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M. Night Shyamalan recibirá un Gran Premio Honorífico en Sitges 2018
‘Halloween’, ‘Apostle’ y ‘Overlord’, tres de las novedades de la Sección Oficial del Festival
A los nombres de Gaspar Noé, Lars Von Trier, David Robert Mitchell o Lee Chang-dong se añaden a la Sección Oficial del Festival de Sitges los de Gareth Evans, Shinya Tsukamoto, Claire Denis, Peter Strickland o Andrew Niccol. Una Sección Oficial que se verá complementada por tres focos de enorme interés: la heterogénea y arriesgada sección de Noves Visions, los grandes estrenos de la Sección Órbita, y una reforzada sección Anima’t que rendirá homenaje al 30 aniversario del estreno de Mi vecino Totoro.
El director indio-estadounidense M. Night Shyamalan visitará Sitges para presentar un avance de su esperada nueva película Glass y recibirá el Gran Premio Honorífico del certamen. Shyamalan ha destacado por una carrera vinculada siempre al género fantástico con títulos imprescindibles como El sexto sentido (1999), El protegido (2000), Señales (2002) o Múltiple (2016).
Hace ya 40 años que Laurie Strode –interpretada por una espléndida Jamie Lee Curtis– se salvaba del psicópata Michael Myers en la mítica La noche de Halloween. Durante este tiempo ha estado fantaseando con la venganza perfecta para el asesino recluido en un centro de detención. Este año, uno y otra son los protagonistas del reboot de la saga realizado por David Gordon Green, Halloween (La noche de Halloween), que tiene como productores ejecutivos a la actriz Jamie Lee Curtis y al maestro del terror John Carpenter. Halloween podrá verse en la S. O. fuera de concurso. Otro de los títulos destacados de la Sección Oficial a competición está dirigido por un viejo conocido del Festival, el director galés residente en Indonesia Gareth Evans. El realizador, que revolucionó el género de acción con The Raid, presentará la producción de Netflix Apostle, un thriller oscuro ambientado en el mundo de las sectas en la Inglaterra de principios del siglo XX. Overlord es otra de las propuestas estrella de Sitges 2018. La película, producida por Bad Robot, la compañía de J.J. Abrams, ha sido dirigida por Julius Avery y se proyectará fuera de competición. La cinta retrata la vigilia del día D, momento en que un grupo de soldados aliados son enviados a la Francia ocupada por los nazis donde les aguarda un laboratorio de lo más terrorífico.
En la Sección Oficial también competirá una de las películas más polémicas de la temporada. Ambientada en la ciudad de Salem, Assassination Nation sigue las peripecias de cuatro chicas acusadas de robo y perseguidas como si se trataran de las brujas de nuestro tiempo. Y del thriller a la ciencia ficción, y por partida doble. Por un lado, en Aniara, película basada en el bestseller homónimo de Harry Martinson, se narra una odisea por el espacio de una tripulación con destino a Marte; por otro lado, la película australiana Upgrade, dirigida por otro conocido del Festival, Leigh Whannell, –que presentó el segundo capítulo de la serie Insidious–, y este año regresa con un film futurista en el que un pequeño chip es capaz de crear a un superhombre que vengará la muerte de su esposa. Ambas películas estarán presentes en Sitges 2018 en las secciones Fantàstic Discovery y Competición respectivamente.
Los elementos del folclore y del western se encuentran fundidos en The Wind, la opera prima de la realizadora estadounidense Emma Tammi, que podrá verse en la sección Discovery del Festival. También repleta de elementos mitológicos y en este caso de cuentos de la cultura india, competirá en S.O. la cinta Tumbbad, dirigida por Rahi Anil Barve y Adesh Prasad. La película, que abrió la Semana de la Crítica en Venecia, es un cuento terrorífico donde la búsqueda de un tesoro escondido en el interior de una mansión llevará al horror extremo. Otro de los habituales de la Sección Oficial 
es el director japonés Shinya Tsukamoto que, tras sumergirse en la II Guerra Mundial en su anterior film, regresa ahora con Killing, donde explora el peso de la violencia en la época samurai.
Fuera de competición, pero también dentro de la Sección Oficial, Sitges 2018 promete grandes títulos. Anon, el noir de ciencia ficción dirigido por Andrew Niccol; In Fabricy High Life de Peter Strickland y Claire Denis, respectivamente, con el terror y la ciencia ficción como premisas; las dos superproducciones fantásticas coreanas Along with the Gods: The Last 49 Days y Along with the Gods: The Two Worlds, que han sido vistas cada una de ellas por 14 millones de espectadores en su país, y para completar el cartel asiático de esta sección no faltará el director chino Tsui Hark que ofrecerá una nueva aventura fantástica, y ya van tres, en Detective Dee and the Four Heavenly Kings.
Órbita y Noves Visions: dos secciones cada vez más relevantes
El cine de acción y el thriller tienen desde hace unos años, en la Sección Órbita, un peso importante en el Festival. Un género, el thriller, que también está cobrando una mayor relevancia en el cine español, como así lo demostró Dani de la Torre con su opera prima, El desconocido. Este año en Sitges, en premiere mundial, el director gallego presenta su segundo trabajo La sombra de la ley. Ambientada en la España caótica y tensa de 1921, la película narra la investigación de un robo a un tren militar, en la que el policía Aníbal Uriarte tendrá que lidiar con sus compañeros corruptos, con el manipulador dueño de un cabaret y con sus propios sentimientos al conocer a una joven temperamental llamada Sara. La sombra de la ley está interpretada entre otros por Luis Tosar, Michelle 
Jenner y Vicente Romero. El director estadounidense S. Craig Zahler –el responsable de Bone Tomahawk y Brawl in Cell Block 99, ambas vistas en Sitges– promete llevar la tensión al máximo en Dragged Across Concrete, donde dos policías, suspendidos del cuerpo –Mel Gibson y Vince Vaughn–, deben ahondar en el inframundo criminal para obtener lo que les corresponde. Otro film importante llegará de Indonesia, y está dirigido por Timo Tjahjanto –director que también presenta película en la sección Midnight X-Treme, la terrorífica May the Devil Take You– The Night Comes for Us, protagonizada por Iko Uwais, cuenta la historia de un delincuente que se verá atrapado en medio de un conflicto de tríadas y que promete unas escenas de acción espectaculares. Además, podrán verse dos revisiones de films de culto. Por un lado, la producción china A Better Tomorrow 2018, una vibrante puesta al día de la obra maestra de John Woo, con la que el director Ding Sheng traslada a la China continental la acción del heroic bloodshed made in Hong Kong y, por otro lado, Believer, el remake coreano de la producción china Drug War del mítico Johnnie To.
Siguiendo con la sección Órbita, el Festival proyectará American Animals de Bart Layton, el director británico de El impostor, uno de los documentales más destacados de los últimos años. Basada en un hecho real, el film narra la historia de dos muchachos de clase media inadaptados, que planean un robo en el instituto del colegio. También llegará la producción franco-belga A Bluebird in my Heart, de Jérémie Guez, la historia de un ex convicto que encuentra refugio en un motel dirigido por una madre soltera y su hija Clara. La paz y la libertad encontradas desaparecen cuando Clara es asaltada, lo que le obliga a enfrentar sus viejos demonios.
Noves Visions ha creado un universo propio dentro del fantástico. La película inaugural de la sección será Ánimas, de Laura Alvea y José Ortuño: un viaje alucinatorio en el que la línea entre la realidad y la pesadilla se vuelve borrosa. Dentro de Noves Visions podrá verse el estilizado experimento pop Fonotune: An Electric Fairytale, una coproducción entre Alemania, Japón y Estados Unidos dirigida por el diseñador gráfico, guionista de cómics y director FINT. De Reino Unido llegará Beast, de Michael Pearce, que explora de forma poliédrica las aristas de una personalidad desequilibrada, con el músico Johnny Flynn en uno de los papeles protagonistas. También en esta sección estará la producción de Steven Soderbergh, Perfect, que juega con elementos de ciencia ficción para mostrar al espectador la perfección más absoluta en implantes corporales.
Sin duda, uno de los realizadores más interesantes que ha pasado por el Festival ha sido el canadiense Guy Maddin –ganador del certamen con Dracula: Pages from a Virgin’s Diary–, cuya The Green Fog pretende ser una relectura de Vértigo de Alfred Hitchcock. El realizador reconstruye las escenas de la mítica cinta a través de secuencias y planos de otras películas que acontecen en las mismas localizaciones.
Anima’t se refuerza y Serial Sitges anuncia grandes eventos
La Sección Anima’t llega cargada de grandes maestros. Inspirándose en el gran clásico de la literatura persa El libro de los reyes, podrá verse la película iraní The Last Fiction, llamada a convertirse en uno de los clásicos animados de su país. El creador francés Michel Ocelot dirige Dilili à Paris, un viaje misterioso, cultural y maravilloso en las calles de París. Varios son los títulos procedentes de la cinematografía japonesa que se proyectarán en esta sección del Festival. Entre ellos destaca I Want to Eat your Pancreas, que ha pasado de novela a película de imagen real, para acabar convirtiéndose en un anime producido por el Studio VOLN. Una película que va a emocionar al espectador de Sitges. No podía faltar la nueva producción del realizador Mamoru Hosoda, Mirai, nuestra hermana pequeña, film más infantil que El niño y la bestia, pero que contiene treinta minutos finales donde explota la fantasía. Atención también a Penguin Highway, la última película producida por el Studio Colorido que ha llegado a la cartelera japonesa con excelentes críticas. También podrá verse en Sitges 2018 la película de animación japonesa más taquillera del año, Detective Conan: Zero Enforcer; y un evento muy especial, la proyección de Mi vecino Totoro, del maestro Hayao Miyazaki en el año que se cumple el 30 aniversario de su estreno.
Como ya es habitual en los últimos años, el Festival mostrará en su sección Serial Sitges nuevas producciones televisivas de género fantástico. Entre ellas destaca la proyección exclusiva del primer episodio de la novena temporada de The Walking Dead. El evento, que coincidirá en día y hora con el estreno de la serie en FOX, el lunes 8 de octubre, contará con un maestro de ceremonias de excepción, el creador de efectos especiales, productor y actor Greg Nicotero, quien compartirá una charla con el público asistente a la sesión. Nicotero recibió el premio Màquina del Temps en Sitges 2005 de manos de Quentin Tarantino y Eli Roth.
Por su parte, la plataforma Netflix presentará dos de sus nuevas producciones: el primer episodio de Las escalofriantes aventuras de Sabrina y los dos primeros episodios de La maldición de Hill House, en un evento especial.
Panorama y Midnight X-Treme: territorios del terror
Más de una treintena de títulos conforman la Sección Panorama Fantàstic y Panorama Documenta. Magos, magia negra, muertos vivientes, psicópatas, todos estos personajes y muchos más forman parte indispensable del terror más visceral que podrá verse en Sitges 2018. De la argentina Luciferina, donde su director Gonzalo Calzada explora el universo diabólico, a la japonesa Kasane: Beauty and Fate, una de las sorpresas del año, basada en el manga de Daruma Matsuura, en la que un pacto por la belleza trae funestas consecuencias. Entre los documentales que traerá la sección Panorama, destaca Beyond Blood, de Masato Kobayashi, que analiza la nueva hornada de realizadores que a principios del nuevo milenio revolucionaron el cine de género en Francia con películas, ya de culto, como Alta tensión, À l’intérieur, Frontière(s) o Martyrs.
En la cada vez más popular Midnight X-Treme, tres títulos a destacar entre la quincena de películas que componen la sección: en Open 24 Hours, producción inglesa dirigida por Padrag Reynolds, Mary y su ex –un verdadero psicópata– sembrarán el caos en una gasolinera; con guion de S. Craig Zahler llegará a Sitges Puppet Master: The Littlest Reich, el reboot cómico y sanguinolento de la cinta de culto de Charles Band, que cuenta con apariciones estelares de Michael Paré, Udo Kier y Barbara Crampton, y también de Reino Unido se podrá ver en el Festival The Devil’s Doorway, de Aislinn Clarke: filmada al estilo found footage, la película se adentra en uno de los lugares más terroríficos de Irlanda, en una de las residencias donde, durante años, la iglesia recluyó a “mujeres caídas”.
Horarios y venta de entradas
La programación completa de Sitges 2018 y sus horarios estarán disponibles en la web del Festival a partir de hoy jueves, día 13 de septiembre.
La venta de entradas se iniciará el próximo miércoles, 19 de septiembre. Los espectadores que hayan adquirido previamente un abono o un pack podrán acceder a la compra el martes, 18 de septiembre.
‘Ánimas’ inaugurará la sección ‘Noves Visions’ del Festival Internacional de Sitges
La película se estrena en cines el 5 de octubre
El thriller de terror psicológico Ánimas, escrito y dirigido por Laura Alvea y José Ortuño, inaugurará la sección Noves Visions de la 51ª edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya. La cinta, que participa en competición, se podrá ver en el festival el próximo 4 de octubre y será presentada por los directores y actores protagonistas.
Un día después, el 5 de octubre, se estrenará en cines.
“Ánimas” es el debut cinematográfico de Clare Durant (serie TV ‘Centro médico’) e Iván Pellicer (serie de TV ‘Fugitiva’). Cuenta también en su reparto con Luis Bermejo (Magical Girl, Fe de etarras, serie de TV ‘Amar es para siempre’), Liz Lobato (series de TV ‘La Zona’ y ‘Motivos personales’), Chacha Huang (El hombre de las mil caras, Perdiendo el este) y Ángela Molina (Blancanieves, Carne Trémula, La mitad del cielo).
La película es una adaptación de la novela homónima escrita por José Ortuño y se adentra en la psique adolescente.
Sinopsis
Álex es una chica segura de sí misma, con una fuerte personalidad y gran tenacidad. Está muy unida a su mejor amigo Abraham, a quien brinda constante ayuda y apoyo, ya que Abraham es un chico tímido, retraído e inseguro, principalmente debido a la compleja relación con sus padres.
Pero todo cambia cuando Daniel, el padre de Abraham, muere en un extraño accidente, cuya causa no está clara. A partir de este momento, Álex caerá en un viaje alucinatorio que la llevará a un descenso al infierno, donde la línea entre la realidad y la pesadilla se volverá borrosa hasta el punto en el que Álex comenzará a cuestionar los fundamentos de su propia existencia.
“Ánimas” es una coproducción hispano-belga de La Claqueta PC, Acheron Films, Tito Clint Movies, Ánimas AIE y Raised By Wolves con el apoyo de Eurimages, ICAA, Junta de Andalucía, Media, Ibermedia y la participación de Canal Sur TV
CRISWELL PREDICTS!
Iniciamos en Proyecto Naschy una nueva sección, Criswell Predicts!, que publicará cada quince días las predicciones que el increíble psiquico norteamericano dejó escritas para la posteridad en sus tres libros: From Now to the Year 2000, Your Next Ten Years, y Forbidden Predictions, tres tomos arcanos nunca reeditados, y naturalmente no publicados aquí, que forman parte de la biblioteca de Serendipia. Por lo pronto iniciamos esta serie haciendo un repaso a su vida y trayectoria antes de pasar, en la siguiente entrada, a publicar de forma ordenada, todas sus predicciones. Ustedes deberán juzgar si Criswell acertó o no y si sus predicciones finalmente se cumplieron. ¿Farsante? ¿Bocazas? ¿Genio?: CRISWELL PREDICTS!
Jeron Criswell King (18 agosto 1907- 4 octubre 1982), nacido Jeron Criswell Konig y conocido por su nombre artístico The Amazing Criswell era un extravagante psíquico americano que creció en el seno de una familia en
Criswell y Mae West…¡Con destino a la luna!
Indiana. Inició su carrera como locutor de radio y televisión y allí fue donde comenzó a hacer predicciones, las cuales le convirtieron en una celebridad en Los Ángeles y Hollywood, donde conoció a viejas glorias como Mae West, de quien se hizo psíquico personal, convirtiéndose en presencia habitual en fiestas y saraos. Apareció en diversos programas televisivos y comenzó a publicar sus predicciones en Spaceway (1955). Más tarde publicó tres libros con sus vaticinios y grabó un disco, Your Incredible Future, con 84 minutos de predicciones recitadas con su carismática, y algo cansina, voz.
Pero si Criswell es recordado es por su aparición en las películas de Ed Wood Plan 9 From Outer Space (1956) y Night of the Ghouls (1959), así como en la indescriptible Orgy of the Dead, que con guión del propio Wood, dirigió en 1965 Stephen G. Apostolof.
Muchas de las predicciones de Criswell eran de carácter trágico, otras polémicas, todas arriesgadas. Entre otras cosas, llegó a afirmar que la ciudad de Denver sería golpeada por un rayo proveniente del espacio que haría que todo el metal adoptara las cualidades del caucho, lo que llevaría a accidentes horribles en los parques de atracciones. También vaticinó el canibalismo masivo y, naturalmente, el fin del mundo, que anunció para el 18 de agosto de 1999. Pero también predijo, en el Programa de Jack Paar (1962-1965), que el presidente estadounidense John F. Kennedy no se presentaría a la reelección en 1964 porque algo grave le iba a suceder en noviembre de 1963.
Criswell estuvo casado con la bailarina de burlesque Halo Meadows, que superaba en extravagancia al propio psiquico: estaba convencida de que su perro caniche Buttercup era la reencarnación de su primo Thomas. También participó (e hizo el ridículo) en You Bet Your Life, el programa concurso presentado por Groucho Marx.
Criswell y Halo se divorciaron en 1974.
El señor y la señora Criswell
Como ya hemos comentado, una de las grandes amigas de Criswell fue Mae West, que además de introducirle en el mundillo de Hollywood, y escribir y grabar una canción llamada Criswell Predicts, se dice que le vendió sus viejos automóviles de lujo por la económica cifra de cinco dólares. Por su parte Criswell le vaticinó que llegaría a presidenta de Estados Unidos, tras lo cual ella, George Liberace, hermano del popular showman, y él mismo marcharían con un cohete a la luna.
Criswell murió en 1982, no sin antes dejar grabada una canción para ser publicada después de su fallecimiento, Someone Walked Over my Grave, que su amigo Paul Marco, el incansable agente Kelton de los filmes de Ed Wood, publicó en un single en 1995, con la película de Tim Burton y la popularidad de Ed Wood y sus secuaces en su punto álgido. Escuchando la canción, no puede negarse que el viejo Criswell tenía un negro sentido del humor.
NO SE PIERDAN CADA 15 DÍAS LOS VATICINIOS DE NUESTRO FUTURÓLOGO FAVORITO EN CRISWELL PREDICTS!
Trailer y póster de ‘Clímax’ de Gaspar Noé
CLIMAX es la nueva película de Gaspar Noé (Irreversible, Love) que tendrá su premiere nacional en el Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Sitges, donde participa en la sección Oficial Fantàstic Competició.
En CLIMAX, película inspirada en una fiesta que se celebró en Francia en 1996, veinte bailarines realizan una coreografía al ritmo de la música del DJ, pero la verdadera protagonista es la sangría. Conforme van bebiendo toda la noche, lo que ha empezado como un ensayo terminará siendo una pesadilla, al ritmo de una potente banda sonora con canciones de Aphex Twin, Daft Punk, The Rolling Stones y Giorgio Moroder, entre otros artistas.
«Absolutamente brutal»
(Álex G. Calvo, SENSACINE)
«CLIMAX, la película que convierte la sala de cine en una ‘rave’ satánica»
(Ana Poyo, VOGUE)
Tras ganar el Premio de la Quincena de Realizadores del pasado Festival de Cannes, CLIMAX tendrá su estreno en cines el próximo 11 de octubre, y posteriormente estará disponible en VOD en Filmin.
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Quartet Records, la casa de las bandas sonoras
Enterados de que un sello discográfico había editado, en ediciones limitadas, bandas sonoras tan interesantes como las de El asesino de muñecas (Alfonso Santisteban), El espanto surge de la tumba (Carmelo A. Bernaola) o las de La noche de los brujos y El aullido del diablo, de Fernando G. Morcillo, llegamos hasta Quartet Records, un sello discográfico ubicado en Madrid especializado en editar seleccionadas bandas sonoras, tanto de cintas recientes, como de clásicos, así como mucho cine de género. Un paraíso para el degustador de bandas sonoras que, eso sí, edita en su mayor parte y salvo escasas ocasiones, en formato digital
Veamos, tan solo, sus últimas novedades, ejemplo del buen hacer de Quartet Records.
Comenzamos con este gigantesco set de 3 CDs que reúne, de forma completa y remasterizada, las partituras del gran Bruno Nicolai para tres de las Eurospy más famosas de mediados de los sesenta. Upperseven: L’uomo da uccidere (Upperseven, hombre a matar, 1966) fue dirigida por Alberto De Martino y protagonizada por Paul Hubschmid y Karin Dor y es una ambiciosa aventura de espías que captura parte del alcance de las películas de Bond. Bruno Nicolai escribió una partitura energética, memorable y melódica, recordando otra música escrita para el género por Barry, Mancini y Schifrin. A pesar de la popularidad de la película su música no se editó hasta 1997 y en un CD japonés caro y difícil de encontrar. Un CD que omitió el hermoso título principal, interpretado por Paola Orlandi, ya que no se pudo encontrar en las cintas maestras. Quartet Records incluye esta canción por primera vez, tomándola directamente de la película.
Kiss Kiss Bang Bang (1966) dirigida por Duccio Tessari y protagonizada por Giuliano Gemma y Lorella De Luca, cuenta con una partitura con tres temas principales y una canción pegadiza que son versioneadas de diferente manera, que van desde el vals a un Trato barroco o el estilo musical de 007. Aunque en el momento del lanzamiento de la película el sello italiano Parade emitió solo un disco EP de 45 rpm, el sello japonés SLC lanzó un CD de 52 minutos en 1997. Más tarde, en el año 2000, el también japonés sello Volcano, editó un CD con 58 minutos, quedando alrededor de tres minutos inéditos que ahora se recuperan en esta edición.
Agente Speciale LK (Lucky, el intrépido, 1967), cuyo cartel sirve de carátula para el triple CD, está dirigida por el veterano colaborador de Nicolai Jess Franco y protagonizada por Ray Danton y Barbara Bold. El tono cómico «pulp» de la película inspiró a Nicolai a escribir una partitura divertida, variada y desenfrenada que abarca desde sofisticados sonidos de jazz y psicodélicos hasta una parodia de los punteos de Bond. El álbum con la banda sonora fue lanzado por primera vez por el sello alemán Lucertola en 1997, y reeditado con alguna canción extra en 1999 por Dagored en Italia. Esta es la primera vez que se edita la banda sonora al completo, cuidadosamente restaurada y masterizada por Claudio Fuiano de las cintas maestras originales. También incluye un libreto de 20 páginas profusamente ilustrado que incluye notas de Randall D. Larson.
Quartet Records también presenta el estreno mundial de un exótico score de Adolfo Waitzman: La ragazza dalla pelle di corallo (1976) protagonizada por la exótica Norma Jordan en una de sus últimas apariciones cinematográficas significativas. La historia está ambientada en República Dominicana, donde la investigación de un empresario italiano sobre el cultivo del tabaco lleva a descubrir una red de contrabando.
El compositor argentino Adolfo Waitzman (Pensione Paura, Una vela para el diablo, Diferente) hace todo lo posible por llevar al oyente a las calles de Santo Domingo. Las piezas de percusión up-tempo y algunas pistas electrónicas se mezclan con un tema de amor contagioso que que pasó a formar parte de LPs de biblioteca, convirtiéndose así en una pieza utilizada en otras producciones sin haberse editado, hasta ahora, la banda sonora de la película. El CD de Quartet Records contiene la banda sonora completa, restaurado y masterizada por Claudio Fuiano, y también incluye libreto de 8 páginas en el que Gergely Hubai analiza la película, el compositor y el score.
Ya en un registro más actual, Quartet Records presenta la partitura compuesta por Zeltia Montes (Los Happets en el Reino del Sol, Vilamor, Frágil Equilibrio) para el documental Sad Hill Unearthed, dirigido por Guillermo de Oliveira, cinta que podremos ver en el Festival de Sitges y que trata sobre como algunos admiradores de El bueno, el malo y el feo de Sergio Leone, que visitan la ubicación de la secuencia final de la película en Burgos, quieren desenterrar y revivir el icónico cementerio Sad Hill, abandonado durante 49 años y ahora cubierto de vegetación. Las noticias se propagan rápidamente y cada fin de semana personas de toda Europa comienzan a visitar la ubicación para ayudar en su reconstrucción. Sad Hill Unearthed explora los sueños de los fans y sus motivaciones, y cómo el arte, la música y la cultura influyen en las personas para convertirse en una experiencia de búsqueda trascendental. El director de la película, Guillermo de Olivieira, dice: «Creo que la música es el mejor vehículo para transmitir emociones. Leone lo sabía, al igual que Morricone. Como resultado, componer una banda sonora original que pudiera reflejar el impacto de su trabajo 50 años después fue un desafío increíble. Generaría dudas incluso en los compositores más seguros«. Lejos de probar un pastiche de música para spaghetti westerns o el sonido reconocible de Morricone, Zeltia Montes tomó el camino de escribir una partitura orgánica, emocionante, vigorosa y tremendamente personal, interpretada por The Budapest Symphony Orchestra.
Finalmente Quartet Records presenta la emotiva partitura compuesta por Iván Palomares para la delicada película de fantasía dirigida por Zoe Berriatúa, En las estrellas, que narra las vicisitudes de Víctor, un director de cine alcohólico, desempleado y deprimido desde que falleció su esposa que le lee a su hijo de nueve años, Ingmar, los guiones de las películas que espera filmar algún día: un maravilloso mundo de criaturas fantásticas, robots y lugares imposibles, procedentes de las imágenes de los cientos de películas que han visto juntos. Sin embargo, el mundo real parece ser un lugar cada vez más difícil para vivir. Padre e hijo necesitarán crecer … a riesgo de tener que dejar atrás sus sueños.
La música de En las estrellas ha sido compuesta, orquestada y dirigida por el joven compositor español Iván Palomares, cuya partitura invoca fantasías, llena de bellas y delicadas melodías cercanas al estilo usado por Nicola Piovani para las películas de los hermanos Taviani. Interpretada por la Orquesta Sinfónica de RTVE bajo la batuta de Palomares, esta partitura es una de las sorpresas más refrescantes del reciente cine Europa.
MUCHO MÁS (HASTA ENLOQUECER) EN: http://www.quartetrecords.com/
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 7 de septiembre de 2018 *
I LOVE DOGS (Dog Days, Ken Marino, 2018)
USA. Duración: 112 min. Guion: Elissa Matsueda, Erica Oyama Música: Matt Novack, Craig Wedren Fotografía: Frank Barrera Productora: LD Entertainment Género: Comedia
Reparto: Nina Dobrev, Vanessa Hudgens, Adam Pally, Eva Longoria, Rob Corddry, Tone Bell,Jon Bass, Michael Cassidy, Thomas Lennon, Tig Notaro, Finn Wolfhard,Ron Cephas Jones
Sinopsis: «I Love Dogs» sigue la vida de varios dueños de perros y a las propias mascotas en la soleado Los Ángeles. Cuando los caminos de estos humanos y sus perros comienzan a entrelazarse, sus vidas comienzan a cambiar en formas que nunca esperaron.
Vidas de perros y de humanos se entremezclan en esta cinta de encuentros, de adopciones, de amores a primera vista y de encantamientos a distancia. Humor y amor para toda la familia dirigida por el actor Ken Marino, que pasa al otro lado de las cámaras para hacerse cargo de esta comedia apta para todos los públicos que muestra los fuertes vínculos afectivos que se generan entre los perros, entre los dueños, y entre perros y dueños.
Una comedia coral cargada de humor blanco apta para todos los públicos que cuenta con un reparto, en su parte humana, encabezado por Eva Longoria (“Mujeres desesperadas”) y Vanessa Hudgens (Saga High School Musical, Spring Breakers) secundadas por Finn Wolfhard (It, Stranger Things), Nina Dobrev (Las ventajas de ser un marginado, Crónicas vampíricas), Adam Pally (Iron Man 3) y Tig Notaro (Transparent).
Una ocasión de pasar un buen rato a base de cine «sin malas pulgas» con el que despedir este caluroso verano.
La ilustradora de HORIMIYA visitará el XXIV Salón del Manga
El Salón del Manga de Barcelona, que celebrará su 24º edición del 1 al 4 de noviembre, contará con la ilustradora Daisuke Hagiwara como invitada especial al evento.
Hagiwara es muy hábil en este género, de hecho, en nuestro país es principalmente conocida por su excelente trabajo en HORIMIYA, donde destaca gracias a su grafismo limpio y detallado, el complemento perfecto para esta historia de humor, amor, enredos y malentendidos entre adolescentes. La serie, aún en publicación en Japón, cuenta por el momento con 12 tomos, y el octavo volumen será una de las novedades destacadas del próximo Salón del Manga de Barcelona junto con un nuevo trabajo de esta autora.
Daisuke Hagiwara nació en 1988 en la prefectura de Nagano. En 2010 obtuvo una mención honorífica de la 16ª edición del prestigioso premio SQUARE-ENIX Manga. Eso le permitió, en ese mismo año, debutar con el manga Back to the Jack.
Sus obras más populares hasta el momento son HORIMIYA, con guion de HERO, y NEN NE NO NE junto a Shizuku Totono.
HORIMIYA se sumó el año pasado al catálogo de NORMA Editorial tras ser uno de los títulos más demandados por los lectores. Todo comienza con dos compañeros de clase muy dispares, una alumna brillante, modélica y popular, y un estudiante apocado, con pinta de friki y que da cierto mal rollo. Pero cuando salen del instituto ambos cambian radicalmente: Hori pasa de ser el alma de la fiesta a convertirse en una chica hogareña y responsable que cuida de la casa y de su hermano menor mientras sus padres trabajan, y Miyamura se convierte en un chico atractivo y muy cool con decenas de piercings y tatuajes adornando su cuerpo. Tras el shock inicial de descubrir la cara oculta del otro, Hori y Miyamura inician una amistad que poco a poco se va convirtiendo en algo más… lo poco que les dejan el magnífico elenco de personajes secundarios (que son para darles de comer aparte) que se entrometen en esa relación.
Pero aparte de HORIMIYA, los fans de Daisuke Hagiwara también tendrán otro título de la autora: en concreto el volumen único NEN NE NO NE que, con guion de Shizuku Totono, nos cuenta una historia ambientada en el Japón feudal en la que Koyuki, con 16 años, contrae un matrimonio concertado por su familia. A priori esto no es nada raro para la época, lo curioso es que su marido no solo es mayor que ella, sino que oculta su rostro tras una máscara de zorro… ¡en todas las ocasiones! Por supuesto, Koyuki se muere de curiosidad por ver el rostro de su esposo, pero entre que es tímida, joven e inexperta, y que su marido tampoco es que lleve muy bien lo de las relaciones sociales, su relación avanza a trompicones generando todo de divertidos malentendidos.
Daisuke Hagiwara asiste al XXIV Salón del Manga de Barcelona en colaboración con NORMA Editorial.
DAISUKE HAGIWARA EN EL SALÓN DEL MANGA
Los visitantes al XXIV Salón del Manga de Barcelona podrán disfrutar de diversas oportunidades para conocer y vivir al máximo la visita de Hagiwara: la dibujante impartirá una masterclass gracias a la colaboración con la Escola Joso, responderá a las preguntas y curiosidades de sus seguidores en el encuentro con los fans y los más afortunados podrán conseguir su autógrafo en las diversas sesiones de firmas que se organizarán en el stand de NORMA Editorial.Como en ediciones anteriores, y dada la expectación que generan autores de este calibre, para asegurar una experiencia agradable tanto para los invitados como para los asistentes los números para las firmas serán limitados y se sortearán las semanas previas al evento entre todos los interesados. A finales de septiembre se iniciará el proceso de inscripción para los sorteos en las redes sociales de Norma Editorial Manga (@NormaEdManga).
El XXIV Salón del Manga de Barcelona se celebrará del jueves 1 al domingo 4 de noviembre de 2018 en los pabellones 1, 2, 2.1, 3.1, 4, 5 y Plaza Univers en Fira de Barcelona Montjuïc
Finaliza el rodaje del inquietante film ‘La influencia’
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La ópera prima de DENIS ROVIRA, |
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Tras siete semanas en localizaciones de Asturias y Madrid, ha finalizado el rodaje de La Influencia, primer largometraje del director Denis Rovira, autor de la inquietante trilogía de cortos de género fantástico Angel, Lazarus taxón y El grifo, protagonizado por la tres veces ganadora del Goya, Emma Suárez, junto a Manuela Vellés (Musa, Velvet, Camino), Maggie Civantos (Vis a Vis, El mejor verano de mi vida, Las chicas del cable), Alain Hernández (La catedral del mar, El accidente, Plan de fuga, Palmeras en la nieve) y Claudia Placer (Verónica). La Influencia está basada en la novela homónima de Ramsey Campbell, uno de los grandes maestros del relato de terror contemporáneo, con guion de Denis Rovira, Daniel Rissech yMichel Gaztambide, escritor y guionista ganador del Goya por No habrá paz para los malvados. Bajo la producción de Kiko Martínez, La Influencia es una producción de Nadie es perfecto, con la participación de RTVE y la colaboración de la Film Commission pública del Principado de Asturias. Su distribución cinematográfica correrá a cargo de Sony Pictures Entertainment Iberia. SINOPSIS Alicia regresa a la siniestra mansión de la que huyó siendo una niña – un hogar que nunca ha albergado infancias felices – convertida ahora en una joven madre de familia. Acompañada por su marido y su hija de nueve años, Nora, Alicia busca rehacer su vida mientras se ve obligada a enfrentarse a un pasado que creía enterrado y a un cuerpo que se resiste a morir: el de Victoria, la posesiva matriarca de la familia, quien ha caído en coma profundo y sobrevive conectada a una máquina, y por la que la pequeña Nora siente una fascinación malsana. |
YuenTai-Yung, la humildad del artista
En The Posterist, documental realizado por Hui See-Wai que tuvimos ocasión de ver durante el festival Nits de Cinema Oriental de Vic de 2017, el protagonista es el artista, casi siempre anónimo, que realiza el cartel cinematográfico, ese elemento tan importante cuya función es persuadir al posible espectador de que entre a ver una película informándole, con tan solo una imagen, del tipo de cinta que se le ofrece. Un objeto que hasta hace bien poco era considerado como de usar y tirar y que de un tiempo a esta parte ha comenzado a ser apreciado como una obra de arte digna, no tan solo para la atención de coleccionistas y nostálgicos, sino como pieza merecedora de figurar en museos.
El protagonista absoluto de The Posterist es Yuen Tai-Yung, el más importante dibujante de pósteres cinematográficos de Hong Kong, con una carrera a sus espaldas que cubre un periodo tan vital en la cinematografía china como es el que va de 1975 a 1992. Con ambos, el protagonista y el director de The Posterist, tuvimos ocasión de hablar durante una mañana de junio. De su pasión y vocación por el dibujo. De su admiración por Bruce Lee como actor marcial único, y de cómo sus obras dedicadas al Pequeño Dragón le concedieron la suficiente autoridad para ser seleccionado asesor y supervisor de los escultores que realizaron la figura de Bruce Lee que se inauguró en Hong Kong en 2005.
Nacido en 1941 en Zheijiang (Shangay), Yuen Tai-Yung poseía un talento natural para el dibujo que le convirtió, ya desde sus tiempos en el instituto, en el mejor dibujante de su clase. Le encantaba el cine y realizar retratos de sus actores favoritos: Clark Gable, James Dean y, sobre todo, Marlon Brando. Autodidacta, deseaba estudiar arte tras finalizar sus estudios universitarios, pues no era un buen estudiante, pero su padre no veía con buenos ojos que se dedicara al dibujo y le buscó trabajo en una fábrica en Hong-Kong: “Mi vida desde que llegué a Hong Kong, entre 1957 y 1966 fue muy dura, hasta que encontré trabajo como cartelista. Todo eso no sale en el documental.”
Yuen Tai-Yung durante la presentación de The Posterist (Foto: Serendipia)
Pero Yuen tenía una innegable pericia con el dibujo, así que gracias a un amigo de su padre consiguió trabajo en una editorial como ilustrador de libros de texto, desde donde daría el salto a Grant Advertising, estudio publicitario en el que permaneció de 1966 a 1975 y donde aprendería importantes nociones que, sin lugar a duda, le serían de utilidad en su futura labor como cartelista. Como objeto publicitario que es, un cartel cinematográfico debe llamar la atención del posible espectador describiendo en una imagen el tono de la película que promociona, además de resultar atractivo.
Ya tenía Yuen Tai-Yung una buena carrera en el campo de la publicidad, cuando en 1975 recibe el encargo de realizar su primer cartel cinematográfico, concretamente para la película The Last Message (Tien cai yu bai chi, Michael Hui), una cinta protagonizada por los hermanos Hui, populares cómicos de Hong Kong. Ese fue el inicio de todo. Su trabajo gustó y comenzó a recibir más y más encargos de carteles de cine hasta llegar a 
dedicarse exclusivamente a ello, ilustrando muchas de las producciones Golden Harvest de Raymond Chow. Y es que Yuen Tai-Yung se encontraba en el momento y el lugar exacto. El cine de Hong Kong vivía una edad de oro que se prolongaría hasta los años noventa, lo que causó que el artista llegara a realizar más de 200 carteles de películas, adquiriendo un estilo inconfundible, a veces caricaturesco, pero también severo cuando la temática del filme lo exigía. Entre sus obras figuran los carteles de las cintas más emblemáticas de Bruce Lee, Stephen Chow, Karl Maka, Jackie Chan, Sammo Hung y, cómo no, de los hermanos Hui.
Para realizar un póster, a Yuen Tai-Yung no le hacía falta ver la película. Se informaba sobre el argumento, recopilaba material gráfico y dibujaba la obra con una técnica un tanto curiosa: colgaba el lienzo detrás de una puerta de su estudio y pintaba de pie. Su experiencia en el campo de la publicidad le había enseñado que un buen cartel debía llamar la atención ya desde la distancia, por ello en gran parte de su obra destacan figuras de gran tamaño y/o los enormes rostros de los protagonistas. También se encargaba de los dibujos para prensa: “Los dibujaba de noche, fuera del horario laboral. Para el póster tenía un plazo de entrega de 8 a 10 días y una semana aproximadamente para los anuncios de prensa.” Un plazo muy corto para el gran trabajo que le exigía cada una de sus obras. Con los medios digitales todo esto ha cambiado radicalmente: “Si nos fijamos en los pósteres americanos de los años 70, tipo Star Wars, estaban hechos a mano por Drew Struzan, quien hizo también los de las sagas de Indiana Jones o Regreso al Futuro. 
Actualmente se hacen por ordenador y eso les resta personalidad, no son tan característicos como los que el propio Struzan o yo pintábamos. Pero lo bueno que tiene hacerlos por ordenador es que es más rápido que hacerlos a mano.”
Como ya mencionamos anteriormente, su maestría con el dominio del dibujo anatómico, y concretamente con la figura de Bruce Lee, motivó que pasara a formar parte del equipo que diseñó la estatua del maestro, que se inauguró en Hong Kong en el año 2005. “En ese trabajo fui consejero. El escultor era cantonés y había otros pintores que también fueron consejeros o asesores. Yo le decía al escultor que cambiara esto o aquello. Pero es muy difícil capturar las expresiones de Bruce Lee y su lenguaje corporal si realmente no conoces bien como era su cuerpo y sus expresiones faciales. El proyecto comenzó en mayo y teníamos seis meses para hacerlo. Era poco tiempo y cada vez que iba a ver la escultura me sentía decepcionado con el resultado. Al final pensé que Bruce Lee nos había bendecido, porque cuando finalizaba el plazo un aprendiz del escultor realizó la estatua y me encantó. Así que al final funcionó lo del estudiante y no lo del maestro”.
Tras jubilarse dejó totalmente de dibujar, retirándose durante más de 10 años a Nueva Zelanda con su esposa. Al fallecer esta regresó a Hong Kong y volvió a dibujar por puro placer, alejado de los apretados plazos de entrega. Gracias a Internet descubrió que su obra tenía un buen número de seguidores y también que coleccionistas, aficionados y otros artistas se preguntaban qué había sido del más importante cartelista cinematográfico de China, entre ellos el propio director del documental, Hui See-Wai.
Hijo de Michael Hui, uno de los hermanos Hui, que como hemos comentado eran dos muy populares actores cómicos del periodo de oro del cine de Hong Kong, Hui See-Wai se interesó por el arte de Yuen Tai-Yung de manera casual: “Hace 3 años decidí vender mi negocio en China y volver a casa a ver que podía hacer por mi familia. Lo primero que mi madre me asignó fue cuidarles, pues tienen 70 años, y hacerme cargo de la compañía. Allí hay un almacén donde está guardado todo lo referente a la empresa familiar. Cosas como películas en 35mm, etc. que me encargué de cuidar. Todo ese material llevaba allí almacenado unos 40 años. También había montones y montones de pósteres antiguos cubiertos de polvo que no habían visto la luz en 30 años. Los abrí, miré, y uno de ellos era de la película Míster Boo (Ban jin ba liang, Michael Hui, 1976), la favorita de mi tío y una de las más populares de los setenta en Asia. Con todo esto me asaltaron muchos recuerdos de mi infancia (…). Me fijé que cada uno de esos pósteres tenía un nombre en una de las esquinas y me pregunté quién era el hombre que hizo esa cantidad de pósteres para mi familia. Lo busqué en Internet, pero no había mucha información. Le pregunté a mis padres, que le conocieron, pero no sabían nada de él. Pregunté a mis amigos de la industria y nadie sabía donde localizarlo. Era todo un misterio, y eso hizo crecer mi curiosidad, así que planeé buscar al maestro y ese fue el inicio.”
Tras buscarlo infructuosamente por todos lados, Hui See-Wai repara en que Yuen Tai-Yung tiene una cuenta en Facebook, gracias a lo cual entra en contacto con el artista, que al principio se muestra reacio a conocer al director: “Al ser el hijo de una estrella muy famosa del cine de Hong Kong pensaba que sería el típico niño rico consentido, con coche, mansión… así que tuvo que insistir mucho hasta que me convenció para vernos y, para mi sorpresa, resultó ser una persona normal, con la que, a pesar de nuestra diferencia de edad, congenié perfectamente” (…) Así que cuando me preguntó si podía grabarme acepté, porque de ese modo podría mostrarles mi vida y mi trabajo a mis hijos. Al principio no sabía que iba a ser una película documental, me grababa y me hacía preguntas, me entrevistaba, pero no sabía lo que acabaría siendo todo aquello. Cuando me enseñó el resultado final me pareció perfecto, porque así yo también podía enseñárselo a mi familia”.
Hui See-Wai y Yuen Tai-Yung durante su visita a Vic frente a una de las obras de Yung (Foto: Serendipia)
The Posterist (2016) fue el resultado de todas las jornadas vividas con el maestro Yuen. Una cinta que se ha proyectado en diversos festivales y en la cual podemos ver al artista trabajando y en diferentes encuentros con fans y estrellas del cine de Hong Kong de todos los tiempos. Con este documental el director no tan solo realiza un homenaje a Yuen Tai-Yung, sino también a todos esos dibujantes de carteles de cine que alimentaron con ellos nuestros sueños. “Soy de los que creen que los pósteres de cine son muy importantes, que son una forma de arte, pero durante muchos años sus creadores han sido menospreciados. Mucha gente ha visto este póster (señalando el de la película de Bruce Lee, Game of Death), pero no saben quién lo creó. Mi documental y la vida de Yuen Tai-Yung ayudan a hacer comprender que los pósteres de películas son una forma de arte y que debemos respetar al artista que los crea.”
Precisamente Bruce Lee es, tal como ya hemos comentado, uno de los modelos favoritos en la obra de Yuen Tai-Yung. Una figura que le inspira y al que dibuja en formato tanto caricaturesco como realista, pero siempre con reverencial respeto: “No tuve la oportunidad de conocer a Bruce Lee pese a que él solo era 6 meses mayor que yo y podría haberse dado la ocasión de conocernos. Pero no pudo ser. La primera vez que vi una película de Bruce Lee fue impresionante porque el Kung-fu que hacía era muy diferente al del resto de películas de Hong Kong y China. Era único. Para el público de Hong Kong era un estilo muy atractivo. Su cara, sus expresiones faciales me parecían realmente únicas. Normalmente los asiáticos no usan mucho lenguaje corporal, no utilizaban ese tipo de expresiones en esa época, así que las de Bruce Lee eran realmente únicas. Y también su cuerpo. Y no porque fuera muy grande, en realidad era bastante pequeño. Yo lo comparo con una rana. En Asia comemos ranas y cuando les quitas la piel están llenas de músculos, pues bien, cuando él estaba vestido con camiseta y vaqueros no parecía muy fuerte, pero cuando se quitaba la ropa podías ver que era todo músculo. Y eso en sí es único. Nadie hizo nada parecido a Bruce Lee y nadie podría hacerlo.”
Admirador de Picasso y Van Gogh, Yuen Tai-Yung sigue pintando y ese es su principal objetivo: pintar mientras pueda. Sin dejar de innovar. Probando nuevos estilos y técnicas. Experimentando con el arte e incluso con otras disciplinas como la escultura, cuya primera obra, como no podría ser de otra forma, es un busto de Bruce Lee.
(Con todo el agradecimiento a Carla Vizfor, Raquel Vizuete, Eva Delgado y a la organización de las Nits de Cinema Oriental de Vic)
CARTELES Y DETALLES
Foto: Serendipia
Dyanne Thorne, Helga Liné, el cine italiano y el documental serán protagonistas de Brigadoon 2018
Ron Perlman, premio Màquina del Temps, será el encargado de dar el pistoletazo de salida de la Sitges Zombie Walk
La película brasileña A mata negra, la alocada cinta española Apocalipsis Voodoo, una selección de lo más notable del género documental fantástico en la que destaca All Eyes on Lenzi: The Life and Times of the Italian Exploitation Titan, y una retrospectiva del realizador José Ramón Larraz, conforman las líneas maestras de la programación de la sección Brigadoon de Sitges 2018.
Entre los estrenos más destacados de largometrajes en el Brigadoon de este año, se encuentran los films italianos Rabbia furiosa, dirigido por el especialista en efectos especiales Sergio Stivaletti, y Little Wizards of Oz de Luigi Cozzi, una fábula fantástica e infantil alrededor del mundo de Oz. Zombis, policías y música funk se combinan en la película española Apocalipsis Voodoo de Vanis J. Ramos, mientras que la brasileña A mata negra, de Rodrigo Aragão, se centra en la aparición de un libro de magia que desata el mal sobre la Tierra. Se presentarán también en Brigadoon los documentales Goodbye Ringo, de Pere Marzo Font, sobre los míticos estudios de Esplugues City; Director Z, el vendedor de ilusiones, de Oskar Teixidor, acerca del cineasta vasco José María Zabalza; Navajeros, cen sores y nuevos realizadores, de R. Robles Rafatal, centrado en el nacimiento y desarrollo del llamado cine quinqui, y La venganza de Jairo, de Simón Hernández, sobre el realizador colombiano Jairo Pinilla, que visitó el Festival en la edición de 2013.
El Premio Nosferatu, como ya se anunció hace unos meses, recaerá en esta edición en la actriz alemana Helga Liné, que presentará en Sitges el film Terror (1963), de Alberto de Martino, y una sesión especial de El espanto surge de la tumba (Carlos Aured, 1972). El Premio Brigadoon Paul Naschy se decidirá entre los siguientes cortometrajes seleccionados: Keep the Gaslight Burning, Birth, The Itch, Baghead, Casa Cheia, Hay algo en la oscuridad, Bailaora, La bestia y Bec (Black Eyed Child). Forman el jurado para conceder este premio el realizador Jaume Balagueró; el director de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, Josemi Beltrán y Loles Fanlo, subdirectora del D’A Film Festival de Barcelona.
Dentro del Sitges Documenta, la sección de Brigadoon dedicada al género documental, sobresalen, entre otros, el documental centrado en la figura de Umberto Lenzi, All Eyes on Lenzi: The Life and Times of the Italian Explotation Titan, dirigido por Calum Waddell; el film de The Ambrotype Group, George Romero: An Independent Man, donde se analiza la figura y obra del director estadounidense, y Hammer Horror: The Warner Bros Years, de Marcus Hearn, que se concentra en las coproducciones con Warner Bros., como por ejemplo Dracula Has Risen from the Grave o The Satanic Rites of Dracula.
Homenajes, sesiones especiales, retrospectivas y encuentros
Brigadoon homenajeará al director italiano Umberto Lenzi –desaparecido el pasado mes de octubre– que en 2008 recibió el Premio Nosferatu del Festival. Nacido en Massa Marittima, en la provincia de Grosseto en 1931, Lenzi se formó como cineasta en Roma y debutó en la dirección en 1958 con la película Mia Italida stin Ellada. Apasionado del celuloide, su carrera se desarrolló en los años 60, 70 y 80, convirtiéndose en uno de los grandes especialistas del género policíaco y de terror de bajo presupuesto. Entre las películas que se podrán ver en Brigadoon, se encuentran La guerra del hierro (1983), Una droga llamada Helen (1970) y La invasión de los zombies atómicos (1980).
Brigadoon también contará con Sesiones Especiales, como la proyección de la película Verónica que contará con la presencia de su director, Paco Plaza, con el que los espectadores podrán compartir un coloquio; o el capítulo El hombre que vendió su alma, integrado en la serie Mañana puede ser verdad y dirigido por Narciso Ibáñez Serrador en 1962 para la televisión argentina, y que ha sido recuperado y digitalizado recientemente. También será una proyección especial la del clásico de Iván Zulueta, Arrebato, cuya copia ha sido restaurada y se reeditará próximamente.
El fallecido realizador José Ramón Larraz contará con una retrospectiva de su trabajo, con la proyección de algunos de sus films restaurados, en colaboración con Arrow Film, como Vampyres (1974) o Deadly Manor (1990).
Otro de los momentos más interesantes y emotivos será el encuentro con la mítica actriz Dyanne Thorne, conocida por la famosa ‘trilogía de Ilsa’, y su marido, el también actor Howard Maurer. Ambos compartirán un coloquio con los espectadores antes de la proyección del film Greta-Haus ohne männer (1977), dirigida por Jess Franco.
Sitges Zombie Walk
La tradicional Sitges Zombie Walk tendrá lugar este año el primer sábado del Festival, que será el 6 de octubre, y cuyo pistoletazo de salida irá a cargo del actor Ron Perlman, premio Màquina del Temps de la edición de este año. La Zombie Walk 2018 volverá a ser un punto de encuentro para que los zombis de todo el mundo puedan recorrer las calles de Sitges.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 31 de agosto de 2018 *
YUCATÁN (Daniel Monzón, 2018)
España. Guion: Daniel Monzón, Jorge Guerricaechevarría Música: Roque Baños Productora: Ikiru Films / Telecinco Cinema Género: Comedia
Reparto: Luis Tosar, Rodrigo de la Serna, Joan Pera, Stephanie Cayo, Toni Acosta,Adrián Núñez, Txell Aixendri, Angelo Olivier, Alicia Fernández, Leticia Etala,Xavi Lite, Cristóbal Pinto, Óscar Corrales, Joche Rubio, Alex Amaral,Aranzazu Coello
Sinopsis: Lucas (Luis Tosar) y Clayderman (Rodrigo de la Serna) son dos estafadores, profesionales del engaño a turistas ingenuos en cruceros de lujo. Hace años trabajaban juntos, pero la rivalidad por Verónica(Stephanie Cayo), la bellísima bailarina del barco, les hizo perder la cabeza y dio al traste con su sociedad. Ahora trabajan por separado, Lucas en el Mediterráneo y Clayderman en el Atlántico. Ese fue el acuerdo. Pero un inesperado botín impulsa a Lucas a irrumpir en el barco de su exsocio, lo que convierte la exótica travesía de Barcelona a Cancún, pasando por Casablanca, Tenerife, Brasil y la selva de Yucatán, en un encarnizado duelo de tramposos sin ninguna regla, pero muchos golpes bajos…
La acción de la última película de Javier Monzón se sitúa en un crucero, una Rue del Percebe donde conoceremos a varios personajes que progresivamente se irán interrelacionando. Canallas, buscavidas y timadores competirán a bordo por encontrar un primo a quien engañar. Nacerán amores mecidos por la música y el glamour. Y la intriga se desarrollará con una cadencia que tiene mucho de cine clásico, pues la acción podría trasladarse sin problema a los años 30 y estar protagonizada por Gary Cooper, William Powell y Marlene Dietrich, por decir tres nombres. Al menos hasta que comienza a salir algún gag escatológico y los cuñados hacen su entrada, sin que por ello se empañe el desarrollo de esta magnífica comedia.
El que su acción se desarrolle en un crucero ofrece la oportunidad a Monzón de rodar en escenarios exóticos durante las escalas: de las favelas de Brasil, al Teide en Tenerife, y de ahí a el zoco de Casablanca. Más clásico y cinematográfico, imposible.
El apartado actoral está magníficamente bien resuelto con Luis Tosar, Rodrigo de la Serna y Stefanie Cayo, el trío protagonista, que quedan, eso sí, ensombrecidos por Joan Pera, actor que consigue que nos preguntemos porqué no se prodiga más en cine. Un Joan Pera con todos los números para recoger un Goya como secundario por su trabajo en Yucatán.
¿Le ponemos algún pero? Vamos allá: algunas situaciones resultan previsibles y el ritmo va decayendo hacia la última media hora de su, quizás, excesivo metraje, pues los guionistas, el propio Monzón junto a Jorge Guerricaechevarría, parecen tener una necesidad, posiblemente excesiva, de dejar atadas y bien atadas todas las subtramas.
Peter Nanoogian y el rodaje de ‘Eliminators’
Tras unas primeras incursiones en el mundo del cine realizando, entre otras tareas, la de asistente de director para algunas de las más destajistas productoras norteamericanas como la New World de Roger Corman, Cannon o Embassy, donde asiste al propio Charles Band en la dirección de Parásito (Parasite, 1982) y Metalstorm: The Destruction of Jared-Syn (1983), Peter Nanoogian parecía estar más que preparado para librar su propia batalla, así que tras participar en el filme episódico El amo del calabozo (Ragewar /The Dungeonmaster, 1984), para el que escribe y dirige el segmento Cave Beast, recibe el encargo de Empire de hacerse cargo de Eliminators, una producción que en principio se pensaba rodar en Florida contando con una fuerte inversión por parte de Bob Guccione, propietario de Penthouse. Financiación que le permitiría contar con unos efectos especiales de John Buechler presupuestados en 200.000 dólares. Pero al volver de buscar localizaciones en los Everglades y los pantanos de Florida, Manoogian se llevó el gran chasco al ser informado de los nuevos planes que Band tenía para la producción:
“Charlie Band me dijo: ‘Peter, no haremos la película en Florida porque he decidido que no quiero tener ningún compañero coproductor en ella. Yo mismo aportaré el dinero y la haremos por 600.000 dólares en España’. Me dejó destrozado. Le contesté: ‘Charlie, la película está ambientada en los Everglades’. Me dijo: ‘¡No te preocupes, encontraremos una selva en España!’”[1]
Ilustración promocional realizada para las ventas en el extranjero
Charles Band había oído hablar de lo ajustado de presupuesto que le habían resultado a Eduard Sarlui de Transworld Pictures las dos producciones que rodó en España, Leviatán (Monster Dog, Claudio Fragasso, 1984) y Cosmos Mortal (Alien Predator, Deran Sarafian, 1985). “Charlie quedó tan impresionado de que se pudiera hacer una película con tan poco dinero que pensó que debería financiarla él mismo y así ganaría mucho más dinero. Así que tuve que buscar localizaciones en España y reescribimos el guión”. [2]
Eliminators contó con el guión de Paul de Meo y Danny Bilson, guionistas de confianza de Band que volverían a colaborar con Nanoogian en Arena, ring de las galaxias (Arena, 1989). Lo cierto es que la historia que escribieron no es demasiado compleja:
Takada (Tad Horino) y Reeves (Roy Dotrice) son dos científicos que disponen de una máquina del tiempo, con la que envían al pasado a su mandroide (Patrick Reynolds). Cuando el despiadado Reeves sugiere a Takada que desmantele al Cyborg, pues ya ha dejado de serles útil, este intentará escaparse con él. En su huída Takada será herido de muerte por los secuaces de Reeves, no sin antes indicarle al mandroid que debe buscar al Coronel Hunter.
El Coronel Hunter resultará ser Nora Hunter (Denise Crosby), una atractiva científica que tras escuchar lo que le cuenta el mandroide, entenderá que sus descubrimientos han sido utilizados para crear aberraciones (como el propio Cyborg). Partirá pues junto a él para enfrentarse a Reeves. Con ellos irá el pequeño robot Spot y Harry Fontana (Andrew Prine), un aventurero al que contratarán para que les lleve en su barco a la isla donde está el laboratorio de Reeves, cerca de México. Finalmente se les unirá Kuji (Conan Lee), un Ninja que resultará ser hijo de Takada y que al enterarse del fin de su padre, se unirá al grupo para vengarse.
Una vez en la fortaleza de Reeves, descubrirán que ha modificado su cuerpo convirtiéndose en un poderoso mandroide y que planea viajar al pasado para convertirse en César de la antigua Roma. Pero gracias a la intervención de los Eliminators, Reeves terminará en la era Silúrica, millones de años antes de la aparición del hombre en la tierra[3].
El mandroide en modo oruga…
Los resultados, como no podía ser de otra forma no satisficieron al director, que tenía claras las carencias del producto: “Mi problema principal con la película fue el guión. Es como un dibujo animado (…) no es el tipo de película que quisiera hacer, es como un Indiana Jones de pobre. Si vas a hacer una película como esa, tienes que hacerla por 30 millones de dólares y dejar que la acción brille. Pero Charlie no deja que ese tipo de contratiempos lo detengan, lo cual explica por qué ha hecho más de 200 películas”[4].
La cinta se inicia con unos confusos títulos de crédito compuestos por un batiburrillo de imágenes entre las que vemos un ser con media cara ‘a lo Terminator’, romanos (sí, romanos) y alguien que tiene un accidente de avión. La perplejidad da paso sin respiro al comienzo de la película que se desarrolla en el laboratorio donde conoceremos a los doctores Takada y Reeves y al mandroide, un organismo cibernético creado con partes mecánicas y orgánicas. Aunque el aspecto de su cara es insultantemente similar al que lució ese mismo año Arnold Schwarzenegger en Terminator, de James Cameron, lo cierto es que ciertas características de su diseño nos trae a la memoria a Robocob, lo cual resulta curioso, ya que la cinta de Paul Verhoeven no se estrenaría hasta tres años después del estreno de Eliminators. También comparte con el protagonista del filme de Verhoeven que ambos personajes tan solo conservan de humano la cabeza, siendo el resto mecánico. Así vemos como adapta armas a su brazo o sustituye sus piernas por lo que llama ‘unidad móvil’, accesorios que resultarán, tal y como veremos a lo largo de la cinta, francamente ineficaces: las armas lanzan unos proyectiles con sonido y aspecto de cohete verbenero, y la ‘unidad móvil’ más que velocidad y autonomía, ralentiza y entorpece el desplazamiento del mandroide. Eso sí, esta ‘unidad móvil’ luce magníficamente bien en los carteles promocionales y carátulas del filme.
El ‘mandroide’ y Spot, tal para cual…
Además del cyborg tenemos otro ingenio futurista, Spot, (Search, Patrol Operacional Tactician), un pariente lejano de R2-D2 con aspecto de aspiradora que pretende ser un desahogo simpático a la acción y un guiño hacia el público infantil. Spot terminará siendo una especie de compinche del mandroide, llegando a situarse en su hombro, como si del loro un corsario se tratara. Continuando con los paralelismos efectuados con la saga galáctica, Harry Fontana sería el equivalente, en pobre, a Han Solo: un buscavidas que con su barco (de significativo nombre, No questions!), llevará al grupo a su destino y terminará luchando codo a codo junto a los protagonistas. La taberna donde será contratado no tendrá tanta clientela de diversos pelajes como la que muestra el filme de George Lucas: los principales competidores de Fontana para hacerse con el encargo del grupo de aventureros será Betty Bayou, (claramente una lesbiana) y su compañero Maurice (un homosexual). Dos arquetipos sexistas que perseguirán a los protagonistas con su lancha y serán ridiculizados en diversas ocasiones pretendidamente cómicas.
Pero no todo es acción en Eliminators. También se intenta introducir con calzador su cuota de drama e interés romántico cuando vemos que el mandroide conserva parte de su memoria humana. Averiguamos que se llamaba John, tenía mujer e hijo y se estrelló con un avión antes de ser convertido por los doctores Reeves y Kanada en un mandroide para sus experimentos. También comenzará a tener dudas existenciales, llegando a pedir a la doctora que lo desactive en una escena que desemboca en algo parecido a un intervalo romántico que terminará en un beso interrumpido por el simpático SPOT.
Ya en la isla el grupo tendrá más aventuras: serán apresados por unos extraños seres que resultarán ser neandertales traídos por Reeves con su máquina del tiempo; y se les unirá un nuevo miembro, Kuji, un Ninja que resultará ser hijo del doctor Takada. Porque no hay nada más natural que el hijo de un científico se haga Ninja. Kuji va equipado con sus nunchakus, un elemento que por cierto se censuró en Inglaterra, donde había una ley que no permitía mostrarlos, así que esta escena fue recortada en las ediciones de video que se editaron en la pérfida Albión.
La delirante aparición del Ninja motivará que incluso Harry Fontana exclame algo que muchos espectadores piensan:
“¿Esto qué es? ¿Un cómic? Tenemos robots, tenemos cavernícolas, tenemos Kung-Fu… Pero ya está bien, ¿entienden?: renuncio”
Es posible que el personaje hablara por boca del director, el reparto, el equipo y gran parte de los espectadores, pero faltaba el delirio final, protagonizado por Abbott Reeves, que convertido en una poderosa reinona Cyborg, con capa y escudo y armado con un rayo destructor de átomos, planea ir a la antigua Roma para ser su nuevo César. Pero como ya hemos indicado antes, nuestros amigos terminarán con sus planes enviándolo, de forma casual, a la era Silúrica.
Con semejantes medios y argumento fue todo un mérito que los actores se tomaran medianamente en serio sus papeles pero, ¿Quién puede censurárselo?
Denise Crosby no resulta en Eliminators nada creíble como mujer de acción. Nieta de Bing Crosby, al que nunca llegó a conocer, Denise fue en 1979, con tan solo 22 años, protagonista de un soberbio reportaje fotográfico en Playboy que posiblemente hizo revolverse en su tumba a su mítico abuelo, fallecido tan solo dos años antes. Pero a Denise le llegó la inmortalidad (o algo así) gracias a que llegó a entrar a formar parte de Star Trek, la nueva generación (Star Trek: The Next Generation), donde encarnó durante siete años a la Teniente Tasha Yar, papel que compaginó con otras series televisivas y películas como Muñeco diabólico (Child’s Play, Tom Holland, 1988), El cementerio viviente (Pet Sematary, Mary Lambert, 1989) o Il ritmo del silenzio (Andreas Marfori, 1993), junto a Traci Lords. En la actualidad continúa realizando pequeños papeles para cine y televisión, además de acudir a convenciones Trekkies.
El mandroide / John está encarnado por Patrick Reynolds, otro nieto ilustre, ya que su abuelo era nada menos que R.J. Reynolds, fundador de una de las más importantes industrias tabaqueras norteamericanas (Camel, Winston…). Patrick estudió cine y su documental Berkeley se presentó en Cannes en 1970. Fue invitado por Robert Altman a participar en Nashville (1975), a raíz de lo cual decidió dedicarse a la actuación, faceta en la que no tuvo mucha suerte a tenor de su filmografía, compuesta por series de televisión y pequeños papeles en largometrajes, muchos de ellos sin acreditar, como hippy bailarín en Hair (Milos Forman, 1979); Hare Krishna en Aterriza como puedas (Airplane!, Zucker, Zucker y Abrahams, 1980) o bailarín en Xanadú (Xanadu, Robert Greenwald, 1980). Así que su primer y único papel importante fue el que le proporcionó Eliminators, experiencia que Reynolds no ha dudado en calificar como los tres meses y medio más memorables de su vida.
Montando un mandroide…
En todo caso si el actor se ha hecho popular no ha sido por el cine, sino por la campaña que inició contra el consumo de tabaco mediante su organización por una América libre de humo. Y es que, paradójicamente, el nieto se rebeló contra el imperio que su abuelo ayudó a fundar.
Andrew Prine es, como Harry Fontana, posiblemente uno de los actores que quedan más aparentes en el filme. Y es que Prine es un prolífico actor de teatro, televisión y en menor medida, cine, al que pueden ver en películas como El milagro de Anna Sullivan (The Miracle Worker, Arthur Penn, 1962) o Chisum (Andrew V. McLaglen, 1970), pero también en La tumba de la isla maldita (Julio Salvador / Ray Lanton, 1973), una coproducción hispano-americana rodada en Turquía en la que compartía reparto con Teresa Gimpera, Patty Shepard y Frank Braña. Tras su intervención en Eliminators su carrera sorprendentemente no se resintió y continuó su itinerario por diferentes series televisivas. Recordado es su papel como uno de los visitantes de la serie V (1983). Recientemente Rob Zombie contó con él para que realizara un pequeño papel en The Lords of Salem (2012).
Aunque se tuvo en consideración a Don ‘The Dragon’ Wilson, para el papel de Kuji el Ninja, finalmente fue Conan Lee quien interpretó y coreografió sus intervenciones en el film. Nacido en Hong-Kong como Lloyd Hutchinson, Conan ha realizado su poco remarcable carrera a caballo entre su lugar de nacimiento y Estados Unidos. Estudiante de Wing chun, Kung-fu, Taekwondo, Karate y boxeo, creó su propia arte marcial que bautizó como ‘Realistic Fist’.
Roy Dotrice es un prolífico profesional británico que dos años después de interpretar a Leopold Mozart en Amadeus, de Milos Forman, se las tuvo que ver encarnando al villano de la función, Abbott Reeves, en Eliminators. Todavía muy en activo, su papel más reciente es en la serie Juego de tronos (Game of Thrones).
Como ya se ha comentado con anterioridad, Charles Band decidió que la producción se rodara en España, contando con parte autóctona del equipo y del reparto. Como ejecutivo de producción, por la parte americana se contó con un hombre de confianza de la compañía, Dennis Stuart Murphy, responsable de otros producciones como Re-Animator; Zone Troopers (1985) de Danny Bilson (uno de los guionista de Eliminators); Torok el Troll (Troll, John Carl Buechler, 1986) o Dolls (Stuart Gordon, 1987). Pero para la parte española, esta labor la realizó el director Carlos Aured, detengámonos un momento en este nombre.
Carlos Aured, que inició su carrera como ayudante de León Klimovsky, se lanzó a la dirección en solitario realizando algunos de los más memorables títulos españoles del terror de los setenta como El espanto surge de la tumba (1973), El retorno de Walpurgis (1973) o La venganza de la momia (1973). Cuando llegó el boom del cine ‘S’ dirigió varias cintas eróticas, entre las que destacaron La frígida y la viciosa (1981) y El fontanero, su mujer, y otras cosas de meter… (1981). Cuando recibió la propuesta de colaborar en algunas coproducciones con Estados Unidos, Carlos Aured “quería descansar, replantearme las cosas y meditar sobre la insoportable levedad del ser, así que me pareció una buena idea”[5]. En la primera de ellas, Leviatán (1984), cinta dirigida por Clyde Anderson (Claudio Fragasso) y lanzada en video como Monster Dog, título que también recibiría en Estados Unidos, Carlos Aured realizó labores de producción y guión. En Cosmos mortal (Alien Predator, Deran Serafian, 1985) rodada casi a la vez que la anterior, también se encargó Aured de la producción.
Posiblemente su participación en estos dos títulos facilitó el que Carlos Aured trabajar en Eliminators, una decisión que como veremos terminará lamentando. Otros técnicos y actores españoles que habían participado en estas cintas se incorporaron a la producción Empire, como el actor Charly Bravo o el director artístico Gumersindo Andrés, que trabajó en los tres proyectos. En Eliminators se encargó de ambientación y decorados. Con una larga carrera a sus espaldas, Andrés había trabajado en los años setenta en muchas películas de terror, coincidiendo con Carlos Aured en El espanto surge de la tumba (1973), La venganza de la momia (1973) y Los ojos azules de la muñeca rota (1974).
La producción también contó con la participación del realizador cinematográfico Francisco Lara Polop como asistente de director.
El mandroide en el taller…
Los efectos especiales de maquillaje estuvieron, por la parte americana, a cargo de Everett Burrell, responsable el año anterior de los de Re-Animator (Stuart Gordon, 1985). Y por parte española estuvieron a cargo de Carlos Paradela, que creó maquillajes especiales para La furia del hombre lobo (José María Zabalza, 1972) o El buque maldito (Amando de Ossorio, 1974), por nombrar algunos de sus múltiples trabajos. Su hija Mar Paradela, que debutó en Eliminators encargándose de peluquería, compaginó este trabajo con el de maquilladora hasta la actualidad en películas como El laberinto del fauno (Guillermo del Toro, 2006), o las series Hispania e Isabel, de TVE.
En cuanto a los intérpretes españoles, su participación fue muy poco destacada:
Luis Lorenzo interpreta a Maurice, uno de los roles de afeminado que tantas veces interpretara en cine y televisión. Nos viene a la memoria el de hombre lobo amanerado en El liguero mágico (Mariano Ozores, 1980) o su personaje en El chiste (Eduardo Manzanos, 1976); el chamán neanderthal está interpretado por Pepe Moreno, actor nacido en Chiclana (Cádiz) con una larga trayectoria entre la que destaca El huerto del Francés (Jacinto Molina, 1978); Charly Bravo, que encarna al barman de la taberna donde los protagonistas contratan los servicios de Harry Fontana, tiene una larguísima filmografía, en la que destaca, precisamente por ser uno de sus contados papeles protagonistas, el de Robin Hood nunca muere (1975) de Francesc Bellmunt, cinta de aventuras que produjo Profilmes. En 2012 Charly Bravo, junto a otros actores olvidados por la industria, fue homenajeado en el documental Contra el tiempo de José Manuel Serrano Cueto. Finalmente la cinta cuenta con la presencia de un joven Gabino Diego, que interpreta un minúsculo papel como vigilante de seguridad.
Eliminators fue rodada íntegramente en Madrid, de junio a mediados de octubre de 1985. Patrick Reynolds recuerda que el tiempo fue especialmente caluroso.
Peter Nanoogian, que llegó a Madrid acompañado de Marc Ahlberg, el director de fotografía y de su ayudante de dirección, no sabía gran cosa sobre el equipo español que iba a encontrarse, y mucho menos sobre Aured: “No conocía su trayectoria, aunque cuando llegué a España tenía entendido que había trabajado en películas eróticas y que nunca rodó con sonido directo”[6]. Precisamente esa inexperiencia con el sonido directo fue una de las principales quejas de Nanoogian, “¡Teníamos un equipo técnico de nivel inferior que ni siquiera sabía cómo grabar el sonido! Fue una pesadilla. Afortunadamente tuvimos seis semanas de preparación, lo cual es extraño en una película de Charlie. Se dio cuenta de que esta era una película mayor con muchos efectos especiales”[7]. Y pronto comenzaron los problemas de liquidez: “Charlie estaba diciendo a Carlos que teníamos 600.000 dólares. Pero cuando hice el primer presupuesto me di cuenta de que no podríamos hacer la película por menos de 900.000 dólares. Carlos se encontraba entre la espada y la pared porque siempre estaba intentando recortar gastos y no sabía realmente cómo tratar con todo esto. No sabía lo que debería costar una película de este tipo. Y entonces, a las dos semanas de rodaje me di cuenta de que la película tardaba en rodarse el doble de lo previsto (…) Así que un rodaje de cuatro semanas se convirtió en uno de ocho semanas y la película terminó costando alrededor de un millón de dólares. A pesar de todo creo que a cambio del dinero obtuve muchos valores de producción, construimos algunos decorados enormes y las actuaciones fueron buenas. Se la mostré a un amigo mío que trabajaba como jefe de producción en Cannon y pensó que nos debimos gastar alrededor de 3 millones de dólares”[8].
Aured no recuerda la experiencia con tanta satisfacción: Eliminators, (…), fue un desastre. Por “blancas y polvorientas razones” que no vienen al caso, el director se pasó de tiempo y presupuesto en un 120% (…) y me dejaron colgado con ciento ochenta mil euros de deudas a mis espaldas. Tuve que andar escondido, pues los acreedores me perseguían”[9].
Denise Crosby, Andrew Prine y Patrick Reynolds.
La película se estrenó el 31 de enero de 1986 en casi 1000 salas estadounidenses, recaudando durante el primer fin de semana, 1.987.072 millones de dólares de los 4.601.256 millones totales de su recaudación. Poco después se editó en videocasete por Playhouse Video, la división infantil de CBS/FOX Video, donde continuó su andadura por los video clubs norteamericanos.
En muchos países europeos, incluida España, la película fue directa al estante del video club. Entre los más exóticos nombres que recibió podemos destacar Decapitron (Francia), Os Mercenários da Aventura (Portugal) y Destroyers (Alemania).
Resulta cuanto menos curioso que en muchas de estas carátulas venia una sinopsis un tanto libre del argumento. Por ejemplo, la que venía en la edicion española de CBS/FOX nos narra lo siguiente:
“Diana Carson, una profesora de matemáticas y física recibe la trágica noticia de la desaparición de todos los chicos de un campamento de verano, entre los que se encontraban sus hijos. Diana decide salir en su busca. Todas las pistas conducen a Abbott Reeves, un genio renegado que capitanea las terribles legiones de Worship. Para conseguir la liberación de sus hijos, Diana Carson alista a un grupo de guerreros: Reinhardt, un ex-mercenario, junto a su robot Robota, el Ninja Kuji y el poderoso Crossbow. Juntos se convierten en una fuerza invencible de eliminators vengadores”. Un imaginativo argumento que se repite en las carátulas noruegas, por poner un ejemplo.
Andrew Prine, Conan Lee y Denise Crosby
La versión VHS argentina editada por Magia Video Home también recurrre a la imaginación para explicar el argumento de Eliminators, titulada allí Los aniquiladores:
“La importante KGB busca apoyo en la CIA para lograr encontrar y reducir a una muy peligrosa organización delincuente que con técnicas sofisticadas elude constantemente a la ley. Los EE.UU. tampoco logran someterlos pero encargan a un grupo profesional privado la misión ‘aniquilar’. Ellos son una MERCENARIA, un BOINA VERDE, un MANDROIDE (mitad hombre, mitad máquina) y un NINJA, cada uno es el mejor en lo suyo… juntos son ‘LOS ANIQUILADORES’ ”
Lo más curioso es que estos falsos argumentos se repiten por internet, figurando en algunos de los portales de cine más populares de la red, perpetuando así otro de los múltiples misterios de la era VHS, muchos ellos producto de la picaresca de las casas editoras.
Bueno, digamos que tienen poseen ciertas similitudes.
En cuanto a su edición digital, la norteamericana Shout! Factory editó en DVD Eliminators en 2013 formando parte de un cuadruple ‘SciFi Movie Marathon’ ochentero junto Arena (1989), también de Nanoogian, America 3000 (David Engelbach, 1986) y The Time Guardian (Brian Hannant, 1987). Y diciembre de 2015 la misma compañía la editó en formato Blu-ray formando programa doble con The Dungeonmaster / Ragewar, película en episodios de la que recordemos, Nanoogian dirigió uno. La edición cuenta entre sus extras con una entrevista con el director.
Finalmente, no sabemos si puede decirse que un filme como Eliminators puede haber dejado huella, más allá de las deudas que persiguieron a Carlos Aured durante años. Nanoogian reconoce que se la han acercado jóvenes que en 1986 eran niños reconociendo cuanto les gustó la cinta. Posiblemente uno de ellos podría haber sido el director Steven Kostanski, que ha reconocido en Eliminators su principal fuente de inspiración para Manborg (2011), película con la que también comparte un delirante argumento y puntos en común: soldados que vuelven a la vida como Cyborgs y una banda de aventureros que deberán luchar contra hordas de demonios en un futuro apocalíptico.
NOTAS:
[1] Jay, D., Dewi, T. y Shumate, N. Empire of the B’s: The Mad Movie World of Charles Band. Hemlock Books Limited, 2014. Pág. 263
[2] Íbidem.
[3] El Silúrico es el periodo de la era Paleozoica que abarca desde el final del Ordovícico (hace 443,7 ± 1,5 millones de años) hasta el principio del Devónico (hace 416,0 ± 2,8 millones de años). La base del Silúrico viene marcada por un gran evento de extinción, en el que aproximadamente el 60% de las especies marinas se extinguieron.
[4] Jay, D., Dewi, T. y Shumate, N. Opus cit.
[5] López, D. y Pizarro, D. Silencios de pánico. Historia del cine fantástico y de terror español 1897-2010. Tyrannosaurus Books, Barcelona 2014. Pág. 452-453.
[6] Jay, D., Dewi, T. y Shumate, N.
[7] Íbidem
[8] Ïbidem
[9] López, D. y Pizarro, D. Opus cit.
El 5 de octubre se estrena el thriller de terror psicológico ‘ÁNIMAS’
El próximo 5 de octubre se estrenará en cines, de la mano de Filmax, Ánimas, un thriller de terror psicológico escrito y dirigido por Laura Alvea y José Ortuño.
La película es una adaptación de la novela homónima escrita por José Ortuño y se adentra en la psique adolescente. Además fue el único proyecto español seleccionado en L’Atelier del Festival de Cannes 2016.
Ánimas está protagonizada por Clare Durant (serie TV ‘Centro médico’), Iván Pellicer(serie de TV ‘Fugitiva’), Luis Bermejo (Magical Girl, Fe de etarras, serie de TV ‘Amar es para siempre’), Liz Lobato (series de TV ‘La Zona’ y ‘Motivos personales’), Chacha Huang (El hombre de las mil caras, Perdiendo el este) y Ángela Molina (Blancanieves, Carne Trémula, La mitad del cielo).
Ánimas es una coproducción hispano-belga de La Claqueta PC, Acheron Films, Tito Clint Movies, Ánimas AIE y Raised By Wolves con el apoyo de Eurimages, ICAA, Junta de Andalucía, Media, Ibermedia y la participación de Canal Sur TV.
Para los directores y guionistas Laura Alvea y José Ortuño “estrenar “Ánimas” es la culminación de un sueño que empezó hace casi veinte años. En ella se retrata de forma muy personal el paso de la adolescencia a la edad adulta y todos los temores que eso implica: el miedo a adquirir la responsabilidad de la vida o a tomar decisiones vitales y las riendas del propio destino. Por eso solemos decir que ésta no es una película de miedo, sino sobre el miedo. En este caso, a crecer”.
El productor Olmo Figueredo señala que “quien vea esta película encontrará referencias internas al cine de terror slasher de los 70, a Hitchcock o a Lynch, pero la realidad es que “Ánimas” es la mejor representación del universo creativo de sus directores, Laura Alvea y José Ortuño. Y es que, como pasara con su anterior película, ambos nos han regalado una de las películas de terror más personales, psicológicas y originales de los últimos años que, sin duda, no dejará a nadie indiferente”.
Sinopsis
Álex es una chica segura de sí misma, con una fuerte personalidad y gran tenacidad. Está muy unida a su mejor amigo Abraham, a quien brinda constante ayuda y apoyo, ya que Abraham es un chico tímido, retraído e inseguro, principalmente debido a la compleja relación con sus padres.
Pero todo cambia cuando Daniel, el padre de Abraham, muere en un extraño accidente, cuya causa no está clara. A partir de este momento, Álex caerá en un viaje alucinatorio que la llevará a un descenso al infierno, donde la línea entre la realidad y la pesadilla se volverá borrosa hasta el punto en el que Álex comenzará a cuestionar los fundamentos de su propia existencia.
LAURA ALVEA es una de las profesionales del audiovisual andaluz más activas de la actualidad.
Ha desarrollado su carrera, principalmente, como ayudante de dirección, aunque también ha trabajado en la producción de numerosas obras audiovisuales y es una reputada directora de casting.
Ha codirigido el documental Tebraa, retratos de mujeres saharauis (premiado con La Rosa del Desierto), cortometrajes como Relojes de Arena, y el premiado largometraje The Extraordinary Tale of the Times Table junto a José F. Ortuño.
Como ayudante de dirección, destaca su trabajo en los largometrajes Kiki el amor se hace, El autor, El mundo es nuestro, Carmina o revienta, Arde Madrid, La trinchera infinita, Juan de los Muertos, Carmina y Amén, Cenizas, Un mundo cuadrado, Asesinos inocentes, Flamenco, flamenco, de Carlos Saura, Colorado Avenue o el mediometraje El legado de Munt.
Ha sido directora de producción del largometraje Juan de los Muertos, de Alejandro Brugués, y ha participado en los castings de los filmes Grupo 7, Héctor y Bruno, La isla mínima, Un mundo cuadrado, Asesinos inocentes o Déjate caer, entre muchos otros.
JOSÉ ORTUÑO ha escrito y/o dirigido documentales como Ignacio Sánchez Mejías: Más allá del toreo o Alcalá Zamora: la Tercera España. Mediometrajes como El legado de Muntpara Universal, largometrajes como El Sueño Logrado o Pleno al quince.
Como autor dramático ha escrito y dirigido más de un centenar de obras teatrales, que han sido estrenadas tanto en España como en el Royal Court Theatre de Londres. Su obra Atrapado se hizo con el Teatro, convocatoria en la que también se hizo con el segundo y tercer premio. En 2005, ganó el I Premio Jerry Goldsmith de Jóvenes Compositores Europeos a la Mejor Banda Sonora Europea por Palomita Mía y dos años después volvió a ser nominado por El árbol seco. Sus últimos trabajos han sido escribiendo y codirigiendo el largometraje The Extraordinary Tale of the Times Table y los documentales La Vida en llamas, Way to Jerez o Nacido en Siria.
‘Suspiria’, de Luca Guadagnino, inaugurará Sitges 2018
Tilda Swinton visitará el Festival y recibirá un Gran Premio Honorífico
La esperada nueva versión del clásico de Dario Argento de 1977, Suspiria, abrirá la 51ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya el próximo 4 de octubre. Una de las cintas que más expectación despierta entre los amantes del terror será presentada por su director, Luca Guadagnino (Call Me by Your Name, Cegados por el sol), y la actriz Tilda Swinton, que también recibirá el Gran Premio Honorífico.
Una oscuridad se arremolina en el corazón de una compañía de danza de renombre mundial, una fuerza que engullirá a la directora artística, a una joven y ambiciosa bailarina y a un psicoterapeuta afligido. Algunos sucumbirán a la pesadilla. Otros, por fin, se despertarán.
Suspiria está protagonizada por Dakota Johnson, Tilda Swinton, Chloë Grace Moretz, Mia Goth y Jessica Harper, protagonista del film original de Argento. La banda sonora ha sido creada por Thom Yorke, líder de la reconocida banda Radiohead.
Tilda Swinton recibirá en Sitges el Gran Premio Honorífico en reconocimiento a una trayectoria que brilla por su talento, versatilidad y una predilección por un cine atrevido e independiente. Entre los títulos que ha protagonizado destacan Orlando (Sally Potter, 1992), Adaptation (Spike Jonze, 2002), Quemar después de leer (Joel y Ethan Coen, 2008), El curioso caso de Benjamin Button (David Fincher, 2008), Tenemos que hablar de Kevin (Lynne Ramsay, 2011), Sólo los amantes sobreviven(Jim Jarmusch, 2013), Rompenieves (Bong Joon-ho, 2013), El Gran Hotel Budapest (Wes Anderson, 2014), Dr. Strange (Scott Derrickson, 2016) y Okja (Bong Joon-ho, 2017).
El reconocimiento a Tilda Swinton es el último premio anunciado por Sitges 2018 hasta el momento, y se suma a los otros ganadores del Gran Premio Honorífico, Peter Weir, Nicolas Cage y Ed Harris; la Màquina del Temps para Pam Grier y Ron Perlman; la Maria Honorífica para Traci Lords y el Premio Nosferatu para Helga Liné.
La venta de entradas para la gala de inauguración se iniciará este jueves, 30 de agosto, a las 12.30 horas, a través de la web del Festival.
Al tanto con la última producción de J. J. Abrams… ¡Overlord!
Ya está disponible el PÓSTER y el trailer de la película más salvaje, aterradora y entretenida del próximo otoño, «OVERLORD» (#Overlord)
Dirigida por Julius Avery (“Son of a gun”) y producida por Bad Robot– JJ Abrams, Lindey Weber, Billy Ray y Mark L. Smith e interpretada por Jovan Adepo (“Fences”, “madre!”), Wyatt Russell (“Infiltrados en la universidad”, “Todos queremos algo”) Pilou Asbaek (“Ghost in the Shell”, ”Juego de tronos”…), Mathilde Ollivier (“The misfortunes for Francois Jane”, “Valeria”) y John Magaro (“War machine”) entre otros…
SINOPSIS: La víspera del Día-D, un grupo de soldados aliados son enviados a la Francia ocupada por los nazis para completar una misión esencial para la victoria en la guerra. Sobre el terreno, descubren un laboratorio nazi en el que se llevan a cabo grotescos y descabellados experimentos con los habitantes de la localidad.
La formación básica que han recibido no les ha preparado para lo que tendrán que afrontar –habrán de salvar al mundo de una despiadada amenaza, librando una desigual batalla con una tropa de super soldados manipulados genéticamente.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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