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Desentrañando el enigma Cristina Suriani
Cuando era pequeño (y de eso ya empieza a hacer tiempo) tenía un proyector de cine de Súper-8, toda una alternativa para la televisión en un momento en el que había dos canales, el video era un sueño y el CinExin le parecía toda una majadería a un monster kid como yo. También tenía un puñado de películas que proyectaba incansablemente para mí y para mis amigos, a los que hacía sesiones en las que no faltaba de nada, desde palomitas a programas y entradas. Entre estas películas había un resumen, de unos veinte minutos de duración, de El espanto surge de la tumba. No voy a descubrirles ahora esta película, que sin duda conocerán y de la que aquel niño quedó prendado. Cautivado por el cruel nigromante Alaric de Marnac que interpretó Paul Naschy y las sangrientas escenas que mostraba. Pero aquel imberbe niño también quedó conquistado por la belleza de una de sus protagonistas, rubia y de expresivos ojos azules, que se pasaba toda la segunda parte del film portando un blanco camisón. Sí, sin duda me quedé prendado de Cristina Suriani. Pero su nombre lo supe mucho después.
Ahora, que ya he tenido la suerte de ver completa infinidad de veces El espanto surge de la tumba (Carlos Aured, 1972) y La saga de los Drácula (León Klimovsky, 1972) donde luce, entre otras lindezas, unos encantadores colmillos, el ya no niño cautivado todavía por la belleza de la Suriani, ha conseguido ponerse en contacto con la actriz por magia de la tecnología y obtener unas cuantas notas que nos desvelarán qué fue de aquella actriz, de breve carrera cinematográfica, pero inolvidable para los aficionados al Fantaterror español.
Escarbemos pues en el enigma Suriani, pero tan solo lo justo, para que por siempre quede un poco de ese misterio que, sin duda, hace más cautivadora su figura.
Cristina Suriani nace en Rosario (Argentina), donde su belleza le facilita que haga sus primeros pinitos como modelo, entre otros de Carlos Saldi, que consigue publicar una de sus fotos en la portada de la revista Boom. No tarda en cruzar el charco y venir a España con poco más de veinte años:
“Llegué a Madrid en el invierno del 70, para recoger un premio de publicidad. Al mes estaba en el programa de Laura Valenzuela y Joaquín Prat sobre música (Galas del sábado). De allí pasé a TVE, en un largo programa dominical de entretenimiento, y mientras tanto trabajaba como modelo. Todo esto era nuevo para mí, ya que yo era una estudiante de tercero de arquitectura que de pronto se había quedado sin universidad, cosas de los militares argentinos, y me adentré en un mundo fascinante. Al ser rubia, alta, ojos azules, con idiomas y educada, en esos años y en ese mundo, eso era rarísimo, y todo vino rodado. Los spots de televisión y anuncios en las revistas se sucedían sin parar. Mis constantes apariciones en el ABC y sus suplementos también ayudaron.”
Ya dice bien Cristina cuando califica sus apariciones en el ABC de constantes, ya que su presencia es demandada para acudir a debates sobre moda; almuerzos en honor a la figura del mes de ‘Los domingos de ABC’ junto a otras personalidades de la política, las letras, el arte, el cine y el teatro; además de protagonizar amplios reportajes fotográficos en los suplementos dominicales ocupando, además, su portada. Pero no solo en esa revista:
“Mis portadas en la mítica ‘Diez Minutos’ de la época eran las más buscadas. Y así apareció Jaime de Armiñan y me ofreció un papel en Mi Querida Señorita, con la condición de que mi hermana pudiera también trabajar conmigo (ella estaba rodando en Italia) ….Y así empezó todo.”
Su belleza, exótica para los cánones españoles, y su gracia para llevar mini faldas y
En esta ocasión la portada del suplemento ABC está protagonizado por Ana Suriani.
cortos shorts atrajeron a los productores de cine que, tal y como cuenta la propia Cristina, quisieron contar con su hermana Ana, actriz también, que se encontraba en Italia rodando la coproducción italo-española Tedeum (Enzo G. Castellari, 1972). Dicho y hecho, ambas hermanas formaron parte del reparto de Mi querida señorita, un filme de Jaime de Armiñán en el que interpretaron a las dos hijas del personaje interpretado por Antonio Ferrandis. Una película muy arriesgada para la época y en la que José Luis López Vázquez afrontó un papel atípico en su filmografía. Una apuesta que se saldó con éxito, obteniendo el filme varios galardones y la nominación a los premios Oscar:
“Cuando esta película fue nominada para el Oscar, alguien de los promotores americanos sugirió que yo fuera en la delegación que se desplazó a Los Ángeles. José Luis Borau, el productor, se negó. Según me contaron sus palabras fueron «que yo ya tenía demasiada publicidad» (¡…!)”
Si para Ana Suriani está fue su última experiencia en el mundo del cine, no fue así para Cristina, que fue llamada para participar en otros filmes. Pero Cristina tenía puesta la vista en su gran ilusión, que era ser actriz teatral, por lo que no descuidaba sus estudios en el TEI (Teatro Experimental Independiente), una compañía española que fue eje de varias vanguardias y que tenía el objetivo de renovar la estética del arte dramático con espíritu reivindicativo. En el TEI, que estuvo en activo desde 1968 a 1978, ensayaba tragedias de Esquilo como Prometeo encadenado. En cuanto a su vida social, era bastante ajetreada: además de trabajo, actos y presentaciones era, según cuenta el escritor Marcelo Marraquy en la biografía que escribió sobre Rodolfo Galimberti, pretendida por este, líder de los Montoneros argentinos y cercano a Perón. El general, exiliado por entonces en España, vivía en Madrid, concretamente en Puerta de Hierro, donde Cristina y su hermana lo conocieron por mediación de Galimberti. La joven de 24 años por entonces, también era cortejada por Joan Manuel Serrat.
“Después vino una serie de películas con Alfredo Landa, otra con López Vázquez (El vikingo, Pedro Lazaga, 1972), y creo recordar que hice simultáneamente El espanto surge de la tumba (Carlos Aured, 1972) con Experiencia prematrimonial (Pedro Masó, 1972), lo que cabreó enormemente a Pedro Masó, que recortó en el montaje todo lo que pudo mis apariciones. De esta película guardo el recuerdo de una larga y duradera amistad con Francesca (Ornella Muti) y el verme mezclada en guerras de egos entre productores y directores con más vanidad que presupuesto.”
Pero si Cristina Suriani es recordada, lo es por los fans y seguidores del cine de terror español gracias a las dos películas de ese género en las que intervino: El espanto surge de la tumba y La saga de los Drácula, dos perlas en las que estuvo rodeada de actores y actrices inolvidables como Paul Naschy, Narciso Ibáñez Menta, Helga Liné, Emma Cohen, María Kosty, Tina Sáinz y Tony Isbert. Del aquellos filmes la actriz guarda buenos recuerdos:
«De Carlos (Aured) tengo un recuerdo imborrable: el de un director con muchas ganas de trabajar y nada de presupuesto. Recuerdo que en el salón de mi casa me contaba sus penurias y los intríngulis del cine español. Mi entonces representante, Quique Herreros, quería que Emma Cohen fuera la protagonista y Carlos se negó. Lo que me pedía encarecidamente era que bajara mi cachet para que él pudiera contar conmigo y con ella. Cosa que hice. Carlos era una bellísima persona que trataba a todo el mundo por igual y amaba profundamente lo que hacía. Recuerdo que pasaba horas con Jacinto Molina (Paul Naschy) discutiéndolo todo y repensando escenas, tomas y decorados. Piense que rodábamos en Rascafría, en la casa de fin de semana de los padres de la mujer de Jacinto. En realidad éramos unos valientes, y los que ponían el dinero aún más.»
1972 estaba resultando intenso y la actriz declaró en ABC su intención de salir de vacaciones:“Voy a recorrer los pueblecitos de la Costa Brava: desde Barcelona a Perpignan. Porque esta parte no la conozco y me interesa mucho. Pero no lo haré en plan buenos hoteles. Iré recorriendo los pueblecitos de la costa y me alojaré en sus casas.” Y desde luego hizo bien en tomarse ese descanso, si llegó a hacerlo realmente, ya que a partir de septiembre la actriz se embarcó en la más prolongada relación laboral de su carrera al firmar un contrato para interpretar el papel de secretaria en la obra teatral Pato a la naranja, cuyo éxito obligaría a la actriz a celebrar varias Navidades en el escenario.
Esta obra, una de las más exitosas y longevas de la escena londinense escrita por William Douglas-Home, se estrenó en 1967 como The Secretary Bird, siendo adaptada en Francia como Le Canard à l’orange por Marc Gilbert Sauvajón, adaptación que fue la que se estrenó el viernes 8 de septiembre de 1972 en el teatro Infanta Isabel en versión de Vicente Balart bajo la dirección de Fernando Montesinos por la Compañía teatral Arturo Fernández.
La obra, una comedia sobre la infidelidad, fue muy bien recibida por la crítica, aunque el crítico de ABC, Adolfo Prego, fue bastante superficial con su referencia a Cristina: “Con Arturo Fernández brilló el trabajo entonado de Conchita Cuetos y el talento anatómico de Cristina Suriani, nueva en el mundo de la escena.”
Algo mejor que lucir palmito haría la actriz ya que, junto a Arturo Fernández, fue la única intérprete que permaneció en la obra desde la primera función en septiembre de 1972 hasta su despedida del Infanta Isabel en diciembre de 1974 y su posterior temporada en el teatro Talía de Barcelona, a principios de 1975. Todo un carretón que ocupó su agenda laboral con más de mil representaciones, lo que sin duda le hizo dejar de lado otros proyectos por la imposibilidad de acometerlos, tal y como declaró a Antonio Cervera en Terror Fantastic nº 17 (febrero 1973): “(…) no podría aceptarlos, la obra es un éxito y hay para rato. Se puede, sí, simultanear cine y teatro, a base de no dormir o poco menos, pero es difícil porque lo que no se puede es ausentarse de Madrid o donde me encuentre actuando.”
Fue el cenit de su carrera pero quizás también significó el fin de la misma: “Llegó Arturo Fernández con la proposición del ‘Pato a la naranja’ y lo dejé todo por el teatro. En realidad, por aquellos tiempos se hacían dos funciones diarias y se descansaba solo un día. No tenía tiempo para más. Después todo lo que me ofrecían no me parecía ni siquiera interesante. Al casarme, dejé Madrid por Budapest. Y después Viena, Bruselas, Nueva York, Roma, Londres y vuelta a Madrid. Pero esa es otra historia.”
Con el cine de destape en ciernes no eran los mejores tiempos para aspirar a interpretar historias más interesantes o comprometidas. Y su voz, que seguro tenía 
un lindo acento argentino, tampoco pudimos escucharla ya que fue doblada por profesionales del doblaje, como en El espanto surge de la tumba, donde le prestó la voz la prematuramente fallecida Maite Santamarina. Cristina Suriani, a pesar de su juventud, tenía más que ofrecer que ese espléndido cuerpo, y de ello dejó constancia escrita Antonio Cervera cuando fue a su apartamento a entrevistarla para Terror Fantastic: “Íbamos en busca de una información más o menos frívola y superficial en una de las más bellas mujeres que se han asomado a las películas de nuestro ‘boom’ terrorífico, y nos hemos encontrado con la agradable sorpresa de una inteligencia clara y lúcida que tiene mucho que enseñar a quienes vayan sólo en busca de su belleza para que adorne sus películas.” Quizás por ello Cristina se decantó también por la escritura y presentó una obra a los premios Adonais de poesía que se celebraron a finales de 1975. Pero a partir de entonces perdemos su pista. Hasta ahora, que tan amablemente ha querido hablar un poco con nosotros, deferencia que tanto le agradecemos.
¿En qué consiste la belleza de la mujer?
«Si esto me lo hubiesen preguntado hace cinco años, hubiera contestado que en ser como cualquiera de las vírgenes pintadas por Boticelli o Rafael, o como la Venus de Milo, o cualquiera de las estatuas griegas. Pero hoy por hoy la belleza de la mujer consiste en ser inteligente, hábil y desenvuelta. En saberse mover dentro de cualquier medio social, en trabajar, en saber tomar decisiones importantes, en participar activamente dentro del mundo que le ha tocado vivir. La otra belleza, la física, por unos miles de pesetas, cualquier mujer puede lograrla”
Cristina Suriani en La Vanguardia, jueves 26 de abril de 1973.
Agradecemos a Cristina Suriani el habernos respondido amablemente. Estas declaraciones recientes de la actriz (en color azul), han sido cedidas y publicadas previamente en el libro: Carlos Aured. Nostalgia y pasión, de Miguel Ángel Plana.
ÁLBUM FOTOGRÁFICO DE CRISTINA SURIANI
Más portadas dedicadas a Cristina Suriani
Una captura de La saga de los Drácula, como vampira acechando junto a María Kosty
Aquí junto al resto de la tenebrosa saga: Helga Liné, Narciso Ibáñez Menta, Cristina y María Kosty.
Junto a Vic Winner (Víctor Alcázar) en una captura de El espanto surge de la tumba.
En el mismo filme, haciendo espiritismo junto a Paul Naschy y Julio Peña.
Adorada por Naschy y Liné en una de las imágenes más cautivadoras de El espanto surge de la tumba.
Lograr el más alto grado de popularidad se conseguía en los años setenta cuando editaban cromos con tu imagen. O, como en este caso, naipes.
Perfecta vampiresa en La saga de los Drácula.
Las imágenes perdidas. La otra mirada: sobre el cine y la vida
El sello Cameo ha publicado Las imágenes perdidas. La otra mirada, un film que oscila entre el documental y la ficción y que supone una lúcida reflexión sobre el cine, la vida y la muerte, además de ser la última película de Paul Naschy. En el filme, el cineasta Juan Pinzás realiza un viaje físico e iniciático en busca de unas imágenes perdidas que había rodado en los años ochenta. El viaje le conduce desde Madrid hasta Galicia y en la búsqueda de esas imágenes se encuentra con diversos personajes que le ayudan en su propósito, como Paul Naschy o el polifacético Javier Gurruchaga, en cuyos universos personales ahonda el film. Finalmente hallará en Vigo, su ciudad natal, de la que realiza un singular retrato, una vieja película en formato de Súper-8 mm con las imágenes deseadas. La catarsis se produce con el visionado del antiguo film que resulta ser un homenaje al cine y supone el final del viaje introspectivo del cineasta.
Ciertamente pueden calificarse de opuestas las trayectorias y la forma de entender el cine existente entre el vigués Juan Pinzás y el madrileño Paul Naschy. Si Juan Pinzás ha realizado un cine experimental, con tres de sus películas adscritas al movimiento Dogma. La trayectoria de Paul Naschy ha basculado principalmente en cine de género, popular y consumido por un público mayoritario. Pero contra todo pronóstico, lejos de haberse producido un choque de trenes, el entendimiento y la admiración ha sido mutua entre ambos cineastas ya desde que Pinzás contara con el veterano Naschy para Cuando el mundo se acabe te seguiré amando, un film dirigido por la esposa de Pinzás, Pilar Sueiro, en 1998 para la productora de ambos, Atlántico Films. Tan satisfactoria será la experiencia que dos años después volverá a tenerlo como actor en su largometraje Érase otra vez, primera película Dogma española.
En 2009 y lejos ya del Dogma, Pinzás ha dirigido Las imágenes perdidas. La otra mirada, una lúcida reflexión sobre la vida utilizando el cine como vehículo y como hecho vital en la que Pinzás, con la excusa de recuperar una vieja película rodada en los años ochenta, visitará los escenarios de otros de sus filmes y mantendrá largas conversaciones con dos grandes cinéfilos: Javier Gurruchaga y Paul Naschy. Unas conversaciones que nos mostrarán las pasiones compartidas por el cine. Un viaje por la vida y la muerte en el que el hecho cinematográfico será el gran protagonista y también medio para poder entenderlo. Mostrando atardeceres o las escenas captadas en procesiones, lonjas y puertos, el director nos transmitirá sus estados de ánimo. Su forma de ver la vida. Su mirada cinematográfica.
Paul Naschy bromeando con un Javier Gurruchaga con máscara de lobo
Naschy se nos muestra relajado, cercano, cordial y alejado de discursos preparados, protagonizando los momentos más deliciosos del filme, emocionantes a veces, con el actor mostrando ya en su rostro las marcas de la grave enfermedad que estaba atravesando.
Fetiches, objetos mágicos y sobre todo imágenes. Unas imágenes que, afortunadamente no se perderán y que quedarán como testigo de que el amor al cine puede unir unas, a priori, dispares naturalezas y formas de entender el arte. Todo ello en una película que, como no podía ser de otra forma, el director ha querido dedicar a su amigo fallecido.
Gurruchaga, Pinzás y Naschy rodeados de fetiches y literatura en la casa museo del cantante.
Dr. Jekyll y el hombre lobo: un cóctel original
El estupendo cartel realizado por Mac (Macario Gómez)
Tras encarnar a Waldemar Daninsky, el hombre lobo protagonista en La marca del hombre lobo (Enrique López Eguiluz, 1968) la carrera de Jacinto Molina, ya para siempre Paul Naschy, se centrará principalmente en su género favorito, el Fantaterror, escribiendo guiones, interpretando y en algunas ocasiones dirigiendo a su licántropo, al que periódicamente retornara y que vivirá ese mismo año su segunda aventura en la hispano-francesa Las noches del hombre lobo, film dirigido por René Govar que no llegó a finalizarse y que por lo tanto tampoco se estrenó, considerándose perdido.
En 1971 el licántropo de Naschy se incorpora al mayor cóctel de monstruos (con permiso de El aullido del diablo) rodado en España, en este caso en coproducción con Italia. Los monstruos del terror (Hugo Fregonese y Tulio Demicheli) proponía una invasión alienígena mediante la intervención, nada más y nada menos, de la momia, Drácula, un sosias de la criatura de Frankenstein (Franksatán concretamente, cosas de copyright) y el hombre lobo. Naschy, que ya había ofrecido en el guión de La Marca del hombre lobo dos licántropos y dos vampiros, aumenta la oferta en este film, cuyo argumento también firma: “Yo soy un enamorado de los
Dibujo de Mr. Hyde realizado por un joven Jacinto Molina (gentileza de Sergio Molina)
cocktails de monstruos, quizás porque yo cogí la decadencia de la Universal, cuando utilizaban toda clase de resortes para tener éxito. Pero yo nunca pensé en eso, es que a mí sencillamente me gusta, para mí es apasionante enfrentar a Drácula contra el Hombre lobo, o la Condesa Bathory, o contra Frankenstein si llegaba el caso. Era muy divertido, me apasionaban las identidades de cada personaje, que me eran tan entrañables ¿Por qué no iba a hacer cocktails de monstruos?”[1]
Peor suerte sufrirá Waldemar en La furia del hombre lobo (1971), un alucinante y alucinado film dirigido (es un decir) por José María Zabalza cuyas incidencias de rodaje convirtieron en un disparate que, precisamente por bizarro, se ha revalorizado por entre otros el escritor Juan Manuel de Prada, al que el film resulta “encantadoramente psicotrónico, con su pizca de psicodelia castiza”[2]. Quizás los pobres resultados obtenidos empujaron a la productora a dejar reposar cautelosamente la obra en un cajón, por lo que, afortunada -y oportunistamente- se estrenó después de La noche de Walpurgis (1971). Y es que tal éxito supuso el film de León Klimovsky, que otros productores, frotándose las manos, buscaron imitarlo pidiendo a Naschy un nuevo guión con licántropo. Así que a pesar de que el actor ya comenzaba a estar un tanto agotado del personaje, llegando a declarar que “De hombre lobo no quiero hacer más, porque es demasiado duro”[3] , propuso un nuevo cóctel de monstruos todavía más difícil y original en Dr. Jekyll y el hombre lobo.
Paul Naschy consideraba al dual personaje creado por Robert Louis Stevenson “uno de los más apasionantes mitos del Fantaterror y desde luego, junto al licántropo, el más humano (…) Al igual que en la leyenda del hombre lobo, también aquí emerge la bestia, pero en este como resultado del uso de una droga y sin elementos mágicos”[4]
El guión le fue encargado por el productor José Frade, “que se encontraba en cama con hepatitis. Admiraba mucho a Frade, a quien consideraba el productor joven con mayor proyección en el mundo del cine. Pasé muchos días en su casa leyendo el texto, y él me hacía las pertinentes sugerencias. Lo acabamos a gusto de ambos. Pero, al reponerse de la enfermedad, se fastidió un tobillo jugando a fútbol. Luego empezó a pasar el tiempo y Frade dejó de dar señales de vida. Le llamé varias veces a la oficina, pero nunca se podía poner. Aburrido, dejé de insistir. Poco después me llamó Arturo González, el hermano de Cesáreo, pidiéndome un guión de terror. Le ofrecí éste, le gustó y decidió producirlo. Días más tarde, Arturo González me contó que José Frade, enterado de su intención, le había telefoneado para aconsejarle que no hiciera la película. Pero el proyecto siguió adelante”[5].
Un Mr. Hyde interpretado posteriormente por Naschy en su film El aullido del Diablo
Buscando repetir el éxito obtenido por La noche de Walpurgis, la nueva producción contó también con el director de aquella, León Klimovsky, un realizador argentino de ascendencia rusa que firmó con esta su película número 52 y segunda de corte fantástico, a partir de la cual dirigiría una larga serie.
Demos un somero repaso al guión de Dr. Jekyll y el hombre lobo:
Imre Kosta (José Marco) y su esposa Justine (Shirley Corrigan) están de viaje en Baliavasta (Transilvania), donde desoyendo las advertencias recibidas en la taberna, salen de noche y son atacados por tres maleantes que matan a Imre e intentan violar a Justine que, rescatada por Waldemar, la lleva a su castillo.
Esa misma noche los bandidos supervivientes vuelven para vengarse, pero se encuentran con un hombre lobo. Justine, que mientras tanto se ha enamorado de Waldemar, descubre el mal que le atenaza y le ofrece que viajen a Londres, donde puede ser tratado por su amigo Henry Jekyll,
Carátula de la edición doméstica japonesa.
nieto del famoso doctor.
Cuando Waldemar acude a la clínica para iniciar el tratamiento, se avería el ascensor en el que sube junto a una enfermera. Es plenilunio y la bestia se desata, matando a la desdichada joven y cobrándose otras presas por Londres. El incidente obliga al Dr. Jekyll a montar un laboratorio en el sótano de la casa de Justine, lejos de los ojos de la gente. La intención del Dr. Jekyll es inyectar a Waldemar el próximo plenilunio el suero de su abuelo, para que se transforme en Hyde y que este venza al licántropo, suministrándole a continuación un antídoto y eliminando así a Hyde.
Pero Sandra (Mirta Miller) la ambiciosa ayudante del doctor, está celosa de Justine y apuñala a Henry cuando Waldemar está transformado en Hyde, liberándolo y comenzando así la pesadilla para Justine, que es forzada y torturada por ambos.
Hyde asesina y siembra el pánico en Londres hasta que en una discoteca se le pasa el efecto de la fórmula, y tras transformarse en Waldemar, vuelve a convertirse en hombre lobo.
Mientras, Henry, moribundo, encuentra a Justine y le indica antes de expirar donde encontrará una pistola cargada con balas de plata con la que podrá matar a la bestia.
El hombre lobo vuelve y ataca a Justine, que antes de morir dispara y libera a Waldemar, quedando ambos unidos para siempre por la muerte.
Caracterizado y listo para rodar.
Paul Naschy afonta un reto interpretativo interpretando tres personajes, del que para Tim Lucas sale victorioso: “como Hyde con su extraños ojos y color de piel, Naschy exuda una palpable maldad muy intimidante, y como Waldemar tiene un buen número de transformaciones (…) incluyendo una de la que Corrigan es testigo en la que muestra visiblemente la tristeza de la bestia, consciente de su propia monstruosidad[6]”. Para los autores del primer estudio sobre Paul Naschy, su Mr. Hyde “resulta ser un personaje en la línea del que en su día interpretara John Barrymore, pero sobre las directrices formales y chispeantes del irónico ‘Testamento del Doctor Cordelier’ de Jean Renoir”[7].
Rodada en Estudios Roma, Navacerrada, Talamanca del Jarama y alrededores de Madrid, posteriormente parte del equipo partió hacia Londres, donde se rodaron algunos exteriores, un práctica bastante común en la época destinada a dar credibilidad a la ambientación, aunque en la mayoría de casos se limitaba a rodar algunas tomas turísticas con el protagonista paseando por lugares característicos. En el film de Klimovsky estas escenas fueron un tanto especiales, ya que obligaron al actor “a desfilar por las calles de esta ciudad disfrazado de Mister Hyde, con macferlán, sombrero y bastón y unas fastidiosas lentillas doradas que apenas me permitían ver. Vestido de esta guisa, tenía que pavonearme por el Soho, donde los transeúntes me obsequiaron con todo tipo de insultos y piropos irónicos”[8] “La verdad es que provocaba miedo este personaje. La gente me miraba como si fuera un loco porque no sabían que estaba filmándose la película (…) no veían las cámaras que estaban ocultas en unos coches”[9].
Precisamente estas molestas lentillas dieron más de un problema al actor: “perdí una de las lentillas doradas que llevaba como Hyde. Dado que nos encontrábamos en un pajar, te puedes imaginar la que se lió. Estábamos todos locos por encontrarla, cuando de repente comenzó a aparecer por la parte superior de mi ojo. Resultó que se me había metido para dentro, y como tenía anestesia local…”[10]
Otra fotografía de la misma sesión de maquillaje para Dr. Jekyll y el hombre lobo.
También el poco elaborado maquillaje que luce el actor como hombre lobo, en el que el prolífico y todavía en activo Miguel Sesé, empleaba casi 5 horas, ocasionó problemas. Mientras el maquillador elaboraba un molde de su cabeza: “La escayola se me pegó al pelo y no se podía quitar. Sesé se volvía loco y yo aguantaba horas y horas mientras la intentaba sacar. Al final me la quitaron con un escalpelo. (…) Tuvieron que ponerme un postizo para poder rodar”[11]. Aunque afortunadamente los colmillos no le ocasionaron tantos problemas: “me quedan muy bien, estoy cómodo con ellos. Recuerdo que la última vez me molestaban tanto que me pasé toda la película sangrando por la boca”[12]
El film contó con una no muy inspirada partitura de Anton García Abril, labor que también realizó en La noche de Walpurgis. García Abril es responsable, entre multitud más de la, ahora sí, inolvidable banda sonora de La noche del terror ciego, para la que compuso el infernal y tétrico canto gregoriano que acompañaba a las apariciones de los esqueléticos caballeros templarios de Ossorio. Pero el film tiene reservada otra curiosidad, ya que se trata de un “inusual ejemplo de película de terror española rodada directamente en inglés, con doblaje posterior sincronizado que hace que los actores se vean más conectados con lo que están diciendo, ofreciendo todos una actuación más completa[13]”.
Shirley Corrigan
Pero además de Paul Naschy, la película contó con la presencia de otros atractivos actores, como la irlandesa Shirley Corrigan, una bonita y más bien sosa actriz que tras comenzar su carrera en el teatro marchó a Brasil, Italia y Calcuta, donde permaneció cinco años con la madre Teresa, que cariñosamente la llamaba Shirleybelle, apodo que también utilizó alguna vez en el cine. La religiosa (quizás harta de su presencia) terminó recomendándole que retomara su carrera interpretativa. Y con Italia como base rodó películas como La plus longue nuit du diable (Jean Brismée, Belg-Ital. 1971), Sette Scialli di Seta Gialla (Sergio Pastore, Ital. 1972) o la comedia erotica Jorden Runt Med Fanny Hill (Mac Ahlberg, Suecia 1974). La actriz, como vemos todo un espíritu aventurero, actualmente vive en Londres y sigue actuando eventualmente. Sobre Paul recordaba que “era un hombre muy serio. Introvertido. Siempre preparando su papel, su interpretación y maquillaje (…) Estaba muy unido al director y eran muy amigos. Siempre hablaban de hacer películas juntos. El Sr. Klimovsky era un gran director. Hablaba siempre por el megáfono. Estábamos en el monte rodando un buen número de planos y Paul Naschy tenía su propio megáfono también y le respondía con él. Era una situación sumamente divertida. Paul era muy perfeccionista y no tenía doble ni para preparar iluminación. Hacía todo él mismo”.
Firmó para hacer la película con solo una vaga idea de su argumento: “El director, Mr. Klimovsky me contó la historia cuando llegué a Madrid y pensé, ‘Si es tan sencilla como me la cuenta no representará ningún reto para mí hacerla’”. También conoció de primera mano la popularidad de la que gozaba su co-protagonista: “Cuando llegué a Madrid y conocí a Paul Naschy fuimos a su casa y me presentó a su familia, todos encantadores y hospitalarios. Decidimos ir a cenar para hablar del guión, pero resultó imposible porque había unas 300 personas esperando fuera del restaurante para conseguir autógrafos ¡Fue como una estampida! Él se dirigió a la gente diciéndoles ‘Esta señorita es Shirley Corrigan, una bella actriz inglesa que me va a dar buena suerte’. Era un hombre generoso y me gustó trabajar con él, muy respetuoso, siempre me decía ‘Eres demasiado buena’”[14].
La gran Mirta Miller
Además, el film contó con dos actores muy familiares para los aficionados al Fantaterror español: Jack Taylor y Mirta Miller. El norteamericano Jack Taylor, cuyo aristocrático porte fue utilizado por otros directores en títulos adscritos al género como en La venganza de la momia (Carlos Aured), El buque maldito (Amando de Ossorio) o El conde Drácula (Jesús Franco), está todavía en activo y no pierde ocasión de participar en proyectos que le resulten interesantes. La exótica Mirta Miller (Mirta Jovita Bogni Chatard), es una bella argentina que desde los 20 años ha ejercido de modelo y actriz interviniendo en más de 70 películas. Puede admirarse su belleza en otras perlas del Fantaterror como La rebelión de las muertas (León Klimovsky, 1973) y El gran amor del Conde Drácula (Javier Aguirre, 1973), ambas también junto a Paul Naschy. Fue amante declarada del fallecido Alfonso de Borbón, y aunque nunca ha dejado del todo el cine, ha vuelto en 2013 decidida a quedarse si le ofrecen papeles atractivos.
El papel del posadero está interpretado por Barta Barry, bailarín y artista de circo nacido en Budapest al que también podemos ver en La noche de Walpurgis (León Klimovsky, 1971) o Pánico en el Transiberiano (Eugenio Martín, 1972), por nombrar dos títulos de su prolífica carrera. El malvado jefe de los bandidos es el italiano Luis Induni, que en sus 28 años de carrera en España colaboró en un buen número de films de género, principalmente westerns y de aventuras, así como terror, coincidiendo de nuevo con Naschy en El mariscal del infierno (León Klimovsky, 1974), Exorcismo (Juan Bosch, 1975) y La maldición de la bestia (Miguel Iglesias Bonns, 1975), donde interpreta al memorable villano mongol Sekkar Khan. Imre, el marido de Justine, está encarnado por el barcelonés José Marco, otro todoterreno con 42 años de carrera en el cine que también puede verse en, además de diversos westerns, La noche de Walpurgis, La furia del hombre lobo y Pánico en el Transiberiano. En el apartado anecdótico es curioso indicar la participación de María Luisa Tovar, la hermana morena de Loreta Tovar, siempre relegada a realizar pequeños, pero memorables papeles, en películas como La residencia (Narciso Ibáñez Serrador, 1969), La noche de Walpurgis, donde es la
Lobby card mexicano en el que, además de poder ver que se utilizó la imagen creada por Mac, contiene una imagen de la doble versión para exportación.
primera víctima, La saga de los Drácula (León Klimovsky, 1973) y Las garras de Lorelei (Amando de Ossorio, 1974), en la que puede verse junto a Bárbara Rey como una de las cavernícolas en bikini del final. Tras este papelón, no puede censurársele que optara por desistir de su intención de entrar en el mundo del cine. También interpreta un pequeño papel Henry Gregor, una figura curiosa del cine, ya que tras ese seudónimo estaba el príncipe austriaco Heinrich Rüdiger Karl Georg Franciscus von Starhemberg, cuya familia, al anexionarse su país a la Alemania de Hitler, prefirió emigrar a Sudamérica. Hijo de la actriz Nora Gregor, que cuenta con una extensa filmografía en la que destaca Las reglas del juego (La Règle du Jeur, Jean Renoir, 1939), se interesó por el cine y el teatro llegando a ser actor, productor, director y guionista en Argentina, Chile, España y Austria, los cuatro países en los que residió hasta su fallecimiento en 1997. Con Paul Naschy volvería a coincidir en Muerte de un quinqui (León Klimovsky) y Los pasajeros (José Antonio Barrero), rodadas ambas en 1975. Marisol Delgado, la sufrida enfermera que queda atrapada en el ascensor junto a Waldemar Daninsky en plenilunio (ahí es nada), es una actriz que tampoco pasó de realizar minúsculos papeles,
En España no pudimos ver el pecho de Shirley Corrigan…
generalmente como doncella o sirvienta, en películas como Las garras de Loreley (1974) o El ataque de los muertos sin ojos (Amando de Ossorio, 1973).
La historia tiene dos partes bien diferenciadas, la que se desarrolla en la transilvana Valiavasta y la parte final en Londres. Si bien hay bastante unanimidad en destacar lo desequilibradas que resultan ambas partes, no la hay respecto a cual de ellas es más efectiva. Luis Alboreca opina que “La primera hora resulta bastante pobre en todos los aspectos, pero después, con la llegada de Waldemar Daninsky a Londres, se remonta la acción[15]”, coincidiendo con Shane M. Dallmann, para quien “La primera mitad de la película es bastante lenta y melancólica[16]”. Mientras que tanto para Ángel Gómez Rivero[17] como para el propio Naschy, la segunda parte resulta más irregular en conceptos de realización: “En líneas generales, creo que Klimovsky no estuvo a la altura que todos esperábamos de él. Algunas escenas quedaron resueltas de forma atropellada; otras, por el contrario quedaban francamente bien, pero en general la película adolece de desequilibrios estructurales: la primera parte tiene un ritmo tranquilo que luego se precipita un tanto chapuceramente. León Klimovsky no rayó al nivel de La noche de Walpurgis: a veces se le veía con ganas y ese día rodaba bien; pero otros como si tuviese prisa por acabar. En alguna ocasión le pregunté: ‘Leo, ¿por qué vas tan acelerado? Aún quedan varias semanas de rodaje’. Y él me respondió: ‘Ya, ya… Pero si no logro acabar en cinco semanas corro el riesgo de que no me contraten para otras películas; todo el mundo me considera el director más rápido del cine español, y no puedo defraudar mi leyenda’. A pesar de todo debo decir que León Klimovsky tiene secuencias de lo mejorcito que hay en el cine fantástico universal: en ocasiones es superior a Terence Fisher, pero mientras que éste es regular, León tiene altibajos inexplicables[18]”. “Había dinero y había posibilidades. Pero el realizador, porque no sabía, no le gustaba o no quería, no le sacó todo el partido que debía. Aún así, yo pienso que es una película muy interesante[19]”.
Marisol Delgado y Paul Naschy en la escena del ascensor, tal y como pudo verse en algunos lugares de Europa.
En cuanto a sus dosis de erotismo y violencia puede coincidirse con Narcis Ribot cuando opina que Dr. Jekyll y el hombre lobo es “la más brutal y sádica de la carrera de Waldemar Daninsky”[20] aunque no tanto como para llegar a las supuestas dosis de violencia y terror con las que la distribuidora Regia Films-Arturo González promocionó el film, definiéndolo como ‘Una película para espíritus fuertes’ con ‘Las más terroríficas escenas que el cine nos podía ofrecer’. Lo que la película sí contenía eran dosis de erotismo más elevadas que en films precedentes, naturalmente recortado para su explotación española. Las versiones editadas en España, tanto en formato VHS como en DVD por Divisa, muestran la copia que pudo verse en nuestras castas pantallas, que dejan adivinar perfectamente la existencia de una segunda versión más picante para exportación. Así que ha habido que recurrir a versiones foráneas para poder comparar
Carátula de la edición en DVD de Sinister Cinema.
escenas. Para el mercado norteamericano el film contenía “dosis de violencia y desnudez lo suficientemente explícitas como para impedir que la película aparezca jamás en las pequeñas pantallas”[21], pero no en salas cinematográficas y posteriormente en formato doméstico. Tanto es así que el VHS y el DVD editados por Sinister Cinema, conservan las imágenes de desnudos que figuraban en la copia que se exhibió en cines por International Cine Film Corporation (como Dr. Jekyll and the Werewolf), aunque esta versión en inglés de 88 minutos, obtenida a partir de una copia en 16 mm. tiene mal color y su imagen está adaptada al formato televisivo. Esta versión americana es idéntica a la española hasta el minuto 63, a partir de donde pueden verse ligeras variaciones respecto a la copia exhibida en España que, vistas ahora, resultan sumamente inocentes: Hyde ataca a Justine y rasga su blusa mostrando sus pechos. También los muestra cuando es flagelada, cubriéndolos con el camisón al llegar a su cuarto. Sandra, el personaje interpretado por Mirta Miller, enseña sus pechos cuando es atacada por Hyde, quedando claro, al ser la escena más prolongada, que este la viola cuando pierde el conocimiento. Finalmente la prostituta a la que Hyde estrangula, también exhibe sus encantos.
El prestigioso sello Mondo Macabro ha editado una excelente copia en castellano e inglés respetando el formato de pantalla original y con brillantes colores, pero conteniendo la casta copia española. En todo caso tiene su interés para el coleccionista por contener unas declaraciones del propio Naschy sobre el film.
Pero tras revisar esta versión, todavía seguían llamando la atención ciertas escenas que daban pié a que existiera doble versión, pero que permanecían idénticas en ambas copias, concretamente la del intento de violación de la protagonista y la escena del ascensor. De la primera existían indicios de una versión más aligerada de ropa por imágenes en lobby cards foráneos, por ejemplo en los mexicanos. Y en cuando al ataque en el ascensor, se conocían imágenes promocionales con la actriz mostrando los pechos. Finalmente, gracias al especialista norteamericano Mirek Lipinski[22], se confirmaron nuestras sospechas: existió una doble versión completa, tal y como pudimos comprobar al revisar el VHS holandés del film editado por Loyal Video como Die Nacht der Blutigen Wölfe. La cinta contenía, además de las escenas de la versión americana, el desnudo de Shirley Corrigan en la escena de violación en el cementerio, la secuencia del ascensor completa y, finalmente la que viene a continuación con el hombre lobo atacando a María Luisa Tovar y rasgando su vestido. Estas escenas también están en las ediciones en VHS alemanas editadas por Action Video y VTD.
Tampoco conviene olvidar el maravilloso cartel de Dr. Jekyll y el hombre lobo, obra del ilustrador Mac (Macario Gómez) que transmite el desdoblamiento de Hyde en licántropo, aunque utilizando una imagen de Lon Chaney Jr. como modelo, además de mostrar a Jack Taylor y Mirtha Miller, magníficamente retratados con el inconfundible estilo del cartelista catalán. Pero a pesar de este atractivo póster y del recordado éxito de La noche de Walpurgis, el film no obtuvo una respuesta similar, llevando a las salas a 564.843 espectadores y obteniendo una recaudación de 105.923,47 € frente a los 1.021.90.0 espectadores y 182.365,30 € de su antecesora.
Libreto promocional para exportación con imágenes de dos de las escenas escamoteadas en la doble versión de Estados Unidos
Ni la crítica de la época ni la actual la han tratado demasiado bien: “Los actores son penosos y sólo se salva la comedida interpretación de Jack Taylor en el papel de nieto de Henry Jekyll”[23]. “uno de los títulos más involuntariamente surrealistas de la historia del género en España, tan burdo y mal acabado como el resto de la saga de Waldemar Daninsky”[24]. Aunque también ha contado con defensores. Basta mirar esta temprana crítica publicada en 1974 con la que doy por terminado este trabajo:
“Quizás sea ésta la película más interesante, más difícil y menos comprendida de las que ha interpretado Paul Naschy (…) La burlona maldad y el sadismo son reflejados por Paul Naschy en su personal Mr. Hyde, sin duda el trabajo más complejo y brillante de su carrera. La película no fue comprendida por la mayoría de crítica diaria y resulta sorprendente, porque este film posiblemente es una de las obras más originales e importantes del cine fantástico español”[25].
Este artículo se publicó previamente en Cine de Ultramundo: http://cineultramundo.blogspot.com.es/2014/08/critica-de-la-venganza-de-la-momia_27.HTML
NOTAS:
[1] Olano, J. La marca de Paul Naschy entrevista para Quatermass 0, junio 1993. Pág. 30
[2] Prada, J. M. ‘El ciclo de Waldemar Daninsky’ en La marca del hombre lobo. Alberto Santos Editor, Madrid 2003. Pág. 125
[3] Cernuda, P. ‘Paul Naschy: 5 veces hombre lobo’. Entrevista en revista Pronto (1972)
[4] Naschy, Paul. Crónicas de las tinieblas. 1993. Pág. 34
[5] Naschy, P. Memorias de un hombre lobo. Alberto Santos Editor, Madrid 1997. Pág. 90-91
[6] Lucas, T. en Video Watchdog 66, USA, diciembre 2000. Pág. 23
[7] Porto, J. J. y Falquina, A. Cine de terror y Paul Naschy. Editorial Madrid, 1974. Pág. 132-133
[8] Prada, J. M. Opus cit. Pág. 129
[9] Paul Naschy ‘Memoirs of a Wolfman’ en DVD ‘Dr. Jekyll Vs the Werewolf’ (Mondo Macabro, )
[10] Gómez Rivero, A. ‘La fuerza del mito’ en Transilvania Express 2. Marzo 1981. Pág. 38- 39
[11]Agudo, A. La máscara de Jacinto Molina. ScifiWorld Pontevedra 2009. Pág. 112
[12] Cernuda, P. Opus cit.
[13] Lucas, T. Opus cit.
[14] Brice, A. Entrevista a Shirley Corrigan en The Dark Side. Agosto, 2008.
[15] Alboreca, L. en Quatermass 4-5. Antología del cine Fantástico Español. Astiberri Ediciones. Otoño 2002. Pág. 73
[16] Dallmann, S. M. La marca de Naschy en Fangoria 7. Ed. Zinco, 1991. Pág. 10
[17] Agudo, A. Opus cit. Pág. 350
[18] Prada, J. M. Opus cit. Pág.128-129
[19] Sainz, S. ‘Diálogos de luna llena’ entrevista en Transilvania Express 2, marzo 1981. Pág. 46
[20]Ribot, N. ‘Waldemar Daninsky, la lucha contra los elementos’ en Transilvania Express 2, marzo 1981. Pág. 28
[21] Dallmann, S. M. Opus cit. Pág. 10
[23] Alboreca, L. Opus cit. Pág. 73
[24]Aguilar, C. Guía del Video-Cine. Ed. Cátedra (2000) Séptima edición. Pág. 332
[25] Porto, J. J. y Falquina, A. Opus cit. Pág. 132-133
Concurso Halloween: Sorteo DVD Empusa
Empusa nace de la pasión: de Paul Naschy por hacer cine. De las ganas de volver a dirigir de Carlos Aured. A lo que se suma la gran experiencia de Antonio Mayans en hacer cine a bajo coste. Lo que une a estos hombres son las ganas de hacer películas como las que hacían antes, en sus mejores momentos, cintas de horror con presupuestos ajustados dando salida a un buen puñado de guiones escritos por el alter ego de Naschy, Jacinto Molina. Y tras revisar varios guiones se lanzan en la primavera de 2007 y ruedan en Alicante, cuyas localizaciones conoce Mayans como la palma de su mano, Empusa, una historia de vampiras. Lamentablemente las cosas no salen todo lo bien que hubieran querido y Aured tuvo que abandonar el barco, haciéndose cargo Naschy de la dirección. Pero poco después fallece Aured y en 2009, sin estar finalizado el montaje de Empusa, muere también Naschy, teniendo que doblar su voz José Duque.
Estamos totalmente de acuerdo con que Empusa no es una gran película. De eso no cabe duda. Pero en Proyecto Naschy le tenemos un cariño especial desde que el blog comenzó su andadura. La primera entrevista que realizamos fue a la protagonista del film Laura de Pedro, en noviembre de 2009 con Paul Naschy todavía vivo. Más tarde entrevistamos a otra de sus actrices, María Jesús Solina , y al productor y actual propietario del cine Artistic Metropol de Madrid, Ángel Mora. Quisimos hablar con más personas relacionadas con esta producción, que durante bastante tiempo permaneció casi invisible, hasta que tras un pase casi de tapadillo a medianoche en Sitges, propusimos al festival Horrorvision de Barcelona que la proyectaran en su nuevo festival, y tras ponernos en contacto con Ángel Mora se consiguió que así fuera. También fuimos invitados a presentarla junto a María Jesús Solina, con la que contactamos y que narró algunas anécdotas del rodaje.
Ahora por fin Empusa está disponible el film en formato DVD. Acaba de salir a la venta de la mano de Cameo/Tema y lo hace acompañada de algunos extras muy apetitosos: el cortometraje Los árboles, que tras proyectarse en Sitges 2010 y otros festivales permanecía inédito hasta ahora y a cuyo director, Joan Vall Karsunkle, y a la actriz protagonista Ginebra Vall, entrevistamos en su momento. Y también un makin of con Antonio Mayans como maestro de ceremonias. Nos habría gustado que se hubiesen incluido imágenes descartadas o alternativas rodadas por Aured , pero en todo caso se trata de una correcta edición.
Finalmente nos es grato adelantar también que el que es realmente último trabajo de Naschy, Las imágenes perdidas. La otra mirada (Juan Pinzás, 2010) será editado por Cameo y saldrá a la venta el 3 de diciembre, novedad sobre la que les informaremos puntualmente.
Y ahora sí, vamos por el sorteo de un DVD de Empusa gentileza de Cameo/Tema totalmente gratuito para quien conteste esta pregunta correctamente EN EL BLOG. Sólo válido para direcciones en España.
¿Cuál es el título de rodaje, en castellano, de Empusa?
Pues en la claqueta que tiene en sus manos Laura de Pedro está la respuesta: La Gaviota. Y el más rápido ha sido Rubén Higueras Flores. Felicidades y gracias a todos por concursar. ¡Son ustedes estupendos!
Paul Naschy en…La venganza de la momia
Interior de la guía publicitaria.
Los misterios del antiguo Egipto y sus faraones que sirvieron de inspiración para la literatura y el cine, naturalmente también nutrieron al género fantástico, que creó uno de sus personajes clásicos, la Momia revivida, a la que los estudios Universal dotaron de existencia en diversas ocasiones hasta su decadencia en las garras de Abbott y Costello, quienes al igual que al resto de los monstruos clásicos, convirtieron a la Momia en objeto de sus bufonadas[1]. Afortunadamente quedó el gran clásico protagonizado por Boris Karloff[2], al que se dio continuidad en los años cuarenta por medio de cuatro disfrutables secuelas[3] realizadas, eso sí, con menos imaginación, menos presupuesto y otra momia protagonizándola, ya que en lugar de Imhotep, recibe el nombre de Kharis. En años posteriores, con los nuevos tiempos, Hammer Films también revisitará al personaje[4], que irá dejándose ver por las pantallas con menor asiduidad que sus compañeros de tropelías. Y así llegamos a Jacinto Molina, cuya confesa admiración por los monstruos clásicos anima a escribir un guión sobre el personaje, incrementando el pandemónium de mitos interpretados por su alter ego Paul Naschy.
A principios de los años setenta Paul Naschy vivía uno de sus momentos de mayor popularidad y actividad. Había interpretado a su hombre-lobo, Waldemar Daninsky, en cinco ocasiones, además de a otros personajes como Drácula, el jorobado Gotho, Mr. Hyde e incluso al propio diablo, entre muchos otros. Así que cuando el actor firmó con Lotus Films para rodar dos largometrajes en coproducción, uno con Venezuela y otro con México se apostó, por un lado a lo seguro rodando una nueva entrega de su hombre-lobo, El retorno de Walpurgis, y por el otro afrontando un nuevo personaje con La venganza de la Momia, donde Naschy podría encarnar por primera y única vez a otro de sus queridos mitos clásicos, a los que el actor pensaba dar un descanso, tal y como declaró en la época: (El retorno de Walpurgis) “será mi último hombre-lobo, porque he decidido seguir el camino de otros personajes más en la línea actual y abandonar para siempre quizá, la piel de los monstruos más o menos clásicos[5]”
El cartel original español…
Centrémonos pues en La venganza de la Momia, una coproducción entre la española Lotus films y la venezolana Sara Films, compañía esta cuyo capitalista era Renny Ottolina, un conocido ‘showman’ de la televisión. Mientras Lotus Films realizaría una prolífica lista de títulos, Sara Films quedaría como una productora fundada con el objetivo único de rodar este título, en el que la hija del productor, Rina Ottolina, debutará a los 19 años como actriz.
Se inicia así un rodaje a caballo entre Londres y España con un argumento que tiene como modelo a sus antecesores de Universal y Hammer y en los que no pueden faltar “Sarcófagos policromados, aventureros, trampas mortales, misteriosos ritos funerarios y descubrimientos arqueológicos, (…) elementos imprescindibles en cualquier historia referida a la Momia”.[6] Veamos sino su trama: Amenhotep (Paul Naschy), un sanguinario faraón y su concubina favorita, Amarna (Rina Ottolina), son traicionados por Anchaff (Fernando Sánchez Polack), sumo sacerdote de Amon-ra, que mata a Amarna y momifica en vida al faraón. La momia es descubierta siglos después por una expedición inglesa dirigida por el profesor Nathan Stern (Jack Taylor) y su esposa Abigail (María Silva) y es transportada al museo de Sir Douglas Carter (Eduardo Calvo), en Londres, donde es revivida por los egipcios Assad Bey (Paul Naschy) y su bella ayudante Zanufer (Helga Liné) con la intención de castigar a todos los que han violado los secretos de Egipto. Una vez vuelta a la vida, la momia buscará un cuerpo que pueda alojar el espíritu de Amarna, encontrando a la reencarnación de su amada precisamente en Helen (Rina Ottolina), hija de Sir Douglas Carter.
La influencia de los films clásicos en el guión se deja notar: si la momia interpretada por Karloff se llamaba Imhotep, la de Naschy se llama Amenhotep, y ambos son enterrados en vida retornando siglos después en búsqueda de su amor. En ambos filmes la reencarnación de su amada se llama Helen, huérfana de madre egipcia también en los dos casos. Amarna, el nombre de la concubina del faraón, suena bastante similar a Ananka, nombre que recibe tanto la actriz Ramsay Ames en The Mummy’s Ghost como Virginia Christine en The Mummy’s Curse, ambas producciones Universal, a las
… y el cartel que no pudo ser… no fuera que los españolitos pecaran de pensamiento (y en la intimidad de facto)
que también Hammer Films recurrió al llamar al personaje interpretado por Ivonne Furneaux Ananka y a la momia, Kharis. Por cierto, también la forma favorita de eliminar al monstruo se repite, siendo los procedimientos más populares las llamas y las arenas movedizas. Y si todos los films sobre el mito de la Momia poseen bastantes similitudes argumentales entre sí, justo es destacar las semejanzas entre el film original de Karl Freund y la adaptación de Drácula que Tod Browning dirigió un año antes. Así que subrayemos una variante que Naschy introdujo en su Amenhotep: “convierte a la Momia en un ser totalmente maligno y salvaje. Los personajes interpretados por Karloff, Chaney y Lee acabaron prematuramente convertidos en momias porque se les había sorprendido quebrantando los tabúes del templo en nombre del amor, pero Naschy es momificado en vida por la única razón de que era un faraón sádico, mal bicho e insoportable”[7] Y aquí sí que tenemos un leitmotiv desarrollado por Naschy con anterioridad, ya que dos crueles sujetos que son ejecutados y revividos en el futuro para instaurar un reino de terror, nos lleva de cabeza a El espanto surge de la tumba (1973, Carlos Aured), donde Alaric de Marnac (Paul Naschy) y Mabille de Lancré (Helga Liné), representan personajes similares.
Para Naschy “Este es un film muy pasional, con un amor más allá de la tumba, de la muerte y del
Una de las escenas de la doble versión para exportación. Una versión que de momento no se ha encontrado ni siquiera en VHS
tiempo, con ese faraón Amenhotep locamente enamorado de su faraona… Tiene una escena con un beso entre la momia y la chica que es el máximo de lo romántico y de lo horrible al mismo tiempo[8]”. Romanticismo al que se tuvieron que añadir otros ingredientes: “Nosotros queríamos hacer una película sobre el mito de la momia, lo cual era un desafío, ya que se trata e un personaje bastante estático. Por esta razón se hizo necesario mostrar elementos que pudieran mantener el interés del espectador, y la violencia y la sangre fueron una buena solución”[9]. Y realmente el film contiene altas dosis de gore, que sin llegar a la altura de El espanto surge de la tumba, realmente resulta efectivo, destacando la escena en la que la Momia aplasta el cráneo de tres doncellas. Además de sangre se incluyó la cuota habitual de erotismo, especialmente destinado a la versión para el extranjero, para lo que se recurrió a la doble versión: “La verdad es que estaba un poco harto de tener que filmar la misma escena dos veces, una con la actriz vestida y otra con ella sin ropa. Yo pensaba que la historia no necesitaba más erotismo que el que se generaba en torno a la propia momia”[10].
El presupuesto destinado a La venganza de la Momia, que según Luis Méndez, ejecutivo de Lotus Films fue de 10 millones de pesetas, repercutió en el aspecto general de la cinta, especialmente en los apartados de efectos especiales de maquillaje y vestuario, así como en las localizaciones. Tras el maquillaje se encontraba Miguel Sesé, un veterano profesional con una carrera que abarca desde 1960 a la actualidad. A él se debe el maquillaje de otras películas pertenecientes al boom del Fantaterror como Doctor Jekyll y el hombre lobo (León Klimovsky, 1972), El jorobado de la morgue (Javier Aguirre, 1973), La rebelión de las muertas (León Klimovsky, 1973) o La saga de los Drácula (León Klimovsky, 1973) entre otras: “La realización del personaje de la momia, a cargo del maquillador Miguel Sesé es admirable. Para que tengan una idea aproximada de la minuciosidad de este trabajo, piensen que cada vez que me caracterizaba para este cometido su trabajo se aproximaba a las tres horas.[11]”. Naturalmente este minucioso maquillaje ocasionó no pocas molestias al actor:“Fue una película muy dura de hacer. No podía ir al baño por las vendas y me pusieron el maquillaje más difícil que he llevado nunca. Me embadurnaban la cara para hacer la piel y si el que usábamos en los planos medios era durísimo de llevar, el que me ponían para los primeros planos requería de una preparación que me desesperaba.”[12] . Por otra parte el director no quedó del todo satisfecho con que la Momia fuera interpretada por Paul Naschy: “creo que la corpulencia de Paul Naschy era un lastre para el personaje de una momia.”[13]
Diseño original de la vestimenta de la momia
Como hemos indicado la ambientación, a caballo entre dos siglos, fue especialmente cuidada. Quizás fuera debido en parte a que, según desvela el director Carlos Aured: “(…) los decorados y el vestuario del antiguo Egipto fueron los usados en la película que sobre Cleopatra rodó Charlton Heston en España como director y actor[14]. El productor era el mismo para ambos títulos”[15]. También la protagonista, Rina Ottolina, quedó satisfecha con el vestuario, especialmente con el proporcionado por Peridis Hnos.: “Soy una enamorada del novecientos. Creo que sólo el vestuario de la película tiene un costo de un millón de pesetas, porque los trajes que lucimos Helga Liné, María Silva y yo se han hecho con telas y encajes de la época”[16]
Muchos exteriores fueron rodados en Londres, un Londres dominado por el viento, tal y como puede apreciarse en algunas de las escenas compartidas entre Jack Taylor y María Silva. Jack Taylor nos contó que “La venganza de la momia (1973) es muy lujosa para la época. Está muy bien. Rodamos en el Castillo de Viñuelas. Hay secuencias con Helga Liné que rodamos en la antigua embajada de Santo Domingo. Estuvimos en el Puente de Londres rodando, y al ver la película terminada vi un autobús cruzando el puente (risas).”[17]Para Naschy se trata de “Una película, en mi opinión, muy bien ambientada, con muchos logros. La persecución por las alcantarillas de Londres es antológica. Fue difícil, muy difícil de rodar por eso, era muy desagradable el lugar. (…) Creo que Carlos Aured realizó un magnífico trabajo y la considero una película de las más interesantes de aquella etapa”.[18] Considerando también el actor que “La época está muy bien reproducida y se cuidó especialmente el vestuario.”[19]
La venganza de la Momia inicialmente iba a ser dirigida por el todoterreno León Klimovsky, pero al no estar disponible fue el propio Naschy quien recomendó al ayudante del director, Carlos Aured, para realizar la labor. Carlos Aured había debutado como director con la nombrada El espanto surge de la tumba, y dirigiría otros títulos protagonizados por Naschy como El retorno de Walpurgis (1973) y Los ojos azules de la muñeca rota (1973). Jack Taylor no duda en defender esas películas y directores: “Carlos Aured también era un gran artesano. Todos estos directores cumplían muy bien su cometido y tengo la suerte de haber sido amigo de todos, de Leo, de Carlos, de todos. A todo ese cine lo que le faltaba era dinero, por supuesto, pero con lo poco que había se hizo mucho. Todas estas películas eran modestas, digamos que eran de serie-B, pero lo curioso es que de más de una película de serie-A nadie se acuerda, pero de estas sí.”[20]
Como vemos, en el reparto figuraba lo más granado del Fantaterror español, con Paul Naschy en cabeza: Jack Taylor, con quien Naschy había rodado Dr. Jekyll y el hombre lobo (1972) de León Klimovsky; María Silva, una gran actriz que también formaría parte del reparto del siguiente titulo producido por Lotus Films, El retorno de Walpurgis (Carlos Aured, 1973); Helga Liné, que ya había trabajado con Naschy y Aured en El espanto surge de la tumba (1973), además de en otros films señeros del Fantaterror de los setenta como Pánico en el Transiberiano(Eugenio Martín, 1972), Las garras de Lorelei (Amando de Ossorio, 1974) o El asesino de muñecas (Michael Skaife, 1975). El film también contó, ya en papeles secundarios, con los característicos Eduardo Calvo y Fernando Sánchez Polack, presentes asimismo en el siguiente film de la productora, así como con Ana María 
Pol, que debutó con La residencia (1969) de Narciso Ibáñez Serrador y Pilar Bardem, que interpretaba un pequeño papel. Y no nos olvidamos de la protagonista, la venezolana Rina Ottolina, de la que Jack Taylor nos comentó una curiosidad: “el padre se llamaba Renny, la hermana Rona y el perro Runa, me parece (risas)”[21]. Bromas aparte, es cierto que la esposa de Renny Ottolina, famoso showman de la radio y televisión venezolana se llamaba René y tuvieron tres hijas, Rena, Rhona y Rina. Costumbre está que las hijas parece mantuvieron, ya que Rena, la menor, tuvo dos hijos gemelos a los que llamó Renata y Renato… Curiosidades aparte detengámonos en Rina Ottolina, ya que indagando en su biografía vemos que en noviembre de 1969 fue secuestrada junto a su hermana Rhona por hombres armados con ametralladoras cuando eran llevadas al colegio. Los secuestradores dejaron una nota con el chófer dando los detalles del pago del rescate y la 
advertencia de no llamar a la policía. Renny Ottolina siguió las instrucciones de los secuestradores y las niñas fueron liberadas al día siguiente en un sitio indicado mediante una llamada telefónica. Tras el incidente, el padre decidió que sus tres hijas residieran en Estados Unidos. Desembarcaron en España en 1973, y ese mismo año las tres Ottolina se verían envueltas en un accidente automovilístico en Santander. Rhona y Rena salieron ilesas, mientras que Rina tuvo que ser hospitalizada por las heridas.La actriz, que debutó en el cine ese mismo año con La venganza de la Momia, definió el film como “una película de terror-fantasía, comercial, por supuesto.”[22] A pesar de que opinar que “Está bien realizada y los decorados y vestuario están muy cuidados”[23], no simpatizó mucho con el cine de terror, dejando claro que lo consideraba un género menor: “Aspiro a algo más. Creo que los films de terror te limitan. Y yo tengo posibilidades de mucho más”[24]. Algo de lo que no nos cabe duda, pero que no terminó de demostrar. Tras ser jurado de la edición de 1973 del Festival de Sitges, donde concursaba El retorno de Walpurgis, pero no La venganza de la momia, que se estrenaría en 1975, su carrera cinematográfica se prolongó durante unos pocos años en España, en los que interpretó pequeños papeles en cuatro títulos más antes de regresar, en 1978, a su país, coincidiendo con el trágico fallecimiento de su padre en un accidente de aviación. Se hizo budista, interpretó otra película allí y se dedicó al mundo de la canción, grabando un disco y participando en 1983 como bailarina en el video-clip All Night Long de Lionel Richie.
Aunque no he podido localizar críticas de la época, parece ser que la película no fue muy bien recibida. Vista ahora, la obra ha recibido críticas de todos los colores. Para Adolfo Camilo Díaz es “un cómic agradecido. Una apuesta por el exotismo rancio. Una recreación de la momia de la Universal más cercana al espíritu de la Hammer.”[25] Shane M. Dallman piensa que “es entretenida, pero debe ser considerada como una obra menor.”[26] Mientras que Luis Gasca siempre la ha considerado una de las mejores películas que se han rodado sobre el mito.
Más severos se muestran otros críticos al valorarla, como Antonio José Navarro, para el que La venganza de la Momia “Es un subproducto sin entidad visual, sin nervio narrativo. La sonrojante falta de medios es, en gran parte, la culpable del desastre. Basta con observar ese prólogo ambientado en el Egipto de los faraones: el entramado de tapices que ocultan, con toda probabilidad, una pared vacía; el carnavalesco vestuario (…) El guión de Jacinto Molina es un deslavazado amasijo de tópicos extraídos a pico y pala de las películas producidas por la Universal y la Hammer. (…) Carlos Aured, artesano de limitadas aptitudes no puede –o no sabe- vadear tantos escollos, y despacha el producto con insípida diligencia, salpimentando el monocorde aburrimiento con ciertos toques de gore primitivo y brutal’ (…) Y es que La venganza de la momia no es únicamente pobre, sino también tonta.”[27] David Pizarro y Diego López insisten en la falta de medios: “Su limitadísimo presupuesto repercute sobre todo en los paupérrimos decorados, el carnavalesco vestuario, la sofocante rigidez estética…, pero también su ritmo monocorde, la caótica transición entre una época y otra, las frías interpretaciones…”[28]Carlos Aguilar tampoco se muestra muy compasivo con la película, que califica como “Una de las más lamentables apariciones cinematográficas del romántico y necrofílico mito de la Momia. Destacable únicamente por las apariciones del siempre magnético Jack Taylor y de la deliciosa y tristemente desaprovechada María Silva.”[29] Y finalmente, para Jesús Palacios el film tiene “Una trama absurda y ridícula, salvada por muertes bastante sangrientas, un reparto de scream queens nacionales de la época y FX decentes.” Concluyendo que “No es lo peor de Naschy.”[30]
Por mi parte recuerdo haberla visto en un cine de programa doble de mi barrio, agradándome lo suficiente como para vencer mi proverbial timidez infantil y pedir el póster, que aún conservo, al propietario de la sala. Tras revisarla años después, pienso de manera similar que Ángel Sala, opinión con la que cierro este artículo:
(La venganza de la Momia es) “una reivindicable versión de las maldiciones egipcias que no acabó de encontrar el público adecuado en su momento, aunque vista hoy es un delirio pulp tan disfrutable como otras obras del autor.”[31]
Este artículo se publicó previamente en Cine de Ultramundo: http://cineultramundo.blogspot.com.es/2014/08/critica-de-la-venganza-de-la-momia_27.html
NOTAS:
[1] Abbott and Costello meet the Mummy (Charles Lamont, 1955)
[2] La Momia (The Mummy, Karl Freund, 1932)
[3] A pesar de recibir otro nombre, los flash-backs de su origen que pueden verse en, al menos dos de los títulos contienen escenas del film del 32, aunque cambiando al protagonista. Los títulos de esta entrañable saga Universal fueron: The Mummy’s Hand (1940, Christy Cabanne), The Mummy’s Tomb (Harold Young, 1942), The Mummy’s Ghost (Reginald Le Borg, 1944) y The Mummy’s Curse (Leslie Goodwins, 1944).
[4] La Momia (The Mummy, Terence Fisher, 1959)
[5] Paul Naschy en Terror Fantastic nº 20. Barcelona, mayo 1973. Pág. 5
[6] Naschy, P. Crónicas de las tinieblas. Madrid, 1993. Pág. 32
[7] Dallmann, S. M. La marca de Naschy en Fangoria 7. Ed. Zinco, Barcelona 1992. Pág. 12
[8] Paul Naschy entrevistado por Jesús Parrado en Quatermass nº 4-5. Bilbao, otoño 2002. Pág. 24
[9] Carlos Aured entrevistado por Mirek Lipinski en Quatermass nº 4-5. Bilbao, otoño 2002. Pág. 30
[10] López, D. y Pizarro, D. Silencios de pánico. Tyrannosaurus Books, Barcelona 2003. Pág. 450
[11] Paul Naschy en Terror Fantastic nº20. Barcelona, mayo 1973. Pág. 5
[12] Agudo, A. Paul Naschy, la máscara de Jacinto Molina. ScifiWorld, Pontevedra, 2009. Pág. 156-57
[13] Plana, M. A. Los alucinantes setenta y algunas cosas más… Dossier incluido en Flash-Back nº3. Valencia 1994. Pág. 76
[14] Marco Antonio y Cleopatra (Antony and Cleopatra, Charlton Heston 1972)
[15] Carlos Aured entrevistado por Mirek Lipinski en Quatermass nº 4-5. Bilbao, otoño 2002. Pág. 30
[16] Rina Ottolina en entrevista con Fernando Montejano en Terror Fantastic nº20 . Barcelona, mayo 1973. Pág. 6
[17] https://proyectonaschy.wordpress.com/2013/10/02/charlando-con-jack-taylor/
[18] Declaración de Paul Naschy en extra de la edición española en DVD de La venganza de la Momia. Vella Visión, 2009.
[19] Videooze nº 6-7. Estados Unidos, 1994. Pág. 30
[20] https://proyectonaschy.wordpress.com/2013/10/02/charlando-con-jack-taylor/
[21] Íbidem.
[22] Terror Fantastic nº 26. Barcelona, noviembre 1973. Pág. 31
[23] Íbidem
[24] Íbidem
[25] Díaz, Adolfo Camilo. El cine fantaterrorífico español. Santa Bárbara editorial, Gijón 1993. Pág. 153
[26] Shame M. Dallman: La marca de Naschy en Fangoria nº 7. Ed. Zinco, Barcelona 1992. Pág. 12
[27] Antonio José Navarro en Quatermass nº 4-5. Bilbao, otoño 2002. Pág. 93
[28] López, D. y Pizarro, Opus Cit. Pág. 138
[29] Aguilar, C. Guía del video-cine. Séptima edición. Cátedra, Madrid 2000. Pág. 1091
[30] Palacios, J. Goremanía. Alberto Santos editor. Madrid 1995. Pág. 268
[31] Sala, Ángel. Profanando el sueño de los muertos. ScifiWorld, Pontevedra 2010. Pág. 83
Todas las imágenes: Archivo Serendipia.
Novedades en DVD sobre Paul Naschy
LEGACY OF A WOLFMAN
Alemania, lugar en el que las películas de Paul Naschy gozan de un buen grupo de seguidores, han tenido la magnífica idea de lanzar este interesante y atractivo pack-homenaje a nuestro actor, guionista y director. La forma de editarlo es de lo más curiosa, tal y como comentó el hijo del homenajeado, Sergio Molina, en Facebook: «es un sistema un poco raro de pack porque lo sacan (el archivador) con un solo DVD que es el documental de El Hombre que vio llorar a Frankenstein y posteriormente sacarán el resto de películas hasta 10«.
El archivador con ese primer film, editado por Subkultur-Entertainment y distribuido por Media Target en edición limitada a 1500 unidades, puede conseguirse en Amazon por 32,21 euros+gastos de envío. Del resto de títulos, por lo que tenemos noticia la productora solo ha adelantado ‘el número dos’ en su facebook: La noche de Walpurgis (León Klimovsky, 1971).
Esta es todo la información fidedigna con la que contamos. Así que seguiremos atentos a los títulos incluidos en el pack para ver si alguno de ellos puede ser más interesante por permanecer inédito en DVD, por tener una exquisita edición o por tratarse de una doble versión (con desnudos) destinada al mercado extranjero.
Por otra parte, en Estados Unidos One7Movies ha editado La maldición de la bestia (1975) de Miguel Iglesias Bonns con el curioso nombre de The Werewolf y la engañosa carátula que puede verse publicada aquí. Según Mirek Lipinski, el gran especialista norteamericano sobre Naschy, podría ser la edición española de Tripictures con los insertos añadidos o como extra. En todo caso se pondrá a la venta el seis de mayo, momento en el que podremos averiguar la calidad de la misma y si contiene la rara doble versión ligera de ropa que sí se editó en su momento en formato VHS en Estados Unidos.
Ya puedes reservar el nuevo número de Monsterworld
Los proyectos nunca realizados, escritos por el puño y letra de Jacinto Molina / Paul Naschy. Guiones que se quedaron durmiendo en un cajón esperando ser algún día descubiertos. Hoy desvelamos algunos de los mas impresionantes!
Descúbrelo todo sobre , posiblemente, el titulo mas maldito de la filmografía de nuestro Monster Man nacional de la mano de Sergio Molina y dos de los operadores del film, Antonio Garzinuño y Fernando Martin Heras. Con impresionantes fotos nunca antes publicadas
Caníbales, bárbaros, extraterrestres, apocalipsis nuclear, tiburones, pirañas y otras faunas feroces…nada, absolutamente nada se libra de las garras de los productores Italianos sin escrúpulos a la hora de explotar un filón de éxito. Fueron unos auténticos especialistas y crearon su propia factoría de films con sabor exploit. Hoy recordaremos algunos de los mas recordados.
Con las siguientes películas comentadas:
El karate, el colt y el impostor (1974) Por Ignacio Huidobro
El ciudadano se rebela (1974) Por Ignacio Huidobro
El anticristo (1974) Por Juan Gabriel García
Roma violenta (1975) Por Ricardo Feliu
Star crash, choque de galaxias (1978) Por Javier G. Romero
La isla de los hombres peces (1978) Por Pablo Fernández
Voracidad (1979) Por Diego Morán
El humanoide (1979) Por Miguel Ángel Plana
Nueva york bajo el terror de los zombi (1979) Por José Manuel Serrano Cueto
La invasión de los zombies atómicos (1980) Por Ricardo Feliu
Contaminacion: alien invade la tierra (1980) Por Diego Morán
Alien 2 (1980) Por Juan Gabriel García
El ultimo cazador (1980) Por Pablo Fernández
1990: los guerreros del bronx (1982) Por José Manuel Serrano Cueto
La espada salvaje de Krotar (1982) Por José Luis Salvador Estébenez
La guerra del hierro (1983) Por Juan Gabriel García
Roma ano 2072 d.c.: los gladiadores (1983) Por Javier G. Romero
El devorador del oceano (1984) Miguel Ángel Plana
Entrevista a Marian Salgado, La endemoniada de Amando de Ossorio y una de las dulces niñas de ¿Quien puede matar a un niño? de Chicho Ibáñez Serrador nos cuenta sus comienzos en el mundo del cine. Por David García
Descubre los secretos tras la nueva película de Víctor Matellano con entrevistas exclusivas al propio director, Jack Taylor y Lone Fleming. Por David García
Y para terminar el numero un exhaustivo recorrido por la filmografía de Paul Naschy para televisión de la mano de Jesús Bernal.
Tamaño 15 x 21 cm.
112 paginas / interior estucado brillo 115 gramos calidad fotografico. / Portadas plastificado brillo en papel estucado brillo 270 gramos.
Encuadernación rustica cosido a hilo con lomos. Peso 213 gramos.
Edición limitada de 150 ejemplares
Fecha de salida 25 de Marzo
¡¡¡No te quedes sin el tuyo!!!
Resérvalo en el email: fanzinemonsterworld@hotmail.com
Iván Cardoso nos habla de Um Lobisomem Na Amazonia, la película brasileña de Paul Naschy
El Dr. Moreau (Paul Naschy) se instala en la selva amazónica tras haber tenido que abandonar la isla en la que convivía y hacía experimentos mutando animales y hombres. Uno de estos mutantes es su ayudante, Zoltan (Guará Rodrigues), y con él y desde allí, el Dr. Moreau se dispone a dar un paso adelante creando vida artificial utilizando parte de los secretos del doctor nazi Josef Mengele. Para todo ello necesita material humano. También ha creado una raza de amazonas, con cuya reina Pentesileia (Joana Medeiros), se permite alguna fiesta privada. Pero el Dr. Moreau tiene una “enfermedad” adquirida durante un “accidente” en los Cárpatos que se manifiesta en las noches de plenilunio. Casualmente, las noticias informan de la aparición en la zona de cadáveres despedazados por algún tipo de bestia.
¿Qué les parece como punto de partida? ¡Pues hay más!:
Cuatro jóvenes amigos, Bruno (Pedro Neschling), Raúl (Bruno de Luca), Samantha (Karina Bacchi), María (Tanía Boscoli) y Natasha (Danielle Winits), junto al guía J.P (Evandro Mesquita) marchan, precisamente hacía esa zona, con lo que ya tenemos chicas guapas y víctimas en potencia. También van hacía allí a investigar las extrañas muertes el Delegado Barretto (Tony Tornado) y el Profesor Corman (Nuno Leal Maia).
Bien, ya pueden hacerse una idea pero ¿y si a todo esto le sumamos la aparición de un sacerdote inca, Sidney Magal, interpretando una operística canción en medio de la selva, varios momentos de “humor” absurdo y la colaboración de exuberantes muchachas con el denominador común del buen tamaño de sus pechos? Pues tenemos como resultado Um Lobisomem na Amazônia, un delirio psicotrónico realizado en Brasil por Iván Cardoso, en su momento ahijado de José Mojica Marins y creador del cine Terrir, cóctel resultante de mezclar la comedia más absurda, el terror y un erotismo en la linea Esteso/Pajares.
Pero no piensen con ello que la película no tiene virtudes, ya que posee, además de los alicientes apuntados: una banda sonora no del todo desechable; las chicas, en especial Karina Bacchi, Daiana Amêndola y Danielle Winnits; Un argumento pulp hasta decir basta en el que cabe de todo; humor (en sus manos queda el juzgar si voluntario o involuntario); una atractiva fotografía nocturna que inunda de azules la pantalla. Pero sobre todo la película cuenta con la presencia de un Paul Naschy desatado, recitando frases semejantes a las escritas por Ed Wood para el Dr. Eric Vornoff que inmortalizó Bela Lugosi en Bride of the Monster (1955). Y no nos olvidamos del propio Lobisomem. Un hombre lobo con un magnífico maquillaje interpretado por Naschy, aunque doblado en las escenas más movidas y que luce, como debe de ser, el pentagrama en su pecho.
Una película encantadora que da la sensación de haber tenido un rodaje feliz y respetuoso con el actor y que demuestra que, aunque fuera en producciones de serie B, en el extranjero se quería y reconocía a Paul Naschy como uno de los actores de género de terror más importantes del mundo. Es por eso que quisimos saber más sobre el rodaje de esta película y contactamos con su director, Iván Cardoso, que nos contó todo y más sobre la estancia de nuestro Lobisome en Brasil.
IVÁN CARDOSO NOS CUENTA TODOS LOS ENTRESIJOS DEL RODAJE DE UM LOBISOMEN NA AZONIA
Desde los inicios de mi carrera he hecho las películas que me gustaría ver en el cine, de manera que para mí es fundamental que mis películas convenzan a los espectadores, como a mí, otro espectador más pero obsesionado por convertir mi fantasía en película.
La verdadera historia de Um Lobisomen na Amazonia comenzó en 1993, cuando el genial maestro Roger Corman estuvo en Brasil y nos hicimos amigos. Paseamos una tarde por Río de Janeiro, que es una ciudad maravillosa, en un Porsche Super 90Q descapotable que yo tenía y me dijo que tenía uno igual en California. Nos hicimos amigos y Roger recomendó a Mick Vraney, de Something Weird, una distribuidora de los buenos tiempos del VHS, que lanzara mis películas en video, lo que hizo con gran éxito. Esta distribuidora ya había lanzado en Estados Unidos como Coffin Joe a nuestro querido Zé Do Caixao (José Mojica Marins), con un éxito enorme. Pues bien, por entonces yo tenía un proyecto llamado Naiara, A filha de Dracula, basado en un personaje de cómic brasileño súper sexy que quería que Roger me produjera, pero Roger Corman sugirió que, siendo un cineasta brasileño, hiciese un guión que tuviese el Carnaval y la selva amazónica como escenarios, dos temas brasileños que despiertan gran interés en el mundo. Decidí seguir su consejo y abandonar el otro proyecto.
Iván Cardoso junto a Roger Corman
Un amigo me recomendó el libro Amazonia Misteriosa de Gastón Cruls. Y varias cosas de él me llamaron la atención. Parecía una parodia de La isla de las almas perdidas, una de las películas que más me gustan, basada en un libro del gran H. G. Wells. Por supuesto me refiero a la versión interpretada por el inolvidable Charles Laughton, (Island of Lost Souls, 1932 Erle C. Kenton), con el gran Bela Lugosi en el papel de freak, personaje que fue recreado en mi película por Zoltán, interpretado por Guará Rodrigues. Pero como iba diciendo, la historia de este libro con científicos locos, terribles mujeres guerreras, -las famosas y sensuales amazonas- y un monstruo desconocido me pareció fascinante para el tipo de cine que hago, e inmediatamente vi la posibilidad de transformarlo en una parodia tropical de la obra de Wells. Ya he hecho películas con momias (cuatro), vampiros (tres), necrófilos, estranguladores… ¡hasta el Escorpión escarlata! y siempre deseé hacer una película con hombres lobo, Frankenstein, zombies (de los clásicos de las antillas), Jack el destripador y otros grandes personajes clásicos del terror y del cine de serie B, que me encanta desde siempre. Así que pensé que podría transformar a ese mutante amazónico en el hombre lobo de la Universal, a pesar de las diferencias climáticas y la ausencia de lobos en esta región. Todo ello con el espíritu del “terrir”, género cinematográfico que yo he creado a base de mezclar sexo, terror y mujeres bonitas en las dosis exactas.
Guará Rodrigues (Zoltan) y Paul Naschy (Dr. Moreau)
No pensé este proyecto especialmente para Paul Naschy, pero pensé en poner un hombre lobo en el amazonas al conocerlo en el Fantasporto, ahora no recuerdo en que año, creo que en 1998, cuando presenté El escorpión escarlata (O Escorpiao Escarlate, 1990). Sabía que él era un gran especialista en este tipo de personajes, un auténtico hombre lobo sanguinario, como debe de ser, y así tendría como reclamo comercial una estrella en el reparto. Y puedo garantizar que al menos por mi parte fue amor a primera vista. Yo nunca había pensado en hacer esa película con un lobisomem brasileiro, porque nosotros no tenemos ningún actor que conozca ese extraño personaje del que Naschy conocía todos sus secretos y que sabía interpretar como nadie.
Nunca había visto ninguna película de Paul Naschy, porque la mayoría de sus filmes no se pasaron en Brasil, pero pude ver algunos en DVD. Todo lo que sabía sobre Paul es que lo que estaba escrito en su libro Memorias de un hombre lobo, que había comprado en Fantasporto y que, por cierto, es genial. Al ser Brasil el único país que habla portugués en América Latina, nuestro contacto con vuestra cultura es más pequeño y viceversa. Para que os hagais una idea, ningún actor brasileño de los que trabajaron en Um Lobisomem na Amazonia sabía quien era Paul Naschy. De igual forma que Paul no conocía a ninguno de los actores con los que trabajó en mi película, y todos ellos eran muy populares en televisión, concretamente en TV Globo.
Escoger a Paul para protagonizar el filme fue una decisión mía, pero por otro lado puedo garantizar que más allá de haber acertado con la elección, una de las cosas que más me animaba a hacer realidad este proyecto fue la posibilidad de trabajar con el actor ideal para el difícil papel de hombre lobo. Un actor que supiese hacer a la perfección este impresionante mito del cine. Era vital para la película que los espectadores creyeran que estaban viendo a un auténtico hombre lobo, un ser horripilante, y en eso Paul era un experto. Un hombre de cine que sabía ejecutar a la perfección su papel.
Iván Cardoso y José Mojica Marins, los dos grandes personajes del cine de terror brasileño
Durante la preproducción del filme, cuando estábamos contratando el reparto, varias veces el productor Diler Trindade, me preguntó si no sería mejor y más fácil contratar un actor brasileño para interpretar el papel doble de hombre lobo y Dr. Moreau, pero como ya dije antes, necesitaba un especialista y ya tenía a la persona ideal.
Paul me dijo que una de las cosas que le convenció de venir a Brasil fue la oportunidad de interpretar al legendario Dr. Moreau, que según sus propias palabras, “solo ha sido interpretado por tres famosos actores: Charles Laughton, Marlon Brando y Burt Lancaster” y no quería perderse la oportunidad que el destino le ofreció. Por otra parte debo decir que esta contratación fue realizada gracias a mi asistente de dirección particular, Luisa Arantes Pedroso, que me acompaña desde As Sete Vampiras (1986), que es portuguesa y por eso habla perfectamente español. Fue la responsable de toda la negociación, en la que pesó también el deseo de nuestra querida Elvira, esposa de Paul, de conocer Brasil. En Elvira encontré también una amiga y Paul bromeaba diciendo que él había ido a Brasil para trabajar y ella para ir de compras.
Cuando Paul y Elvira llegaron a Brasil, fui con mi asistenta portuguesa Luisa Arante a recogerlos en el aeropuerto con un coche de lujo que había alquilado. Habían tenido un buen viaje y era una linda tarde. Hicimos algunas fotos de Paul en el aeropuerto y salimos para el hotel, donde el productor ejecutivo del filme ya nos esperaba con el 50% del salario de Paul, tal y como estaba previsto en el contrato. Durante su estancia les hospedamos, por apenas tres semanas, en el lujoso Hotel Sheraton, enfrente de la playa Barra Da Tijuca, próxima al estudio donde rodamos la película.
Naschy con Cardoso recién llegado a Brasil
Tras instalarse en una gran suite con la última revisión del guión de la película, quedamos al día siguiente para ir a cenar. Me despedí dejando a Luisa con ellos para resolver los últimos asuntos. A las 21 horas estaba tranquilo en casa, feliz de la llegada de Paul y a pocas horas de iniciar el rodaje cuando el teléfono sonó. Era Luisa desesperada avisándome de que a Paul no le gustaba nuestro último guión y amenazaba con volver a España. Me pedía que volviera inmediatamente al hotel. No entendía lo que pasaba, nadie atraviesa el Atlántico para decir que no va a hacer una película para la que ha sido contratado. Durante la negociación ya le habíamos enviado dos tratamientos diferentes del guión y Paul nunca se había quejado. Volví al hotel Sherathon y me encontré a la Armada Española dispuesta para atacar. Paul estaba hecho una fiera y me dijo que no había posibilidad de rodar ese guión y que en caso de insistir, él prefería devolver el dinero que había recibido y volver al día siguiente a España. Le dije que el rodaje comenzaba en tres días y que ya le habíamos enviado anteriormente el guión sin que se hubiese quejado. Pero él estaba enfurecido con el guión y no había nada que le hiciera cambiar de idea. Tanto que la única solución sería organizar una reunión nosotros dos con el productor de la película para intentar encontrar una solución que contentase a todas las partes. Naschy estaba irreductible y no quería hablar con el productor. Alegaba que su personaje estaba descaracterizado, que los hombres lobo eran monstruos especiales y que también faltaba la maldición del pentagrama en nuestra historia. Otra cosa que a Paul le molestó fue el hecho de hacer comedia de terror.
Poco a poco conseguí calmarlo y acordamos que él podría escribir un nuevo guión, que tuviese el mismo número de secuencias que el anterior, que no cortase escenas de los otros actores brasileños contratados y que no cambiase totalmente el sentido de nuestra historia. Yo pensaba que era una locura en apenas tres días descansar, preparar el rodaje y escribir un nuevo guión, pero es exactamente eso lo que mi amigo Paul hizo, alegando que ya había escrito muchos guiones y que le gustaba mucho hacerlo, principalmente si la película ganaba con ello. Así que el domingo por la noche Paul estaba exhausto, pero me entregó el nuevo guión, escrito totalmente a mano, que conservo con mucho cariño hasta hoy.
Conseguí salir ileso de todo eso. He trabajado en el cine durante muchos años y toda película es una locura porque el cine provoca pasiones de todo tipo.
Puedo garantizar que no hizo falta dirigir a Paul. Apenas llegaba al escenario hacíamos un ensayo y rodábamos. Siempre estaba a punto e interpretaba siempre con gran eficacia las escenas. Era un auténtico hombre de cine: actor, director, guionista, productor… Garantizo que los días de filmación con Paul Naschy fueron los más placenteros de mi larga carrera cinematográfica. Tanto como los rodajes que hice con Wilson Grey, gran actor brasileño que trabajó en casi todas mis películas. En verdad Paul ocupó un lugar en mi corazón que estaba vacío desde la muerte de Wilson Grey.
No realizamos ninguna escena en el Amazonas. Todas las escenas fueron rodadas en Río de Janeiro. Nuestra película, por sugerencia y decisión de nuestro productor Diler Trindade, fue enteramente rodada en estudios Polo de Cinema & Video de Jacarepagua y en localizaciones en Río de Janeiro. El productor estaba seguro de que si los americanos recreaban África en Río de Janeiro, nosotros podríamos transformar nuestra ciudad en la selva amazónica. También cuando se hace una película en tres semanas, como fue nuestro caso con 18 días de rodaje, cualquier lluvia puede ser desastrosa, y rodando en un estudio se pueden planear mejor las escenas, asegurándose de cumplir el calendario de rodaje. Eso por no hablar de los gastos de trasladar a todos esos actores, incluido Paul, a la selva amazónica. En términos de lenguaje cinematográfico, como mis películas generalmente son parodias de filmes americanos de serie B, filmar en estudio también facilita mi trabajo en este campo.
En Brasil todas las películas americanas que pasan por televisión están dobladas al portugués, tenemos excelentes dobladores y el espectador brasileño está muy acostumbrado a ver estos filmes hablados en portugués, esta es la razón por la que doblo todas mis películas y siempre pongo en los contratos con los actores que se me permita doblarlos en el caso de que no me guste su voz. Pero en el caso de Paul era diferente, porque no tenía sentido doblar a un gran actor como él cuya voz, entonación e idioma formaban parte de su brillante actuación. Um Lobisimem na Amazonia fue mi primera película con sonido directo y no tenía intención de doblar a Paul por otra persona. Luego, cuando terminó el rodaje, mi asistente tradujo todo el diálogo de Paul al portugués y él lo grabó en el estudio, pero a pesar de que el portugués de Paul mejoró bastante con el nuevo doblaje, su fuerte acento castellano impedía que el publico brasileño entendiera lo que estaba hablando, así que la única solución fue colocar subtítulos en portugués en sus diálogos.
Sidney Magal como sacerdote Inca
Originalmente había pensado en Cauby Peixoto, un viejo icono de la música popular brasileña, para interpretar el papel del misterioso sacerdote inca en Um Lobisomem… Sería una forma de dar brillo a mi reparto y al mismo tiempo homenajearlo, pero desgraciadamente los artistas son muy vanidosos y Cauby, que fue una de las mayores estrellas de la radio nacional en los años cincuenta, se veía muy viejo para aparecer en películas, así que tuvimos que buscar otra opción que terminó siendo muy feliz ya que escogí a Sidney Magall, cuyo número musical en la película es una de las secuencias preferidas del publico. Cuando la película se exhibió con gran éxito en Turín había entre el público varios colegas que adoro como Walter Hill, Claude Chabrol, Joe Dante y John Landis. Estos últimos me dijeron que les había gustado mucho mi película y les pedí si podían escribir una frase promocional. Al día siguiente Joe tenía su frase: “uma obra prima do primeiro ao ultimo fotograma”. Pero Landis todavía no tenía preparada la suya y no sabía que escribir, de manera que para motivarlo le pregunté que secuencia le había gustado más. Sabiendo que él ya había hecho una película de hombres lobo, imaginé que escogería alguna de Paul Naschy, pero me respondió inmediatamente que la que más le gustó fue “aquella del sacerdote cantando rumba”. Fue impresionante que el gran John Landis adorara la secuencia de Sidney Magall.
El director con John Landis y Joe Dante
También aprovechamos la estancia de Paul en Río para hacerle una larga entrevista para otro proyecto titulado “As Confissoes de um Hombre Lobo”. Naschy, como toda estrella, adoraba estar ante la cámara y respondió durante casi dos horas a mis preguntas sobre su carrera, su vida y otros asuntos con mucho humor, inteligencia y cariño.
No solo salen monstruos y científicos locos en la película de Iván Cardoso. En la foto dos de las bellas protagonistas, Danielle Winnits y Karina Bacchi
Luego, ya rodada la película, Paul Naschy y yo volvimos a vernos en el festival de Estepona de 2005, donde me hicieron una retrospectiva muy bonita y recibí un premio por el conjunto de mi obra dedicada al cine fantástico y de terror. Paul y el resto de público estuvieron encantados y fue un éxito que resumió el escritor Juan Manuel de Prada en su crónica dominical para ABC que tituló “El descubrimiento de un genio”. Pasamos una semana maravillosa en Estepona, en un hotel sensacional, viendo películas y haciendo planes para el futuro. Como ya he contado, aunque no estuvo acreditado, Paul Naschy fue guionista de Um Lobisomem na Amazonia, le encantaba escribir guiones de cine y ya teníamos en mente dos proyectos guionizados e interpretados por él: “Extrangulador de Mulatas” y “A Filha de Dracula”. Pasé unos días maravillosos en compañía de Paul, de José Manuel, de Álex de la Iglesia y de otros cinéfilos, todos encantadores conmigo. A la hora de despedirme me emocioné mucho y comencé a llorar porque sabía que en poco partiría y ya no estaría más en compañía de un gran artista, mucho más que eso, de un gran amigo que me recibió con todo el cariño de su gran corazón y que también había conquistado un espacio enorme en el mío. La inesperada muerte de Paul Naschy en 2009 por un error médico me dejo anonadado. La última vez que hablamos, una semana antes de la tragedia, estaba muy bien. Finalmente estábamos lanzando Um Lobisomem na Amazonia a la pantalla y realmente no esperaba esta triste noticia. Me gustaba mucho Paul y él también tenía cariño por mí.
Paul Naschy fue, sin duda, el mayor astro cinematográfico con el que tuve el placer de trabajar.
Iván Cardoso y Paul Naschy durante el rodaje de Um Lobisomem Na Amazonia.
Magnífico dibujo que Paul Naschy dedicó al director Iván Cardoso.
(Todos las fotografías gentileza de Iván Cardoso)
Javier Perea, Imagen Death y La sonrisa del lobo
Una imagen familiar en festivales como el de Sitges y Donosti.
Personalmente no recuerdo como conocí Imagen Death. Supongo que por medio de un anuncio en algún fanzine. Sí, seguro. Vi que vendían películas raras y difíciles de encontrar, así que me animé a pedirles información y al poco de contactar con ellos recibí un voluminoso catálogo con infinidad de VHS’s muy difíciles de conseguir. Hablo de los tiempos en los que
¡Este catálogo tuvo la culpa!
no existía Internet y uno leía y escuchaba hablar de muchas películas que no podía ver. Muchas estaban descatalogadas y otras no se habían editado en España. Para intentar paliar esta escasez comenzaron a abrir con cuentagotas tiendas como Gorgon en Barcelona, en las que se podía comprar las pocas películas editadas en España de género fantástico y muchas de importación, así como libros y publicaciones sobre el género. Lo malo es que las películas de importación, además de tener un alto precio, estaban en inglés. Pero Imagen Death ofrecía muchas de esas películas con audio en castellano y, al ser copias, a precios más económicos. También había en su catálogo películas descatalogadas y, por descontado, originales. Así que fue inevitable el goteo de pedidos que correspondían, irremediablemente, con las pagas extra, en especial la de verano: como nunca coincidía en vacaciones con mi compañera, compraba un lote de películas a Imagen Death y a pasar el verano tan ricamente en casa haciendo el Rodríguez.
Mucho más tarde y con el DVD ya asentado, tuve ocasión de saludar a la persona que estaba detrás de Imagen Death en Sitges. Nunca nos habíamos visto en persona, tan solo nos habíamos comunicado por carta. Y sorprendentemente fue presentarme, decirle mi nombre y me dijo mi apellido. Recordaba mi apellido. Fue como saludar a un viejo amigo.
Y es que Javier Perea es una figura tan familiar dentro del fandom que si no existiera habría que inventarlo. Corpulento, bonachón y casi siempre con cerveza al ristre, es una de las presencias más longevas y fieles en festivales como el de Sitges o Donosti, donde vende merchandising, películas y todo lo que se pueda imaginar relacionado con el género. Ha editado fanzines y libros, tiene su propio festival en Toledo que ya lleva 16 ediciones y lejos ya aquellos tiempos de copias de películas, ha editado obras de directores noveles, primero en VHS y ahora en formato digital. Algunas las ha dirigido. Por hacer incluso ha hecho el bárbaro interpretando un pseudo-Jason en Viernes 13 XXL de Ángel Mora. Y a pesar de todo ello Javier es un tipo de lo más discreto, amigable y humilde, que mantiene su lucha por sacar adelante su negocio. Sin él, como sin otros muchos, festivales como el de Sitges no serían lo mismo. Y queremos y nos gusta verlo allí al menos una vez al año. Rodeado de miembros amputados, películas, libros y todos esos armatostes que tanto nos gustan y que Javier lleva tantos años vendiendo. Así que con la excusa de un documental que ha rodado con Paul Naschy y que permanece inédito, La sonrisa del lobo, por el que cada año le he estado preguntando hasta que me lo ha dejado ver, aprovecho para hacerle una entrevista en toda regla en la que hablar de esa película y de otras muchas cosas. Hoy en Mondo Fandom: Javier Perea.
…AL PRINCIPIO FUE IMAGEN DEATH
¿Cómo nace Imagen Death?
Desde mi tierna juventud me atraían las películas prohibidas, esas de dos rombos que podía devorar cuando mis padres dormían o no estaban en casa. Aprovechando mi estatura me colaba en los cines para ver sesiones de “mayores de 18 años”, y siempre o casi siempre (ya que alguna erótica también caía), eran películas de terror o etiquetas similares. A partir de la salida de las cintas de video, comencé una colección que me animo a recopilar todos los títulos que había visionado en el cine, y unos años mas tarde comencé a contactar con todas las productoras y/o distribuidoras que venían reflejadas en la parte trasera de las caratulas de video, con la intención de conseguir todos los títulos posibles que entonces ofrecía el mercado. Decidí compartirlos con todos aquellos que tenían mis gustos cinematográficos, ofreciendo intercambios o copias a un precio justo, con lo que conseguía algo de dinerillo para seguir comprando más y más películas. Esto me llevo a conseguir paquetes económicos de cintas originales que ponía a la venta. Surgió la idea de poner un nombre “comercial” y el nacimiento de IMAGEN DEATH.
También publicas tu primer fanzine sobre cine, comic y todo relacionado con el terror, Xacatrax, del que salen dos números y que tiene continuidad en Imagen Death, con también dos entregas. Posteriormente editarías el boletín Imagen Death.
En una película que no recuerdo su título experimentaban con la extracción de las almas en cuerpos aún vivos. Yo me interesé por esto y me puse a buscar en enciclopedias ¿que era esto?, encontrando la palabra “XacatraX”, o algo similar, que se asemejaba a esta acción, por lo que la retomé como nombre de mi futura publicación. Tras alguna camiseta que hice y dos números editados, decidí cambiar el nombre por la complejidad que tenía el palabro, por la ya creada Imagen Death que comenzaba a ser un nombre conocido. Curiosamente XacatraX fue el nombre que le puse a la Asociación Cultural que gesto la Muestra de Cine Independiente y Fantástico de Toledo.
¿Por qué decidiste dejar de editar fanzines y libros?
El esfuerzo era importante en cuanto al tiempo y al económico, y tras ganar la “Guerra de Fanzines” en su primera y última apuesta, que organizaba la Semana de Terror de San Sebastián, decidí que era el momento de centrarme en otras cosas sin dejar mi pasión por el miedo. Creo que lo dejé en un momento apoteósico, haciéndome entrega del premio en el Kursaal al mejor Fanzine el mismísimo “Drogas” de Barricada. Por otro lado, respecto al tema de los libros, hace un año Imagen Death edito el libro DOREMIFA ZOMBI, por lo que aún esta faceta de alguna forma sigue activa.
¿Cómo ves la situación actual del «fandom» en comparación con los años noventa, cuando comienza Imagen Death su andadura?
El conjunto de aficionados a esta temática es “sostenible”, por usar una palabra actual, jajaja. Cierto es que desde hace unos años la posibilidad de información y acceso a canales antes difíciles de acceder hace que la legión de seguidores siga su curso e incluso aumente, pero también es cierto que la diversidad de entretenimientos que ofrece el mercado hace que quizás dividamos nuestros gustos en un abanico de posibilidades mas variado. No obstante esto es como los seguidores del rock, fidelidad hasta que seamos zombies.
También eres un veterano de festivales ¿Cómo ves la situación de los mismos? ¿El público lo ves diferente? Y el ambiente ¿mejor o peor?
Mis veintisiete años asistiendo a Sitges o veintitrés años en asistencia continua a la Semana de Terror de San Sebastián, entre otros, demuestran mi fascinación por este género. El contagio me obligo a crear mi propio Festival en Toledo con 16 ediciones a mis espaldas.
Actualmente nos encontramos en una situación un tanto jodida, muy jodida. Recortes y hachazos han provocado que se mantengan los más fuertes con importantes rebajas, pero los peques lo están pasando muy mal e incluso algunos han dejado de funcionar. Creo que la insistencia y la profesionalidad de los que siguen luchando por su Festival hace que año tras año podamos disfrutar de la amalgama de títulos que ofrece el mercado, por lo cual “chapeau” por esos adorables locos. En cuanto al público, lo dicho anteriormente, el fiel se mantiene dentro de sus posibilidades, y hay una captación de nuevos cromosomas que hacen que el ambiente siga manteniendo la atmosfera que únicamente el fantástico, el terror y el miedooor!… puede provocar.
¿Cómo piensas que ha afectado internet y el nacimiento del DVD a todo esto?
Está claro que internet es la autentica revolución social que ha marcado un antes y un después en prácticamente “todo”, por lo que para muchas cosas ha sido muy bueno y evidentemente para otras no tanto. Enumerar cuales han sido las positivas y las negativas seria un arduo trabajo, yo creo, que cada cual saque sus propias conclusiones en razón a su particular posición. En mi caso pienso que tenemos toda la información de primera mano en cuanto a eventos, fechas, películas, trailers, información general y hasta la reserva y plan de viaje. De lo peor, el poder ver una película incluso antes del estreno en el propio festival. Y lo peor, el fiarte de las críticas de críticos que, o no la han visto, o bien la valoran frente a sus gustos, por lo que puede decidir el que la visiones o no.
Y evidentemente el DVD, es el soporte por excelencia que ha contribuido a que mantengamos viva por muuuuchos años esa película que deseamos tener, aunque también se está haciendo viejito frente a las nuevas tecnologías.
En el Kursaal de Donosti recibiendo el premio al mejor fanzine.
¿Echas de menos los tiempos pasados del VHS, ahora que hay una reivindicación de esa época y tecnología?
No, creo que cada época que vivimos nos ofrece ofertas que se cursan en su momento, y el VHS fue una de ellas. Un grato momento que en mi caso me marco positivamente para los restos, ya que formé parte plenamente de este “movimiento del roce”, y me sumergí en él de todas las formas posibles: vendiendo copias, distribuyendo títulos de las productoras que finiquitaban sus almacenes, produciendo mis propias películas y editando títulos internacionales. Tuve la suerte de ser prácticamente el “limpia 
fondos” de JF (Jose Frade PC), navegando por aquellas estanterías y recogiendo todas las VHS que se me ponían delante, hasta que no entraban mas en el coche. «Miedo en la Ciudad de los Muertos Vivientes”, “El Más Allá”, “Aquella Casa al Lado del Cementerio”, “Comidos Vivos”, “Canibal Ferox”, etc, etc, etc….. Pósters a mansalva, foto-cromos, y un largo etcétera de material que entonces hacían las delicias de los seguidores. Recuerdo reeditar para España títulos como “Street Trash”, producir y editar ese “Gorex, The Zombie Horror Picture Show” o “Viernes 13 XXL, Jason se lo Monta de Miedo”, magníficos pornetes en versiones “soft” de Ángel Mora, y por otro lado hacer maravillosas copias de cintas americanas currándome el “dubbing” con el audio de alguna emisión televisiva nacional. Tengo grandes recuerdo “vintage”, pero no, no lo echo de menos. Hace apenas dos años me deshice de prácticamente toda mi colección VHS y Betamax (unas 4000 cintas), que evidentemente tengo en DVD o pasadas a disco duro…. Y no, ¡no estoy loco!, conservo todas las carátulas originales.
¿Cuál es el artículo y la película que mejor has vendido?
En VHS original “El Mas Allá” de Lucio Fulci; de derechos adquiridos “Street Trash”; de cosecha propia “Gorex, The Zombie Horror Picture Show”. En camisetas “El Vengador Toxico”. Y mi producto estrella de los últimos años: “El Llavero Dedo”.
¿Algún proyecto de Imagen Death que quieras compartir?
No paro de crear ideas aunque todas no han podido salir a la luz de momento, pero están en el horno. Hace poco editamos el libro Doremifa Zombi, el cual estamos preparando como representación para teatros en formato musical. Por otro lado estoy experimentando con nuevos llaveros y pendrives. Preparando una exposición de “Artefactos Mitológicos”. Arreglando detalles de mi última película “Daimôn” y buscando co-productor para el documental “Paul Naschy, La Sonrisa del Lobo”.
¿Tienes algún fanzine favorito? Recomiéndanos una película….
Reconozco que hace tiempo he dejado de seguir la lectura en los fanzines, y tengo muy buenos amigos que siguen invirtiendo un enorme esfuerzo en sacar una publicación lo mas puntualmente posible, que en ocasiones parecen autenticas revistas, sin perder la esencia. Por lo que me quedo con todos los que siguen apostando por la creatividad en sus creaciones.
Y una película… Soy un clásico y ALIEN (las cuatro), la tengo de todos los colores posibles, aunque las películas de infectados, zombis, etc…, son las que mas me fascinan. Hace poco visione “The Demented” de Christopher Roosevelt, que me dejo un maravilloso regustillo.
SOBRE LA SONRISA DEL LOBO
Paul Naschy, la sonrisa del lobo es un documental en el que el con la compañía del propio actor, guionista y director y teniendo como escenario rincones míticos de Toledo, repasamos toda la filmografía licantrópica de Paul Naschy, tanto las películas protagonizadas por el personaje que creó, Waldemar Daninsky, como otras en las que el licántropo no es el protagonista absoluto, como El aullido del diablo (1987, Jacinto Molina) o Buenas noches Sr. Monstruo (1982, Antonio Mercero). Un emotivo viaje cronológico repleto de vivencias y anécdotas.
¿Cómo surge el proyecto y como lo recibió Paul Naschy?
Desde hacia unos cuantos años atrás ya mantenía una entrañable amistad con Paul, y en alguno de nuestros viajes comentábamos la realización de una producción videográfica de su vida. Naschy empezó a trabajar en un guión que contemplaba su andadura desde el comienzo de su niñez, que me relataba por teléfono cual programa de radio de terror. Se me ocurrió hacer algo rápido como a modo de prueba, y aprovechando un dinerillo que tenía de una subvención, le propuse hacer una entrevista navegando únicamente en su filmografía como Hombre Lobo. Simplemente le gusto la idea y con la siempre admirable predisposición de Paul para hacer las cosas, se gesto todo de una manera rápida y concisa.
¿Cuántas personas estaban en el proyecto?
La verdad es que fue un trabajo ligero en cuanto a los participantes, ya que no requería de un elevado número de personas para su realización. Diego López que se marcó una arqueología informativa en cuanto a la localización y enumeración de las películas. Héctor García que se curro la actual portada y unos gráficos que anteceden a los comentarios de Paul en cada uno de los títulos. Juan Pablo Orduñez “El Pirata”, que puso la voz en off. Natalia Alegria como ayudante de producción, Zaira Pantoja en sus labores de maquillaje y Rafael Martín como operador de cámara y edición. Y mi menda como propulsor, productor, director e inventor de la contienda.
¿Cómo se inició la colaboración con Diego López y en que consistió?
Diego es una persona que apoya a muerte todo lo que ve interesante, se involucra con palabras y hechos, a pesar de estar siempre en mil batallas. Como he comentado llevaba, y si esto sigue para adelante espero que siga llevando, todo lo relacionado con las informaciones referentes a cada título de Naschy, en su unión con el Licántropo. Imprescindible y minuciosa labor de investigación para que no se escapara ningún detalle. Preparó preguntas, aporto iniciativas y compartíamos los distintos apartados del documental. Podría decir que fue uno de los culpables en mantener mis ideas de progreso. Sitges, su Buque Maldito, el buen rollo y nuestra afinidad por compartir gustos nos llevó a esta y otras colaboraciones que mantenemos dentro del audiovisual. Y lo mas importante, compartimos una inmarcesible amistad.
Paul Naschy charlando con Diego López durante el rodaje de La sonrisa del lobo.
Cuéntanos algunas anécdotas del rodaje
Paul era un entrañable personaje curtido en mil batallas y recuerdo su llegada a Toledo en un taxi. Tras bajar del mismo lo primero que hizo fue sacar su parte más oscura renegando de todo lo que se movía. La razón era que tenía una rodilla muy jodida y por los dolores que esta le provocaba. Mi equipo se quedo con la cara de acojone nada mas verlo y escucharlo, pero yo lo conocía bien y cuando me vio y me dio un abrazo, todo el panorama cambió, jajajaja ¡claro!, hasta que le hice subir a una terraza de una típica casa antigua de la ciudad con mas de cuarenta escalones para tener un plano con la Catedral . Y por lo demás cositas típicas del directo, un colegio de niños visitando una de las localizaciones, por lo que la grabación era imposible, e incluso algo hay reflejado en el documental. ¡Ah! y el momento de comer, que Paul no perdonaba que se pasara de la hora prevista. La verdad es que fue todo bastante dinámico y en buena sintonía.
Tanto dentro como fuera del rodaje, Paul era una persona muy amable y dispuesta a meterse en cualquier locura. Siempre abría su casa a cualquier proyecto de interés. Hemos viajado juntos a distintos lugares en donde ofrecía alguna charla dentro de algún festival o actividad, Priego de Córdoba, Salamanca, Albacete y por supuesto en varias ocasiones en mi ciudad. Podría escribir una novela de la cantidad de buenos momentos que he pasado con Paul en estos viajes y en los lugares en donde hemos coincidido. Nos llamábamos con cierta frecuencia y echo de menos esas conversaciones…
¿Cómo fue el rodaje? ¿Cuánto duró?
Como he comentado, fue un rodaje muy amable y sencillo, ya que no dejaba de ser una prueba de lo que acontecería mas adelante. Un equipo humano justo y un equipo técnico básico. Prácticamente a plano único y fijo, sin trabajarlos prácticamente nada. Un sonido muy elemental que suspira por sus rincones. Era eso, el preludio de un trabajo con mucha mas envergadura y profesionalidad. Lo realmente interesante de este documental es la presencia de Naschy y lo que cuenta. Es puro Naschy, sin tapujos, sin efectos, sin misterio. La mejor prueba posible de un proyecto no terminado, que quedara para los tiempos como el único documental con la total presencia de su personaje mas emblemático, Waldemar Daninsky.
Y su duración, dos meses de pre producción, un día de rodaje y otro par meses de edición y montaje…¡Hasta ahora!, porque puede estar acabado, pero puede enriquecerse aún mucho mas.
¿Incluirás material de las películas de las que habla Paul en el documental?
¡Equili Cua! ¡o algo así!. Unos 6.000 € tienen la culpa de poder adquirir esas imágenes en casi su totalidad, ya que hay alguna película que es imposible de localizar, al parecer porque no llegó a realizarse. Este es el dilema: o busco co-producción, o se lanza sin esas imágenes salvo, claro está, las que son propiedad de la familia de Paul, que muy amablemente nos ceden.
El documental se proyectó en el Festival de Sitges a modo de Work in Progress, para obtener impresiones, que acabaron confirmando que tal y como estaba, con unos pequeños arreglos, es un extraordinario producto para fieles seguidores de Naschy.
¿Además de este documental, cuántas películas has dirigido?
He producido “La Raíz del Mal” dirigida por Adrian Cardona, coproducido dos largos y un falso documental con el amigo Ángel Mora. Dirigido ocho o diez cortos, dieciocho spots. Otros ocho o diez videoclips, un par de documentales. Unos treinta programas y/o secciones de TV y editado unas trece películas. Pero solo he dirigido un largo “Daimôn”, que por cierto, algún día sacaré… Peliculón donde los haya, jejeje.
¿Algún proyecto que nos puedas adelantar?
Estoy trabajando en el musical Doremifa Zombi para cine y para representación teatral, del cual se ha editado el libro novelado, así como en algunos proyectillos más, que creo ya he comentado anteriormente. Y poco más, de momento estoy escribiendo y pensando lo que quiero escribir.
Pues nada más, añade lo que quieras
Ánimos para todos aquellos que tengan algún proyecto en su cabeza, que al igual que yo no llegaremos a grandes altares, pero la sensación de haber creado y llegado a un sector de esta inmensa minoría que somos los amantes del fantástico y el terror en todas sus etiquetas, te deja un ok en una de las facetas o partes de la vida. A pesar de los sufrimientos, horas sin dormir, amistades que van y vienen, algunas se quedan casi para siempre y otras te alegras que se vayan. Al igual que algunas lamentas que se hayan ido y otras no sabes muy bien de donde vinieron y a donde se fueron, ILUSION, querido creador.
Ahí queda eso amigo Javier. Nos vemos en la próxima trinchera.
Fotografías gentileza de Javier Perea.
Y ustedes, no olviden darse un paseo por la página web de Imagen Death: www.imagendeath.com
Javier y Paul Naschy, una presencia ya eterna en el festival de Sitges.
Por fin en DVD El hombre que vio llorar a Frankenstein
“Paul Naschy en su libro de memorias describe bajo el título ‘El hombre que vio llorar a Frankenstein’, como en el rodaje en España de un episodio de la serie I Spy con Boris Karloff , encontró a éste, muy anciano y enfermo sollozando de frío y de dolor en una pausa del rodaje -sólo, ausente, triste-. Yo he de decir que pese al dolor que sentía (físico, psíquico), pese a la cercanía de su muerte, Paul murió sin miedo, murió como quería, con su familia, con las botas puestas (hablando de cine) y que ni yo ni nadie podré/podrán decir aquello de que ‘vieron llorar al hombre lobo’.” Ángel Mora
Tras haber sido editada únicamente en formado blu-ray formando parte del pack que reunía las dos partes de La herencia Valdemar (2010, José Luis Alemán), por fin el documental El hombre que vio llorar a Frankenstein (2010, Ángel Agudo) se edita de la mano de Tema Distribuciones individualmente y en formato 2DVD. Y hay que añadir que la edición no está nada mal ya que además de la película, en su primer disco incluye los temas de la banda sonora, mientras que el segundo contiene los cortos El corazón delator (2001, Alfonso S. Suárez) y Lágrimas de papel (2008, Ángel Gómez Hernández), ambos protagonizados por Naschy, así como una extensa galería de imágenes compuesta de carteles, fotografías y lobby cards. Quizás se podría haber incluido, puestos a buscarle algún «pero», alguna entrevista ampliada e imágenes del rodaje. O algún corto más pero, no nos quejemos, en El hombre que vio llorar a Frankenstein podemos repasar la carrera de Paul Naschy mediante los recuerdos de amigos, familia y compañeros de profesión, entre los que se encuentran: Antonio Mayans, Jordi Grau, Javier Aguirre, Joe Dante, Víctor Matellano, John Landis, Caroline Munro, Miguel Iglesias Bonns, J. A. Pérez Giner, Ángel Sala, Nacho Cerdà, Jack Taylor, José Luis Alemán, María José Cantudo, Laura de Pedro y Donald F. Glut, entre muchos otros. Además de sus hijos Sergio y Bruno Molina y su esposa Elvira Primavera. Toda una delicia narrada por Mick Garris, ilustrada por imágenes personales y de sus películas más representativas y arropada por la música de Enrique García. Un homenaje al actor, guionista y director producido por José Luis Alemán, Luis Miguel Rosales y Sergio Molina bajo la dirección de Ángel Agudo, responsable del libro Paul Naschy, la máscara de Jacinto Molina, editado por ScifiWorld en 2009.
Por cierto, les recomiendo que cuando vean este documental no lo quiten antes de haber visto todos los títulos de crédito. Ya descubrirán porque.
Y para celebrar este magnífico lanzamiento, por gentileza de Cameo/Tema, sorteamos un DVD recién salido del horno, que obtendrá el primero en contestar a tres preguntas sobre el actor. Estén atentos a Serendipia Naschy en Facebook el miércoles 5 de febrero a las 20 horas. Suerte a todos.
(Lo sentimos, pero este sorteo solo está dirigido a residentes en España por cuestiones de gastos de envío)
Loreta Tovar : una rubia en el Fantaterror
Loreta Tovar es uno de los rostros más bellos y reconocibles del Fantaterror español. Ha trabajado con los más importantes directores del género (Ibáñez Serrador, Paul Naschy, Amando de Ossorio, Jesús Franco…) antes de tener que adaptarse a la comedia y dejar definitivamente el cine de forma prematura tras quince años de carrera.
Nacida en Cáceres como María Dolores del Loreto Tovar, es hija de un abogado de éxito y estudió en un colegio de monjas, concretamente en las Escolapias de Sevilla, tras lo que estudia la carrera de Técnico de Publicidad en paralelo a su actuación en películas. Comienza su carrera en el cine de manera casual a los catorce años de la mano de Narciso Ibáñez Serrador: “Mi hermana Marisa y yo no empezamos juntas en el cine, realmente, lo que ocurrió fue que Narciso Ibáñez Serrador era vecino de la casa y me dijo si quería trabajar en una película. Yo tenía 14 años y me quedé obnubilada. Me dijo que iba a hacer una película bastante importante que se llamaba La Residencia. Yo pensaba ‘¿Qué me está diciendo este hombre?’. Le dije, ‘¿Usted sabe la edad que tengo?’ y me dijo: ‘Si, si. Por eso, porque necesito chicas de tu edad y como tú me das el tipo del estilo de chica que quiero y necesito para esta película, pues me gustaría’. Le dije que como tenía 14 años tenía que hablar con mi madre. Y me dijo, ‘Bueno, pues hablaré con tu familia a ver si me dan permiso’. Y se lo dieron. Yo todo lo vi muy bonito y muy agradable. Era como estar en un cuento».
En La Residencia junto a Maria Gustafsson.
«Chicho era serio, pero era muy cariñoso. Cuando tú tenias que hacer tus cosas las tenías que hacer bien, porque sino era mucha pérdida de tiempo para todo el mundo. Había que tener un respeto. Desde al señor que coge el sonido hasta la persona que pone, con perdón, la braga en el foco, que es para que no te resalte mucho la luz. Chicho hacía sentir que era un trabajo de equipo, no era una estrella. Era un trabajo en equipo y si el iluminador quiere tú puedes salir maravillosa y si no quiere, pues pobre de ti… Cuando emprendes un trabajo, por mucho o poco que te paguen (…) tienes que dar el 100% de ti. Si no es mejor no hacerlo.
Lilli Palmer era un señora muy seria. Muy profesional y bellísima, con un tipazo impresionante. En Comillas rodé exteriores. El rodaje duró dos meses y casi todas las niñas que trabajaban en La Residencia eran top model. Pero increíbles. No te puedes hacer una idea. Tenían unos books que yo pensaba ‘quiero ser como ellas…’ «
En este primer acercamiento al mundo del cine, Loreta trabaja sin acreditar, pero tres años después inicia una carrera ininterrumpida hasta 1985 mutando su apellido en diversos nombres artísticos: Loreta Tovar (con una y dos T), Loreto Tovar, Loli Tovar, Dolores Tovar, Loretta Martin, María Dolores Tovar y Lorena Tower:
“Tras La Residencia comencé con el cine, porque enseguida me llamó José Luis Merino con el que hice La rebelión de los bucaneros (1972) con un papel protagonista con actores italianos. Una coproducción en la que El Vaticano era la parte italiana. Después hice varias películas para niños y me llamaron para hacer una campaña de tomate Pomodoro en Italia y empecé a hacer cosas de modelo. Por cierto, durante el rodaje de La Residencia me llamaron para hacer un spot de publicidad y me pagaban mucho dinero. Entonces Narciso Ibáñez Serrador, cariñosamente Chicho, me dijo: ‘No pierdas esta oportunidad, vete a Canarias a hacer el spot de publicidad, que no vas a ganar ese dinero aquí en los dos meses de rodaje y en cuatro días te vas a llevar un dineral. Hazlo y que venga tu hermana’. Y mi hermana hizo de alumna también como yo, pero ella en morena y yo en rubia.”
Y Loreta entra de lleno en el boom del Fantaterror español con La llamada del vampiro
(Aquelarre de vampiros en el título de rodaje) de José María Elorrieta, donde interpreta a una vampira sexy y rueda por primera vez en San Martín de Valdeiglesias, escenario de muchos otros filmes de género: “Me conocía hasta a los tenderos de San Martín de Valdeiglesias, porque a mí me encantan las chocolatinas y siempre a mitad de rodaje me escapaba y me iba a comprar las chocolatinas a un colmado”
En esta película rueda sus primeras escenas destinadas a doble versión. De hecho son posiblemente las más explícitas rodadas para una versión destinada al extranjero de un film de terror español de los setenta: “Cuando te preguntaban si estabas dispuesta a todo y tu querías triunfar no ibas a decir ‘oye, que no, que yo…’decías: pues sí. Entonces te decían ‘tienes que hacer esto, esto y esto otro’ y claro, una vez ya has firmado un contrato lo tienes que hacer. Es así. Mi madre se llevó un par de disgustos cuando se enteró, pero le dije que si hubiera estado papá nos habría matado a todas (risas) por lo cual tenemos que dar gracias de que papi no está con nosotros.
Estas escenas se rodaban con mucho respeto. Muchísimo respeto. Solamente estaba el iluminador, el técnico y decían al resto que se marchara. De vez en cuando alguno estaba por ahí en lo alto colgado. Pero bueno que más da. Era su problema, no el mío.
No había engaños, en serio, no había engaños. Yo es que, como siempre he dicho, veraneaba desde muy pequeña en Ibiza y entonces el top less para mí era lo normal, así que, que vamos a decir de una cosa que hago gratis en la playa. No se me puede criticar por nada. Si hiciera escenas realmente morbosas eso ya me daría más… pero enseñar algo cuando puedes… porque cuando ya no puedes una retirada a tiempo es una victoria.”
Entre otros compañeros de reparto estaba el extraño protagonista Nicholas Ney, un uruguayo que no rodó más películas o Beatriz Lacy, hija del director. Aquí también comparte rodaje con su hermana Marisa, que hizo más papeles pequeños en el cine, siendo por ejemplo atacada en dos ocasiones por el hombre lobo en La noche de Walpurgis y El Dr. Jekyll y el hombre lobo. También coincidieron ambas hermanas en Las garras de Lorelei.
Como buena vampiresa, durante el rodaje de La llamada del vampiro tiene ocasión de lucir unos atractivos colmillos y saborear “sangre”: “Los colmillos eran cómodos porque los hacía un protésico dental a la medida. El problema es que no había manera de vocalizar con ellos. En cuanto a la sangre, a mí me sabía como a dulzón. Yo creo que le ponían sirope de algo, porque era como dulzón todo. En Ceremonia Sangrienta pusieron mercromina y se me tiñó todo el pelo de rosa ¡fue tremendo!” (risas)
Una cartelera italiana en la que se puede apreciar el curioso nombre que se le dio en ese país a El gran amor del Conde Drácula. En la imagen Loreta en la cama a punto de ser mordida por el conde (Paul Naschy)
En 1973 se estrenan siete películas en las que Loreta Tovar toma parte y las seis son de terror, aunque en cuatro de ellas con papeles muy pequeños: Aurora Bautista y Esperanza Roy la matan en el minuto uno de la excelente Una vela para el diablo de Eugenio Martín. En El gran amor del Conde Drácula es víctima del vampiro que interpreta Paul Naschy. Y en ambas hay doble versión. En Ceremonia sangrienta de Jorge Grau, era degollada por Espartaco Santoni para proveer de sangre a Lucía Bosé. También figura en el reparto de El espectro del terror de José María Elorrieta. Y en Autopsia, extraña película medio ficción medio documental sobre la muerte con dos autopsias reales, tiene también un breve papel como modelo fotográfica: “Creo que no la vi terminada. Ni la doblé ni nada. Me dieron las cuatro páginas que yo tenía y no vi ni el guión entero.”
En Los ojos siniestros del Dr. Orloff (Jesús Franco), tiene un papel más extenso, aunque no se libra de morir en manos de Kali Hansa (con quien volverá a coincidir en La noche de los brujos): “Un actor me tenía que dar una bofetada y yo veía que cada vez tenía la cara más coloradita, pero no me atreví a decir nada y Jesús Franco me dijo “Mira, cuando repitamos otra vez esta escena, te retiras” Fíjate si el actor dio fuerte la bofetada que le dio a la cámara y a Jesús Franco le puso un ojo así, por lo que le dijo ‘Eres un salvaje. Una y nada más’. Porque la verdad es que daba. El compañero daba.
Jesús Franco me regañó porque me iba a cenar por ahí con mis amigos de Barcelona y no estaba con el equipo. Pero era encantador. No recuerdo, de verdad, ninguna palabra malsonante que me haya dicho un director. Nunca. Conmigo han sido súper amables. Pero también les decía, mira, yo soy como la plastilina y me tienes que moldear para sacar lo bueno de mí, y si le dices esto a un director yo creo que está todo dicho”.
Y el último de esos siete filmes de terror estrenados en 1973 es uno de los más interesantes en los que Loreta Tovar ha tomado parte, ya que se trata de El ataque de los muertos sin ojos, donde tiene un papel bastante extenso y cuenta con compañeros de la talla de Fernando Sancho, Lone Fleming y Esperanza Roy. Con esta película inicia la actriz su colaboración con Amando de Ossorio, con quien rodará dos películas más: La noche de los brujos y Las garras de 
Lorelei: “Ossorio lo único que te decía era ¿sabes leer?, si sabes leer eres buen actor, porque si interpretas lo que yo he escrito y lo comprendes y asimilas, está claro que no puede haber ni un fallo. Pero si no sabes leer no te metas a actriz (risas). Esperanza Roy es lo más, es divina y una gran persona. Fernando Sancho era fantástico. Lone un bellezón de señora ¡Qué te voy a decir! Yo he tenido mucha suerte con mis compañeros y siempre me he llevado bien con ellos. El rodaje era en una iglesia abandonada y todo esto lo hicimos de noche y de verdad que pasamos un frío que nos moríamos. Y te imponían bastante, fíjate, los templarios”.
En 1974 se diversifican un tanto los géneros. Rueda acción con Las violentas (Fernando Miranda); comedia con El amor empieza a medianoche (Pedro Lazaga) y drama con Juegos de sociedad (José Luis Merino), entre otras. Pero también una coproducción de acción, Los cazadores (Peter Collinson), producida por varios países, entre ellos Estados Unidos, donde tiene ocasión de compartir reparto junto a Peter Fonda, John Phillip Law y William Holden: “Todos me dieron la dirección y luego fui a Los Ángeles, porque mi hermana fue a estudiar allí, y estuve hablando con ellos y me trataron muy bien. El rodaje fue en inglés, que ya era un trabajito. Y luego los americanos tienen una manera de hacer las cosas muy fluida, muy seria. Es otra manera. Allí fluye el dinero a lo bestia. Pero nuestro cine tiene para mí más valor porque realmente el gobierno español no se ocupa de esto para nada y es una pena, porque el cine es cultura”.
Pero también en este año comienza su colaboración con Profilmes, productora barcelonesa especializada en cine de género, en especial de terror, rodando la película de aventuras: Tarzán y el tesoro Kawana de José Truchado: “Amando de Ossorio me recomendó a Profilmes porque todo esto es de boca a oído. Si tú trabajas bien no das problemas y te adaptas a todo, es un aliciente para que la gente te contrate. Truchado tenía un caos mental total. Además, había un productor que era, bueno, no voy a hablar de la vida privada de otras personas, pero se peleaba con la novia un día sí y otro también. De verdad que fue divertido el rodaje. El mono no era mona, sino mono, porque si no no se acercan a una mujer. Pero el mono se ponía a cien ¡tenía lo suyo! Y yo decía ¡a ver si voy a coger algo! (risas). Y (a pesar de estar rodada en Costa de Marfil) no aparecieron las fieras. Yo creo que montamos tal jaleo y veían tanta gente que huían”.
No abandona la selva, aunque de forma más autóctona, ya que en La noche de los brujos de Ossorio se recrea África en Madrid con María Kosti, Kali Hansa, Simón Andreu y Bárbara Rey, además de Loreta, en el reparto. Da la sensación de que las actrices se lo pasaron de miedo dándose de latigazos y luciendo bikinis de leopardo y colmillos. También se rodó 
doble versión, y el nombre de Loreta se internacionalizó pasando a ser Lorena Tower (Bárbara Rey figura como Bárbara King, en un alarde de ingenio): “La noche de los brujos se rodó en Hoyo del Manzanares y Estudios Ballesteros. ¡Cuando vi la puesta en escena ya me dio un ataque de risa! Aquellas botas con flecos tenían lo suyo. Y me encantó el figurinista, porque en África con una minifalda con lo que pican los mosquitos… (risas) Era total. Los que hacían de aborígenes estaban contratados en la facultad de medicina y uno, en la vorágine, me metió mano (risas) y cuando se cortó el plano yo: ‘¡ese cochino! ¡que se muestre si es hombre!’ Como una niña histérica. Y Amando que dice: ‘Por favor Loreta, no digas ni hagas nada porque mañana nos quedamos sin morenos, porque son todos estudiantes de medicina y como digas a uno que no venga, todos hacen piña y no aparecen más’. O sea, que me tuve que aguantar (risas).
Los latigazos eran en el aire y siempre los daba el especialista, el maestro de armas, que era el que sabía manejar el látigo. Porque si no te meten una que…”.
Vamos a ver un ejemplo de doble versión. Arriba tenemos la versión que se nos ofreció a los españolitos en la época, que con eso ya nos poníamos como toros y…
¡Voilà! ¡la imagen que se veía en los mundos civilizados!
Al siguiente años rueda su última película con Profilmes, Las garras de Lorelei, de nuevo con Amando de Ossorio pero interpretando un papel más pequeño. Silvia Tortosa contó sobre esta película que hacía mucho frío y que alguna de las chicas suspiraban por el galán protagonista, Tony Kendall: “Hacía un frío que te morías porque era invierno. En las escenas de piscina todas nos lanzábamos a por los abrigos en cuanto decían ‘corten’. Me llevé fenomenal con Tony. Además, conocí a su mujer que era un bellezón italiano increíble. 
Era guapo este señor. Yo me hice muy amiga de él y además le llevé a que le echara las cartas una señora que conocía. Me hice muy amiga de él. Que te diga Esperanza Roy, que nos invitaba a él y a mí a paella. No te digo más. Nos reíamos mucho. Tony estaba hospedado en el Hotel Plaza, donde estaban todas las azafatas, que eran pibones increíbles y hacía así y las tenía a todas ¿para qué se iba a mezclar con alguien del rodaje?
El monstruo era de latex. Un poquillo de repelús si que daba, pero bueno… ¡Quería ser actriz!” (risas)
Y Loreta no hizo mucho más género, aunque recuerda con cariño todo este cine de terror: “Había que echarle mucho valor (risas). He hecho películas en las que se iba escribiendo el guión sobre la marcha y te decía el director ‘hoy tienes que tener la mente ágil, porque te toca hablar’ (risas). Me quedé dormida en un ataúd (risas) me parece que fue en El ataque de los muertos sin ojos. Me quedé roque pero roque y nadie se podía creer que me hubiera dormido. Tenía exámenes y por la noche estudiaba mucho porque es cuando tienes más calma, no hay ruido y puedes concentrarte más en los estudios y me quedé, pero vamos, totalmente dormida como dos o tres horas. Se fueron a comer y yo seguía dormida en el ataúd. Y es que a mí, las cosas siniestras como que nunca me han dado miedo».
Torturada por Paul Naschy (tras lo que la pasan por la hoguera vuelta y vuelta) en Inquisición.
«Conocía el cine de Paul Naschy. Él era cariñoso y muy buena persona y te lo explicaba todo muy bien. En Inquisición, la primera película que dirigió, lo tenía muy clarito. Que luego ya en el montaje saliera mejor o peor, que yo no la he visto nunca, ya… Me acuerdo que trabajó Cuenca, el fotógrafo de la revista 10 Minutos haciendo de monje (risas).
Me invitaron al Festival de Sitges, pero estaba trabajando fuera y les dije que lo sentía mucho porque a mí Cataluña me tira mucho. Yo me lo pasó muy bien aquí”.
Otras películas en las que participa son: Los pasajeros (José Antonio Barrero) con Aurora Bautista, Eva León y Paul Naschy; el policíaco El socarrón (Jaime J. Puig); la coproducción Leonor de Juan Luís Buñuel, con actores como Michel Piccoli, Liv Ullmann, Ornella Muti y en la parte española Antonio Ferrandis o Ángel del Pozo. Y luego llegaron las comedias como Haz la loca… no la guerra de José Truchado con Lolita Flores, Máximo Valverde y un gran electo de actores españoles; El in…moral con los hermanos Calatrava; Mi adúltera esposa de Joaquín Coll Espona con Cassen, Esperanza Roy y Bárbara Rey y a partir de ahí su última etapa en el cine con una fructífera colaboración con Mariano Ozores, con el que ya trabajó con anterioridad, rodando cinco películas seguidas de 1980 a 1985, año en el que hace su último papel en el cine. En todas ellas cuenta con Fernando Esteso y Andrés Pajares, ya sea juntos (Yo hice a Roque III y los Liantes) o por separado (Queremos un hijo tuyo, ¡Que gozada de divorcio! -con Pilar Alcón y Azucena Hernández- y 4 Mujeres y un lío). Luego vendría un nuevo campo en su carrera como fue la televisión, donde hizo varias series como Veraneantes, La comedia musical española y Clase media, con la que se despide de la interpretación: “Tuve una época muy buena como modelo y me fui a trabajar a Milán y Japón, y la verdad es que, honradamente, estuve haciendo caja».
El fotógrafo Castelví es maravilloso. Hice una sesión con él cuando estaba haciendo una obra de teatro con Carlos Larrañaga en la que era primera actriz y me hizo cortarme el flequillo. Fue mi primera obra de teatro de primera actriz. Yo fui a la escuela de arte dramático tres años porque no se pueden hacer las cosas sin conocimiento de causa. Ibáñez Menta me dirigió en una obra.
Yo, como todo el mundo, en el cine quería hacer papeles interesantes, pero si no los había que voy a hacer. No voy a regañar al director y decir ¿Porqué no le das a la masa gris y me das un papel que a mí me guste? Es absurdo.
Para mí el cine ‘S’, bajo mi punto de vista era como bajar peldaños. Por eso te digo que para ir a peor… una retirada a tiempo es una victoria. Si puedes sobrevivir con otras cosas y tener un dinerito para vivir dignamente, es preferible dejarlo en el mejor momento”.
Por nuestra parte tan solo nos queda agradecer la ayuda de Diego López (El Buque Maldito) y al director Eduardo Gión para poder realizar esta entrevista. Y naturalmente a Loreta Tovar, por su simpatía y amabilidad. Todo un torbellino de mujer.
Paul Naschy y el giallo
Eva León en un mal momento de Los ojos azules de la muñeca rota
La fórmula del giallo, que desde Italia se exportó a todo el mundo, no ofreció muy buenos resultados al ser adoptada en otros países. Si ya en Italia resultaba difícil emular a los santos patrones de este subgénero, con Bava y Argento en cabeza, imagínense en el resto del mundo. Pero naturalmente intentos hubo y España, en un momento en el que vivía una auténtica explosión de cine de género, no fue la excepción. De tal modo que ni Bardem se resistió a rodar el suyo.
Pero claro, si hablamos de cine de género en España, y en especial de cine de terror, es inevitable no hablar de su máximo exponente, Paul Naschy, al que tampoco el thriller policíaco le resultaba extraño. Ya antes de estrenar su primera película importante, La marca del hombre lobo (1968), rodó con el 
mismo director, Enrique López Eguiluz, Agonizando en el crimen, en la que Naschy interpreta a un inspector de la Sureté que persigue a un psicópata. En 1970 hace de gangster sádico en El vértigo del crimen (Pascual Cervera). También interpreta Jack, el destripador de Londres (1971), de la que también escribe el guión junto a su director, José Luis Madrid, así como Los crímenes de Petiot (1972), otra colaboración conjunta de ambos y todo un antecedente (con temática nazi) de Una libélula para cada muerto. También lo tenemos encarnando a todo un mafioso en Disco Rojo (1972, Rafael Romero Marchent) y dos años después formando parte del abundante reparto de El asesino está entre los trece, una película de Javier Aguirre en clave de whodunit con gotas de giallo en la que Naschy hará de mayordomo, aunque no teman, él no resultará ser el asesino. Colabora en otros títulos en los que los criminales son los protagonistas como, entre otros, Muerte de un quinqui (1975, León Klimovsky) también con guión de Naschy y El huerto del francés (1977) que además dirigió y que tratamos en profundidad con anterioridad.
Pero cuando Paul Naschy se acercó más a la estética del giallo fue durante su estancia en Profilmes, productora para la que escribió e interpretó en 1973 Una libélula para cada muerto y Los ojos azules de la muñeca rota, películas que ya desde el propio título declaran su filiación al subgénero que estamos tratando. El primero de ellos resultó ser, además, todo un antecedente de El silencio de los corderos, con el asesino dejando una libélula sobre el cadáver de sus víctimas.
Paul Naschy en el baño fumando y enjabonado por Erika Blanc (Archivo Serendipia)
Una libélula para cada muerto (1973) está dirigida competentemente por León Klimovsky, director habitual en la filmografía de Naschy, con el que había iniciado su fructífera relación dos años antes con La noche de Walpurgis, todo un éxito que se prolongó durante varios títulos más, entre los que destaca El Dr. Jekyll y el hombre lobo (1973). La película de estamos tratando, rodada en Madrid y Milán, cuenta con un argumento de Jacinto Molina y diálogos de Ricardo Muñoz Suay (uno de los responsables de la productora Profilmes), y se nos relata la investigación que lleva a cargo el brutal inspector Paolo Scaporella para cazar a un asesino en serie cuya marca es, tal y como hemos indicado, dejar una libélula en cada víctima, las cuales tienen en común que “estaban relacionadas con la mala vida: prostitutas, drogadictos, viciosos…” características que hacen que incluso el propio inspector simpatice con el asesino, hasta el punto de que llegue a exclamar que “nos está limpiando la ciudad”. Toda una trama bien 
salpicada de necrofilia, drogas, corrupción, prostitución y travestismo, en la que al final el asesino resultará ser… mejor denle una oportunidad y echen un vistazo a este agradable pero a la vez fallido thriller que, por otra parte, no resulta ser demasiado fiel a las convenciones del giallo, ya que si las muertes “bellas” o ingeniosas son una de sus características, aquí se nos llegan a escamotear varios asesinatos, mientras que otros resultan bastante anodinos.
En cuanto a los personajes, el inspector Scaporella interpretado por Naschy es un arquetipo con bigote y eterno puro que cocina spaghetti y tiene unos métodos nada ortodoxos con los detenidos. La esposa (Erika Blanc) hace poco más que de objeto (muy) decorativo, y sus válidas opiniones sobre la investigación son tomadas sarcásticamente como un pasatiempo por su machista marido. Quizás se desaprovecha un tanto la siempre agradable presencia de María Kosty y sorprende ver a Antonio Mayans interpretando un pequeño papel como ayudante del inspector.
La banda sonora de archivo chirría a veces, sobre todo durante las conversaciones. También es obvio, por algunas fotos a las que hemos tenido acceso, que se hizo doble versión con desnudos para el extranjero. Aquí, como era habitual, nos escamotearon las rotundas formas de Erika Blanc y las del resto de actrices. Para Naschy fue una experiencia positiva: “Realmente es un homenaje a Dario Argento. Había visto El pájaro de plumas de cristal en el cine Paz y estaba realmente impresionado con lo que hacía este hombre”[1]. “Creo que a León Klimovsky le salió un policíaco bastante aceptable. Yo disfruté interpretando a un exuberante inspector de policía italiano”[2].
Uno de los asesinatos más ‘artísticos’ de Los ojos azules de la muñeca rota
El segundo acercamiento del actor al giallo, Los ojos azules de la muñeca rota (1973) se nos antoja quizás mejor película. Rodada con buen pulso por Carlos Aured, es más cercana estilísticamente al subgénero italiano. Escrita por Naschy y con guión de Paul y el director, la película ya destaca por una más que correcta banda sonora compuesta, ahora sí, especialmente para el film por Juan Carlos Calderón.
La historia que narra es bien sencilla y se desarrolla en Francia. Gilles (Paul Naschy) entra a trabajar en la casa de tres hermanas algo desequilibradas: Claude (Diana Lorys) tiene una prótesis que le cubre su deforme mano, producto de una accidente automovilístico; Ivette (Maria Perschy) está confinada en una silla de ruedas por el mismo suceso y Nicole (Eva León), que está visiblemente muy sana, no puede evitar seducir a todo hombre que ve, no dudando en hacerlo con Gilles e incluso con el anciano doctor que cuida de su hermana Ivette, interpretado por Eduardo Calvo, actor también presente en Una libélula para cada muerto.
Cuando el doctor recomiende a las hermanas disponer de una enfermera las 24 horas del día para cuidar a Ivette, tendremos todas las fichas en la casa de las hermanas, reducido y claustrofóbico escenario donde se desarrollará la historia y donde pueden reconocerse algunos interiores y exteriores rodados en Talamanca del Jarama, escenario habitual en el cine de terror de la época.
Aured se toma con mucha calma presentarnos a los personajes, sus traumas y las relaciones entre sí. Nicole no tarda en meterse en la cama de Gilles. Y también Claude, que arrastra un terrible complejo por tener esa mano tullida, lo que añade ciertas gotas de fetichismo a la trama, sobre todo cuando el personaje de Naschy besa la prótesis. Las escenas de cama pueden disfrutarse en toda su plenitud, sobre todo cuando hablamos de Eva León, en la edición americana del DVD, ya que aquí, al igual que en toda la producción de género de la época, se nos evitaron para preservar nuestra moral intacta, mientras que se rodaba una versión menos pacata para vender en el extranjero.
Magnífico cartel americano de Basil Gogos (archivo autor)
Curiosa y totalmente imaginativa carátula americana de Los ojos azules de la muñeca rota (Allí House of Psychotic Women)
Como hemos comentado, Aured se lo toma con calma y no es hasta el minuto 43 que se produce el primer asesinato: la enfermera es degollada y sus ojos extraídos. A partir de ahí comienza el juego de las sospechas sobre todos los personajes, los de la casa y también los habitantes del pueblo, como René (Luis Ciges), que mira aviesamente a las turistas (entre ellas una Sandra Mozarowsky no acreditada en el reparto). El primer asesinato es seguido por varios más bellamente rodados, especialmente el que se produce con un pequeño rastrillo y el de Nicole, gráficamente degollada, teniendo todas las víctimas en común su rubia cabellera y la extracción de los globos oculares. Gilles y Claude escapan, pero Gilles es cosido a tiros en su huida por la policía, que sospechaba que él era el culpable de los crímenes.
Ya al final se descubrirá al asesino, que a lo mejor no es el que hubiéramos esperado… o sí.
Quizás uno de los puntos fuertes de esta película resida en el fantástico plantel femenino, con la austriaca María Perschy en cabeza, actriz con la que Paul Naschy había rodado anteriormente El jorobado de la Morgue (Javier Aguirre, 1973) y con la que coincidiría después en varias ocasiones, como en Exorcismo (1975, Juan Bosch), La diosa salvaje (1975, Miguel Iglesias Bonns) y Último deseo (1976, León Klimovsky). También con la exuberante Eva León Naschy rodaría más películas, contando con ella cuando se puso tras las cámaras en Inquisición (1976) y El caminante (1979).
En conclusión, dos acercamientos en la filmografía de Naschy al giallo que, si bien puede que no resulten del todo convincentes para los amantes del subgénero italiano, no dejan de atestiguar que también se adaptó, de mejor o peor manera, en el cine de género español por uno de nuestros actores más internacionales de la época.
Sorprendentes novedades sobre la muerte de Paul Naschy
De un tiempo a esta parte, desde Proyecto Naschy hemos evitado hacer artículos sobre defunciones de actores o directores o, en general, personas apreciadas por los fanáticos del cine de terror y en general del cine. Tuvimos que poner una buena cantidad se obituarios seguidos y, la verdad, decidimos dejar de publicarlos. Siempre estarán vivos para nosotros. Pero al leer esta noticia nos hemos llenado de indignación. Primero por la persona a la que se refiere, pero a continuación porque todos estamos expuestos, bueno, todos no, ya que los que hacen los recortes son, precisamente, los que tienen acceso a la medicina privada. Me ha indignado leer esto y hemos decidido compartir desde este blog esta noticia íntegra tal y como se publica en El Mundo (enlace que incluímos al final para que puedan ver el valiente video en el que la viuda de Jacinto Molina, Elvira Primavera, explica lo sucedido. Desde aquí el apoyo a la familia de Jacinto Molia y a todos los que tenemos familiares con problemas de salud. Que somos o seremos casi todos.
LA MUERTE POR NEGLIGENCIA DE PAUL NASCHY, EL MÍTICO HOMBRE LOBO ESPAÑOL
- Condenado a pagar 43.682 euros un urólogo por no hacerle la biopsia que le hubiera detectado el cáncer de próstata que a la postre le mató
Quico Alsedo | Daniel Izeddin (vídeo) | Madrid
Ni el Conde Drácula, ni La Momia, ni el Jorobado de Notre Dame… Ni siquiera el mismísimo Quentin Tarantino –uno de sus fans más ilustres– pudo, en vida, con Jacinto Molina, de nombre artístico Paul Naschy, un tipo fuerte, mental y físicamente: además de pionero del cine español, fue campeón de España de halterofilia allá por 1958.
Hasta que el mítico Hombre-Lobo español, una estrella que levantaba pasiones incluso en Hollywood, se puso en manos del urólogo M.H.K. Naschy comenzó a visitarle en 2003, y en 2006 empezó a tener niveles analíticos inusuales en su próstata.
El médico, no obstante, se negó a hacerle la prueba más recurrente, una simple biopsia: «La próstata es grande, eso es todo», repitió como un mantra, dice la familia. Tan grande que en 2009 tuvo que quitársela. Por pura inercia, mandó los restos a analizar. Naschy estaba ya invadido de metástasis. Duró apenas unos meses más. Murió, a los 75 años de edad, entre dolores «insoportables», explica, serena, su viuda, Elvira.
Un juzgado madrileño acaba de condenar al urólogo, que trabajaba entonces en la Clínica La Milagrosa, a pagar 43.682 euros a la familia del actor por no haberle realizado «pruebas imprescindibles» para su diagnóstico. No se puede asegurar que la biopsia de marras le hubiera salvado, pero las posibilidades de un tratamiento exitoso habrían sido altas en todo caso. El médico, cuenta la viuda, se negó en redondo a hacerla, «y eso que le dijimos que no escatimara en nada». La sentencia es firme.
Ni siquiera la intervención de un singular fan, oncólogo español en el prestigioso hospital Monte Sinaí de Nueva York, sirvió de mucho: «Quería comprar una escultura del hombre lobo firmada por Paul, y cuando le contaron que estaba enfermo ofreció todo: asesoramiento a los médicos españoles, terapias… Pero nada resultó».
A Elvira le quedó, después de la muerte «sufriendo mucho» de Jacinto, un magro consuelo: «Cuando falleció, el oncólogo me estuvo llamando durante un tiempo, pero yo no tenía fuerza para contestarle. Al final, pude hacerlo, y me dijo: ‘Elvira, después de lo de tu marido, le hago biopsias a todo el mundo’. Le dije: ‘Mira, pues me das una alegría, al menos lo que sufrió él ha servido para algo’».
«Me he decidido a denunciar esta situación», zanja la mujer, «porque mis hijos y yo hemos pasado unos años muy malos, muy malos, sufriendo mucho… Veíamos a ese hombrón tan fuerte, que no se le ponía nada por delante, que nunca se apagaba, totalmente destruido, hundido…Por una prueba completamente rutinaria», cuenta con una paradójica tranquilidad.
http://www.elmundo.es/elmundo/2013/10/02/madrid/1380744855.html
Week of Naschy: retazos de una exposición y una exclusiva del festival Nocturna
Tal y como ya informamos en su momento, se ha celebrado en el Artistic Metropol de Madrid la Week of Naschy, durante la que se han proyectado un buen puñado de los títulos más representativos del actor, director y guionista, así como documentales y mesas redondas que han contado con la presencia del hijo del actor, Sergio Molina. Precisamente Sergio ha prestado algunos de los objetos de su padre para una exposición repleta de fetiches pertenecientes a la carrera de Naschy. Aunque lamentablemente no hemos podido acudir por las razones que se pueden todos ustedes suponer, Rubén Risco Fidalgo nos ha cedido unas fantásticas imágenes con las que hacernos una idea de la exposición que pasamos a comentar.
Uno de los santos griales del cine de Paul Naschy y por extensión del Fantaterror español, el guión de rodaje de La marca del hombre lobo decorado por un dibujo del propio Paul. Está acompañado de dos de los más curiosos e interesantes libros que se han publicado sobre nuestro protagonista. Por un lado el imprescindible Muchas gracias señor lobo, un tomo de lujo centrado en el cartelismo de los films de Naschy. Editado en gran formato por Thorsten Benzel, con tapa dura y a todo color es una pieza que no debe faltar en la biblioteca de cualquier fan o amante del cine. Este libro actualiza otro más humilde (al lado de este) publicado en 2006 en blanco y negro. El japonés que tenemos al lado del guión, Paul Naschy European Horror King Rises from Spain, está escrito por el hermano de Carlos Aguilar y es una curiosidad. Caro, pero sin duda toda una pieza de colección para completistas.
Un detalla del guión original de La marca del hombre lobo (esas esquinas… que se va a estropear…)
Aquí tenemos dos guías o pressbooks americanos de los estrenos de dos de sus films en Estados Unidos. La furia del hombre lobo (que en USA se estrenó como Night of the Howling Beast y también como The Werewolf and the Yeti) y Los ojos azules de la muñeca rota (en USA, House of the Psichotic Women). Es interesante indicar que el arte de esta última está realizado por el magnífico y legendario portadista de Famous Monsters Basil Gogos.
Más interesantes por ser incunables son estos dos diseños dibujados a mano por el propio Paul. Por un lado unos apuntes sobre los personajes y el vestuario de El espanto surge de la tumba: los martillos de Tor (¿o Thor?), el personaje de Alaric de Marnac y el aspecto de «los muertos» a los que Paul ha puesto tintura blanca en los ojos para resaltar el efecto que quería causar. Fechado en 1972. El otro diseño es para El retorno del hombre lobo. Datado en 1979 tenemos la «Máscara de la ignominia» y el diseño del maquillaje del licántropo. En este caso con una pieza-casquete en la cabeza. Reliquias sin lugar a dudas que habrán dejado el cristal del cuadro totalmente empañado por la respiración de los fans…
Todo «santo grial» es la espada de plata que los japoneses contruyeron para el film La bestia y la espada mágica, una pieza que se realizó en plata y que se regaló a Naschy al finalizar del rodaje. En la misma imagen está la guía del film y dos lujosas revistas realizadas tras el fallecimiento de Paul Naschy: la estadounidense Rue Morgue y la alemana Pranke de la que ya les hablamos aquí en su momento. Al lado puede admirarse (y verse en más detalle en la imagen siguiente) un dibujo original de Pierrot dedicado a Waldemar Daninsky, así como varias ediciones americanas y españolas en DVD de sus películas.
Un vistazo más detallado al dibujo de Pierrot y fotocromos de El espando surge de la tumba y El retorno de Walpurgis, así como una fotografía del rodaje de Los Cántabros y otra de El retorno del hombre lobo.
Más fotocromos. En esta ocasión de El carnaval de las bestias, así como mexicanos de El huerto del francés, que allí se tituló La casa que abre de noche. También, y en vista de las similitudes con otro dedicado a Mr. Hyde, este dibujo firmado por «Jacinto» y dedicado a Quasimodo puede formar parte de el lote de pinturas y dibujos realizado por Paul Naschy que descubrió recientemente Sergio Molina. Ver otras obras de la misma época en este artículo.
Esta es una guía para exportación de El gran amor del Conde Drácula. Como otras que tengo la suerte de tener son todo un lujo editado a gran formato, en papel brillante y con varias páginas. Debajo pueden verse otros libros relacionados con Paul Naschy, desde el primer trabajo que lo trató en profundidad, Cine de terror y Paul Naschy (Juan José Porto y Ángel Falquina, 1974) a su primera autobiografía, Memorias de un hombre lobo (Paul Naschy, 1997 Alberto Santos) y terminando con el último libro (y por lo completo, posiblemente el definitivo) dedicado a la vida y obra del actor, Paul Naschy la máscara de Jacinto Molina (Ángel Agudo con filmografía comentada por Ángel Gómez, 2009 Scifiworld). Otras de las piezas expuestas fueron, en palabras de Sergio Molina » el guión de rodaje de El huerto del francés, y la sinopsis manuscrita de La noche de Walpurgis«… Reliquia esta donde las haya…
También nos informa Sergio que las copias proyectadas fueron los DVD’s de BCI. Auténticas joyas que se supone que todos ustedes tienen a buen recaudo en sus hogares. O si no ya tardan ya que son copias altamente recomendables.
Por otra parte y en total primica nos informa Sergio de lo siguiente respecto al Festival Nocturna, de cuya organización forma parte: «Proyectaremos más de 40 películas, con algunas que son bastante esperadas y con gente que viene de muchos países. La verdad es que para ser la primera edición estamos muy contentos, esperamos que todo vaya bien. Como primicia os puedo decir que pondremos una película del cine de terror español, y este año, como no podía ser de otra forma pasaremos El huerto del francés en 35mm, una copia que está casi perfecta».
Muchas gracias a la contribución de Sergio Molina y sobre todo a Rubén Risco Fidalgo, que nos ha cedido esas bellas fotos.
Week of Naschy en el Artistic Metropol de Madrid
Artistic Metropol en colaboración con Scifiworld, Naschy Armada, Victory Films y Vinuum Sabati presentan WEEK OF NASCHY, un homenaje por todo lo alto a nuestro hombre lobo español por excelencia, así como un reconocimiento a toda la carrera de nuestro querido Jacinto Molina, Paul Naschy.
El WEEK OF NASCHY contará con una serie de proyecciones selectas de lo mejor de la filmografía de Paul, así como una serie de actividades complementarias paralelas, todo ello contando con la inestimable ayuda y presencia de Sergio Molina, el hijo de Paul, que nos traerá lo mejor del legado de Paul Naschy para una exposición especial que estará en el Metropol durante toda la semana que dure el evento.
Asimismo tendremos charlas, coloquios, presentaciones especiales, documentales y muchas cosas más. Las películas que se proyectarán en el “WEEK OF NASCHY” son:
Viernes 12 a las 22.15 h: El retorno del hombre lobo (1980, Jacinto Molina). Con Paul Naschy, Julia Saly, Azucena Hernández y Pilar Alcón.
Sábado 13 a las 20.15 h: El jorobado de la morgue (1973, Javier Aguierre). Con Paul Naschy y Rossana Yanni.
Sábado 13 a las 22.15 h: El espanto surge de la tumba (1973, Carlos Aured). Con Paul Naschy, Elga Liné y Emma Cohen.
Domingo 14 a las 12.00 h:Documental El hombre que vio llorar a Frankenstein (2010, Angel Agudo). Con charla posterior a la proyección.
Domingo 14 a las 16.15 h: Latidos de pánico (1983, Jacinto Molina). Con Paul Naschy, Julia Saly y Manuel Zarzo.
Lunes 15 a las 17.00 h: El último kamikaze (1984, Jacinto Molina). Con Paul Naschy, Manuel Tejada y José Bódalo.
Martes 16 a las 19.00 h: El carnaval de las bestias (1980, Jacinto Molina). Con Paul Naschy y Eiko Nagashima.
Miércoles 17 a las 19.00 h: Película de animación stop-motion O apostolo (2012, Fernardo Cortizo).
Miércoles 17 a las 21.00 h: La maldición de la bestia (1975, Miguel Iglesias). Con Paul Naschy y Silvia Solar.
ABONO COMPLETO “WEEK OF NASCHY” (todas las películas): 12 € Precio por película: 3 € Programa doble (Sábado 13): 5 € Programa doble (Miércoles 17): 5 € reserva anticipada: cinema@artisticfilms.es
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