‘Sordo’, protagonizada por Asier Etxeandía, se estrena el próximo 13 de septiembre
La película de Alfonso Cortes-Cavanillas, producida por La Caña Brothers, llegará a salas distribuida por Filmax
El largometraje Sordo, dirigido por Alfonso Cortés-Cavanillas y producido por La Caña Brothers, se estrenará en salas de toda España el 13 de septiembre, después de haber sido presentada en la sección oficial del Festival Internacional de Cine de Málaga el pasado mes de marzo.
Sordo, protagonizado por Asier Etxeandia, cuenta con un reparto de excepción encabezado por Aitor Luna, Hugo Silva, Imanol Arias, Marian Álvarez y Olimpia Melinte.
Inspirada en el cómic Sordo, y ambientada en el momento histórico de la denominada Operación Reconquista, en 1944, narra la huida de un maqui perseguido y asediado por el Ejército, tras haber quedado sordo en una acción de sabotaje.
Sordo es una película épica, con narrativa de western y de grandes personajes. La lucha por la supervivencia y la incomunicación que surge en tiempos de conflicto son claves en la historia de su protagonista, Anselmo Rojas.
LA IMPORTANCIA DEL SONIDO Y LA FOTOGRAFÍA
El trabajo de sonido y la fotografía de la película, son dos elementos fundamentales en el largometraje, y vienen de la mano de creadores de La Caña Brothers de larga trayectoria, como son Daniel Rodrigo y Adolpho Cañadas.
A través del sonido, el espectador puede sentir fielmente el aislamiento y la agonía del protagonista en su huida. La película, con una acción frenética y grandes persecuciones, tiene momentos de absoluto silencio y otros con un gran diseño sonoro
Sordo es el segundo largometraje del director y de la productora La Caña Brothers que, tras una larga trayectoria en la producción audiovisual con programas informativos y documentales, apuesta actualmente por los formatos de ficción, tanto en cine como en televisión.
El Fantastic 7 triunfa en un Cannes comprometido con el género
La iniciativa, que reúne a siete festivales de todo el mundo, llenó el Palais K en el certamen francés
El Festival de Sitges ha protagonizado en Cannes una jornada dedicada al fantástico. La presentación del proyecto Fantastic 7, el pasado domingo, disfrutó de una acogida entusiasta y una numerosa asistencia de la industria del género llegada de todos los puntos del planeta. El terror, la ciencia ficción y la fantasía se encuentran más en forma que nunca en la capital mundial del cine.
El Festival de Sitges, a través de la subdirectora de la Fundación, Mònica Garcia, y conjuntamente con el Marché du Film del Festival de Cannes y el fundador de Blood Window, Bernardo Bergeret, ha creado Fantastic 7, un foro destinado a fomentar el talento dentro de la industria del género y favorecer su conexión con socios comerciales potenciales. Fantastic 7 celebró su primera edición el pasado domingo, 19 de mayo, en un Palais K atestado. Asistieron el Ministro de Cultura y Deporte, José Guirao; la directora del ICAA, Beatriz Navas; el director del ICEC, Miquel Curanta; el director de su área audiovisual, Francisco Vargas, así como otros representantes de instituciones y organismos relacionados con la industria audiovisual.
La sesión, apadrinada por el director J.A. Bayona, reunió a siete festivales internacionales: Bucheon International Fantastic Film Festival (Corea del Sur), el Cairo International Film Festival (Egipto), el Festival Internacional de Guadalajara (México), el International Film Festival & Awards de Macao (China), el South by Southwest de Austin (Estados Unidos), el Festival de Toronto (Canadá) y el Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. Cada festival defendió, a través de un pitching, una propuesta de género fantástico. El proyecto que presentó Sitges –en forma de una performance que provocó gritos y sonrisas entre los asistentes– es la nueva producción del cineasta vasco Juanma Bajo Ulloa, Baby, producida por Ferran Tomàs.
Durante la tarde del mismo domingo, los festivales de cine fantástico se volvieron a encontrar en el Fantastic Fanatics Mixer, un acontecimiento que reúne desde hace algunos años a los actores clave en el campo del género. El Festival de Cannes demuestra, cada vez más, una tendencia ampliamente favorable al cine fantástico, tanto en cuanto a la programación como a los eventos paralelos. Una orientación que se adapta plenamente al panorama cinematográfico actual, donde el género suscita un gran interés que se hace patente tanto en la taquilla como en los grandes certámenes.
Las lecturas de Serendipia: ‘Dracula’ de Mike Mignola y Roy Thomas
En 1992 se estrenaba Bram Stoker’s Dracula, monumental homenaje de Francis Ford Coppola más que a la propia novela del escritor irlandés, al universo cinematográfico creado por las diferentes versiones que sobre el personaje rodaron desde F. W. Murnau a John Badham sin descuidar, naturalmente, a Tod Browning y Terence Fisher.
La película agradó y desagradó por igual, pues si bien por un lado era visualmente rica y respetaba el modelo epistolar de la novela, por el otro la traicionaba a lo grande mostrando al vampiro como un ser enamoradizo y pasional, algo que el personaje original no lo era ni por asomo, poniendo además en su boca (o mejor dicho, en la de Gary Oldman), algunas frases que han pasado a engrosar el museo de los horrores. Pero en todo caso y dejando al margen la escasa fidelidad al texto original algo, por otra parte, habitual en todas las adaptaciones de la novela de Stoker a la pantalla, creemos firmemente que el tiempo ha tratado bien la cinta, poniéndola en su lugar entre las mejores versiones del mito.
Un año después de su estreno, la película de Coppola fue adaptada al noveno arte por un equipo compuesto por el dibujante Mike Mignola y el guionista Roy Thomas y publicado en formato miniserie de cuatro números por Topps Comics con una tirada, sino limitada, si bastante reducida. El resultado fue magnífico. Soberbio. Pues ambos creadores resultaron ideales para convertir esa adaptación en mucho más que una copia rotoscópica del filme. De hecho Mignola había participado en la producción cinematográfica, por lo que captó en sus viñetas la atmósfera del filme, enriqueciéndola con la oscuridad que tan bien sabía desplegar, tal y como había demostrado en su magistral interpretación del hombre murciélago: Gotham by Gaslight (Batman. Luz de gas, publicado en 2003 por Norma), trazo que confirmaría en su creación maestra, Hellboy, y en otros comics como el reivindicable The Amazing Screw-On Head (El asombroso cabeza de tornillo) publicado también en España, al igual que la serie Hellboy, por Norma Comics. Pero el trabajo de Mignola en Drácula resulta de especial importancia, pues tanto el dibujo como la atmósfera fueron, sin ningún género de duda, un punto de partida para Hellboy.
Roy Thomas, por su parte, tiene su nombre unido al sello Marvel desde los años sesenta, donde ha realizado sobre todo guiones para personajes de espada y brujería como Red Sonja, Salomon Kane y, especialmente, Conan, así que está habituado a las atmósferas sobrenaturales. Además, no sería esta la primera ni única ocasión en la que se toparía con el no muerto, pues participó tanto en la serie Drácula Lives! de Marvel en los setenta como, posteriormente y junto a Esteban Maroto, en Dracula: Vlad the Impaler (2019), donde volvería a encontrarse con el personaje histórico que inspiró a Bram Stoker.
El Dracula de Topps salió en España en forma de tomo de la mano de Ediciones B, y al igual que en el resto del mundo, no pudo volver a ser editado desde entonces por problemas legales, provocando que se convirtiera en uno de los comics más buscados y cotizados por los coleccionistas, algo que afortunadamente se ha visto solventado con la lujosa edición que ha efectuado Norma tan solo unos meses después de que lo hiciera IDW en Estados Unidos.
Editado en tapa dura, con lomo de tela, un tamaño bastante más grande que el habitual y un papel excelente, que destaca aún más los cortantes contrastes entre el blanco y negro, entre la luz y la oscuridad con la que Mignola tiñe la historia, ya serían estas características más que suficientes como para considerar la edición de Norma mucho más que una simple reedición. Pero sin duda lo que la hace especial es que, al igual que la versión americana, ha sido reproducida en blanco y negro y no en color, como el original, dando una nueva dimensión al productor acercándolo a los viejos cómics de terror de Warren, que tantas alegrías dieron al aficionado, así como al mejor cine clásico, en el que como hemos señalado, se inspira la cinta de Coppola.
Personalmente somos de la opinión de que el blanco y negro sienta de maravilla a la historia. Las líneas de Mignola y sus manchas de negro resultan más impactantes, ofreciendo una experiencia más intensa al lector. Lector que si a pesar de todo prefiere tener el álbum en color, tan solo deberá ser paciente, pues al parecer también se editará de esa forma en un futuro.
El propio Mignola celebra esta nueva edición de Drácula:
“No puedo expresar qué alivio es poder volver a editar este cómic. La gente ha estado preguntando por él durante años, más que cualquier otro cómic mío, y sinceramente pensaba que no iba a ser posible ver una nueva edición, pero aquí llega. No suelo ser fan de mis antiguos trabajos, pero creo que éste se sostiene por sí mismo. Dejando de lado que estaba adaptando una película (lo cual tiene su propio abanico de problemas), creo que hay algo de buen dibujo y narrativa en él. Es una de las pocas viejas obras de las que estoy bastante orgulloso”.
Cada plancha del álbum merece ser vista detenidamente, disfrutada. Además, el libro incluye algunas fotocopias realizadas por el encargado de entintar el trabajo de Mignola, John Nyberg, efectuadas antes de realizar su trabajo y que servirán para admirar el trabajo a lápiz del artista. También podremos disfrutar de los originales de algunas de las portadas de los comic book de Topps.
En resumen, una pieza que no debería falta en la biblioteca de todo aficionado serio al cine fantástico y al menor cómic y que gracias a Norma Comics vuelve a estar disponible.
VAMOS DE ESTRENO (o no) *Viernes 17 de mayo de 2019 *
SOMBRA (Shadow, Zhang Yimou, 2018)
China/HK. Duración: 116 min. Guion: Zhang Yimou, Wei Li Música: Lao Zai Fotografía: Xiaoding Zhao Productora: Village Roadshow Pictures Asia / LeVision Pictures Género: Drama
Reparto: Deng Chao, Li Sun, Ryan Zheng, Guan Xiaotong
Sinopsis: El condado de Pei (Peixian) está bajo la administración de un rey salvaje y peligroso (Zheng Kai). El comandante militar de su ejército (Deng Chao), aunque ha demostrado su valía en el campo de batalla, se ve forzado a emplear toda clase de sucias estratagemas para poder sobrevivir a las traiciones que se suceden en la corte del rey. Para ello ha creado una «sombra» (interpretada por el propio Chao), un doble que es capaz de engañar al mismísimo rey y a sus enemigos cuando la situación lo requiere. Cuando el rey y el comandante deciden asediar la ciudad amurallada de Jing, comenzará un combate sin igual que sacudirá los cimientos de la corte de Peixian.
El yin y el yang son dos conceptos del taoísmo que son usados para representar o referirse a la dualidad que esta filosofía atribuye a todo lo existente en el universo. Describe las dos fuerzas fundamentales opuestas y complementarias, que se encuentran en todas las cosas. Y esta fuerza, eternamente enfrentada, pero complementaria, es la que ha utilizado Yimou para mostrar el combate por la recuperación de la ciudad de Jing, pero también la lucha de ese doble, de esa ‘sombra’ por recuperar la personalidad arrebatada por el general que lo ha entrenado para suplirle en situaciones de riesgo. También se reflejará esta dualidad en la espectacular toma de la ciudad de Jing, utilizando ‘lo femenino’ contra lo masculino. La estrategia contra el músculo.
En su reinterpretación del clásico Tres reinos, Zhang Yimou ofrece al espectador altas dosis de filosofía, a la que ha añadido magníficas coreografías de lucha y espectaculares escenas de acción que dejan en pantalla, y en nuestro subconsciente, un buen número de imágenes antológicas, evocadoras, reforzadas por ese tono gris que predomina en la fotografía, un gris tan solo roto con la carne y la sangre, únicas notas de color en un universo triste, en el que la continua y plomiza lluvia conseguirá repercutir en el ánimo del espectador. De manera inexorable e inevitable, como el enfrentamiento final. Gris como el acero.
A resaltar, finalmente, el magnífico trabajo de su protagonista, Chao Deng, que aborda un doble papel de manera magistral. Arte con mayúsculas.
HELLBOY (Neil Marshall, 2019)
USA. Duración: 120 min. Guion: Andrew Cosby, Christopher Golden (Cómic: Mike Mignola) Música: Benjamin Wallfisch Fotografía: Lorenzo Senatore Productora: Millennium Films / Campbell Grobman Films / Dark Horse Entertainment / Lawrence Gordon Productions Género: Fantástico
Reparto: David Harbour, Ian McShane, Milla Jovovich, Sasha Lane, Daniel Dae Kim,Thomas Haden Church, Penelope Mitchell, Sophie Okonedo, Brian Gleeson,Kristina Klebe, Alistair Petrie, Ashley Edner, Douglas Tait, Bern Collaco,Mario de la Rosa, Atanas Srebrev, Michael Heath, Ava Brennan, Mark Basnight,Eddy Shore, Tihomir Vinchev, Anthony Delaney, Vanessa Eichholz
Sinopsis: La Agencia para la Investigación y Defensa Paranormal (AIDP) encomienda a Hellboy la tarea de derrotar a un espíritu ancestral: Nimue, conocida como «La Reina de la Sangre». Nimue fue la amante del mismísimo Merlín durante el reinado del Rey Arturo, de él aprendió los hechizos que la llevaron a ser una de las brujas más poderosas… Pero la locura se apoderó de ella y aprisionó al mago para toda la eternidad. Hace siglos consiguieron acabar con esta villana, enterrándola profundamente, pero ha vuelto de entre los muertos con la intención de destruir a la humanidad con su magia negra.
Con un inicio con sabor a cine de terror clásico, situado en la Edad Media, pasamos a México, donde comenzará la acción y los mamporros con luchadores enmascarados, vampiros y Hellboy, que, socarrón y pendenciero, se hará con la película desde su primera aparición. Para esta primera aventura post-Del Toro, sus guionistas han dotado a la misma de todo el sabor pulp, con órdenes herméticas, referencias al ciclo Artúrico, fantasía épica, brujería, humor y Rock&Roll. Pero pronto la alegría comienza a decaer cuando vemos que, si bien la violencia está presente, no salpica la pantalla, pues la versión que nos ha llegado ha sido rebajada de hemoglobina, seguramente para que pueda exhibirse ante un público infantil. Y es un error, pues estamos hablando de una creación que en ningún momento ha estado destinada a ese público. Es un cómic para adultos y se espera que las películas también lo sean pero…
También el ritmo va acelerándose conforme avanza la acción hasta llegar a estar quizás un poco sobrada de pirotecnia y artificio, sobre todo en su tramo final y su prolongado clímax. Y a pesar de que retoma aspectos esenciales del personaje, como su dualidad, volviendo a plantear el enfrentamiento del personaje y sus dudas entre ceder al fatalismo o tomar las riendas de su destino, el resultado no deja de ser más superficial que en sus predecesoras.
Sin embargo, en la producción vemos buena voluntad, además de la participación de un competente David Harbour como Hellboy, igual que Sasha Lane como Alice. Lane es una actriz a la que habrá que seguirle la pista, pues tanto en papeles dramáticos en el cine indie (The Miseducation of Cameron Post o Hearts Beat Loud) como ahora en su salto al blockbuster, con mucho humor y acción, demuestra una gran personalidad y mucho oficio. Por su parte Milla Jovovich siempre es bienvenida a la fiesta, y aquí está más que bien como la maligna Reina Sangrienta.
En todo caso es un nuevo comienzo. Una nueva oportunidad para un personaje que tiene mucho que ofrecer y al que otorgamos un margen de confianza, pues su secuela parece estar más que cantada. O al menos anunciada. Ya saben, no marchen cuando se inicien los títulos de crédito finales.
Novedades Diábolo mayo-junio: zombies, Mariquita Pérez, Ágata Christie y Tim Burton
CÓMIC
Diábolo ha preparado para estos meses, en los que el invierno definitivamente va quedando atrás, unos lanzamientos editoriales para todos los gustos. Serendipia, naturalmente, está más que entusiasmado con el tercer volumen de la Biblioteca de Cómics de Terror de los Años 50, que en esta ocasión está dedicado a los apestosos zombis. Una lectura que sin lugar a duda va a ser muy estimulante. Como también lo será viajar al pasado, concrétamente a 1939 y visitar Colliure, donde el viejo poeta Machado agoniza en la más triste soledad, con Antonio Machado. Los días azules, uno de los comics que más interés ha despertado durante este año, como demuestra esta necesaria segunda edición. Más ligero resultará adentrarnos en la lectura de Miau, de José Fonollosa, que Diábolo reedita ahora a todo color.
CINE, COLECCIONISMO Y CULTURA POPULAR
Pero como es habitual, Diábolo también ha preparado algunos interesantes tomos dedicados al cine y la cultura popular. Con Los mundos de Agatha Christie, José Montijano, gran especialista en arte frívolo español del que ya comentamos alguno de sus libros, nos sorprende adentrándose en la vida y obra de la escritora por autonomasia de la novela policíaca y de misterio. Por su parte la muñeca Mariquita Pérez, que nuestras madres ni soñaron con poseer alguna vez, es la protagonista de Descubriendo a Mariquita Pérez, obra con la que sus autoras, Alicia Amigó y Salud Amores, repasan la historia, los modelos, vestidos y complementos de esta muñeca destinada a las clases más afortunadas de la España de postguerra. Finalmente Diábolo pone a la venta una edición ampliada del libro Tim Burton. Simios, murciélagos y jinetes sin cabeza, escrito por David G. Panadero y Miguel Ángel Parra del que ya les hablamos aquí y que se alarga para comentar Dumbo, la última película del genial director.
Hermenaute publica ‘Històries limítrofes’ sis relats en els límits del fantàstic
Editorial Hermenaute publica el llibre de relats Històries limítrofes de Pol Alonso Pernas, un homenatge al llegat de Joan Perucho i a un bon grapat de llegendes de Catalunya.
El llibre se suma a la col·lecció Medea de Fantàstic i ciència-ficció en català que es va inaugurar amb Malsons de Gat (diversos autors) i va donar a conèixer per primera vegada al lector en català l’obra de Tangi Malmanche, amb Kou el Corb i altres contes bretons (autor inèdit també en llengua castellana).
Històries limítrofes, de Pol Alonso Pernas, es presentarà al públic dins la 50 edició de la Ter-Cat, organizada per la Societat Catalana de Ciència Ficció i Fantasia SC2F2 el 24 i el 25 de maig.
Sinopsi
Com un preludi de l’any Perucho 2020, arriben les Històries limítrofes. Sis contes per explorar la zona difusa on els mites es tornen tangibles i la realitat pren connotacions esfereïdores. Un límit que ha persistit al llarg dels segles i persistirà encara, estenent-se entre nosaltres i el vast i misteriós mon de les llegendes, les conegudes i les que encara no s’han explicat.
«Aquest recull de relats de Pol Alonso Pernas situa al lector en el territori del que és intangible però, a la vegada, està arrelat a una idiosincràsia que ens determina com a arquetips en trànsit constant. Des dels Pirineus fins al riu Ebre, tots ens podem veure reflectits en aquests sis contes extraordinaris que tal vegada hem cregut escoltar en la veu d’un avi arrambat a la taula d’una fonda, com si fos una gàrgola perpètua, o bé hem somiat en forma de futur fosc i infinit, tal si fos una maledicció en vida. El mapa d’un territori també pot ser un estigma, una pell malalta o un país erm com el paisatge d’un malson. Esteu davant d’un llibre d’horror que us deixarà sense alè i què, en la línia de la literatura intempestiva de l’estimat Joan Perucho, vertebra amb estil detallista i enèrgic històries d’una realitat alterada; passatges d’una fonedissa connexió amb mites propers a la natura i la tradició; com les dones d’aigua o el tenebrós Dip». Lluís Rueda (editor)
Presentació d’Històries limítrofes
12:45 hores. 25 de maig (Llibreria la Font de Mimir- C/ Costa i Cuixart, 5)
http://www.hermenaute.com/libro.php?id_libro=26
Poster oficial para la 38 Edición de TerrorMolins
Tras el anuncio de las fechas de celebración y el leitmotiv del Festival, llega uno de los momentos más especiales para los responsables de TerrorMolins, la presentación del póster oficial, en esta ocasión obra del diseñador gráfico Joan Jarque.
El leitmotiv de esta edición es La Mirada Surrealista y en ese concepto se basa el póster de esta 38 edición de TerrorMolins 2019:
EL AUTOR DEL POSTER, JOAN JARQUE, EXPLICA SUS MOTIVACIONES
¿En qué elementos te has inspirado para elaborar el póster de la 38ª edición?
El cartel hace referencia a dos películas muy importantes en la historia del cine como son Un chien andalou y Blue Velvet, ambas relacionadas por distintos motivos al cine de terror. De hecho, al presentar el cartel en una reunión con los miembros del staff del terrorMolins, surgió la frase que creo que define la esencia del cartel: De la mano de Buñuel a la oreja de Lynch. Siendo estas dos las películas protagonistas del leitmotive de este año, la mirada surrealista, fue necesario hacerles un homenaje claro y evidente, por eso los elementos que componen el bodegón están relacionados con estas dos producciones.
¿Cómo ha sido el proceso de creación del póster?
Inspirado en la obra de Dalí pero utilizando la tecnología 3D, mi intención parte de la idea de crear un bodegón surrealista que recuerde a la época del cine clásico en blanco y negro, pero con un punto de color que rompe esta estética y lo convierte en una imagen surrealista de gran fuerza e impacto visual.
Las lecturas de Serendipia: ‘Robots de cine. De María a Alita’
ROBOTS DE CINE
DE MARÍA A ALITA
Jordi Ojeda
Diábolo Ediciones. Encuadernación en tapa dura. 304 pág. repletas de ilustraciones en blanco y negro y a todo color.
Que todo un doctor en ingeniería industrial con Máster en Producción Automatizada y Robótica escriba un libro de cine no debería espantar al lector, pues Jordi Ojeda es también un apasionado del cine fantástico y de terror, y como docente que es, está habituado a hacerse entender. Robots de cine, primer libro no técnico que escribe, posee una prosa ágil, con un lenguaje preciso pero cercano al lector, que ayudará y, lo que es mejor, motivará al profano a adentrarse en tan extenso como apasionante universo.
Didáctico y repleto de datos, la obra está mucho más allá de el clásico listado de películas al haber optado el autor por dividir el libro en diferentes capítulos temáticos. Arranca con entradas dedicadas a los autómatas, antecedente del robot, descubriendo un mundo cuanto menos fascinante; continuando con un acertado repaso a las leyes de la robótica, lo que obliga al lector a adentrarse, de manera superficial pero eficiente, en los universos literarios de Asimov, Bradbury o Philip K. Dick; pasando de los primeros robots cinematográficos y televisivos a los modernos androides y ciborgs. De Robby, B9 y Klaatu a C3PO y Alita. De Metrópolis (Fritz Lang, 1927) a La momia azteca contra el robot humano (Rafael Portillo, 1958). Todos estos ingenios más o menos elaborados, más o menos aparatosos, más o menos creíbles. Todos, tienen su espacio, ocupado de manera natural, en las páginas de Robots de cine. Un libro de lectura ágil y cómoda, al estar dividido, como hemos señalado, en capítulos no demasiado extensos, algunos de los cuales ha utilizado el autor para hablar detenidamente sobre películas fundamentales dentro del tema que está tratando, como 2001: una odisea del espacio (2001: A Space Odyssey, Stanley Kubrick, 1968), La guerra de las galaxias (y sus derivados más o menos afortunados) o Alien, el octavo pasajero (Ridley Scott, 1979). Sin olvidar el campo de la animación.
Cíborgs, exoesqueletos, drones, ginoides, robots orgánicos, realidad aumentada… encontraremos mucho más que robots en las páginas de este libro que, como es natural, también plantea las eternas dudas morales que conlleva la coexistencia del individuo con estas máquinas hechas a imagen y semejanza de su creador. La extrañeza y el denominado valle inquietante que sin duda estamos destinados a experimentar. Y es que, como bien dice el propio autor en el preámbulo de su libro, «no es un sueño, ya estamos viviendo en la era de la robótica«, así que hay que estar preparado y no se nos ocurre mejor forma de hacerlo que de la mano de un autor que, además, sabe muy bien de lo que habla: de robots y de cine.
Primer tráiler de ‘Los muertos no mueren’ de Jim Jarmusch
primer tráiler (VOSE) de LOS MUERTOS NO MUEREN, la última película del director y guionista Jim Jarmusch (Paterson, Gimme Danger), que regresa con una comedia de terror plagada de estrellas. El reparto cuenta con algunos de sus colaboradores habituales: Bill Murray, Adam Driver, Chloë Sevigny, Tilda Swinton, Iggy Pop, Steve Buscemi y Tom Waits, al que se unen nuevas incorporaciones como Selena Gomez, Danny Glover, Caleb Landry Jones y Carol Kane. La cinta llegará a las salas españolas el 28 de junio.
Sinopsis: En la apacible localidad de Centerville pasa algo raro. La luna vigila permanentemente sobre la línea del horizonte, las horas de luz solar se están volviendo impredecibles y los animales han comenzado a comportarse de manera extraña. Nadie sabe por qué. Los informativos de televisión son desconcertantes y los científicos están preocupados. A pesar de todo, nadie es capaz de prever la mayor y más extraña invasión que pronto comenzará a sacudir Centerville: los muertos ya no están muertos. Se alzan sobre sus tumbas y atacan salvajemente a los vivos para devorarlos; y los lugareños, que hasta el momento creían vivir una vida apacible, se ven obligados a luchar para sobrevivir.
Novedades Astiberri mayo 2019: ‘La auditora’ y ‘La cantina de medianoche 1’
La auditora
Jon Bilbao, Javier Peinado
Color. Cartoné
152 páginas. 24.0 x 17.0 cm
16 euros
Colección Sillón Orejero
ISBN: 978-84-17575-14-4
Astiberri Ediciones. Bilbao, 2019
A la venta el 16 de mayo
A mediados del siglo XXI la compañía multinacional Robot Systems logra fabricar robots indistinguibles de los seres humanos. Este logro tecnológico produce, no obstante, decepcionantes resultados prácticos. Los robots causan problemas desde el primer momento por la incertidumbre que generan entre las personas. Prolifera el rechazo y son sistemáticamente eliminados, al tiempo que surgen plataformas sociales pro derechos de los robots, cuyos militantes los han adquirido en todo el mundo para “liberarlos” y ocultarlos entre los humanos.
Mar, una empleada de Robot Systems, llega a un pequeño pueblo para investigar la posible presencia de un robot escondido. Durante sus indagaciones se enfrenta al miedo de los vecinos, a los caprichos de la familia que rige la localidad y a Automedonte, la temperamental inteligencia artificial que debe ayudarla.
El novelista y traductor literario Jon Bilbao firma con La auditora su primer guión pensado para novela gráfica, donde vierte su talento junto con el del dibujante Javier Peinado. La periodista Laura Fernández destaca que “el evocador y durísimo, envolvente y fatídico retrofuturo imaginado por el tándem Bilbao/Peinado tiene ecos fascinantemente kubrickianos, bladerunnerescos y una protagonista condenada a pasar demasiado tiempo lejos de casa en pueblos-fábrica en los que los seres humanos se han convertido en piezas de un engranaje fatalmente rural, post-postindustrial, de tintes orwellianos. Se diría –añade Laura Fernández– que todo lo que late en La auditora no lo hace por casualidad, o que el presente puede diseccionarse (a piezas) desde el futuro. Bienvenidos a la primera distopía burocrático-onírica patria, cazamascotas y teletransportadores incluidos”.
La cantina de medianoche 1.
Tokyo Stories
Yaro Abe
Blanco y negro. Rústica con solapas
300 páginas. 14,8 x 21 cm
18 euros
Colección Sillón Orejero
ISBN: 978-84-17575-24-3
Astiberri Ediciones. Bilbao, 2019
A la venta el 16 de mayo
Esa minúscula taberna no tiene nombre, su dueño tampoco. Sin embargo, en el barrio de Shinjuku, todo el mundo los conoce. Abierta desde las doce de la noche hasta las siete de la madrugada, acoge a los noctámbulos de Tokio: boxeadores, prostitutas, actores porno, policías y yakuzas acaban allí para tomar sake, caldo, ramen o sopa de miso, según lo que haya en la cocina. Cada plato da lugar a un encuentro, una historia.
Si en El gourmet solitario, de Taniguchi y Kusumi, la comida se disfruta en solitario y en silencio, en el manga de Abe sirve para romper el hielo, para desatar el diálogo entre los urbanitas acostumbrados a callarse y a mirarse los zapatos. Entre salsa de soja y algas secas nacen anécdotas, risas y confidencias.
La cantina de medianoche es un éxito en Japón, donde se han producido dos películas basadas en el manga, que también tiene serie televisiva en Netflix, con el título Midnight Diner: Tokyo Stories.
Además, el segundo tomo de La cantina de medianoche formó parte de los “esenciales” del Festival Internacional de Cómic de Angoulême de 2019.
Muestra de Cine Social y Documental Video Instan
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Tráiler y póster de ‘Midsommar’ la nueva película del director de ‘Hereditary
El 26 de julio se estrenará en España MIDSOMMAR, película de terror dirigida por Ari Aster, autor de la terrorífica Hereditary, y protagonizada por Florence Pugh (Lady Macbeth) y Jack Reynor (Detroit) entre otros.
Tras aterrorizar a los espectadores con su ópera prima Hereditary, Ari Aster vuelve a la gran pantalla con el guion y la dirección de MIDSOMMAR, un perverso cuento de terror que transcurre a plena luz del día. La película sigue el viaje a Suecia de una pareja estadounidense para celebrar el Midsommar, una peculiar fiesta que conmemora el solsticio de verano. Una vez allí la brillante claridad del día se ensombrece con el ambiente siniestro que se respira en la aldea cuando dan comienzo las perturbadoras actividades ideadas por sus lugareños.
La película cuenta con un reparto de jóvenes promesas como Florence Pugh (Lady Macbeth,‘La chica del tambor’), Jack Reynor (Detroit, Sing Street), Will Poulter (saga El corredor del laberinto, ‘Black Mirror: Bandersnatch’), y William Jackson Harper (‘The Good Place’) entre otros.
En la línea de películas de culto como El hombre de mimbre o El bosque, MIDSOMMAR explora el lado más perverso de la religión y del ser humano en un relato escalofriante en el que la oscuridad se despliega a plena luz del día.
La película se estrenará en Estados Unidos el próximo 3 de julio de la mano de A24.
SINOPSIS
Una pareja americana que no está pasando por su mejor momento acude con unos amigos al Midsommar, un festival de verano que se celebra cada 90 años en una remota aldea de Suecia. Lo que comienza como unas vacaciones de ensueño en un lugar en el que el sol no se pone nunca, poco a poco se convierte en una oscura pesadilla cuando los misteriosos aldeanos los invitan a participar en sus perturbadoras actividades festivas.
MIDSOMMAR es un cuento terrorífico en el que la oscuridad se despliega a plena luz del día.
DeAPLANETA ESTRENARÁ “MIDSOMMAR”
EL 26 DE JULIO
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 10 de mayo de 2019 *
VIVIR DEPRISA, AMAR DESPACIO (Plaire, aimer et courir vite, Christophe Honoré, 2018)
Francia. Duración: 132 min. Guion: Christophe Honoré Fotografía: Rémy Chevrin Productora: Les Films Pelléas / arte France Cinéma / Canal+ / Ciné+ Género: Drama
Reparto: Vincent Lacoste, Pierre Deladonchamps, Denis Podalydès, Rio Vega,Willemijn Kressenhof, Adèle Wismes, Clément Métayer, Sophie Letourneur,Marlene Saldana, Teddy Bogaert, Adèle Csech
Sinopsis: Jacques es un escritor que vive en París. Todavía no ha cumplido 40 años pero cree que lo mejor de la vida ya no está por llegar. Arthur es un estudiante que vive en la Bretaña francesa. Lee, sonríe mucho y se niega a aceptar que hay algo imposible en la vida. Jacques y Arthur se gustan y viven como si estuvieran en un sueño romántico o en una historia triste.
A veces una sola obra graba el nombre de su autor en la historia. Andrea Chénier, de toda su producción, es la pieza que ha hecho célebre al verista Umberto Giordano, y el aria para soprano, La mamma morta, la que ha hecho que esa ópera figure en todos los repertorios. Los cinéfilos siempre asociarán la versión de Maria Callas a la escena cumbre de Philadelphia (1993, Jonathan Demme), una escena que, aunque reconozca la pericia de su director al construirla, no puedo contemplar sin sonrojarme. Y es que se me antoja una muestra de sentimentalismo impúdico, pensada para que el público medio alivie su conciencia, pues le permite sentirse liberal al empatizar con un problema como el SIDA en los años noventa. Hasta no faltan los críticos que consideran el filme de Jonathan Demme como la película definitiva sobre el tema, cuando no es más que la muestra del oportunismo mainstream sobre un problema que no tuvo (ni tiene) nada de lírico. Por lo contrario, sensible que no sensiblera, la última cinta de Christophe Honoré, nos aporta una visión del amor en tiempos del SIDA que no cae ni en tópicos ni en adornos.
Año 1993. Arthur (Vincent Lacoste) es un joven estudiante de veinte años que vive en Rennes. Su vida cambia el día que conoce a Jacques (Pierre Deladonchamps), un escritor que vive en París con su joven hijo. Durante el verano, Arthur y Jacques viven una historia amor. Pero Jacques sabe que este amor lo tiene que vivir rápidamente. El ímpetu y la renuncia se dan la mano en esta historia de amor, el primero para Arthur, el último para Jacques, un amor que ha de ser apresurado porque la vida apremia, herida de muerte como está. Honoré ha querido retratar la ambivalencia del sentimiento, es un revulsivo, pero también un desgarro cuando el vivirlo se hace imposible por esa Espada de Damocles que es la enfermedad. Aquí el retrato del SIDA es un drama íntimo con el que se homenajea a toda aquella generación que vivió en carnes su sentencia.
No es la película definitiva sobre la enfermedad ni lo pretende, solo busca asomarnos al vacío de vidas rotas a las que se les arrebató la posibilidad de envejecer junto a la persona amada, de ver concluidas las expectativas de realización en lo profesional y en lo personal. Es un hola y un adiós que se condensan y se funden en una despedida precipitada por el propio anhelo de dar lo mejor de uno mismo al otro, al que se le querrá ahorrar la contemplación de la decadencia. Un irse en el punto del encuentro para no dejar la memoria del dolor. Que todo concluya en el momento de la esperanza. Sin drama ni aspaviento. Más que una historia de amor imposible, esta es una película sobre una vida imposible, que nos instala en el espacio de la melancolía.
Para Honoré los 90s son la década que no termina, por eso la idea general del diseño de producción fue recrear un tiempo sin reconstituirlo. Apela a la memoria desde un ramillete de citas que perlan aquí y allí los fondos. Libros, películas, músicas, tejen un marco referencial que apunta a las vivencias de cada uno, de modo que nos sintamos transportados al corazón de esta historia sintiéndola nuestra. Nos implicamos en los despertares y en los adioses porque los hemos vivido, y los rememoramos con nuestros cinco sentidos que se ven estimulados por lo que acontece en la pantalla. Cada escena es nuestra particular Magdalena de Proust, por eso entendemos tan bien lo que nos cuentan. Humana, profundamente humana y humanista, se nos muestra esta obra como un testimonio y un canto que no es solo remembranza sino también es ahora, pues lo que describe se mantiene vigente. El amor y la muerte en su abrazo siguen y seguirán siendo esencia del existir humano, Honoré lo sabe bien y lo narra con una historia que bien podría ser el universal en el que todos nos reflejamos.
Sensual, carnal, pero no sexualizada, se nos muestra íntima y sugerente sin ninguna ostentación. No es fácil lograr que las secuencias de cama desborden realismo y a la vez una delicadeza casi mágica, para ello hace falta un director y unos actores entregados a la tarea de reproducir la intimidad de la alcoba bajo la presencia de la cámara. Honoré las rueda con muy pocas tomas, reduciendo el equipo al mínimo y ensayándolas con anticipación para explicársela a los actores. Por su parte los intérpretes, en auténtico estado de gracia, las enfrentan con un enfoque abierto en el que el veterano Deladonchamps resultó fundamental para acompañar al joven Lacoste en su interiorización de un personaje que ha de aparecer como objeto de deseo. Hay momentos verdaderamente brillantes en los que nos hacen sentir como nace entre ellos la complicidad. Los personajes toman presencia en la carne de los actores y nos resultan tan creíbles como las gentes que nos cruzamos en nuestro periplo vital. Dos amantes que podrían ser cualquiera de nosotros, así de próximos nos los trae Honoré, así nos los despliega el buen hacer de sus protagonistas.
Honesta, sugerente, emotiva y sutil, así es Vivir deprisa, amar despacio, un derroche de buen cine que nos comunica la agridulce vivencia del amor en tiempos de la enfermedad. Una película llamada a quedarse grabada en nuestro imaginario.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 10 de mayo de 2019 *
EL INCREÍBLE FINDE MENGUANTE (Jon Mikel Caballero, 2019)
España. Duración: 93 min. Guion: Jon Mikel Caballero Música: Luis Hernáiz Fotografía: Tânia da Fonseca Productora: Montreux Entertaiment / Trepamuros Producciones Género: Drama fantástico
Reparto: Iria del Río, Adam Quintero, Nadia de Santiago, Jimmy Castro, Adrián Expósito,Irene Ruiz, Luis Tosar
Sinopsis: Alba (Iria del Río) acaba de cumplir 30 años y se dispone a disfrutar de un fin de semana en una casa de turismo rural con sus amigos. Sus planes de fiesta pronto se ven frustrados cuando su novio Pablo (Adam Quintero) la deja.
Alba se ve entonces atrapada en un bucle temporal donde los hechos del fin de semana comienzan a repetirse una y otra vez.
Pero algo es diferente, cada repetición dura una hora menos que la anterior. ¿Es el bucle una oportunidad para solucionar sus problemas o un castigo? ¿Qué pasará cuando el tiempo se consuma? ¿Qué pasará cuando todo acabe definitivamente?
Una película pequeña, de poco presupuesto, pero convincente. Buena dirección, buenos actores, buena narración con un guión ingenioso y unas bonitas localizaciones. Su director, Jon Mikel Caballero, demuestra haber tomado buena nota de los diversos trabajos que ha realizado para J. A. Bayona o Kike Maíllo y tras dos cortometrajes, Hibernation (2013) y Cenizo (2016) que suman 55 premios y 300 selecciones internacionales, dirige su primer largo con pulso firme y las ideas muy claras. El increíble finde menguante es un drama fantástico con toques de comedia que no puede negar su clara inspiración en Atrapado en el tiempo y otras cintas con bucles temporales en las que todo se repite una y otra vez pero, en este caso, con una cuenta atrás de por medio: cada repetición se acorta una hora, restando tiempo a la protagonista para resolver sus asuntos pendientes y su atasco vital. Un tiempo que se acaba, que caduca, como se termina la loca juventud de la joven protagonista, que treintañera, parece no darse cuenta de que hay que madurar y comenzar a plantearse lo que uno desea hacer con el resto de su vida.
Con algunos bonitos detalles, como el de las cápsulas del tiempo enterradas por una Alba niña en el bosque, o el que la pantalla se vaya comprimiendo conforme el tiempo se va acortando, lo que añade urgencia y ahogo a la historia, junto a una excelsas localizaciones naturales, hacen que la película sea algo más que una aventura, una enorme broma de jóvenes borrachos descontrolando en el bosque, a pesar de que Caballero comience su película como si de un clásico slasher se tratara, con los protagonistas llegando a la casa en la que se disponen a pasar un fin de semana etílico que resultará más largo de lo esperado, al menos para su protagonista, encarnada por Iria del Río, que realiza un magnífico trabajo, al igual que el resto del elenco en el que destaca Nadia de Santiago, una de nuestras debilidades, pero también Adam Quintero, Jimmy Castro, Irene Ruiz y Adrián Expósito. Sin olvidar la participación de Luis Tosar, como padre de la protagonista.
Por todo ello nos ha convencido El increíble finde menguante, cinta que participó recientemente en el Festival de Cine de Málaga y en el Festival de Cine Fantástico de Bilbao- FANT, donde se ha llevado los premios al mejor guión y director. Buen comienzo.
DE LA INDIA A PARÍS EN UN ARMARIO DE IKEA (The Extraordinary Journey of the Fakir, Ken Scott, 2018)
Francia/USA/Bélgica/Singapur/India Duración: 92 min. Guion: Luc Bossi (Novela: Romain Puertolas) Música: Nicolas Errèra Fotografía: Vincent Mathias Productora: Brio Films / Little Red Car Films Género: Comedia
Reparto: Dhanush, Bérénice Bejo, Erin Moriarty, Barkhad Abdi, Gérard Jugnot,Sarah-Jeanne Labrosse, Seema Biswas, Abel Jafri, Uwamungu Cornelis,Mar Sodupe, Gandharv Dewan, Hearty Singh, Daniele Nisi, Amruta Sant,Omkar Ketkar, Pauline Maréchal, Edwin Gillet
Sinopsis: Aja, un joven que sobrevive en la India gracias a su ingenio y pillería, emprende un viaje a Francia para cumplir un sueño de su madre. En París, con pocos recursos económicos, decide pasar la noche en un IKEA donde conocerá a Marie. Pero sus esperanzas sentimentales se desvanecen cuando queda atrapado dentro de un armario que es enviado al extranjero, iniciando un viaje que cambiará su vida para siempre.
Basada en el best seller de Romain Puértolas «El increíble viaje del faquir que se quedó atrapado en un armario de Ikea», obra que fue traducida a 37 idiomas, el filme de Ken Scott, a pesar de la inequívoca buena voluntad puesta en él, no termina de ofrecer, bajo nuestro punto de vista, un producto satisfactorio. Si bien se trata de un cuento, una parábola sobre las cosas realmente importantes de la vida mostrado mediante una serie de casualidades y pequeños desastres que transformarán la vida del protagonista, así como su percepción de la existencia, el resultado, que podría haber resultado sanamente delirante, a la manera del realismo mágico, con denuncia incluida a los graves desequilibrios sociales entre clases y las reticencias hacia la emigración del tercer mundo, se queda a medio camino, con mucho de propaganda de Ikea y de recorrido turístico por Europa, ofreciendo de paso un mensaje un tanto equívoco y en ocasiones ofensivo lleno de tópicos. En todo caso no deja de ser un entretenimiento inofensivo, con algún buen gag y que posiblemente funcionará bastante mejor en su versión escrita, pues no en vano su autor ha publicado recientemente su continuación «Las aventuras de un faquir en el país de Ikea».
LA TRAGEDIA DE PETERLOO (Peterloo, Mike Leigh, 2018)
UK/USA. Duración: 154 min. Guion: Mike Leigh Música: Gary Yershon Fotografía: Dick Pope Productora: BFI Film Fund / Film4 / Thin Man Films. Distribuida por: Amazon Video Género: Drama
Reparto: Rory Kinnear, Maxine Peake, David Bamber, Marion Bailey, Kieran O’Brien,Adam Long, Tim McInnerny, Leo Bill, Nico Mirallegro, Teresa Mahoney, Karl Johnson
Sinopsis: ‘La tragedia de Peterloo’ es la representación épica de los hechos ocurridos en la Masacre de Peterloo de 1819, en la que una manifestación pacífica a favor de la democracia en Manchester se convirtió en uno de los episodios más sangrientos y notorios de la historia británica. Las fuerzas del gobierno británico cargaron contra una multitud de más de 60.000 personas que se habían reunido para exigir una reforma política y para protestar contra el aumento de los niveles de pobreza. La tragedia de Peterloo fue un momento decisivo en la democracia británica y fue el inicio de la fundación del periódico The Guardian.
Minucioso documento, de impecable ambientación y vestuario en el que los diferentes personajes parecen haber sido escogidos uno a uno para ofrecer la máxima verosimilitud con el fin de retratar la época y las costumbres de la Inglaterra de principios del siglo XVIII. El reputado director ingles, Mike Leigh, se toma su tiempo con la acción, cuidando cada una de las tomas, algunas de verdadera calidad pictórica inspiradas en Vermeer. El resultado es delicioso, su acción lenta, se toma su tiempo para llevar al espectador y a los diferentes personajes hasta el clímax. Un clímax que, aún sabido, enerva por lo familiar que resulta. Por mostrar como las guerras las ganan los políticos y los generales y siempre las pierden los trabajadores. Trabajadores que son obligados a pagar precios abusivos por los productos de primera necesidad que venden los terratenientes británicos. La cinta también muestra el comienzo de la industrialización y los inicios del movimiento obrero, y lo hace sin panfletismos ni soflamas. De manera sutil, casi documental. Sin embellecerlo ni magnificarlo. Un tipo de cine que, nos tememos, está condenado a desaparecer más allá del circuito de festivales.
Con un magnífico reparto, en el que no destacan grandes estrellas, La tragedia de Peterloo se presentó en la pasada edición del Festival Internacional de Cine de Venecia, y en la sección oficial de la reciente tercera edición del Festival Internacional de Cine de Barcelona-Sant Jordi (BCN Film Fest), donde obtuvo el premio Educacine.
STEVE BANNON, EL GRAN MANIPULADOR (The Brink, Alison Klayman, 2019)
USA Duración: 93 min. Música: Ilan Isakov, Dan Teicher Fotografía: Alison Klayman Productora: RYOT Films. Distribuida por Magnolia Pictures Género: Documental
Sinopsis: Crónica sobre la vida personal y la carrera profesional de Steve Bannon, el estratega político responsable de la campaña electoral de Donald Trump, que se marcó como propósito extender por el país y el mundo el nacionalismo ultraderechista.
El que fuera asesor y jefe de estrategia de Donald Trump durante la campaña que le llevó a la Casa Blanca y los primeros meses de su mandato, así como artífice e ideólogo del brexit, ha dedicado los últimos dos años a erigirse en el referente aglutinador de las diversas fuerzas neofascistas que aspiran, este mes de mayo, a entrar con fuerza en el Parlamento Europeo.
Alison Klayman muestra al objeto de su estudio en su salsa: reuniones, entrevistas, conferencias… pero también en la trastienda, devorando comida basura y consumiendo continuamente bebida energética, así como haciéndose multitud de fotografías con «las dos espinas a los lados y la rosa en el medio» (o sea, la mujer entre dos hombres). Steve Bannon, que se considera, textualmente, señalado por la Divina Providencia, es socarrón, casi simpático. Y vende su proyecto bajo el nombre de nacionalismo económico. Pero no nos engaña: a pesar de que en varios momentos del documental se invita a la directora a salir de diversas reuniones, para que su contenido no transcienda, se incluyen pequeñas y no tan pequeñas muestras de lo que en verdad está sucediendo. Tanto a él como a sus colaboradores se les escapan pequeñas perlas, pistas que retratan la catadura moral y política del personaje. Y es que la referencia que el mismo Bannon hace sobre Leni Riefenstahl no es gratuita, aunque su forma de adecuar su discurso, acomodando en el mismo cuando le conviene la mentira, nos recuerda mucho más a Goebbels. Y es que Steve Bannon es un alumno aventajado del jerifalte nazi, que tanto sabía sobre el poder de la propaganda sobre la población. Y se comprende que cuando no se está destrozando la salud con bebidas energéticas, Bannon esté siempre pendiente de su teléfono móvil, herramienta que no deja de consultar.
Alison Klayman, Pepito Grillo del ex-asesor muestra sus contactos, además de con líderes ultraderechistas europeos como el ministro del interior italiano Matteo Salvini o el ex líder del UKIP británico Nigel Farage, con políticos pro-brexit, millonarios chinos e incluso sus antiguos compañeros de Goldman Sachs, el banco que gobierna el 
mundo. Todo lo cual ayuda a desenmascarar al gran manipulador.
Y provocar bastante desazón.
Pues narra como Bannon y todos esos dirigentes ultraderechistas europeos pretenden dinamitar la Unión Europea. Lo que traman, lo que nos cuenta el documental, es inminente. Por eso nos parece fenomenal y muy oportuno que Filmin, en colaboración con #ConUnPack Distribución, lo estrene antes de las elecciones europeas, objetivo primordial de todas estas maquinaciones -no tan- en la sombra.
La película, que tuvo su premier en la reciente edición del Festival de Sundance, ha recibido el aplauso unánime de la crítica estadounidense y constituye una seria advertencia sobre lo que estamos viviendo, con el resurgir de la ultraderecha en países como Francia, Italia, Hungría, Polonia, Bélgica y, nosotros añadimos, España. Fuerzas que Steve Bannon planea aglutinar con objetivos que, más allá de terminar con la Unión Europea, todavía están por aclarar, pero que se adivinan peligrosos y respaldados por poderosos intereses. Un magnífico documental que debería pasarse en todas las televisiones públicas en horario de máxima audiencia. Quizás todavía estemos a tiempo de pararlo.
Primer tráiler de ‘IT Capítulo 2’
Por fin llegan las primeras imágenes de la esperadísima segunda parte de IT que llegará a los cines 
el próximo septiembre. El mal reaparece en Derry cuando el director Andy Muschietti reúne al Club de los Perdedores, jóvenes y adultos, para regresar a donde todo comenzó con «IT CAPÍTULO 2”. Este año volveremos a flotar.
La película vuelve a estar dirigida por Andy Muschietti con un guión de Gary Dauberman («IT», «Annabelle: Creation») basado en la novela de Stephen King. Barbara Muschietti, Dan Lin y Roy Lee producen la película. Marty Ewing, Seth Grahame-Smith y David Katzenberg son los productores ejecutivos.
James McAvoy («Múltiple», próximo estreno de «Glass») encarna a Bill, Jessica Chastain, nominada al Oscar («La noche más oscura», «Mamá») es Beverly, Bill Hader («Barry» de HBO, «The Skeleton Twins») es Richie, Isaiah Mustafa (serie de TV «Cazadores de sombras (Shadowhunters)») es Mike, Jay Ryan (serie de TV «Mary me mata») es Ben, James Ransone («The Wire (Bajo escucha)» de HBO) es Eddie, y Bill Skarsgård retoma el papel fundamental de Pennywise. Andy Bean («La serie Divergente: Leal», «Power» de Starz) es Stanley y Jaeden Martell como Bill, Wyatt Oleff como Stanley, Sophia Lillis como Beverly, Finn Wolfhard como Richie, Jeremy Ray Taylor como Ben, Chosen Jacobs como Mike y Jack Dylan Grazer como Eddie retoman sus papeles de miembros originales del Club de los Perdedores.
«IT: CAPÍTULO 2», una producción de New Line Cinema, llegará a los cines a partir del 6 de septiembre de 2019. Warner Bros. Pictures distribuirá la película en todo el mundo.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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