisión. En todo caso es justo indicar que cuando se le despertaban las ganas no cedía fácilmente al desánimo: en una ocasión la necesidad era tan apremiante que Bertrand atravesó a nado un torrente helado para llegar a un cementerio. Todo un campeón.
Conocido también es el caso de Carl Tanzler, un radiólogo de Key West (Florida) que desarrolló una obsesión mórbida por Elena Milagro Hoyos (1910-1931), una de sus pacientes que murió de tuberculosis en 1931. Con el permiso de sus padres, Tanzler mandó construir un mausoleo para evitar que se descompusiera bajo tierra. Visitó la tumba cada noche y antes de 1933 había llevado el cuerpo a su casa y lo había metido en su cama. Restauró su cuerpo como mejor pudo y tenía un guardarropa lleno para vestirla.
Como vemos, el tan recurrido mantra, “No somos nada”, carece de valor para el buen necrófilo: para él nuestros restos son el mejor género, con el que saciar sus apetitos y ansia de dominación. Porque de eso se trata. El poder total sobre el cuerpo actúa como estimulante de una superioridad que no puede acreditar en su vida normal. El necrófilo puede disponer de un sujeto sin sentir su oposición ni su censura. Escribe P. Friedman que “un factor causante de la necrofilia parece ser la necesidad de eliminar el riesgo de ser rechazado.” [4] Ninguna dice que no. No existe el rechazo. Siempre se conquista. Y nuestro cuerpo, después de muertos, no tiene ningún valor para la justicia. En el programa Esta noche cruzamos el Mississippi, de Tele 5, Pepe Navarro entrevistó a un individuo que trabajaba en un hospital de Madrid y hacía guardia en el depósito de cadáveres, donde se practicaban las autopsias. Contó que una noche había una joven de unos 19 años, muy hermosa, que le produjo tal excitación que “le hice la penetración”. Aunque en principio alegó que “perdí la cabeza”, más tarde dejó entrever que no era la primera vez y que sentía mucho placer. ¿Recibió alguna condena? No, no solo no la recibió sino que orgulloso lo contaba en televisión, para que lo vieran sus amigos y familiares. Ya se sabe que el español es muy dado a jactarse con sus amigotes de sus conquistas. ¿Que son feas? ¿Que están un poco muertas? ¿Que apestan a descomposición? No pasa nada, lo importante es demostrar la hombría. Ya lo dice el dicho popular: “Cuando el hambre aprieta, ni los culos de los muertos se respetan”. Y ante tan pintoresco tema, no es extraño que disciplinas como la literatura, el cine y la música lo utilizaran como fuente de inspiración. Pongamos unos breves ejemplos de las contribuciones en literatura y música (en cine pueden consultar aquí):
Clifford Martin Eddy y su esposa Muriel eran los únicos amigos que tenía H. P. Lovecraft en Providence, y aunque se conocían de antes, su relación se afianzó a partir de 1923. La influencia de Eddy fue decisiva para que Lovecraft publicara por primera vez en Weird Tales, revista Pulp que sería su primer contacto profesional y con la que mantendría una fructífera colaboración. Lovercraft revisó algunos escritos de Eddy y escribieron alguno en colaboración como Deaf, Dumb and Blind (Sordo, mudo y ciego) y el que nos 
ocupa, The Loved Dead (Los amados muertos), que se publicó en el Weird Tales de mayo de 1924. El cuento, narrado en primera persona, habla sobre un necrófilo que comienza trabajando en funerarias para saciar sus apetitos y termina siendo un asesino antes de suicidarse. Escrito con un estilo paródico que no todos los lectores supieron apreciar, la narración fue denunciada en varios estados norteamericanos, con visita de Lovecraft a comisaría incluida y la retirada de ese número de Weir Tales como resultado. Pero como a veces suele suceder, los hechos tuvieron un efecto positivo, ya que el ‘escándalo’ provocó un aumento en las ventas de la publicación, que no pasaba precisamente por un buen momento, afianzando la relación de Lovecraft con Weird Tales que, eso sí, para evitarse más problemas rechazó otro cuento, en esta ocasión con autoría completa de Lovecraft y tan tétrico como el anterior, el magnífico In the Vault (En la cripta).
En el mundo de la música ha habido referencias en canciones de Lou Reed o Alice Cooper y naturalmente en bandas duras como Rammstein, Slayer, Blalsphemator o Cannibal Corpse, pero no puedo dejar de recomendarles escuchar la bonita tonada «Necrofilia Enamorada«, del cantautor mexicano Armando Palomas. Bizarra es poco para ella.
NECROFILIA CRIMINAL
Pero lamentablemente no todo es ficción ni todos los necrófilos se conformar con jugar con cosas muertas. Las crónicas de sucesos nos han dejado muchos casos de asesinos necrófilos. Y es que estas prácticas suelen figurar entre las ofrecidas por los más terribles asesinos en serie. Repasemos algunos de estos casos, comenzando por los más cercanos:
Manuel Delgado Villegas, conocido como “el arropiero” porque vendía dulces de arrope, estuvo en activo desde 1964 a 1971 dejando por el camino 48 asesinatos confesados, siete de ellos probados y tres de ellos con actividad necrófila. Mató a Toñi, su novia retrasada mental, tras hacer el amor con ella y abandonó el cadáver en el lugar de los hechos, regresando hasta en tres ocasiones. En dos de esas ocasiones, tras llorar desconsoladamente ante ella, se excitó contemplándola y volvió a penetrarla. La tercera vez el avanzado estado de descomposición que presentaba le hizo desistir. También asesinó y violó el cadáver de Anastasia Borella, una anciana de 78 años. Tras la penetración le propinó un “cuningulo”, según confesión.
García Escalero, “el matamendigos”, actuó de 1987 a 1993 dejando, según confesó, 15 víctimas por el camino. Gustaba de tener relaciones sexuales con muertas. Iba al cementerio de la Almudena y, guiándose por la foto de la lápida, las desenterraba si le gustaban, teniendo relaciones con los cuerpos “me había bebido un litro de coñac acompañado de pastillas, y rompí tres nichos y desenterré los cuerpos (…) Me atraían mucho a mí los velatorios y los cementerios. Me atraen mucho. Recuerdo que me metía en los velatorios a ver a los muertos, me ponía en la misma postura que ellos cuando no había vigilancia.”[5] O visitaba el depósito de cadáveres del hospital Gregorio Marañón y tocaba o copulaba con los de las recién fallecidas. Con sus víctimas solía mantener relaciones antes y después de matarlas. Pero según declaró, sentía más satisfacción tocando a una mujer muerta que a una viva. No deja de ser significativo el hecho de que mientras cumplía su primera condena, de once años por violación en el penal de El Dueso, tenía la compañía de un pájaro muerto dentro de una jaula.
Aunque siempre que se habla de asesinos necrófilos se nombra al ‘popular’ Ed Gein, “el carnicero de Plainfield” que tanto ha influido en el cine de terror con, al menos, dos obras maestras basadas en su persona (Psicosis y La matanza de Texas), lo cierto es que si bien es cierto que desenterraba cadáveres y con los restos hacía cuencos, máscaras, experimentos de reducción de cabezas al modo jíbaro, collar de pezones e incluso un torso de piel de mujer para ponerse en plan chaqueta, entre otras muchas cosas y útiles, lo cierto es que cuando se le preguntó si había mantenido relaciones con los numerosos cadáveres que desenterró, lo negó: “¡No, no! Olían muy mal”[6]. Edmund Kemper, una imponente mole de más de dos metros, disfrutaba descuartizando a sus víctimas y utilizaba sus cabezas con el fin de realizarse fellatios. Ted Bundy, asesino confeso de 23 jóvenes desde 1973, admitió haber violado a sus víctimas después de haberles quitado la vida. El ruso Andréi Chikatilo, “El carnicero de Róstov”, asesinó a 52 adolescentes. Solía conseguir el orgasmo sobre los cuerpos agonizantes de sus víctimas. John Christie asesinaba para poder tener relaciones con cadáveres femeninos, ya que le resultaba imposible tener una erección con un cuerpo vivo. En Australia, el acusado del caso Regina versus Forbes era un hombre casado de 22 años que tenía fantasías homosexuales con un cadáver. Un día salió con una escopeta, encontró a un desconocido y le pegó un tiro. Después jugó con el cadáver y finalmente lo sodomizó.
Entre los casos más conocidos están los del británico Dennis Nilsen, que desde 1978 y durante cuatro años asesinó a 15 de sus ocasionales amantes, conviviendo con sus cadáveres hasta que la situación se hacía difícil de soportar. Pero durante unos días Dennis cumplía su deseo de compañía, tal y como dejó escrito: “Él estaba más pálido que yo. De todas formas lo sería porque era pelirrojo. Me puse polvos de talco y volví a acostarme. Ahora estábamos iguales. Le hablé como si siguiese con vida. Le dije la suerte que tenía de haberse librado de todo. Pensé que ambos estábamos hermosos. Él estaba muy sexy, pero no tuve ninguna erección (…) Me metí dentro de las sábanas porque empezaba a tener frío. El siguió a mi lado, encima de la cama. Sabía que pronto se enfriaría y no 
quería sentir su frialdad dentro de la cama conmigo. La frialdad de un cadáver no tiene ningún atractivo”.[7] Sin lugar a dudas, el problema de Nilsen y las causas de su tragedia era la soledad: “Mis asesinatos eran una forma pervertida de buscar pareja, el medio de hacer contactos[8].” La soledad también provocó la escalada criminal del estadounidense Jeffrey Dahmer, “el carnicero de Milwaukee”, que fue detenido en 1991 tras asesinar a 17 hombres. Todo comenzó de forma escalonada: “Leí una esquela de un joven de 18 años y me presenté en el tanatorio. Vi el cadáver y era un hombre muy atractivo.[9] Cuando lo hubieron enterrado, cogí una pala y una carretilla con la intención de llevarme el cadáver a casa. Alrededor de medianoche me dirigí al cementerio, pero el suelo estaba helado y tuve que abandonar mi propósito[10].” Asesinó a sus amantes ocasionales y tuvo relaciones con los cuerpos. A alguna de sus víctimas les abría el vientre y se masturbaba sobre ellos.
Estos son solo algunos de los casos más conocidos, pero que sirven de ejemplo para un tópico que no por nombrado resulta menos cierto: Por mucha imaginación que se le ponga, la realidad supera, y con creces, a la ficción.
NOTAS
[1] Real Academia Española © Todos los derechos reservados
[2] Artículo 526 del Código Penal español.
[3] Von Krafft-Ebing, Richard. Psychopathia Sexualis. La Máscara, Valencia 2000. Pág. 42
[4] Masters, Brian. La compañía de los muertos, Ed. B, Barcelona 1994. Pág. 302
[5] Quintero, Jesús. Cuerda de presos. Ed. Planeta, Barcelona 1998. Pág. 67
[6] VV.AA. Sumario del crimen nº 26. Edisa, Madrid 1990.
[7] Masters, Brian. Opus Cit. Pág. 337-338
[8] VV.AA. Sumario del crimen nº 4. Edisa, Madrid 1990.
[9] De hecho, tan atractivo le pareció el cadáver, que tal y como declaró, no pudo reprimirse y se masturbó en el lavabo del tanatorio.
[10] Ressler, Robert K. /Shachtman, Tom. Dentro del monstruo. Alba Editorial, Barcelona 2003. Pág. 150-151.
Otras obras consultadas:
– Pérez Abellán, Fco. Crónica de la España negra. España, Madrid 1997.
– Berbell, C. y Ortega, S. Psicópatas Criminales. La Esfera de los Libros, Madrid 2003.
– Berbell, C. C.M. H. P. Lovecraft, Eddy y sus amados muertos en Lovecraft Magazine nº 7. Ed Col.lectiu Dinamo, Barcelona 2000.
– Lovecraft, H. P. y otros. Horror en el museo. Caralt, Barcelona 1985.
– Schechter, H. y Everitt, D. The A to Z Encyclopedia of Serial Killers. Simon & Schuster, New York 1997.
Darío Argento: Nunca el terror fue tan bello, ni la muerte tan cruel
Fue hace muchos años. Cuando vivir en su plenitud un festival de cine era todavía un sueño lejano que se limitaba a breves paseos por su periferia, cuando visité el off-festival de uno, consistente en una carpa gratuita en pleno paseo marítimo. Ver alguna película allí resultaba de lo más incómodo, pues cada vez que alguno de los numerosos curiosos abría sus cortinas para ver qué se cocía en su interior, se filtraba la luz profanando su oscuridad y turbando nuestra atención. También creo recordar que la película en cuestión se proyectaba en su idioma original y sin subtítulos, motivos ambos por los que desistí de verla completa. Pero antes de marchar vi una escena. La escena: el personaje se ha colado en un edificio de singular arquitectura. En el sótano ve un agujero cubierto de agua. Se le caen las llaves por él y vemos que ese agujero lleva a una habitación sumergida. La protagonista se zambulle en el agua para recuperar sus llaves y vemos con ella que se trata de una suntuosa estancia repleta de lámparas de araña, cuadros misteriosos, una puerta que se abre y se cierra por la que entra una extraña luz… una onírica escena submarina que se interrumpe bruscamente cuando aparece un putrefacto cadáver que parece asir a la espantada protagonista, que emerge aterrada a la superficie a toda velocidad. Simple ¿no? Sencillo ¿verdad? Pues pueden creerme cuando les digo que esas imágenes se me quedaron grabadas desde entonces y siguen fascinándome por su belleza. Por su magia. Aún no sabía que pertenecían a Inferno (1980), pero no recuerdo como, siempre supe que eran de Dario Argento.
No les voy a hablar de datos biográficos, cronologías y logros técnicos, el espacio obliga y para ello hay interesantes y completas obras editadas. Así que me gustaría repasar sensaciones, colores y texturas. Muertes bellas, extrañas y oníricas. Inolvidables. Una coreografía del horror en la que durante mucho tiempo Argento fue insuperable, ofreciéndonos bellas y sangrientas estampas realizadas con un arma blanca como pincel, sangre como óleo, la víctima como tela y Argento como artista-director-asesino plasmando sus obsesiones con sus propias manos, pues sabido es que esas manos enguantadas ejecutoras no son otras que las del 
mismo cineasta, a quien gusta realizar en primera persona ese instante climático. Unos majestuosos lienzos que no podemos dejar de admirar ya desde sus tres primeras obras, enmarcadas en lo que se dio en llamar giallo, un subgénero cinematográfico derivado del whodunit policiaco, pero netamente transalpino en el que no están permitidas las armas de fuego, primando los truculentos crímenes de un misterioso asesino fuera de cámara con cuyo sorprendente descubrimiento, tras un sinfín de pistas falsas que nos llevarán a sospechar de varios de sus protagonistas, concluirá el film. El pájaro de plumas de cristal (L’uccello dalle piume di cristallo, 1970), El gato de nueve colas (Il gatto a nove code, 1971) y Cuatro moscas sobre terciopelo gris (4 mosche di velluto grigio, 1971) son las tres películas con las que, partiendo de las bases concebidas por Mario Bava, Argento creó una nueva escuela imitada hasta la saciedad.
Con Rojo oscuro (Profondo rosso, 1975) piedra filosofal del giallo y primera gran película de Darío Argento, el director romano sentará cátedra mezclando ese subgénero, esencialmente policíaco, con el terror, homenajeando por el camino a su admirada Blow Up (Michelangelo Antonioni, 1966), de la que toma prestado al protagonista David Hemmings. Junto a la audacia de mostrarnos a la asesina en los primeros minutos de metraje, eso sí, de forma que pocos serán capaces de verla, tenemos numerosos aciertos plásticos, de entre los que sobresale la inexorable mecánica de la última muerte. También formará parte del reparto de Rojo oscuro, Daria Nicolodi, quien con ese nombre parecía destinada a formar pareja con Argento, actuar y colaborar en sus guiones, además de ser madre de la divina Asia, protagonista posterior de muchas de las obras del director.
Pero es con Suspiria (1977) con la que Argento alcanzará su primera cumbre, y con la que añadirá lo puramente sobrenatural a su cine. Con guión de Argento y Nicolodi, la película nos introduce en la Tanz Akademie de Friburgo, donde el personaje interpretado por Jessica Harper descubrirá el horror. El edificio será un importante elemento en la trama. Con su simétrica arquitectura modernista y Art decó y su atmósfera inundada de colores irreales en los que se cometerán asesinatos en frío azul y rojo sangre, a los que acompañará la frenética música de Goblin, nunca más acertados que en este debut junto al director. La respuesta al éxito de Suspiria fue Inferno, film en el que Argento continúa y desarrolla la estructura de lo que se dio en llamar Trilogía de las tres madres, ambientada en tres lugares distintos: Friburgo, Nueva York y Roma, en los que hay tres mansiones realizadas por el arquitecto Varelli y en las que residen tres madres/brujas: Mater Suspiriorum, Mater Lacrimarum y Mater Tenebrarum, 
respectivamente. Inolvidable resulta la violenta coreografía de cuchilladas con el coro de Nabuco de Verdi como fondo. Cortes directos al corazón. Lamentablemente este bello experimento plástico realizado en total libertad y en el que prima la imagen en detrimento de un endeble guión, no tuvo la suficiente repercusión económica como para permitir cerrar a continuación la trilogía, que se completó muchos años después con una tan esperada como decepcionante conclusión. Pero también el director se encontraba agotado tras rodar dos películas englobadas en la misma idea, así que apostando por lo seguro para su siguiente film, Argento vuelve al género que lo encumbró, el giallo, con Tenebre (1982), aportando un poco de estilo a este subgénero en cuyo nombre otros directores habían cometido las más tremendas tropelías experimentando truculentas muertes. Argento consigue un más difícil todavía al rodar, y hacer creíble, un asesinato impune en un exterior, en hora punta y a plena luz del día.
Phenomena (1985), el siguiente proyecto del director, es un retorno al fantástico. Un cuento mágico y tenebroso protagonizado por una maravillosa Jennifer Connelly que, en uno de los momentos culminantes de la cinta, terminará sumergida en una hedionda balsa de putrefacción. Maltratado por la crítica, que no por el público, el film cuenta con una de las mejores bandas sonoras de Goblin, pero también con unos totalmente innecesarios insertos de música Heavy. Phenomena ha envejecido mal, muy al contrario que la reivindicable Terror en la ópera (Opera, 1987) otro bello lienzo que nos deja una de las imágenes iconográficas del cine de Darío Argento: una inmovilizada Cristina Marsillach forzada a ver los crímenes del asesino al tener los ojos amenazados por una fila de alfileres que, sujetos bajo ellos con cinta adhesiva, impide que los cierre bajo riesgo de rasgar sus pupilas. Una perversa metáfora 
sobre Argento y nosotros mismos, el público, al que el director muestra el mayor horror tiñéndolo de una belleza que nos impide apartar la vista de la pantalla. Más sadismo, más estilismo. Más Argento en una película que marcará la cúspide de él también como productor, pues conviene no olvidar que entre sus éxitos como tal se encuentra la saga Demons (1986-87) de Lamberto Bava y los primeros films del prometedor Michele Soavi.
Tras la episódica Los ojos del diablo (Due occhi diabolici, 1990), el director romano retornará al giallo en alguna ocasión más, como en Trauma (1993) o en Giallo (2009), ofreciéndonos además su personal interpretación de obras y personajes clásicos con El fantasma de la ópera (Il fantasma dell’ opera, 1998) y Drácula 3D (2012). También cerrará la Trilogía de las tres madres con La madre del mal (La terza madre, 2007), un decepcionante final que supo a poco a sus fans, quienes siguen añorando los mejores tiempos del director. Un director que tan bellas y terribles imágenes nos ha dejado. Imágenes por las que dejarse arrastrar. Y también sensaciones. Como el desasosiego que percibimos ya desde el inicio de Suspiria ante una amenaza intangible, que no nos permite separar la vista de la pantalla, manteniéndonos inmovilizados en nuestra butaca. Inmóviles como las pupilas de Cristina Marsillach. Fascinados. Como aquel día en aquel festival en el que me sumergí junto a Irene Miracle en la obra de Argento y me quedé para siempre. Una obra que perdura y perdurará. La que hace que Dario Argento sea considerado un MAESTRO del cine fantástico y de terror.
Los autores del manga de Pokémon en el Salón del Manga de Barcelona
Con más de 275 millones de videojuegos vendidos en todo el mundo, 21,5 millones de cartas distribuidas en 74 países y una serie de animación de 18 temporadas,Pokémon es una de las marcas de entretenimiento más populares del mundo, que durante todo este 2016 celebra su vigésimo aniversario conmemorando el pasado, presente y futuro de esta icónica marca.
El debut del guionista Hidenori Kusaka (Tokio, 1970) no pudo ser más afortunado: en 1997 se publicó el primer capítulo del manga Pokémon Special, y desde entonces ha seguido adaptando con gran éxito las diferentes sagas del famoso videojuego. Tal es su implicación con Pokémon que en todos sus autorretratos le gusta aparecer como Electrode.
Kusaka ha sabido diversificar su trayectoria profesional editando mangas y libros infantiles para la editorial japonesa Shogakukan, pero sin dejar nunca de lado el mundo Pokémon.
El artista Satoshi Yamamoto (Kioto, 1965) debutó en 1993 y se incorporó al manga de Pokémon en 2001, en su décimo volumen japonés (el sexto de la edición de NORMA Editorial, Pokémon Oro, Plata y Cristal 2). Entre sus autores favoritos destacan Daijiro Moroboshi, Fujio Fujiko (Doraemon) y Katsuhiro Otomo (Akira). Le encanta el cine, los monstruos, la música punk y autorretratarse como el Pokémon Swalot.
Ambos están trabajando actualmente en las sagas Pokémon X·Y y Pokemon ΩRuby/αSapphire, el decimosegundo y decimotercero arco de la serie, respectivamente.
Los visitantes al XXII Salón del Manga de Barcelona tendrán diversas oportunidades de ver de cerca y disfrutar de la visita de los autores de Pokémon. Participarán en una masterclass gracias a la colaboración con la escola Joso, responderán a las preguntas y curiosidades de sus seguidores en el encuentro con los fans y algunos afortunados conseguirán su autógrafo en las diversas sesiones de firmas que se organizarán en el stand de NORMA Editorial. Dada la expectación que generan autores de este calibre, y para asegurar una experiencia agradable tanto para invitados como para asistentes, los números para las firmas serán limitados y se sortearán las semanas previas al evento entre todos los interesados. En breve se iniciará el proceso de inscripción para los sorteos en las redes sociales de Norma Editorial Manga.
El XXII Salón del Manga de Barcelona se celebrará del sábado 29 de octubre al martes 1 de noviembre en Fira de Barcelona Montjuïc.
La venta anticipada de entradas se realiza exclusivamente desde www.ficomic.com.
‘Fanta Elx’ abre el plazo de inscripción de cortometrajes para su cuarta edición
La cuarta edición del Festival de Cine Fantástico de Elche – FANTA ELX abre el plazo de inscripción de cortometrajes hasta el próximo 9 de octubre de 2016.
Después de la buena acogida de las anteriores ediciones del festival, se abre el plazo de inscripción para participar en la que será su cuarta edición, cuya fecha de celebración será anunciada próximamente. El festival lanza la convocatoria a todos los cineastas que quieran presentar sus cortometrajes de género fantástico, y el período de inscripción estará abierto hasta el domingo 9 de octubre, pudiendo acceder a las bases y al procedimiento de inscripción online a través de su web oficial www.festivalcinefantaelx.com.
En esta cuarta edición, se establece una vez más la categoría para competir al mejor cortometraje alicantino, cuyo ganador accederá directamente al festival Navidades Sangrientas de Alicante. Por otro lado, el mejor cortometraje nacional accederá directamente al Festival de Cortometrajes de Terror y Fantástico 1000 Gritos de Buenos Aires, en Argentina, y el mejor cortometraje internacional accederá al Festival Internacional Freak Terror Gore Bizarro de Valparaíso, en Chile.
El Festival de Cine Fantástico de Elche – FANTA ELX es una iniciativa impulsada por el guionista y director Fran Mateu, que cuenta con el apoyo de laConcejalía de Cultura del Ayuntamiento de Elche y del Centro de Congresos «Ciutat d’Elx». También se contará con colaboradores como Cafetico Films S.L. yCinestesia, entre otros que se anunciarán próximamente. Como ya sucedió en sus tres anteriores ediciones, «FANTA ELX 2016» será nuevamente un punto de encuentro para los amantes del género fantástico.
Los ganadores de la edición de 2015 (Foto: Fanta Elx)
Cine y series: Toda la programación de l’espai Movistar en Sitges 2016
Movistar+ convierte el Festival de Sitges en su mejor escaparate de cine y series de género. Con motivo del Festival, que se celebra entre el 7 y el 16 de octubre, la plataforma aterriza en Sitges con su Tour Movistar+ y presenta una completa oferta de series, películas y eventos, que tendrán su extensión en el canal Movistar Xtra, que durante el Festival ofrecerá una programación especial dedicada a Sitges.
El Festival de Sitges acoge por segundo año consecutivo el Espai Movistar+, que en esta edición amplía días y estará hasta el miércoles 12 en el área de la Fragata, bajo la emblemática iglesia de Sitges. El Espai Movistar+ programa sesiones de Serial Sitges –la sección del Festival patrocinada por FNAC dedicada a las series de televisión, que también se proyecta en la Sala Tramuntana–, así como una maratón zombie como colofón a la Sitges Zombie Walk (sábado 8, por la noche) y otros títulos de género que completan la parrilla de la 49ª edición del certamen.
Entre las series que Movistar+ lleva a Sitges hay diversas premières, como The Living and the Dead (Los vivos y los muertos), dirigida por Alice Troughto y que cuenta con Colin Morgan y Charlotte Spencer en el reparto, así como la esperada Historias improbables de Neil Gaiman (Likely Stories) y de la que se verán cuatro episodios en Sitges. Otro de los platos fuertes programados en el Festival bajo el sello de Movistar+ son cuatro capítulos dirigidos por Paco Plaza de la tercera temporada de Penny Dreadful, la serie protagonizada por Eva Green que se adentra en lo desconocido y sobrenatural de la mano de los personajes más icónicos de la literatura gótica del siglo XIX.
La programación se completa con series como Séction Zero (dirigida por Olivier Marchal, con Ola Rapace), Tú, yo y el Apocalipsis (dirigida por Saul Metzstein, Tim Kirkby, Michael Engler), Timeless, la nueva serie de viajes en el tiempo creada por el canal NBC, y la segunda temporada de Mr. Robot, dirigida por Sam Esmail y protagonizada por Christian Slater, Rami Malek, Portia Doubleday. En la sección Serial Sitges no podía faltar Juego de Tronos, de la que se proyectará el apasionante noveno episodio de la sexta temporada ‘La batalla de los bastardos’, dirigido por Miguel Sapochnik por el que acaba de ganar el Emmy.
El Espai Movistar+ también acogerá una maratón zombie la noche del sábado 8, tras la multitudinaria Sitges Zombie Walk, con los títulos Wyrmwood (La carretera de los muertos), El más allá y Extinction. Otras cintas que se verán en esta sala son Los invasores del espacio, Lo que hacemos en las sombras, Dune, Turbo Kid o Bloodsucking Bastards.
Así mismo, el espacio #CineBasura, de Movistar Xtra contará este año con una doble propuesta: La peli, codirigida por Paco Fox y Miguel Ángel Viruete (en Sala Tramuntana) y Double Dragon, de James Yukich (en Espai Movistar+).
El #TourMovistarPlus viene acompañado por cuatro sets de series en tamaño real en los que los fans podrán hacerse fotos con los personajes de sus series favoritas: Juego de Tronos, Orange is the New Black y Penny Dreadful. Y siguiendo con las novedades, dento del espacio Samsung Sitges Cocoon, el aficionado podrá disfrutar de una increíble experiencia de realidad virtual que causó sensación en la pasada Comic-Con. Se trata de una experiencia inmersiva en la vida del protagonista de la serie Mr.Robot, Elliot.
Pero el sello Sitges se extende mucho más allá del propio Festival, ya que Movistar Xtra (dial 32) se convertirá entre el 7 y el 16 de octubre en un canal Sitges, en el que programará maratones, películas, series y otros espacios dedicados al Festival y su filmografía. De hecho, desde principios de septiembre, el canal ya proyecta una selección de tráilers de algunos de los títulos de la programación oficial de Sitges.
PROGRAMACIÓN EN EL ESPAI MOVISTAR+
Entrada gratuita
SÁBADO 8
12h SERIAL SITGES: HISTORIAS IMPROBABLES (LIKELY STORIES), 4 episodios, Neil Gaiman, Reino Unido
18h SERIAL SITGES: JUEGO DE TRONOS, EP 9 / T6, Miguel Sapochnik, 69’, Estados Unidos
20.15h #CineBasura con DOUBLE DRAGON, James Yukich, 96’, Estados Unidos
Maratón Zombie Walk Sitges:
22h WYRMWOOD (LA CARRETERA DE LOS MUERTOS), Kiah Roache-Turner, 92’, Australia
23.35h EL MÁS ALLÁ, Lucio Fulci, 87’, Italia
01.00h EXTINCTION, Miguel Ángel Vivas, 110’, España
DOMINGO 9
11h SERIAL SITGES: HALCYON, 10 episodios de 3 min. c/u, 35’, Reino Unido
12h LOS INVASORES DEL ESPACIO, Kinji Fukasaku, 105’, Japón
17h DUNE, David Lynch, 137’, Estados Unidos
LUNES 10
17h BLOODSUCKING BASTARDS, Brian James O’Connell, 86’, Estados Unidos
18.30h TURBO KID. Anouk Whissell, François Simard & Yoann-Karl Whissell, 93’, Canadá
20.30h LO QUE HACEMOS EN LAS SOMBRAS, Taika Waititi, 86’, Nueva Zelanda
MARTES 11
18h SERIAL SITGES: TÚ, YO Y EL APOCALIPSIS T1 Ep 1, Neil Marshall, 43’, Reino Unido
19h SERIAL SITGES: MR. ROBOT, Ep 2, Sam Esmail, 41’, Estados Unidos
20h SERIAL SITGES: TIMELESS, Neil Marshall, 59’, Reino Unido
MIÉRCOLES 12
11h SERIAL SITGES: HISTORIAS IMPROBABLES (LIKELY STORIES), Neil Gaiman, (4 episodios de 30 min c/u), Reino Unido
13h SERIAL SITGES: THE LIVING AND DEAD, Alice Troughto, 59’, Reino Unido
17h SERIAL SITGES: PENNY DREADFUL T3 / 4 episodios dirigidos por Paco Cabezas, caps 5 (54’), 6 (49’), 7 (57’) i 9 (56’), Estados Unidos
TerrorMolins 2016: Todas las novedades
BRUNDLEFLY Y LA NUEVA CARNE
LA MOSCA 96 min
Director: David Cronenberg
Guión: Charles Edward Pogue y David Cronenberg, basado en un relato de George Langelaan
Música: Howard Shore
Fotografía: Mark Irwin
Montaje: Ronald Sanders
Intérpretes: Jeff Goldblum, Geena Davis, John Getz, Joy Boushel, Leslie Caron, George Chuvalo
Tráiler
JURADO 2016
Este año, el jurado estará formado por:
Ashley C. Williams: Actriz norteamericana, ganadora en 2014 del premio del Festival a la mejor actriz gracias a su impactante interpretación en la película Julia (Matthew A. Brown). También es conocida por el papel de Lindsay en The Human Centipede (Tom Six, 2009).
Howard Gorman: Periodista y guionista nacido en Huddersfield, pero afincado en Bilbao desde hace años. Escribe habitualmente en webs de género tales como Blumhouse, Rue Morgue, Dread Central, Shock Till You Drop o Tom Holland’s Terror Time. Es representante en España de la Crypt TV de Eli Roth.
Paco Rodríguez Prieto: Responsable de cine de Movistar+. Licenciado en Comunicación Audiovisual por la Facultad de Sevilla, se diplomó en Producción Cinematográfica el ECAM. Con el nombre artístico de Paco Fox, ha participado en tres libros. Actualmente, tiene pendiente de estreno su primera película como director, Cine Basura: La peli.
PELÍCULA INAUGURAL
El Festival arrancará con la película española La Madriguera, una premier europea para estrenar esta edición. Se trata de una ópera prima rodada íntegramente en Almería y con guión del propio director Kurro González con Francisco Conde, que a su vez también ejerce de productor y de protagonista principal, con una actuación inquietante y perturbadora, en una historia clásica de suspense. La proyección será el viernes 11 de noviembre a las 22h.
LA MADRIGUERA (Kurro González)
Duración: 118 min Productor: Francisco Conde Guión: Francisco Conde y Kurro González
Música: Luis Herrero “The Youth” Fotografia: Alberto Muñoz
Intérpretes: Francisco Conde, Adriana Torrebejano, Cristina Muñoz, Carlos Santos
Sinopsis: A causa de un trágico suceso, Carlos ha perdido las ganas de escribir, pero su editor insiste en que cumpla con su contrato y le envía a Caterina, una joven ayudante que le echará una mano. Carlos ve en ella la oportunidad de volver a escribir y no está dispuesto a dejarla escapar. Nunca.
PELÍCULA DE CLAUSURA
El viernes 18 de noviembre a las 22h, la película The Neon Demon será la encargada de clausurar el Festival, previamente a la maratón de 12 Horas del sábado y que cerrará definitivamente el Festival de este año. Dirigida por el siempre polémico Nicolas Winding Refn y que nos sirve de ejemplo para el lema de este año: Ser diferentes nos hace únicos. Una peli no apta para todos los públicos pero que, si os dejáis llevar, os embrujará con su extraña y macabra belleza.
THE NEON DEMON (Nicolas Winding Refn)
Duración: 118 min Guión: Nicolas Winding Refn, Mary Laws i Polly Stenham Música: Cliff MartínezFotografía: Natasha Braier
Intérpretes: Elle Fanning, Christina Hendricks, Keanu Reeves, Karl Glusman
Sinopsis: Jesse es una joven aspirante a modelo que se acaba de mudar a Los Ángeles. Su juventud y su gran vitalidad serán devoradas por un grupo de chicas, auténticas bellezas obsesionadas con arrebatárselo todo a Jesse utilizando los medios que consideren necesarios.
SECCIÓN OFICIAL COMPETITIVA DE LARGOMETRAJES
Aparte de las películas de inauguración y clausura, el resto de trabajos que entran en la Sección Oficial Competitiva de esta edición son las siguientes:
DARLING (Mickey Keating)
Duración: 78 min Guión: Mickey Keating Música: Giona OstinelliFotografía: Mac Fisken (B&W)
Intérpretes: Sean Young, Larry Fessenden, Lauren Ashley Carter, Helen Rogers.
Tráiler
TRAIN TO BUSAN (Yeon Sang-Ho)
Duración: 118 min Guión: Yeon Sang-Ho Música: Jang Young-gyu Fotografía: Lee Hyung-deok
Intérpretes: Kim Soo-ahn, Dong-seok Ma, Yoo Gong, Woo-sik Choi
Tráiler
THE GIRL WITH ALL THE GIFTS (Colm McCarthy)
Duración: 111 min Guión: Mike Carey Música: Cristóbal Tapia de Veer Fotografía: Simon Dennis
Intérpretes: Gemma Arterton, Glenn Close, Paddy Considine, Anamria Marinca
Tráiler
DOWNHILL (Patricio Valladares)
Duración: 85 min Guión: Barry Keating, Patricio Valladares Música: Luigi Seviroli Fotografía: Cristian Ali Venegas
Intérpretes: Natalie Burn, Bryce Draper, Luke Massy, Ariel Levy, Ignacia Allamand
Tráiler
WE GO ON (Jesse Holland i Andy Mitton)
Director: 89 min Guión: Jesse Holland i Andy Mitton Música: Andy Mitton Fotografía: Jeffrey Waldron
Intérpretes: David Bickford, Justin Carpenter, Norio Chalico, Jay Dunn
Tráiler
THE EYES OF MY MOTHER (Nicolas Pesce) Duración: 76 min Guión: Nicolas Pesce Música: Ariel Loh Fotografía: Zach Kuperstein
Intérpretes: Kika Magalhaes, Will Brill, Diana Agostini
Tráiler
I AM NOT A SERIAL KILLER (Billy O’Brien)
Duración: 104 min Guión: Christopher Hyde, Billy O’Brien Música: Adrian Johnston Fotografía: Robbie Ryan
Intérpretes: Max Records, Christopher Lloyd, Laura Fraser, Karl Geary
Tráiler
TEAR ME APART (Alex Lightman)
Duración: 86 min Guión: Tom Kerevan Música: Alex Lightman, Richard Lightman Fotografía: Ernesto Herrmann
Intérpretes: Alfie Stewart, Frazer Alexander, Jennie Eggleton, Jon Campling
Tráiler
LAKE BODOM (Taneli Mustonen)
Duración: 90 min Guión: Aleksi Hyvärinen, Taneli Mustonen Música: Panu Aaltio Fotografía: Daniel Lindholm
Intérpretes: Mimosa Willamo, Nelly Hirst-Gee, Mikael Gabriel
Tráiler
THE AUTOPSY OF JANE DOE (André Ovredad)
Duración: 99 min
Guión: Ian B. Goldberg, Richard Naing
Música: Danny Bensi, Saunder Jurriaans
Fotografía: Roman Osin
Intérpretes: Emile Hirsch, Brian Cox, Ophelia Lovibond, Michael McElhatton
LET HER OUT (Cody Calahan)
Duración: 89 min Guión: Adam Seybold Música: Steph Copeland Fotografía: Jeff Maher
Intérpretes: Alanna LeVierge, Nina Kiri, Adam Christie, Kate Fenton
Tráiler
KRISTEN (Mark Weistra)
Duración: 86 min
Guión: Mark Weistra
Música: Johan van der Voet
Fotografía: Marc Redmeijer
Intérpretes: Terence Schreurs, Poal Cairo, Ronald Top
Tráiler
(El dia 1 de octubre os daremos a conocer todos los títulos restantes)
SESIONES RETROSPECTIVAS
Además de la proyección de The Fly y de la película sorpresa de las 12 Horas, la que, obviamente, no desvelaremos, también se proyectará una más con la temática de este año:
X: THE MAN WITH THE X-RAY EYES (Roger Corman)
Duración: 80 min Guión: Robert Dillon, Ray Russell Música: Les Baxter Fotografía: Jeff Maher
Intérpretes: Ray Milland, Diana Dervlis, Harold J. Stone, John Hoyt
Sinopsis: James Xavier, un científico de prestigio internacional, decide probar consigo mismo un peligroso suero que proporciona visión de rayos X.
Tráiler
Aquí pueden ver la programación completa.
A DESTACAR
Trailer
SESIÓN CINE ORIENTAL
¡AVISO! Se trata de una sesión trash, para reír y disfrutar del cine oriental más desenfadado
OTRAS ACTIVIDADES
Un año más, las dos agrupaciones de comerciantes del municipio colaboran con el Festival por tal que se respire un autentico ambiente cinematográfico también en las calles y viviendas de Molins de Rei.
También destacar que contamos con la colaboración de la Regidoria de Turisme i Comerç de l’Ajuntament de Molins de Rei y el Consorci de Turisme del Baix Llobregat.
El martes 25 de octubre por la tarde tendrá lugar en el FNAC-Triangle la proyección de cortos de la pasada edición y la presentación de las últimas novedades del Festival.
De Narciso Ibáñez Menta a Narciso Ibáñez Serrador
De niños muchos iniciamos nuestra enfermedad por el coleccionismo recopilando recortes proveniente de prensa, o de donde fuera, con referencia a nuestros más admirados ídolos. Yo recuerdo (y parcialmente conservo) mis carteleras de películas de Bruce Lee recortadas de los periódicos. Los atesoraba en una caja, mucho antes de saber que podría llegar a comprar los carteles originales. Otros coleccionistas los pegaban en un libro. El mismo Bela Lugosi tuvo varios libros de recortes sobre su carrera que han terminado en la colección privada de algún coleccionista. Yo he comprado alguno, vaya usted a saber recopilados por quien, realizados con tal cariño que retrotraen a uno a otros tiempos en los que internet era tan solo un sueño surgido de la calenturienta mente de algún escritor de ciencia ficción.
Actualmente se han editado en forma de libro algunos de estos scrapbooks, que son como se llaman en inglés. No deja de ser información de primera, alguna muy difícil de encontrar, del día a día de nuestros más admirados astros y realizados a base de escarbar entre cientos de amarillentas publicaciones. Y eso es lo que ha realizado el director argentino Gustavo Leonel Mendoza, que ya reunió hace unos años unas cuantas piezas vivientes del puzzle que conforma la vida y obra de su admirado Narciso Ibáñez Menta en el documental Nadie inquietó más. Labor que ahora complementa con este libro en forma de extenso álbum de recortes con el que repasamos la vida profesional de los dos Narcisos, padre e hijo: Narciso Ibáñez Menta y Narciso Ibáñez Serrador.
Pero Gustavo nos ofrece mucho más que valiosos recortes. Ha querido incluir en su libro, además de ese cuerpo principal compuesto por infinidad de retazos de prensa y raras imágenes, entrevistas a Narciso Ibáñez Menta, además de a Ibáñez Serrador, Paul Naschy, Sebastián D’ Arbó y Manuel Galiana, de cuando realizó el documental Nadie inquietó más. Además de contar con importantes colaboradores como Ángel Gómez Rivero, que realiza un extenso prólogo que, en si mismo, es todo un artículo; Miguel Ángel Plana, que cede una extensa entrevista a Ibáñez Menta; o una entrevista que yo mismo realicé al el autor y el escritor Leando D’Abrossio (co-autor del libro Narciso Ibáñez Menta, el artesano del miedo), que ilustra al lector español sobre el impacto que tuvo la obra, sobre todo televisiva, de Ibáñez Menta para el público argentino. Sin olvidar más imágenes cedidas Matías Gil Robert, Leandro D’Ambrossio, Raúl Manrupe, Jorge Juan Adsuara y yo mismo. Todo ello coronado con una magnífica cubierta diseñada por Jairo Guerrero. Casi 250 páginas a color editadas lujosamente por Museo Fantástico, editorial tras la que se encuentra Jorge Juan Adsuara, uno de los organizadores del festival Fantasti’CS de Castellón.
De Narciso Ibáñez Menta a Narciso Ibáñez Serrador se va a presentar el domingo 9 de octubre a las 17 horas en la Carpa Fnac del Festival de Sitges contando con el autor, el editor y parte de los colaboradores, y allí podrán hacerse con él, pero para que vayan haciendo boca mientras llega ese día, Proyecto Naschy les ofrece esta entrevista con el autor, Gustavo Leonel Mendoza, en la que nos cuenta todos los pormenores de su libro.
ENTREVISTA A GUSTAVO LEONEL MENDOZA
¿De qué viene tu admiración por Ibáñez Menta?
Desde muy chico ya que había visto sus películas y las coleccionaba en VHS. Mi primer recuerdo fue ver el capítulo «Freddy», de Historias para no dormir, por el año 83’, que se pasó en televisión argentina. Decir que no me dejó dormir es un cliché, pero es verdad.
Gustavo junto a Narciso Ibáñez Serrador durante la entrevista que le realizó para el documental ‘Nadie inquietó más’
¿Qué es lo que más te atrae de él como actor?
La manera de ser tan maleable en sus caracterizaciones. Podía representar al tipo más ordinario y hasta ser el más malvado de los hombres, como el Hitler que hizo para la TV argentina. Además de ser uno de los pocos actores que se auto-caracterizaban (el otro fue Lon Chaney Sr.). Hoy no debe existir un actor que haga eso. Me interesaba también porque Narciso fue un referente del género de terror (mi género preferido), sublimábamos nuestros miedos viendo y escuchando sus magníficas historias.
Háblanos de tu documental ‘Nadie inquietó más’ ¿Por qué decidiste hacerlo? ¿Fue muy complicado? ¿Cuál ha sido el balance del mismo desde su estreno?
Como te decía antes, era muy fan de Narciso padre y también del hijo. De pre-adolescente, miraba una serie televisiva en Argentina llamada “El pulpo negro”, donde Narciso Ibáñez Menta era un escritor que contrataba asesinos para que le cuenten a él, como hacer el crimen perfecto. Incluía un divertido merchandising de un pulpo negro de goma con el que jugaba. La obra fue escrita por Luis Murillo y luego Sebastián D’ Arbó hizo una película llamada “Cena de asesinos”.
El primer contacto que tuve con Ibáñez Menta fue en 1996, cuando hacía el filme documental en SVHS “Terror en el cine argentino”. Me contacté con él por José Martínez Suárez, quien lo había dirigido en “Los muchachos de antes no usaban arsénico”. Lo llamé por teléfono y me regaló 40 minutos mágicos plenos de sabrosas historias de vida.
En el 1997, le rindieron un homenaje en el festival de cine de Mar del Plata, exhibiendo “La bestia debe morir”, Narciso Sr. estaba invitado y pude ver la película a pocos metros de él ¡Tenía a mi ídolo en la pantalla y tan cerca!
Ibáñez Menta dedicándole a Gustavo el affiche de ‘Obras maestras del Terror’
Como había estudiado cine con José Martínez Suárez, me hizo el contacto para entrevistar a Narciso y platicar con él durante hora y media. Le regalé el afiche de “Obras maestras del terror”, que por suerte no tenía. Generalmente los frikis y los coleccionistas como yo, tenemos miles de veces más material que los que los hacen realidad. Cuando conocí a Chicho observé lo mismo. Ibáñez Menta pasa al mundo inmaterial y a convertirse en leyenda (aunque ya lo había sido en vida) y luego de 2 meses de depresión, decido hacer el documental. Fue arduamente complicado, porque no tuve ayudas ni subsidios de ningún tipo, salvo de amigos y coleccionistas que aportaron su valioso material, sumado al mío, para este homenaje. 5 años y medio de trabajo. Lo exhibí en muchas muestras y festivales, aquí en Latinoamérica y Europa. Incluido Sitges, donde ahí toqué el cielo.
¿Se hará el documental que tenías planeado sobre Narciso Ibáñez Serrador?
Lamentablemente no. Cuando lo entrevisté a Chicho en el 2007, ya tenía pensado hacerle preguntas para preparar un homenaje a su fantástica obra (en parte ya lo había hecho en Nadie Inquietó Más, porque fui el primero en un documental de hablar sobre las Historias para no dormir). Ya venía haciendo algunas entrevistas y buscando material gráfico, para este proyecto documental. Era necesario comunicarme con la familia. Hablé con la simpatiquísima secretaria Paloma, con su maravillosa ex mujer Susana Canales, porque pensaba ir a España a entrevistarlas. Hablo con el también simpático hijo de Chicho, Alejandro Ibáñez Nauta. Y me cuenta de manera muy amable, que él también está haciendo un homenaje a su padre. Ahí yo no podía competir. Es su hijo. Si yo tuviera un padre como él, lo hubiera hecho también. Así que le dije que no iba a continuar, que haría otra película. Ahora espero con ansias ese film.
¿Nos hablas del resto de tus documentales? ¿Tienes alguno en marcha?
El otro que es amateur y también filmado en el viejo sistema VHS es “Argentina Bizarra”, y es sobre el cine bizarro o psicotrónico filmado en Argentina. Isabel Sarli, Narciso Ibáñez Menta, Emilio Vieyra están en él. Disponible para ver en youtube.com. Tengo uno sobre el cine de género y fantástico en marcha con importantísimos entrevistados, filmado en el Festival de Sitges 2015 y el de Buenos Aires Rojo Sangre, con ayuda de amigos de Valencia y Aukland (Nueva Zelanda) del cual quiero dejar misterio, por lo menos hasta que esté terminado.
Padre e hijo se reencuentran en el entierro de Pepita Serrador, madre de Chicho.
¿Cómo nace la idea de ‘De Narciso Ibáñez Menta a Narciso Ibáñez Serrador?
Surgió de parte de mi gran colección sobre los dos Narcisos. Le cuento al amigo Jorge Juan Adsuara (Director del festival de cine fantástico de Castellón “Fantasti’cs”), que lo conocí en Sitges del 2009, cuando allá pasé NIM, luego nos intercambiamos material cinéfilo hasta ahora. Ya que poseo mucho material gráfico de los Narcisos, parte de mi colección anterior, sumada a la investigación de Nadie Inquietó Más. Con todo eso, le pregunté si se podría hacer un libro de fotos. Le pasé algunas imágenes y le encantó el proyecto. Luego estuve varios meses escaneando y así surgió el “Scrapbook”.
¿Coleccionabas todo ese material? ¿De donde ha salido en su mayor parte?
Sí. Como te contaba antes, viene de mi fanatismo por Narciso Sr y Jr. También pude conseguir una colección alucinante de un fanático recolector de viejas revistas y recortes de periódicos, donde todo, pero todo, todo, lo que aparecía sobre ellos, lo plasmaba en unas hojas de trabajo. Las pegaba y con eso hizo dos carpetas. Lo que me pareció más interesante lo seleccioné. Está contado desde los inicios de Ibáñez Menta, pasando por el cine y la televisión. Lo mismo con Chicho. También tuve ayuda tuya Carlos, de Miguel Angel Plana Lopez, de Matías Gil Robert, Jorge Adsuara, Leandro D’ Ambrosio, etc.
Has estado en diversas ocasiones en el festival de Sitges. Estuviste, por ejemplo, recientemente
Sí, disfrutando del Festival de Festivales (Como dice Luis Miguel Rosales), viendo el mejor cine fantástico del mundo, estando con amiguetes como los de Serendipia Nashy, comiendo deliciosas tapas y disfrutando la sangría. ¡Y entre medio de todo eso, con mi novia Maro filmando el festival! Ah, y estuve como conté antes en el 2009.
¿Tienes previsto venir a España a presentar o promocionar el libro? Añade lo que quieras
¡Ah! ¡Me encantaría! En mi país, Argentina, estamos viviendo una de las más difíciles situaciones económicas, el neoliberalismo vigente es devastador. A pesar de todo eso, haré lo imposible. ¡Y nos saludaremos! Y a los amiguetes del fantástico que sigan mirando buenas películas y leyendo publicaciones del tema. Tengamos cultura de los que nos precedieron para seguir siendo mejores personas. ¡Cordial abrazo!
No lo olviden, tienen una cita con los Narcisos, Gustavo Leonel Mendoza, Jorge Juan Adsuara, Miguel Ángel Plana, Ángel Gómez Rivero y posiblemente más invitados conectados con los dos artesanos del miedo en el Espacio Fnac del Festival de Sitges el domingo 9 de octubre a las 17 horas.
Serendipia
Proyecto Naschy 
Últimos comentarios