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Sitges 2014: objetos malditos, Annabelle y Oculus
Si en el panorama actual del terror estamos asistiendo al renacimiento de sus manifestaciones más clásicas (casas encantadas, fantasmas, ambientes góticos… ), no podían faltar en Sitges buenos ejemplos de ello. Ejemplos que han resultado de factura y acogimiento (por parte del público) dispares. Uno de los autores que más ha contribuido a ese renacimiento es James Wan, con sus dos entregas de Insidious y, sobre todo, con The Conjuring. Es por eso que Annabelle era una de las películas que más interés había generado a priori. No en vano venía dirigida de la mano del director de fotografía de las aclamadas cintas de James Wan, John R. Leonetti, avalada por la producción del propio Wan y con el reclamo de la muñeca Annabelle (que ya tenía un papel episódico pero intenso en The Conjuring). Tal vez era esperada también porque la pediofobia, ese miedo irracional a las muñecas, es uno de los temores más extendidos. Todas esas expectativas se vieron frustradas: la película no pasó de ser una exploit desleída del subgénero y el público la despidió (en el auditorio) con la pitada más unánime. Abucheo no totalmente justo porque no deja de jugar honestamente con las claves de la serie B.
Annabelle es un producto pop que busca calar en el segmento más joven del público, terror para adolescentes como se ha puesto de manifiesto en Francia, altercados incluidos. Como tal no carece de las típicas escenas de impacto (lamentablemente desveladas casi todas en el trailer), algunos sustos bien filmados y bien coreografiados que podrían redimirla si no fuera por el exceso de ingredientes que se dan cita en su guión. Efectivamente, el argumento de Annabelle resulta complicado (que no complejo) con una sobrecarga de elementos que no acaban de tener buena resolución. En Annabelle se dan la mano sectas destructivas (con la sombra de Manson en el horizonte), asesinatos brutales (en fuera de campo), invocaciones satánicas, posesiones diabólicas y hasta inmolaciones altruistas para salvar a la protagonista. Acumulación de tópicos que acaba empañando el esperado protagonismo de la muñeca maldita, que era lo que a priori prometía este filme concebido como spin off (y a la vez especie de precuela) de The Conjuring. Y, por si fuera poco, el cóctel viene aderezado por un mensaje moralista y conservador.
Annabelle en Sitges (Foto: Serendipia)
En resumen, sin que pueda considerarse como despropósito, Annabelle tiene (casi)todos los números para acabar decepcionando. Mucho más redonda resulta Oculus (Mike Flanagan), aunque dividió al público en dos grupos irreconciliables: los que le dedicaron grandes, y hasta excesivos, elogios y los que prácticamente la abominaron. Entre los comentarios positivos el más exagerado fue el de un espectador que la calificó de nuevo hito del terror como en su día fuera El exorcista (William Friedkin), basando su juicio en las reacciones de pánico que había observado durante la proyección. Podemos testimoniar que parte de la platea disfrutó pasándolo verdaderamente mal, pero Oculus no pasa de ser 
una película efectiva que (para nosotros) tiene su mejor baza en la perspectiva narrativa bajo la que se desarrolla. Su argumento no es original (ni lo pretende): tiempo atrás, un asesinato dejó dos niños huérfanos. Las autoridades culparon al hermano, mientras que la hermana creció creyendo que el verdadero culpable fue un antiguo espejo maldito. Ahora, completamente rehabilitado y con veinte años, el hermano está listo para empezar de nuevo, pero la hermana está decidida a demostrar que fue el espejo lo que destrozó a su familia (FILMAFFINITY). No es, pues, más que una típica historia de objetos encantados que extienden su maldición a lo largo de los tiempos en la que se mezcla terror y suspense a partes iguales. No es un hito ni va a serlo. Ahora bien, sí tiene suficientes valores como para merecer ser bien considerada dentro del subgénero al que se adscribe.
Lugar común en este tipo de relatos es que los hechos terribles sucedan en dos momentos distintos del tiempo, uno pasado en el que se gesta la maldición y otro presente en el que se repite el embrujo pudiendo quedar resuelto o, al contrario, reforzado para seguir dándose. Del pasado se puede dar noticia en una secuencia inicial que funcione a modo de prólogo o mediante una serie de flashbacks; Oculus opta por lo segundo. Lo que la hace peculiar es que los flashbacks no suponen una ruptura del tiempo de narración sino que se trenzan totalmente con el presente al estar montados en paralelo y secuenciados a la par. El espectador va descubriendo a la vez el antecedente y la peripecia actual, coincidiendo, además, su descubrimiento con el del propio protagonista que va rescatando sus recuerdos mientras vuelve a pasar por situaciones parejas. Flanagan sabe desarrollar las dos tramas haciendo coincidir sus clímax y consiguiendo que la intriga se extienda por igual a ambas. Recurso que consigue por sí mismo crear la atmósfera y la tensión. Los sobresaltos no dejan de estar en un segundo plano respecto a la estratagema narrativa, pero ello no los desmerece sino que los coloca en el punto de mira exacto para que resulten efectivos y no chirríen (ni siquiera son vergonzantes las apariciones fantasmales).
Oculus confirma a su director como hábil orquestador capaz de dar un toque personal a materiales usados muchas veces antes. Y sin duda fue el mejor filme adscrito al terror clásico de los que se presentaron en la 47 edición del Festival. A tener en cuenta.
Sitges 2014: propuestas extravagantes, La distancia y Adieu au langage
Pese a todas las críticas que pueden hacérsele (y que iremos enumerando en nuestras crónicas), el Festival de Sitges es fantástico. Lo es, pero no por centrarse en un género, en verdad la acumulación de secciones hace que cada vez haya más piezas que no se pueden incluir en los cánones del mismo. Lo es porque su abigarrada (e inabarcable) programación permite la cohabitación de cintas muy dispares entre sí que van desde lo más comercial a lo más experimental y bizarro. Y así se tiene oportunidad de ver obras que difícilmente van a poder verse en las salas, bien porque directamente no se estrenen, bien porque aunque lleguen a los cines permanecerán muy efímeramente en la cartelera. Dos claras candidatas a tal destino son La distancia del poco pródigo Sergio Caballero y Adieu au Langage de esa vaca sagrada que es Jean Luc Godard. Las dos propuestas más insólitas de esta edición.
Extravagante se dice de lo raro, extraño, desacostumbrado, excesivamente peculiar u original (en definición de la Rae). El matiz del exceso de originalidad se ajusta como un guante a la segunda obra de Caballero (quien debutó con esa otra excentricidad que es Finisterrae), porque desde luego no es disfrutable por todos los paladares, de hecho tras el pase de prensa (un domingo a las 8,30 de la mañana) hubo un tímido intento de pitada. Para algunos La Distancia (y con permiso de Asmodexia) fue una de las peores cintas de esta edición. Sin embargo, quien esto escribe, celebró y celebra haberla visto. Porque La Distancia más que un relato es toda una experiencia.
Al segundo largometraje de Caballero no le falta argumento, nos lo resumen bien en Filmaffinity: un artista confinado en una central térmica de Siberia encarga a tres enanos con poderes sobrenaturales que planifiquen y roben algo que denomina «la distancia». Otra cosa es que ese argumento vaya a alguna parte, nos genere intriga, nos conduzca a un desenlace después de haber tramado un nudo. En verdad, toda la trama funciona a modo de MacGuffin, el problema, si se quiere, es determinar de qué lo es. La película nos desafía, tiende un pulso a nuestro intelecto, si pretendemos analizarla desde el punto de vista del discurso enunciativo perderemos el tiempo. Para gozarla, la estrategia es renunciar a entenderla, porque esa es la única forma de comprenderla. Si nos dejamos llevar, disfrutaremos, de entrada, de la acumulación de detalles bizarros que contiene y que componen una melodía delirante que puede arrebatarnos: esos enanos telépatas, ese gritar Pluto tras alcanzar el orgasmo practicando el onanismo, ese bidón humeante que (¡agarrense fuerte!) recita haikus en japonés…
Abandonados al placer de ser mirones, La Distancia no nos cuenta pero sí nos habla. Casi parece un ejercicio de «escritura» automática propio del surrealismo, su propósito también cabe bajo el espectro de la comparación de Lautremont que los surealistas hicieron suya: La Distancia es un filme que se pretende «bello como el encuentro fortuito, sobre una mesa de disección, de una máquina de coser y un paraguas». Tras esa superficie de elementos bizarros que citábamos se esconde todo un retrato sobre la extrañeza, la del arte, la de la vida. Retrato en el que resulta fundamental la localización. La acción se enmarca en un paisaje a la vez inhóspito y subyugante, un entorno que nos atrae y nos excluye simultáneamente. Paisaje que resulta de la intersección de una naturaleza feroz, devoradora, y el vestigio de lo humano representado por las restos de la central térmica abandonada (Siberia en la ficción, en realidad se trata de un paraje turolense). 
En ese dominio, en nuestro hoy postmoderno, se reavivan las nociones románticas asociadas al concepto de ruinas: nostalgia, evocación, soledad, belleza. Los restos industriales se tiñen de melancolía y nos sumergen en una plácida nostalgia que nos enfrenta a la soledad que nos provoca ver concluido el pasado mientras ignoramos el futuro. Las ruinas, como decía Georg Simmel, son los restos arrojados por la gran contienda del hombre con la naturaleza. Y en medio de ellas se esconde el artista olvidado, el de la ficción que no deja de ser un remedo de Joseph Beuys, y su obra dadaísta que se esfuerza baldíamente en intencionar la vida. La Distancia es, pues, una película sin sentido que nos habla del poder del sinsentido. Esa es nuestra lectura, que no nos planteamos en ningún momento hacer coincidir o no con la del cineasta. Cosa que no habría de importarle si, como afirma en una entrevista, es cierto que para él «da igual de qué vaya la película, lo que hago es mostrar personajes y un lugar donde pasan una serie de cosas». Como decíamos, toda una experiencia estética.
En la misma dialéctica entre naturaleza y cultura se instala Adieu au Langage. El último trabajo de Godard tampoco es un relato, su discurso no es narrativo sino poético. Adieu au Langage nos pone frente a un poema visual dividido en cinco estrofas : naturaleza, metáfora, naturaleza, metáfora, 3D memoria histórica, con el anagrama fonético de su título (Ah, Dieu! Oh, Langage!) a modo de estribillo. Godard usa el 3D para componer un recital de efectos plásticos (celebrados algunos con aplausos por parte del público), el recurso de la tridimensionalidad le sirve como paleta con la que experimentar y anonadar, es el fondo sobre el que destaca como figura el ensayo repleto de citas literarias, filosóficas, musicales y cinematográficas (entre ellas Sólo los ángeles tienen alas, El hombre y el monstruo, Metrópolis, La condesa descalza). Todo un ejercicio de intertextualización que bombardea al espectador con tal número de conceptos y efectos que se hace imposible captar en su totalidad. Pero Godard ya cuenta con ese anonadamiento porque no quiere transmitir sólo ideas, o mejor dicho, quiere que esas ideas se formen en el espectador a través de lo sensorial. Habla a la razón, sí, pero para despertar el sentimiento desde el que el pensamiento quede fijado en nuestro yo más íntimo. El suyo es un trabajo subliminal.
Adieu au Langage son setenta minutos intensos en los que el artista nos asoma al abismo de nuestra condición. A los humanos nos está negado aquello que Kafka en uno de sus relatos definió como «la alegría de vivir entre las plantas»: nos es imposible ya vivir sin la mediación del lenguaje. Nuestra experiencia nunca es directa, no podemos asomarnos a la naturaleza más que a través de la metáfora. 
Metafórico es el can que centra buena parte del filme: a través de su imagen Godard apela a nuestra intuición para mostrarnos a la naturaleza entregada a sí misma, ese perro habita la inmediación que nos está vedada y de la que sólo podemos atisbar reflejos en su ausencia. El hombre está condenado a debatirse entre la naturaleza y la metáfora, la cultura nos escinde del entorno al hacerse autoconsciente en nosotros. La conciencia nos hace percibir el límite, sólo el hombre sabe que muere, y a la vez nos instiga a transgredirlo, nos incita a superarnos a través de la creación. Nuestro yo escindido nos impele a jugar a pretendernos dioses, ahí está como muestra de ese anhelo el mito de Frankenstein que Godard cita expreso. Crear desde la nada para evitar la nada. La criatura de Frankenstein es un monstruo en su sentido etimológico, algo digno de mostrarse, pero también en su acepción de ser fantástico que causa espanto.
El lenguaje nos aboca a la maravilla y al horror. Ese es en esencia el discurso de Godard, pero el francés, ya anciano, aprovecha ese marco para acumular denuncias a los males de nuestro hoy: la crisis, la victoria solapada del totalitarismo (la corrección política es una de las máscaras del pensamiento único), la (im)posibilidad de la igualdad entre los sexos (ante la que casi literalmente se caga el artista), el abandono de la lectura y el conocimiento enciclopédico sustituidos por la dependencia de las TICs… Godard carga con todo y contra todo en un alarde de desparpajo, de fresca mala leche, que ya quisieran muchos para sí.
Tanto Sergio Caballero como Jean Luc Godard juegan a épater les bourgeois, y aunque la transgresión ya esté domesticada y su utilidad sea más que discutible, siempre es sano ejercerla.
Sitges 2014, las ganadoras: I Origins y The Babadook
La 47 edición del Festival de Sitges que ha tocado a su fin deja tras de sí varios títulos memorables, no todos ellos reconocidos en el palmares. Entre las injustamente ignoradas por el jurado, a gusto de quien escribe, figuran Musarañas (Juanfer Andrés), con la notable interpretación de Macarena Gómez, e It Follow (David Robert Mitchell), la más terrorífica de las cintas visionadas. Olvido que resulta más lamentable si tenemos en cuenta que el palmares ha estado muy repartido gracias en buena medida a la profusión de menciones especiales. Del mismo modo que lamentamos estas ausencias, estamos en desacuerdo con la concesión del mayor galardón al segundo largometraje de Mike Cahill, una película que, sin carecer de interés, no pasa de ser una obra pensada para el disfrute del público más general y menos exigente.
I Origins, la ganadora, ofrece una reflexión (de poco calado) sobre la dialéctica entre la fe y la razón. La complejidad del ojo humano es aducido por los creacionistas como muestra de diseño inteligente que probaría la existencia de Dios. Ian Gray (Michael Pitt), un estudiante de biología molecular, busca la prueba que demuestre que nuestro ojo es fruto de la evolución y no de un diseño predeterminado, se opone, por tanto, a los argumentos religiosos en nombre de la razón y la ciencia. Ian compatibiliza sus estudios con su afición a fotografiar ojos, esa afición le llevará a conocer a Sofi (Astrid Bergès-Frisbey) atraído por su iris multicolor, pronto entrará en debate con las creencias de la joven que defiende la existencia de un trasfondo espiritual en nuestras vidas. Pese a sus discrepancias, Ian y Sofi vivirán un intenso romance que acabará bruscamente con la trágica muerte de la joven, muerte que coincide con el descubrimiento del componente que demostraría las tesis evolutivas de Ian. Años más tarde su teoría será puesta a prueba tras el hallazgo de un nuevo dato: los ojos humanos no son exclusivos de cada individuo como había supuesto nuestro científico. El nuevo giro de su investigación le llevará a viajar a la India en busca de la persona cuyo iris coincide con el de Sofi y los datos encontrados serán suficientes como para establecer una duda razonable que hace tambalear su creencia. La cinta de Cahill, con tintes de ciencia ficción, expone, pues, una resolución de la dialéctica ciencia-religión que apuesta por la defensa de una espiritualidad edulcorada propia de la literatura new age.
I Origins se pretende relato de ciencia ficción con fondo metafísico, pero se pierde en los derroteros del drama romántico y la exaltación facilona de la emotividad del espectador. Pese a ello y a su desarrollo plano y nada arriesgado, la película funciona manteniendo el interés del público hasta el final, en buena medida por unas interpretaciones más que plausibles por parte de todo el elenco. Filme amable, bendecido por una parte de la crítica americana tras su paso por Sundance, no es más que un producto mainstream tan fácilmente ingerible como olvidable.
Insuficientes méritos, los de I Origins, como para alzarse con el premio a la mejor película, máxime cuando en esta edición se presentaban títulos mucho más redondos. Ese es el caso de The Babadook, que se ha tenido que conformar con el premio especial del jurado pese a que había sido celebrada con honores en las redes sociales. Y es que Jennifer Kent, su directora, sabe aprovechar los lugares comunes de los relatos de fantasmas imprimiéndoles un toque 
original y personal. Nos cuenta la historia de una joven viuda que perdió a su marido cuando la llevaba al hospital para dar a luz. Seis años después de esa trágica muerte, Amelia (Essie Davis) continúa perdida intentando educar a Samuel (Noah Wiseman), su hijo de seis años, que vive aterrorizado por un monstruo que se le aparece en sueños y amenaza con matarlos. La situación se complica cuando aparece un extraño libro que parece escribirse mientras se lee (como en La historia interminable ellos parecen formar parte de la narración) y cuenta la historia del Babadook (una especie de hombre del saco). El niño ve en el Babadook la manifestación del monstruo de sus pesadillas y eso le hace caer en conductas violentas e impredecibles. Amelia, muy asustada por el comportamiento de su hijo, se ve forzada a medicarle. Pero cuando comienza a vislumbrar una presencia siniestra a su alrededor, Amelia poco a poco se da cuenta de que aquello sobre lo que Samuel la ha estado advirtiendo puede ser real…
The Babadook es presentada por sus productores como un «thriller sobrenatural en la tradición de los clásicos horrores domésticos de Polanski, tales como La semilla del diablo, El quimérico inquilino o Repulsión”. Han creado, pues, unas grandes expectativas que la película supera con nota. Su puesta en escena es impecable, utilizando el fuera de campo como elemento de intriga y dosificando con buen tino los momentos más impactantes. Kent se adentra en la tradición más clásica del terror y alumbra un cuento sombrío sobre los miedos de la infancia, combinando elementos de la tradición de casas encantadas, aquí más bien del objeto maldito (ese libro de cuentos del que es imposible deshacerse), y las apariciones fantasmagóricas. En The Babadook el componente sobrenatural es usado para hablar de los traumas de la pérdida y la dificultad para superar los duelos. Es la sombra del padre muerto la que planea sobre la relación madre-hijo, la que está en la raíz de los miedos del niño y en el sentimiento de culpa de la madre. El monstruo funciona a modo de catalizador que permite resolver los complejos, proporciona una catarsis en la que se verán superados los fantasmas del pasado y permitirá librarse del peso que oscurece los lazos maternofiliales. Dominar al Babadook supone tanto como conjurar el dolor para poder desarrollarse con normalidad (bien jugado ese fuera de campo del final).
La película australiana es un filme atmosférico que tiene una de sus mejores bazas en el magistral desarrollo del arco de transformación de los personajes y la perfecta interpretación de sus actores principales (el trabajo de Essie Davis se vio recompensado con el premio a mejor actriz ex aequo con Julianne Moore). Meritoria es también la labor de Jennifer Kent que se muestra capaz de darle la vuelta a los lugares comunes (algunos usados hasta la extenuación a lo largo de la historia del cine) y mostrarlos como novedosos, ello se da gracias a como sabe jugar sus cartas en un exquisito despliegue de las formas. El esmerado desarrollo de los personajes se ve arropado por un dominio total del ritmo narrativo (sorprendente en una debutante) y un acertadísimo sentido del montaje. A The Babadook no le falta nada, esperemos que sean ciertos los rumores de que tendrá estreno comercial en nuestras salas.
CERTAMEN LITERARIO CRYPTSHOW FESTIVAL 2015: DISTOPÍAS
Recién terminado el Festival de Sitges y con el último Cryptshow todavía en la memoria, comienza a calentar motores la edición 2015 del festival de Badalona con la publicación de las bases del tradicional certamen literario, cuyos relatos en esta ocasión deberán tener en común el tema de las distopías. Dejamos las bases para los interesados en enviar sus obras:
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CERTAMEN LITERARIO CRYPTSHOW FESTIVAL 2015: DISTOPÍAS PREÀMBULO: Cryptshow Festival organiza su certamen literario anual con el único objetivo de promocionar el género fantástico y el trabajo de los autores participantes. 1. Pueden participar todos los autores con una única obra original e inédita, en lengua castellana o catalana. 2. La temática del relato debe estar enmarcada en el contexto de las sociedades distópicas / políticas distópicas. Los textos deben tener una extensión alrededor de los 15.000 caracteres. 3. Cryptshow Festival publicará los mejores relatos en un libro que incluirá también obras de diversos autores consagrados, invitados por el festival a participar en esta antología. El libro se podrá adquirir a través de internet, en papel y en digital, en tiendas seleccionadas y durante la celebración del propio festival. Todos los participantes recibirán un ejemplar del libro en formato digital y una entrada para el Cryptshow Festival, así como un lote de productos del festival. El mejor relato, además, se publicará en la revista del festival, de difusión gratuita durante su celebración. 4. Se constituirá un jurado integrado por profesionales vinculados a la literatura y los géneros fantásticos que hará una selección de las obras recibidas. 5. Las obras deben enviarse antes del día 1 de marzo de 2015 a: obra@cryptshow.com Esta dirección electrónica esta protegida contra spam bots. Necesita activar JavaScript para visualizarla . En el título del mensaje debe figurar: CERTAMEN LITERARIO CRYPTSHOW FESTIVAL 2015. Se deberán enviar dos archivos adjuntos nombrados según el siguiente ejemplo: titulodelaobra.doc y titulodelaobraPLICA.doc. El primer documento contendrá la obra, en formato .doc. El segundo documento contendrá la plica, es decir: título, nombre y apellidos del autor, fecha de nacimiento, dirección postal completa, dirección de correo electrónico y número de teléfono, así como un texto en el que el autor se comprometa a aceptar las bases del certamen. 6. Mediante su participación, todos los autores manifiestan que la obra es de su autoría y que los derechos de edición y/o reproducción de esta no están cedidos a terceros. Asimismo, autorizan a Cryptshow Festival a publicar su obra y a utilizarla para fines promocionales. El autor nunca perderá los derechos de edición y/o reproducción de la obra. La participación en el Certámen Literario Cryptshow Festival implica la aceptación sin reservas de estas bases. Toda responsabilidad derivada del incumplimiento de este punto recae directamente sobre el autor. |
Sitges 2014: The Double, un Dostoievski retrofuturista y kafkiano
¿Quién no ha pensado alguna vez que Kafka fue el escritor realista del siglo XX, y de lo que llevamos del XXI también? El checo se nos representa en ocasiones como todo un profeta de lo que iba a ser (y está siendo) la (post) modernidad occidental: este mundo nuestro circundado por parajes laberínticos que parecen interponerse entre el sujeto y su vida. Y no es necesario siquiera referirnos a lo trascendente, lo kafkiano aparece en las situaciones más cotidianas, basta por ejemplo pensar en nuestras «charlas» con los contestadores automáticos que pretenden descongestionar los servicios de atención al cliente («si su consulta es por otras causas diga, otras causas o marque 4») y que terminan de agotar nuestros nervios ya exhaustos por la emergencia que queremos comunicar y resolver («disculpe, no le he entendido. Si su consulta es sobre…»). El hombre occidental contemporáneo no se las tiene que haber con hambrunas ni con epidemias ni con guerras, no, pero lo violento sigue 
pendiendo sobre él, aunque sublimado en actividades y relaciones de apariencia civilizada. Una violencia con piel de cordero que se filtra por las rendijas de nuestros perfiles más vulnerables y que no puede ser sojuzgada por la corrección política (antes al contrario, pero ese ya sería otro debate). Una violencia tan punzante como familiar e inane. Así resultamos sujetos desorientados, perdidos en la anodina ferocidad de nuestras existencias rutinarias, asaetados además por la dominante cultura del éxito (desde el famoseo de papel couché a las primas por resultados, pasando por el simple pretender ser el más ejemplar en todo momento y lugar), y rodeados de burocracia por todos los flancos.
No es difícil imaginar que bajo cualquiera de nosotros, siempre tan domesticados y tan presionados, viva agazapado un reverso virulento presto a transgredir las reglas y a erigirse en amo, suele aflorar en nuestros devaneos etílicos y suele quedarse ahí en nuestras aventuras de barra de bar (si es posible la revolución es también otro debate). Stevenson se nos aparece igualmente como pronosticador de nuestro hoy. ¿Y qué ocurre si cruzamos al Jekill de Stevenson con el Joseph K de Kafka? Sencillo, se manifiesta ante nosotros Goliadkin, el protagonista de El Doble de Dostoievski, todo un avance del psicoanálasis. Y si a ese entramado lo vestimos con un ropaje retrofuturista, para dotarle de un aire de atemporalidad universal a la vez que de proyección del presente en un futuro indefinido, y lo alimentamos con grandes dosis de humor absurdo, para generar ese extrañamiento que paradójicamente nos hace la trama más cercana, entonces nos encontramos con The Double la película de Richard Ayouade que es una adaptación puesta al día de la novela del ruso.
Jesse Eisenberg (a quien recordarán por su papel en La red social) es Simon James, un gris oficinista de carácter apocado que es ninguneado en todos los entornos, ya en el arranque del filme le vemos acosado en el metro por un pasajero que le obliga a cederle su asiento aunque el vagón está vacío. No le van mejor las cosas cuando llega a la empresa, su tarjeta de identificación se ha extraviado y el conserje se niega a reconocerle (pese a que le ve todos los días), ese será su primer tropiezo con el orden burocrático opresivo que le envuelve. Enamorado de Hannah, una bella Mia Wasikowska (a la que vimos en Stoker), es incapaz de abordarla para mostrarle sus sentimientos. Tampoco destaca ante el jefe de su sección (Wallace Shawn en el papel de Mr Papadopoulos) , pese a que es eficiente (quizás el que más en la oficina). Condenado a una existencia solitaria, ocupa su tiempo de ocio observando desde su casa con un telescopio la intimidad de Hannah. En una de esas noches es testigo de un suicidio: un hombre, al que no vemos el rostro, salta desde el edificio donde vive la joven, pero antes de lanzarse saluda con la mano a Simon. Parece toda una premonición de lo que espera al protagonista. Esas son las condiciones en las que vive nuestro (anti) héroe cuando irrumpe en escena James (segundo nombre de Simon). James es todo lo que no es Simon, aclamado en la oficina como el mejor empleado de la empresa pronto se hará con las simpatías de Hannah y se irá adueñando del espacio de Simon. La particularidad de James es que es idéntico a Simon, es su reverso perfecto, la cara del éxito que contrasta con su condición de perdedor.
En el filme de Ayouade el doppelgänger actúa a modo de superyo del protagonista (del ello si lo queremos en terminología freudiana), una versión superior de sí mismo caracterizada por no tener ningún tipo de cortapisa moral. Este yo superior irá barriendo del mapa a Simon hasta convertirlo en nada. Si Simon es un nadie, James es un yo pleno ensalzado por el establishment. Cuanto más se engrandece James en su entorno, más se reduce Simon hasta que llega a desaparecer completamente del sistema. Memorable escena la de Simon enfrentándose al encargado de personal que le impide el acceso pues no tiene carta de identidad porque, literalmente, ha desaparecido de la base de datos; todo un diálogo absurdo que nos recuerda la parábola Ante la ley de Kafka. La maquinaria de la burocracia arrolla a Simon, mientras que enaltece a un James en el que nadie, menos él, reconoce su doble.
Esa maquinaria en el filme está representada por la empresa de la cual su fundador, The Colonel, es epítome. El motivo del éxito de esa industria es haber sabido lanzar un discurso dedicado a «la gente» entendida como masa en la que ningún individuo es diferenciable. Una invitación a deponer la voluntad de ser uno mismo para vernos satisfechos en la uniformización, donde seremos más felices como afirma la consigna, donde destacaremos precisamente por no destacar. En este marco, la figura de James se ilumina como el objeto de deseo del inadaptado que es Simon, como la proyección de sus anhelos, su aventura revela que los sueños pueden resultar peligrosos y es mejor acabar con ellos para poder ser nosotros mismos. Donde otros ven optimista la lectura de Ayouade, nosotros vemos un mensaje aciago que nos alerta sobre los males de nuestra sociedad presente: ese mundo que anima a la masificación, a la deshumanización, no es otro que el nuestro.
En esta película, calificada por la crítica como hilarante, diabólicamente inteligente, especial y única, destaca también por su diseño de producción. La peripecia argumental está envuelta de un escenario oscuro, a menudo subterráneo, repleto de ruidosos ascensores, luces y televisores parpadeantes, fotocopiadoras y ordenadores prototipo de los años 50. Un universo lóbrego que le imprime carácter de distopía (en la que reconocemos influencias de Terry Gilliam aunque su paleta esté en el extremo opuesto). Richard Ayouade, pues, nos ofrece un filme ambicioso que supera con excelencia su propósito y le confirma como el gran director que se intuía ya en Submarine, su ópera prima. Para quien escribe pues, es una de las mejores cintas que compiten en esta edición.
Sitges 2014: Cold in July, suspense crepuscular
Jim Mickle se está convirtiendo en una presencia habitual en Sitges desde que en la edición de 20o7 presentara su ópera prima Mulberry Street. En 2010 vino Stake Land (traducida como Vampiros del Hampa), obra con la que se dio a conocer internacionalmente. y en 2013 repetía cita con We Are What We Are, remake de la mexicana Somos lo que hay (Jorge Michel Grau), cinta que contó con sus adeptos pero que, en nuestra opinión, no estaba a la altura de la pieza de Grau. En ambas ocasiones Mickle se internaba por el camino del terror, senda que, sin embargo, abandona en su última producción, Cold in July por la que participa en la presente edición del festival. Cold in July puede ser calificada como thriller, sobre todo ahora que dicha etiqueta se ha convertido en una especie de cajón de sastre en el que se engloban películas muy dispares entre sí. En Rotten Tomatoes la califican de misterio-suspense y no faltan listados en la que se la incluye en el drama independiente. Nos preguntamos si es justa su comparecencia en un certamen que se presenta como festival de cine fantástico. Cierto es que las fronteras del fantástico se han ampliado hasta abarcar no una temática sino una forma de narrar, pero, háganse los malabares que se hagan, Cold in July no se puede incluir en el género que da carácter (o debiera dar, al menos) al festival, sobre todo cuando este se pretende principal certamen internacional de cine fantástico.
La disquisición sobre el género es pertinente a la hora de valorar su inclusión en esta 47 edición, pero no es relevante para enjuiciar su calidad. El buen cine no entiende de fronteras ni taxonomías. Y Cold in July es la obra más redonda de su autor. No sólo por su trama original sino sobre todo por su pulso a la hora de narrar. El televisivo Michael. C Hall (al que le costará desprenderse de su personaje Dexter) interpreta en esta ocasión a Richard Dane un padre de familia corriente que se convierte en héroe local al abatir a un ladrón que había allanado su domicilio. El filme se inicia como una historia de acoso y venganza, pues los Dane se verán amenazados por Russell (Sam Shepard) exconvicto padre del supuesto ladrón. Todo cambia cuando Dane descubre que la policía ha mentido sobre la identidad del asaltante. A partir de ahí la película se convierte en un relato de compañeros unidos por compartir una causa común. Y ahí es donde el filme toma carácter de naturaleza, en ese giro de guión que nos lleva a una historia de personajes extravagantes con un tratamiento igualmente extravagante de la trama.
Cold in July nos regala una galería de personajes que viene a sumarse a la colección de idiosincráticos pobladores de las narraciones de la américa rural. La película está dotada de un aura otoñal que incluso la aproxima al western crepuscular. Especial mención merece Jim Bob, interpretado por un Don Jhonson en estado de gracia; medio detective medio compinche, Jim Bob representa la amistad incondicional, la fidelidad y el código de honor entre la gente del hampa, y todo ello impregnado por la vis cómica que el actor sabe imprimirle. Aunque la historia que nos trae Mickle vaya cayendo en situaciones cada vez más sórdidas, una leve pátina 
de humor sobrevuela el filme, haciéndolo así todavía más atractivo. La película exhibe ante nosotros la corrupción policial, los miembros del cuerpo están más por figurar que por hacer servicio a la justicia. Paradójicamente serán los fuera de la ley (la tríada de protagonistas) quienes se encargarán de penalizar el delito, organizando la cacería y ejecución del delincuente que campa a sus anchas amparado por el programa de protección de testigos. El sistema hace la vista gorda y le deja actuar impunemente a cambio de que testifique contra un malhechor más importante; los fuera de la ley no entienden de jerarquías entre delitos, sólo entienden que el mal merece el castigo y se ocuparán de ello aun poniendo su vida en juego. Una ácida conclusión que da razón del título: el desenlace del filme es capaz de dejarnos la sangre helada en las venas.
Sitges 2014, How I Live Now un intimista futuro postapocalíptico
Si hubiéramos de trasladar el modo narrativo de la cámara objetiva a un texto escrito, nos daría como resultado un narrador cuasi omnisciente. Así es el narrador de How I Live Now, salvo que, mediante la voz en of que acompaña a algunas imágenes, entramos en ocasiones en los pensamientos de Daisy (Saoirse Ronan), una joven adolescente americana que es enviada a pasar el verano en Inglaterra con sus primos (a los que no conoce). Esa voz en of funciona al modo de un monólogo interior en el que asistimos al flujo del pensamiento de la joven tal como se presenta, mediante flashes, sin conocer el discurso completo. La tercera y la primera voz se entremezclan en esta película que tiene su mayor baza en el punto de vista: la cámara no se despega de Daisy, comprendemos los hechos desde su perspectiva incluso cuando no escuchamos en of su voz. Kevin Macdonald, acostumbrado como está al lenguaje del documental, no da a los espectadores más información de la que posee su protagonista, en su cinta, pues, no hay suspense sino extrañamiento y confusión. El escocés nos ofrece, así, una película de futuro postapocalíptico que se aparta de la media por esa elección del punto de vista.
El arranque del filme, con Daisy llegando a la campiña inglesa en la que viven sus primos, nos hace pensar que nos encontramos frente a un relato de crecimiento. Imaginamos que en ese verano la adolescente se descubrirá a sí misma, reconocerá sus sentimientos, perderá su complejo de inferioridad (que se camufla en su modo hostil de relacionarse con los demás), y damos por sentado que conocerá el amor. Todos los elementos están dispuestos para que nos formemos esas hipótesis, hasta que llega la vuelta de tuerca. Del entorno que rodea la acción principal sólo tenemos pequeños indicios, la radio informa de hostilidades en Europa, la madre de los muchachos parece tener un trabajo relacionado con la solución de esos conflictos (sin que sepamos cuál es su función exacta) y que por ello los deja bajo el cuidado de la vecina… Apenas unas breves pinceladas que nos harán sentir la misma sorpresa que los niños cuando se oye una fuerte explosión seguida de una lluvia de cenizas. A partir de ahí se precipitan los hechos, falla el suministro de la luz, la radio informa, mediante un mensaje grabado, de la instauración del estado de sitio en Inglaterra, un empleado de la embajada quiere llevar a a Daisy de vuelta a los EE.UU…
Nada queda claro salvo que está ocurriendo algo de una gravedad inusual, un armagedón del que, igual que los niños que se ocultan, preferimos seguir al margen. Y nos quedamos allí, en la placidez del locus amoenus, donde los jóvenes siguen ocupados en jugar, en conocerse mejor, incluso en enamorarse, es decir, en crecer. Hasta que la fuerza de la realidad se impone, y nos encontramos como sonámbulos en un mundo asolado. Los niños son separados y evacuados. Igual que Fabrizio del Dongo en La cartuja de Parma, Daisy se ve rodeada por unos acontecimientos que se suceden a su alrededor sin que pueda llegar a representarse sus dimensiones. Sólo sabe que si existe un futuro su voluntad es reencontrar a sus primos, en especial a Eddie (George MacKay), el mayor, del que se ha enamorado. El último tercio de la cinta se entretiene en la peripecia de la muchacha por regresar a casa y a un final previsible pero efectivo.
La película de Macdonald, basada en la novela juvenil homónima la británica Meg Rosoff, consigue abordar el género postapocalíptico desde una óptica poco frecuente. No faltará quien la tilde de obra para quinceañeras, pero, si bien es cierto que su final no está a la misma altura que su planteamiento, el escocés ha sabido sacar el mayor fruto a los mimbres de los que parte para elaborar un producto más que digno que se deja disfrutar aunque tenga muchos elementos previsibles. Una película interesante.
Sitges 2014: Goal of the dead, París bajo el terror de los hooligans
Sí, lo han adivinado. Goal of the Dead es otra vuelca de tuerca en el, aparentemente inagotable, universo zombie apostando, una vez más, por la vertiente humorística y mezclando el deporte que más masas arrastra con una modalidad de monstruo también dado a atacar en bloque, como los hooligans. Como ven, toda una parábola dirigida a cuatro manos por los franceses Thierry Poiraud y Benjamin Rocher, parabola que afortunadamente disfrutarán tanto los forofos del llamado deporte rey como los que, como Serendipia, lo consideran una pérdida de tiempo. No, no es necesario que sepan las reglas del fuera de juego para ver este filme que por su tono evoca comedias inglesas como Grabbers (2012) de Jon Wright o films de Edgar Wright (y Simon Pegg) con Zombies Party (Shaun of the Dead, 2004) y Bienvenidos al fin del mundo (The Worl’s End, 2013) en cabeza, pero transportando la acción y los modos a la idiosincrasia francesa.
Con una duración de 140 minutos y dividida, como los partidos de fútbol, en dos partes, este ameno y divertido cóctel resulta toda una grata sorpresa con personajes bien perfilados, tramas paralelas y un humor ingenioso enmarcando los efectos gore, los vómitos y las degollinas protagonizadas por estos veloces y rabiosos infectados. Para ello ha sido necesaria la entente de cinco guionistas además del autor de la idea, Nicolas Peufaillit, colaborador también en el guión de La Horde () y de la serie Les Revenants, además de responsable del guión original de la galardonada Un profeta (Un prophète, Jacques Audiard, 2009).
Como ya hemos adelantado, dos son los directores que han unido fuerzas: Thierry Poiraud, comenzó dirigiendo cortos junto a su hermano Didier, y ya tiene experiencia en proyectos descabellados, como puede comprobarse ojeando su primer largometraje, también junto a su hermano, Atomik Circus – Le retour de James Bataille (2004) un loco cóctel de horror, comedia, aventura, ciencia ficción y musical protagonizado por Vanessa Paradis, actriz y cantante de la que también realizó el documental, Vanessa Paradis: Divinidylle Tour. Tras Goal of the Dead ha dirigido, ya en solitario, la producción española rodada en inglés, Don’t Grow Up, que se encuentra en post-producción. Por su parte Benjamin Rocher es junto a Yannick Dahan uno de los directores de The Horde (2009). Y con esto ya está casi todo dicho. Entre los actores se encuentra Alban Lenoir, un rostro muy familiar en la televisión francesa interpretando a Sam Lorit, el futbolista ‘traidor’ que ficha por el equipo rival pasando a ser odiado por toda la afición de su ciudad y Patrick Ligardes, que puede verse también en Frontière(s) (Xavier Gens, 2007), en el papel de entrenador.
Fútbol, humor, trabajo en equipo, nauseas (porque aquí los zombies no comen cerebros sino que extienden el contagio mediante vómitos), cerveza, cánticos e infectados. Muchos infectados sedientos de sangre, todo eso y mucho más es Goal of the Dead. Mucho más porque su pirotecnia tiene todo un trasfondo detrás. Los autores de Goal of the Dead nos ofrecen toda una reflexión sobre los parámetros que configuran la identidad personal y la colectiva; sobre la necesidad de pertenencia a un grupo; sobre la bondad de la cooperación en equipo frente a los individualismos narcisistas. Una película sorprendente (el trailer no le hace justicia), original en su tratamiento de los clichés del cine de zombies y dotada de una profundidad que no es frecuente en el subgénero.
Sitges 2014: Dead Snow 2, el retorno de los zombies nazis
Los zombies, el monstruo de moda, nunca faltan a su cita con el Festival de Sitges. Su presencia trae algunos de los momentos más divertidos del evento cuando son abordados desde la comicidad. Ese es el caso de la nueva cinta de Tommy Wirkola. El noruego nos ofrecía en 2009 la primera entrega de su propuesta, Dead Snow, título que fue traducido para su estreno en España como Zombies Nazis, una película modesta que no pretendía aportar innovaciones significativas, al contrario, explotaba las convenciones del género desde la parodia autoconsciente (en la línea de la saga Scream); y no escondía su referencia a títulos ya canónicos como Posesión infernal de Sam Raimi o el gore más alocado de Peter Jackson, presente incluso en la camiseta de uno de los personajes. Mezcla de slapstick y splatter, conectó con su sector de público aunque dividiera a la crítica. El mejor resumen de esta cinta se lo debemos a Jesús Palacios: «Con ingenio, mala uva, muertes creativas, ritmo endiablado y buen final. (…) Wirkola ha sabido resucitar con gracia ese universo, ese humor negro y sangriento que parecía ya olvidado«. Cinco años más tarde Wirkola vuelve a la carga con la segunda entrega, Dead Snow 2, con nuevas dosis de efectos de maquillaje y risas aseguradas. En esta ocasión no se cumple el dicho de que segundas partes nunca fueron buenas, porque, si bien no es una película excelente, sigue siendo eficaz en sus pretensiones e incluso aumenta su voluntad de explotar la vena cómica de su protagonista, bien encarnado por Vear Hoel.
La secuela arranca en el mismo punto exacto en el que terminaba la primera, con Martin, nuestro héroe, malherido tras enfrentarse a un ejército de zombis nazis. Ahora deberá hacer frente a una horda todavía mayor de muertos vivientes, pero contará con tres baluartes que serán decisivos: un brazo «milagroso», un comando americano especializado en la erradicación de zombies y… un pelotón soviético de la Segunda Guerra Mundial resucitado. Ya vimos a Martin amputarse su propio brazo infectado en la cinta inaugural (un homenaje nada disimulado al Ash de Terroríficamente muertos), y en esta segunda parte, cuando es encontrado por la policía y llevado al hospital, le implantan un brazo pensando que el pertenece, aunque en verdad es del coronel Herzog (oficial al mando de la tropa zombie), un apéndice que resultará decisivo a la hora de machacar cabezas. Y no sólo eso, el brazo tiene también el poder de resucitar a los muertos ¡¡zombificándolos!! En cuanto al mencionado comando americano, resulta ser un trío de amigos nerds fanáticos del género al que deberemos muchos de los momentos hilarantes del filme.
Con estos mimbres Wirkola teje una comedia negra, irregular en algunos momentos del metraje, pero llena de gags efectivos e incluso con algún detalle entrañable como el de ese pobre hombre zombificado y masacrado sucesivas veces a lo largo del filme. Si en la primera Wirkola homenajeaba los lugares comunes del género, en esta se decanta por darle un giro más personal a la trama y las situaciones, cosa que quizás no gustará a los más puristas pero que conectará con su público potencial. Película entretenida que no se toma en serio a sí misma, combina acertadamente humor y vísceras y nos regala con Martin, un personaje que podría incluirse en la galería de antihéroes icónicos que pueblan las comedias con zombies como el Shaun de Zombies Party (2004), el Tallahassee de Zombieland (2009) (que se alzó con el premio del público cuando fue proyectada en el Festival de Sitges), o el ‘héroe’ de Juan de los muertos (2011).
Para verla sin prejuicios y sin esperar mucho más que diversión a gogó.
Cinephone entrega sus premios 2014
Este pasado sábado 27 de septiembre tuvo lugar en el edificio Mobile World Center situado en Plaza Catalunya de Barcelona la entrega de premios de la tercera edición de Cinephone, el
único festival de cortometrajes exclusivo realizados con Smartphone de temática general
a nivel nacional dirigido por David Cornadó.
El jurado de este año formado por Susy Botello de San Diego (USA), Max Schleser de
Auckland (Nueva Zelanda) y Conrad Mess de Zaragoza (España) profesionales del sector
con gran experiencia en la creación de contenido audiovisual con Smartphone han
fallado a favor de los siguientes cortometrajes:
Primer premio del jurado con una dotación económica de 800€ por el cortometraje La
boca del león del director madrileño Alfonso García.
Segundo premio del jurado con una dotación económica de 200€ por el cortometraje Fly
Away del director de Los Angeles Luis Eduardo Juarez.
El premio Mosaic, galardón que otorga la Universitat Oberta de Catalunya fue a parar al
cortometraje Intrusos de Ivan Mourin de Calafell.
Las menciones especiales del Festival se otorgaron a los cortometrajes:
Mejor BSO : Fly Away (Los Angeles – USA)
Mejor Fotografía : Magic Bullet (Cape Town – Sudafrica)
Mejor Interpretación : The passing (Corona – USA)
Mejor Guión : How to rob a house (Los Angeles – USA)
El evento fue presentado por el propio director del festival, Conrad Mess miembro del
jurado y Antoni Marin en representación de Mosaic y la Universitat Oberta de Catalunya.
Se realizaron videoconferencias en directo por Skype con los diferentes ganadores, los
cuáles usaron para conectarse sus propios Smartphones con los que rodaron los
cortometrajes.
Todos los cortometrajes ganadores se puede ver en el portal web del festival
www.cinephone.org
Cinephone se consolida en esta edición como festival referente nacional con Smartphone
con una gran proyección mundial contando en esta edición con el soporte de Mosaic,
UOC, Movistar, Mobile World Capital y Mobile World Center.
Pere Koniec presentará en Sitges ‘Difuminado’
Hace un tiempo ya hablamos con el cineasta Pere Koniec y compartimos parte de su obra, incluyendo su mediometraje Policromía (2010). Ahora les presentamos todavía calentito Difuminado, un nuevo proyecto del director con una duración de 53 minutos que será presentado en la sección Brigadoon del Festival de Sitges. Veamos unas pistas de lo que vamos a encontrarnos.
Difuminado (2014) es una película independiente rodada en blanco y negro sin diálogos con una misteriosa trama y un extrañísimo reparto lleno de arte. Apariciones de los ilustradores Josep M. Beà, Isidre Monés, Marcos Prior, Raquel Garcia Ulldemolions o Clara-Tanit Arqué. Escritores como Javier Pérez Andújar, Sergi Puertas o Joan Ripollès, apariciones cinéfilas del director Agustí Villaronga, Juan Carlos Olaria, Lluís Marco, Carmen Serret, Dolo Beltrán y la colaboración especial de Aina Clotet.
La trama de Difuminado, que conviene no desvelar, habla de la fascinación por un automóvil como obra de arte, imágenes de infancia que marcan la trayectoria erótica y recuerdos de aquellos amigos que fueron cayendo en una juventud politoxicómana. Armonizan el proyecto las suaves notas de Sergei Prokofiev, la nostalgia de King Crimson y el impulso suicida de Stereolab.
Pere Koniec (Varsovia, 1980) es diseñador gráfico y cineasta independiente. En 2003 dirigió su ópera prima L de Lorena estrenada en el Festival de Sitges y recibido como la sorpresa barcelonesa del año. Ha dirigido el frenético cortometraje Efímero 87 (2006) y el mediometraje Policromía (2010), en la que ensayaba su particular estilo alejado de todo diálogo y apoyado únicamente en el lenguaje cinematográfico como motor de la narración. Todos pueden verse en el artículo que realizamos sobre el director. Difuminado (2014) es su última película.
Respecto al reparto, el mismo director nos narra porqué es tan heterogéneo:
“Uno de los principales placeres de rodar Difuminado (2014) fue poder contar con una multitud de artistas que irradiaron el proyecto de buena energía. El director Agustí Villaronga aparecía en Perros Callejeros (1979) o Petit Indi (2009) y en nuestra cinta nos regala un mini-prólogo como declaración de principios. Juan Carlos Olaria, que en los 70 facturó la hoy de culto El hombre perseguido por un Ovni (1976), protagoniza un emotivo encuentro con una joven. Y recuperamos a Carmen Serret, que en la época de Iquino y compañía firmó varias cintas como Carla Dey. El título del film, como mi anterior cinta Policromía (2010), remite a una técnica gráfica relacionada con la ilustración. En un instante del film, todos los personajes atracados en un túnel subterráneo son dibujantes en la vida real. Es el caso de Marcos Prior (Potlatch), Raquel Garcia Ulldemolins (Canallades) y Clara-Tanit Arqué (Wassalon). Dos veteranos de la viñeta como Isidre Monés y Josep M. Beà nos ayudan a completar el reparto artístico. Y de las viñetas pasamos a la letras con las breves apariciones de Joan Ripollès Iranzo (Quemar el cielo), Sergi Puertas (Cómo destruir ángeles) o Javier Pérez Andújar (Los príncipes valientes). La cantante y actriz Dolo Beltrán protagoniza un emotivo segmento, el gran Lluís Marco toma el relevo del protagonista vía Henry Miller y la actriz Aina Clotet cierra brillantemente esta película independiente rodada sin permisos y con mucho amor difuminado”.
Difuminado se proyectará en la sección Brigadoon del Festival de Sitges el sábado 11 de octubre a las 21 horas.
El director con Juan Carlos Olaria y Estefanía Gutiérrez durante el rodaje de Difuminado
Pere Koniec con nuestra amiga la actriz Carmen Serret.
Sitges 2014, inauguración oficial: hablando en positivo
Como cada año el Honorable Conseller de Cultura, Ferran Mascarell, ha presentado a la prensa la 47 edición del Festival. Junto a él estaban Miquel Forns, alcalde de Sitges, y Ángel Sala director del Festival. Por parte de la Generalitat se considera que se han cubierto los objetivos, que para la institución son catapultar el cine catalán y conseguir que el Festival de Sitges sea el más importante del mundo en su especialidad, para ello ha aumentado un 2% la asignación monetaria. El alcalde de la Blanca Subur, manifiestamente contento, expresaba la satisfacción que es para el municipio la celebración del certamen, con el que el ayuntamiento colabora económicamente y abasteciéndole infraestructuras.
Las palabras más esperadas son siempre las de Ángel Sala quien ha dedicado a los asistentes un discurso optimista. Para el director es el momento ya de hablar en positivo, después de estos años de crisis parece que está cambiando el signo de los tiempos y hay ya una mejoría. Con ese espíritu Ángel Sala ha dado las últimas informaciones sobre los filmes (ya anunciados antes en su totalidad) y sobre las ambiciones que mueven al festival y que son: apostar por la inclusión en la programación de películas pertenecientes a otros géneros considerados concomitantes, es decir, seguimos barajando un criterio amplio de lo que cabe relacionar con el fantástico; en segundo lugar no se han escatimado esfuerzos para apoyar los filmes emergentes, los nacionales, pero también (y sobre todo) latinoamericanos que se engloban en esta edición en una sección que recorre transversalmente todas las otras secciones; por último, el festival, que es ya el más reputado en su especialidad, está volcado a la promoción del cine catalán que nos traerá gratas sorpresas este año.
Una vez más el director ha insistido en la buena salud de la que goza el género, tanto por la profusión de títulos (que se están abriendo camino incluso en festivales que no habían tenido en consideración el fantástico), como por la influencia del fantástico en otros géneros. El Festival de Sitges hace eco de está explosión y nos trae una amplia muestra de todo ese panorama. Se ha procurado que la programación atienda los gustos de todos los públicos conformando un abanico que se extiende desde los filmes más autorales a los más cruentos que satisfarán a quienes siguen siendo devotos de los filmes de puro género. Recalcaba Ángel Sala la necesidad de la polémica y el debate como herramientas que permiten que el Festival genere tendencias y permita descubrir y lanzar el talento. Todo ello hace que la programación completa sea inabarcable, por ello se invita a que cada cual seleccione los títulos que más le interesen llevando a cabo una programación personal que multiplique como caja de resonancia los tentáculos del Festival. El Festival no es una imposición general, al contrario cada uno generará su propio festival lo que da riqueza al certamen.
La conclusión es clara, la 47 edición es una invitación a disfrutar en positivo de la pluralidad que está representando el fantástico en la actualidad. Una invitación al optimismo y la celebración. Sitges 2014, igual que el París de Heminway, nunca se acaba y será una fiesta constante.
El Festival de Sitges apuesta por las series de TV
Serial Sitges programa diez producciones de este sector emergente
El Festival abre una puerta a la televisión de género con la nueva sección Serial Sitges, que recogerá la presentación de series televisivas de género fantástico y thrillers, así como TV movies, web series y formatos parecidos. La nueva sección se incorpora a la parrilla del Festival con el fin de albergar a un creciente y emergente sector, el de las series de género fantástico, por el que las cadenas televisivas están apostando fuerte en este momento. Serial Sitges lo patrocina el FNAC y se proyectará en la Sala Tramuntana del Hotel Meliá Sitges, con entrada gratuita.
Serial Sitges es la respuesta a la experiencia inicial que el Festival desarrolló el año pasado en la misma Sala Tramuntana con notables resultados por parte de sus fans. La sección ha programado diez títulos este año, entre ellos se encuentran preestrenos como Fargo, uno de los actuales éxitos en Estados Unidos.
El primer capítulo de Fargo se emitirá en Sitges el viernes 10 por la noche, dos días antes de que Canal+ lo estrene para sus abonados. Se trata de un thriller inspirado en la particular atmósfera de la película de los hermanos Coen.
En el apartado de estrenos de Serial Sitges resalta The Knick, realizada por Steven Soderberg y protagonizada por un Clive Owen en el papel de cirujano, y de la que se ha programado el primer episodio. Las otras dos presentaciones de Serial Sitges son producciones de animación: Robot Chicken –con un capítulo dedicado a Star Wars– y Rick and Morty, dirigida a un público adulto que narra las aventuras de un científico alcohólico y de su nieto.
A estas producciones se añaden unas sesiones de conocidas series por parte del público: Juego de Tronos no faltará en esta cita televisiva, con la proyección del último episodio de la cuarta temporada. Canal+ presenta también el primer capítulo de la segunda temporada de la serie británica Utopía. Por otro lado, TNT ofrece el primer capítulo de la octava temporada de The Big Bang Theory, mientras que Warner Bros aporta un episodio de la aclamada serie de intriga True Detective, nominada a los Emmy, entre otros premios.
The Darkside es otra interesante propuesta de Serial Sitges, donde se presentarán seis capítulos de esta serie que reúne una colección de cuentos del más allá procedentes de diversos puntos de Australia. Esta proyección se realiza en paralelo al film del mismo nombre que programa el Festival en la sección de Noves Visions – No Ficció.
Serial Sitges se proyectará en la Sala Tramuntana, uno de los dos puntos –junto con el espacio FNAC– donde el Festival programa actividades paralelas. La agenda de estas dos salas incorpora un apretado calendario con coloquios, presentaciones, clases magistrales y sesiones profesionales, que permitirá ofrecer propuestas complementarias a las parrillas de las salas cinematográficas.
PROGRAMACIÓN COMPLETA SERIAL SITGES
The Big Bang Theory
La noche para los más freakis del festival. Proyección del primer episodio de la 8ª temporada de The Big Bang Theory, cargado de sorpresas.
Viernes, 3 de octubre, 22,30h.
Robot Chicken. Especial Star Wars
Episodio especial dedicado a Star Wars de la serie Robot Chicken. Una serie de animación que utiliza la técnica Stop-motion, creada por Seth Green y Mathew Senreich. La serie parodia una sucesión de situaciones en las que se involucran series de televisión, actores de cine, músicos y video juegos.
Sábado, 4 de octubre, 15h.
Rick and Morty
Rick and Morty, una serie de animación norteamericana dirigida a un público adulto. Nos presenta a Rick, un científico alcohólico y a su nieto Morty, en sus aventuras en dimensiones alternas, que acostumbran a causar problemas en la familia de Morty, constantemente atrapados en el caos.
Sábado, 4 de octubre, 15.45h
Juego de Tronos
Proyección del último episodio de la 4ª temporada de Juego de Tronos, una exitosa serie internacional basada en la saga de las novelas de fantasía escritas por el autor norteamericano George R.R. Martin.
Domingo, 5 de octubre, 20h
Utopía
Iniciada la segunda temporada de la mini serie británica Utopía, creada y escrita por Dennis Kelly, supuso una gran sorpresa la temporada pasada. Jessica Hyde permanece secuestrada en manos de la Red, que sigue observándolo todo, mientras Becky, Ian, Grant y Wilson se han dispersado. Aunque la conspiración en torno al experimento Jano no es algo de los que puedan escapar fácilmente y ellos lo saben…
Lunes, 6 de octubre, 20h.
Gotham / True Detective / The Knick
Presentación del primer episodio de Gotham, una de las nuevas series más esperadas de la temporada basada en los personajes creados por Bob Kane de DC Còmics. Una serie que se introduce dentro de los misterios de la ciudad de Gotham antes de la aparición de Pingüi, Catwoman y Batman. Inmediatamente, se proyectará el primer capítulo de True Detective y a continuación se presentará el primer episodio de The Knick, una serie creada por el gran realizador y productor Steven Soderberg y protagonizada por Clive Owen y que penetra por los pasillos del Hospital Knickerbocker de Nueva York, donde un prestigioso cirujano no duda en sobrepasar los límites de la ética y de la moral a favor de la investigación científica. Gotham, True Detective y The Knick forman parte de la programación de Canal+.
Martes, 7 de octubre, 20h.
The Darkside
Proyección de seis episodios de la miniserie The Darkside, que reúne una colección de cuentos del más allá procedentes de diversos puntos de Australia. Un serie que también cuenta con un largometraje que se podrá ver en Sitges 2014. La proyección será en versión original .
Jueves, 9 de octubre, 21.30h.
Fargo
Preestreno de la segunda temporada de la serie Fargo, inspirada en el peculiar universo creado por los hermanos Coen de la película Fargo (1996). Un hipnótico thriller cargado de suspense y de humor negro, que se ha consolidado como una de las mejores series del año. Un éxito avalado con tres premios Emmy a la mejor miniserie, mejor dirección de miniserie y mejor casting de miniserie. Fargo también la han premiado con el Critics Choice Award a la mejor miniserie. El preestreno en Sitges coincide con su estreno en Canal+.
Viernes, 10 de octubre, 22h.
Se presentará en Sitges el ‘Manual de supervivencia para cinéfagos’
¿Alguna vez se ha preguntado cuál es la mejor película de caníbales de la historia del cine? ¿Y la mejor de arañas gigantes? ¿Y de cabañas en el bosque? Si es así, usted es probablemente un cinéfago -persona que consume películas compulsivamente sin importar el género- y el Manual de Supervivencia para Cinéfagos es su libro, una obra editada por el sello Tempore, que reseña cuáles son los filmes más destacados de toda clase de subgéneros cinematográficos alternativos y normalmente despreciados por la critica más exigente.
Coordinado por Timi Abad e Ignacio López, se trata de un desenfadado -pero no por ello poco documentado- libro coral donde las películas de momias, de vampiros, de demonios, de zombies o incluso de insectos gigantes, se dan cita junto a otras categorías muy de moda últimamente como el Torture Porn -filmes de torturas explícitas, donde brilla con luz propia la prolífica saga “Saw”- o el Found Footage -películas que imitan supuestas grabaciones reales, como la serie “REC”-, en una publicación que cuenta con las viñetas humorísticas de la dibujante Peñuelas, autora también de la portada.
Para la compleja elaboración de las decenas y decenas de listas que plagan este libro de 251 páginas, Abad y López se han ayudado de distintos expertos en la materia como los críticos Miguel Juan Payán -Revista Acción- o Rubén Pajarón -Aullidos.com-, los cineastas Ángel Mora -productor de “Empusa” y director de la sala de cine Artistic Metropol de Madrid- o Víctor Matellano -realizador de los filmes “Wax” y “¡Zarpazos!”-, reputados bloggers de Internet como Paco Fox -Vicisitud y Sordidez- o Víctor Olid -Aquí Vale Todo-, actores como Antonio Mayans -quien fuera uno de los intérpretes fetiche de Jess Franco- o incluso dos miembros de la web de cine y humor Cinecutre.com, como son Cacaman y Carlos Palencia “Oso”, maestros de ceremonias de Cutre Con, el Festival de Cine Cutre de Madrid.
La lista de colaboradores la completan Diego López -El buque maldito-, Sergio Morcillo, Isaac Vicente Sánchez -evilbrain666-, Carlos Díaz Maroto -Pasadizo-, Jesús Usero -Revista Acción-, Óscar Arias -La Mansión del Terror- y Alberto Fernández -Marty McFly no era un gallina-.
Los distintos escritores no se han limitado a enumerar películas representativas de cada uno de los subgéneros, sino que también las analizan y destripan, en una entretenida guía que, como señalan sus autores, “no te guiará a ninguna parte, ¡pero te librará del tedio!”.
El Manual de Supervivencia para Cinéfagos se podrá adquirir a un precio de 11.95 euros a finales de este mes de septiembre en comercios especializados como Elektra Cómics, Madrid Cómics, Chopper Monster u Omega Center -poco a poco irá llegando a más establecimientos-; en tiendas online como La Mansión del Terror o Imagen Death y también se pueden reservar ejemplares escribiendo a la dirección de correo electrónico cinema@artisticfilms.es.
La presentación del libro tendrá lugar en el marco del inminente Festival de Sitges, el próximo sábado 4 de octubre a las 16:00 horas en el espacio FNAC que habilita el propio festival. A la presentación acudirán Abad y López y también se espera la asistencia de colaboradores como Peñuelas o Paco Fox.
Sitges 2014: amplio muestrario de exposiciones
El Festival de Sitges presenta un mapa completo de exposiciones, que recorren los territorios del fantástico
Las muestras se exhiben en cinco espacios diferentes de Sitges
Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya reúne nueve exposiciones temáticas, que congregan en varios formatos, géneros y expresiones una visión poliédrica de los territorios del fantástico. Desde un viaje a través de la saga REC hasta un homenaje colectivo al míticoTetsuo, de Shinya Tsukamoto, el mapa de exposiciones de Sitges 2014 muestra diversas facetas del arte y del cine de género: los carteles cinematográficos de la Cannon y de la colección Propside.com, los productos comerciales de SD Toys, las creaciones de Carles Ganya, los dibujos de fanta-ciencia, los píxeles de Miguel Chevalier y el proyectoCinergía de gas Natural Fenosa. Las nueve muestras –de formato variado– constituyen un amplio programa expositivo del Festival que refuerza su oferta de actividades paralelas.
REC: UNA SAGA INDOMABLE
BACARDÍ y FILMAX presentan la exposición REC: Una saga indomable. Una ocasión única (e irrepetible) de ver como nació y como se creó la saga de terror más famosa de nuestro país.
Del 3 al 12 de octubre, Casa Bacardí Sitges acogerá por primera vez una exposición externa con un excepcional motivo: reconocer la trayectoria de uno de los directores más indomables, Jaume Balagueró, que estrenará su última película, REC 4, en el Festival de Cine de Sitges.
La perseverancia con la que el director consiguió su sueño de realizar cine de terror en España, dedicando más de tres años en obtener financiación para su primera película Els Sense Nom, sin miedo a los obstáculos y sin rendirse, le ha valido el reconocimiento de BACARDÍ, un ron forjado por la pasión indomable de una familia que durante más de 150 años ha tenido que soportar numerosas adversidades –como el incendio de 1880, los terremotos de 1903, 1906, 1914, 1932…–, el exilio, la Ley Seca…– movidos por el afán de crear el mejor ron.
REC: Una saga indomable es un profundo repaso visual, auditivo y táctil a una de las sagas de terror más famosas de la historia de género a través de docenas de fotografías, carteles inéditos, story-boards , dibujos, esbozos, vestuario, atrezzo y una serie de objetos que nunca se han visto fuera de la gran pantalla.
Dividida en cuatro zonas, cada una de las áreas de esta exposición persigue que el visitante se sumerja en la saga REC, producida por Filmax, y que se prepare para el estreno de la última entrega.
Entre otras cosas, el visitante podrá disfrutar de una veintena de carteles inéditos, que nunca –hasta ahora– habían visto la luz. Tampoco podían faltar otros elementos icónicos, como la camiseta de Manuela Velasco en REC o el vestido de novia que lucía Leticia Dólera en REC 3, entre otras.También se podrá disfrutar en exclusiva de una pieza audiovisual realizada por Jaume Balagueró, que repasa la cuatrilogía REC que seguro hará las delicias de sus fans.
Y para que nadie se vaya con sed y como fin de fiesta, los visitantes degustarán una serie de cócteles inspirados en las entregas de REC elaborados por los alumnos del Centro Internacional de Formación CETT con BACARDÍ Superior, BACARDí 8 años y BACARDÍ Heritage. Unas copas que no dejarán a nadie indiferente. Por descontado, la Casa Bacardí será el único lugar de España donde –durante unos días– se podrán probar estos cócteles.
Del 3 al 12 de octubre (excepto el día 9, que estará cerrada al público), en Casa Bacardí Sitges. Horario: de 17 a 22 h.
CANNON FILMS: ACTION FACTORY
El Festival dedica un espacio expositivo a los carteles de películas de Cannon Films, una de las productoras cinematográficas más importantes de las últimas décadas y que en los años 80 vivió su momento de esplendor.
Los documentales The Go-Go Boys: The Inside Story of Cannon Films (Hilla Medalia, 2014) y Electric Boogaloo: The Wild, Untold Story of Cannon Films (Mark Hartley, 2014), sumados a la triste noticia del fallecimiento de uno de sus fundadores, Menahem Golan, han situado en el punto de mira a una de las productoras más importantes de las últimas décadas.
Golan, junto a su inseparable primo y copropietario de Cannon Films, Yoram Globus, fueron capaces de incorporar a sus producciones grandes nombres del cine de acción como Silvester Stallone, Chuck Norris, Charles Bronson o Jean-Claude Van Damme y otorgaron inolvidables títulos como Coba, el brazo fuerte de la ley (George P. Cosmatos, 1986), Invasión USA (Joseph Zito, 1985), El guerrero americano (Sam Firstenberg, 1985), Desaparecido en combate (Joseph Zito, 1984) o Yo soy la justicia (Michael Winner, 1982). Los carteles de estas producciones se podrán ver en los espacios de la salida del Auditori.
Del 3 al 12 de octubre. Salida del Auditori
DECORACIÓN DE ENSUEÑO
Una vez más, Propside.com se encargará de decorar los espacios del Auditori con piezas originales de prestigiosas producciones del género fantástico. Este año, también se únen al homenaje los sueños, que realiza el Festival, y presenta piezas tan emblemáticas como el guante y el vestuario de Robert Englund en la saga Pesadilla en Elm Street o ejemplares de producciones oníricas como Matrix, Sucker Punch o Blade Runner. El espacio ofrecerá la posibilidad de hacerse una foto con Gizmo, personaje de Gremlins, celebrando, de esta manera, el trigésimo aniversario de la película.
Propside.com es una empresa dedicada a la venta en línea de artículos y productos comerciales sobre producciones cinematográficas y de televisión.
Del 3 al 12 de octubre. Salida del Auditori
CINERGÍA, DE GAS NATURAL FENOSA
GAS NATURAL FENOSA ha puesto en marcha el proyecto Cinergía, una original iniciativa para acercar la eficiencia energética al gran público a través del séptimo arte.
La compañía energética ha seleccionado cuatro reconocidos directores españoles –Paco Plaza, Rodrigo Cortés, Jaume Balagueró y Juan Cruz– para dirigir cuatro cortometrajes vinculados a la eficiencia energética, protagonizados por algunos de los actores más conocidos del panorama nacional.
Rodrigo Cortés presentará el 3 de octubre su cortometraje 1.58 en el hogar eficiente de GAS NATURAL FENOSA, ubicado en el recinto del Festival. Producción con aires de thriller y terror protagonizada por Manuela Vellés, con la colaboración de Gabino Diego y la periodista Julia Otero. 1.58 ofrece al espectador diversas claves sobre una conducción eficiente.
En el hogar eficiente de GAS NATURAL FENOSA se podrá conocer que es la energía y su valor y como se puede ser más eficiente mediante diversas actividades que la compañía ofrecerá a niños y adultos del 3 al 12 de octubre de 10 a 21h.
Del 3 al 12 de octubre. Exterior del Auditori
CARNE Y HIERRO: UNA EXPOSICIÓN SOBRE TETSUO
La discográfica Bestiarie reunirá en el Palau de Maricel una serie de serigrafías en tinta negra en una exposición que pretende homenajear a Tetsuo, un film dirigido por Shinya Tsukamoto y considerado como fundacional del movimiento cinematográfico ciberpunk. Los artistas que expondrán su obra son Liqen, Alonso Urbanos, o Nando Vázquez.
El reconocido ilustrador Liqen, ha pintado, en su faceta de estreet art murales coloristas y detallados en muros de todo el mundo, además de exponer en lugares como la Opera Gallery de Nueva York o estar presente en ferias como la International Contemporany Art Fair de Miami.
Alonso Urbanos ha expuesto sus diseños en el Museo Nacional del Romanticismo de Madrid, entre otros espacios y, recientemente ha diseñado las portadas de lascassettes que ha producido la discográfica Bestiarie, sello discográfico editorial dedicado a publicar obra gráfica y trabajos musicales relacionados con la músicaambiente, industrial, metal y noise y responsable de la producción de la exposición.
El ilustrador gallego Nando Vázquez ha expuesto en diversos espacios del Estado y de México y, presentará su trabajo, junto con la obra gráfica de Miquel Sueiro, creador de Bestiarie.
Las obras se expondrán en formato 70×100 y están inspiradas en la relación del ser humano del siglo XX con la máquina que Tsukamoto plasma con el film Tetsuo, no como una lucha, sino como una fusión para dar lugar a un nuevo hombre, al hombre tecnológico de hoy día. Esta exposición pretende homenajear una película que, aunque ya ha cumplido 26 años, sigue tan vigente como el día que se estrenó.
Shinya Tsukamoto es un realizador que se ha preocupado especialmente por los miedos del hombre moderno, por el enfrentamiento entre la carne y la tecnología que le rodea. Tetsuo, su primer éxito internacional, puede ser considerada como una apología ciberpunk que busca puntos de fuga en el lenguaje cinematográfico utilizando la plástica de las imágenes como hilo conductor de un discurso surrealista.
Las serigrafías de la exposición estarán a la venta en línea en la página web: http://www.fleshandiron.com
Del 3 al 12 de octubre. En el Saló Blau del Palau de Maricel. Horario: los días 3, 4, 5, 10, 11 y 12, de 11 a 14h y de 17 a 19h; los días 7, 8 y 9, de 17 a 19h.
FANTÀSTIC & TERROR
El ilustrador Carles Ganya también presenta en el Palau de Maricel, su colección de dibujos basada en escenas de películas de género fantástico y de terror. Esta exposición ofrece la particular visión que tiene este dibujante y amante del cine de una serie de películas que considera que han dejado una huella en la memoria cinéfila.
Las ilustraciones, en blanco y negro y hechas en lápiz grafito sobre madera, reviven clásicos del cine como Nosferatu (1922) o La novia de Frankenstein (1935) hasta títulos más actuales como Alien vs Predator (2004), King Kong (2005) o Matrix Reloaded (2003), entre otros. Personajes y películas que ya son íconos cinematográficos como Drácula, Terminator, 2001 una Odisea en el espacio, Taxi Driver, Wolverine, Jason o Freddy, también estarán expuestas.
Ganya se inició en el dibujo a los 31 años, relativamente tarde, aunque era hijo de pintor e ilustrador. Desde siempre ha estado vinculado al mundo del celuloide, tanto por su condición de cinéfilo como por sus estudios de dirección de cine y su carrera de productor de televisión. Su capacidad para recrear escenas y rostros míticos y el contraste entre el blanco y el negro, es lo que prevalece en esta colección que según su autor, “pretende homenajear al séptimo arte”.
Del 3 al 12 de octubre. En el Saló Blau del Palau de Maricel. Horario: los días 3, 4, 5, 10, 11 y 12, de 11 a 14h y de 17 a 19h; los días 7, 8, y 9, de 17 a 19h.
EXPOSICIÓN TALLER DE CÓMIC DE IL.LUSTRA CIÈNCIA
La librería Malvasia de Llibres acogerá en una muestra, las ilustraciones sobre ciencia ficción de los alumnos de los talleres Il·lustraSciFi, organizada por la Associació Catalana de Comunicació Científica (ACCC), a través de la iniciativa I·lustraciència –que tiene como objetivo divulgar la importancia de la ilustración científica–, la librería La Malvasia de Llibres y el Festival.
El taller, que se celebró el pasado 13 de septiembre en el Casino Prado de Sitges, estuvo dirigido por los ilustradores Jordi Pastor y Damián Campanario, formadores con una larga experiencia en su campo, y que condujeron a los alumnos a recrear el fantástico mundo de los sueños, leitmotiv de Sitges 2014, mediante sus dibujos. Durante el taller los alumnos pudieron hacer un análisis del cómic de ciencia ficción a través del tiempo y conocer a los autores más representativos.
La inauguración de la exposición, que tendrá lugar el 6 de octubre a las 17h, contará con la presentación de la obra gráfica de Pastor y Campanario Khalid: Crónica de una realidad, que explica la historia de dos hermanos magrebíes que emigran a Europa jugándose la vida para poder hacer realidad sus sueños y esperanzas.
Del 4 al 18 de octubre. En la librería La Malvasia de Llibres (Espalter, 16). Horario: de 10.30 a 13.30h y de 17 a 20.30h.
SD TOYS
SD Toys, empresa dedicada a la comercialización y figuras de colección, presentará un espacio expositivo a la salida del Auditori, una muestra de piezas y personajes de series de género fantástico como Game of Trones, The Big Bang Theory y sus nuevos productos de Star Wars, así como figuras, tazas, artículos de papelería, camisetas, llaveros y toda serie de objetos relacionados con este tema.
SD Toys fue la primera empresa del Estado que se dedicó a desarrollar este tipo de producto que hasta ese momento era un mercado exclusivo de Estados Unidos y Japón. Licencias como Blue Brothers, Guitarras Fender, o las más recientes Cálico Electrónico, Heidi o Mazinger Z forman parte de SD Toys.
MIGUEL CHEVALIER: POWER PÍXELS
La Fundació Stämpfli expone la obra de Miguel Chevalier en una muestra titulada Power Pixels 2014, que presenta una selección de obras del reconocido artista mexicano francés, una de las referencias del arte digital. La exposición presenta, en las salas 2 y 3 de la Fundació, las últimas investigaciones artísticas de Chevalier, mediante diversas instalaciones de realidad virtual y una serie de obra fija. La obra experimental y pluridisciplinaria de Chevalier reformula temas esenciales de la historia del arte. Su trabajo aborda la cuestión de la inmaterialidad del arte, así como las lógicas inducidas por ordenador, como la hibridación, la generación, la interacción o la representación en red. El artista desarrolla varias temáticas –la relación entre naturaleza y artificio, la observación de los flujos y las investigaciones que organizan las sociedades contemporáneas, el imaginario de la arquitectura y las ciudades virtuales– que proporcionan unas imágenes que cuestionan constantemente la relación con el mundo.
Miguel Chevalier es uno de los artistas digitales de referencia en la actualidad. Pionero del arte virtual, desde 1978, utiliza la informática como medio de expresión en el campo de las artes plásticas. Su obra se ha expuesto en importantes centros internacionales de arte contemporáneo, museos y festivales. Solamente en los tres últimos años sus obras se han exhibido en París, Venecia, Bruselas, México y Miami, entre otros lugares. En la última edición de la Feria de Arte de París protagonizó la sesión inaugural con una obra que cubrió en su totalidad toda la fachada del Grand Palais.
3, 4, 5, 10, 11 y 12 de octubre. Horario: viernes, de 15.30 a 19h; sábados: de 10 a 14h y de 15.30 a 19h; domingos: de 11 a 15h.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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