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En septiembre Tod Browning asalta las librerias
Si hace bien poco pudimos congratularnos de la publicación del magnífico libro sobre James Whale escrito por Juan Andrés Pedrero Santos, en septiembre podremos comprar otro libro dedicado a otro gran director de cine fantástico (y no fantástico), Tod Browning.
Este libro, el número 87 de la colección Signo e imagen /Cineastas de editorial Cátedra y es un volumen del todo necesario ante la escasez actual de bibliografía en castellano sobre el director. Sobre su autor, el gaditano José Manuel Serrano Cueto hay poco que añadir, sus obras hablan sobradamente sobre su amor al cine, con especial dedicación al fantástico como demuestran sus libros Vincent Price, el villano exquisito (T&B Editores), Zombie Evolution (T&B Editores), Horrormanía (Alberto Santos Editor), De monstruos y hombres. Los reyes del terror dela Universal (T&B Editores) y en Italia, Jess Franco. Tutto Sul Suo Cinema «Spiazzante» Da Orson Welles Alla Pornografia (Profondo Rosso).
Estoy seguro de que la biografía de este director, que inició su carrera cinematográfica como actor pero desempeñó también labores de productor y guionista, nos ofrecerá suficientes atractivos como para que el libro de Serrano Cueto sea una lectura apasionante. Lamentablemente, parte de su filmografía está perdida o es difícil de visionar (con excepción de las mudas que se conservan con Lon Chaney de protagonista y varias de las sonoras), pero a bien seguro que descubriremos muchas facetas interesantes de este apasionante director.
No es muy abundante la bibliografía en inglés sobre el director, pero sí tiene gran calidad. Tenemos el gran libro Dark Carnival. The Secret World of Tod Browning, Hollywood Master of the Macabre (1995, Anchor Books /Doubleday), escrito por David J. Skal y Elias Savada, que en la actualidad se encuentra descatalogado. Se encuentan disponibles: Films of Tod Browning (Black Dog Publishing, 2006) y The Cinema of Tod Browning: Essays of the Macabre and Grotesque (McFarland), escritos por Bern Herzogenrath, además de algunos libros dedicados a sus films más conocidos como el magnífico Dracula (Magicimage, 1990), escrito por el especialista Philip J. Riley o Carnival from Hell. Tod Browning’s Freaks (Creation, 2010), edición limitada y numerada de 100 ejemplares que a pesar de sus 36 páginas y 54 fotografías alcanza cifras astronómicas.
En España hemos sido afortunados, ya que en 1996 el Festival de Cine de San Sebastián conjuntamente con la Filmoteca Española publican la edición en castellano del libro de Skal y Savada con el nombre de El carnaval de las tinieblas. El mundo secreto de Tod Browning, maestro de lo macabro en el cine de Holywood, un libro de lujo con infinidad de imágenes magníficamente reproducidas. Lamentablemente este volumen se encuentra descatalogado, así que el libro de Serrano Cueto cubrirá este hueco. También tenemos un magnífico estudio sobre Freaks: Guía para ver y analizarLa Paradade los Monstruos, escrito por Lucía Solaz Frasquet publicado por Nau Llibres /Octaedro en 2004.
Pero, ¿Porqué es tan necesario un libro sobre Tod Browning? Pues porque a pesar de la inmensa popularidad de varios de sus films como La parada de los monstruos (Freaks, 1932) o Drácula(1931), la vida y obra de Browning siguen siendo unos grandes desconocidos para el gran público. Proveniente del mundo del circo, que tan bien conocía y que tan bien reflejó
Tod Browning encendiento el farol de Lon Chaney en compañía de Edna Tichenor durante el rodaje de London After Midnight.
en varios de sus films, su filmografía contiene varias obras de arte de lo retorcido y de lo oscuro, especialmente durante su perfecta alianza con Lon Chaney, indiscutiblemente el más grande actor de cine que ha existido nunca, con quien retrató los bajos fondos y el mundo del hampa en, la felizmente recuperada recientemente La rosa del arroyo (The Wicked Darling, 1919), o en Fuera de la ley (Outside the Law, 1920) o en las dos versiones de El trío fantástico (The Unholy Three, 1925 y 1931) o en Maldad encubierta (The Black Bird, 1926) y Los antros del crimen (The Big City, 1928) pero también en otras fantásticas parábolas sobre el desamor y la venganza como son Garras humanas (The Unknown, 1927) y Los pantanos de Zanzibar (West of Zanzibar, 1928). El dúo Browning / Chaney nos ofrecieron dramas exóticos como La sangre manda (The Road to Mandalay, 1926) y Oriente (Where East Is East, 1929). Sin olvidar la película perdida más importante de la historia del cine, La casa del horror (London After Midnight, 1927) con la iconográfica caracterización de vampiro que creó el mítico hombre de las 1000 caras.
Sobre La parada de los monstruos (Freaks, 1932) ¿Qué más se puede decir? en la época fue denostada, mutilada (casi media hora tras el pre-estreno) y finalmente retirada, terminando alquilada por el genio del cine exploitation Dwain Esper, que la remontó y cortó a gusto, permaneciendo en su poder durante 25 años. Exhibida en sesiones especiales junto a espectáculos de feria, cambió su nombre a placer, proyectándose como Nature Mistakes, Love Live of Freaks e incluso Forbidden Love. Tras volver a su propietario original, Metro-Goldwyn-Mayer, estuvo en sus archivos hasta que la recuperó el Festival de Cannes en 1962, desde donde partió para diversos festivales convirtiéndose en inmortal. La versión que nos ha llegado no es, ni de lejos la que su creador parió, pero conformémonos, al menos podemos disfrutarla. En España nuestros abuelos y padres pudieron verla en la época y también en una reposición posterior durante los años cuarenta. Luego hubo que esperar a 1977, momento en el que la recuperó el Festival de Sitges. Un pase televisivo en los ochenta hizo sacar humo a los magnetoscopios, hasta llegar a la flamante edición en Dvd, que en su versión española venía acompañada de, además de unos magníficos extras presentes en la edición americana, otro film de Tod Browning, Garras humanas (The Unknown, 1927).
Tod Browning junto a Lon Chaney en una escena cortada de West of Zanzibar. Se puede ver que este "Pato Humano" es todo un antecedente de la posterior Cleopatra, la mujer gallina de Freaks.
Tod Browning también tiene otros films fantásticos de valor, ya que, además de en Drácula (1931), dirigió a Bela Lugosi en dos ocasiones más: en The Thirteenth Chair (1929) y en La marca del vampiro (Mark of the Vampire, 1935), nueva versión, ahora sonora de London After Midnight. Sin olvidar films como Muñecos infernales (The Devil-Doll, 1936) con un travestido Lionel Barrymore que rememora al Lon Chaney de El trío fantástico y un film menor pero de interés, Miracles for Sale (1939), último de su carrera.
Por todo ello creo que comprenderán las ganas que desde Proyecto Naschy tenemos de que este libro forme parte de nuestra polvorienta biblioteca de los horrores
Browning, Chaney y Lucky.
Memorial Paul Naschy de Halterofilia en Burgos
Gracias a que Clemencio Hernández ha compartido esta información con nosotros podemos reproducir esta imagen que, pese a su poca calidad, nos ha parecido lo suficientemente interesante. En ella podemos comprobar que Paul Naschy también es recordado por la faceta deportiva que tanto cultivó.
Clemencio detallaba en su nota lo siguiente: «Aunque un poco tarde os quiero comentar que en Burgos el sabado dia 9 de julio se celebrará el Memorial Paul Naschy de Halterofilia en la sala de Halterofilia del Polideportivo Municipal de «El Plantio» a partir de las 11 de la mañana con entrada gratuita Organizado por el Club HalterCastilla de Burgos (Ya hacia tiempo que esta ciudad se lo debia, esto y bastante mas)»
Poco más que añadir que dar de nuevo las gracias a Clemencio por su detalle.
Eva inaugura el Festival de Sitges 2011
 La película supone el debut en la dirección de Kike Maíllo (con una amplia trayectoria en publicidad y videoclips), y cuenta como protagonistas con Daniel Brühl (Malditos bastardos, Salvador), Marta Etura (Celda 211, Las trece rosas), Alberto Amman (Celda 211, Lope),Lluís Homar (Los abrazos rotos, La ciudad de los prodigios) y la presentación de la niña Claudia Vega como Eva.EVA es la primera película de robots producida en España, y surge del proyecto Ópera Prima de ESCAC/Escándalo Films. La cinta cuenta con un equipo técnico de altísimo nivel formado en la ESCAC, en el que destacan Elena Ruiz (montaje de El Orfanato), Lluís Castells (Goya a los efectos especiales por El Orfanato) y Oriol Tarragó (Goya diseño de sonido por El Orfanato).
La película combina una trama emocional centrada en los conflictos personales de los protagonistas con una reflexión sobre la relación entre humanos y máquinas. Con una puesta en escena innovadora y una estética retrofuturista, EVA pretende aproximar la ciencia ficción al gran público con una historia alejada de los tópicos del género, una aventura dramática que plantea un debate de absoluta actualidad.
Sinopsis
En un futuro próximo en el que los seres humanos viven junto a criaturas mecánicas, Alex, un reputado ingeniero cibernético, regresa a Santa Irene con el encargo específico de la Facultad de Robótica de crear un niño robot. En estos diez años de ausencia, la vida ha seguido su curso para su hermano David y para Lana que, tras la marcha de Alex, rehízo su vida. La rutina de Alex se verá alterada de forma inesperada por Eva, la hija de Lana y David, una niña especial y magnética, que desde el primer momento establece una relación de complicidad con Alex. Juntos emprenderán un viaje que les precipitará a un final revelador.
 Tras su estreno en el Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya / Sitges, el día 6 de octubre, Paramount Pictures estrenará EVA en cines de toda España en Otoño de 2011. |
Muere Anna Massey: Entre el frenesí y el pánico
No sé si formará parte de mis numerosas perversiones, pero desde que ví El fotógrafo del Pánico (Peeping Tom, 1960 Michael Powell), Anna Massey formó parte de mi catálogo de actrices que, si bien no tienen una belleza que entre dentro de los cánones al uso, tienen algo que me cautiva. Hay que decir que, naturalmente la película es fascinante, como lo es el ver al chico mono Karl Böhm totalmente enloquecido. Un Karl Böhm que poco antes estaba haciendo suspirar a muchas mujeres del mundo deseando haber sido ellas y no Romy Schneider la que compartiera 
el trono (y el catre) con el Kaiser Franz Joseph en Sissí (1955 Ernst Marischka) y todas sus secuelas. También es fascinante ver lo moderno y sórdido que se ve el tema de las fotografías eróticas que se vendian de tapadillo. Sorprendente es también la perversión que demuestra cuando no se resiste a fotografiar a la modelo con cicatriz . Irresistible es la danza de la preciosa pelirroja Moira Shearer, actriz que ya nos dejó boquiabiertos en Las zapatillas rojas (The Red Shoes, 1948) o en Los cuentos de Hoffmman (The Tales of Hoffman, 1951) también de Powell. Perverso es ver como el padre del fotógrafo (interpretado por el mismo Powell) experimenta con su hijo hasta hacerle enloquecer protagonizando un «Gran hermano» sin «edredoning». Fascinante es, en resumen por infinidad de cosas que un cinéfilo inteligente (o alguien sencillamente inteligente), sabrá ver mejor que yo, pero… también me fascina Anna Massey, que uno no se imagina de pareja de Böhn, ya que es el patito feo en un film repleto de modelos y bellezas. No es débil pero parece un pájaro asustado. Es inteligente y sabe ver la diferencia y el dolor en el personaje que interpreta Böhn. Lo entiende perfectamente porque quizás ella se siente igual. Y… la veo bella, con esa mirada entre triste y curiosa, con ese cuello (¡Qué cuello más largo!) y con esa sencillez y mirada repleta de inteligencia. Por eso cuando ha fallecido me han venido imágenes de ella en esta y otra de mis películas favoritas, donde tiene una muerte no mostrada que nos resulta más dolorosa que el famoso extrangulamiento/violación con la que Hitch nos obsequia en otro momento de la película.
Anna Massey era una gran actriz. Una señora de la interpretación que llevaba los genes en la sangre ya que esta británica era hija de los actores Adrianne Allen y Raymond Massey (que los fans del fantástico recordamos por El caserón de las sombras (The Old Dark House, 1932 James Whale) y La vida futura (Things to Come, 1936 William Cameron Menzies) .
Nacida en 1937 debuta en el teatro a los 17 años, en 1955 a pesar de que no haber recibido formación en arte dramático. Ya les he dicho, cuestión de genes. En 1958 entra en el mundo del cine de la mano de John Ford con Un crimen por hora (Gideon’s Day), pero es en 1960 cuando interpreta uno de los papeles que le hicieron espacio en mi corazón (y en el de muchos /as): El fotógrafo del pánico (Peeping Tom), otra de las obras maestras de Michael Powell. Entre otros papeles destacados cabe resaltar su actuación en El rapto de Bunny Lake (Bunny Lake is missing, 1965 Otto Preminger), junto al gran Laurence Olivier y, por supuesto su interpretación como la camarera cockney Bubs en Frenesí (Frenzy, 1972 Alfred Hitchcock). Sin olvidar sus intervenciones en la producción Amicus, La bóveda de los horrores (The Vault of Horror, 1973 Roy Ward Baker), El maquinista (The Machinist, 2004 Brad Anderson) o Los crímenes de Oxford (The Oxford Murders, 2008 Álex de la Iglesia), por poner tres motas en una larguísima carrera.
La actriz trabajó tanto en el cine como en el teatro, aunque su carrera se desarrolló especialmente en televisión, obteniendo gallardones que incluyen el de Commander of the Order of the Brithish Empire en 2004, otorgado por la reina por su contribución al arte dramático.
Escribió su autobiografía Telling Some Tales en 2006 y falleció el 3 de julio a los 73 años de un cáncer.
Quedará siempre viva en nuestra memoria su Helen, superviviente del enloquecido y roto fotógrafo snuff Mark Lewis, pero no del sádico y cabrón Robert Rusk, interpretado deliciosamente por Barry Foster en el film de Hitch.
Cambio de papeles: ahora la amenaza es ella en el episodio Midnight Mess de la película The Vault of Horror.
El Festival de Sitges siempre será una fiesta: primer avance de la programación 2011
Siempre una de las grandes incógnitas en estas fechas es saber cuál va a ser el leit motiv del Festival de Sitges, que en las últimas ediciones giró en torno al aniversario de alguna película. Y por ahí se barajaban, como siempre, las hipótesis: ¿Quizás La Naranja mecánica que cumple cuarenta lozanos años? ¿Que tal Tiburón que inauguró esa magnifica iniciativa que es el Phenomena en Barcelona justo treinta y cinco años después y en el mismo cine que vio su estreno un diciembre de hace tanto?
Pues no, no había que ir a mirar tan lejos, aunque si iban bien los tiros que apuntaban a Kubrick y a Spielberg: se celebra este año el décimo aniversario de Inteligencia Artificial, ideada por el primero y producida y dirigida por el segundo. Criticada en su estreno esta película que nos cuenta la historia de un niño robot de última generación, tan desarrollado que hasta tiene sentimientos y crisis de identidad, actualmente es vista por las nuevas generaciones como película de culto, con la excelente interpretación del prodigio Haley Joel Osment en el papel protagonista como nexo que les hace conectar al ser este de su misma quinta.
Pero este año Sitges riza el rizo y no se queda sólo en la película, al contrario ésta no es más que una excusa para reflexionar con buen cine sobre un tema que ahora es candente: el de la inteligencia artificial, el de la robótica, que junto a la ingeniería genética son los temas estrellas en el mundo científico y los que más dilemas éticos ofrecen al mejor estilo Frankenstein: la posibilidad de crear vida a nuestra imagen y semejanza cual si hubiéramos llegado a ser dioses sin dejar, todavía, de ser mortales.
Y esa reflexión está presente desde la inauguración que en esta 44 edición recae sobre La ópera prima de Kike Maíllo, Eva, ciencia ficción española de primer nivel, y que protagoniza además otra efemérides: la de ser la primera vez que se inaugura el festival con una película rodada en catalán y en su versión original.
Según sus creadores, “EVA narra la historia de un regreso, de un reencuentro, de una pérdida”, quienes la han visto ya antes de su premier mundial nos advierten que mezcla melodrama, ciencia ficción y terror todo ello apoyado en un argumento solvente y unos efectos especiales espectaculares. Se trata, pues, de un fantástico distinto al de hace treinta años, más abierto al eclecticismo y a la difuminación de los límites entre géneros, y por el que ya apostaba decididamente Ángel Sala, director del Festival, hace un año en su libro Profanando el sueño de los muertos. Este nuevo fantástico es el que está convirtiendo a nuestro género favorito, y que tantos habían considerado hermano menor, en el más rico actualmente y el que más puertas está abriendo al cine. De hermano menor a género de prestigio gracias a su apertura hacia el mestizaje, está demostrando que lo fantástico es la base de la ficción, que es casi tanto como decir la base del cine. Su abundante presencia en Cannes no es más que un ejemplo de la consolidación de estos nuevos aires por los que se adentra el Festival de Sitges con Ángel sala a su cabeza.
Y si de nuevo cine fantástico había de nutrirse, en Sitges no podía faltar la esperadísima Mientras duermes de Jaume Balagueró, que no es sólo otra película de terror española más. No es terror gótico como lo fue El Orfanato (2007, Juan Antonio Bayona), tampoco terror documental (falso documental, mejor) como Rec (2007), simplemente juega en otra liga y lleva al siempre inquieto director catalán a hurgar en ese terror que puede esconder lo más cotidiano. En perfecto tándem con Luis Tosar (Celda 211), Balagueró nos retrata a un anodino portero, esa figura que pasa desapercibida para los inquilinos pero para quien ellos, los inquilinos, no tienen ningún secreto hasta el punto de que podrían manipular sus vidas, hacer que sus existencias se convirtieran en pesadillas. Como el protagonista de una oscura pesadilla Luis Tosar nos va a hacer saber qué es el miedo, qué la maldad. Y Balagueró nos vuelve a llevar por un camino que ya transitó con su episodio televisivo, de la serie Películas para no dormir, Para entrar a vivir (2006).
¿Alguien podrá dormir después de verla? Los fanáticos de Sitges somos gente curtida y encima disfrutamos sufriendo, pero por si necesitásemos un poco de humor para compensar, ahí va a estar la Zombiewalk. El 14 de octubre (a dos días del cierre del festival) las calles de la Blanca Subur se llenarán de nuevo de traviesos muertos vivientes y este año, además, puede que anden a ritmo de salsa porque la película que ha sido elegida por el staff para el evento es la cubana Juan de los muertos (2011, Alejandro Brugués), una locura a lo Zombieland (2009, Rubén Fleischer) pero con ritmos más calientes. Y quien esto escribe está esperando ya verla, porque promete, promete, promete.
En este blog no nos cansamos de repetir que el cine de terror está viviendo un buen momento en toda Latinoamérica, si el año pasado disfrutábamos, de producciones uruguayas, argentinas y mexicanas, este año le ha tocado el turno a Cuba, Brasil (Trabalhar cansa, de Marco Dutra y Juliana Rojas) y nuevamente Argentina.
Desde el país del tango y el Rojo Sangre, nos llega el documental La mujer del Eternauta (Adán Aliaga) sobre el cómic del mismo título, porque la no ficción también tiene cabida, sobre todo cuando se estudia una realidad tan terrorífica como fue la dictadura de Videla. Esta película además nos permitirá profundizar en la relación cómic-cine que tendrá su parte importante durante el certamen al colaborar el Ficómic, colaboración que ya se inició durante el pasado Salón del Cómic de Barcelona con la exposición Zombies, ni muertos ni enterrados, veremos qué sorpresa nos depara esta nueva colaboración.
Y en el campo de las colaboraciones hay que destacar la que ya se inició el pasado año con la Filmoteca de Cataluña, que este año se materializará con un ciclo sobre Bigas Luna paralelo al festival y uno posterior en el que podrán volver a verse las cintas proyectadas en la sección Seven Chances.
El Festival de Sitges es estresante, como dice Ángel Sala y como yo pude confirmarlo en carnes; pero también es intenso, una experiencia única en la que todo cabe, la ficción, el documental, las óperas primas, las retrospectivas, las nuevas y viejas visiones. Hay secciones para todos los gustos: Brigadoon, siempre descubriendo nuevos talentos entre el fandom más cercano al público; el Midnight X-treme del que surge el premio del jurado joven (colaboración con el Carnet Jove) y la animación que esta vez irá más allá de las proyecciones del Anima’t. Precisamente una de las películas que más expectativas despierta es Les Contes de la Nuit (Michel Ocelot) largometraje de animación en 3D que representó a Francia en la Berlinale.
El 3D irrumpió de lleno con Avatar (2010, James Cameron), apenas un año después ya se oyen voces de su fracaso. Pero, ¿Realmente ha fracasado? ¿No será que al convertirse en moda demasiados se han apuntado al carro? ¿El problema no serán las películas rodadas en 2D y reconvertidas artificialmente a 3D? Las tres dimensiones no se agotan en los efectos de feria, en lanzar objetos a los espectadores, aunque muchos lo hayan entendido así y por ello estén matando una perspectiva que puede darle al cine nuevos campos de investigación de la imagen. EL 3D exige por parte del director pensar los planos en las tres dimensiones con las que tiene ocasión de jugar. Cuando así se hace se logra una atmósfera que la imagen plana que conocemos no puede ni soñar. En su 44 edición, el Festival tendra uno de sus focos en la análisis del 3D y sus posibilidades: desde la de sembrar inquietud como ocurre en la excelente The Mortician (Gareth Maxwell Roberts) hasta la divertida (aunque no todos la califican así) producción hongkonita 3D Sex and zen: Extreme Ecstasy (Christopher Sun Lap Key).
Mucho y bueno podremos disfrutar en la bella Sitges desde el 6 de octubre hasta el 16. Además de los títulos nombrados están confirmados ya: Emergo del novel director catalán Carlos Torrens, película que cuenta con Rodrigo Cortés (Buried, 2010) como guionista, The Turin Horse (Bèla Tarr), The Yellow Sea de Na Hong-jin (Corea), Grave Encounters (The Vicious Brothers) y la esperada Burke and Hare de John Landis, inspirada en el popular cuento de Robert Louis Stevenson basado en un hecho real del que ya existe un excelente film de Val Lewton, El ladrón de cadáveres (The Body Snatcher, 1945), bajo la dirección de Robert Wise y con la soberbia actuación de Boris Karloff. La versión de Landis que se proyectará en Sitges, tendrá una presentación muy, muy, especial, según ha afirmado enigmáticamente Ángel Sala en la rueda de prensa.
John Landis ya ha estado en otras ediciones del Festival de Sitges, como en esta ocasión en la que entregó a Paul Naschy el premio Máquina del Tiempo
La programación está ya muy avanzada pero aún no está cerrada, eso se espera que sea sobre agosto, pero no era el principal objetivo hoy. Hoy se trataba de desvelar el Leit Motiv y, cómo no, la imagen que representará al festival. Si el año pasado teníamos a dos encantadores gemelas, esta vez contaremos con doble cartel, en uno aparentemente se retrata a un hombre y en el otro aparentemente a una mujer:
Y digo aparentemente porque no lo son. Se trata de los Geminoides diseñados por el profesor Ishiguro, esto es, clones cibernéticos. Si cada cual tuviera el suyo podría mandarlo al trabajo y mientras tanto dedicarse al dolce fare niente donde más nos apeteciera. ¿Sugerente, no? ¿Pero todo se acaba ahí? El profesor Ishiguro estará en Sitges dando una clase magistral y allí podrá preguntársele que posibles efectos adversos podría tener convertir la tierra en un gran mundo de dobles. El tema del doble ha intrigado desde siempre a la literatura fantástica y por ende al cine desde sus propios inicios, siempre para plantearse la dualidad bien y mal; siempre uno de los gemelos es malvado, desde el Hyde de Stevenson al gemelo de El Otro (The Other, 1972) de Robert Mulligan. Estos geminoides, ¿Sólo se limitarán a reproducir un programa instalado en ellos? ¿No cabe la más remota posibilidad de que acaben desarrollando su propio pensamiento como lo hizo el ya mítico Hal 9000 de Kubrick? Todas esas incógnitas nos trae la Inteligencia Artificial.
Como en un círculo mágico el cartel remite al Leit Motiv y viceversa, y lo hace de un modo más inquietante y complejo que otros años. Aunque parezca siempre imposible, como los juegos olímpicos, está será la mejor edición de todos los tiempos.
Allí estará Serendipia para vivirlo, disfrutarlo y compartirlo. Hoy de momento ya se ha entusiasmado con la presentación (y el cava que ha venido después). Porque allí estaba esta mañana… ¿o acaso estaba su doppelgänger?
¿Serían capaces de reconocer a este ser dual que les escribe?
El Buque Maldito nos trae a… Umberto Lenzi
El Buque Maldito sigue su andadura. De momento ha salido un lustroso número 15 con el que ya nos hemos hecho. Ha crecido de tamaño y este cambio de formato beneficia y hace más atractivo al fanzine. Los contenidos son de lo más sabrosos: un homenaje a Juan Piquer Simón que consiste en una entrevista al recien fallecido director y un artículo de David Pizarro sobre el universo Verne tan querido del cineasta. Entre otros artículos interesantes destacamos los de Jordi Gigó o las entrevista a Miguel Ángel Vivas (director de la genial y sorprendente Secuestrados), Alberto de Martino, Paco Plaza, Javier Aguirre y Simón Andreu. Con el fanzine en la calle, su creador Diego López puede centrarse en el Festival de Sitges, ya que es el responsable del Brigadoon, pero antes aún nos reserva una proyección en Garcilaso, y además una de altura, ya que el 17 de septiembre podremos ver La invasión de los zombies atómicos (Incubo sulla città contaminata, 1980), coproducción entre España, México e Italia que nos sorprendió, además de por un reparto que mezcla a Mel Ferrer, Paco Rabal o Manuel Zarzo, por los ágiles y veloces zombies que vemos, en unos tiempos en los que todos eran lentos, como ustedes ya saben bien. En todo caso, lo mejor es que 
contaremos con las presencia de su director Umberto Lenzi, gran autor de policiacos y de uno de los títulos más prohibidos del cine (¡en 31 paises!) y gran favorito del que les escribe esto: Canibal Feroz (Cannibal Ferox, 1981), una burrada que me parece el gran paradigma del cine de caníbales, mucho mejor (bajo mi punto de vista) que la tan valorada Holocausto Canibal (Cannibal Holocaust, 1979), de Ruggero Deodato.
Pero el director tiene otros muchos títulos destacables como Comidos Vivos (Mangiati Vivi, 1980) o los que protagonizó Carroll Baker: Orgasmo (1969), Así de dulce, así de maravillosa (Cosi dolce… cosi perversa, 1969) o Una droga llamada Helen (Paranoia, 1970) entre una gran filmografía, en gran parte desconocida para nosotros en la que destaca el género policíaco. Así que es una buena ocasión para ver un film raro de ver en buenas condiciones y contando con su director que, como es habitual contestará a las preguntas del público en el coloquio posterior a la proyección.
… y después… ¡¡¡Sitges!!!
Cada vez más cerca el libro Juan Piquer Simón, mago de la serie B
Ahora sí que parece inminente la salida a la venta del libro Juan Piquer Simón, mago de la serie B que ya les avisamos que se estaba cocinando. De momento tenemos la portada definitiva. Se trata de un trabajo conjunto coordinado por Jorge Juan Adsuara con prólogo de la hija del cineasta Isabel Piquer y con trabajos de colaboradores y periodistas, entre los que están Mirek Lipinski (Latarnia /Naschy.com), Diego Morán, Jesús Parrado, Salvador Sáinz, Antonio Garcinuño, Domingo Lizcaino, Luis Silvestre, Javier G. Romero (Quatermass) , Miguel Ángel Plana, Antonio Busquets, Sergio Blasco, Olatz Azurmendi, Pedro Adell, Rubén Higueras, Juan Ángel Saiz, Ana Martí, José Luis Estébenez y servidor de ustedes, que colaborará con la entrevista realizada a Emilio Linder, aunque supongo que ilustrada con algunas fotos inéditas que nos envió el mismo actor. Seguiremos informando.
¡¡Locos estamos de ganas de verlo, oigan!!
Hemos leido el libro James Whale. El padre de Frankenstein y nos ha encantado
En algún sitio leí (o escuché) que a los fans de los films clásicos de terror de Universal nos encantaría meternos en el rodaje y compartir escenas con nuestros monstruos predilectos, de ahí que veamos mil veces las películas buscando pequeños detalles que se nos hayan escapado, leamos todo libro que cae en nuestras manos buscando ese dato que no conocíamos y analicemos cada fotografía minuciosamente. Los más bizarros (entre los que me incluyo) recolectan pequeños vestigios de aquella época como programas, carteles o incluso algún autógrafo (no de los protagonistas, piezas cotizadísimas para el que les cuenta esto) sino de algún co-protagonista o actor que trabajó con ellos. Por no hablar del merchandising que hace desesperar al más equilibrado de los ya de por sí desequilibrados fans. Vemos mil y una veces documentales buscando esa escena cortada o ampliada y… por supuesto también leemos libros, y aunque sobre el tema se han publicado muchos, uno no puede más que alegrarse cuando lee uno que realmente vale la pena. Así que, si hace un tiempo os informábamos de la inminente salida al mercado de un libro que parecía, así de entrada de lo más interesante, nos complace, una vez leído, confirmarlo: estamos ante un libro imprescindible para los amantes del cine de terror y del cine en general. Uno volumen definitivo, especializado y necesario, ya que si sobre cine de terror o sobre los monstruos de Universal ya comienza a haber suficiente bibliografía, ahora toca hacer obras más especializadas y concretas. Si de otros actores o directores, como por ejemplo Bela Lugosi,
James Whale: un dandy por generación expontanea
Lon Chaney o Ed Wood, las obras editadas en castellano no hacen olvidar los maravillosos trabajos que se han publicado en Estados Unidos escritos respectivamente por Gary D. Rhodes, Michael F. Blake y Rudoph Grey , eso no pasa con este libro, aquí tenemos una obra definitiva que complementa y actualiza perfectamente el libro que sobre James Whale escribió James Curtis y cuya versión española editó en 1989 el Festival Internacional de cine de San Sebastián conjuntamente con Filmoteca Española, una obra que, si bien sirve de referencia para Juan Andrés Pedrero Santos, ni mucho menos lastra su libro, que resulta ser una obra más personal y viva, mucho más que un frío recuento de datos. Derrocha pasión por el director y por el cine.
James Whale, El padre de Frankenstein es el tercer libro escrito por el madrileño Juan Andrés Pedrero Santos, cinéfilo y aficionado a los cómics que, en los ratos libres que les deja su trabajo, escribe sobre cine en Scifiworld Magazine y en las webs amigas Pasadizo.com y La Abadía de Berzano. También es responsable de otros dos interesantes libros: Terror Cinema (2008, Calamar Ediciones) y Johnny Weissmuller. Biografía (2010, T&B Editores) Pero… ¿Como nace este proyecto? Dejemos que nos lo cuente el propio autor:
«En mi caso, el objetivo prioritario a cumplir siempre que encaro un nuevo proyecto va a ser, dentro de lo posible, escribir sobre algo que aporte novedad al mercado editorial, o al menos que refresque una temática o una personalidad que ande un poco olvidada y merezca su revisión y recuerdo. Ese no fue el caso de mi primer libro “Terror Cinema”, pero a partir de ahí esas son la directrices que me marco. Ya digo, siempre en la medida de lo posible. La crisis ha provocado que muchos proyectos, a priori atractivos, puedan ser rechazados por las editoriales que temen (con razón) su supuesta poca comercialidad.
Concretamente hablando de James Whale, no cabe duda de que es un cineasta importante para el cine fantástico, pues sus cuatro películas dedicadas al género pueden estar en cualquier lista que se haga sobre lo mejor del mismo; siempre según gustos. Pero lo que más me atraía y hacía de Whale un personaje interesante estaba en el gran desconocimiento que existe (aparte de su homosexualidad, algo bien conocido) sobre los detalles de su vida y del resto de su filmografía; elementos que merecen una mayor difusión. Además, Whale, lejos de ser un artesano a sueldo de un gran estudio, siempre destacó por su comportamiento un tanto díscolo, siempre que le dejaban, muy afín a su carácter y personalidad. Y el ejemplo más claro es La novia de Frankenstein, su indiscutible y siempre rica obra maestra».
Jack Pierce acompaña a un Boris Karloff con el maquillaje tapado para evitar accidentes
Juan Andrés edita este libro muy poco después (un año) de su anterior obra dedicada a Johnny Weissmuller ¿Como ha afrontado la creación del libro?
«Por mi experiencia –ya tengo tres libros publicados y otro (del que no voy a desvelar nada) en un tercio de su probable extensión–, puedo decir que el tiempo habitual de documentación y escritura está en algo más de un año. El resto de mis ocupaciones (las que me dan de comer) y la familia no me dejan tiempo para ser más rápido. Por otro lado no creo que nunca me plantee temáticas o estudios de directores cuya filmografía sea muy extensa, pues me quemaría demasiado y no me veo capaz de soportar mucho más de un año con un proyecto abierto sin verle el final. Eso sí, cuando acabo un libro siempre me digo que me tomaré unos cuantos meses de descanso para leer libros y cómics, y ver películas sobre las que no tenga que escribir, pero cuando pasan dos meses ya no quepo dentro de mí y ya comienzo a volverme loco pensando en cual va a ser mi siguiente libro».
El libro es muy completo y minucioso. El autor repasa todos los films de Whale y los comenta, descubriendo algunos detalles desconocidos de los rodajes de nuestras películas favoritas, deteniéndose para descubrirnos nuevos matices que obligan a volver a repasar (y gozar) la filmografía del director, al menos de los títulos accesibles, ya que, quitando los grandes clásicos, no todos son tan fáciles de visionar. El mismo Juan Andrés nos cuenta como ha conseguido acceder a los más raros:
(…) «Actualmente Internet es una maravilla que permite encontrar casi cualquier cosa. Y no me refiero a bajarse ilegalmente películas para ahorrarse un dinero, sino que te hablo de películas que jamás se han editado en ningún país ni en video ni en dvd, y que gracias a estar disponibles en Internet emisiones en alguna televisión del mundo se tiene acceso a ellas. Te puedo decir que casos como dos de las películas bélicas de Whale, me refiero a Journey´s End y The Road Back, me han tardado en bajar más de dos meses cada una, con el ordenador echando humo las veinticuatro horas. Así de escasas son las fuentes que las tenían disponibles; pero al final se consiguió, al igual que fue el caso de otras. Podrías decirme que porqué no solicite ayuda dela Filmoteca, por ejemplo; organismo que me consta que es muy amable y se desvive en este tipo de cosas, lo cual es muy de agradecer, pero si te dejaran ver las películas en pantalla grande se lo podía uno pensar; no obstante al final solo la puedes ver en unas condiciones similares a visionarlas en tu casa; con lo que tampoco ganas mucho; siempre, claro, contando con la ayuda de Internet como recurso sustitutivo».
Digiendo El hombre invisible
También es muy acertado el retrato biográfico del director, aunque uno hubiera deseado quizás ahondar más pero, según me comenta el propio Juan Andrés, “la única información de este señor es básicamente el libro de James Curtis”
Y todo ello escrito con sencillez y con las notas necesarias para hacer el texto asequible a todo tipo de lector, no únicamente cinéfilos empedernidos, que tendrán ocasión de, por medio de la carrera de Whale, repasar la historia misma del cine.
Si el anterior libro sobre Weissmuller ya fue un trabajo necesario y atractivo para el que escribe esto, este me ha encantado mucho más, es posible que a ello haya contribuido la riqueza de sus imágenes: fotos de calidad cristalina, interesantes carteles, programas de mano y lobby cards. Ese mimo merece un capítulo aparte: Nos lo explica el propio Juan Andrés:
(…) «Salvo un par de dibujos que han sido capricho mío (me refiero al de Alfonso Zapico y al de Corben; el primero de ellos dibujado por el asturiano en exclusiva para mi libro, lo cual siempre lo agradeceré en el alma) todo el material lo ha seleccionado y buscado Miguel San José Romano, el editor responsable de Calamar Ediciones. De este señor siempre podré decir que con él por medio uno puede estar seguro de que la edición (formato, diseño de portada, maquetación, título del libro,…) en cualquier caso siempre será sobresaliente; lo cual es una tranquilidad para el autor, pues aunque parezca fácil desde fuera, no hay más que ver lo desastroso y feo de los diseños y maquetaciones de otras editoriales. Miguel nunca falla».
Y si he disfrutado con las imágenes, también lo he hecho con su lectura, que se me ha hecho corta. Aunque me tranquiliza intuir que el libro de Pedrero es uno de esos que con el tiempo vuelves a leer, aunque sea en espera de su próxima obra, así que no puedo evitar pedirle a Juan Andrés que nos hable, si no es supersticioso, del proyecto que tiene en cartera:
«No soy supersticioso, pero el mundo editorial no está como para ir dando ideas a los colegas escritores. Bastante se rompe uno la cabeza buscando temáticas de interés que no estén trilladas como para dárselo todo hecho a algún competidor más rápido que uno mismo, je je. Solo te diré que, como decía antes, lo duro del mercado del libro me ha obligado a ser un poco más comercial en el proyecto que tengo entre manos, pues proyectos algo menos comerciales me fueron rechazados por varias editoriales y, como también dije antes, yo no puedo estar sin escribir, necesito estar siempre liado con algo. Volviendo a James Whale, solo espero que los lectores se sientan satisfechos con el intento que el libro supone de dar a conocer un director del que hay muy pocos estudios sobre su obra al completo y ninguno en castellano, salvo la traducción que la Filmoteca y el Festival de San Sebastian hicieron del trabajo de James Curtis en 1989; un libro, por otro lado, imprescindible. Existen estudios parciales de sus películas más conocidas, y muy poco escrito (en realidad una o dos cosas en inglés) sobre su biografía. Por eso creo que es un trabajo bonito e interesante. Si lo he conseguido o no serán los lectores quienes lo juzguen. También quisiera dar las gracias a Guillermo del Toro por su amabilidad a la hora de redactar un prólogo como solo él era capaz de hacerlo, cosa que da buen empaque al libro ya de entrada; y, como te puedes imaginar, todo un orgullo para mí. Aprovecho también para darte a ti, Carlos, las gracias por tu interés por el libro y por esta entrevista».
Gracias a ti Juan Andrés y esperamos ya con impaciencia ese nuevo proyecto del que, por supuesto os mantendremos puntualmente informados.
La criatura siempre viva (incluso en el futuro) vista por Richard Corben.
Nuevos lanzamientos en dvd de 39 Escalones: Sherlock Holmes, lucha libre y mucho más.
Aquí tenemos una nueva tanda de lanzamientos en dvd de 39 Escalones. Estos son los que nos parecen más interesantes por diferentes motivos:
SHERLOCK HOLMES Y EL PERRO DE LOS BASKERVILLE (1939, de Sidney Lanfiled con Basil Rathbone y Nigel Bruce): En las llanuras de la campiña inglesa habita un perro salvaje que, poco a poco, está acabando con la vida de todos los herederos de la familia Baskerville. Ante la llegada del último heredero para recoger su herencia estos deciden ponerse en contacto con el gran detective Sherlock Holmes. Incluye el documental: “Elemental, querido Watson: la sombra de Sherlock Holmes” (55 mins. vos)
IDIOMAS: CASTELLANO 2.0, INGLÉS 2.0 SUBTÍTULOS: CASTELLANO. 1939. B/N
SHERLOCK HOLMES CONTRA MORIARTY (1939, de Alfred L. Werker con Basil Rathbone y Nigel Bruce): Tras una serie de enfrentamientos el pérfido Moriarty, el genio del mal, traza un plan con el que intentará destruir la reputación de Sherlock Holmes . Incluye en exclusiva una presentación en la que Sir Arthur Conan Doyle habla del personaje de Sherlock Holmes (5 mins. vos) IDIOMAS: CASTELLANO 2.0, INGLÉS 2.0 SUBTÍTULOS: CASTELLANO. 1939. B/N
Pero en 1939 se inicia este pequeño e interesante ciclo dedicado al investigador creado por Sir Arthur Conan Doyle con El perro de Baskerville (The Hound of the Baskervilles) dirigida por Sidney Lanfield, film que adapta la novela más cercana al género terrorífico de las protagonizadas por Sherlock Holmes. También es la que conoce más versiones, al ser adaptada en siete ocasiones, entre ellas por el estudio inglés Hammer Films en 1959, contando con la participación de Peter Cushing (Holmes) y Christopher Lee.
Pero sin duda la versión de la 20th Century Fox queda como una de las mejores (sino la mejor), al igual que los actores seleccionados para interpretar a Sherlock Holmes y al Dr. Watson, Basil Rathbone y Nigel Bruce respectivamente, que quedarán como los más memorables y representativos, tanto que repetirán papel en trece films más. En esta adaptación, además contaron con la estimable colaboración de los viejos conocidos Lionel Atwill y John Carradine.
A pesar de los satisfactorios resultados, el estudio prefiere ceder la franquicia a Universal, estudio que de 1942 a 1946 estrena ¡Doce títulos más!, haciendo que Basil Rathbone reniegue de haber dicho que ”hacer de Sherlock Holmes era mejor que interpretar a diez Hamlets”. Este prolongado ciclo de Universal sufrió carencias de presupuesto, pero aún así no deja de tener su interés, dejando cintas muy entretenidas con la participación de actores y actrices familiares para el fan del ciclo de terror Universal como Evelyn Ankers (The Wolf Man, The Ghost of Frankenstein, Son of Dracula…); Lionel Atwill (The Ghost of Frankenstein, Frankenstein meets the Wolf Man, House of Frankenstein, House of Dracula…); George Zucco (The Mummy’s Hand, The Mummy’s Tomb, House of Frankenstein…) o Rondo –The Creeper– Hatton (House of Horrors, The Pearl of Death).
Las de Universal han estado disponibles en el mercado de video y dvd bastantes veces, y muchas de ellas en circunstancias lamentables, pero no tanto las dos inaugurales del ciclo de 20th Century Fox, así que es un lujo y un privilegio el hacerse con estas cuidadas ediciones que recientemente ha editado 39 Escalones en optimas condiciones de sonido (VOS Castellano o en castellano) e imagen que incluyen interesantes extras: Sherlock Holmes y el perro de los Baskervilles contiene el documental de una hora dirigido por el estudioso Philip Gardiner, en el que entre otras cosas, se analiza a Watson como reencarnación literaria del propio escritor, además de estudiar las conexiones del autor con lo sobrenatural y la influencia en su obra y en el personaje de Sherlock Holmes.
Por su parte, Sherlock Holmes contra Moriarty incluye como extra un audiocomentario del mismo Conan Doyle sobre Sherlock Holmes y lo sobrenatural.
Anteriormente editadas en formato pack, ahora pueden adquirirse de forma individual.
CARNE (FLESH) –LOS IMPRESCINDIBLES
Al contrario que Champ, en la que el interés del Wallace Beery es su hijo, magistralmente interpretado por Jackie Cooper, en Carne tenemos a Laura (Karen Morlay) como objeto del deseo del luchador Polakai, ya que por ella hará todo lo que sea, y todo ello en una película anterior al código Hays, por lo que se ven ciertas situaciones que tras el dichoso código de decencia, no volverán a darse. Pero descuiden, no desvelaré espoilers sobre un argumento en el que colaboró el mismísimo William Faulkner.
Programa original español doble cerrado.
Walter Ruben) y por el de Sheila Barton en la mítica La Máscara de Fu-Manchú (The Mask of Fu-Manchu, 1932 Charles Brabin). Pero también estará en nuestros corazónes por su estupenda Poppy en Scarface, el terror del hampa (Scarface, 1932 Howard Hawks y Richard Rosson).
Imagen publicitaria de época.
apreciar el juego linguístico que los actores hacen con el inglés y el alemán, altamente conseguido. La imagen es sencillamente preciosa, con una gama de grises perfecta.
MELODY-Libreto con textos y materiales originales del estreno cinematográfico en España.
-Canciones de la película (The Bee Gees) subtituladas..
GENOCIDIO (GENOCIDE)
«En una interpretación utilizas todo lo que tienes a tu alcance:experiencias, técnicas y vivencias»: Conversación con José Ruiz Lifante (2ª Parte)
Como el «enterrador», anfitrion de la serie web Cementerio de historias.
Aquí tenemos la segunda parte de la extensa entrevista con José Lifante. Como podreis ver, lo que nos cuenta el actor es tan o más interesante que lo que nos dijo en la primera parte. Si en aquella nos hablaba más de sus inicios en el cine, del Drácula teatral y de nuestra amada No profanar el sueño de los muertos, aquí continuamos repasando su carrera y de paso el cine español, en una conversación que tal y como indica el propio José daría para escribir un libro de lo más interesante… ¿Quien sabe?
Continuamos la entrevista donde la dejamos:
– Durante esos años intervienes en varias películas más pertenecientes al boom del cine de terror español, aunque ninguna de la categoría de No profanar el sueño de los muertos, entre ellas El juego del diablo (1974, Jorge Darnell), La perversa caricia de Satán (1972, Jordi Gigó), Bruja más que bruja (1976) y alguna más en las que nos detendremos más adelante. ¿Qué opina del cine de terror que se rodaba en España? ¿Algún recuerdo de estas películas?
Sí. Eran películas de bajo presupuesto. Se debían rodar por distintos motivos, no sé… Para mantener una falsa Industria cinematográfica, para mantener equipos de trabajo, para obtener licencias de doblaje, para que trabajase todo el mundo…No sé…. O, para exportar. Siempre se rodaban escenas para la versión para exportar al extranjero, mucho más ligeras de ropa… En la Filmoteca se guardan las películas, pero en la versión para el extranjero. Es posible que si van a ver una cinta de esos años vean los desnudos que la censura de la época había eliminado.
(Nota: para más información sobre estas dobles versiones recomiendo ojear mi artículo sobre el tema clickando aquí)
– En El juego del diablo (1975 Jorge Darnell) interviene la encantadora Inma de Santy, con la que también rodaste El asesino de muñecas (1975, Miguel Madrid) y Ella, él y benjamín (1988, José Ángel Bohollo) ¿Era tan encantadora como parecía?
Su muerte, en un accidente tan inexplicable, fue un duro golpe para todos los que la conocimos. Inma era una gran realidad del cine. Su físico, su belleza, su mirada… Se estaba preparando para dirigir. Me hubiera gustado trabajar a sus órdenes. Era aun más encantadora de lo que parecía.
– Aunque El asesino de muñecas, vista ahora es una película casi inofensiva, en la época tenía fama de ser algo escandalosa, entre otras cosas por cierto transfondo homosexual. También su director, Michael Skaife tenía mala fama porque el premio que ganó en el festival de Sitges por su película anterior fue protestado por toda la crítica y el público. ¿Que recuerdos tiene de la película?
Mi colaboración en esa producción fue muy lateral. Aparezco en el Cau Ferrat de Sitges en una fiesta, porque mi mujer Elisenda Ribas interpretaba a la madre de David Rocha, el protagonista del film, que había sido alumno mío en la “Escola d´Art Dramàtic Adrià Gual”, y con quien sigo relacionándome en alguna sesión de doblaje. Con la guapísima Helga Liné he coincidido en una par de películas. Michael Skaife (Miguel Madrid), intentaba salir a delante haciendo el cine que podía. Es muy difícil valorar una carrera artística que depende de un sinfín de condicionantes.
– Con la comedia Tiempos duros para Drácula (1976, Jorge Darnell), una coproducción con Argentina con rodaje en Madrid y Buenos Aires, obtienes un papel de protagonista
Conocí a Jorge Darnell rodando El juego del Diablo, estaba casado con Rosita Quintana, la actriz y cantante mexicana. Un día en el rodaje, mi extraño personaje, con un brazo ortopédico tenía que perseguir por entre la polvareda del desierto a Inma de Santy. No era un plano complicado, pero como íbamos a una toma por plano, antes de rodar le pregunté a Jorge Darnell, “¿Cómo quiere usted que corra, persiguiendo a Inma?” (Yo, en el rodaje, siempre llamo de usted al director, aunque seamos íntimos). Mi pregunta levantó ciertas risitas entre los técnicos del equipo. El director pidió silencio. Y me preguntó: “¿De cuántas maneras podrías correr?”. Y se las mostré. Él eligió la que le interesaba y rodamos la persecución. Así de fácil. Un día, en Buenos Aires, en un descanso de Tiempos duros…, me confesó que con aquella pregunta me había ganado el papel.
– ¿Utilizaste tu experiencia en el Drácula teatral para este papel?
Naturalmente, en una interpretación utilizas todo lo que tienes a tu alcance, experiencias técnicas y vivencias.
¿Es el papel más extenso que has realizado en cine?
Sí, Drácula era un protagonista absoluto.
– De nuevo te enfundas los colmillos en El Extraño amor de los vampiros (1977) para León Klimovsky. ¿Qué recuerdas de esta película y de su prolífico director? ¿Era tan rápido rodando como se dice?
Era una locomotora. León sabía mucho de cine. Todos los directores de esa época, mis queridos Pedro Lazaga, Ramón Fernández, José Ramón Larraz, Jaime de Armiñán, sabían mucho de cine y conocían el valor del tiempo. No estaban por elucubraciones. Rodaban a toda leche. Tenías que darlo todo en el plano. Si tenían el plano podían montar la secuencia. Eran rápidos, seguros y adoraban a los actores. El extraño amor de los vampiros fue un rodaje divertidísimo. Con mis amigos Carlos Ballesteros y Emma Cohen. Allí conocí a Jose Antonio Sánchez, el maquillador y a su mujer Paquita Núñez, la peluquera y a todo su equipo. Entrañables.
– ¿Qué piensas de que se trate al cine de terror y en general al de género de forma peyorativa?
El cine engloba todos los géneros. Una película es buena independientemente del género al que pertenezca. Ya te he dicho que si yo no me muevo en mi butaca viendo una película es que me gusta. Más tarde tendré en cuenta: cuánto dura, a qué género pertenece, quién la hace, quién la dirige…
Feliz escanciando sangre en El extraño amor de los vampiros.
OTROS TRABAJOS Y VIVENCIAS
– Intervienes en los dos films que dirigió Antonio Fraguas «Forges»: País S.A. (1975) y El bengador Gusticiero y su pastelera madre (1977) interpretando en esta última el destacado papel de El bengador.
Con Antonio Fraguas, Forges, trabajé en tres ocasiones: País S.A. (1975), El Bengador Gusticiero y su pastelera madre (1977) y 24 horas aquí, con guión de Forges pero realizado por Carmelo José Barrera con producción de Tedy Villalba para celebrar el 25 aniversario de TVE. En País S.A. daba vida a Mariano, el hombre forgiano. Interpreté muchos personajes en la película: Mariano, la castañera, el portero de Boccacio, el guardia, el pescador de trenes…. Fue mi amigo maquillador José Antonio Sánchez (muchas gracias) quien habló de mí a Forges y a Tedy Villalba: “Pepe Lifante, un actor de Barcelona que está empezando en el cine…”. Gracias a su recomendación y a la buena fama que tenemos los actores catalanes en Madrid, me entrevistaron… y conseguí el papel.
Llegó El Bengador… en 1977. Un protagonista absoluto, Con María Luisa Sanjosé, Fernando Delgado, Chus Lampreave, Blaki, Félix Rotaeta y otros. La película no tuvo el éxito esperado. El humor de las viñetas de Forges no trascendía a la pantalla, su lenguaje tan particular se adelantaba al momento. ¡Qué pena! Yo esperaba mucho de El Bengador Justiciero y su pastelera madre…. Volví a coincidir con Forges y Tedy Villalba en 24 horas aquí, un programa crítico sobre la vida cotidiana en los estudios de Prado del Rey (TVE), donde Forges había trabajado durante años. La realización corría a cargo de Carmelo José Barrera. A los directivos de TVE, que no tenían ningún sentido del humor, no les debió parecer adecuado un programa tan crítico para celebrar los 25 años de su existencia. Creo que se emitió una tarde, anunciado de tapadillo. Lástima que el humor de Forges no funcionase en la pantalla. Un creador tan inteligente, creativo y mordaz merecía mejor suerte.
El «bengador» y María Luisa Sanjosé
– Entre tu filmografía también figura Tarzán y el misterio de la selva (1973) de Miguel Iglesias Bonns ¿Donde se rodó? ¿Alguna anécdota del rodaje?
Recuerdo vagamente esa película. Creo que no la he llegado a ver. No recuerdo mucho más. Miguel Iglesias era un director amable. Sí, recuerdo que rodamos en unas cuevas donde criaban champiñones. No sé. Lo siento….
– Durante tu carrera intervienes en todo tipo de rodajes, muchas veces con pequeños papeles que abarcan desde cirujano (Aborto Criminal 1973 Ignacio F. Iquino); verdugo (Trinidad y Bambino: tal para cual (1995, Enzo Barboni, esp/ ital/ alemania); proxeneta (El juego del diablo (1975 Jorge Darnell)), y prácticamente toda la ralea eclesiástica: Predicador (Camarón, 2005 Jaime Chavarri), Clérigo (Lázaro de Tormes, 2001 Fdo. Fernán Gómez), Párroco (Mar Brava, 1983 Angelino Fons), poniendo idéntica dignidad por pequeño que sea el papel. Una vez hablando con Víctor Israel, con quien compartió varios rodajes, me comentó que él preparaba sus papeles, por breves que fueran, como si se tratara del protagonista. ¿Está de acuerdo? ¿Conoció a Víctor Israel?
Sí, conocí a Víctor Israel. Y hablamos mucho sobre cine. También era un actor preparado. Muy marcado por su físico característico. Yo también trabajo mucho mis papeles. Hasta límites insospechados. Ahora con el ordenador todo se agiliza. Pero cuando empecé me pasaba horas en las bibliotecas buscando un dato, una referencia literaria, una imagen o una música… Cualquier cosa que pudiera orientar mi trabajo. Esta actitud es absolutamente privada. A la mayoría de los directores no les interesa el trabajo previo, quieren resultados.
– Al haber trabajado en tantas películas ha compartido reparto con la plana mayor del cine español: Carmen Sevilla, López Vázquez, Manuel Alexandre, Saza, Charo López, Emilio Gutiérrez Caba, Alfredo Landa, Fernando Rey, Mary Carrillo… por citar a unos pocos.
Todos muy queridos. Todos singulares. Todos maravillosos. Se que algunos ya no están entre nosotros, pero siguen vivos en la pantalla y en mi memoria. Cuánto se aprende trabajando con grandes actores y actrices.
– Naturalmente también ha rodado con todo tipo de directores, entre ellos los prestigiosos Juan Antonio Bardem (El Puente, 1977), Eloy de la Iglesia (Miedo a salir de noche (1980) y sobre todo Luis García Berlanga (Patrimonio Nacional (1980), Respecto a Berlanga, ¿Eran los rodajes tan divertidos como aparentaban?
Te brindo la ocasión: ¿por qué no escribes un libro? Con sólo uno de estos tres directores se podrían llenar cientos de páginas. Berlanga era mucho Berlanga. Se ha ido y yo aún lo siento próximo. Inteligente, socarrón, provocador: un jugador nato. Sí, era muy divertido. Y los rodajes, una gozada: Una jugada inteligente en cada propuesta. Los rodajes no sólo eran divertidos, eran apasionantes. Yo nunca me quedaba en el camerino, me gustaba integrarme en todas las secuencias aunque yo no participase en ellas. Veías crecer la película en sus manos. No te contaré anécdotas de todos ellos porque sobrepasaría los límites de esta entrevista. Hagamos otro libro.
– ¿Trabajaste en el cine de destape? ¿Te ofrecieron algún papel picante? ¿Que piensas de ese cine del que tantos títulos se rodaron en España?
Fue el producto de un momento. No sé, tal vez los productores ganaron mucho dinero. Después de tanta represión, cuando el público comprobó que todos los culos eran parecidos dejó de pagar por verlos. Yo trabajé en muchas películas que contenían escenas “fuertes”, para la versión extranjera, pero no eran películas de destape. Entre El libro de buen amor (1975, Tomás Aznar) o Agítese antes de usarla (1983, Mariano Ozores) o Cara al sol que más calienta/Casa de citas (1978, Jesús Yagüe) o Cuando los maridos iban a la guerra (1976, Ramón Fernández), existen diferencias notables. Algunas de estas películas tuvieron ingresos de taquilla bastantes sustanciosos.
Una vez me ofrecieron un porno. No nos pusimos de acuerdo en la parte económica y ya está. No me sentí ofendido. Simplemente no me interesó.
– Has rodado diversas coproducciones y películas extranjeras como Un papillon sur l´épaule (1978, Jacques Deray); Fiesta (1995, Pierre Boutron) Un aventurero de vía estrecha (Alemania, 1978 Karl-Heinz Bieber) rodada en España con reparto español: Charo López, Elisa Montes… junto a Gert Fröbe. Pánico (1982, Tonino Ricci) Escarabajos asesinos (Scarab, 1984 Steven-Charles Jaffe) esp/USA o El ataque de los pájaros (René Cardona Jr., 1987) Mex- Esp ¿Alguna observación sobre los rodajes en el extranjero o para directores extranjeros? ¿Rodaban en inglés? ¿Ha viajado mucho para trabajar?
Sí. He viajado mucho gracias al cine. Y también, al teatro… He rodado en castellano, en catalán, en gallego, en francés, en inglés y en italiano. Algunas veces con sonido directo, otras con sonido de referencia. Cuando trabajas con extranjeros el trato es mucho más respetuoso y considerado. Nunca imponen, consultan. Te dan a entender que eres una pieza importante de la producción. La pregunta es muy compleja. Para hablar de todos los rodajes tendría que extenderme muchísimo. Lo dejamos para otra entrevista….
– ¿Nos cuentas algo sobre como llegaste a participar en el rodaje de Las aventuras del barón Munchausen (1988, Terry Gilliam) donde interpretas a Mr. Death?
Muy bien. Terry Gilliam me eligió por unas fotos que le hizo llegar mi representante. Cuando firmé el contrato quiso conocerme personalmente y me hizo viajar a Almería donde estaba filmando. Fue una entrevista muy cordial, divertida y un poco loca. Terry Gilliam es así. Quedamos emplazados para rodar en la plaza mayor de Belchite, donde filmaríamos la muerte del Barón. Fueron tres días de rodaje intensísimos. Rodeado de grandes actores. John Neville, Valentina Cortese, Eric Idle, Oliver Reed, Jonathan Pryce, Uma Thurman. Cientos de extras, de técnicos, de dobles, diez directivos de la Columbia que estaban presenciando el rodaje, siete cámaras, una de ella sobre un teleférico que atravesaba toda la plaza. Un gran despliegue. Yo era el único actor español entre tantas estrellas. Cuando Mr. Gilliam montó el plano de la muerte del Barón, John Neville estaba en el suelo rodeado de los otros personajes: yo intuitivamente me situé en el plano. Terry se acercó y muy bajito me dijo: “Gracias, Sr. Lifante. Se ha puesto usted donde yo iba a colocarle”, y me sonrió, guiñándome un ojo.
Años más tarde me volvió a llamar para The man who killed Don Quixote. Empezamos a rodar pero la película no podo terminarse. ¡Que lástima! Aunque yo sé que la tiene “in mente”…
– En Sangre y arena (1989 Javier Elorrieta) actúa Sharon Stone. ¿Algún cotilleo?
No. Ni siquiera coincidimos. Sharon Stone era muy guapa pero muy poco conocida, entonces. Como muchos actores de los E.E.U.U había venido a Europa para trabajar.
– Has comentado que conocer a Fernando Fernán Gómez, Gert Fröbe o Arthur Kennedy te hizo temblar de emoción.
Cierto. Con los tres me temblaron las rodillas. Eran grandes mitos del cine de mi infancia y tal vez por eso me embargaba esa extraña emoción. Cuando entable amistad con Gert Fröbe, hablábamos en francés porque yo no hablo alemán, le dije que de pequeño había visto su película La balada de Berlín (Berliner Ballade, 1948 Robert A. Stemmle). Le hizo mucha gracia. No se lo podía creer. Dijo: “Sí, entonces era tan delgadito como tu. Ahora estoy hecho una ballena”. Y soltó una carcajada. Un hombre muy generoso.
– ¿Con quien te hubiera gustado rodar? ¿Cual es el actor que más admiras?
Me hubiera gustado rodar con Laurence Olivier. He visto todas sus películas. Le vi trabajar una vez en el teatro. Dirigía El mercader de Venecia interpretando al judío Sylok, que en aquella versión era un banquero de finales del XIX. Me agradó muchísimo. Sentí una sana envidia.
– ¿Que opinas del trabajo en televisión? Has intervenido en gran cantidad de series de todo tipo. Por citar unas cuantas: El pícaro (1974), Ladrones van a la oficina (1994), Farmacia de guardia, (1993), Lecciones de tocador (1984), Hermanos de leche (1994-96), Aquí no hay quien viva (2003) -¡como exorcista!-, El comisario (2003-2006), Cuéntame como pasó (2008-2009) y Águila Roja (2010)
Yo he trabajado muchísimo en televisión. Desde “Ficciones” en Barcelona, “Estudios 1” en Madrid, “Novelas” y “Series” filmadas o en video. Sí, hemos hecho muchas cosas magníficas. Aquí estamos desaprovechando ese maravilloso medio de comunicación. Nos interesa más el chismorreo que la literatura.
– Por cierto, ¿Qué hacías en un episodio de la serie Cazatesoros con la jabata Tia Carrere?
Hacía de malo. Una de mis facetas interpretativas. Intervine en el capítulo La fuente de la juventud (2001). Tia es muy guapa, muy alta y muy simpática. El capítulo se rodó en Sevilla, una ciudad extraordinaria. Yo mismo me doblé en la versión española.
– A principios de los 90 te dedicas también al doblaje en series como Los Caballeros del Zodiaco o Colombo ¿Nos podrías hablar sobre esta faceta tuya?
Hice mucho doblaje en Barcelona y en Madrid. En catalán y en castellano. Series, películas, documentales… Hace unos años que el club de fans de Los Caballeros del Zodíaco, se reúne con los actores que doblamos la serie en Madrid. Están indignados porque la última parte de la serie se ha doblando en Barcelona, sin contar con los actores que empezamos a doblarla. ¡A ver qué hacen! Pero te enternece comprobar el impacto que provoca nuestro trabajo en los espectadores. ¡Veremos en qué acaba!
(Nota: inventigando sobre el tema veo que hay una gran y curiosa afición sobre la serie Los Caballeros del Zodíaco. José ha sido invitado en dos ocasiones. Más información podeis encontrarla aquí: http://www.saintseiyajornadasdedoblaje.es/ )
… Y por cierto, para muestra:
– Has intervenido en varios cortos, ya desde 1976 con Cuando el bosque avance (José Miguel Ganga), pasando por El vengador indeciso (2001, Luis Benito Rueda); Ya vienen los reyes (1996 Luis Oliveros) como rey Melchor; El espejo (2003, Pablo Javier Gómez) como proxeneta; NotamotoF (2004, Rubén Coca); San Salvador (2004, Sergio García); 10 (2011, Mario Lizondo) y Muertos y vivientes (2011, Iñaki San Román y Josu Díaz). ¿Qué opinas de los cortos? ¿Crees que son útiles?
Se puede decir que empecé actuando en cortos: I després ningú no riurà de Manel Esteban (1969), Entreacto de Julián Inglada (1971)… Creo que los cortos cumplen una función muy provechosa para directores, actores, operadores…. Hay que empezar de algún modo. Yo leo, hago y veo muchos cortos. Son imprescindibles.
LA ACTUALIDAD Y MÁS TERRORES
– Por cierto, en uno de esos cortos: Crímenes ejemplares de Max Aub (Carlos Grau, 2005), coincides con Paul Naschy. ¿Que opinas de este actor/ director que centró toda su carrera en el cine de terror? También rodaste con él Rojo Sangre (2004, Christian Molina) ¿Alguna vivencia con el actor que quieras contar?
En Rojo Sangre nos hicimos muy amigos. Hablamos de sus proyectos, de su carrera cinematográfica, de sus problemas con las rodillas… El tiempo no perdona. Nunca me contrató para trabajar en sus películas, aunque habíamos coincidido en festivales y actos públicos. Y lo afirmo sin reticencia. Yo lo entendía. Él era el director, el productor y el protagonista de sus películas. Había llegado a arriesgar su patrimonio personal para sacar adelante sus producciones. Él era siempre su propio protagonista. Creo que hizo una labor muy importante, más reconocida fuera que dentro de España. Si hubiéramos tenido una Hammer hubiéramos podido llegar a formar una buena pareja: El hombre lobo, Paul, y yo, el conde Drácula. Divertido, ¿no?
El día que coincidimos en el corto de Carlos Grau nos lo pasamos muy bien. No paraba de pensar en proyectos.
José Lifante junto a los fallecidos Paul Naschy y Pierrot, que nos envió la imagen, en los viejos tiempos en el Festival de Sitges.
– En Dagon, la secta del mar (Stuart Gordon, 2001) interpretas al recepcionista del hotel, aunque parece ser que en principio Stuart Gordon te tenía reservado un papel más sabroso ¿Nos cuentas que sucedió?
Sí, Stuart me hizo una prueba para el personaje del borracho del pueblo de pescadores. Un hombre enjuto, destrozado por la bebida, que en pleno “delirium tremens” escapa de la secta del mar huyendo por entre los pilares que sostienen las casas. El director quedo contentísimo, pero no conseguí el papel. El productor de Filmax se empeñó en que lo hiciera Paco Rabal. Yo acepté un segundo papel que me ofreció Stuart, el recepcionista del hotel, para compensarme de algún modo. Nos hicimos buenos amigos. Son cosas que pasan.
El siniestro recepcionista de Dagon, la secta del mar.
– Entre los últimos trabajos que has realizado se encuentra una serie de terror online titulada Cementerio de historias, en la cual interpretas el papel de «El Enterrador», misterioso personaje que presenta en cada capítulo una historia diferente, que abarcan desde el gore y el humor negro hasta el thriller y el suspense. ¿Nos cuentas algo sobre la serie?
Es una historia alucinante. Me llamaron unos chicos de Tres Cantos que habían terminados la escuela de cine y que tenían un proyecto entre manos. Habían rodado unos cortos de terror y querían crear una serie colectiva. Una situación que no era nueva para mí… El entusiasmo de David Giraldo y de Unai Cortajarena me sobrepasó. Sabían muy bien lo que querían. Diseñamos el personaje de “El Enterrador” que daría unidad a la serie. El tratamiento de la presentación y cierre de cada capítulo. La unidad de criterios para redactar el texto del personaje, que al ser tratado por varios directores, debía tener una entidad constante. Ya está, así de fácil. Estamos en la segunda temporada, la serie consta ya de 18 capítulos. Los podéis ver en www.cementeriodehistorias.com
¿Pues poco más José, quieres añadir alguna cosa más?
Ahora estoy como al principio de mi carrera. ¡Esperando que alguien me llame! Pero… ¡Que me quiten lo “bailao”! He abierto mi propia página web. Me gustaría que los internautas curiosos se pasearan a lo largo y ancho de mi carrera manejando datos contrastados y verídicos. No son mis memorias, no soy tan mayor. Está constituida por una relación de espectáculos teatrales, películas, programas de televisión y doblaje, con notas, fotografías, videoclips que pueda interesar a especialistas y profanos. Podéis visitarla en www.joselifante.com.
Poco más podemos añadir. José ha rodado reciéntemente incluso en 3-D para un documental promocional de la ciudad de Alfaro, interpretando a un ciego que cuenta historias entre mercaderes y curiosos. Y no deja de embarcarse en cuantos trabajos puede, teniendo, entretanto, la amabilidad de contestar esta abultada colección de preguntas, amabilidad que no dejo de agradecerle una vez más.
Junto a Pilar Bayona, la entrañable Pili del duo de gemelas Pili y Mili en el corto Muertos y vivientes (2011, Iñaki San Román y Josu Díaz)
José Lifante y el tipejo que le hizo la entrevista posando para la posteridad.
Y tal y como empezamos finalizamos, con Martin, el zombie de No profanar el sueño de los muertos que siempre tendrá un lugar en nuestro corazón cinéfilo.
Llega el Cryptshow, este año en Badalona
En su cuarto año de andadura el Cryptshow cambia de sede y vuela hasta Badalona con voluntad de quedarse en la mejor ciudad de la costa levantina (como dice la canción). Y en su vuelo clava en tierra su Sierra Circular (premio del certamen) para llevar a todos lo mejor del cine fantástico y de terror. Así será al menos a lo largo de los cinco días en los que ocuparán el teatro de El Circol,Sant Anastasi, 2, (antigüamente Circol Catòlic) desde el 6 al 10 de julio.
Su cuerpo central es el festival de cortos , ellos optan al Premio Sierra Circular dotado con 666 euros (cifra bien simbólica) y el Cryptshow se ha hecho este año con las mejores muestras del género. Cuarenta cortos distribuidos en ocho sesiones con la flor y nata del cine de género internacional. Para morirse de miedo, para apartar la mirada, para morder-se las uñas y, porque no, para reír sin freno: el terror no tiene forma.
CORTOS A COMPETICIÓN I
Alice Jacobs is dead, Sabrina, 36eme Sous-Sol, Les bessones del Carrer de Ponent, Bad Mistake
CORTOS A COMPETICIÓN II
The Hunting Ground, 8, A Residencia, A Very Zombie Holiday, Perpetuum mobile, Ninja
CORTOS A COMPETICIÓN III
Les pierres jetés, Birdboy, Menos 1, In Cold Love,
CORTOS A COMPETICIÓN IV
Akerbeltz, las brujas y el Inquisidor, Quédate conmigo, Vicenta, All men are called Robert, All flowers in time, Le Vivier
CORTOS A COMPETICIÓN V
Leyenda, Hatch, Dans le rouge, Fard
CORTOS A COMPETICIÓN VI
Crepuscle, Cabine of the dead, No face, Brutal Relax
CORTOS A COMPETICIÓN VII
Attack of the giant brain sucker monster from outer space, La presencia, Erase Love, Faut qu’on parle !, Lester
CORTOS A COMPETICIÓN VIII
Bloody christmas 2, Sutphin Blvd, To My Mother and Father, La gran carrera, Hungry Hickory, The Legend of Beaver Dam
Pero como no sólo de cortos vive el hombre, el festival incluye una muestra de buen cine en el que se incluyen tanto clásicos como películas que aún no han conocido su estreno en salas comerciales. Tres son las obras inmortales este año:
The pit and the pendulum (1961) la fantástica adaptación de Roger Corman de los relatos de Poe; con guión de Matheson (Soy Leyenda) y la magnífica interpretación de ese monstruo de la escena que es Vincent Price (cuyo centenario conmemorábamos hace unas semanas). No podía faltar la representación italo-española, vuelve al Cryptshow Mario Bava esta vez con su obra maestra Terrore nello spazio (1965), uno de los más claros precedentes de Alien no sólo por su temática sino por una espectacular escena que fácilmente reconoceréis. Y cierra la tríada un mudo de excepción, Häxan o La Historia de la brujería a través de los tiempos (1922): pionera en la mezcla de documental y ficción dentro de lo fantástico, con cuyas hipnóticas imágenes repasa el ocultismo y como este está presente tanto en la Edad Media como en ciertos tratamientos psiquiátricos del S.XX. Esas prácticas han afectado mayormente a las mujeres, de modo que esta historia de la brujería es en verdad la historia de las vejaciones que han sufrido las mujeres a lo largo de la historia. No os la podéis perder, no sólo por la rareza que es, sino porque se proyectará con música en directo.
Por lo que se refiere a los estrenos se nos ofrece un menú degustación de siete platos entre los que se encuentran todos los ingredientes del fantástico: vampiros, zombies (¡¡y zombies románticos y musicales!!), psicóptas sobre ruedas, espacios apocalípticos… Se trata de True Nature (2010, Patrick Steele); Rage (2011, Chris Witherspoon); la belga Vampire (2009, Vincent LANINOO); Stake Land (Jim Mickle, 2010); The Dead (2010, Howard J. Ford, Jonathan Ford); The Dead Inside (2010, Travis Betz). Y la que más ha llamado nuestra atención, la chilena Baby Shower (2011, Pablo Illanes) que la organización describe como: «A medio camino entre Pasión de Gavilanes” y “Martirs”, a ratos almodovariana y a veces a lo Eli Roth, “Baby Shower” es una película chilena que no deja indiferente. Una escalada de tensión que comienza con una agradable reunión de amigas que va agriándose hasta convertirse en una demoníaca orgía de sangre, con ecos tan clásicos como “La Semilla del Diablo”.» No diréis que no suena atractivo.
Completan la muestra tres documentales que ya son célebres tras su paso por diferentes festivales. Se trata de Condenados a luchar del versátil e imaginativo James J. Wilson, un trabajo que se adentra en el fandom nacional, haciendo hincapié en cineastas independientes y festivales de cine. Cine sobre el cine, el cine contra el cine: metacine sobre un pez grande que se come al pez pequeño, y una reflexión: en el bote pequeño está la buena mermelada. El hombre que vio llorar a Frankenstein, el biopic-homenaje a la figura de Paul Naschy, dirigido por Ángel Agudo y que pronto podremos tener en nuestras manos como extra de la esperada edición del díptico completo de La Herencia Valdemar (2009, José Luis Alemán). Y por último Los perversos rostros de Víctor Israël (recientemente comentado por Dioses y Monstruos), homenaje al entrañable actor de los ojos sorprendentes de la mano de diferentes entrevistas de quienes le conocieron en la profesión, dirigido por David Pizarro y Diego López (responsable de la sección Brigadoon en Sitges y realizador del fanzine El Buque Máldito).
El Cryptshow nos ofrece mucho más, mesas redondas, exposiciones, conciertos, un concurso de relatos que serán recogidos como cada año en el Cryptonomicón y un especial Joe Dante. Dante es sin duda uno de los directores que más horas de diversión ha procurado a los amantes del género, no se proyectará, sin embargo, un ciclo de sus éxitos si no uno de sus últimos trabajos muy en consonancia con la temática de la mesa redonda sobre la incidencia de Internet en el cine. Se trata concretamente de la webserie Splatter, producida por la plataforma Netflix (¿para cuando podremos disfrutar de ella en este país?), con la colaboración de Roger Corman. Así de impactante es su trailer:
Nos cuenta la historia de la estrella de Rock’n Roll Jonhy Splatter, (interpretado por un irreconocible Corey Feldman), cuyo suicidio en su mansión de Hollywood Hills es solo el inicio de un verdadero infierno para aquellos que le rodearon en vida. Junto a Feldman podemos encontrar a una leyenda del fantástico, Tony Todd (Candyman). Puesta en la red en 2009, coincidiendo con la celebración de Halloween, puede apreciarse que no han escatimado en sangre. Podrá verse completa en Badalona durante los cinco días del festival.
Y todo esto a precios de crisis, la primera sesión es siempre gratis, y el resto de la tarde-noche ¡¡¡todas las películas y cortos por sólo 3,5 euros!!! Sólo falta que os miréis la programación completa en su web y os confeccionéis vuestro listado, aunque escoger os será imposible, si no, ya me lo diréis.
Novedades Tema Distribución: Asian Trash, momias y otras hierbas.
Tema, distribuidora de interesante sellos como Friki Films y sobre todo Asian Trash Cinema, nos comunica las últimas novedades que sacan al mercado. Entre ellas intriga, momias, trash asiáticos (que ya os avanzamos en este artículo) e incluso un documental bizarro con estética totalmente sci-fi.
FECHA DE SALIDA 27 DE JUNIO DE 2011:
EL MISTERIO DE GINOSTRA
GOHATTO
LA MÁSCARA DEL FARAÓN
PACK: KUNG FU ZOMBIE / THAI ZOMBIE DRAGONKUNG FU ZOMBIE:
LAS DESNUDAS CONTRA LOS MUERTOS VIVIENTES:
LA SOMBRA DEL FARAÓN
LA CÚPULA DE BARCELÓ
Cryptshow 2011: Mesa redonda «Nuevas formas de hacer y distribuir cine».
Calentando motores ante el nuevo Cryptshow Festival 2011, a celebrarse del 6 al 10 de julio y del que os informaremos detalladamente en breve, recibimos noticias de una interesante actividad que se enmarcará dentro del mismo, una mesa redonda que bajo el título «Nuevas formas de hacer y distribuir cine» estan organizando nuestros amigos de Judex . En esta mesa se hablará de cómo Internet y las nuevas tecnologías están afectan el cine con algunos ejemplos de iniciativas que aprovechan el cambio para reinventar la industria y buscar nuevos caminos.
Asistirán:
Juan Carlos Tous. Fundador de la distribuidora de cine Cameo, y uno de los creadores del portal de distribución de cine Film IN, ganador del premio del público de Time Out al proyecto más innovador.
David Fernández. Director de Tema Distribuciones, empresa formada por un joven equipo de profesionales amantes del cine. Distribuyen películas asiáticas, de artes marciales y de culto. Destacan los sellos Friki Films y Asian Trash Cinema.
David Navarro. Director de cine y autor de Oido Caníbal, que Canal + Xtra emitió en forma de webserie. Actualmente es miembro del Laboratorio de ideas de Canal +.
Robert Figueres se autodefine como director de proyectos Transmedia, y blogger ocasional sobre Transmedia y nuevas vías de financiación, distribución y promoción en cine. Actualmente trabaja en la producción de la primera película Transmedia que se hace en España: Panzer Chocolate. Es fundador de la productora Filmutea.
BccN Barcelona Film Festival, BccN es una plataforma de difusión del cine en Creative Commons. El festival muestra las principales obras a nivel internacional bajo este tipo de licencia.
La intención de los organizadores es que la mesa funcione más como un coloquio, donde todos puedan expresar sus opiniones, por este motivo se ha optado por un espacio más reducido. La entrada es gratuita pero es necesario confirmar asistencia al mail premsa@cryptshow.com
Mesa redonda: «NUEVAS FORMAS DE HACER Y DISTRIBUIR CINE»
Día: 6 de julio
Hora: 19h
Lugar: La Lagartija, C / San Sebastián, 2, Badalona
Más información aquí.
Llega El buque maldito Nº 15
Diego López lanza imparable un nuevo número de su fanzine. Un número que sigue manteniendo sus interesantes contenidos y en un nuevo formato superior al habitual, ya partiendo desde su atractiva portada que reproduce el atractivo cartel de Mil Gritos tiene la noche, del recientemente fallecido Juan Piquer Simón, al que dedica parte de su contenido. Cartel que también ha servido de portada para el, ya lejano, Flash-back especial Fantaterror y más recientemente para el libro Spanish Exploitation de Víctor Matellano.
Pero demos un vistazo a su contenido:
ENTREVISTAS:
Alberto de Martino. Charla con un tótem del cine italiano con repaso a toda su carrera en el Séptimo Arte desde los años treinta hasta la actualidad. Haciendo hincapié en diferentes títulos claves dentro de su filmografía, tales, como Horror (1963), El anticristo (1974) u Holocausto 2000 (1977).
The Butcher Brothers. The violent kind (2010), es una buena muestra del actual panorama que vive el cine de terror independiente en EE.UU. Conversación con uno de sus componentes, Mitchell Altieri.
Sergio Stivaletti. Su trabajo en el campo del maquillaje y FX en Demons (1985), Ópera (1987) o Mi novia es un zombie (1994), entre otras, lo avalan como uno de los grandes de su profesión.
The Theatre Bizarre. Entrevista con el productor francés Fabrice Lambot para hablar de uno de los proyectos más interesantes de este 2011: The Theatre Bizarre. Una película compuesta de seis segmentos que promete ser toda una experiencia. ¡Y atención a sus realizadores, Karim Hussain, Douglas Buck, Richard Stanley o Tom Savini!
Kit Wong. Analizamos junto a la productora y realizadora hongkonesa su película The Black Door (2001). Una pequeña Cult Movie que bien merece ser reivindicada.
Miguel Ángel Vivas. La sensación del cine de género español de estos últimos meses tiene nombre propio: el realizador Miguel Ángel Vivas y su excelente película Secuestrados (2010). Entrevista con su responsable.
Fernando Barreda Luna. Quizás su nombre todavía no sea muy conocido pero su opera prima, Atrocious (2010), ha pasado nuestras fronteras con enorme éxito y ya se está trabajando en un remake en EE.UU.
OTROS CONTENIDOS:
Homenaje a Juan Piquer Simón. Una entrevista exclusiva realizada en el 2010 donde hablan de su film insignia, Mil gritos tiene la noche (1982); un repaso a su carrera bajo el título «Más allá de Jules Verne. El fantástico universo de Juan Piquer Simón»; y un artículo del film citado anteriormente, forman este merecido homenaje al recientemente fallecido J.P. Simón.
Especial [REC] 3 Génesis. Entrevista exclusiva con el realizador Paco Plaza y reportaje sobre el rodaje de su nueva película.
Au revoir, Jean. Artículo sobre la trayectoria cinematográfica del realizador francés Jean Rollin.
Jordi Gigó: Un extraño en nuestro cine. Repaso de la vida y obra del director andorrano Jordi Gigó. Un forastero en nuestra cinematografía.
I nuovi Goblin a Milano. Entrevista con Claudio Simonetti y Massimo Morante, junto a la crónica de su concierto en la ciudad italiana de Milán el pasado mes de febrero.
Monstruos del Fantaterror Español (III Parte). Entrevista con el director Javier Aguirre y el actor Simón Andreu.
Festerror 2011. Crónica de la cuarta edición del Festival de Cinema de Terror i Fantàstic de Lloret de Mar.
En total, 47 páginas con portada y contraportada dedicada al film Mil gritos tiene la noche.
PVP 3,50€.
PUNTOS DE VENTA EN BARCELONA:
THE MONSTER MUSEUM
C/. Camprodon, nº22.
BARCELONA
FREAKS
C/. Ali Bei, nº10.
BARCELONA
ARKHAM COMICS
C/. Xuclà, nº16.
BARCELONA
CINEMASCOPE
C/. Perla, nº29, bajos.
BARCELONA
Para información, contacto y pedidos : www.elbuquemaldito.com
Desde el principio yo lo tenía muy claro: Quería ser actor. Conversación con José Ruiz Lifante (1ª Parte)
José Ruiz Lifante forma parte de esa casta de actores todo terreno que, a pesar de los 
pequeños papeles con los que intervienen en las películas en las que actuan, son recordados y pasan a formar parte de la memoria colectiva. ¿Quién no conoce fisicamente a José Ruiz Lifante? Visto en infinidad de películas de todo género y de todo tipo: desde pequeñas producciones de género para sesión doble, a grandes clásicos del cine español de Berlanga, Jorge Grau o Bardem. De producciones extranjeras a multitud de series televisivas. De las prestigiosas tablas del teatro a cortos de directores noveles, José Lifante se atreve con todo.Y figura particularmente en el corazón de los fans del cine de terror por sus interpretaciones en importantes películas del Fantaterror, pero muy concretamente en No profanar el sueño de los muertos, el gran clásico de Jorge Grau.
Tuvimos ocasión de conocer a este actor durante la proyección, organizada por el fanzine El Buque Maldito, de uno de sus films, La perversa caricia de Satán , y no pudimos evitar abordarlo y pedirle la entrevista que os ofrecemos. Una extensísima entrevista que demuestra el cariño, la vitalidad, la amabilidad y… paciencia de este actor.
Así que, nos orgullece presentaros la primera de las dos partes en las que os ofrecemos esta larga entrevista, con la que además celebramos las 100.000 visitas a nuestro blog. Gracias a todos y… ¡¡a por las 200.000!!
Con ustedes… José Ruiz Lifante, Actor:
LOS INICIOS
– ¿Que hace que un licenciado en Filosofía y letras e Historia del Arte termine dedicándose a la interpretación?
Desde un principio, yo lo tenía muy claro: quería ser actor.
A los catorce años me matriculé en el “Institut del Teatre” de Barcelona. Obtuve el Título de Arte Dramático y el carné profesional. (El del sindicato vertical: «Teatro, circo y variedades»).
Continué mis estudios en la “Escola d´Art Dramàtic ADRIÀ GUAL” y empecé a estudiar la carrera de Filosofía y Letras, (Hª del Arte), en la Universidad.
En la “Adrià Gual” tuve profesores excepcionales: Ricard Salvat, Carme Serrallonga, Mª Aurèlia Capmany y otros… Mª Aurèlia me decía siempre que la inteligencia es como un saco que tenemos que llenar. Y me puse a llenarlo. Estudié Hª del Arte porque me pareció lo más adecuado para desempeñar mí trabajo.
Lo que luego aprendí es que el saco nunca se acaba de llenar…
– ¿Qué películas recuerda de su niñez?
Yo tuve la suerte de que a mi madre le gustaba mucho el cine. Me hizo un “voyeur”. Me llevaba una vez a la semana. Veíamos un programa doble, los miércoles, a la salida del colegio. Y los sábados por la tarde, iba con mis amigos a ver dos películas más.
Recuerdo muchas imágenes de las películas que vi. Imágenes, que con el tiempo he ido situando en el archivo de mi memoria:
Imperio Argentina, Amparo Rivelles, Bette Davis, Elizabeth Taylor, Catherine Hepburn, Aurora Bautista, Sarita Montiel… Fernando Fernán Gómez, Conrado San Martín, Miguel Ligero, Jorge Negrete, Robert Taylor, Henry Fonda, Alan Ladd…
Títulos como Jezabel (1938, William Wyler), Ivanhoe (1952, Richard Thorpe) y casi todas las del “Oeste” y la “Guerra de Secesión”.
Sabíamos más de la historia de los E.E.U.U. que de la española.
… La colonización cultural…
¿Recuerda alguna de terror? ¿Cual le impresionó especialmente?
Sí, recuerdo algunas películas de terror:
Las de Fu Manchú, Los crímenes del museo de cera (House of Wax, 1953 André de Thot), El péndulo de la muerte (Pit and the Pendulum, 1961 Roger Corman), que para mí eran películas normales. Eran películas de miedo; como las había de aventuras, de amor, de dibujos o musicales (nunca llegué a entender porqué se ponían a cantar mientras estaban hablando). Vamos, de todos los géneros.
Me impresionaban todas las películas, las vivía apasionadamente sentado en mi butaca, sin pestañear, inmóvil. Con el tiempo he observado que cuando me muevo en la butaca algo falla en la pantalla: el ritmo, la música, la interpretación, la historia; algo falla. Si no me muevo, la cinta es estupenda.
– Tras diversos trabajos en el teatro se muda a Madrid y se centra en el cine ¿Como llega a ese mundo?
Sí. Estaba trabajando en teatro. También había hecho algunos cortos y varias películas.
Jordi Grau me volvió a contratar para hacer el personaje de Martin en su película No profanar el sueño de los muertos (1974). Se tenía que rodar en Roma, Manchester y Barcelona. Cuando terminamos los exteriores en Italia y en el Reino Unido vinimos a España para rodar el interior del hospital, donde termina la película, pero el estudio de Barcelona todavía continuaba ocupado y nos trasladamos al estudio Cinearte de Madrid donde concluimos el rodaje. Durante esa etapa madrileña me propusieron varios trabajos nuevos y me quedé en Madrid para terminarlos. Más y más películas. Me plantee dos años de prueba; en ese tiempo continué trabajando en un ambiente que me gustaba. Y así hasta ahora.
EL TERROR
– Una de tus primeras películas es el film de episodios Pastel de Sangre (1970). Interviniendo en el episodio dirigido por Jaime Chávarri, “La Danza”, uno de los más valorados del largometraje. ¿Algún recuerdo de aquella película? Con Chávarri volverías a rodar muchos años después (1996) el film Gran Slalom.
Fue mi primer contacto con Jaime Chavarri, director preparado, con mucha clase, que me proponía una película de terror a medio camino entre lo onírico y los dibujos animados. Fue un rodaje entrañable: La maravillosa Romi, la pareja del director Jacinto Esteva Grewe, era modelo y hacía publicidad. Yo había coincidido con ella en aquel Boccacio de la Barcelona de los años 70, de Regás. El sorprendente Luís Ciges, con el que volvería a rodar tantas veces… Muchos recuerdos, unidos a Josep Mª Forn, que producía la película y a los otros tres directores Joan Vallès, Emilio Martínez Lázaro y Francesc Bellmunt.
-En 1972 protagoniza el montaje teatral de Drácula que adapta Carlos Ballesteros. Un proyecto curioso ya que es la primera adaptación que se hace desde la de 1943 por Enrique Rambal. Aunque si bien la antigua fue un éxito no se puede decir lo mismo de esta. ¿Es verdad que parte de las críticas negativas fueron porque contenía humor? ¿Nos puede contar más detalles de este Drácula teatral?
Fue una idea de Carlos Ballesteros. Estábamos representando “El embrujado” de Valle-Inclán, en el Teatro Moratín. Pensó que yo era el Drácula idóneo para su montaje. Y nos pusimos a trabajar. Él tenía hecha la adaptación de la novela de Bram Stoker y la dramaturgia del espectáculo. Tenía diseñado el decorado.
Sabíamos que Enrique Rambal había montado Drácula en 1943 con su espectacular estilo, para un público adicto. Buscamos la documentación que hubiese del montaje, maquetas, fotografías, diseños… y no encontramos nada. Sólo una revista que hablaba de la sorprendente aparición en escena de Drácula-Rambal, muy de acuerdo con la estética de sus montajes.
Carlos buscaba otra aproximación al espectador. Puso en marcha algo que nunca se había utilizado hasta entonces en nuestros escenarios. Pensando en el primero plano del cine, que aproximaba el personaje al público, le pidió a Blas Martí que rodara varías películas, de pocos minutos de duración, que se proyectarían, en una gran pantalla sobre la embocadura del teatro, intercaladas durante la representación. Los actores debíamos sincronizar nuestras acciones escénicas con la película proyectada. El efecto fue sorprendente. Ahora nos parece normal ver la cara del actor ampliada en una pantalla digital, pero en 1972 era impensable. El ingenio se adelantó a la técnica.
La dramaturgia de Carlos Ballesteros, en un principio, era fiel al estilo de la novela. Ensayamos una pieza de terror. Pero cuando puso en pié el espectáculo empezaron a surgir problemas técnicos. Los cambios de los catorce decorados se hacía eternos, los ruidos eran incontrolables, los efectos musicales estaban calculados para intermedios rápidos. Los actores no llevábamos micrófono. Era una lucha contra elementos hostiles y una falta de costumbre de montajes tan complicados.
Carlos Ballesteros y el empresario Jorge Martín, pensando que el público no estaba acostumbrado al teatro de terror y en la cantidad de problemas que surgían, decidieron introducir ciertos elementos cómicos en el texto para aligerar el espectáculo y ganar tiempo en los cambios. Y así se hizo, un poco sobre la marcha.
Recuerdo que yo, vestido de Conde Drácula y con un candelabro encendido en mi mano derecha, bajaba una inmensa escalera desde un primer piso hasta el centro del escenario. Justo en el momento de salir a escena el regidor me avisó.- “¡Cuidado, Pepe, la escalera no está sujeta, la aguantan tres hombres por debajo!”. No les había dado tiempo a encastrarla en la plataforma. Y yo salí a escena. Puse el pié en el primer peldaño y la escalera cedió unos veinte centímetros… El público aplaudió mi espectacular aparición, y no advirtió que estuve a punto de despeñarme y romperme la crisma.
Lo que no ocasionó ningún problema fueron las proyecciones. Entraban en el momento exacto. Producían un efecto asombroso. Me gustaría encontrar el paradero de esas películas.
– En 1974 Jorge Grau rueda No profanar el sueño de los muertos, que se rueda en Manchester, Dovedale, Derbyshire (Inglaterra), Cineccittá (Italia) y Madrid (Cinearte). ¿Como llega este proyecto a tus manos? ¿Conocías La noche de los muertos vivientes (Night of the Living Dead, 1968 George A. Romero), film en el que en principio se basaba?
Jordi me había contratado en 1972, para interpretar a un guardia civil en su película Pena de muerte, con Marisa Mell, Fernando Rey y Espartaco Santoni. Fue una buena experiencia. Yo tenía un asesor, un Comandante de la Guardia Civil, una persona muy culta y preparada, que me indicaba el comportamiento de mi personaje en las distintas situaciones del film. Tal vez mi forma de asimilar sus indicaciones como director y las del Comandante como asesor le indujeron a llamarme para su nueva película.
Devorando a la pobre Isabel Mestres.
Fue un regalo. El guión me interesó desde un principio. La juventud inconformista, el ecologismo, la drogadicción, la testarudez del sistema…Era una historia lógica, todo tenía una explicación coherente. Los muertos vivientes no aparecían porque sí. Una máquina anti-insecticida producía ciertos efectos sobre los seres elementales: los recién nacidos y los recién muertos.
He comprobado que cuando los espectadores se creen una historia aceptan todo lo que se les proponga.
Un sueño. Como cuando Jordi Grau, en Cineccitá, en una pausa del rodaje me llevó al estudio donde Fellini había rodado Amarcord: allí estaba el “Rex” flotando en su mar de plástico negro. O, como cuando encontramos en el cementerio de Derbyshire la tumba de “Little John”, el gran compañero de “Robin Hood”… Inolvidable.
– ¿Fueron muchos días de rodaje en Inglaterra? ¿Hubo buena conexión con el equipo italiano?
Estuvimos rodando dos semanas en Italia y otras dos en Inglaterra. Y sí, había muy buena armonía con los equipos, tanto actores como técnicos.
¿Recuerdas al maquillador Gianetto di Rossi?. Un técnico infinitamente popular para los fans por sus obras en memorables películas de Luico Fulci como Nueva York bajo el terror de los zombi (Zombi 2, 1979), El más allá (E tu vivrai nel terrore – L’aldilà, 1981) o Aquella casa al lado del cementerio (Quella villa accanto al cimitero, 1981).
El maquillador Gianetto di Rossi era muy bueno. Diseñó un maquillaje especial para Martin ya convertido en muerto viviente: unas contusiones en la cabeza, tres arañazos, en diagonal en el rostro y el ojo derecho desprendido. Al final el efecto del ojo se anuló por un problema de tiempo en la realización. Pero el maquillaje es muy convincente.
¿Como estaba la tecnología en lentillas? ¿Se veía con ellas?
(…) Eran una verdadera tortura. En aquel momento las lentillas eran rígidas, molestaban y producían ciertas molestias en la córnea. Nos las quitaban cuando dejábamos de rodar para que pudiéramos descansar. El efecto era estupendo.
-En la película tu personaje no solo mata a su esposa (Jeanine Mestre) sino que también casi lo consigue con su cuñada (Cristina Galbó) ¿Que recuerda de estas actrices? ¿Crees que pasaron miedo durante el rodaje?
Dos estupendas compañeras en aquella ocasión. Lo pasábamos bien durante el rodaje. No creo que tuvieran miedo.
Con Cristina no he vuelto a coincidir…y lo siento. Cristina empezó la película después de un grave problema familiar, que al principio le mantuvo un poco al margen. Al cabo de un tiempo la convivencia se normalizó.
Con Jeannine sí he vuelto a coincidir y a trabajar. Siempre con buenas vibraciones. Es una mujer preparada y emprendedora. En 2010 representamos la obra de Francisco Nieva “Tórtolas, crepúsculo y…telón” (Premio Max 2010) en el C.D.N. dirigida por el propio Nieva con gran éxito en el Teatro Valle-Inclán. Sólo pudo verse en Madrid.
– ¿Tuviste relación con el mítico Arthur Kennedy? ¿Nos cuentas algo de él?
Los sábados por la tarde me daban dinero para comprarme el tebeo “Hazañas bélicas” y para ir al cine con mis amigos. Por la pantalla del cine Manila* de Barcelona habían pasado tantas aventuras, tantos acontecimientos, tantos actores y actrices: un mundo mágico. Aquel actor que había visto cabalgando por prados y pueblos del oeste, luchando y solucionando problemas lo iba a tener a mi lado. No podía creérmelo. Trabajar con un actor mítico, para mí, como Arthur Kennedy era impensable. Cuando me lo presentaron le estreché la mano, le saludé y prometo que mis rodillas temblaban.
Fue ejemplar trabajar con él: su profesionalidad, su actitud, su atención. Una escuela admirable.
* (Situado en la calle Sant Pere Més Baix 28, el cine Manila, con 1477 localidades, cerró en febrero de 1969 tras 27 años de exhibir sueños en programa doble con complementos que, desde 1942 incluyeron las populares «varietés»)
– Jorge Grau cuenta que se tomó muy en serio a los muertos que salen en la película: Tanto en como debían moverse como su aspecto, revisando infinidad de fotografías forenses. ¿Es cierto que teníais una profesora de movimiento escénico?
Sí. Aprendimos a movernos, a desplazarnos, a respirar, a emitir sonidos. La rigidez. La reacción retardada. La mirada….
– ¿De qué eran las vísceras que os echabais al gaznate? ¿Eran reales? Hay cierto higadillo que muerde Fernando Hilbeck que parece todo menos falso.
Sí. Recuerdo que tuvieron la gentileza de ofrecernos un menú: podíamos elegir entre hígado de cerdo ligeramente sofrito, jamón york o lacón frescos, convenientemente ambientados. ¡Muy rico!
– También tenías como compañero de correrías a Joaquin Hinojosa como zombie recién salido de una autopsia.
Sí. Magnífico. Era otro maquillaje espectacular.
-Todos los participantes en este film coinciden en que está tan bien realizado que por eso se sostiene y se mantiene tan bien en la actualidad.
Jordi Grau es muy meticuloso. Siempre programa los efectos en sus películas. El resultado ahí está. Hay películas que te atrapan; ésta es una de ellas.
¿Que piensa de que su imagen forme parte importante del cartel de la película en muchos países como en Italia, Francia o Alemania?
¡Qué voy a pensar! El exhibidor tiene la película en sus manos y la lanza al mercado como mejor le parece. Es algo que se escapa de nuestro control. No tenemos derechos sobre el film, como en otros países.
Ray Lovelock observa el estropicio que le han hecho a la pobre Isabel Mestres.
– Yo fui uno de los niños que vio No profanar… en mis terrores favoritos. Al día siguiente en mi clase no se hablaba de otra cosa, en especial de la imagen del destripamiento de la telefonista, que interpretó Isabel Mestres. ¿Es cierto que la película fracasó en los cines españoles porque se estrenó el 20 N de 1975? (mientras en la película unos salían de sus tumbas otros, por suerte, marchaban para no volver…)
Yo estaba en Argentina rodando Tiempos duros para Drácula (1976, Jorge Darnell) en noviembre del 75, cuando se estreno No profanar… en Madrid. Mal momento. Todos estaban pendientes de la agonía del dictador y la película no atrajo al público…
Pero cuando Narciso Ibáñez Serrador la presentó en su programa de televisión el impacto fue brutal. Lo notábamos por las reacciones de la gente de la calle. Creo que colocó la película en el lugar que le correspondía. ¡Gracias, “Chicho”!
No profanar…, entre otras, tiene una virtud: está hecha en serio.
La secuencia de la telefonista, la primera aparición de la guapísima Isabel Mestres en el cine comercial, es sobrecogedora. Y a pesar de su aparatosidad, de la terrorífica situación, los espectadores no se mueven en sus butacas, están petrificados.
– ¿Ha sido invitado a muchos lugares para hablar de esta película? ¿Le gusta que se le reconozca como uno de los actores de esta película de Jorge Grau?
¡Claro que sí! Para mí es un honor.
-¿Que opina de que se haya convertido en película de culto entre los aficionados al cine de terror de todo el mundo?
En No profanar… se invirtió muy poco dinero para lanzarla al mercado. Si ha conseguido esas cotas de reconocimiento mundial debe de ser por sus propios valores.
– ¿Todavía guarda el guión original? ¿Contratos? De ser así son como el santo grial de los fans.
No. Lo siento mucho.
– ¿Como fue su relación con Jorge Grau? Colaboró con él en varios films: En 1973 Pena de Muerte (con Marisa Mell, Fernando Rey, Máximo Valverde y Espartaco Santoni… ¡¡Todo un reparto heterogéneo!!); y después El secreto inconfesable de un chico bien (1976) y La siesta (1980).
Sí, he trabajado mucho con Jordi. Aun que siempre hubo una primera vez. Jordi conoce muy bien la mente del actor. Tiene un libro sobre interpretación, muy interesante, y sabe como tratarnos, como proponernos lo que quiere. Tengo mucha complicidad con él. Después de cada “toma” le miro y ya sé por dónde van los tiros.
A Jordi Grau tengo varias cosas que agradecerle. En sus películas siempre me ha dado personajes distintos, tal vez por yo soy un actor todo-terreno…No sé. Pero la galería de personajes tan dispares que muestro en sus cintas da una idea de lo que es la creación conjunta. Él piensa un carácter y yo lo materializo. Es un trabajo apasionante.
Jordi me trajo a Madrid. Llegué en 1974 acabando No profanar… y aquí establecí mi residencia. Me desplazo a otras Comunidades cuando me contratan: Catalunya, Valencia, Andalucía, Galicia… “Si tu me dices ven, lo dejo todo”.
Los actores no podemos guardar nuestros trabajos en un ordenador. O los hacemos aquí y ahora, o no los haremos nunca jamás.
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Serendipia
Proyecto Naschy 
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