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‘Lo tuyo y tú’, la cantante era calva
Una noche Youngsoo y su novia Minjung discuten por el supuesto flirteo de la chica con un desconocido y ella termina marchándose de casa. Al día siguiente Youngsoo vaga por las calles con la esperanza de encontrarla; mientras tanto Minjung (o una chica idéntica a ella) tiene citas con distintos hombres que dicen conocerla de antes.
La nueva película escrita y dirigida por el maestro Hong Sangsoo, ganadora de la Concha de Plata al Mejor Director en la pasada 64ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián-Donostia y protagonizada por Kim Joohyuck (Like for Likes, The Beauty Inside) y Lee Youyoung (The Treacherous, Late Spring), continúa explorando las relaciones de pareja, verdadera constante de su cine como ya tuvimos ocasión de comentar en Antes no, ahora sí. Hong Sangsoo reflexiona en ella sobre los límites del conocimiento mutuo en el seno de una pareja y sobre el valor de la confianza del uno en el otro. Dividida en escenas separadas por fundidos en negro (fundidos que prácticamente juegan el mismo papel que el telón en el teatro), un mismo tema musical sirve de nexo entre ellas, un tema que, por su naturaleza desenfadada y vivaz, indica claramente que Lo tuyo y tú es una comedia.
¿Es una comedia? El coreano nos trae cuadros escénicos disparatados retratados en plano fijo (prácticamente sólo el uso de aparatosos zooms introduce movimiento) en los que los personajes declaman diálogos, que en ocasiones se antojan casi sin sentido, mientras beben, sobre todo beben. La ruptura de la ilación lógica es la que funciona aquí como vehículo del humor, a algunos les podrá provocar hilaridad, a otros sólo una sonrisa, no faltarán los que no capten la gracia, pero lo que vivirán todos es el extrañamiento. Y el extrañamiento es ese lugar en el que lo habitual se deforma y pierde su confortabilidad, algo semejante a las imágenes reflejadas en espejos distorsionantes. Eso es Lo tuyo y tú, una suerte de palacio de los espejos en el que nos veremos obligados a ver de otro modo nuestras propias vivencias sobre el amor, la (des)confianza, la capacidad de comprender al otro, en suma, la posibilidad y sentido de formar una pareja.
“Sólo el amor verdadero tiene valor, lo demás es comer y cagar” dice en un momento el protagonista, todo un trasunto del pensamiento del propio director: “el amor es lo único que importa en esta vida aparte de la cerveza. Si encuentras a una persona a la que puedas amar y con quien puedas compartir tu vida, que en el resto de facetas de tu vida seas un desastre carece de gravedad”. Sangsoo se autoproclama vago porque no está dispuesto a inventar nada más allá de lo que él mismo aprecia y vive, por eso en todas sus películas se bebe tanto y por eso hablan todas ellas de amor, “yo mismo no tengo más aficiones que beber. Hablo de lo que sé, punto. Jamás me plantearía contar la historia de, por ejemplo, un piloto de carreras vegano y aficionado a la pesca. No conozco a nadie que sea así, y soy demasiado torpe para inventármelo”. Pero igual que reconoce su pereza, es consciente de su honestidad, “casi nada en mi cine es intencionado, porque me gusta ponerme a merced de los accidentes. Tampoco comparo mis películas entre sí. Cada una de ellas es un reflejo de quién soy yo en el momento de hacerla, una instantánea de quién soy en diferentes épocas de mi vida. En ese sentido soy un director brutalmente honesto”. El coreano no escribe detalladamente sus guiones, juega a la improvisación, se burla amablemente de la prensa que en su juicio rebusca demasiado en sus obras (niega incluso que el cine de Rohmer sea una influencia consciente) y respira sinceridad en cada palabra, una sinceridad que impregna cada fotograma en el que vierte su pensamiento y su sentimiento. Romántico empedernido, no se cansa de dar argumentos sobre como el amor es lo único. Y nosotros podemos amarle por ello.
Proyección benéfica de ‘Norman, el hombre que lo conseguía todo’
Richard Gere va a venir a Barcelona, donde inaugurará el Festival de Cine que se está poniendo en marcha en los Cines Verdi (bcnfilmfest).
El día 20 de abril a las 20:00h, presentada en persona por Richard Gere, con la ayuda de Codespa y PRONEC, se ha organizado una proyección benéfica a favor de las causas que Gere viene apoyando desde hace mucho tiempo. Se proyectará:
Si desea contribuir a hacer la vida mejor a otras personas y ver la película con el propio Richard Gere presentándola, sólo tiene que inscribirse aquí e indicar cuántas entradas va a necesitar. El coste de cada entrada es 25 € y el dinero será dedicado íntegramente a causas sociales que el propio Gere explicará en el Cine Comedia antes de la proyección.
| Sinopsis |
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Un hombre de negocios de poca monta llamado Norman Oppenheimer se hace amigo de un joven político en un momento bajo y solitario de su vida.
Tres años más tarde, cuando ese político se convierte en un líder mundial influyente, la vida de Norman cambia dramáticamente. Para bien. Y para mal.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 7 de abril de 2017 *
EL OTRO LADO DE LA ESPERANZA (Toivon tuolla puolen, Aki Kaurismäki, 2017)
- Finlandia/Alemania Duración: 98 min. Guion: Aki Kaurismäki Fotografía: Timo Salminen Productora: Sputnik Género: Comedia dramática
- Reparto: Kati Outinen, Tommi Korpela, Sakari Kuosmanen, Janne Hyytiäinen, Ilkka Koivula,Kaija Pakarinen, Nuppu Koivu, Tuomari Nurmio, Sherwan Haji
- Sinopsis: Helsinki. El joven Khaled (Sherwan Haji) llega oculto en un barco de carga procedente de Siria. Mientras, un gris comercial llamado Wikström (Sakari Kuosmanen) decide poner fin a su matrimonio y a su negocio, y abrir un decadente restaurante. Sus caminos se cruzarán y Wikström ofrecerá a Khaled techo, comida y trabajo. Pero el sueño del chico es encontrar a su hermana, que también huyó de Siria.
- El otro lado de la esperanza es el último trabajo del director finés Aki Kaurismäki, recientemente galardonado con el Oso de Plata a Mejor director en el Festival de Berlín, certamen donde fue estrenada la película a nivel internacional. Kaurismäki nos mostrará la huida hacia adelante de dos personajes que, por diferentes motivos, quieren escapar de la encerrona en la que se ha convertido su vida. Ambas historias irán en paralelo hasta que colisionen, momento en el que ambos verán sus objetivos cumplidos, aunque con una suerte muy desigual. Todo ello narrado con el personalísimo estilo del director cuyo sello se define por un humor absurdo plagado de personajes y situaciones grotescas. Casi un paseo por los sueños de un sonámbulo, jalonado por las interpretaciones de viejos rockeros finlandeses.
- Es posible que no todo el mundo esté capacitado para entrar en este extraño humor de Kaurismäki, capaz de sacar una sonrisa al espectador con un tema tan serio como es la emigración, las trabas burocráticas para lograr el asilo y los encontronazos con la sinrazón, representada aquí por unos skins cabeza hueca. Y más allá incluso, porque El otro lado de la esperanza denuncia la idiotez y la hipocresía que todos, en mayor o menor medida, manifestamos respecto a este espinoso tema. Una denuncia sin moralina, pero con una agudeza tal que nos conmociona y nos mueve a reflexión. Esas situaciones ridículas y esos diálogos disparatados que los personajes viven (y los actores interpretan) con total seriedad, como aquellos personajes de Dario Fo que repetían a grito pelado «¡Viva la vida, alegre y divertida!», logran dejarnos una sonrisa, sí, pero una sonrisa que se congela, pues sentimos que lo que se desvela es lo vacua que puede llegar a ser la existencia. El otro lado de la esperanza es a la vez, bufa y amarga.
- Kaurismäki declaraba en una entrevista concedida a El mundo: «El cine no puede cambiar el mundo. Jean Renoir lloraba porque tras mostrar los desastres de la Primera Guerra Mundial en una obra maestra como La gran ilusión, nada impidió que llegara otra aún más brutal. El arte no cambia nada. El arte, de hecho, ya no es arte. Ahora, se ha transformado en simple entretenimiento. En cualquier caso, la naturaleza del cine es eso: entretenimiento. Y eso no es malo. Todo lo que signifique un alivio del sufrimiento necesario de la vida es objetivamente bueno.» Lúcido y satírico, a sus 60 años Kaurismäki hace gala de un pesimismo esperanzado, si se nos permite el oxímoron, y eso se traduce en su trabajo (que él cataloga de «mierda, pero con sentido»), no hay que cejar en la denuncia, el mundo es responsabilidad de todos, a sabiendas de que poco está en nuestras manos, pero sin reprimirnos ese lujo que es la comicidad. Como el Preston Sturges de Los viajes de Sullivan, el finlandés sabe que dar evasión a los desfavorecidos es en sí (y a la vez) el mayor honor que puede alcanzar un artista y la actitud más combativa posible ante nuestra realidad.
- El otro lado de la esperanza es la segunda entrega de una trilogía (que según el autor comprenderá solo dos partes) portuaria que el director inició con El Havre. Humor unido al profundo cariño hacia los más desfavorecidos que el director siempre ha mostrado en sus más de 20 trabajos como director, entre ellos pequeñas joyas como La Vida de bohemia (Premio Fipresci de la crítica, Berlín 1992), Nubes pasajeras, Un hombre sin pasado (Gran Premio del Jurado en Cannes 2002), Luces al atardecer o la ya nombrada, El Havre (Premio Fipresci de la crítica, Cannes 2011). Su amplia y meritoria filmografía fue reconocida en la pasada edición del Festival de Cannes donde recibió la Carroza de Oro por su sobresaliente trayectoria.
I AM NOT YOUR NEGRO (Raoul Peck, 2016)
- Francia/USA Duración: 93 min. Guion: Raoul Peck (Novela: James Baldwin) Música: Aleksey Aygi Fotografía: Henry Adebonojo, Bill Ross IV, Turner Ross Productora: Velvet Film Género: Documental
- En I Am Not Your Negro el director Raoul Peck reimagina Remember This House, la obra inacabada del activista por los derechos de los afroamericanos James Baldwin. Utilizando fragmentos extraídos del libro original narrados por Samuel L Jackson, así como filmaciones de sus discursos y entrevistas televisivas, y diverso material de archivo y cinematográfico, este documental aporta una visión genuina sobre el racismo en Estados Unidos contada a través de las vidas -y posteriores asesinatos- de tres amigos íntimos del autor: Martin Luther King Jr., Medgar Evers y Malcolm X. Pero ello no significa que estemos hablando del racismo en pretérito, ni mucho menos, el discurso de Baldwin continúa vigente y así se demuestra en este soberbio documental que también muestra, junto a palizas a manifestantes de los sesenta o linchamientos a negros en el sur, escenas recientes de palizas policiales o fotografías de víctimas de la violencia racista actual. Un repaso a la historia norteamericana y a su cultura, de la que se ha intentado excluir a los negros, cuando desde siempre han formado parte de esa civilización y han forjado ese país. Testigo de excepción de una época convulsa, James Baldwin fue amigo de los más importante activistas contra el racismo, Martin Luther King Jr., Medgar Evers, Malcolm X y Lorraine Hansberry, los cuales murieron antes de cumplir los 40 años, los tres primeros asesinados y Hansberry de cáncer, aunque como Baldwin afirmó: «es claro sospechar que lo que vio contribuyó a la tensión que la mató, porque el esfuerzo al que Lorraine estaba dedicada es más que suficiente para matar a un humano.» Asistiremos a su dolor. A su duelo y a su lucha frente a una sociedad hipócrita y enferma que, si bien muchos años después fue capaz de nombrar presidente a un ciudadano de piel negra, también lo ha sido de poner en la Casa Blanca a un personaje ridículo y demente como es Donald Trump.
- La tesis que nos muestra Baldwin es más compleja de lo que a priori pudiéramos esperar, no es el discurso de siempre aunque los datos sean los mismos y aunque la revisión de los hechos nos pueda avergonzar aun no siendo norteamericano. No, no se trata de eso, porque si así fuera se le podría contestar que los tiempos han cambiado mucho y que la lucha por los derechos civiles ha ganado muchas batallas. Para Baldwin el racismo en EE.UU no ha retrocedido, ni retrocederá hasta que se interiorice que el american lifestyle también incluye la realidad de aquellos a los que se les ha vetado el american dream. La realidad afroamericana, su condición y el dolor que han atravesado son parte de América, son América. No se trata de que haya un colectivo sojuzgado al que el otro colectivo puede liberar, se trata de asumir lo negro, su cultura y su dolor, el dolor que les ha infligido el blanco, como parte integrante de la realidad de un pueblo. Sólo cuando esto se haya interiorizado se podrá hablar de avance y fin del racismo.
- Inteligente e instructivo, este documental, que también ha sido aclamado por la crítica de su país, ha recibido múltiples galardones que han culminado en la nominación a los Oscars en la categoría de Mejor Documental.
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2016: Premios Oscar: Nominado a mejor documental2016: Festival de Toronto: Premio del Público (Mejor documental)2016: Premios Independent Spirit: Nominado a mejor largometraje documental2016: Críticos de Los Angeles: Mejor documental2016: Premios Gotham: Nominado a mejor documental2016: Sindicato de Directores (DGA): Nominado a Mejor director / Documental
EL HIJO DE JEAN (Le fils de Jean, Philippe Lioret, 2016)
Francia/Canadá Duración: 98 min. Guion: Natalie Carter, Philippe Lioret Música: Flemming Nordkrog Fotografía: Philippe Guilbert Productora: Fin Août Productions / Item 7 Género: Drama
Reparto: Pierre Deladonchamps, Gabriel Arcand, Catherine de Léan, Jean-Pierre Andréani,Christopher Atallah, Caroline Bizier-Brière, Tania Bolduc, Anne-Valérie Bouchard,Valerie Cadieux, Pierre-Yves Cardinal, Patricia Dorval, Emmanuelle Dupuy,Hubert Dupuy, Pierre-Luc Fontaine
Sinopsis: Mathieu (Pierre Deladonchamps) tiene 33 años y vive con la incógnita de no haber conocido a su padre. Su madre siempre le dijo que fue fruto de una aventura de una noche. Una mañana, en su apartamento de París, recibe una llamada de Canadá de un desconocido que dice ser amigo de su padre, que éste ha fallecido, y que le quiere enviar lo que aparentemente le ha dejado en herencia. También le dice que tiene dos hermanos. Movido por la curiosidad, decide viajar a Montreal para conocer a esa parte de su familia que vive allí, que no serán, ni mucho menos, los que Mathieu esperaba.
A pesar del constante peligro que amenaza a El hijo de Jean de terminar chapoteando en las lacrimógenas aguas del melodrama, la película, escrita y dirigida por Philippe Lioret e inspirada libremente en la novela de Jean-Paul Dubois Ci se livre pouvait me rapprocher de toi , se mantiene muy dignamente en la tesitura de lo sobrio hasta su perfecta conclusión. Construida con estructura de thriller, el director nos hará partícipes de que dos de los protagonistas tienen una bomba, bueno, una información que cambiará la vida de una familia completa, y no sabremos nunca en que momento se lanzará o como. Pero como en todo buen thriller habrá una emocionante, en todos los aspectos, sorpresa final.
Una de esas películas sutiles que no toma al espectador por tonto y que logra mantener el interés hasta el final. Rodada en distintas ciudades de Francia y Quebec, El hijo de Jean está magníficamente interpretada por Pierre Deladonchamps (El desconocido del lago) nominado a los Premios Lumière y a los César por su papel, Gabriel Arcand, también nominado al César a mejor secundario por su interpretación, Catherine de Léan y Pierre-Yves Cardinal .
ÚLTIMOS DÍAS EN LA HABANA (Fernando Pérez, 2016)
Cuba/España Duración: 92 min. Guion: Fernando Pérez, Abel Rodríguez Fotografía: Raúl Pérez Ureta Productora: Besa Films / Instituto Cubano del Arte e Industrias Cinematográficos (ICAIC) / Wanda Visión S.A Género: Drama
- Reparto: Jorge Martínez, Patricio Wood, Gabriela Ramos, Cristian Jesús, Coralita Veloz,Ana Gloria Buduen, Yailene Sierra, Carmen Solar
- Sinopsis: Centro Habana, el corazón de la Habana de hoy. Miguel (45 años) sueña con huir a New York. Mientras espera un visado que nunca llega, trabaja como lavaplatos en un restaurante particular. Diego (45 años) sueña con vivir. Postrado e inmóvil por el SIDA, libera toda su energía desde el estrecho camastro del cuarto más pequeño del solar. Mientras Miguel le da la comida a Diego, vamos descubriendo que ambos viven juntos como si fueran la noche y el día. Diego es gay, positivo, luminoso, Miguel es asexual, negativo, oscuro. Diego es el héroe, Miguel el antihéroe. Pero entre ambos existe una amistad contradictoria e indestructible, sostenida por un pasado compartido del que sólo ellos conocen sus secretos.
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2016: Festival de La Habana: Sección Oficial de largometrajes a concurso2017: Festival de Málaga: 3 Premios, incluyendo mejor película iberoamericana
Últimos días en la Habana nos ofrece, además de una emocionante trama, un retrato detallado de una Cuba de paredes desconchadas, de barandillas herrumbrosas, de muros repletos de fotografías pegadas con cinta aislante, de antiguas neveras con marcas de óxido, de jineteras y chaperos, de un calor abrasador, pegajoso. Pero también de una alegría fatalista, de la que canta mientras limpia y sueña con un paraíso que quizás no exista, pero cuya esperanza ya es, de por sí, un motivo para echar a andar. Con unas actuaciones realistas, naturales, los personajes, que dentro de su miseria nunca parecen perder la dignidad, ofrecen una lección de supervivencia.
Producida por José María Morales (Wanda Vision) y ICAIC el film, se presentó en la Sección Oficial del Festival de Cine de Málaga, tras haber recibido el Premio Especial del Jurado y el Premio a la Mejor Banda Sonora en el Festival Internacional de Cine de La Habana el pasado mes de diciembre.
SMOKING CLUB (129 NORMAS) (Alberto Utrera, 2017)
España Duración: 80 min. Guion: Alberto Utrera, Sergio Granda, Carlos Soria Fotografía: Miguel Ángel García Productora: MoA Studio Género: Comedia
Reparto: Rodrigo Poisón, Jimmy Castro, Natalia Mateo, Margarita Lascoiti, Edu Díaz,Ángela Chica, Clara Alvarado, Álvaro Lafora, Nuño Benito, Christian Reyes,Silvia Vacas, Marta Balón, Úrsula Gutiérrez
Sinopsis: Óscar (Rodrigo Poisón), es un hombre cerca de los cuarenta años que, tras una crisis vital, deja su trabajo de funcionario y a su novia para montar un club de fumadores de cannabis junto a un amigo de la universidad, el abogado Danny (Jimmy Castro), con una solo norma básica: «el club es un espacio de libertad», un lugar donde refugiarse del mundo y sentirse libre… Esta norma resulta ser algo ambigua, por lo que tienen que incluir 128 más que garanticen la libertad que tanto quieren ofrecer a sus clientes. El problema viene cuando desaparecen 3 kilos de hierba que no debían estar allí y a una de las clientas le da un patatús.
Smoking Club. 129 normas es una comedia de Alberto Utrera, que ha participado recientemente en el Festival de Málaga en la sección “Pases Especiales” con una cálida acogida por parte del público y la prensa.
Con guion de Carlos Soria, Sergio Granda y Alberto Utrera, Smoking Club. 129 normas está protagonizada por Rodrigo Poisón y Jimmy Castro, secundados por Natalia Mateo, Silvia Vacas, Angela Chica, Margarita Lascoiti y Alvaro Lafora, entre otros. Rostros que resultan bastante familiares sobre todo por su participación en series televisivas.
Según sus creadores, la historia «transcurre en un club cannábico porque era el lugar perfecto para reflexionar sobre la libertad y sus límites. También porque estos clubs son una realidad presente en la vida de muchos ciudadanos, de esos considerados “normales” a ojos de todos y que consumen de forma legal cannabis con la misma libertad que el que se toma una cerveza, un vino o una copa.» Y si bien su variopinto reparto coral y el espacio cerrado en el que se desarrolla la acción podría haber dado pié a una excelente comedia de haber caído en manos de, pongamos, un Azcona, un Berlanga o, por poner uno más próximo, Alex de la Iglesia, no sucede así a pesar de las buenas intenciones depositadas en ella. No resulta divertida en ningún momento y está repleta de diálogos y subtramas que no aportan nada y restan agilidad al filme. Y si a esto sumamos algunos diálogos que cuesta entender y una banda sonora que a veces está por encima de los diálogos, el resultado es desalentador. Seguro que sobre el papel la historia resultaba atractiva, con esos cruces entre los diferentes puntos de vista de sus protagonistas, pero a la práctica todo parece fallar: los actores actúan sin convicción y la película adolece de falta de ritmo, haciéndose cansina a pesar de su ajustada duración. Hay más voluntad que pericia.
Terminó el 35 Salón del Cómic de Barcelona: Conclusiones y premios
El 35 Salón Internacional del Cómic de Barcelona ha cerrado sus puertas con un total de 118.000 visitantes, manteniendo la cifra de asistencia de la pasada edición. El recinto de Fira Barcelona-Montjuïc ha acogido una edición que ha tenido en la relación de la aviación con el cómic uno de sus leit motiv, lo que ha servido como excusa para mostrar en la Plaza Univers varios modelos reales de aviones en el marco de la exposición Cómics en vuelo. Todo un paraíso para los aficionados a las selfies. De entre las exposiciones de este 35 Salón del Cómic cabe destacar el éxito de público de Retratando a Donald Trump, las consagradas a Milton Caniff y Will Eisner o las que cada año se dedican a los ganadores de la edición anterior, como la titulada Gaudí entre viñetas o la de Humor Blanco de TBO.
Fotos: Serendipia (excepto las indicadas)
Esta 35 edición del Salón del Cómic contó con cuatro espacios bien distribuidos y diferenciados. Casi temáticos. Las exposiciones podían verse con cierta tranquilidad y estaban en su mayoría concentradas en la misma zona, distribuidas por pisos en el Palau 4, donde también estaba la Sala de Actos en la que se celebraron conferencias y charlas. La segunda planta del Palau 2 se dedicó a más exposiciones, video-juegos, carpa de autores y zona de fanzines. Mientras que los expositores, además de las zonas dedicadas a la promoción de diferentes filmes, ocuparon el Palau 3. Todo podía recorrerse de manera bastante desahogada. Aún así, el director del Salón del Cómic, Carles Santamaría, destacó la necesidad de “disponer de más espacio y buenas fechas para no encontrarnos con problemas de aforo que perjudican a todos, tanto a los visitantes como a los expositores”. Ya que, si bien los dos primeros días fueron bastante tranquilos en cuanto a asistencia de público, el sábado se colgó el cartel en la puerta de ‘entradas agotadas’, y todo ello a pesar de haber amanecido amenazando lluvia, previsión que se cumplió copiosamente a primera hora de la tarde.
Santamaria también explicó que “la gran oferta de los expositores, tanto de cómic como de merchandising y actividades ha hecho que los visitantes hayan disfrutado de su estancia”. Unos visitantes que, lamentablemente parecían más interesados en hacerse fotografías con los modelos y paneles que lucían las grandes productoras cinematográficas, dedicados a promocionar próximos estrenos como Guardianes de la Galaxia, Ghost in the Shell, Wonder Woman o Alien: Covenant, que al auténtico protagonista del evento que es, no lo olvidemos, el cómic impreso en soporte papel. También la prensa generalista se ha detenido más en estos espacios y en los disfraces de los asistentes, el denominado Cosplay, que en las figuras de Will Eisner o Milton Caniff, protagonistas de dos magníficas exposiciones. Pero eso no es, desde luego, una novedad. El Salón tiene que resultar atractivo a la mayor parte del público, aunque ello signifique la presencia de señores de uniforme jugando a la guerra, aviones y peluches, más peluches, muchos peluches y ECC ocupando una amplísima superficie, colonizando casi el Salón con su parafernalia DC. Editoriales mastodónticas que tratan al público como ganado. Imponiendo estrictas reglas, no siempre lo suficientemente claras, para acceder a la ansiada firma de ejemplares, jugando así con la ilusión del auténtico fan. En contraste con pequeñas editoriales que promocionan el cómic realizado en España publicándolo en inmejorables condiciones, con amables editores que gustan de hablar con el público. Que recuerdan caras y sonríen comprensivos cuando ese público espera en la cola con paciencia y sin quejarte si el dibujante llega un poco tarde.
Dave Gibbons
Entre los dibujantes presentes destacaron Dave Gibbons, Liza Donnelly, Romain Hugault, Bryan i Mary M. Talbot, Jill Thompson, Kim Jung Gi, Hermann, Matt Kindt, Sole Otero, Bruno Gazzotti, Miguel Díaz Vizoso, Juan Padrón o Gina Wynbrandt. Mediáticamente los nombre más llamativos fueron los de Dave Gibbons, el creador gráfico de Watchmen, un tipo de lo más afable que por gentileza de ECC firmó durante los cuatro días del Salón, a 50 afortunados por jornada. O la joven Gina Wynbrandt, cuyo desvergonzado lamento quasiadolescente en clave de comedia, Que alguien se acueste conmigo, por favor, la convirtió en la it girl de los medios generalistas. La anécdota desafortunada vino cuando aprovechando un descuido un impresentable se hizo con el MacBook del artista Kim Jung Gi, que realizaba un maravilloso mural en público.
A estos nombres es obligado añadir los de un gran número de autores nacionales que han contribuido activamente al éxito del certamen. Clásicos como Kim y Altarriba, que prosiguieron dedicando su exitoso díptico El arte de volar/El ala rota; Josep María Beà, que tuvo que tomarse un respiro de tanto dibujar y dedicar su radiante nueva edición de Historias de la taberna galáctica y el tomo recopilatorio El hombre de los mil estilos, editados ambos (y muy bien) por Trilita Ediciones. O el siempre animado stand de Astiberri que contó, como es habitual, con Paco Roca, uno de los más queridos ilustradores, que dibujó y dedicó a buen ritmo a todo el que se acercó, portando el curioso estuche porta lápices que siempre lleva a estos eventos: una caja del VHS de la película ‘Jesucristo Superstar.’ O también el imprescindible Pedro Vera, que llegó un poco apurado a la cita con su fiel parroquia de seguidores, ¡efectiviwonder!
PREMIOS 35 SALÓN INTERNACIONAL DEL CÓMIC DE BARCELONA
La entrega de los premios del 35 Salón Internacional del Cómic de Barcelona ha reconocido la larga dedicación al mundo de la historieta de Josep Maria Martín Saurí. Las votaciones de los profesionales han otorgado el Gran Premio del Salón al dibujante catalán, que nació en Barcelona y ha visto publicados sus dibujos alrededor de Europa y también en los Estados Unidos.
La dotación económica del Gran Premio del Salón y el premio a la Mejor Obra de Autor Español es de, respectivamente, 10.000 euros, mientras que el premio al Mejor Fanzine es de 1.500 euros. El Premio al Autor Revelación tiene 3.000 euros, gracias al patrocinio de la Fundación Divina Pastora. Las categorías a la Mejor Obra de Autor Extranjero, el premio a la Mejor Obra por Votación Popular y los premios honoríficos no tienen dotación económica. El objetivo de los premios es poder promocionar y recompensar nuestros autores, y reconocer la labor de los editores que apuestan por ellos. Los galardones también quieren mostrar la riqueza y diversidad del cómic que se ha publicado en España en el último año, teniendo en cuenta los jóvenes valores y los fanzines.
Mejor obra de autor/a español publicada en España en 2016: Jamás tendré veinte años, de Jaime Martín (Norma Editorial)
Se conocieron en 1936, durante el caos destructivo de la guerra civil española: Isabel es costurera, Jaime es artillero en el ejército republicano. Se aman. Luchan. Escapan de la muerte. Sin embargo, cuando cae la República, Jaime e Isabel están en el lado perdedor y, a veces, es más difícil sobrevivir en la paz que en la guerra. Después de creer en un mañana mejor, ¿cómo es posible callar bajo una dictadura?
Jaime Martín (Las guerras silenciosas, Sangre de barrio) nos brinda una historia real sobre sus abuelos. Una historia de amor donde el valor y la dignidad compiten con la ternura y el humor, la alegría y la rabia. La historia de una familia cuyo destino está intrínsecamente unido al de su país.
Mejor obra de autor extranjero publicada en España en 2016: La Visión, de Gabriel Hernández Walta y Tom King (Panini Cómics)
El guionista Tom King y Gabriel Hernández Walta realizaron una serie de 12 números dedicada al sintezoide más famoso de Marvel, La Visión, en la que veríamos al personaje tratando de llevar una vida completamente corriente y normal. Una historia llena de suspense y tragedia que ha maravillado a multitud de lectores convirtiéndose en una de las series Marvel más aclamadas.
Foto: Ficomic
Autor español revelación del 2016: Javi Rey
Nacido en Bruselas en 1982, y de nacionalidad española, Javi Rey se formó como ilustrador y dibujante en la Escuela Joso de Barcelona, y es en este centro formativo donde sus profesores y compañeros le transmiten la pasión por el mundo del cómic. Tras participar en el libro colectivo Lovexpress (Kaleidoskope, 2007), empieza su actividad profesional dentro del mundo de la animación independiente, trabajando para el estudio Yanquipay durante la producción de la serie 240 el nen clònic (TV3, 2009), y también ilustra libros de texto y hace storyboards para diversas agencias de publicidad. En 2011 empieza su colaboración junto al guionista Frank Giroud en la obra ¡Adelante! (Editions Dupuis, 2013-2014), un cómic ambientado en la Guerra de la Independencia española, y tras colaborar en el libro colectivo Web Trip. Relatos y recetas (Planeta Cómic, 2015), su segundo cómic, también publicado por Editions Dupuis, trata sobre la creación del primer equipo nacional de fútbol argelino durante la guerra franco-argelina (1954-1962). En 2016 publica la adaptación al cómic de la novela Intemperie (Seix Barral, 2013) del escritor Jesús Carrasco, editada por Planeta Cómic.
Mejor fanzine español del 2016: Paranoidland
Paranoidland es un fanzine de publicación bimestral que cuenta con historias originales de varios autores de cómics españoles. Cuatro historias principales publicadas por entregas, y cada número cuenta con historias autoconclusivas e ilustraciones de autores invitados. Seis números serán los necesarios para completar las distintas historias. Ni más, ni menos.
Gran Premio del Salón: Josep Maria Martín Saurí
Nacido en Barcelona en 1949, su trayectoria coge impulso a partir de 1973, cuando dibuja una historieta de ocho páginas para la revista Pulgarcito (Editorial Bruguera). A partir de 1975 empieza a trabajar con editoriales extranjeras, dibujando primero historias románticas y más adelante de terror. Durante los años 80 colabora con la revista Interviú e ilustra para Bruguera las biografías de Alejandro Magno y Shakespeare. En esta década también conducirá su actividad profesional hacia los dibujos animados, sin dejar de publicar tanto en España como en Europa y los Estados Unidos. A partir de 1994 empieza a colaborar con Enrique Sánchez Abulí, publicando La mariposa y la llama, con ACME en Italia y con RBA en España, y continuarán trabajando juntos para editoriales italianas y francesas. A finales de la década de los 90 empieza a trabajar más con productoras de cine y televisión, también en spots publicitarios y dibujos animados. En 2007, aprovechando el 25 aniversario de su publicación, Norma reedita uno de sus álbumes emblemáticos, La Odisea, realizado junto a Francisco Pérez Navarro.
Premio del público: Fantasy West de Carlos Díaz Correia y Jacobo Márquez
Fantasy West es un cómic ambientado en el Far West americano de finales del siglo XIX, con la peculiaridad de que criaturas fantásticas como gigantes, trolls o centauros conviven con indios y vaqueros. Está escrito por Carlos Díaz Correia y dibujado por Jacobo Márquez.
Ficomic, a partir de este momento, comienza a trabajar en el 36 Salón del Internacional del Cómic de Barcelona, que se celebrará, nuevamente, en Fira de Barcelona-Montjuïc del 3 al 6 de mayo de 2018.
Una imagen de los premiados de esta edición (Foto: Ficomic)
GALERÍA FOTOGRÁFICA SALÓN DEL CÓMIC 2017
35 Salón del Cómic de Barcelona: Álbum fotográfico
Celebramos una nueva edición del Salón del Cómic de Barcelona, de la que ya les hablamos aquí. Charlas, sesiones de firmas, encuentros con amigos, visita a exposiciones, alguna compra y un buen puñado de imágenes que recopilamos, como es habitual en Proyecto Naschy, en un álbum que queda ya para el recuerdo. (Fotos: Serendipia)
Junto a editoriales como Astiberri, de lo mejorcito editado en España…
… no podía faltar el comic book americano, y de entre ellos su amistoso vecino…
… junto a la parafernalia Manga, Anime…
… que vino, definitivamente, para quedarse.
También cine…
… señores disfrazados y aviones …
… fanzines (aquí el stand del ganador de este año al mejor, Paranoidland)
… chicos totalmente concentrados con cosas que se nos escapan del conocimiento en la zona de video-juegos…
… charlas seguidas con interés…
… y exposiciones, claro. Como está tan completita dedicada a Cels Piñol…
… o esta centrada en el humor y Donald Trump, algo íntimamente unido…
… Lucky Luke…
… el clásico español de clásicos …
… el siempre presente Will Eisner o EL CÓMIC con mayúsculas…
… y también otro grande, Milton Caniff . Pero no todo van a ser exposiciones…
… también nos visitó el simpático Dave Gibbons, que hasta posó para nosotros con esta sonrisa …
… la pícara Gina Wynbrandt …
… nuestro amiguete Paco Roca…
… Mr. Ranciofacts, el mismísimo Pedro Vera…
… clásicos de nuestro cómic como Kim y Altarriba o el nuevo ganador al mejor cómic, Jaime Martín (sí, el cómic es de izquierdas… ¡No pasarán!)
… y ¡claro, ellos! el Cosplay, que tanto colorido ofrece a estos eventos…
… y que en este Salón parecen haber ganado los dedicados a DC. Aquí Wonder Woman…
… Bat-Girl, Superwoman, Harley Quinn y otra Wonder Woman. Este año es el año de Wonder Woman, ya saben…
…. pero Harley Quinn …
… continúa siendo la favorita…
… aunque Poison Ivy también nos ha gustado de siempre, aquí en compañía del mismísimo Pingüino vía Tim Burton.
Así que lo lamentamos mucho, pues nosotros en esta casa somos más de Marvel pero… ¡DC por goleada!
Sin olvidar que este año también llega otra nueva entrega de Transformers.
… Y con Dan Depresor nos despedimos del Salón del Cómic 2017 y damos la bienvenida al 36 Salón del Cómic, que tendrá lugar del 3 al 6 de mayo de 2018 ¡Excelsior!
El 36 Festival de Cine de Terror de Molins de Rei ya tiene cartel
Si hace unas semanas os informamos de las fechas y las bases de la XXXVI edición del Festival de Cine de Terror de Molins de Rei, hoy tenemos presentamos el cartel para la edición de este año.
Como ya sabéis el leitmotiv de esta edición es Haneke or the edge of horror y no cabe duda de que las películas Funny Games (1997 y 2007) son una referencia en el género. Este año se cumplen 20 y 10 años de las películas respectivamente así como el 75o aniversario de Michael Haneke y el Festival, como no podía ser de otra manera, homenajea al famoso director.
Por sexto año consecutivo Maite Pascual se ha encargado del diseño del poster del Festival que está inspirado en una de las escenas iniciales de la cinta y que supone una clara alegoría de los acontecimientos que esperan a los protagonistas.
En Funny Games, Haneke, una vez más, se vale de la cotidianidad para terminar desencadenando una visceral, perturbadora y brutal historia, demostrando que el verdadero y más crudo terror está siempre más cerca de lo que creemos.
No cabe duda que la cinta de Haneke se ha convertido en película de culto para los amantes del género, por ello, TerrorMolins no ha querido perder la oportunidad de dedicar el póster de esta edición a una obra maestra que nos muestra sin contemplaciones y con absoluta maestría muchos de los elementos que no pueden faltar en una buena cinta de género.
Presentación de ‘Paradoja en Renfield Street’ la nueva novela de Lluis Rueda
Editorial Hermenaute presenta el próximo jueves 6 de abril a las 19 de la tarde su última publicación: Paradoja en Renfield Street. La presentación tendrá lugar en la Librería Gigamesh (Carrer de Bailèn, 8, 08010 Barcelona). La presentación contará con la presencia del autor, Lluís Rueda, y de los editores David Aliaga (Editorial Base) y Jose Miguel Rodríguez (Tyrannosarus Books).
La obra no es una novela al uso, podría definirse de entrada como una obra de terror esotérico y paradojas temporales pero, a la manera de las muñecas rusas, guarda en sus formas narrativas pasadizos hacia distintas realidades literarias y humanas: aventuras arqueológicas en Oriente Medio, folklore escocés, pinceladas de la sociedad japonesa actual y su desaforado consumismo, paisajes oníricos, culto a la belleza, enigmas, oscuros lazos paterno-filiales, obsesiones literarias, humor negro y una desaforada tendencia hacia la novela de aventuras clásica. Todo ello en un texto que abarca más de doscientos años, se sitúa en varios continentes y atraviesa portales a otros mundos que la literatura no había mostrado hasta la fecha.
Sinopsis:
Glasgow, año 2000. El joven Andy Telfer despierta en su apartamento de Renfield Street enfrentado a dos enigmas casi irresolubles. A su lado duerme una joven galesa que parece venir del pasado, al menos así lo atestiguan su vestido de época y su documentación. El otro enigma hace referencia al viejo manuscrito que sostiene ante él un misterioso agente literario llamado Edgar Grainger: el texto contiene el primer capítulo de una novela, al parecer escrita por el propio Telfer y protagonizada por la joven que yace a su lado, Sarah Aveling.
Críticas:
«Paradoja en Renfield Street es un thriller sustentado en dos pilares fundamentales: una estructura narrativa que espolea la curiosidad del lector por conocer cómo se desarrolla la historia y la capacidad de evocación de los elementos herméticos y esotéricos que Rueda ha deslizado en sus páginas ofreciendo un nivel de lectura adicional que vibra en una frecuencia distinta al de la trama y los personajes». David Aliaga, escritor y editor.
Sobre el autor:
Lluís Rueda (1973, Barcelona). Editor, escritor, guionista y analista cinematográfico. Director de la Editorial Hermenaute y de Hermenaute-Proyecto Hermético. Ha sido director de la web de cine fantástico Judex. Colaborador en diversos medios: radio, televisión, revistas culturales y magazines. Entre sus obras destacan el ensayo Monstruos eléctricos: El cine de terror y la ciencia ficción en la Universal (Arkadin Ediciones, 2012) y la novela de ciencia ficción El columpio negro (Tyrannosaurus Books, 2012). También ha participado en el ensayo Steampunk Cinema y es coautor del libro Crimen en la noche/Muertos y enterrados (ambos publicados en Tyrannosaurus Books, 2014). Ha colaborado además en las antologías de relatos Ovnipresentes (Ediciones Dédalo, 2013) y Dimensión B (Ediciones la Pastilla Roja, 2014), y ha sido coordinador, editor y escritor en Momias y embalsamados (Editorial Hermenaute, 2014). Le apasiona viajar y la antropología cultural.
Colección Caronte
Rústica con solapas
ISBN: 978-84-944902-7-9
558 páginas
PVP: 19,90 euros
Ver el libro
http://www.hermenaute.com/libro.php?id_libro=13
Ya en marcha el Verkami para el libro ‘Kung Fu Girls! Las actrices de acción de Hong Kong y China’
El Festival Nits de cine oriental de Vic ampliará este 2017 su oferta literaria con la edición de un tercer ensayo cinematográfico vinculado a la industria asiática del celuloide. Se titulará Kung Fu Girls! Las actrices de acción de Hong Kong y China y será un homenaje a aquellas mujeres protagonistas del cine de artes marciales femenino. El certamen ha puesto en marcha una campaña de micromecenazgo para hacer realidad esta nueva empresa editorial, que firman dos de los principales expertos en cine asiático en nuestro país, Domingo López y Jorge Endrino, y que ilustrará Toni Benages.
Tigre y Dragón mostró por primera vez al mundo occidental el universo de las Dragon Girls en un género, el del cine de acción, que no acostumbra a ceder el protagonismo a las mujeres. Pero el cine chino, taiwanés y hongkonés tenía una larga tradición de luchadoras que se remonta a los primeros tiempos de la literatura wuxia con leyendas tan conocidas como Hua Mulan. Desde las cintas de espadas de Cheng Pei-Pei a la heroína enmascarada Black Rose de los años 90, el cine de acción chino ha continuado con infinidad de estrellas marciales femeninas. Un legado que llega hasta nuestros días.A ellas, actrices como Angela Mao, Sharon Yeung, Sibelle Hu, Kara Hui, Elsa Yeung, Michelle Yeoh, Cynthia Yeung, Moon Lee, Zhang Ziyi y Maggie Q está dedicado este libro. Un repaso exhaustivo del protagonismo femenino en el género de acción, con un contexto histórico, galería de imágenes con las actrices más destacadas, fotogramas de películas, ilustraciones originales, entrevistas y guía de películas.
EN ACCIÓN PARA CONSEGUIR FINANCIACIÓN
Los próximos 40 días serán claves para la consecución de este volumen. Es el tiempo que durará la campaña en Verkami para conseguir los 4.000 euros que han de permitir editar el libro. La recompensa, o mejor dicho recompensas, de avanzarse y reservar un ejemplar son muchas y variadas y se adaptan a todos los bolsillos. La principal es obtener un ejemplar firmado a un precio más competitivo que el que tendrá más adelante.
Los más cinéfilos podrán complementar la compra del libro con un ejemplar de Tigre y Dragón; con tres clásicos del cine de acción o con un DVD Trashorama. Los más Nitómanos también tienen diferentes opciones de lote, como los que contienen la camiseta o la bolsa de diseño exclusivo Nits 2017 Kick Like a Girl! o el bono que da acceso a todas las películas del festival. Para los más pequeños esta la opción de adquirir una camiseta exclusiva para ellos o de vivir las aventuras de Maneki-Neko a través del libro infantil editado el año pasado por el festival. Y los más coleccionistas pueden hacerse con las ilustraciones originales de Toni Benages en formato de alta calidad. Y eso no es todo… Están también los lotes Centres Cívics, CineAsia o Kritik, fruto de diferentes colaboraciones que el certamen ha establecido.
Ficha técnica
Título: Kung Fu Girls! Las actrices de acción de Hong Kong y China
Género: ensayo/cine
Autores: Domingo López y Jorge Endrino
Ilustrador: Toni Benages
Páginas: 200
Formato: 150×230 mm.
PVP: 20 euros
Fecha publicación: 18 de julio de 2017
Edita: Festival Nits de cinema oriental de Vic
Versus Entertainment estrenará este verano ‘Colossal’ de Nacho Vigalondo
Colossal, el nuevo trabajo de Nacho Vigalondo protagonizada por Anne Hathaway y Jason Sudeikis que ya pudo verse en el último Festival de Sitges, llegará a las pantallas españolas de la mano de Versus Entertainment. Así mismo Movistar+ se une a la acción ofreciendo a sus abonados un pase exclusivo.
Colossal, que se estrena el próximo 7 de abril en USA y se estrenará en España este verano, ha visitado entre otros el Festival de Toronto, Festival de San Sebastián, Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña/Sitges, Fantastic Fest (Austin), Festival de Sundance, SXSW….
Aunque es una producción internacional, en la parte española, Nahikari Ipiña, socio de Vigalondo y su productora de cabecera, se ha encargado de la producción junto con su empresa Sayaka Producciones.
Posteriormente a su estreno Colossal tendrá un lanzamiento en DVD y plataformas digitales coincidiendo con el 10 aniversario de Los Cronocrímenes, primera película de Nacho Vigalondo, que también distribuyó Versus Entertainment.
Sinopsis: Gloria (Anne Hathaway) decide dejar Nueva York y volver a su ciudad natal tras haber perdido su trabajo y su novio. Pero, cuando en las noticias informan de que un monstruo gigantesco está destruyendo la ciudad de Seúl, se da cuenta de que está relacionada con esos extraños sucesos.
Para evitar que la destrucción vaya a más tendrá que averiguar el papel de su insignificante existencia en un evento colosal que podría cambiar el destino del mundo.
Los últimos días en el desierto, primera tentación de Cristo
Entonces Jesús fue llevado por el Espíritu
al desierto para ser tentado por el diablo.
(Mateo, 4,1)
Leemos en el Evangelio que Cristo, antes de iniciar su ministerio, se retiró al desierto donde ayunó cuarenta días y cuarenta noches, cuando su cuerpo se debilitó y sintió hambre fue tentado por el demonio tres veces y no sucumbió ninguna. Este episodio es el punto de arranque de Los últimos días en el desierto donde la anécdota bíblica se noveliza al modo en que lo hiciera Kazantzakis en La última tentación de Cristo (adaptada al cine por Scorsese), pero insistiendo todavía más en el perfil humano del Nazareno, como declara el propio director: “No podía saber cómo era el lado divino, por lo que decidí tratar las predicaciones y problemas de Jesús de la misma forma que los de una persona normal”.
Poco versado en la doctrina (pese a haberse criado en un entorno eminentemente católico), la historia en la que Rodrigo García enmarca el episodio evangélico se le presentó de repente, después de decidir que lo que más le atraía del Hijo de Dios era justo eso, su condición de hijo. Así resume el director la trama: “en la niebla de un viaje espiritual encuentra a un padre, una madre y un hijo extraños los unos para los otros. El planteamiento se desarrolla en el clásico enfrentamiento entre la llamada divina del alma y el deseo individual de realización personal”. Mientras García trata las dinámicas familiares en el corazón de la película, decide añadir un personaje adicional: el Diablo. “En la Biblia se dice que el Diablo tentó a Jesús en el desierto. Yo he elegido que se le aparezca a Jesús con su propia apariencia. El Diablo cuestiona a Jesús si podrá resolver el problema de la familia satisfaciendo a todo el mundo.” En suma, Jesucristo y su travesía por el desierto son elegidos como contexto para explorar a un sujeto universal y su historia de crecimiento personal: un joven convirtiéndose en hombre, con el permiso de su padre o sin él.
El tratamiento de la figura de Jesús que nos brinda el colombiano ha sido considerado valiente y arriesgado, al estar alejado del que más habitualmente nos había dado el género en la pantalla. Un mundo desacralizado como es el nuestro agradece que se rescate el humanismo que respira lo cristiano apartándolo de las cuestiones de fe. Evidentemente esta secularización no ha satisfecho a todos y menos, sobre todo, a los sectores religiosos. De las filas de la Iglesia le han llegado las peores críticas de entre las cuales destacamos la de Monseñor Robert Barron, Obispo Auxiliar de la Arquidiócesis de Los Ángeles, por su tono sarcástico: “Con su última película, Últimos días en el desierto, Rodrigo García ha logrado algo verdaderamente destacable. Ha tomado un extracto de la vida de la persona más interesante que jamás ha vivido y lo convirtió en una película colosalmente aburrida. (…) Lo que sería realmente dramático y revelador sería una película que muestre convincentemente que el carpintero de Nazaret también es Dios.” En lo que no parecen querer reparar unos y otros es en que, no sabemos si de forma voluntaria, hay al menos una cuestión en la película de relevante interés teológico: la que afecta a la naturaleza del diablo.
Para representar al demonio, al maligno padre de la mentira, García huye de la iconografía clásica, nada de cuernos, alas o tridentes, también al diablo le da una apariencia humana, y no una apariencia cualquiera, como decíamos más arriba nos lo presenta como doble exacto del propio Jesús (reto doble, pues, para Ian McGregor que ha de interpretar al hombre más santo y a su reverso). En un primer acercamiento a esta decisión deberíamos concluir que esta elección viene dada por esa voluntad de dar a la historia un tratamiento humano: que sea su doble podría hacernos pensar que quizás se trate tan solo de una alucinación provocada por el mismo agotamiento de la estancia en el desierto. Sin embargo, si tomamos distancia de cuáles han podido ser las intenciones del autor, nos encontramos con que la cinta nos brinda la ocasión de reflexionar sobre la relación entre el bien y el mal. Más allá del filme, la tradición establece que el Nazareno es el verdadero Hijo de Dios, de un Dios que es uno y trino, así que Cristo es Dios; si el diablo es el doble del Hijo, estamos estableciendo que las dos potencias antagónicas comparten esencia. Dios y el diablo serían las dos caras de una misma moneda y con ello estaríamos estableciendo un mismo origen para el bien y para el mal absolutos, cuestión que obligaría a revisar todo el sistema de creencias y que podría considerarse una aberración teológica, pero también una inquietante proposición que explicaría porqué puede ser compatible la promesa del Cristo al buen ladrón de estar mañana con Él en la casa del Padre cuando la profecía había establecido que tras la muerte en la cruz descendería a los infiernos durante tres días. Si el diablo y Dios son el mismo, cielo e infierno sólo serían dos nombres para referirse a lo mismo y no habría salvación posible.
Las derivaciones teológicas de una elección probablemente inocente son mera especulación y divertimento intelectual, pero se habrá de reconocer que tirar del hilo de los recursos de García para contar su historia nos llevan a una interesante paradoja. Y la paradoja persiste hasta cierto punto aunque no pensemos en la naturaleza divina del Cristo. Aún manteniéndonos dentro de una caracterización meramente humana, la visión dialéctica del bien y el mal sigue persistiendo. Entre ambos polos se daría una relación de opuestos complementarios, un opuesto necesitaría al otro para definirse, extremando la reflexión habría de concluirse que un contrario es el otro en su eterna rivalidad. El diablo de García es el reverso socarrón del Hijo, él mismo es hijo de Dios como lo es cualquier criatura y la razón de haberse rebelado contra el Hacedor habría sido la arrogancia extrema de este último. Y esto sí se dice de forma expresa en el filme. Si no nos remontamos especulativamente por encima de la película, nos queda aún una caracterización del demonio que lo haría semejante al Satán de Milton. Se presenta como un personaje carismático y persuasivo. Un ser curioso, insumiso, contradictorio, humano, en suma, que a veces parece capaz de amar. Casi parece ofrecerle la única mano amiga al Cristo agotado por el desierto y por el peso de haber de atravesar la muerte para cumplir con el mandato del Padre.
Últimos días en el desierto no es, pues, una película aburrida, aunque sí resulte contemplativa y lírica en la mayor parte de su metraje. No deja de ser una interesante visión alternativa a lo que ha dado el género, que nos permite reflexionar sobre el humanismo, sobre el bien y sobre el mal. Todo ello envuelto por la fotografía del triplemente oscarizado Emmanuel Lubezki (El Renacido, Birdman, Gravity) que obra un milagro al convertir la luz natural y el paisaje desértico en magia para la mirada.
Primer trailer de ‘Verónica’ de Paco Plaza
Ya está disponible el teaser tráiler de «VERÓNICA», el nuevo y esperado largometraje de Paco Plaza, con guion del propio director y Fernando Navarro, que llegará a nuestras pantallas el próximo 25 de agosto de la mano de SONY PICTURES RELEASING ESPAÑA .
Con un equipo artístico encabezado por los debutantes Sandra Escacena, Bruna González, Claudia Placer e Iván Chavero, la película ha sido producida por APACHE FILMS & EXPEDIENTE LA PELÍCULA A.I.E., con el apoyo del ICAA y la participación de RTVE. Completan el reparto de esta inquietante historia de terror inspirada en sucesos reales Ana Torrent, Sonia Almarcha, Maru Valdivielso y Leticia Dolera.
La canción principal es «Maldito duende«, de Héroes del Silencio.
Sinopsis
Madrid, años 90. Tras hacer una Ouija con unas amigas, una adolescente es asediada por peligrosas presencias sobrenaturales que amenazan con hacer daño a toda su familia. Inspirado en aterradores archivos policiales nunca resueltos.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 31 de marzo de 2017 *
DAVID LYNCH-THE ART LIFE (Jon Nguyen, Rick Barnes, Olivia Neergaard-Holm, 2016)
USA/Dinamarca Duración: 90 min. Música: Jonatan Bengta Fotografía: Jason S. Productora: Duck Diver Films / Hideout Films / Kong Gulerod Film Género: Documental
Sinopsis: Viaje íntimo a la etapa formativa de la vida del David Lynch, acompañados por el propio protagonista.
Magnífico retrato biográfico del joven Lynch, desde su niñez hasta que decidió que quería ser artista. Su serio compromiso con la pintura, la búsqueda de un estilo propio, la paternidad prematura, su vida en el ambiente artístico de Filadelfia y su traslado a Los Angeles cuando obtiene una beca para estudiar en el American Films Institute. Todo, hasta llegar justo a Cabeza borradora (Erasherhead, 1977), la película con la que despegaría la carrera cinematográfica de este visionario del cine. Y todo contado por el propio David Lynch, que aporta a su excelente narración dosis de intriga y misterio. Humor y creatividad mientras le vemos trabajando en sus obras, pintando, creando, jugando con su hija pequeña en un inteligente documental en el que se ha evitado recurrir a bustos parlantes. No vemos hablar a Lynch, único y absoluto protagonista del documental, pero no dejamos de oír su voz. Rememorando su vida, escenas que parecen salidas de sueños, experiencias que forjaron su personalidad, mientras que los directores consiguen rodear esta narración de un catálogo de imágenes fascinantes, que mezclan con fotografías personales y películas familiares de Lynch. Y es que, nadie mejor que Lynch para hablar de Lynch, para desvelar el enigma de Lynch. Un enigma que para nada encuentra solución, muy al contrario, se incrementa, aumenta la fascinación por el personaje. Despierta la creatividad. Una creatividad que le llevó al cine de manera inconsciente, rodando sus primeros experimentos artísticos, The Alphabet (1968) y The Grandmother (1970), que derivaron en Cabeza borradora en 1977, momento en el cual el documental abandona al creador y lo deja trabajando. Eternamente experimentando. Sin dejar de fumar.
ÚLTIMOS DÍAS EN EL DESIERTO (Last Days in the Desert, Rodrigo García, 2015)
USA. Duración:95 min. Guion: Rodrigo García Música: Danny Bensi, Saunder Jurriaans Fotografía: Emmanuel Lubezki Productora: Mockingbird Pictures Género: Drama
Reparto: Ewan McGregor Ayelet Zurer, Ciarán Hinds, Susan Gray
Sinopsis: En medio de un árido paisaje, ante la fatiga y alucinaciones, el hombre santo tiene un encuentro con el Diablo, quien está más que ansioso de tentar al exhausto viajero.
(Ver reseña completa aquí)
GHOST IN THE SHELL: EL ALMA DE LA MÁQUINA (Ghost in the Shell, Rupert Sanders, 2017)
USA Duración: 120 min. Guion: William Wheeler (Manga: Masamune Shirow) Música: Clint Mansell Fotografía: Jess Hall Productora: DreamWorks SKG / Grosvenor Park Productions / Seaside Entertainment Género: Ciencia ficción
Sinopsis: En un Japón futurista, Scarlett Johansson interpreta a La Mayor, una agente especial ciborg, que lidera la Sección 9, un cuerpo policial de élite. El objetivo de esta unidad de operaciones encubiertas es luchar contra el ciberterrorismo y los crímenes tecnológicos. Gracias a su cuerpo artificial, La Mayor es capaz de realizar hazañas sobrehumanas especialmente requeridas para su labor. Entrenada para detener a los criminales y extremistas más peligrosos, La Mayor se enfrentará a un fanático terrorista, capaz de hackear mentes, cuyo único objetivo es acabar con los avances de Hanka Robotic en la tecnología cibernética. Pronto la agente ciborg se verá inmersa en una serie de intrigas y secretos de estado para encontrar al misterioso terrorista.
(Ver reseña completa aquí)
BELLA DURMIENTE (Belle Dormant, Adolfo Arrieta, 2016)
Francia/España. Duración: 82 min. Guion: Adolfo Arrieta Música: Benjamin Esdraffo, Ronan Martin Fotografía: Thomas Favel Productora: Paraïso Productions / Pomme Hurlante Films Género: Fantástico
Reparto: Niels Schneider, Agathe Bonitzer, Mathieu Amalric, Serge Bozon, Ingrid Caven,Tatiana Verstraeten, Andy Gillet, Vladimir Consigny
Sinopsis: Año 2000. Egon es el príncipe del reino de Litonia y pasa la mayor parte del tiempo tocando la batería. Sin embargo, lo que más desea en el mundo es ir al reino de Kentz, inmerso en el siglo XIX y romper el hechizo que envuelve a la bella durmiente. Su padre, no obstante, se opondrá firmemente a esa idea, creyendo que sólo se trata de un cuento de hadas.
Una vez vista la única cinta en la que Arrieta ha contado con un presupuesto decente, podría decirse que este no ha hecho más que perjudicarle. Bella durmiente carece del carácter experimental o underground que impregna toda su obra. Es una nueva versión del cuento realizada de forma muy libre, desde luego, pero que se enmarca perfectamente dentro del cine comercial–o más accesible para todos los públicos–y alejada de todo carácter experimental, convirtiendo esta película en un objeto mainstream de lo más inocente y carente de gracia, perfectamente delimitado dentro del fantastique más heterodoxo. Vetusta y no demasiado brillante, todo hay que decirlo. Así que el que quiera reencontrarse con el Arrieta de Le jouet criminel, Les intrigues de Sylvia Couski y Flammes, piedras angulares del cine experimental de los años 70, tendrá que esperar a otra ocasión.
Bellamente rodada en los preciosos parajes de las afueras de la ciudad de Rennes, en la campiña bretona, “la única región de Francia que podría albergar una auténtica historia de príncipes y princesas”, según el realizador, cuenta entre sus protagonistas con atractivo Niels Schneider, Agathe Bonitzer y la debutante Tatiana Verstraeten, además de grandes estrellas europeas como el ganador del César, Mathieu Amalric, el actor y director Serge Bozon y la musa de Fassbinder, Ingrid Caven.
Bella durmiente se presentó en el SEFF (Festival Europeo de Sevilla) pasando más tarde por el festival de cine independiente de Belfort, el Festival REC de Tarragona, el festival Mar de Plata y el Festival de Rotterdam 2017. Próximamente, la película se proyectará en el Febiofest Bratislava, en el Spirit of fire International Film Festival de Rusia y el festival internacional de Jeonju de Corea del sur.
LOS PITUFOS: LA ALDEA ESCONDIDA (Smurfs: The Lost Village, Kelly Asbury, 2017)
USA. Duración: 89 min. Guion: Stacey Harman, Karey Kirkpatrick, Chris Poche, Pamela Ribon, David Ronn, Jay Scherick (Cómic: Peyo) Música: Christopher Lennertz Productora: Columbia Pictures / Kerner Entertainment Company / Sony Pictures Animation Género: Comedia de animación
¿Qué es la Pitufina? ese es el punto de partida de esta nueva aventura de los pequeños duendes azules que cuenta con todos los personajes entrañables, Gargamel, Asrael, Papá Pitufo, los diferentes pitufos y… nuevos personajes que aparecerán en esa aldea escondida a la que se refiere el título en esta correcta película de animación dirigida a los más pequeños, de nuevo con el manido argumento de fondo de que todos somos diferentes pero todos tenemos nuestro lugar en el mundo.
Creados por el dibujante belga Peyo en 1958, Les Schtroumpfs, pues tal es su nombre original, se han mantenido en vigencia durante todos estos años gracias al mundo del cómic, siendo editadas sus aventuras en todo el mundo. Pero su popularidad se incrementó gracias a la televisión con la serie que Hanna-Barbera produjo con estos personajes entre 1981 y 1990, una de las más extensas realizadas por este estudio de animación y una de las series animadas estadounidenses de las que más episodios se han realizado, siendo superada únicamente por Los Picapiedra, Scooby Doo y Los Simpson. Y sin olvidar el cine, medio en el que Los Pitufos cuentan ya con cuatro títulos estrenados. Casi 60 años de unos personajes que no dan señales de agotamiento y que retornan más animados que nunca.
Ghost in the Shell: Prometeo desencadenado
GHOST IN THE SHELL: EL ALMA DE LA MÁQUINA (Ghost in the Shell, Rupert Sanders, 2017)
USA Duración: 120 min. Guion: William Wheeler (Manga: Masamune Shirow) Música: Clint Mansell Fotografía: Jess Hall Productora: DreamWorks SKG / Grosvenor Park Productions / Seaside Entertainment Género: Ciencia ficción
Sinopsis: En un Japón futurista, Scarlett Johansson interpreta a La Mayor, una agente especial ciborg, que lidera la Sección 9, un cuerpo policial de élite. El objetivo de esta unidad de operaciones encubiertas es luchar contra el ciberterrorismo y los crímenes tecnológicos. Gracias a su cuerpo artificial, La Mayor es capaz de realizar hazañas sobrehumanas especialmente requeridas para su labor. Entrenada para detener a los criminales y extremistas más peligrosos, La Mayor se enfrentará a un fanático terrorista, capaz de hackear mentes, cuyo único objetivo es acabar con los avances de Hanka Robotic en la tecnología cibernética. Pronto la agente ciborg se verá inmersa en una serie de intrigas y secretos de estado para encontrar al misterioso terrorista.
Aunque resulta difícil calibrar hasta que punto es fiel esta obra a su origen Manga sin haberlo leído, pensamos que no resulta necesario ser un fan de su original en papel (o de los muchos Animes derivados), para poder disfrutar de esta adaptación a imagen -más o menos- real. Por lo pronto no deja de resultar significativo que el cerebro que es introducido en el -magnífico- cuerpo cyborg sea el de una refugiada cuyo barco ha sido hundido por terroristas. Estamos utilizando términos que lejos de situarnos en el futuro, parece que hayan sido extraídos de los titulares de prensa. Como más adelante veremos, no todo será lo que parece, entrando también en el terreno de los antisistema y la resistencia pero, mejor vean la película para saber de qué diablos les estamos hablando. Aquí tan solo les contaremos lo que hemos visto y lo que nos ha parecido este nuevo Prometeo, que como Frankenstein, el hijo que inspiró, también terminó rebelándose contra su hacedor.
La ciudad futurista e hiper tecnificada que nos ofrece el universo de Ghost in the Shell, no tiene mucho que la diferencie del Tokio actual. Con un diseño innegablemente influido por Blade Runner (ya salió), pero mucho más rico. Y no me crucifiquen por mentar palabras mayores, resulta portentoso, muy imaginativo. Y no solo la ciudad. También sus habitantes multiraciales que poseen partes postizas de su cuerpo, que se han hecho evoluciones, mejorando así las partes humanas. Al igual que nuestras folklóricas con su nariz o sus ojos saltones, pero sin arrugas, un personaje de la cinta presume sobre su nuevo hígado tecnológico, con el que será capaz de cerrar más bares que nadie. Algo así como aquel cyberpunk y aquella Nueva carne que en los ochenta y noventa revolucionaron el cine y la literatura, mezclando máquina y carne, gasolina y sangre, solo que como un sencillo Prêt-à–porter, como en la actualidad con los implantes de silicona o el ‘rejuvenecedor’ botox. En este futuro-no tan-lejano, los humanos también tienen implantes con los que interactuar con los ordenadores. Y este será el campo de cultivo en el que el cerebro de una humana será introducido en un cuerpo mecánico. Despojándose al cerebro de casi todos sus recuerdos anteriores. Será la primera operación que tendrá éxito y al resultado se le dará un destino como policía de élite, convirtiéndola en una fría máquina de acción, pero que en la intimidad se enfrentará con diversas dudas existenciales ¿será más ser humano que máquina?
Además de ese paisaje visualmente arrollador, de una riqueza de detalles apabullante, Scarlett Johansson resulta muy convincente (y sexy, tenía que decirlo), como La Mayor, que durante gran parte del metraje luce un look Skingirl que abarca desde su corte de pelo, pasando por la chaqueta Pilot y terminando por sus botas militares (a lo Martins). Una imagen atractiva y una actuación memorable que cuenta con el apoyo de un reparto internacional, entre los que destacan el japonés Takeshi Kitano, la francesa Juliette Binoche, el danés Pilou Asbæk, el singapurense Chin Han, la inglesa de origen kurdo Danusia Samal, el australiano Lasarus Ratuere, la rumana Anamaria Marinca (a la vimos en Melanie, the Girl with all the Gifts)… además de Michael Pitt (al que vimos recientemente en La comunidad de los corazones rotos), muchos de los que, en vista del final del filme, podrían garantizar una secuela. Y es que Ghost in the Shell es una ensalada cultural, predominantemente oriental, pero a la que se ha querido cubrir de multiculturalidad. También es posible que su final resulte algo familiar. Similar a, por ejemplo, el de la conclusión de la saga Resident Evil, pero es que este histórico Manga, creado por Masamune Kirow y publicado por primera vez en 1989 ha influido mucho en la estética y la filosofía de, por ejemplo, la saga Matrix, tanto de hecho que sus creadores, las hermanas Wachowski, terminaron reconociéndolo en una entrevista. De ver y repetir para dejarse imbuir de una nueva concepción del cine de acción compuesto por más que solo tiros y explosiones.
Wonder Woman, la película, en Ficomic
El estreno de la película de “WONDER WOMAN” cada vez está más cerca y para que se haga más corta la espera a partir de hoy 30 de marzo y hasta el 2 de abril, los asistentes al Salón del Cómic de Barcelona podrán entrenarse como la super heroína de DC. La 35 edición del Salón Internacional del Comic de Barcelona acogerá un espacio único lleno de actividades relacionadas con Wonder Woman.
El espacio consiste en una zona de entrenamiento donde los más atrevidos podrán sentirse como unos auténticos guerreros practicando cómo esquivar las balas al más puro estilo amazona o cómo escalar un rocódromo. Y como sabemos que no cualquiera es Wonder Woman, también disfrutarán de una zona de descanso donde tendrán la oportunidad de hacerse fotos en un fotomatón con los accesorios de Diana o también con el conocido emblema de la princesa de las Amazonas.
Este espacio estará disponible desde hoy, 30 de Marzo en Ficomic (Salón Internacional del cómic de Barcelona) y estará abierto hasta el día 2 de abril. Los horarios para poder asistir son: Jueves 30 de marzo y domingo 2 abril de 10.00h hasta las 20.00h, y el viernes 31 de marzo y sábado 1 de abril, de 10.00h hasta las 21.00h.
“WONDER WOMAN” llegará a los cines de todo el mundo el próximo mes de junio con Gal Gadot en el papel protagonista de esta aventura épica de acción de la directora Patty Jenkins (“Monster”, “The Killing”, para la AMC). Junto a Gadot, el reparto internacional del film se completa con Chris Pine (de la saga cinematográfica “Star Trek”), Connie Nielsen (“The Following”, de la FOX; “Gladiator”), Robin Wright (“Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres”; “House of Cards”, de Netflix), David Thewlis (de las películas de “Harry Potter”, “La teoría del todo”), Danny Huston (“Furia de titanes”, “X-Men orígenes: Lobezno”), Elena Anaya (“La piel que habito”), Ewen Bremner (“Exodus: Dioses y reyes”, “Rompenieves”), y Saïd Taghmaoui (“La gran estafa americana”).
SINOPSIS
Antes de ser Wonder Woman, era Diana, la princesa de las amazonas, y fue entrenada para convertirse una guerrera invencible. Criada en una recóndita isla paradisíaca, cuando un piloto estadounidense se estrella en sus costas y le informa de un conflicto masivo que está arrasando el mundo exterior, Diana abandona su hogar, convencida de que puede poner fin a la amenaza. Luchando con los hombres en un guerra para acabar con todas la guerras, Diana descubrirá todos sus poderes… y su verdadero destino.
Wonder Woman llegará a las pantallas españolas el próximo 23 de junio
ALIEN: COVENANT en el Salón Internacional del Cómic de Barcelona
Adelántate al estreno de ALIEN: COVENANT visitando su estación médica en el Salón Internacional del Cómic de Barcelona que arranca hoy mismo y podrás disfrutar hasta el domingo. Donde se ha creado un espacio inspirado en el universo de Alien y podrás disfrutar de distintos objetos de la saga y comprobar si tu cuerpo alberga algún xenomorfo…
Ridley Scott retoma el universo que creó en ALIEN con ALIEN: COVENANT, el segundo capítulo de la trilogía precuela que comenzó con PROMETHEUS y que conecta directamente con la influyente obra de ciencia ficción de Scott de 1979. Su estreno en cines tendrá lugar el 12 de mayo.
Sinopsis: Con rumbo a un planeta remoto al otro lado de la galaxia, la tripulación del Covenant descubre lo que piensan que es un paraíso inexplorado, que en realidad es un mundo oscuro y peligroso, cuyo único habitante es el “sintético” David (Michael Fassbender), superviviente de la condenada expedición Prometheus.
El Salón Internacional del Cómic de Barcelona se celebra en los palacios 1, 2.1 (planta Superior del Palacio 2), 4 y Plaza Univers de la Fira Barcelona, del jueves 30 de marzo al domingo 2 de abril.
Para más información, visita su web oficial: http://ficomic.com/inicio.cfm
ALIEN: COVENANT – Nuevo tráiler
ALIEN: COVENANT, ESTRENO EL 12 MAYO
Serendipia
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