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Por fín en la calle 2000 Maníacos Nº 41
Por fín se publica otro número de este veterano y, por suerte, incansable fanzine que es toda una institución. Se presentará el domingo 31 en La Semana de Terror de Donosti y en una semana estará en todas las tiendas de comics. Para pedidos por correo: pipoelpayasoborracho@yahoo.es
La portada es brutal y no tengo duda de que también lo será el contenido. Imprescindible!!!!
Buen cine de género desde el otro lado del Atlántico: 11 edición del BARS
En el pasado Festival de Sitges podíamos ver un interesante documental rodado con ocasión de la décima edición del Buenos Aires Rojo Sangre, celebraba esos diez años a todo género que han podido disfrutar nuestros amigos argentinos. Ahora, casi coincidiendo con el Día de Difuntos nos llega de nuevo esta gran fiesta de cine de terror y bizarro que es el BARS.
Como siempre el núcleo del festival estará en la Sección Internacional Competitiva, la cual incluirá tres producciones nacionales: Incidente (Mariano Cattaneo) una asfixiante película filmada en un único plano-secuencia, siguiendo los pasos de Gustavo Hernández en La Casa Muda; Nunca mas asistas a este tipo de fiestas, la ultima obra de Farsa Producciones, secuela de una anterior presentada en el primer BARS; MyM Matilde y Malena(Victor Curay Fernandez), una extraña y misteriosa cinta filmada en Córdoba Capital. La sección se completa con producciones muy variadas, como Death Kappa, el desopilante retorno al kaiju-eiga con un terrible monstruo que invade tierras niponas; del mismo origen es Yakuza-Busting Girls: Final Death-Ride Battle, un sushi western protagonizado por la delicada pornostar Asami y con FX del maestro Yoshishiro Nishimura (premiado en el BARS 2008 por Tokyo Gore Police, que pudo verse en este Sitges presentada por su director con una divertida perfomance).
Desde Europa llegarán Nelle fauci di Ubaldo Terzani, una sangrienta producción que emula el splatter tano de los ´80; las polémicas pueden llegar de Serbia con la explícita The Life and Death of a Porno Gang (¿pasará en Argentina igual que en España a raíz de un film serbio?) o de estados unidos con el desquicio de violencia gratuita de PIG. Por el lado hispanoamericano compiten la diminuta y eficiente película española Mi y Molina’s Ferozz, la revisión de caperucita roja en manos del cineasta de culto cubano Jorge Molina.
La Sección Iberoamericana refleja la producción ultra independiente de género en toda iberoamérica. Allí se verá Empusa, un film maldito que se convirtió en el legado de los míticos pilares del fantaterror español Carlos Aured y Paul Naschy (del que hemos hablado largo y tendido en este blog); Barricada la primer película portoriqueña de zombies; Beyond the Grave un apocalipsis místico llegado de Porto Alegre, Brasil; En esta sección habrá también películas nacionales: como Ramanegra (Camila Toker), Trash(Alejo Rébora), Marihuana Radioactiva Interplanetaria (Marcelo Leguiza) y Muelle Islandia(Fernando Basile).
La Sección Panorama incluye, entre otras, varias novedades como La epidemia (The Crazies) sobre una temible infección bacteriológica. El Bosque, una opresiva producción nacional que ya tiene lista su copia en 35mm; Donde duerme el horror donde los viejos amigos del BARS, Adrián y Ramiro García Bogliano, tuvieron el curioso honor de rodar la primera película de horror costarricense. De este film podemos mostrar un curioso vídeo sobre la importancia de la dirección a la hora de rodar desnudos (suertudos los hermanos García Bogliano):
El ya tradicional espacio Lovecraftiana propone un acercamiento a las adaptaciones cinematográficas de las obras del mítico autor estadounidense H.P. Lovecraft. Se verán la reconocida película española La Herencia de Valdemar (Jose Luis Alemán) y la divertida comedia norteamericana The Last Lovecraft: Relic of Cthulhu (Henry Saine).
Como siempre los cortometrajes tendrán un espacio destacado, proyectándose más de un centenar en diferentes secciones. Además de producciones nacionales, se verán cortos de Chile, Uruguay, Brasil, España, Francia, Alemania, Portugal, México, Venezuela, USA y Canadá.
Clásicos y Homenajes: se recordará a Maria Aurelia Bisutti con la proyección de la mítica El Inquisidor en su momento prohibida por el censor Miguel Paulino Tato. Se verá La Sonámbula, de Fernando Spiner, cinta que en los 90 imaginó como sería el famoso bicentenario de 2010. Se hará una función homenaje a Farsa Producciones, que esta cumpliendo sus primeros veinte años de vida.
Otras actividades
También habrá actividades con entrada libre y gratuita como la ZombieWalk (caminata de zombies para el 31 de octubre), la presentación del libro “Guerreros del cine: argentino, fantástico e independiente”, de Matías Raña (Fan Ediciones) y las charlas «Mi primera película», con los realizadores Fernando Spiner, Laura Casabé y Ayar. B; y Efectos Especiales en Argentina, por Ger Bernstein de la academia Metamorfosis FX.
El festival entregará diferentes premios tanto por voto del público, como por un jurado de especialistas presidido por Horacio Maldonado, que incluye realizadores, críticos y escritores (Javier Diment, Diego Trerotola y Luciano Saracino, entre otros).
El BARS es organizado por QuintaDimension.com y 1971cine con la colaboración de Videoflims. Es apoyado por el Instituto Nacional de Cinematografía y Artes Audiovisuales (INCAA) y fue declarado de interés por la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
Serendipia se queda aquí envidiando a sus amigos argentinos, pero prometiéndos a su realidad dual que llegará un octubre en que visitará Buenos Aires para disfrutar de este interesante festival.
Sitges 2010: los otros fantásticos, Una Vela para el Diablo&Manicomio
La finalidad de un festival es, fundamentalmente, dar a conocer los últimos trabajos que nos ha ofrecido el cine. Pero no es menos importante el papel de las retrospectivas. En Sitges la retrospectiva nos da la posibilidad de disfrutar de clásicos del género, pero también nos ofrece otras cintas que amplían los límites de lo fantástico en la línea que expresa Ángel Sala en su libro () presentado en el transcurso del Festival. En la sección Los otros fantásticos se presentaron Cría Cuervos (1975, Carlos Saura), El Bosque del Lobo (1970, Pedro Ólea), La Cabina (1972, Antonio Mercero), Una Vela para el Diablo (1973, Eugenio Martín) y Manicomio (1954, Fernando Fernán Gómez/ Lues Mª Delagado). De las dos últimas es de las que os queremos hablar porque formaron parte de nuestra selección personal (uno querría verlas todas, pero ¡¡¡ hay tantas !!! y los días siguen empeñados en tener 24 horas).
Una Vela para el Diablo se presentó en programa doble con el excelente
documental Los Perversos Rostros de Víctor Israël coinciendo con la entrega del Premio Nosferatu a Eugenio Martín, su director. Rodada en Grazalema, pueblo prototípico de lo que fue la España rural de los 60s, nos cuenta la historia de dos hermanas solteronas y puritanas que dirigen una posada donde se hospedan jóvenes turistas. Obsesionadas por defender a toda costa la decencia y guiadas por un turbio fanatismo deciden eliminar lo que consideran “indecente”. La mayor de las dos hermanas, la más demente y desequilibrada, asesina a una chica inglesa que toma el sol en top less. Su muerte se convierte para ella en una señal divina. La película es una auténtico testimonio de la España más recalcitrante y más fanática, practicante de la doble moral. «Santiago y cierra España» podría ser el grito de guerra de esas dos hermanas magistralmente interpretadas por Aurora Bautista (su personaje nos recuerda mucho a aquel que interpretaba en La Tía Tula de Picazo) y Esperanza Roy. Si tomamos a ambos personajes como símbolos, podemos decir que Aurora Bautista representa el brazo ejecutivo de esa España pacata con sus modos inquisitoriales (de hecho Eugenio Martín se inspiró en una de esas prácticas que el vio en vivo y en directo), ella es la que cree ver una señal divina de su misión en la tierra tras el primer asesinato por accidente. En cambio, la hermana menor que nos construye Esperanza Roy simbolizaría a aquellos que, sin comulgar con la misma visión, eran cómplices por su silencio, temerosos de las represalias, incapaces de denunciar los excesos. 
Martín nos muestra los peligros de ese catolicismo mal entendido que seguía siendo todavía la bandera de España en el tardofranquismo, se comprende pues que tuviera problemas con la censura. Los cortes afectaron al resultado final, cambiaban el orden narrativo, cosa que impidió la carrera internacional del film: varias distribuidoras habían adquirido los derechos de reproducción y al ver el montaje final rescindieron los contratos. Afortunadamente disponemos de una copia restaurada, de excelente calidad que fue la que se exhibió en Sitges, nos lo cuentan en La Abadía de Berciano:
hace escasas fechas se ha podido recuperar un montaje más aproximado al originalmente concebido por Eugenio Martín. Dicho montaje ha sido posible gracias a la colaboración de la Filmoteca Española, en cuyo archivo se halló el negativo amputado en su día por la Censura, y el festival granadino de cine clásico Retroback, que en su primera edición, y con ocasión de la retrospectiva dedicada a la carrera del director ceutí, se hizo cargo de los gastos de la nueva copia en celuloide, cuyo estreno se produjo el domingo 25 de enero de 2009 durante el desarrollo de dicho festival, en una proyección que contó con una presentación a cargo del propio Martín.
El propio Eugenio Martín presentó su película, afirmaba que se sentía orgulloso de ella a pesar de que ahora la veía un poco tosca. A Serendipia no le pareció tosca en absoluto. Al contrario, su factura nos parece impecable, como nos lo resulta igualmente su saber combinar la crónica negra y el fantástico. Este último asoma tanto en la crudeza de los asesinatos, como en la atmósfera de fantastique que envuelve el desenlace de la cinta, e igualmente por el regusto a medias gore, a medias esperpéntico, del modo de librarse de los cadáveres. Es en suma una película más que interesante, cuyo estilo narrativo no ha envejecido en absoluto y que inaugura una línea dentro del fantástico no suficientemente transitada en este país.
Foto de rodaje subida a la red por David García (Monsterworld)
El esperpento podía haber sido una vía natural para el desarrollo de un fantaterror de cuño propiamente español. Esa deformación grotesca de la realidad, elevada a arte por la pluma
de Valle-Inclán, introduce el absurdo y este es, como mínimo, primo hermano de lo fantástico. El esperpento se mueve a medio camino entre lo cómico y el disparate, esto es, logra la comicidad mediante el decir fuera de la razón y el recurso a una estética sistemáticamente deformada. Lo esperpéntico es a la realidad como a cada uno es su imagen reflejada en un espejo cóncavo, es esa distorsión de lo real lo que lo hermana al fantástico. Un claro ejemplo de qué nos habría traído la utilización de esa vía nos lo ofrece Manicomio la primera película dirigida por Fernando Fernán Gómez en colaboración con Luis María Delgado.
Manicomio es una de las películas más buscadas por los aficionados, no existió copia en VHS ni menos la hay en DVD, de modo que quien esto escribe se siente afortunado de haberla podido ver en la pantalla del añejo Cine Prado. Había ganas de dar con ella desde que abrimos este blog, de modo que estar en esa sala fue ver cumplido un sueño. Y valió la pena madrugar (bueno sí, la sesión era a las 10,30 pero la noche había sido muuuuuuuy larga). A través de unos decorados que parecían salidos de la mano de Dalí, y que habían sido diseñados para la película Aeropuerto que iba a ser dirigida por Delgado y nunca se terminó, entramos en un mundo donde se engarzan varios relatos que abordan el tema de la demencia: La mona de imitación de Ramón Gómez de la Serna; Una equivocación de Alexandr Ivanovich Kuprin; La idea (referido en otros sitios como El médico loco) de Leonid Andreyev; y El sistema del doctor Brea y el profesor pluma de Edgar Allan Poe (el único que hemos encontrado on line). El cuento de Poe, modificado e introduciendo personajes, es el que sirve de base al argumento: Carlos (Fernando Fernán Gómez) va a visitar a su novia Juana al sanatorio en el que trabaja y que se caracteriza por haber implantado el sistema de benignidad, caracterizado por la inhibición de cualquier método represor con los enfermos quienes gozan de la libertad de pasear a sus anchas por el sanatorio y sus jardines. Mientras espera a su novia, Carlos conoce a sus excéntricos, cada uno de los cuales le explicará una anécdota que le haga reflexionar sobre la locura. Cuando por fin vea a su novia, Carlos comprenderá que lo que ha visto es un mundo al revés.
Manicomio es una rara avis, alejada del cine comercial de la España de los 50, supone un intento de hacer cine vanguardista, de alumbrar un neorrealismo mezclado con el tono del teatro de Jarciel Poncela. Clasificada habitualmente como comedia, su humor no está construido mediante gags sino que entronca con la tradición del sainete para llevar a la pantalla el espíritu de Gómez de la Serna
(y si no es que él mismo hizo un cameo, hay un figurante que lo recuerda poderosamente), cuya lectura recomendaba siempre Fernando Fernán Gómez. Así, aunque el hilo que sostiene la trama esté tomado del relato de Poe, es el de Gómez de la Serna el que le da tono a la película, el que proyecta el espíritu de incongruencia que impregna todo el film. Aunque visto a día de hoy el film tenga un regusto añejo (esas interpretaciones más próximas a la impostación teatral que al realismo cinematográfico), posee elementos de rabiosa modernidad como lo es la interpelación directa al espectador en la presentación del personaje de Carlos. Esa presentación nos lo muestra como una persona agitada y excéntrica sobre quien se nos instala la duda sobre si está cuerdo o loco. Toda la película gira en torno a los límites que separan la locura de la cordura, hay incluso un elogio a esta última desde la cabecera del film, esa cita de Shakaspeare que reclama una brizna de locura que nos haga escapar de la necedad. Y preguntarse por los límites de la locura lleva a la película a contrastar otras parejas contrapuestas: realidad/ficción, vigilia/sueño, realismo/fantasía. Esos decorados surrealistas, de los que penden infinidad de cuadros abstractos mal colgados, dan a Manicomio una apariencia onírica que nos desplaza hacia la fantasía; como Alicia, traspasamos el espejo y nos sumergimos en un espacio donde la lógica se suspende, ahí es donde la película nos recuerda el universo de José Luis Cuerda en Amanece que no es poco (1988) que igual que esta merece entrar en la categoría de los otros fantásticos. Del mismo modo que el film de Cuerda disgustó a la crítica, lo hizo Manicomio, el propio Fernán Gómez lo explicaba:
estaba claro que una de las razones, no la única, de su fracaso era lo que a nosotros -a mí, al colaborador en el guión y al codirector LuisMaría Delgado- más nos gustaba: su raíz literaria, su exceso de literatura.El público estaba de espaldas a un cine intelectualizado y tampoco lacrítica se mostraba habitualmente a favor de un estilo que conceptuabapoco cinematográfico, defecto que solía atribuir al cine francés.
Según los censores la película nos estaría diciendo que habría más cordura en un manicomio regido por locos que en la España dirigida por Franco.
El Sitges 2010 más brutal: A Serbian Film versus Secuestrados
Los paladares más ávidos de sangre esperaban con impaciencia hincarle el diente a A Serbian Film (Sprski Film, 2010, Srdjan Spasojevic) película que contaba con el estímulo añadido de que Ángel Sala, director del Festival de Sitges, había confesado públicamente que no sería capaz de verla por segunda vez. Ahora A Serbian Film se ve envuelta por el escándalo tras el demoledor artículo que le dedicó El Mundo y el debate que, basado en ese artículo, se produjo en el programa Las mañanas de Cuatro (cuidado con el vínculo que contiene spoilers), pronto se olvidan las diferencias ideológicas cuando se trata de jugar a defensor de los buenos modos. Se trata de cumplir con la hipocresía, porque tiene miga que en una emisora que nos ofrece realitys como Callejeros tilden de delictiva una película de FICCIÓN. ¡¡¡Película que ni siquiera han visto!!! Viva la desfachatez informativa de algunos «profesionales» de la prensa.
Nadie se escandalizó durante los diez años que duró la guerra en Serbia ni se escatimaron imágenes de aquellos crímenes contra la humanidad por los que se juzgaría a Slobodan Milosevic. Imágenes que no son representación como sí lo es la pipa de Magritte. Kevin Carter se suicidó porque no pudo soportar su conciencia, pero ganó el Pulitzer por su fotografía más célebre:
Y así debe ser, porque el mal no está en el arte del fotógrafo sino en la realidad que da a conocer.
En verdad esos mojigatos de salón no sabían que estaban linchando la obra de un moralista. Srdjan Spasojevic quería explicar al mundo lo que ha sido la historia reciente de Serbia y esa mezcla ambivalente de sentimiento de víctima más complejo de verdugo. Pero no se queda ahí, en su propia coyuntura, sino que eleva su reflexión al universal, a la estructura innata que conduce a los humanos a practicar la destrucción y el mal. Y para hacerlo acude al campo del arte donde Tanathos es la inevitable pareja de baile de Eros. Spasojevic elige la esfera más baja de lo artístico para ilustrar su discurso, el mundo de la pornografía, quizás porque de ese modo nos resultan más obvios los límites. En su película nos cuenta la peripecia ficticia de un actor legendario del cine porno casi retirado, Milosh (Srdjan Todorovic), vive apaciblemente junto con su esposa (Jelena Gavrilovic) e hijo. Pero las penurias económicas le llevarán a aceptar la oferta de un enigmático individuo para protagonizar una película de “pornografía artística”. Milosh sospecha que puede haber algo muy turbio en ello, pero cuando intente renunciar será demasiado tarde. Spasojevic no deja lugar a la esperanza ni la muerte nos puede poner a salvo del horror, esa es su sentencia moral y eso lo que denuncia.
Milosh protagoniza un verdadero descenso al infierno, podría decirse que
Spasojevic retoma el tema del pacto mefistofélico. Mefistófeles ha ido haciéndose cada vez más humano según se ha ido retomando el mito de Fausto: en Marlowe (The Tragicall History of Dr. Faustus) Fausto encarna al hombre universal del Renacimiento que vende su alma a cambio de tener la sabiduría absoluta con la que ser emperador del mundo, aquí Mefistófeles es prácticamente el horrísono demonio medieval; la versión más célebre (y la que fue llevada al cine por Murnau) es la de Goethe (Faust: der Tragödie), Fausto aparece como ingeniero y acude al pacto para lograr el saber técnico con el que llevar al mundo a su progreso, ahora Mefistófeles se convierte ya en alter ego, en el reverso irremediable de fausto, monstruo que es despertado por el sueño de la razón; un paso más da Thomas Mann (Doktor Faustus), convierte el drama en novela y Fausto es ahora el artista que busca componer la obra de arte total, Mefistófeles es ya casi él mismo Fausto desdoblado. Spasojevic nos traería un Fausto obrero, un trabajador del porno, y Mefistófeles (aquí Vuknir interpretado por Sergej Trifunovic) ya no es un diablo sino un humano perverso capaz de saltarse todos las contenciones, capaz de sacar el animal que hay en los demás para su propio lucro, tentándoles con contratos millonarios (y no es casual que haya trabajado para los servicios secretos serbios pues ejemplifica la corrupción humana más abstracta, pero también aquella más concreta y dañina que se dio en el país balcánico).
Milosh firmando el contrato con el que perderá el alma
Milosh no busca imperios, no pretende crear la máxima obra de arte aunque Vuknir le hable de ello, no quiere ordenar el mundo, sólo quiere conseguir el dinero suficiente para dar una vida mejor a su familia fuera del país; así de sencillo y humano es todo y por ello mismo resulta más terrorífico. Escandalizarse con A Serbian Film sólo es posible si uno no se ha parado a pensar en esta vida más de dos segundos seguidos, porque la película nos habla del drama humano, del drama del hombre moderno que aunque viva sin dioses debe seguir enfrentándose a la decisión moral de hacer el bien, de poner en jaque sus impulsos más bestiales que aflorarían al mínimo descuido. Y en la sexualidad es donde más puede verse el litigio entre razón e instinto, por eso nos dice Antonio José Navarro en su crítica (página 7):
De ahí que A Serbian Film no sea película sórdida, violenta, nihilista, por el simple afán de escandalizar. A Serbian Film, cinta sadiana que no sádica, tiene la clarividencia de ver la sexualidad humana como una despiadada forma de poder, misterioso, demoníaco, capaz de empujarnos a la realización de deseos prohibidos y peligrosos, íntimamente ligados a la anulación de la personalidad, a la falta de libertad.
Para caer en la maldad basta con dejarla salir, en cambio la bondad requiere esfuerzo. Y Milosh sigue esforzándose aun cuando está bajo los efectos de la droga, pero su lucha es vana, Vuknir ha sacado de él el monstruo que reside en
todo humano y nada puede hacer Milosh contra ello. Spasojevic no deja lugar para la esperanza, decíamos ya, lo corrupto siempre podrá más que lo noble; ese es el pesimista mensaje moral/político que nos remite el serbio.
- ¿Siempre triunfa el mal?
Pero mis otras dos manos están a punto de arañar a estas con las que escribo, mientras mis otros cuatro ojos se clavan en los míos con la mirada más asesina que he visto nunca, cansados ya de tanto onanismo mental. Y no le falta razón, porque si A Serbian Films funciona es porque todo este discurso permanece en el fondo, cuidadosamente envuelto por un guión con la dosis suficiente de intriga como para que el film sea disfrutable para los que buscan en el cine divertirse (aunque sea sufriendo) con una historia bien contada.
La película avanza dosificando la violencia, al principio es secundaria, apenas una anécdota en la vida de Milosh y su familia, un simple degotar. Durante esa mitad casi se diría que estamos viendo un melodrama familiar salpicado de misterio, nos vamos haciendo con los personajes porque Spasojevic nos los muestra en su cotidianidad: esos padres enamorados que cuidan de su hijo, familia feliz ejemplar. Sin embargo, el extraño trabajo que se le pide a Milosh va sembrando el desconcierto y, si hubiera algún espectador que no supiera nada de la película antes de verla, se sobrecogería con los momentos de brutalidad tal como se sobrecoge el propio Milosh. Para cuando queremos darnos cuenta ya es demasiado tarde, Milosh no tiene retroceso ni salida y los espectadores quedamos pegados a nuestras butacas (bueno, cuatro jovencitas abandonaron la sala, una haciendo evidentes esfuerzos por contener el vómito), aplastados por esa violencia desbocada que cada vez es más demoledora desde la explosión de la primera escena extrema que, aunque parezca fuerte, no es más que el primer grado de una atrocidad que casi parece no conocer límite. La estética tenebrista de A Serbian Film nos encoge por dentro, y ese scope, inteligentemente utilizado en unos planos de fondo casi vacío y amplios escenarios, vuelve a las imágenes más amenazadoras aún. Desde el estallido que marca la inflexión, A Serbian Film no nos da más tregua y su director juega con nosotros dilatando el final cuando ya todos deseamos que termine para volver a nuestra civilizada rutina.
- Escalofriante versión de la Piedad
Algunos acusan a Spasojevic de ser poco imaginativo a la hora de contar el descenso al infierno de Milosh, construido mediante flashbacks y elipsis, pero para nosotros es un acierto total porque esos son los mecanismos de la memoria, sobre todo al despertar de un estado de shock . A Serbian Film noqueó nuestra conciencia, pero, a diferencia de Ángel Sala, si queremos volver a verla para empaparnos aún más de su puesta en escena, de sus efectos de sonido, de sus claroscuros y de esa música desasosegante (dusbtep, no tecno) que cuadra perfectamente con esas imágenes desgarradas.
La conmoción de A Serbian Film era esperada, la de Secuestrados (2010, Miguel Ángel Vivas) fue una sorpresa, una grata sorpresa. Serendipia no escuchó mayor ovación al final de una pase, ni batió sus cuatro manos con más fuerza, que la que siguió a los créditos finales de esta segunda película de Miguel Ángel Vivas. Todos los medios se hicieron eco de la buena acogida que tuvo, tanto por el público como por la crítica, esta película que explora los mecanismos y expresiones del miedo en toda su amplitud. Luego ese éxito no quedó recogido en el palmarés, dicen las malas lenguas que fue debido a los premios que obtuvo en Austin, mejor película y mejor dirección, pues parece que a Sitges le gusta que su máximo galardón recaiga sobre una película que no entré en las quinielas para así presentarse en la escena de festivales como uno de los que más visión tiene a la hora de descubrir talentos. Con todo, lo que nadie comprende es que Manuela Vellés no se hiciera con el premio a Mejor Actriz porque sin duda la suya fue la mejor interpretación femenina que pudo verse en el festival.
Secuestrados es otra de esas películas de escenario único y reducido, en este caso el chalet recién habitado por una familia acomodada, familia que será víctima de un secuestro exprés por parte de tres hombres encapuchados. El film no se separa de ellos en ningún momento. No hay tramas externas como sí las había en 37 horas desesperadas (1990) de Michael Cimino, película de la que se afirma deudor Vivas, al contrario somos espectadores de excepción de ese allanamiento, testimonios únicos del horror que viven las víctimas y la violencia salvaje de los secuestradores. En verdad, Secuestrados es mucho más extrema que A Serbian Film, la experiencia del espectador es mucho más sangrante, porque los personajes de la cinta española son nuestros semejantes, cada uno de nosotros sabe que podría pasarle lo mismo a él y todos los mecanismos de transferencia se encienden: sufrimos el mismo miedo y la misma angustia que ellos padecen. Esa empatía se da gracias al enfoque que da Vivas quien busca ponernos cara a cara con el terror en directo porque más que historia hay acción y nosotros podríamos ser sus sujetos. En palabras del director:
El tema de esta película es el terror, el miedo absoluto y la violencia que lo genera. Normalmente en una película contamos una historia; mi idea en ésta es no tanto contar una historia sino mostrar unos acontecimientos. En ese sentido intento desnudar tanto el guión como la propia situación parta entrar en la verdad de esa violencia.
Para sumergirnos en la acción como si formáramos parte de la misma, Vivas 
recurre al verismo que imprime el plano secuencia (tal como hace Gustavo Hernández en La Casa Muda). Doce planos secuencia encadenados son los que se utilizan en Secuetrados, y se divide la pantalla cuando estamos ante dos acciones paralelas que confluyen en un punto. Para aumentar la fisicidad se prescinde de la música y los efectos de sonido, nada subraya el dramatismo, sólo el trabajo interpretativo de los actores que nace del corazón y no de la intelectualización de la escena, por eso Manuela Vellés quiso huir de los estándares, estudió los momentos del pánico y esos son los que nos comunica en su actuación. Vivas ha querido huir del espectáculo, lo que ocurre en el plano es lo que podemos imaginar que ocurriría si la situación fuese real y nos nos captura el morbo de ver como sufren otros sino que lo que nos cautiva es la emoción de imaginarnos a nosotros mismos viviendo ese episodio. 
Pocas son las escenas de exteriores, esos hechos que se dan en pocas horas de una misma noche casi siempre dentro de la casa, eso permite jugar con el claroscuro y hacer que la atmósfera proceda del contraste de los puntos de luz reales que hay en la casa, usando en la fotografía tonos cálidos para los fondos y muy fríos para los personajes.
En Secuestrados Miguel Ángel Vives se muestra como un virtuoso, pero no se limita a un ejercicio de estilo que puedan gozar cahieristas y animales de ese pelaje, porque Vivas demuestra igualmente ser un excelente contador de historias. 
Eso es lo que le diferencia de Gaspar Noé con el que algunos se empeñan en compararle. Irreversible (Irréversible,2002, Gaspar Noé) su ópera prima era igualmente un ejercicio de estilo, pero a nosotros nos transmitió la impresión de que primero había ideado el mecanismo narrativo (planos secuencia montados a la inversa de la secuencia temporal de los hechos) y luego pensó qué contar. A la parte racional de Serendipia no le impresionó siquiera la violación de la Belluchi contada en un plano fijo de una duración que le pareció insoportable, no por la pretendida brutalidad (que ya estamos curtiditos en esto del cine) sino por el tedio que siempre siente cuando un director presume de epatador. 
Opinamos como Paco Limón que el director es quien debe estar al servicio de la historia y no la historia al servicio del lucimiento del director (os hablaremos de este director, más conocido en el extranjero que en España, en breve). Y esa es la diferencia que separa a Vivas del argentino aficando en Francia: tenía un qué contar y luego buscó el cómo.
Otra influencia que se ha señalado es la de Michael Haneke, reconocida por el propio Vivas. Es fácil que asociemos Secuestrados a Funny Games, pero si la segunda apuesta por una reflexión en abstracto sobre la violencia y su sentido, Secuestrados nos muestra lo concreto, si Funny Games le habla a nuestro cerebro, la película de Vivas nos golpea el estómago. En la contemplación abstracta podemos obtener un placer intelectual, pero frente a lo concreto lo que se estimula es nuestro pánico más visceral. Con Secuestrados gozamos sufriendo.
Sitges 2010 ha sido una de las experiencias más intensas que ha vivido Serendipia (y así os lo hemos contado) no sólo por lo que pudo ver en las salas oscuras, pero también en ellas y A Serbian Film y Secuestrados fueron los bocados que más la deleitaron. ¿Será que Serendipia además de un ente casi mitológico es también un ser depravado? Se lo preguntaremos a la Señora Campoy :p
Hay vida después de Sitges:Klownshalloween, Festival de cine de Molins de Rei, Cotxeres de Sants y Fecinema (Manresa).
Sitges ha terminado y nosotros lo hemos podido vivir desde dentro, cosa que nos ha encantado pero… hay más festivales y eventos que merecen atención y que daran calor a este invierno, lamentablemente no podremos ir a los que quisieramos, dada las circunstancias por las que Serendipia está pasando (bueno, Serendipia y unos cuantos millones más de vecinos). Pero por alguno procuraremos acercarnos, y os ponemos aquí alguno de los más importantes de los que tenemos noticia. Y no olvideis que en diciembre vuelve… Horrorvisión.
KLOWNSHALLOWEEN 10 (sábado 30 de octubre a las 20h. Centro Cultural L’Espiga de les Corts)
Exquisita selección la de este festival. 
Otro año más, KlownsAsesinos.com, gracias al soporte de El Ayuntamiento de Barcelona distrito de ‘Les Corts’ y el Centro Cultural ‘L’espiga de les Corts’, organiza una nueva y terrorífica velada para celebrar una noche de Halloween especial, con la proyección de tres grandes películas, sorteos y muchos regalos.
Para empezar la fiesta, a eso de las 20:00h, haran un repaso a los tráilers de películas que proximamente invadirán nuestras carteleras, para dar comienzo con la primera proyección de la noche, 36 Pasos. Cinta argentina del notable director Adrián Garcia Bogliano, quien nos presenta una macabra historia, en torno al cautiverio físico y emocional de un grupo de chicas en bikini. Una película que va ganando a cada minuto. Sangre, tensión y chicas en bikini…
Más tarde, la cinta japonesa Tokio Gore Police, del director Yoshihiro Nishimura, gran especialista en los efectos especiales, como demuestra en este divertido, excéntrico y alocado splatter, que tiene como protagonista a Eihi Shiina, la inquietante mujer de Audition de Takashi Miike. Mucha sangre y un estrafalario culto a la carne…
La velada terminará con una mirada retrospectiva a décadas anteriores, aunque esta vez, con una producción Española de los años ’70 No profanar el sueño de los muertos. Cinta dirigida por Jorge Grau, que demostró que el Fantaterror no tenía nada que envidiar a las obras de Lucio Fulci o Dario Argento. Muertos vivientes y gore de la época…
El Ataque de los Zumbas
Brutal Relax
También habrá disponible un stand de camisetas exclusivas pintadas a mano, sobre cine de terror a cargo del estudio plástico artístico especializado en aerografías. ‘Bloody Alice’. http://www.bloodyalice.com/ y diferente merchandising de las marcas SHIROI NEKO y IRON FIST.
Si te animas a pasar una divertida y terrorífica noche de halloween, no lo olvides, ve a la ‘KlownsHalloween ’10, el sábado 30 a las 20h, y recuerda, la ENTRADA ES GRATUITA!!!
Y para el día siguiente…¡¡Que no decaiga la afición!!
XXIX FESTIVAL DE CINE DE TERROR DE MOLINS DE REI (4 al 7 de noviembre 2010) En este nos lo pasamos genial el año pasado.
Jueves 4 de Noviembre
18:45h – Condenados a luchar [Documental]
Teatre de La Peni.
Documental de James J. Wilson sobre los Festivales de Cine de Terror en Catalunya (los de más bajo presupuesto o más underground: Molins, Sants, Lloret, Cryptshow etc.)
20:30h – Cortos a competición (sección semifinalistas)
Teatre de La Peni.
Proyección de los cortometrajes semifinalistas a competición de la IX edición del Concurs de Curtmetratges de Terror i Gore del Festival de Cine de Terror de Molins de Rei.
El público otorgara un premio que permitirá a la cinta ganadora participar en la final aunque optando solo al Premio del Público.
23:00h – Retrospectiva: “Crash” (David Cronenberg, 1996). Contaremos con la presencia de Deborah Kara Unger)
Teatre de La Peni.
Una noche James Ballard estrella su coche contra el de Helen. Los dos son ingresados en un hospital tras haber experimentado una extraña atracción en los momentos posteriores al choque. Después del accidente, en la vida de James se abrirá una nueva puerta que le conducirá a un mundo prohibido dominado por un oscuro juego de peligro, sexo y muerte.
Viernes 5 de Noviembre.
12:00h – Cortos para escuelas[Sesión cerrada al público]
Teatre de La Peni.
Sesión de cortometrajes dirigida a Institutos del Baix Llobregat. Presentación a cargo de los miembros del Festival de Cine de Terror de Molins de Rei.
17:30h – Networking [Sesión cerrada al público]
Teatre de La Peni.
Presentado por Aurora Moreno, Responsable del Area de lo Audiovisual del Institut Català de les Indústries Culturals de la Conselleria de Cultura de la Generalitat de Catalunya y Jordi Romeu, Concejal de Cultura de Molins de Rei.
En el Networking participaran los directores finalistas del concurso de cortometrajes y podrán relacionarse con productores y distribuidores.
19:00h – Los Perversos Rostros de Víctor Israel [Documental]
Teatre de La Peni.
Documental dirigido por David Pizarro y Diego López que recorre la trayectoria cinematográfica del actor catalán Victor Israel. Desde sus inicios en la década de los sesenta hasta sus últimos trabajos, poco antes de morir, se traza un profundo recorrido por los géneros cinematográficos en los que intervino, bien como secundario habitual, bien como protagonista, contando con los testimonios de personalidades afines a él como su esposa, diversos realizadores y actores y actrices que no dudan en sacar del pozo del olvido anécdotas desconocidas y ensalzar una figura, quizás demasiado individualizada y poco explotada, pero digna de mención.
21:00h – Cortos a competición (sección finalistas)
Teatre de La Peni.
Proyección de los cortometrajes finalistas de la IX edición del Concurs de Curtmetratges de Terror i Gore del Festival de Cine de Terror de Molins de Rei y entrga de premios.
Lectura del veredicto del jurado del IV Concurs de Curtmetratges de Microrelats de Terror i Gore del Festival de Cine de Terror de Molins de Rei, que se organizan conjuntamente con la Regidoria de Cultura de l’Ajuntament y la Biblioteca Pau Vila de Molins de Rei. Entrega de premios.
00:00h – Coctel Angoixa
Bar del Teatre de La Peni.
Coctel Angoixa del Festival de Cine de Terror de Molins de Rei..
01:15h – Festa del Festival
Bar musical Celtic. [Carrer Foment nº 1]
Fiesta del Festival de Cine de Terror de Molins de Rei.
Sábado 6 de Noviembre
X18:00h – Splat Pack [Documental]
Teatre de La Peni.
Documental basado en entrevistas a Alexandre Aja (Alta tensión, Las colinas tienen ojos, Mirrors, Piranha 3D), Darren Lynn Bousman (Saw II, III i IV, The genetic opera), Adam Green (Frozen), Greg McLean (Wolf Creek, Rogue), Neil Marshall (Dog Soldiers, Centurión, The Descent), Greg Nicotero (creador de makeup/maquillatge, entre otras de Piranha 3D, Malditos Bastardos, Arrástrame al infierno, La última casa a la izquierda, Hostel II, Death Proof…) y Eli Roth (Cabin Fever, Hostel I, Hostel II…).
20:00h – XXIX 12 Hores Hores de Cinema de Terror de Molins de Rei
Teatre de La Peni.
Inicio de las 12 Hores de Cine de Terror de Molins de Rei. Peliculas confirmadas.
XII MARATÓ DE CINEMA FANTÀSTIC I DE TERROR (Cotxeres de Sants, 15 al 20 de noviembre) El gran veterano canalla.
«El vuelo de la tortuga, el soplo del dragón» de Dúo Duplo
«Bestial» de J.O.Romero
«Terminator extra con queso» de David Muñoz
«2013» de Neelam Khan Vela
«Sangre y Semen» de David García Moreno
«Lucía y Jorge» de Pablo Iglesias Prada
«Guerreros del apocalípsis solar» de Eskoria Films
«Truño» de Oscar Coma
«El lobo empalmado» de Naxo Fiol & Irene Verdú
«Dos hombres y un vespino» de JJS
«Fightin´Mad» de Andy Rodriguez
«Muerte prematura» de Necromovies
«Paul Michael Cope siempre llega tarde» de Víctor Olid
«La verdad sobre el caso de la moneda hipnotizadora» de J.Oskura Nájera
«Sombra Salvaje» de Dani Moreno
«Sin Co(n) Razón» de Aratz Juanes
«La muerte no esconde sus bragas» de Bob Moricz
«Historias del Koko: Infante Homicida» de Jonathan Dominguez
«27» de James J. Wilson
«Prensa sangrienta» de Paulo Morgue
«La última luz» de José Martos
«Calvaire» de Juan C. Gallardo
CORTO SORPRESA!!!!
FECINEMA . FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINEMA NEGRE DE MANRESA (17 al 21 de noviembre).Miercoles 17:
21.00h: Multicinemes Atlàntida Sala 1 Inauguració / Secció oficial de cinema negre
Jueves 18:
16,30 Multicinemes Atlàntida Sala 3 Espai Placidoscope – KHomenatge a Stephen King
It (180′) Dir. Tommy Lee Wallace
19:45 Multicinemes Atlàntida Sala 1 Curt a concurs / Secció oficial de cinema negre
K20:00 Multicinemes Atlàntida Sala 3:
Espai Placidoscope – Cicle de cinema negre Nòrdic
El ojo de Eva (Evas oye) (102′) Dir. Berit Nesheim
20:00 Multicinemes Atlàntida Sala 2
22:00 Multicinemes Atlàntida Sala 3
Espai Placidoscope – Cicle de cinema negre Nòrdic
La noche del lobo (Ulvenatten) (90′) Dir. Kjell Sundwall
22:15 Multicinemes Atlàntida Sala 1
16:30 Multicinemes Atlàntida Sala 3
Espai Placidoscope – Homenatge a Stephen King
Salem’s Lot (183′) Dir. Tobe Hooper
17:00 Multicinemes Atlàntida Sala 1 Curt a concurs / Secció oficial de cinema negre
18:00 Multicinemes Atlàntida Sala 2 Secció Pantalla d’actualitat
19:45 Multicinemes Atlàntida Sala 1 Curt a concurs / Secció oficial de cinema negre
20:00 Multicinemes Atlàntida Sala 3
Espai Placidoscope – Cicle de cinema negre Nòrdic
Aurora boreal (Solstrom) (110′) Dir. Leif Lindblom
20:15 Multicinemes Atlàntida Sala 2 Secció oficial de cinema fantàstic
22:00 Multicinemes Atlàntida Sala 3
Espai Placidoscope -Cicle de cinema negre Nòrdic
Bienaventurados los sedientos (Salige er de som torster) (113′) Dir. Karl Jorgen Kionic
22:15 Multicinemes Atlàntida Sala 1 Curt a concurs / Secció oficial de cinema negre
22:30 Multicinemes Atlàntida Sala 2 Secció oficial de cinema fantàstic
Sábado 20:
10:00 Multicinemes Atlàntida Sala 3
Espai Placidoscope – Homenatge a Claude Chabro
Pollo al vinagre (110′) Dir. Claude Chabrol
12:00 Multicinemes Atlàntida Sala 3
Espai Placidoscope – Homenatge a Claude Chabro
El inspector Lavardin (100′) Dir. Claude Chabrol
16:00 Multicinemes Atlàntida Sala 3
Espai Placidoscope – Homenatge a Stephen King
The shining (259′) Dir. Mick Garris
17:00 Multicinemes Atlàntida Sala 1 Curt a concurs / Secció oficial de cinema negre
18:00 Multicinemes Atlàntida Sala 2 Secció Pantalla d’actualitat
19:15 Multicinemes Atlàntida Sala 1 Curt a concurs / Secció oficial de cinema negre
20:30 Multicinemes Atlàntida Sala 2 Secció oficial de cinema fantàstic
21:00 Multicinemes Atlàntida Sala 3
Espai Placidoscope – Cicle de cinema negre Nòrdic
Reykjavik Rotterdam (88′) Dir. Oskar Jonasson
22:15 Multicinemes Atlàntida Sala 1 Curt a concurs / Secció oficial de cinema negre
22:30 Multicinemes Atlàntida Sala 2 Secció oficial de cinema fantàstic
23:00 Multicinemes Atlàntida Sala 3
Espai Placidoscope – Cicle de cinema fantàstic
Beck: El ojo de la tormenta (Beck: I stormens öga) (88′) Dir. Hamrald Harmell
00:30 Multicinemes Atlàntida Sala 2
Sessió Golfa, projecció sorpresa sagnant i cruel, i asassinat d’en Busquets
Domingo 21:
12:00 Multicinemes Atlàntida Sala 3
Espai Placidoscope – Matinal anime 2010
Paprika (90′) Dir. Satoshi Kon
16:30 Multicinemes Atlàntida Sala 1 Secció Pantalla d’actualitat
17:00 Multicinemes Atlàntida Sala 3
Espai Placidoscope – La tarda més curta. Projecció de tots els curts finalistes al Premi Placido
17:15 Multicinemes Atlàntida Sala 2 Secció oficial de cinema fantàstic
20:00 Multicinemes Atlàntida Sala 1
CLAUSURA I LLIURAMENT DE PREMIS / Secció oficial de cinema negre
Bueno, espero que se os haya abierto el apetito ya que como veis esto goza de buena salud. CONTINUARÁ….
Tres días de invasión zombie en Cardadeu: vuelve el Cardoterror
Han pasado cinco años desde que la asociación cultural El Cardot inició el proyecto Cardoterror, jornadas anuales dedicadas a todos los subgéneros del fantaterror que tiene vocación de continuidad y formato de pequeño festival. Estos chicos, como muchos de nosotros pone su empeño en dignificar el género de terror que, pese a ser el que más ayuda al desarrollo de la ficción cinematográfica, no tiene todavía el reconocimiento que merece por parte del público pero sobre todo por la crítica. Para lograr mejor este objetivo se asoció con otros tres festivales nacidos a la sombra de Sitges: Festival de Cine de Terror de Molins de Rey, Festerror (Lloret de Mar) y Cryptshow Festival (San Adrián del Besós) formando el TAC (Terror Arreu de Catalunya) con la finalidad de aunar esfuerzos en ese objetivo que les es común. En la edición de este año del Cardoterror se entregará el primer Premio TAC al mejor corto de terror/fantástico de producción catalana.
Si primero asolaron Cardedeu los vampiros, luego aterrizaron terroríficos alienígenas, para escuchar después los aullidos de hombres lobos, serán los zombies los que tomarán este año las calles del pueblo. A ellos se les dedica la exposición y de ellos se proyectan 9 películas que recogen desde el zombie del vudú que sacó a pasear Tourneur (I Walked with a zombie, 1943) hasta los divertidos zombies de Zombies Party (Shaun of the Dead, 2004,Edgar Wright). Destaca entre las nueve No profanar el Sueño de los Muertos porque estará presente su director Jordi Grau al que se le entregará en reconocimiento a su carrera el Premio Audrey. El otros Premio Audrey le corresponde al dibujante de cómics Joan Boix (nació en Badalona y eso siempre es bueno, os lo dice Serendipia) por sus numerosos trabajos fantaterroríficos. Y todo el festival está dedicado a nuestro querido Paul Naschy que presentó las primeras ediciones y siempre lo apoyó, Naschy lo dio todo por el género.
Jordi Grau reflexionando como Hamlet
Llegamos un poco tarde con la promo, pero aún podéis ir mañana que es cuando se cuecen los platos fuertes y cuando podréis haceros fotos con y pedir autógrafos a Jordi Grau. Este es el menú:
10.00 h Projecció de la pel.lícula “La legión de los hombres sin alma”Any 1932 (Dur. 73 min)
11.30 h Projecció de la pel.lícula “Yo Anduve con un zombi”Any 1943 (Dur. 69 min)
13.00 h Tancament
16.00 h Projecció de la pel.lícula “Mi novia es un zombi”Any 1994 (Dur. 100 min)
18.00 h Presentació de la nova associació de festivals de terror TAC ( Terror Arreu de Catalunya ). Projecció dels cinc curts finalistes candidats al primer premi TAC al millor curt de terror de producció catalana i la respectiva entrega del trofeu representatiu de l’associació.
19.00 h Entrega del trofeu Audrey com homenatge per la seva trajectòria a l’il.lustrador Joan Boix.
19.15 h Col.loqui i entrega del trofeu Audrey en reconeixement a la seva trajectòria al director Jorge Grau Solà amb la col.laboració de Diego López editor del «El buque maldito».
20.00 h Projecció de la pel.lícula del director “No profanar el sueño de los muertos”Any 1974 (Dur. 90 min)
22.00 h Descans fins la sessió de nit.
23.30 Projecció de la pel.lícula “El día de los muertos”Any 1985 (Dur. 102 min)
01.30 h Projecció de la pel.lícula “ El amanecer de los muertos”Any 2004 (Dur. 101 min)
03.30 h Cloenda
Si no tenéis coche o queréis contribuir a no agotar el planeta, no os preocupéis se llega perfectamente en tren. Y si queréis quedaros hasta el final podréis regresar en el nocturno de la Sagalés.
No podéis perdéroslo. Además de buen cine tendréis también los aires sanos del Montseny, podréis degustar borregos y carquinyolis los dulces típicos de Cardedeu y hasta poneros las botas en el Restaurante Xurín que os puedo recomendar personalmente. Comed bien que así alimentaréis mejor a los zombies.
Sitges 2010: Una crónica algo caótica.
Aunque las dos partes de Serendipia somos algo más que veteranos en el tema de visitar el Festival de Sitges, este año por fin hemos visto cumplida la esperanzada promesa que nos hicimos un año atrás: que en 2010 estaríamos acreditados en el festival.
En todo caso tras casi un año de trabajo en este blog, pudimos acceder a la ansiada acreditación que nos diera acceso a todos los sueños y… la cosa no pudo marchar mejor, amiguitos:
Sesiones descarnadas de cine, modorra, apetito, exceso de bocadillos a mil por hora, oasis de cerveza fría para el camino de cine a cine, correrías de sala a sala, algunas bajo la lluvia, saludos en «carne y hueso» a esos amigos virtuales, trato de tú a tu con directores y actores, montones de películas, gofres… todo ello en unos poquitos días y con economía de guerra -ya saben, el paro- pero resultando de todo ello un auténtico paraíso al que ya tenemos ganas de volver….
Pero pasen, pasen, les prometo entretenimiento y alguna gota de erudición:
JUEVES 7 DE OCTUBRE: LA NOVATADA
Producto de nuestra inexperiencia y la información algo ajustada por parte del Festival, tuvimos que improvisar un viaje relámpago a Sitges para formalizar los pases de prensa y los tickets de acceso a las proyecciones del día siguiente, ya que estos tickets debían recogerse el día anterior, así que tras preguntar hasta por el sentido de la vida llegamos a prensa, donde tras pasar por la consiguiente cola nos dispusimos a recoger las acreditaciones (¡¡Sí, realmente estábamos acreditados!!) y al poco de estar en la cola recibimos la primera señal: vimos y pudimos saludar a Mike Hostench, subdirector del festival y viejo conocido de ambos desde los tiempos de la entrañable tienda Gorgon, pero lo más curioso y a lo que voy es que en sus manos llevaba cuidadosamente el trofeo Waldemar Daninsky, que tuve ocasión de tocar… Serendipias, serendipias…que continuaron, ya que tras obtener las acreditaciones, junto a un impecable bolso y un libro sobre el festival magníficamente presentado, nos sentamos a descansar y una presencia conocida se detuvo ante mí: se trataba de Tom Savini, que me preguntó donde estaba el gimnasio, algo que yo ignoraba, pero aproveché para inaugurar mi libreta de autógrafos, que tras el festival se incrementaría con 17 rúbricas más.
Ahora ya comenzábamos a quedarnos con la mecánica del festival, y antes de partir hicimos una visita al Brigadoon, donde Chaparra Entertainment, unos de los más madrugadores, montaba el stand, estando en ello Dani Moreno, alma matter de Chaparra y ahora también jurado de cortometrajes de Brigadoon. Así que tras saludarle abandonamos Sitges dispuestos a volver e iniciar nuestro particular festival al día siguiente. ¡Definitivamente esto promete!
VIERNES 8 DE OCTUBRE: NASCHY LIVES!
L.A. ZOMBIE
¡Qué difícil es cubrir tantos títulos y que ganas de verlos todos! pero hay que centrarse e intentar seleccionar los más interesantes, dejando también algo a la intuición y cuidando que los horarios no se pisen, ya que, una vez comenzadas las proyecciones no se podía entrar en la sala. Entre los títulos de la agenda de Proyecto Naschy teníamos El Exorcista (The Exorcist, 1973 William Friedkin), que siempre apetece ver, L. A Zombie, una bizarra película porno gay con zombies del irreverente Bruce LaBruce que, según nos dijeron se pasó en su versión Softcore, de ahí posiblemente su corta duración (62′); Golden Swallow (Jin yan zi, 1968 Chang Cheh) una de esas películas de espadachines protagonizadas por el maravilloso Wang Yu, intérprete de la espectacular El luchador manco 
(Du bei chuan wang, 1973 Wang Yu) y de su secuela, además de otras que no me perdí en mi infancia como Caza desesperada (Zhui ming qiang, 1971 Pao-Shu Kao) y Wang Yu el invencible. También parecía interesante Ip Man 2, la segunda parte de la trilogía sobre el maestro de Wing Chum Yip Man, que pasará a la historía por el ser el primer y único maestro marcial de Bruce Lee, algo que se verá en la tercera parte de la historia. Interesante, pero nos decidimos por cuestión de horario por Confessions (Kokuhaku, 2010 Tetsuya Nakashima), un buen drama de venganzas japonés que prometía mucho pero… las largas colas a la hora de solicitar pases para el día siguiente hizo imposible llegar a tiempo de ver este film, circunstancia esta que también sucedió a otros de los resignados feligreses que formaban parte de la cola.
Serendipia se impacienta, ya que lleva unas horas en Sitges y el cine, aunque se respira en el ambiente, no lo hemos tastado. La primera de la selección es definitivamente Life 2.0 (USA, Jason Spingarn-Koff) film que selecciono dado el gran interés de una parte de Serendipia por el mundo virtual, inversamente proporcional al desinterés de la otra parte. En definitiva resulta ser un escalofriante documental que podéis ver analizado haciendo CLICK! aquí.
Satisfechos por haber visto al fin cine, nos preparamos para el maratón con tres películas que se celebra esa noche, uno que nos hace especial ilusión, ya que se trata de un homenaje a Paul Naschy en el Prado, viejo y entrañable cine testigo de todos los festivales desde el lejano 1968. Ya al entrar, la sala desprende un olor de esos que únicamente se notan al entrar en algunos museos, bibliotecas y tiendas de anticuarios. Todo un marco perfecto para ver un film que ya se proyectó en su época en Sitges: El gran amor del conde Drácula (1972, Javier Aguirre), un clásico del actor que, si bien no es de las mejores, reúne todos los encantos del fantaterror, a lo que hay que añadir la posibilidad de verla en celuloide, aunque diese algunos problemillas. La copia que nos ofrecieron fue la española, así que no contenía los insertos de desnudos que si se vieron en el extranjero. También pudimos ver el documental El hombre que vio llorar a Frankenstein, un correctísimo documental rodado por Ángel Agudo, autor del muy recomendable libro, Paul Naschy , La Máscara de Jacinto Molina. El film, producido entre Scifiworld, La Cruzada Entertainment (productora de José Luis Alemán, director del díptico La Herencia Valdemar) y Waldemar Media, está repleto de entrevistas con colegas, amigos y familiares del actor, que nos cuentan sus recuerdos. Entre los entrevistados: Javier Aguirre, Antonio Mayans, Laura de Pedro, Caroline Munro, Miguel Iglesias Boons, Nacho Cerdá y naturalmente su esposa y sus dos hijos. En resumen, todo un festín para fans y seguidores del Fantaterror en general y de Naschy en particular. Conocimos y pudimos felicitar personalmente al director del documental, conocer a Sergio Molina y Elvira Primavera, hijo y viuda de Jacinto Molina, que fueron muy amables con nosotros. Fue emocionante saber por Sergio que tanto a Naschy como a él mismo le gustaba nuestro blog y
Guía de La Sombra prohibida dedicada por José Luis Alemán, Ángel Agudo, Elvira Primavera y Sergio Molina.
piropeó nuestros artículos, cosa que nos anima a seguir adelante.
El tercer film de la noche fue la segunda parte de La Herencia Valdermar, La Sombra Prohibida (José Luis Alemán), un intento loable de hacer cine de terror gótico puro y sobrenatural, empleando grandes referencias de la talla de Lovecraft, Bram Stoker o Aleister Crowley; unos sorprendentes efectos especiales que dejan ver el presupuesto que hay detrás y un ramillete de conocidos y populares actores que no logran empañar la pequeña y emocionante intervención de Naschy.
Paul Naschy como Jervás en La Sombra Prohibida.
Todos estuvieron cercanos y amables, incluidos el director del díptico, José Luis Alemán, Kike Cripta y Luis Rosales, editor de Scifiworld, que junto a los familiares nombrados y el director del documental, formaban parte de esa pequeña comitiva a la que tuvimos la suerte de conocer y unirnos en este homenaje al actor que dio todo por el Fantaterror. Únicamente se echó en falta que se hubiera incluido el corto Los Árboles, de Joan Vall que se proyectó el día de la inauguración y que por desgracia no pudimos ver. Agotados y satisfechos emprendimos el camino de vuelta al pequeño apartamento a las seis de la madrugada… y eso solo era el principio.
SABADO 9 DE OCTUBRE: CÁMARA EN MANO.
Savini y Nicotero dando una clase magistral.
Mientras Savini daba una clase magistral en la sala Tramontana del hotel, nosotros hacíamos cola para ver una de las grandes esperadas del festival (y de la parte femenina de Serendipia) la uruguaya La Casa Muda, de Gustavo Hernández, proyección que había agotado las entradas y en la que se contó con la presencia del director que dio unas pocas palabras antes del pase. Previamente se proyectó un corto sobre el interesante cineasta Val del Omar, y a pesar del resultado, no restó interés por la obra del director, del que pronto saldrá un triple DVD de la mano de Versus/Cameo, que los directores tuvieron a bien anunciar ante el público del Auditorium.
Gustavo Hernández dejó la sala muda de expectación.
ººRespecto a La Casa Muda les recomiendo la opinión que leerán aquí, un film que teníamos muchas ganas de ver y que en gran parte no nos ha decepcionado, aunque la resolución del mismo hizo que Serendipia se enfrascara en una agria y violenta discusión que terminó en comisaría… bueno, no tanto. No había tiempo de tanto, ya que la segunda propuesta de día nos esperaba tras una laaaaaaarga cola en el cine Retiro. Se trataba de Somos lo que hay, film mexicano de Jorge Michel Grau que la parte más cinéfila de Serendipia se esfuerza en disfrazar bajo la etiqueta de «Nuevo Cine Mexicano», pero que a mi me volvió a llevar a los mismos ambientes, algo más edificados pero igualmente desolados de Los Olvidados (1950, Luis Buñuel) con sus miserias y falta de esperanza. Canibalismo, miseria, complejos, lucha de poder, horror primigenio y… humor negro, muy negro, todo ello en un recomendable cóctel que no dudo en recomendarles y que , todavía sin haber podido comer abrió, aún más, el apetito de Serendipia, que sin opción para más que un poco de cebada líquida por el camino, nos disponemos a un cambio radical en el programa adentrándonos en otros horrores tan reales como los anteriores pero, paradójicamente virtuales con la nueva propuesta del popular Hideo Nakata, creador de The Ring (1998) y Dark Water (2002) que en esta ocasión rueda en Londres la atractiva Chatroom, un juego impecable que recibió una buena y merecida respuesta, lo que vaticina su inminente estreno en salas. Si la ven no se la pierdan. Pero no pierdan el tiempo conmigo y mis sandeces y hagan más caso del análisis que hace la parte más inteligente de mí aquí.
Loco fín de semana largo repleto de gente. Detalle de la zona del Brigadoon durante el día de la Zombie Walk
Mientras tanto arrancaba la Zombie Walk, ofrenciendo como el año anterior maquillaje gratuito a todo el que pudo y que en esta ocasión se adentraría en la ciudad terminando en fiesta en la playa o en la maratón zombie que se celebró esa misma noche.
Como de nuevo estamos en la otra punta de Sitges y hay que ir al Auditori, nos encontramos corriendo otra vez sin tregua y parando únicamente para comprar un bocadillo. No éramos los únicos estresados, ya que hay que decir que los bares de los alrededores de las salas estaban repletos de personal, aunque la plantilla no había sido reforzada para la ocasión, así que los pobres empleados iban de boli, siendo Serendipia testigo incluso de una espectacular y dolorosa caída de camarero (mientras el menos estresado jefe cobraba en caja).
Bocata en mano y tras una larguísima cola nos disponemos a ver desde la segunda fila del enorme Auditori, The Last Exorcism (USA, Daniel Stamm), ingenioso falso documental producido por Eli Roth repleto de humor y terror del que, a pesar personalmente de estar ya hasta las narices de films rodados «cámara en mano» , hay que decir que mola, ya que es 
un trabajo repleto de ironía y mala leche con grandes dosis de american gothic y bastante más que otra película de exorcismos al uso. Desde luego, las películas que habíamos seleccionado realmente estaban resultando una delicia, y no lo fue menos el MARAVILLOSO corto de genio de los FX Greg Nicotero, The United Monster Talent Agency, que completó el programa de esa noche y que era un extraordinario homenaje a los entrañables monstruos de Universal repleto de humor, de esos que saben mal que sean tan cortos. Además cuenta con cameos de Eli Roth y Jeffrey Combs. Tanto el film de Nicotero como el de Stamm fueron presentados por sus creadores, que quedaron estupefactos ante una traductora que resumía las explicaciones de ambos casi a la mínima expresión.
Satisfechos, agotados y con dos autógrafos más, marchamos habiendo dejado pendientes (otra vez será ya que todo no se puede acaparar) la maratón zombie que se proyecto en el Retiro y que constó de tres interesante propuestas, sobre todo The Dead (Howard J. Ford y Jon Ford)inspirada visualmente por el Fulci de Nueva York Bajo el terror de los Zombies (1979)pero… otra vez será.
L'Auditori.
DOMINGO 10 DE OCTUBRE: SECUESTRADOS, LA SORPRESA
Madrugamos para meternos dos dosis matinales de cine (parece que le vamos cogiendo el tranquillo al festival después de soportar las enormes colas del día anterior) y abordamos el título del director más reputado que se presenta en el festival, The Ward de John Carpenter, película que ha desatado controversias, ya que por un lado se acusa de ser un film anticuado pero, no sé, me parece que el viejo maestro ha jugado bien las cartas ofreciéndonos un slasher convencional que al final da un sorprendente giro que lo transforma en algo bien distinto. Entretenida y correcta (¡¡¡Por fin cine rodado de forma convencional sin cámara en mano ni nada de eso!!!) es de esos filmes que se saborean a posteriori y que terminan dejando un buen saber de boca, y eso que a mí Carpenter no me va mucho (excepto las que todos sabemos, claro) pero siempre es agradable ver una película ambientada en un cotolengo con adolescentes descerebradas (como casi todas wau, wau, wau) y de buen ver (como casi todas, juo, juo, juo) y todo ello en una película realmente inteligente.
A continuación nos embarcamos en una propuesta española, Secuestrados de Miguel Ángel Vivas, que realmente fue para quien esto escribe la sorpresa del festival, perfectamente construida, tensa, mal rollista, pesimista, bien interpretada y dirigida no nos ahorra ningún mal trago y eso, se agradece. Y todo ello impecablemente interpretada destacando Manuela Vellés, a la que recordamos en un registro totalmente opuesto como hermana de Camino (2008, Javier Fesser). Espero que oigan hablar más de este film porque pienso que se lo merece ya que es una propuesta valiente que nos lleva a films como La Ultima casa a la izquierda (1972, West Craven) o Funny Games (1997, Michael Haneke) por ponerles unos ejemplos para que se hagan una idea.
Tras la película una visita a la cafetería de l’Auditori para ver a Luis Rosales, que tuvo a bien adelantarnos el libro Profanando el Sueño de los Muertos escrito por Ángel Sala, director del festival. Nos interesaba hacernos con él, ya que lo presentarían el jueves siguiente, día que no íbamos a estar
Manuela Vellés no lo pasa tan bien en Secuestrados.
presentes en el festival. También tuvimos las suerte de conocer cara a cara al amigo David de Monster World y engrosar la libreta de autógrafos con los de Caroline Munro, Macarena Gómez (una debilidad personal) , Mick Garris y Paco Plaza.
Tras ello nos metimos un vaso de gazpacho entre pecho y espalda (no dio tiempo a más) y nos fuimos al Prado a ver el documental Los perversos rostros de Víctor Israel de nuestros amigos Diego López y David Pizarro, documental redondo donde los haya y que contó con Mike Hostench de maestro de ceremonia, que presentó a los directores del documental y tambien al del segundo pase de la tarde, Eugenio Martín, del que se proyectó Una vela para el diablo (1973) película que cuenta con las magníficas interpretaciones de dos grandes damas del cine: Aurora Bautista y Esperanza Roy, respaldadas por las no menos grandes Judy Geeson, Lone Fleming, Blanca Estrada y Loreta Tovar, todo ello en una película que fue todo un privilegio ver con una copia impecable.
El documental dedicado a Victor Israel tiene una factura clásica y su duración ajustada, con muchos amigos y colegas que hablan sobre el actor y la persona que conocieron. La película se distribuye en temáticas (humor, erótico, aventuras y por supuesto, terror) con unos atractivos títulos de crédito y mención especial al cartel. Hay que felicitar a sus directores, ya que el film inicia su marcha por festivales y la próxima parada será en el XXIX Festival de cine de Terror de Molins de Rei.
Diego López, David Pizarro y Eugenio Martín en el Prado.
Sobre Una Vela para el diablo poco se puede decir (pero algo sí), únicamente que es vergonzoso que no esté editada correctamente en DVD ahora que ya existe una buena copia recuperada. Maravillosas Aurora Bautista y Esperanza Roy con los cuchillos bien afilados a la caza de la indecente sueca que profanen su pensión. Bellamente rodada, fue todo un lujo contar con la presencia de Eugenio Martín, que leyó un bonito pasaje sobre el origen del film, y también de su esposa y actriz Lone Fleming , recordada protagonista de La noche del terror ciego (1971, Amando De Ossorio) que también hace un papel en esta. Martín no pudo finalizar la proyección de su film porque esa misma tarde recibia el merecido premio Nosferatu en el Brigadoon.
Finalizado el pase de ambos films nos dispusimos, tras las consultas a Internet de rigor, a darnos una cena homenaje con toda la tranquilidad del mundo lejos del cine (que también hay que descansar un poco y… al día siguiente había que madrugar), aunque lamentablemente nos tuvimos que dejar algunas pelis que realmente abrían el apetito como las japonesas Mutant Girls Squad (Noboru Iguchi) y AliensVs. Ninja (Seiji Chiba) y si no me creen vean, vean los trailers, son magníficos, nosotros nos quedamos con las ganas…
Luis Rosales (Scifiworld) y Mick Garris.
Pues, sí, si que ha crecido Ivana.
LUNES 11 DE OCTUBRE: IVANA Y PAUSA
El lunes había que volver a casa y a la «realidad», pero aún nos dio tiempo a ver La otra hija,(The New Daughter, Luis Berdejo) que si bien es correcta no nos pareció gran cosa. Las actuaciones están muy ajustadas, pero quizás en el guión hay algo que hace que no acabe de cuajar. Ivana Baquero ha crecido desde que se escapó de las garras del fauno, así que en esta película la quieren desvirgar unos repugnantes seres salidos de la profundidad de la tierra, pero su padre, Kevin Costner está ahí para intentar evitarlo. No les cuento si lo conseguirá, ya que a pesar de todo se deja ver con agrado.
SABADO 16 DE OCTUBRE: LET ME IN Y VUELTA AL FESTIVAL
De nuevo en Sitges, con un síndrome de abstinencia que nos lleva a darnos el gran madrugón e iniciar nuestra segunda estancia en el festival con el pase matinal de la versión americana de la sueca Déjame entrar (Lat den rätte komma in, 2008 Tomas Alfredson), película que teníamos muchas ganas de ver, primero por la odiosa comparación con la versión nórdica, de hipnótica visión y segundo por la presencia de nuestra admirada Chloe Moretz de la que nos enamoramos desde que la vimos como Hit Girl en la fantástica Kick-Ass (2010, Matthew Vaughn). Si bien la película nos agradó en general, Serendipia no estaba del todo de acuerdo entre sí: la parte femenina prefería sin discusión la versión europea, por su envolvente atmósfera y por la interpretación más sensual de ambos niños, más romántica e idealizada en la versión de Matt Reeves . Yo por mi parte he visto mucho más ágil esta versión, mejor resuelta y Chloe esta rompedora, pero a pesar de ello hay que reconocer que siempre tendrá más valor la versión original con unos hallazgos visuales que el director americano ha calcado en su versión.
Chloe Moretz se dejó ver menos que el director y el compañero de reparto.
Let Me In es la primera producción de la renacida Hammer Films, y como punto de partida resulta más que válido. Y hablando de Hammer, la productora fue presentada en rueda de prensa por algunas presencias de lujo, como fueron el propio Matt Reeves, el escritor Roberto Cueto (que sustituyó en el último momento a José María Latorre) y el también escritor David Pirie, un personaje entrañable para el que esto escribe, ya que a finales de los setenta y gracias a su libro El Vampiro en el cine, pudimos tener acceso a una preciosa información en uno de los escasos tomos que se publicaron en plena sequía de libros sobre cine de terror en el mercado español. Durante la rueda de prensa se aprovechó también para presentar Pesadillas en la Oscuridad, libro editado por Valdemar sobre el terror gótico. Estas son algunas de las cosas que se pudieron escuchar durante la rueda de prensa:
Presentando el libro Pesadillas en la Oscuridad y la nueva Hammer Films.
Matt Reeves recordó que comenzó a ver producciones Hammer a los diez años y que Christopher Lee le provocaba pesadillas. En cuanto a Let me in, procuró conservar la tradición Hammer mezclándola con influencias de películas como El Resplandor y El Exorcista.
David Pirie por su parte habló sobre la nueva Hammer, comprada por el multimillonario holandés John de Mol (¡¡uno de los creadores del concurso Gran Hermano!!) que evitará caer en copias de los viejos éxitos o vuelta al pasado. Aunque protegiendo su legado. Sobre Let me in y su director opinó que su elección fue perfecta. Hammer, cuenta con distribuidora propia, New Market, algo por lo que “James Carreras habría matado” y tiene como próximo lanzamiento Woman in Black dirigida por James Watkins según la novela de Susan Hill y The Resident (Antti Jokinen)una historia de terror psicológico ambientada en el siglo XIX, que Pirie define como todo un tributo a Christopher Lee, su protagonista. También está entre los proyectos retomar la clásica saga Quatermass, aunque naturalmente desde una nueva óptica, “ya que los tiempos cambian y no se pueden usar los mismos elementos”.
Cueto, después de resaltar lo que significó el libro de Pirie para los aficionados españoles del género, explicó un poco sobre Pesadillas en la Oscuridad, obra que ha prologado reflexionando sobre lo gótico, el adjetivo y su uso a través de los tiempos y sus reencarnaciones en los años treinta en Estados Unidos, en los cincuenta y sesenta en Inglaterra y posteriormente en, por ejemplo el American Gothic, abordando a personalidades como David Lynch y Tim Burton. Una obra que tal y como indicó no pretende ser definitiva, sino un punto de partida para futuros estudios.
Nos desalojaron rápidamente de la sala de prensa, ya que a continuación le tocaba el turno a la rueda de prensa de Let me in, que contaría con el director y el protagonista masculino Kodi Smith-McPhee, aunque, ante nuestra desilusión, Chloe se había escaqueado y no se presentó. Pero yo no me quedé sin abordar a Matt Reeves para seguir incrementando mi libreta de autógrafos y a Pirie con mi ejemplar de El vampiro en el cine para que me lo dedicara.
Durante esa mañana aún nos dio tiempo de ver un film más, Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives (2010, Apichatpong Weerasethakul) una coproducción entre Inglaterra, Tailandia, Francia, Alemania y España que es tan rara como el nombre del director y que a pesar de todo obtuvo la Palma de Oro en Cannes. Joe Dante estaba viéndola junto a su señora en una fila cercana a la nuestra. Me hubiera gustado saber su opinión. Yo, aprovechando que Jesús Palacios andaba por ahí le pregunté su opinión: “Enigmática…» «agradable de ver”. En cuanto a mí no me pregunten que opino, yo es que soy un ignorante y un ser primigenio al que gustó una película como A Serbian Film (pero de eso ya hablaremos luego) y que no salió de la sala antes de que finalizara por no dejar sola a la otra parte de Serendipia.
Esa tarde-noche nos dedicamos a pasarnos por Brigadoon y ojear el especial de Imagen Death que ofreció nuestro amigo Javier Perea en el que se presentó el libro La plaga de los zombies y otras historias de muertos vivientes, impecable libro editado, de nuevo, por Valdemar con extenso prólogo de Jesús Palacios, que lo presentó junto Rafael Díaz, a uno de los responsables de la editorial. También se pasaron cortos, La Raíz del Mal (2010, Adrián Cardona), que ya se encontraba a la venta en su stand y Daimon (2010, Javier Perea). Para el año que viene Javier nos confirmó que estará disponible a la venta el documental La sonrisa del Lobo, que como ya sabréis está interpretado por Paul Naschy y en el que, paseando por lugares emblemáticos de Toledo se repasa la filmografía sobre Waldemar Daninsky.
SÁBADO 16 DE OCTUBRE: METROPOLIS
Otro madrugón después de una noche loca (y es que ya no tenemos edad…) y nos plantamos en el Prado para ver Manicomio, de Luis María Delgado y Fernando Fernán Gómez, una rara avis que teníamos ganas de ver, cosa nada fácil. Magnífica comedia incomprendida en su momento que mereció más suerte de la que tuvo y que fue un buen punto de partida para el intenso día que nos esperaba.
Tras comer nos preparamos para ver en pantalla grande la versión del súper-clásico Metropolis (1927, Fritz Lang) en su versión más cercana y completa a la del estreno. Una delicia recompuesta con 25 minutos inéditos encontrados en una copia Argentina de 16 milímetros en bastante mal estado, todo hay que decirlo. Tras dos años de trabajo se ha montado añadiendo las escenas faltantes a la reconstrucción que realizó la Friedrich Wilhelm Murnau Stiftung en 2002 y que dejó como 
resultado una copia prístina del inmortal film de Fritz Lang declarado Patrimonio de la Humanidad. Se ha hecho lo que se ha podido y los segmentos nuevos se pueden distinguir perfectamente dado el contraste con la reconstrucción.que realizó la Friedrich Wilhelm Murnau Stiftung en 2002 y que dejó como resultado una copia prístina del inmortal film de Fritz Lang declarado Patrimonio de la Humanidad. Desde luego más completa sí que está, pero los segmentos añadidos contrastan tanto que desfavorecen la labor de remasterización fotograma a fotograma que ya se realizó. Eso sí, contiene algunos fragmentos más que interesantes, como el rescate de los niños en la ciudad inundada o nuevas escenas que enriquecen a personajes como el trabajador 11811, Josaphat y la tirante relación entre Fredersen y Rotwang.
En todo caso, el 16 de noviembre Kino lanza el film en doble DVD y Blu-ray en Estados Unidos, con contenidos extras tan interesantes como Voyage to Metropolis, un documental de 50 minutos sobre la restauración y una entrevista con Paula Felix-Didier, responsable del Museo de Cine Pablo Ducrós Hicken de Buenos Aires donde se encontró la copia de 16 milímetros. Se puede dar casi por seguro que Divisa la editará aquí.
Este sin duda es el gran clásico que a Serendipia le hacía falta meterse entre pecho y espalda ¡¡¡Había tantas ganas de verla!!! …y lo mejor es que nunca pensé que acabaría disfrutándola en tan perfectas circunstancias de imagen y sonido.
Una de las "Marias" que decoran los laterales de L'Auditori.
Ya se acercaba el final del Festival pero a nuestros amiguitos les quedaban todavía varias aventuras que pasar, ya que esa noche verían una de las películas más polémicas que se han 
presentado este año en Sitges, A Serbian Film de Srdjan Spasojevic, película que mezcla el mundo del porno con las snuff movies sin evitar escenas extremas que son las que han causado la polémica de marras en los medios de comunicación sensacionalistas -y no sensacionalistas- de turno, que se han escandalizado, en casi todos los casos sin haber visto la película. Curiosamente otra propuesta serbia tocaba el mundo del porno y las películas snuff, The Life and Death of a Porno Gang de Mladen Djordjevic, director que ya hizo un acercamiento al mundo del porno aunque en forma de documental en su film Made in Serbia.
Sorprendente, bueno, quizás no tanto el trato en programas matinales de esos que igual te hablan (y en el mismo tono) de asesinatos reales, abuelitas longevas que cumplen años, casos de síndrome de Diógenes o recetas de pollo al chilindrón, en la que tertulianos profesionales critican sin saber ni haber visto siquiera la película. Quedándose en la superficie y acusando a los aficionados al cine de terror de pederastas y criminales. Pasen y vean si no. http://www.youtube.com/watch?v=nADar7UHgpY
También en una emisora de radio que hablaba prodigiosamente de Herois, film proyectado también en Sitges con entrevista «maravillosa» en la que se vuelve a sacar esa nostalgia clónica de los años 80 : Heidi, D’Artacan, Verano Azul… todo cambió cuando alguien sacó el tema de A Serbian Film, haciendo que, el locutor, que no la había visto, especificara aquello de «Yo no estoy a favor de prohibir por prohibir pero…» dejando el film a la altura del betún como producto de baja estofa «Que igual no era necesario en un festival como el de Sitges«. Mientras, los dos críticos de cine se cargaban la más que correcta factura técnica del film, incluso uno de ellos dijo algo sorprendente, ya que se quejó de lo poco realista que era el feto de la escena que tanto les había ofendido… Yo solo recuerdo el silencio reverencial que había en la sala durante la proyección del film, un silencio por una historia que estaba llegando al espectador y que no le causaba ningún regocijo (excepto en puntuales momentos de humor), un público que sabe perfectamente diferenciar entre la violencia «divertida» de una película de zombies exagerada o la venganza extra sangrienta de la protagonista de I Spit on your Grave, films bien diferentes. Estos temas tan serios, exentos de humor siempre han dolido y sí, creado controversia. Bien es cierto que uno se revuelve en su butaca en ciertas escenas, pero nadie está obligado a verla y también hay películas que a buen seguro a este buen periodista radiofónico le habrían molestado y que ya se prohibieron en su momento como Saló o los 120 dias de Sodoma (Salò o le 120 giornate di Sodoma, 1975 Pier Paolo Pasolini), que se estrenó en España cinco años después con la clasificación «S», y que también contiene escenas de altos voltaje pero que nadie hoy se plantearía prohibir ni, por supuesto, criticar.
Y corriendo de sala en sala nos disponemos a despedir el festival de Sitges 2010 viendo algunas películas en el entrañable Prado. El equipo de I Spit on your Grave (Steven R. Monroe) presenta la nueva versión del clásico de 1978 de Meir Zarchi que aquí se conoció como La violencia del sexo, interpretado por Camille Keaton (nieta de Buster) y presentado en la edición de Sitges de ese año. Entre los asistentes la productora, Daniel Franzese, que interpreta a uno de los rednecks y sobre todo Sarah Butler, la minúscula actriz de la que ya nos advirtió la productora que era muy peligrosa. Todo un festival que gustó y divirtió a grandes y pequeños. Intentamos aguantar hasta cerca de las 6 de la madrugada para ver Empusa, el último film dirigido por Paul Naschy pero… el cansancio pudo con nosotros a pesar de las ganas de verla que tenemos y tras una cerveza decidimos marchar y dar por finalizado un festival que ha tenido de todo, como en botica, con un muy buen nivel de calidad.
El cartel de adelanto y el original del 74, en el que se ha basado el definitivo de 2010.
Y esto es todo, amigos, Sitges 2010 ha terminado y el festival lo hemos vivido de una forma más cercana y emocionante, dentro de nuestras posibilidades. El Festival está impecablemente organizado y ha habido una selección tan grande de películas que no hemos podido ver que nos habría hecho falta un mes para cubrirlo entero. En todo caso pienso que hemos aprovechado el tiempo lo mejor posible y esperamos que el próximo año podamos permitirnos vivirlo en su totalidad.
Y ahora unos cuantos souvenirs:
Sergio Molina, Elvira Primavera, Caroline Munro y Mick Garris homenajeando a Paul Naschy.
La sorprendente recreación de The Creature of the Black Lagoon en el corto The United Monster Talent Agency de Gregg Nicotero.
Caroline Munro con su Maria.
Jorge Grau también tuvo su premio.
Rebecca de Mornay bajo el sol de Sitges.
Roger Corman su esposa y Ángel Sala.
Las fans esperando al niño bonito de Eclipse.
Manuela Vellés.
Macarena Gomez.
¡¡¡Hasta Sitges 2011!!!
Sitges 2010: terror emergente en Latinoamérica
Una de las líneas de la recién finalizada 43ª edición del Festival de Sitges fue mostrar ese cine de terror emergente que está naciendo en Latinoamérica. Que el cine de terror en esas latitudes goza de buena salud la tenemos en el cada vez más importante Buenos Aires Rojo Sangre y en Sitges se festejaba la suerte del festival argentino con el pase del documental Rojo Sangre, 10 años a puro género (2009, Elián Aguilar) que se estrenó en Argentina el 30 de noviembre del año pasado coincidiendo con el décimo aniversario del festival. El documental repasa las dificultades y compensaciones que supone realizar cine de género a través de los principales artífices argentinos.
Además del documental, el cine argentino se hizo presente en Sitges con la película Fase 7 dirigida por Nicolás Goldbart, una comedia apocalítica que toma como base la epidemia de gripe A y cuenta con la presencia del mítico Federico Luppi. Se la ha definido como un Rec pasado por el ácido humor bonaerense y a Serendipia se le quedó pendiente porque pese a ser un ente casi mitológico aún no ha desarrollado la capacidad de ser ubicua.
Si tuvimos la inmensa suerte de poder ver las otras dos películas latinoamericanas, la uruguaya La Casa Muda (2010, Gustavo Hernández) y la mexicana Somos lo que hay (2010, Jorge Michel Grau).
Hemos ido siguiendo todo lo relacionado con La Casa Muda desde que estaba en fase de postproducción. En Febrero iniciábamos nuestra campaña de apoyo para que llegara a los cines, en abril anunciábamos su presentación en Cannes y celebrábamos más tarde que hubiera sido seleccionada en Sitges y hubiera vendido su distribución comercial en 16 países, finalmente el 8 de octubre teníamos el placer de verla en pantalla grande tal como deseamos que se exhibiera. Porque la película vale la pena y mucho empezaremos destacando lo más negativo de modo que se valoren aún más los aciertos. La película avanza sumergiéndonos en el terror que viven los personajes en un caserón abandonado, su largo plano secuencia nos provoca una sensación de inmediatez, sabemos lo mismo que sabe la protagonista y pasamos miedo con ella; se logra ese terror real en tiempo real que se había propuesto Gustavo Hernández en esta su ópera prima. La tensión y su crescendo nos mantienen pegados a la butaca y se crea entre la película y nosotros un acuerdo tácito: nos creemos la historia que nos cuenta y hasta nos sobresaltamos cuando la protagonista lo hace. Eso se mantiene así durante casi todo el metraje, hasta que de pronto nos sentimos traicionados en nuestra credulidad: un giro inesperado nos saca de la historia.
Lo peor de La Casa Muda es que su final está dudosamente resuelto. ¿Por qué puede pasar eso? Hernández parte de hechos reales, un doble asesinato no resuelto en el que aparecieron dos cadáveres mutilados junto a una serie de fotografías, el suceso es enigmático y a un amante de las historias de miedo no puede por más que resultarle atractivo. Hernández se propuso narrarlo buscando una hipótesis que explicara el misterio y se exigió desafiar un reto: igualar el tiempo de proyección y el tiempo de acción para intensificar el terror. Esa exigencia funciona al modo de las contraintes que se imponen los oulipianos, las trabas, al contrario de lo que pueda parecer, enriquecen los relatos. Hernández quería contarnos la historia sin salir del mismo escenario de la acción, no hay flashbacks ni acciones paralelas, si seguimos comparando la película con la literatura obtenemos que el plano secuencia funciona al modo en que lo hace el narrador semiomnisciente, narrador que no anticipa sino que va mostrando lo que acontece en su misma sucesión temporal, y ahí viene el problema del final de La Casa Muda: no se han mostrado los elementos que pudieran darle sentido lógico al desenlace, al contrario, cae en el error de no mostrar si no decir, un decir que es puesto en boca de la protagonista justo en el momento en que se produce el giro. De ese modo el final se nos antoja sacado de la manga y eso es lo que empaña una película que hasta entonces había sido excelente. Excelente porque la planificación juega con el encuadre para hacer ir avanzando la trama, la cámara en ningún momento es subjetiva pero no se separa de la protagonista, una Florencia Colucci en estado de gracia,
los fuera de campo actúan como intensificadores y los montajes internos permiten mostrar otros ángulos sin renunciar en ningún momento al punto de vista elegido; así consigue el objetivo que se propone: pasamos el mismo miedo que el personaje porque prácticamente estamos en sus mismas condiciones. Otro acierto es la banda sonora. La música de la película es casi un personaje más, con la peculiaridad de que es el único que sabe lo que está pasando, el único que posee toda la información y nos la va destilando de modo que aún nos hacemos más sujetos de la narración. Gracias a la banda sonora no somos meros espectadores sino parte integrante de la película la cual consigue de ese modo cumplir magistralmente la función catártica. Eso es lo que supieron ver los críticos que asistieron a su estreno en Cannes y que elogiaron la cinta uruguaya con afirmaciones como las siguientes: “El horror cobra un nuevo significado con el director uruguayo Gustavo Hernández en un impresionante debut… Al igual que los mejores ejemplos del género utiliza el suspenso por encima de la sangre para crear la tensión… Haber realizado todo esto en una sola toma es impresionante; haberlo hecho todo en una sola toma con una cámara digital es poco menos que milagroso” Lee Marshall SCREEN DAILY; “El film tiene un increíble sentido climático y juega bien con la oscuridad y los pequeños espacios.” Peter Sciretta SLASH FILM;“Fue un logro técnico y visual nunca antes alcanzado… Si eres fanático del horror o crees haber visto cinematografía increíble, sólo espera a ver esta película… Mírala cuanto antes!” Alex Billington FIRST SHOWING. Coincidimos con la opinión de estos críticos y al igual que ellos consideramos que la película nos muestra el talento de su joven director al que le deseamos la mejor de las suertes y de cuya carrera vamos a estar pendientes desde ya.
Más redonda resulta la película mexicana. Somos lo que hay nos cuenta la historia de una familia que sobrevive en México DF comiendo seres humanos a los que antes sacrifica a modo de ritual, la película arranca con la muerte del padre, a partir de ese momento el mayor de los hermanos habrá de esforzarse en ser el nuevo líder con una cierta oposición de su madre y su hermano; todo se complicará cuando la policía siga su rastro.
Se trata de una película compleja que podría definirse como drama de terror salpicado de descripción costumbrista más unas gotas de crítica social. Si alguna ciudad ejemplifica la sentencia de Hobbes, el hombre es un lobo para el hombre (homo homini lupus), esa es la capital mexicana, daba cuenta de ello Buñuel de modo realista en Los Olvidados (1950) y se hace eco ahora Jorge Michel Grau con está fábula, ácida y perturbadora, que es su primera película y cuyos protagonistas son una familia de desheredados que se comporta como una manada de depredadores aunque en verdad sean ellos las presas. Esta es una película de atmósferas que nos remite a su origen literario, un relato escrito por el propio director, se desarrolla como un cuento en el que los ogros fueran los protagonistas, los malos son los buenos; la propia madre se define a ella y a sus hijos como monstruos, palabras destinadas a no olvidar su realidad aberrante que en la batalla por la supervivencia ha degenerado en atrocidad y locura. La cinta, sin escatimar hemoglobina, huye del efectismo gore en su paseo por lo sórdido dando así tintes más realistas a la historia. Y es que no está contándonos únicamente una ficción, 
no sólo porque pueda estar inspirada en casos de canibalismo real en México como los de José Luis Calva Cepeda o Gumaro de Dios, sino porque Jorge Michel Grau está haciendo una radiografía de los males que aquejan a México y que tan bien retrató Octavio Paz en El Laberinto de la Soledad. México y su grito «Hijo de La Chingada» alusión a la Malinche (esa india que traicionó a Moctezuma, de la que son descendientes) en el que se expresa su orgullo de pueblo derrotado por el invasor, contradictoria afirmación de sí mismos y su peculiar idiosincrasia que muestra y a la vez esconde sus miserias. Será por ello que esta película, que llegó a La quincena de los realizadores de Cannes y ha sido recientemente premiada con el Silver Hugo Special Jury Prize del Festival Internacional de Chicago, ha tenido una dispar acogida en México. Algunos críticos, como Carlos Bonfil de La Jornada, arremeten contra ella por considerarla un drama tremendista que únicamente retrata lo disfuncional y ansían un cine que se haga eco de aspectos más amables de su país aunque lo reconozcan colapsado. 
Pero los cineastas responden a la crítica que esto es lo que hay, Somos lo que hay titula Jorge Michel Grau a su ópera prima de impecable factura porque así ve su realidad y así la plasma en su metáfora. Ahora bien, quedarse en que muestra sólo lo más sórdido es no ser capaz de ver la película en toda su profundidad, tiene mucho de burla contra la autoridad y contra la cultura de depredación que sufren los mexicanos, pero no deja de hacernos sentir su admiración por sus raíces, ese rico folklore capaz de embellecer hasta la misma muerte. Porque la familia protagonista no es una más en largo listado de familias de psicópatas que nos ha regalado el cine, no aman el asesinato son más bien supervivientes en un mundo que se les antoja apocalíptico y en el que para perpetuarse han ideado una ceremonia ritual en la que practicar la comunión con la carne. No viven su hacer como un asesinato sino como una ofrenda. No sólo está en juego su manutención, el ritual es el que les da sentido como familia, lo único que a su parecer podrá evitar su descomposición. De ahí que tras la muerte del padre haya una lucha por decidir quién ha de ser el nuevo líder, esa muerte saca a la luz las rivalidades y las alianzas; la película desciende hasta el mundo del incesto no consumado con esa hermana que hace de bisagra entre los dos hijos varones y los usa como escuderos para sentar su primacía frente la madre.
Todo esto nos lo cuenta Grau con una preciosista planificación que juega con toda la profundidad de campo y el desenfocado parcial para transmitir la intensidad del drama en sus magistrales encuadres. A ello contribuye igualmente la oscura banda sonora y el esmerado diseño de sonido (el opresivo ruido de los relojes que aventura su clímax es sencillamente abrumador). Serendipia salió del cine Retiro con la certeza de que esta receta de cocina canibal propia de Topor iba a ser uno de los mejores platos que le iba a permitir degustar ese gran banquete que es el Festival de Sitges. Esperamos que esta breve crónica os haya despertado las ganas de catarla.
Festival de Sitges 2010: Y los premiados fueron…
Recién llegada del festival, Serendipia deshace las maletas cuidando bien de que no se escape ni un miligramo de las toneladas de emociones que acaba de vivir. Nunca sus ocho retinas habían visto tantas películas en tan poco tiempo ni había vivido con tanta la magia del cine. El Festival de Sitges es inmenso, el celuloide se despliega por kilómetros y aún hay que sumarle otros tantos de grabaciones digitales, pero hay más, mucho más en forma de rostros amigos, conocidos, desconocidos que acaban de dejar de serlo, en forma también de carreras al galope para saltar de sala en sala y de cola en cola y tiro porque me toca. Hay mucha cerveza, comida a deshoras y millones de minutos de hambre canina (¿en qué televisión saldrá Serendipia zampándose un bocata ante las mismas narices del Señor director mientras presentaba The Last Exorcism?). Maratones de más de cuarenta y dos Kilómetros y muuuuuuuuucha falta de horas de sueño.
Mañana tocará ordenar papeles y recuerdos y contaros todo lo que hemos visto, vivido y disfrutado. De momento os dejamos aquello en lo que quedará reducida esta 43 edición para la prensa generalista: el palmarés. Pero ya os adelanta Serendipia que hay mucho más que cuatro premios, nunca totalmente justos (¿por qué no ha habido ningún premio para Secuestrados?). En verdad los premios son la menor de las anécdotas, ahí los podéis leer:
OFICIAL FANTÀSTIC COMPETICIÓ SITGES 43
JURAT / JURADO / JURY
Francesco Barilli, Jaume Collet-Serra, Colin Geddes, Jan Harlan & Elena Manrique
Millor Curtmetratge / Mejor Cortometraje / Best Short Film
THE LEGEND OF BEAVER DAMM de Jérôme Sable
Menció Especial pel seu original homenatge a una indiscutible obra mestra del cinema fantàstic / Mención Especial por su original homenaje a una indiscutible obra maestra del cine fantástico / Special Mention for its original tribute to one of the undisputed masterworks of the fantastic cinema
VICENTA de Sam Millor
Disseny de Producció / Mejor Diseño de Producción / Best Production Design
Yuji Hayashida per THIRTEEN ASSASSINS
Millors Efectes de Maquillatge / Mejores Efectos de Maquillaje / Best Make Up FX
Vitaya Deerattakul & Andrew Lin per DREAM HOME
Millors Efectes Especials / Mejores Efectos Especiales / Best Special Effects
Gareth Edwards per MONSTERS
Millor Banda Sonora Original / Mejor Banda Sonora Original / Best Original Soundtrack
Seppuku Paradigm, Alex & Willie Cortes per NUITS ROUGES DU BOURREAU DE JADE (RED NIGHTS)
Millor Fotografia / Mejor Fotografía / Best Cinematography
Mika Orasmaa per RARE EXPORTS: A CHRISTMAS TALE
Millor Guió / Mejor Guión / Best Script
Nicolás Goldbart per FASE 7
Millor Actriu / Mejor Actriz / Best Actress
Josie Ho per DREAM HOME
Millor Actor / Mejor Actor / Best Actor
Patrick Fabian per THE LAST EXORCISM
Millor Director / Mejor Director / Best Director
Jalmari Helander per RARE EXPORTS: A CHRISTMAS TALE
Premi Especial del Jurat / Premio Especial del Jurado / Special Jury Award
WE ARE THE NIGHT de Dennis Gansel
Millor Pel·lícula / Mejor Película / Best Motion Picture
RARE EXPORTS: A CHRISTMAS TALE de Jalmari Helander
OFICIAL FANTÀSTIC COMPETICIÓ PANORAMA
JURAT / JURADO / JURY
Philipp Engel, Annick Mahnert & Carlos Pumares
Millor Pel·lícula / Mejor Película / Best Motion Picture
TUCKER & DALE VS. EVIL d’Eli Craig
Millor Curtmetratge / Mejor Cortometraje / Best Short Film
THE FAMILIAR de Kody Zimmermann
CARNET JOVE
JURAT / JURADO / JURY
Gerard Alonso, Alba Carmona, Anna Gual, Marian López & Daniel Mourenza
Millor Pel·lícula / Mejor Película / Best Motion Picture FANTÀSTIC
RUBBER de Quentin Dupieux
Millor Pel·lícula / Mejor Película / Best Motion Picture MIDNIGHT X-TREME
MUTANT GIRLS SQUAD de Noboru Iguchi & Yoshihiro Nishimura & Tak Sakaguchi
NOVES VISIONS
JURAT / JURADO / JURY
Ferran Audi, Rafael Maluenda & Laurent Pécha
Millor Pel·lícula / Mejor Película / Best Motion Picture Patrocinat pel SEAT
SIMON WERNER A DISPARU (LIGHTS OUT) de Fabrice Gobert
Menció Especial / Mención Especial / Special Mention
SOUND OF NOISE d’Ola Simonsson & Johannes Stjarne Nilsson per la seva barreja única d’història, visuals i so / por su mezcla única de historia, visuales y sonido / for its unique blending of story, visuals and sound.
5150 RUE DES HORMES d’Éric Tessier per la seva innovadora combinació de cinematografia clàssica i fantàstica revelant nous dilemes morals / por su innovadora combinación de cinematografía clásica y fantástica revelando nuevos dilemas morales / groundbreaking blend of classical cinematography and fantasy opening up new moral issues.
Diploma Pel·lícula No Ficció / Diploma Película No Ficción / Non-Fiction Motion Picture Diploma
VAMPIRES de Vincent Lannoo
Diploma Pel·lícula Discovery / Diploma Película Discovery / Discovery Motion Picture Diploma
TONY de Gerard Johnson
CASA ÀSIA
JURAT / JURADO / JURY
Daniel Cohen, Rubén Lardín & Joan Pons
Millor Pel·lícula / Mejor Película / Best Motion Picture
COLD FISH de Sion Sono
NOVA AUTORIA SGAE – FUNDACIÓ AUTOR – INSTITUT BUÑUEL
JURAT / JURADO / JURY
Xavier Capellas, Maria Ripoll & Albert Solé Millor
Direcció / Mejor Dirección / Best Director
Sílvia Subirós per LA EDAD DEL SOL, presentat per l’Escola de Cinema de Barcelona (ECIB)
Millor Guió / Mejor Guión / Best Screenplay
Jaime Serrano per LA LONA, presentat pel Centre d’Estudis Cinematogràfics de Catalunya (CECC)
Millor Música Original / Mejor Música Original / Best Original Score
Gonçal Perales Roy per THE SMILEY, presentat per l’Escola d’Animació de Catalunya-9 Zeros
ANIMA’T – Premi Gertie / Premio Gertie / Gertie Award
JURAT / JURADO / JURY
Daniel Cohen, Rubén Lardín & Joan Pons
Millor Llargmetratge d’Animació / Mejor Largometraje de Animación / Best 
Animated Film
JACKBOOTS ON WHITEHALL de Edward McHenry & Rory McHenry
Millor Curtmetratge d’Animació / Mejor Cortometraje de Animación / Best Animated Short film
UNE NOUVELLE VIE! (A NEW LIFE!) de Fred Joyeux
Millor Llargmetratge d’Animació per a Nens / Mejor Largometraje de Animación para Niños / Best Animated Feature for Kids
THE UGLY DUCKLING de Garry Bardin
Gran Premi del Públic El Periódico de Catalunya / Gran Premio del Público El Periódico de Catalunya / Audience Award El Periódico de Catalunya
Millor Pel·lícula / Mejor Película / Best Motion Picture
THIRTEEN ASSASSINS de Takashi Miike
MÉLIÈS D’ARGENT / MÉLIÈS DE PLATA / SILVER MÉLIÈS
JURAT / JURADO / JURY
Philipp Engel, Annick Mahnert & Carlos Pumares
Méliès d’Argent a la Millor Pel·lícula Europea / Méliès d’Argent a la Mejor Película Europea / Silver Méliès for Best European Motion Picture
RUBBER de Quentin Dupieux
Menció Especial / Mención Especial / Special Mention
RARE EXPORTS: A CHRISTMAS TALE de JALMARI HELANDER
Méliès d’Argent al Millor Curtmetratge Europeu / Méliès de Plata al Mejor Cortometraje Europeo / Silver Méliès Award for Best Europea Short Film
LES BESSONES DEL CARRER PONENT de Marc Riba & Anna Solanas
MÉLIÈS D’OR / MÉLIÈS DE ORO / GOLDEN MÉLIÈS
Méliès d’Or a la Millor Pel·lícula Europea / Méliès de Oro a la Mejor Película Europea / Golden Méliès for Best European Motion Picture
BURIED de Rodrigo Cortés
Méliès d’Or al Millor Curtmetratge / Méliès de Oro al Mejor Cortometraje / Golden Méliès for Best European Short Film
EL ATAQUE DE LOS ROBOTS DE NEBULOSA –5 de Chema García Ibarra
PREMIS DE LA CRÍTICA / PREMIOS DE LA CRÍTICA / CRITIC AWARDS
JURAT / JURADO / JURY
Carlos Losilla, Joan Millaret & Xavi Serra
Premi de la Crítica Jose Luis Guarner / Premio de la Crítica Jose Luis Guarner / Jose Luis Guarner Critic Award
UNCLE BOONMEE WHO CAN RECALL HIS PAST LIVES d’Apichatpong Weerasethakul
Premi Citizen Kane al director/a revelació / Premio Citizen Kane al director/a revelación / Citizen Kane Award to an up-and-coming director
Quentin Dupieux per RUBBER
BRIGADOON
Paul Naschy JURAT / JURADO / JURY
Joan I. Alonso, Jorge Manrique & Dani Moreno
Millor curtmetratge / Mejor cortometraje / Best short film
ST. CHRISTOPHORUS ROADKILL de Gregor Erler
Buried se alza con el Méliès d’Or 2010
Hace apenas quince días os ofrecíamos nuestra crítica de Buried (2010, Rodrigo Cortés) comparando el trabajo del joven director con el del mago del suspense, Alfred Hitchcock. Hay algo en lo que no deseamos que Cortés siga la carrera del británico, pocos fueron los premios que ganó Hitchcock ni siquiera un Óscar como director pese a haber estado nominado seis veces (sólo lo ganó Rebeca, 1940, como película). Y todo parece indicar que los certámenes no serán remisos a reconocer su trabajo otorgándole premios, en estas últimas semanas ha obtenido el premio de la crítica internacional en el festival de Deauville, el mejor película en el Étrange de París y premio del público y el Méliès de Plata en Estrasburgo. Bien, pues, ¡¡¡¡esta noche en Sitges recogerá un nuevo premio, el Méliès d’Or!!! Galardón a la mejor película europea de género fantástico otorgado por la European Fantastic Film Festivals Federation (EFFF).
Los otros candidatos al Méliès d’Or del 2010 eran los ganadores de los Méliès de Plata de los nueve festivales europeos que componen la EFFF: además de Buried, la alemana Die tur, de Anno Saul; la belgo-francesa Amer, de Hélène Cattet y Bruno Forzani; la húngara Transmission, de Roland Vranik; las inglesas Red, white & blue, de Simon Rumley, Strigoi, de Faye Jackson, Heartless, de Philip Ridley, y The children, de Tom Shankland; y la irlandesa The eclipse, de Conor McPherson. Ninguna ha sido rival para este thriller claustrofóbico que está arrasando entre crítica y público.
El Méliès de Oro al mejor cortometraje fue para El ataque de los robots de Nebulosa -5, dirigido por Chema García Ibarra. El corto se había llevado el Méliès d’Argent en Espoo. El jurado de este año lo formaban Philipp Engel, Annick Mahnert y Carlos Pumares. En el marco de la gala se proyectará la película We are the night (Dennis Gansel).
En la edición del 2009, la ganadora del Méliès d’Or fue la tremenda Martyrs, de Pascal Laugier. Este año Rodrigo Cortés ha demostrado que no es necesario recurrir a efectos ultragores para rodar una excelente película de terror.
Sitges 2.0, nuevos miedos llegan al cine
Pesadilla de Fusilli
Sebastián Serrano afirma que somos hijos del miedo, porque los temerosos extremaron la prudencia y así pudo perpetuarse la especie; todos llevamos sus genes. Sin embargo, el miedo tiene también su vertiente negativa, si se nos presenta en exceso puede inmovilizarse, por eso todas las generaciones desde Altamira y antes incluso han tenido la necesidad de exorcizar sus fantasmas contando cuentos al calor de la hoguera. Algunos miedos son atávicos, nos acompañan desde que el hombre es hombre, otros nacen con cada nueva sociedad muchas veces fruto de los mayores avances de una época, porque lo nuevo no nos es plenamente conocido y porque advertimos los peligros que nos vienen incrustados en el progreso; ahí está la criatura de Frankenstein como sospecha de los males que arroja la ciencia. Uno de los mayores avances (si no el mayor a secas) de nuestro Siglo XXI es Internet. Sin la red de redes no podría difundirse la información a la velocidad en que lo hace hoy y la información siempre ha sido clave en la evolución y la supervivencia. Pero Internet tiene también sus incógnitas y su ganga, no todo es virtud, y de sus aspectos oscuros nacen nuevos miedos. Esos miedos dan lugar a nuevas leyendas que necesitamos contarnos para que no nos alcancen. Y ahí está el cine para reflejar esos temores y ahí está el Festival de Sitges para recoger nuevas formas de terror.
¿Cuántas veces no habrá recurrido la ciencia ficción a la existencia de universos paralelos? A día de hoy ese universo paralelo existe: se llama Second Life, y Life 2.0 (2010) el documental de Jason Spingarn-Koff, que se presenta en Sitges en la sección Noves Visions categoría no ficción, nos acerca a esa realidad de segundo grado que puede llegar a superar la impresión de verdad de la propia vida 1.0, otro modo, mundo que se pisa. Su sinopsis nos la resumen así: ¿Les suena de algo “second life”? Si desconocen este universo virtual que ha causado auténtico furor Life 2.0 les ofrece la oportunidad de ponerse al día. Si conocen esta isla en la que la gente vive bajo la apariencia de un vistoso e irreal avatar, el documental les permitirá penetrar en los secretos de este peligroso artilugio internáutico. Una mujer obesa que habita en un sótano y que vive en “second life” como la estilizada dueña de una línea de productos de lujo, un chaval que se hace pasar por una adolescente y una pareja que debe trasladar su relación virtual a la realidad son los protagonistas de este impagable documental. Second Life ha dado anécdotas que hacen reflexionar, hace un par de años Jean Marie Le Pen abría sede de su partido en ese mundo virtual, la reacción tardó poco en hacerse esperar: se organizó una manifestación dentro de Second Life mediante la cual sus usuarios, revestidos con sus avatares, consiguieron que el político ultraderechista tuviera que batirse en retirada. En Second Life se proyectan aspiraciones y se llevan a cabo acciones que no nos atreveríamos a llevar a cabo en nuestro mundo cotidiano. Jason Spingarn-Koff selecciona tres historias con las que logra ofrecernos una panorámica casi completa de lo que se da en esa vida paralela. Así nos enfrenta a ese par de casados que busca en la red una forma de evadirse al tedio de sus matrimonios y cree descubrir el amor verdadero en unos cuantos encuentros virtuales; a la obesa diseñadora gráfica que compensa las limitaciones de su obesidad y su extracción social duplicándose en la figura de una diseñadora de modas de estilizada silueta; y a un joven que encontrará en Second Life el modo de enfrentarse a fantasmas del pasado desarrollando parcelas de su personalidad que en su día a día no manifiesta, no sin pasar antes por una auténtica adicción que pone en peligro su vida sentimental y su vida laboral. Aunque se trata de una cinta de no ficción, en su arranque tenemos la impresión de estar ante una película de animación, porque el relato se construye intercalando las vivencias en Second Life con aquellas que se dan fuera de la red por parte de los protagonistas. Pero no es animación, claro, lo que recoge la pantalla es la representación que confeccionan los usuarios mediante sus avatares. 
Cada usuario se proyecta en un doble mejorado de sí mismo que aparece en la pantalla como un retrato animado, pero no son meros dibujos como los que nos daban horas de diversión en nuestra infancia, son prolongaciones gráficas de ellos mismos y las experiencias que les permiten sus dobles se les hacen tan vividas como las que les llegan por los sentidos en nuestro mundo empírico. Eso es lo fascinante de Second Life: que inaugura una realidad paralela a la propia vida y que es percibida, incluso, como más verdadera que la cotidiana por quienes la construyen al conectarse. Nada está prohibido en esa vida 2.0, no existen las reglas de la naturaleza que nos impiden hacer todo cuanto nos venga en gana. Si nos apetece volar, lo hacemos; si deseamos cambiarnos sexo y edad, nada nos lo impide; si queremos disfrutar de una vida acomodada, llena de lujos, y poseer un físico envidiable, no tenemos más que construirlo con las herramientas que el programa ofrece; incluso podemos convertir esa actividad fantasiosa en algo que nos reporte beneficios monetarios en nuestro mundo cárnico. 
Jason Spingarn-Koff nos muestra en su documental que al Mito de la Caverna platónico le ha nacido un correlato empírico y, al igual que en la alegoría del ateniense, ese mundo de sombras es una copia perversa del otro del que provienen los usuarios. Y es que cuando se les ha ofrecido a los humanos la posibilidad de crear un universo desde la nada, no han hecho otra cosa que recrear las lacras que definen nuestras sociedades. Pudiendo construir en la apariencia, en la virtualidad, un mundo en el que no existieran las diferencias sociales, donde el dinero no fuera necesario y la propiedad fuese compartida, donde los modelos estéticos no primaran sobre las virtudes del individuo, en Second Life todo ello se mantiene y hasta hace más fáciles los abusos al no existir un código de derecho que rija las actuaciones en Internet. Llega un punto en que la utopía dentro de ese mundo que habría podido ser paradisíaco, al menos en su fantasmagoría, es no rebasar los límites de nuestra existencia cotidiana, hacer que lo rijan las mismas leyes naturales, ponerle cercos a la imaginación para evitar sus desmanes. Lo real se vuelve ideal cuando lo ideal llega a encarnarse .
El documental de Spingarn-Koff no esconde, pues, los rostros perversos de Second Life ni los grandes interrogantes que surgen cuando hay que compaginar dos planos de realidad distintos en un mismo individuo, pero no se queda sólo en ello. Second Life nos brinda también la ocasión de inventarnos, como un niño que juega con Madelmans y les inventa vidas, salvo que nosotros somos los jugadores y el juguete. Para algunos equivale a una segunda oportunidad, a una forma de superar problemas proyectándolos en la imaginación, imaginación que crea, más que un álter ego, un yo mismo bajo circunstancias distintas. De todo ello también se da cuenta en Life 2.o. El documental va pasando por todas las dimensiones mediante la evolución de los entrevistados a lo largo del tiempo, nos muestra desde su viaje de la decepción a la aceptación, hasta su inversa, pasando por la estable satisfacción de la diseñadora gráfica. Montado con ritmo de film de ficción, va acompañando a los entrevistados por su peripecia en ambos planos de su realidad, se les entrevista tanto en el campo virtual (el propio periodista se presenta bajo un avatar) como en su primera vida, consiguiendo así transmitir como los usuarios mezclan en su quehacer las dos realidades fundiéndose en un todo sus recuerdos de ambas. El propio espectador se sumerge en los mundos virtuales y comprende, a la vez que se extraña de, esa vida desdoblada como si él mismo participara. En definitiva, Life 2.0 nos muestra que las especulaciones de futuro de la ciencia ficción han pasado a ser vivencias de nuestro presente.
Pese a todo, Second Life no ha tenido el crecimiento que se preveía, la red es un fenómeno tan cambiante que se hace difícil predecir su evolución. Lo único que es posible con rigor es hacer revisión de su historia y analizar su presente. Antes de Second Life fueron los chats y aún hoy es uno de los modos habituales de interactuar socialmente. 
Hideo Nakata nos ofrece en Chatroom (2010) un drama juvenil que tiene su escenario en un chat de banda estrecha. El film, que fue rodado en inglés, sigue a un grupo de adolescentes que se introducen a través de internet en un juego peligroso, siguiendo los pasos de William, un tipo al que ellos en seguida toman como modelo a seguir. Hideo Nakata cambia con Chatroom, su habitual percepción del terror y nos sumergue en un thriller psicológico, que adapta de la obra teatral escrita por Enda Walsh, quien también se encarga del guión para la versión cinematográfica. Tachada por algunos de película de encargo, esta cinta que se presentó en Un Certain Regard en la pasada edición de Cannes, recurre a una inteligente ambientación para reproducir el mundo de los chats: Nakata los compara a un hotel en el que hay numerosas habitaciones, por los pasillos deambula un gentío, cada cual elige una habitación, William (Aaron Johnson, a quien acabamos de ver en Kick Ass) abre la suya propia esperando que lleguen a ella adolescentes de su mismo barrio. Allí llegarán Eva (Imogen Poots) , Jim (Matthew Beard) , Emily (Hannah Murray) y Mo (Daniel Kaluuya). William se erige en líder con la complicidad cercana de Eva e inicia un juego de sugestión y acoso a los miembros más frágiles de la sala. Cifra su objetivo especialmente en Jim, un joven en tratamiento psiquiátrico que todavía se siente culpable por el abandono de su padre. El mérito de Nakata es haber sabido desarrollar la mayor parte de la película en el entorno on line y mostrar las características de los chats, que tan bien conocemos quienes iniciamos nuestras singladuras internautas en ellos. Las salas que conforman el portal de chat muestran su tendencia mediante la decoración, así el de Eva, que trabaja como modelo está pintado en rosas fuertes y nos recuerda la frivolidad de la pasarela; un grupo de jóvenes violentos se reúnen en el canal La última sala y allí se comportan como trolls traduciendo Nakata sus agresiones verbales en forma de violencia física; la sala de Emily reproduce el mundo elegante de los buenos modales que su madre está empeñada que aprenda y de las paredes cuelgan retratos de las grandes mujeres que se le exige que sean sus modelos; etc. Por la actitud que mantienen los usuarios sabemos que algunos se entretienen en privados; el vocerío simultáneo nos da idea del scroll;
el permanecer en el grupo pero para sostener una charla entre unos pocos nos habla de como en el general no se mantiene una única conversación y como, aun que se esté hablando en público, se tiene la sensación de estar en un aparte con los amigos; figuras solitarias contemplando la sala desde una esquina reproduce la actitud de los lurkers; el desplazarse en grupo por los pasillos entrando en diferentes habitaciones reproduce esas invasiones que todo asiduo a los chats ha vivido. En suma, quien conoce los entresijos de los chats ve retratadas sus experiencias. Por último el uso del color transmite esa sensación de qué lo vivido en la red es más intenso y real que aquello que conforma nuestra cotidianidad en el mundo de la calle. Efectivamente, ese hotel que representa el hábitat on line, está fotografiado en colores cálidos, una atmósfera ocre, casi dorada donde se adopta un aspecto más atractivo que el que se posee fuera, ese exterior, ese off line, fotografiado en tonos fríos con predominancia de los grises y los colores degradados.
William es el líder de su grupo de amigos internautas, ante el relativo anonimato se crece. Posee habilidades que en la red son motivo de admiración: es capaz de hacer cortos de animación con plastelina que cuelga en youtube y muestra a sus amigos; conoce los trucos para sabotear sistemas de seguridad y eliminar de la sala a visitantes molestos, domina la tecnología lo suficiente como para actuar como un hacker; pero sobre todo es maestro en el arte de persuadir con la palabra. Su identidad virtual es totalmente opuesta a su personalidad real. En el mundo que se pisa William es un adolescente aquejado de un Trastorno de Personalidad Límite propenso a autolesionarse, acomplejado por el carisma de su hermano mayor que, a sus ojos, es preferido por sus padres, especialmente por su madre escritora que le ha dado el nombre de su hermano a su personaje más famoso. Acude a psicoterapia familiar y miente sobre su recuperación, incapaz como es de sobreponerse a sus traumas. Flirtea con el suicidio, pero sublima esa inclinación viendo vídeos en Internet donde otros jóvenes se suicidan. Valiéndose de su liderazgo en la sala de chat, se muestra como confidente de sus compañeros, pero no le interesa ayudarles sino someterles y dominar sus vidas. Llega un momento en que el juego se vuelve peligroso, pero ni quiere ni sabe pararlo aunque esté poniendo en peligro vidas ajenas.
En algunos círculos se ha tildado a la película de moralista y de lanzar un mensaje alarmista. A quien esto escribe le parece que la red es igual de peligrosa que la vida, no más pero tampoco menos. Ocurre sin embargo que en la vida tomamos precauciones para evitar percances y en Internet, más allá de tener instalado un cortafuegos y un antivirus, no tomamos ninguna porque nos creemos a salvo detrás de la pantalla. Si se frecuentan foros de opinión, se leerá muchas veces argumentos del tipo: «no hay que tomarse esto en serio», «con no leer es suficiente», «bastantes reglas hay en la vida como para que aquí también haya de haberlas»; sin embargo, el ciberacoso es suficientemente dañino como para no menospreciar sus características y sus efectos. La cultura digital toda
Megan Meier muestra de los peligros de la red
vía no está suficientemente desarrollada y cuando se trata de adolescentes la desinformación no es suya solamente, también aqueja a sus padres. Es un medio nuevo y se desconocen todas sus consecuencias, en cualquier caso está claro que el anonimato es campo abonado para llevar a término conductas que no podríamos en práctica en otros espacios. Tras el teclado nos sentimos impunes. Del anonimato pueden derivarse efectos beneficiosos: ayuda a hablar sin temor al qué dirán, facilita la creación de obras colectivas que no obedezcan a intereses particulares como la Wikipedia, permite ejercer la libertad al margen de las imposiciones sociales. Pero también sus contrarios. Vease por ejemplo el caso de Megan Meiers, adolescente estadounidense que fue inducida indirectamente al suicidio por la madre de una amiga oculta bajo la falsa identidad de un joven inexistente. Se puede debatir sobre qué límites legales cabe imponer a la red, pero los peligros existen y con ellos aparecen nuevas formas de miedo. Películas como Chatroom nos hacen reflexionar sobre ello.
Lo más esperado: Saw VI llega en octubre a las salas comerciales
Nuestro Diccionario de la Real Academia de la Lengua define la pornografía como:
pornografía.
(De pornógrafo).
1. f. Carácter obsceno de obras literarias o artísticas.
2. f. Obra literaria o artística de este carácter.
3. f. Tratado acerca de la prostitución.
Y entiende por obsceno todo aquello que resulte ofensivo para el pudor, que en este contexto es sinónimo de honestidad. La pornografía sería pues aquello que hace mella en el honor, lo deshonroso.
Las siguientes imágenes fueron consideradas deshonrosas, un atentado contra el pudor, por la autoridades chinas:
Deseo, Peligro (Lust, Caution, 2007, Ang Lee) sólo pudo exhibirse en China mutilada y occidente vio en ello una muestra de represión, un atentado contra la libertad de expresión que se considera derecho inalienable de la humanidad.
Así, Milos Forman en 1996 dirigía su personal alegato en el biopic El Escándolo de Larry Flynt (The People vs. Larry Flynt, Milos Forman). En la década de los años 70, la sociedad de Estados Unidos estaba inmersa en plena revolución sexual. Larry Flynt fue un empresario que abrió varios establecimientos de striptease, para aumentar sus ingresos (los clubs no daban muchos beneficios) se le ocurrió que podía promocionarlos creando el Boletín Hustler, que era una especie de panfleto con fotos de las chicas desnudas que trabajaban en su club y algo de texto, y repartirlo por diversos lugares de la ciudad. El Boletín Hustler comenzó a dar resultado y la clientela y éxito del club Hustler aumentaron notablemente, además de la popularidad de Larry Flint en Cincinnati. Pronto convirtió el 
Boletín Hustler en una revista de venta en quioscos, revista que está considerada como la más explícita de su género todavía a día de hoy y se encuentra entre las más vendidas en EE.UU. Por otra parte Hustler tiene un gran contenido político en contra de los conservadores y moralistas estadounidenses, entre otros, además de incluir viñetas de caracter humorístico-sarcástico, consideradas muy obscenas,hay en ella una sección titulada Gilipollas del Mes (Asshole Of The Month), en la que a un personaje público se le otorga tal título. Pese a los aires de libertad que se respiraron a partir de los 60, Larry Flynt tuvo que vérselas con la justicia durante casi una década, pleitos relacionados con las leyes de obscenidad que le supusieron varias estadas en la cárcel y la invalidez, esta última a causa de un atentado que sufrieron él y su abogado a la salida de uno de esos juicios. Finalmente ganó ante el Tribunal Supremo de Estados Unidos un complejo caso de difamación que le enfrentó con el famoso telepredicador James Falwell. Milos Forman no esconde los aspectos más oscuros, sórdidos y vulgares de su biografía, pero le eleva hasta la altura de ser paladín de la libertad de expresión, resumiéndose su argumento en las palabras que pone en boca del protagonista: Si la Primera Enmienda protege a la escoria como yo, entonces os protegerá también a todos vosotros.
Sociedad Occidental vs. Países Tercermundistas Represores, es lo que parece extraerse de los ejemplos que hemos expuesto hasta aquí, quedando mostrada la superioridad moral de la tolerancia de los primeros frente a la férrea censura de los otros. Sin embargo, no todo es tan diáfano. En nuestro mundo desarrollado también existe la censura, salvo que se estiliza, se sublima mediante la articulación de todo un catálogo de clasificaciones que condicionarán la exhibición de una obra artística sobre todo cuando se trata de películas. Nuestra España, esta España nuestra, entró en la galería del puritanismo absurdo cuando el Ministerio de Cultura condenó a Saw VI a las salas X (de las que sólo hay ocho, cuesta de creer el dato siendo este un país de todo tipo de pajilleros).
La saga Saw será de sobras conocida por los que sean asiduos a este blog, pero hagamos un pequeño resumen por si recala en este puerto algún pulpo despistado. Las películas de Saw narran las maquinaciones de Jigsaw, un enfermo terminal de cáncer con un riguroso plan moral y un peculiar talento para los juegos de supervivencia más truculentos, «jugados» por personas que él considera que han dejado de valorar y apreciar el regalo de la vida. Leigh Whannell, que escribió la historia original junto con el director James Wan y que ha escrito o coescrito los guiones de Saw, SawII y Saw III, dice: «El cáncer de Jigsaw le ha llevado a reflexionar mucho sobre lo que significa estar vivo y sobre lo cerca que estamos siempre de la muerte. Pero, para él, no basta con un simple carpe diem y un viaje a Europa.
El concepto del valor de la vida se convierte en un trampolín para considerar otras elecciones morales, como el perdón frente al castigo. Jigsaw sigue indagando en estas cuestiones, que sirven al propósito de sus juegos. Sin embargo, por retorcidos que sean estos juegos, su intención es ayudar a la gente. Entre su vertiente filosófica y su enfermizo concepto del altruismo, quiero pensar que Jigsaw es de algún modo único en el universo del terror». Saw, que es la más taquillera de las sagas conocidas hasta ahora, bajo su brillante manejo de las emociones más primarias (la confusión desesperada, la horrible sensación de impotencia y el pánico más absoluto), nos propone una reflexión moral sobre hasta dónde estaríamos dispuestos a atentar contra nuestros principios humanos con tal de salvar nuestros pellejos. Leigh Whannell, que escribió la historia original junto con el director James Wan y que ha escrito o coescrito los guiones de Saw, Saw II y Saw III, dice: «El cáncer de Jigsaw le ha llevado a reflexionar mucho sobre lo que significa estar vivo y sobre lo cerca que estamos siempre de la muerte. Pero, para él, no basta con un simple carpe diem y un viaje a Europa. El concepto del valor de la vida se convierte en un trampolín para considerar otras elecciones morales, como el perdón frente al castigo. Jigsaw sigue indagando en estas cuestiones, que sirven al propósito de sus juegos. Sin embargo, por retorcidos que sean estos juegos, su intención es ayudar a la gente. Entre su vertiente filosófica y su enfermizo concepto del altruismo, quiero pensar que Jigsaw es de algún modo único en el universo del terror». La coherencia temática y estilística de la saga SAW debe mucho al compromiso y la colaboración de un equipo central que incluye a sus creadores, James Wan y Leigh Whannell, el guionista y director Darren Lynn Bousman, que se unió al equipo en Saw II, los productores Oren Koules, Mark Burg y el difunto Gregg Hoffman, así como los productores ejecutivos Stacey Testro, Peter Block y Jason Constantine. El equipo creativo principal ha participado en la saga desde el principio, y a él pertenecen el director de fotografía David A. Armstrong, el director artístico David Hackl, el montador y actual director Kevin Greutert, y el compositor Charlie Clouser, antiguo componente de la banda de rock industrial Nine Inch Nails. 
Otro miembro importante del equipo de Saw es el actor Tobin Bell, que ha interpretado a Jigsaw en todas las películas. En un estudio sobre las películas de terror actuales, publicado el 7 de septiembre de 2007 en el periódico L.A. Weekly, el crítico de cine Luke Thomson escribió: «La interpretación de Tobin Bell en el papel de Jigsaw es un prodigio; es el mejor antihéroe del género desde que Anthony Hopkins interpretara por primera vez a Hannibal Lecter». En julio de 2009 se llegaba a la sexta entrega y con ella vino el escándalo.
Todo empezaba cuando nos enterábamos de la decisión de la Comisión del Ministerio de Cultura de clasificar «X» la película Saw VI, algo que no se daba desde hacía muchísimo tiempo (sólo Asesinos Natos de Oliver Stone estuvo a punto de ser censurada). A instancias especialmente de Ignasi Guardans que tiene a Sonrisas y lágrimas (The sound of music, 1965, Robert Wise) como una de sus películas favoritas. Era la primera vez que se aplicaba, además, esta clasificación a una película de terror en la que no hay escenas de sexo explícito. La película quedaba condenada a las salas X y la productora tomaba la decisión de no estrenarla. Un auténtico terremoto sacudió Internet y fueron muchísimos los que se movilizaron para poderla ver on line, la censura sólo había servido para fomentar aquello que el Ministerio de Cultura y la «amada» SGAE quieren evitar. Un año más tarde DeAplaneta se hacía con los derechos y ha conseguido estrenarla no sin antes haberla mutilado (hasta 1′ 20″, lo que supone bastantes planos) a la vez que anuncia su pronta distribución en DVD, sin cortes, claro. Ello sumado al hecho de que DeAplaneta posee igualmente los derechos de distribución de Saw VII en 3D (que en principio ha de llegar a los cines españoles en diciembre, aunque corren noticias contradictorias) nos da motivos para sospechar que tras todo ello hay una campaña de marketing (que se la estamos ejecutando gratis, además) para obtener los máximos beneficios con una película que ha despertado más interés por motivos extra cinematográficos que por ella misma. Que se haya obtenido la clasificación Mayores de 18 años es una victoria, sí, pero una victoria pírrica.
Quien esto escribe, tras verla (en pase de prensa, ¿eh? no pirateada), todavía entiende menos que se le aplicara la clasificación X. ¿Qué nos cuenta y qué nos muestra Saw VI? Como siempre esta nueva entrega resuelve enigmas del enrevesado puzzle que define su trama. El agente especial Straham está muerto, y el detective Hoffman es el sucesor de Jigsaw y su juego macabro. Sin embargo, cuando la Brigada de Investigación Criminal comienza a estrechar el cerco a Hoffman, lo forzarán a poner en marcha el juego complejo de Jigsaw… y por fin a entenderlo por completo. Bueno, por completo, por completo, no, que la película concluye de modo que se hace necesario ver el siguiente episodio si queremos ver cómo avanza todo esto. Y es que Saw tiene más aire de serie televisiva que de saga cinematográfica, sin que haya que ver en esto una crítica negativa, al fin y al cabo, la HBO nos está dando mejores momentos que gran parte de la producción cinematográfica actual. Nos lo recuerda también su montaje, ágil, con planos cortos de breve duración, los cuales contribuyen a dotarla de un ritmo de vértigo que te mantiene pegado a la silla. Saw VI es lo que se espera de ella: una cinta de intriga salpicada de sangre y violencia. La pregunta del millón es: ¿puede herir la sensibilidad de un adulto (y con 18 años ya se es suficientemente maduro para verla)? Y la respuesta es no.
No, no puede herirla y no puede hacerlo porque en Saw VI (y en el resto de la franquicia) la violencia es lúdica. Trato de explicarme. Saw persigue el espectáculo no la verosimilitud, nos pone ante un psychokiller peculiar, un ser que está tejiendo una venganza contra aquellos que no saben apreciar la vida y lo hace mediante un juego macabro en el que las pruebas a superar son ser capaz de causar un daño mayor del que te causes a ti mismo para sobrevivir y poco sufrimos por los personajes, no nos transmiten la impresión de que podríamos encontrárnoslos en la panadería o en la farmacia comprando pañales para un bebé. 
Eso no ocurría tanto con Hostel (2006, Eli Roth), al menos la larga presentación nos hace desarrollar algún tipo de sentimiento hacia esos estudiantes en busca de sexo, drogas y alcohol. Pero incluso en ese caso, en el de Hostel, las escenas son tan distintas a lo que podría parecer real que los que estamos avezados no nos removemos en nuestros asientos. Muy distinto sería el caso de Carancho (2010) de Pablo Trapero interpretada por Ricardo Darín y Martina Gusmán; excelente y descarnada película argentina que no nos ahorra la suciedad de ese mundo de mercadeo de las aseguradoras sobre los más débiles, con una historia de amor límite entre un buscador, un carancho, y una doctora del servicio de urgencias que sobrelleva su trabajo gracias a las drogas. Todo ello enmarcado por los accidentes automovilísticos tan exageradamente abundantes en Argentina. Nos ponemos en la piel del carancho (Ricardo Darín) y de la doctora (Martina Gusmán) y de todos los personajes secundarios, por eso, los golpes que reciben, los recibimos con ellos. Si Trapero hubiese rodado una película extrema con esos mimbres, sí podríamos sentirnos heridos. Porque, como descubrí contándola a un amigo, lo que ocurre ante nuestros ojos en Carancho es real (sic), dije real a pesar de las miles de horas de cine que han visto mis ojos, a pesar de que soy consciente de estar viendo una ficción. Eso en Saw VI no ocurre en ningún momento.
¿Qué mal podría hacer Saw? Se la podría acusar de banalizar la muerte, el dolor y la violencia a fuerza de presentárnoslos como espectáculo. Pero eso mismo pasa con los videojuegos y hasta con el Correcaminos si hilamos fino. Los jóvenes están acostumbrados a matar y morir jugando, eso puede llevarles a insensibilizarse ante las imágenes reales que nos asaltan (sin ser clasificadas X) en los telediarios
, porque podrían no llegar a distinguir lo real de lo ficticio. Cuando en vez de juntar letras en un blog, me ganaba la vida honradamente dando clases, me encontré con un alumno que disfrutaba con los accidentes que veía desde el balcón (vivía ante un semáforo que regulaba el cruce entre dos vías rápidas); aquella era sangre real, y bien real, que veía correr ante sus ojos, pero que, lejos de moverle a compasión, le provocaba el placer del morbo. Aunque pudiera haber en esa actitud alguna influencia de los juegos, las películas de animación u otras como puede ser el caso de Saw, ello no sería motivo para prohibirlas. En verdad, nuestra sociedad contemporánea recurre excesivamente a la prohibición, en nombre de la seguridad, estamos renunciando a la libertad y, lo que es peor, haciendo dejación de nuestra responsabilidad a un Estado cada vez más paternal y más coercitivo. Más deshonrosa, más vejatoria para el individuo, nos parece la aceptación acrítica del Gran Hermano que dejar que las imágenes de Saw VI penetren en nuestras retinas.
FOCUS 3D EN SITGES 2010
SONY y GAS NATURAL FENOSA serán los partners de la sección FOCUS 3D de SITGES Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. La imagen de ambas marcas estará relacionada con toda la programación del cine en relieve, vinculada a la pantalla del Auditorio a través de los spots en 3D que protagonizan y con presencia en la sede principal del Festival, el Hotel Meliá.
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Sitges 2010 despegó en el Palau Marc
Ayer lunes día 4, en un mediodía soleado y ventoso, el Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña se ponía de largo. Fue en el salón de actos del Palau Marc, neoclásico edificio que se hizo construir un comerciante de Reus, allá por el siglo XVIII, y que actualmente es la sede de la Conselleria de Cultura de la Generalitat. Mediante una rueda de prensa, se llevó a cabo la presentación oficial que contó con la presencia de Antoni Lladó, Director de l’Institut Català de les Indústries Culturals, Gabi Serrano, Regidor de Cultura del Ayuntamiento de Sitges, y Ángel Sala, Director del Festival.
Antonio Lladó, como representante de la Generalitat, informó de dos novedades importantes: por una parte, Catalan Films & TV, juntamente con Televisió de Catalunya, organiza una serie de actividades para la industria cinematográfica, de la que destacamos la jornada de videojuegos, este año en su tercera edición que se celebrará el día 15 de octubre; por otra se anunció la colaboración entre el Festival de Sitges y la Filmoteca de la Generalitat, las dos instituciones que más hacen por el cine en Cataluña. Los frutos de la reciente colaboración entre Filmoteca y Festival han sido dos sesiones de lujo: Segundo de Chomón, El cine de Fantasía que comprende 31 de las mejores piezas, remasterizadas, de este gran pionero; será el día 12 a las 12,15 en el Casino Prado, bonito vermú de un día festivo, pues siempre es delicioso poder disfrutar en pantalla grande de este cine tan enraízado con la magia y que, junto a Méliès, supuso el nacimiento del fantástico. La otra sesión es también muy, muy especial, se trata de la que nos permitirá gozar de la ópera prima de Joe Dante (con cuya presencia contará esta edición), The Movie Orgy (1968) que el propio director definió como una película de siete horas diseñada para poder entrar y salir de la sala sin perder nada importante. 
No se asusten que la copia que se proyecta dura «sólo» cuatro horas y cuarenta minutos, pero se trata de una película documental, una extravagancia documental sería más apropiado decir, sobre el cine y la televisión, especialmente sobre el divertido cine explotation. En opinión de algunos se trata de una obra de imprescindible visionado, eso será en una sesión golfa que se inicia el lunes a las 00,30 y terminará casi con el sol emergiendo del mar en las bonitas playas de la Blanca Subur. Y si les resulta imposible desplazarse a Sitges o no quieren trasnochar hasta ese punto, pueden verla en la Filmoteca de Cataluña el miércoles 13 a las 19h también con la presencia de Joe Dante.
Hablando de playas, precisamente, Mike Hostench, subdirector del Festival, reconocía en una entrevista grabada hace dos años, que uno de las principales objetivos del Festival es promocionar esta villa costera, no hay que olvidar que eso estaba ya en la mente de Antonio Rafales, su primer director, y que esta fue una de las principales intenciones de ese hombre que casi todos se olvidan de mencionar (para conocer a fondo la historia del Festival de Sitges recomiendo que se lea la serie que está dedicándole Ausente en su blog). La vinculación entre ciudad y certamen fue puesta de manifiesto por Gabi Serrano como representante del ayuntamiento. Desde su visión uno de los actos más importantes es la Zombie Walk (cosa que alegrará a nuestra amiga Mitsuko) dado que entonces la propia ciudad se convierte en escenario de la representación. Y a nosotros también nos parece una cita importante que tendrá lugar el próximo sábado día 9.
Ángel sala y Mike Hostench
Tras el representante municipal le toco el turno a Ángel Sala, director del Festival, y las suyas eran las palabras más esperadas. Había algunas dudas que quedaron despejadas a lo largo de su intervención: finalmente ni Psicosis (1960), ni Piraña 3D por diferencias entre su productora y su distribuidora, ni Regreso al Futuro por expreso veto de Universal (más interesada, según parece, en un futuro lanzamiento en Blu Ray), estarán presentes para tristeza de los aficionados. Pero la tristeza durará poco, dado que en esta edición se cuenta con un record de films exhibidos, todos ellos de innegable calidad e interés. Es tal el número de cintas presentes que la repetición de los pases es menor que en otros años, en buena medida por el elevado coste de los alquileres de las copias. Se promete, pues, muchas horas de diversión asegurada y así lo está entendiendo el público: de mantenerse la proporción de venta de entradas habida hasta ahora, este año el número de espectadores será superior al del año pasado que, hasta ahora, había sido el que mayor beneficio aportó con 60.000 entradas vendidas. Dato satisfactorio para nosotros puesto que ello redundará en que el Festival siga ocupando el lugar de importancia que ocupa y éste es el que le pilla más cerquita a Serendipia.
Quiero destacar una frase de Ángel Sala con la que estoy especialmente de acuerdo: «el género fantástico es el que más ha hecho evolucionar y avanzar al cine». En ese sentido iba mi recomendación de ver las películas de Chomón, pero si no os cuadra en vuestra parrilla, a la que no podéis faltar de ninguna de las maneras es a la proyección de la nueva copia de Metrópolis. 
Tras un largo trabajo de restauración, cuyos pormenores podéis conocer en la página de Kino Internacional , podremos disfrutar de veinticinco minutos más con una calidad de imagen no conocida hasta ahora. Pero Sitges demuestra la buena salud del fantástico no sólo por la revisión de los clásicos, sino porque también es trampolín para nuevos realizadores en su sección Brigadoon y también este año dentro de la sección oficial, que ha sido diseñada siguiendo tres líneas directrices. La primera es la que nos lleva a conocer el cine emergente de los países sudamericanos, bajo esta panorámica se han programado tres films, la argentina Fase 7, la mexicana Somos lo que hay y la uruguaya La Casa Muda por la que hicimos una apuesta personal hace muchos meses, antes de que llegara a Cannes, y que es, junto a la de Carpenter la película que más entradas está vendiendo. En consonancia con esta indagación de lo más novedoso se han incluido una serie de películas que abordan un miedo muy contemporáneo: los problemas que puede darnos la gran red de redes. DestacamosChatroom del director de The Ring, Hideo Nakata y Life 2.0 documental sobre Second Life. Pero eso no significa que se haya olvidado a los monstruos más tradicionales, esa es la tercera directriz. Este año el protagonismo es para el vampiro en un intento por recuperar su imagen más salvaje después de haberse amariconado tanto con la saga Crepúsculo, con títulos como We Are The Night, Stake Land, Prowl (de la que se ofrece el estreno mundial) y más de entre los cuales resaltamos Let me in, con la nínfula Chloe Moretz, remake de la sueca Déjame entrar, película esta que supone el debut de la nueva Hammer. Es deseo de muchos que el renacimiento de la Hammer suponga la recuperación del mejor terror gótico; desde el Festival se apuesta por ello como lo prueba el libro que se publicará como resultado de su colaboración con la Editorial Valdemar.
Si el vampiro es protagonista entre los monstruos más clásicos, no faltan tampoco otros más modernos, como el pshychokiller, con películas como la española Secuestrados; y los zombies que tendrán su propia maratón (The Dead, Damned by Dawn, Evil in the Time of Heroes, más el corto Alice Jacobs is Dead) coincidiendo con la Zombie Walk que este año invadirá las calles de la villa.
En esta 43ª edición, en suma, nos esperan muchas emociones fuertes. Hay que hacer especial mención a A Serbian Film que promete ser la más burra de todo el Festival, hasta el punto de que uno de los periodistas presentes en la rueda de prensa llegó a preguntar si habría algún servicio de urgencias a lo que Ángel Sala replicó que únicamente se reservaban el derecho de admisión para vigilar que no hubieran menores en la sala. ¡¡¡El director confesó, además, que él la ha visto una vez y no piensa repetir!!! Si queréis verla llevando el cuerpo preparado os recomiendo que leáis esta crítica publicada por El Rector en el blog Nido de Cuervos.
Sin embargo, llamándose este blog Proyecto Naschy, para nosotros el plato principal del menú será el homenaje a Paul Naschy que salpica el festival a lo largo y a lo ancho. Empieza el propio día de la inauguración con el pase de El hombre que vio llorar a Frankenstein, documental producido por Scifiworld como ya os anunciamos en su día, más el corto Los árboles a cuyo director y actriz les hicimos una entrevista. El homenaje continuará el viernes día 8 en la Sala Tramuntana con Recordant a l’home llop. 
Pero tendrá su momento estelar con las proyecciones de El gran amor del conde Drácula, como retrospectiva, y el estreno español de los últimos films en los que colaboró: La Sombra prohíbida, segunda entrega de La Herencia Valdemar, como actor; y Empusa, tan esperada, como director.
En el homenaje estará presente la mítica Caroline Munro quien además recibirá una María Honorífica. Otros premios honoríficos destacables son el Nosferatu que recibirá Eugenio Martín director, entre otras, de Una Vela para el Diablo, en una copia nueva (¿será sin cortes?), que acompañará al documental dirigido por Diego López y David Pizarro, Los perversos rostros de Víctor Israel del que ya os informamos en su día. Compensa a los aficionados por la ausencia de Regreso al futuro, el Máquina del Tiempo concedido a Richard Kelly, director de Donnie Darko, auténtica cinta de culto cuya versión del director podrá verse en las salas de Sitges. El Gran Premio Honorífico con su King Kong irá a manos de Vincent Cassel, viejo conocido de Sitges desde El pacto con los lobos (como si fuera poco premio estar casado con Mónica Bellucci). Otras menciones honoríficas corresponderán a Joe Dante, Rebeca de Mornay, Tom Savini, el fantástico maquillador y así hasta completar la lista. Especial querencia sentimos por la María Honorífica que le será entregada a Roger Corman, al que podremos ver paseando por Sitges junto a su esposa Julie. Auténtico lujo es el de poder conocer a toda una institución para el cine de terror como es el viejo Corman al que le debemos muchos momentos de diversión de pipas.
La de Corman, sin embargo, no será la única presencia relevante, tanto por lo que hace referencia a los invitados como a lo que hace referencia al jurado. Podéis preparar vuestros materiales para ir a la caza de autógrafos, pues podréis cruzaros con Belén Rueda, Antonio de la Torre, Emilio Gutiérrez Caba, Srdjan Spasojevic con el que podréis discutir sobre si A Serbian Film contiene o no violencia gratuita, Eduardo Noriega, Kim Ji-woon, Ivana Baquero, Lluis Omar, Pedro Olea, Candela Peña, Sergi López y un largo etcétera. A quien no se verá es a Jack Nicholson pese a que el Festival conmemora el 30 aniversario de El Resplandor, el hombre no debe de saber siquiera que existe La Blanca Subur. En cuanto a la protagonista femenina, Shelley Duval, hace años que vive retirada y no quiere saber nada del cine, mientras que el niño, Danny Lloyd, en la actualidad es un respetable profesor de química al que la cinta todavía le recuerda sus traumas. De hecho fue muy difícil seleccionar a un invitado puesto que muchos miembros destacados del equipo pasaron a mejor vida (habría que preguntarse si aquel hotel de montaña no tendría, después de todo, alguna maldición). Finalmente la representación ha recaído sobre Jan Harlan, productor ejecutivo que formará parte del jurado. 
Todos los medios se han hecho eco de la presencia en él de Jaume Collet-Serra director de La Huerfana, pero nosotros queremos destacar la presencia del amiguete Dani Moreno formando parte del jurado Brigadoon.
No queríamos terminar este repaso de lo que dio de sí la rueda de prensa sin cotillearos una anécdota. Sin que haya demérito para las películas catalanas (¿?) que se verán en la muestra, Los Ojos de Julia, Agnosia, 14 días con Víctor, Lo más importante es no estar muerto, etc.; los miembros de la mesa se estaban felicitando por su labor para con el cine catalán, pero en el momento de exhibir el vídeo con sus mejores escenas, tachán, hubo problemas con el DVD y no pudieron verse. Nos pareció un bonito desplante a este chauvinismo pueblerino y casi una pequeña venganza personal por haber tenido que aguantar el pasado sábado a Santiago Segura y Álex Angulo hablando en la lengua de Jaume el Conqueridor en El Gran Vázquez por culpa de una tiránica cuota de copias en catalán como condición para recibir las subvenciones.
Fandom Sitges propone a todo el público del Festival la creación de un documental
El objetivo es captar el ambiente de Sitges y hacer una crónica entre todos
Crear un documental entre todos. Este es el proyecto que propone Fandom Sitges para la edición de este año SITGES 2010 – 43 Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. Para participar en este proyecto colaborativo, hay que enviar uno o más vídeos de no más de un minuto de duración a http://www.fandomsitges.com/?lang=es. Se aceptan todo tipo de imágenes que tengan el festival como protagonista: aventuras cotidianas por Sitges, el ambiente en las colas, la vida nocturna u opiniones sobre las películas proyectadas.
El objetivo es captar el ambiente de Sitges y hacer una crónica entre todos. Los vídeos pueden enviarse del 7 al 24 de octubre. Las imágenes pueden estar grabadas usando el móvil o la cámara de vídeo. Se pueden enviar tantas piezas como se quiera, pero cada pieza no podrá superar el minuto de duración ni ocupar más de 200 MB.
Además, el autor del vídeo más original, divertido o interesante ganará una Butaca VIP para la edición del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya del año que viene y todos los que participen aprecerán citados en los créditos de la película.
Fandom Sitges pretende llevar el espíritu de las redes sociales a Sitges, precisamente el año en que el festival proyecta, como mínimo, tres películas relacionadas con el tema, y David Fincher estrena The Social Network sobre la creación de Facebook. Por otro lado, la autoedición, las películas hechas con el móvil y la creación cooperativa han ganado adeptos entre los usuarios de la red y los amantes del cine.
Fandom Sitges es un proyecto de la página web especializada en cine fantástico y de terror Judexfanzine, la promotora Road to the Cryptshow y el artista multimedia Garbi KW que cuenta con la colaboración de Brigadoon i SITGES 2010 – 43 Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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