The Amazing Spider-Man 2: El poder de Electro y otras batallas
Desde que el ente conocido como Serendipia creó este blog, hace casi 5 años y 825 artículos, muchos de ellos referentes al mundo del cómic y dentro de ese campo al protagonizado por súper-héroes, no había encontrado una excusa para hablar de uno de sus personajes favoritos, presente durante toda su vida y parte imborrable de su memoria sentimental. Así que, a propósito del estreno de Amazing Spider-Man 2: El poder de Electro, se ha complacido en realizar su primer artículo sobre el lanzarredes, así que sean indulgentes con él y permitan que se extienda un poco, deteniéndose en las diferentes encarnaciones del trepamuros: desde el cómic, al merchandising de su infancia. Repasando la filmografía que ha generado y rememorando, por el camino, alguna batallita personal de dudoso interés.
Avisados quedan…
TENGO 47 AÑOS Y SIGO LEYENDO SPIDERMAN
He de confesarlo. Creo que deben saberlo antes de continuar. Desde que cayó en mis manos un desmoronado ejemplar del antiguo volumen uno de editorial Vértice, concretamente el 19, me sentí picado por esa araña radioactiva que también infectó a Peter Parker, aunque si a él le convirtió en el súper-héroe más importante del firmamento, a mí me transformó en un humilde lector de sus aventuras. Durante esa etapa infantil no paré hasta completar esa primera colección del trepamuros revolviendo en librerías de segunda mano y traperías acompañado de Enrique, compañero de aficiones (aunque a él le gustaban más los mutantes). La colección, a todo blanco y negro y en formato librito, constaba de 59 números que desprendían un característico olor que todavía identifico con el de mi infancia, repleta de tebeos de terror y aventuras. Sí, cierto es que a la edición española de Spiderman (escrito todo junto) le llegó su decadencia cuando pasó a ser editada por Bruguera. Y cierto es que mi interés sobre el personaje decayó cuando el vello invadió ciertas zonas de mi anatomía y recibí la llamada de la música, el alcohol y las chicas pero… como cantaban Small Faces, “yesterday is dead but not my memory”, y un día al 
adquirir mi Spirit mensual -nunca abandoné la lectura de comics- el viejo lanzarredes me saludó desde la portada de un cuadernillo, ahora editado por editorial Forum y dibujado por un tal Todd McFarlane. La verdad es que el dibujo me llamó la atención, así que decidí llevármelo conmigo reencontrándome de nuevo en esas páginas con Peter Parker. Aquel número 228 fue seguido de muchos otros, hasta conseguir reunir todas sus aventuras (y eso incluye varias cabeceras más y muchos, muchos extras, incluidos algunos inéditos en España). Y es que sí, Peter había vuelto para quedarse en mi vida. Y no como objeto intocable de culto, sino como algo vivo. No en balde y tras muchos años me encuentro disfrutando actualmente de la relectura cronológica de la colección.
Pero ¿Qué tiene este personaje para haberse convertido en uno de los iconos del siglo XX y parte del XXI? ¿Qué le hace incombustible? Por mi experiencia sólo puedo contarles lo que vio aquel niño en Spiderman: aventura, cercanía y cierta ¿verosimilitud? Pues si, ya que frente a otros niños que admiraban las aventuras imposibles de bárbaros, dioses y semidioses con Thor, Conan o el mismísimo Superman en cabeza, lo que me cautivó del personaje arácnido fue, más que las propias aventuras del enmascarado, de 
indudable atractivo y sólida construcción, la personalidad y el carisma de Peter Parker y su reparto de secundarios: Flash, el matón del colegio (ahora se le llamaría acosador); la tía May, madre protectora pero también castradora que no parece ver que su niño está creciendo; Harry, el amigo con problemas de adicción; J. J. Jameson, el jefe hijoputa pero necesario para conseguir dinero. Y las chicas, claro. Desde Betty, la primera novieta, a Gwen Stacy, el gran amor de la vida de Peter Parker cuya pérdida, en el número 121 USA de The Amazing Spider-Man (en España el 54 -Vol. 1- Vértice) recuerdo todavía con perplejidad y tristeza. Y Mary Jane Watson, esa mujer independiente y liberada que aparece y desaparece de la colección y de la vida del trepamuros. El caso es que a día de hoy, con 47 años que se me han pasado volando, sigo comprando y leyendo mes a mes las aventuras de Spiderman, superando temporadas anodinas que han puesto mi fidelidad al personaje al límite. Y es que, algo tendrá el mequetrefe de Parker.
AHORA A LOS MUÑECOS Y CROMOS SE LES LLAMA MERCHANDISING
Esto de los personajes populares es lo que tienen: que cuando tienen éxito rápidamente se diversifica su figura en otros campos. Y los súper-héroes no iban a ser menos. Incluso en aquella España del DDT algo parecido al merchandising se generó, y los niños más inquietos lo encontramos. Como esa colección de cromos de Cropán dibujados por el portadista de Vértice, López Espí; el muñeco Mego de Spiderman, uno de los pocos de la casa americana que se importaron en el país de los Madelman; los magníficos pósters que editaba Vértice, también ilustrados por López Espí y… la película de Spiderman. Porque sí señores, hubo una película de Spiderman en los años setenta que, naturalmente, tanto servidor como su amigo de aficiones Enrique procuraron no perderse. De hecho se trataba de una serie de televisión de finales de los setenta que constó de 15 episodios y que en 
este sacrosanto país se montó en forma de largometraje mediante la unión de varios de estos capítulos. Pero aquello, que vimos en el cine, no nos convenció para nada. Y es que la tecnología de efectos especiales todavía se encontraba a años luz de poder afrontar el reto que representaba dotar de credibilidad al arácnido. En todo caso uno se consoló viendo esa aventura –hubo dos más, El hombre araña en acción y El desafío del Dragón, pero no nos atrevimos a verlas- y completando la colección de cromos que se lanzó en su momento. Poco después, la llegada del Superman de Richard Donnen a la pantalla grande abrió brecha para que los comics de súper-héroes fueran adaptados con dignidad al cine. Pero todavía deberían de pasar unos cuantos años para que, tanto Spiderman como el resto de los personajes Marvel, fueran llevados al cine con ciertas garantías de no hacer el ridículo.
EN EL PRINCIPIO FUE EL CÓMIC
El Spiderman de Ditko, menos musculoso y base de la versión Ultimate, modelo de la última encarnación cinematográfica
Retrocedamos a un pasado aún más remoto que la niñez de Serendipia. Estamos en 1962 y los súper-héroes andan de capa caída (nunca mejor dicho). Stan Lee, guionista de Marvel Comics, tiene en mente un nuevo concepto de héroe muy diferente a los tan manidos súper hombres. Un nuevo personaje que, a diferencia del resto, es un adolescente normal con el que los lectores en potencia pueden identificarse. Un joven acosado por los problemas habituales del cambio hormonal, pero multiplicados por mil al ser picado por una araña radioactiva que le da poderes. Así que para crear este nuevo concepto, Stan Lee cede la creación visual del personaje a Steve Ditko, en detrimento de Jack Kirby, creador gráfico de la mayor parte de los personajes de la “casa de las ideas”, entre ellos Thor, Capitán América, Los 4 Fantásticos, Los Vengadores y un larguísimo etcétera. Y es que para Spiderman, Stan Lee tenía pensada una apariencia totalmente diferente a la de los hipermusculados modelos de Kirby. Así que con una primera historia que ya presentaba el origen de sus poderes, la muerte de tío Ben y el sacrosanto lema: “todo gran poder conlleva una gran responsabilidad”, se le dio la alternativa al personaje en una colección, Amazing Fantasy, que estaba condenada a desaparecer. Pero contra todo pronóstico dieron en el blanco, ya que las ventas de ese Amazing Fantasy 15 fueron lo suficientemente aceptables como para que la editorial decidiera, meses más tarde, iniciar la colección Amazing Spider-Man, cabecera que continúa publicándose en la actualidad.
El dúo formado por Stan Lee / Steve Ditko creó gran parte de los personajes y antagonistas de la serie hasta la marcha del dibujante en el número 38, momento en el que otro ilustrador, John Romita, se incorporaría a la colección, terminando de perfilar los personajes y creando otros nuevos, tanto para incorporarlos en la vida de Peter Parker como para relacionarlos con su personalidad enmascarada. Tras Romita ha habido un abultado ramillete de guionistas y dibujantes que han llevado al personaje por etapas más o menos brillantes, pero manteniendo el suficiente interés como para que haya llegado con tan buena salud a la actualidad, 52 años después de su creación.
SPIDERMAN EN LA PANTALLA
Nuestro lanzaredes se ha resistido a ser trasladado al cine. Y es que traducir súper-héroes a imágenes en movimiento siempre ha estado peligrosamente cerca del ridículo. Tras los baratos pero eficaces seriales de los años cuarenta que mostraron las aventuras del Capitán Marvel, el Capitán América, Superman o un rechoncho Batman, hubo que esperar a la Batmanía, provocada por la serie televisiva de los años sesenta para que un personaje de cómic se convirtiera en todo un icono pop, repleto de humor e ironía desmitificadora. Un tono en el que tuvo mucho que ver, según su recientemente fallecido guionista, Lorenzo Semple Jr., la sangría, ya que recibió el encargo y comenzó a escribir sus guiones mientras residía en España, concretamente en Torremolinos.
En los setenta y tras alguna olvidable serie televisiva, por fin el cine demostró que un hombre podía volar y se estrenó la mítica Superman (Richard Donner, 1978) una súper producción que fue degenerando en secuelas cada vez menos interesantes. Diez años después vino Batman (Tim Burton, 1989), que también dio la campanada pero, el cine continuaba sin ofrecernos esa películas que Marvel comics y sus seguidores se merecían. Tras la recordada serie televisiva dedicada a La Masa (The Hulk, si prefieren); la fracasada serie del trepamuros que ya les hemos comentado más arriba; una fallida intentona de adaptar Los 4 fantásticos con Roger Corman de por medio que no se llegó a exhibir (por algo sería…); y algunas anodinas tv movies realizadas a finales de los setenta con el Capitán América, llegaría el primer intento [1] de llevar a un personaje Marvel a la pantalla con todo lujo. ¿Y quienes fueron los artífices? Pues inicialmente la productora Cannon, de ahí pasó el proyecto a manos de James Cameron, que escribió un guión que comenzó a circular por productoras hasta llegar a Carolco, y llegándose a formar un reparto -o una idea del mismo- que incluyó durante una época a Leonardo DiCaprio como Peter/Spidey y Nikki Cox como Mary Jane pero… la cosa finalmente no llegó a buen puerto y ya pueden imaginarse que buque puso en marcha Cameron con DiCaprio como polizón.
Afortunadamente en el año 2000 el joven Bryan Singer demostró con X-Men que podía llevarse a la pantalla el universo Marvel de manera digna, dejando el terreno allanado para que Sam Raimi, fan confeso del lanzaredes, llevara el proyecto adelante. Spider-Man (2002) convenció al público en general y al fan del trepamuros en particular, a pesar de ciertas polémicas con los lanzarredes orgánicos y otras licencias respecto al cómic. El casting era bastante convincente, con Tobey Maguire como Peter/Spidey y la bella Kirsten Dunst como Mary Jane (ignorando a Gwen Stacy). Esta primera entrega, además de mostrarnos el origen del personaje, lo enfrentaba al maligno Duende Verde, encarnado por el siempre eficaz Willem Dafoe.
Tan buenos resultados se obtuvieron con el film, que dos años después el mismo equipo creativo y artístico encaró una segunda parte en la que Spiderman medía fuerzas con el Dr. Octopus (Alfred Molina). Pero el bache de la serie llegó con la tercera entrega en 2007, que convenció a unos y enfureció a otros. Quizás tuvo la culpa la saturación de enemigos (Veneno, El hombre de arena, Duende Verde) o algunas imágenes poco afortunadas del ‘reverso tenebroso de Peter Parker’. En todo caso, mientras las sagas mutantes se superaban y nuevos personajes se sumaban a la serie de films con personajes Marvel (Iron Man, Hulk, Daredevil, Elektra, Capitán América, Thor o Los 4 Fantásticos), se decidió retroceder lo andado y ofrecer un nuevo comienzo para Spiderman, tomando como modelo la exitosa revisión (y actualización) del personaje que la editorial ofrecía en la serie Ultimate Spider-Man, y que tan buenos resultados estaba dando en la adaptación de Los Vengadores. Así que en 2012 llega a la pantalla The Amazing Spider-Man, dirigida por Marc Webb, que tan solo tenía un largometraje en su haber, además de varios documentales y video-clips, y producida de Avi Arad, responsable de la práctica totalidad de películas con personajes Marvel. Andrew Gardfield, encarna a un Peter más joven y enclenque que Tobey Maguire, mientras que en esta ocasión el interés sentimental del protagonista recae en Gwen Stacy, interpretada por la bella Emma Stone, que ya había demostrado su poderío en Zombieland (Ruben Fleischer, 2009). El guión se toma bastantes licencias con respecto al cómic, desde el propio origen de Spiderman a la ausencia de varios personajes carismáticos como J. J. Jameson, pero resulta muy eficaz y ofrece una buena y necesaria renovación del personaje, acusando influencias de la muy interesante Kick Ass (Matthew Vaughn, 2010). El enemigo a combatir es El lagarto y el seguidor del personaje se encuentra con figuras familiares como el Capitán Stacy, Flash Thompson y una tía May de lo más atípica encarnada por Sally Field.
Y como la cosa funcionó recaudando más de 750 millones de dólares en taquilla, poco después nos llega:
AMAZING SPIDER-MAN 2: EL PODER DE ELECTRO
Ante todo no esperen que les desvele las numerosas sorpresas que nos depara esta película. Si buscan seguro que encontrarán información, por supuesto, pero les recomiendo, como fan de la serie, que se dejen sorprender por la acción y los personajes que van apareciendo en pantalla, así como sobre los seguros participantes de la tercera entrega. Dicho esto, vamos por ella.
Puede entenderse que en la película se hayan alejado del diseño original del Electro de Ditko. Definitivamente eran otros tiempos.
Sinopsis: A pesar de que antes de morir el capitán Stacy (Denis Leary) hizo prometer a Peter (Andrew Garfield) que se alejaría de su hija Gwen (Emma Stone) para que no peligrara por su doble identidad, Peter se resiste a abandonar a su novia. También quiere averiguar más sobre sus desaparecidos padres. Pero vive su personalidad heroica plenamente. Es estupendo ser Spider-Man. Para Peter Parker no hay una sensación más increíble que la de deslizarse entre los rascacielos, aceptar el hecho de que se ha convertido en un héroe y pasar tiempo con Gwen. Pero ser Spider-Man tiene un precio: Spider-Man es el único capaz de proteger a sus conciudadanos neoyorquinos de los temibles villanos que acechan la ciudad. Con la aparición de Electro (Jamie Foxx), Peter tendrá que enfrentarse a un enemigo más poderoso que él. Y cuando su viejo amigo, Harry Osborn (Dane DeHaan) vuelve, Peter se da cuenta de que todos sus enemigos tienen una cosa en común: OsCorp.
Repitiendo el equipo técnico y artístico de Amazing Spider-Man nos llega su secuela, que profundiza en los personajes y nos presenta nuevos que sin duda tendrán relevancia en el futuro (léase nuevas entregas) de la franquicia arácnida. Conoceremos más intimamente a Peter y su sentido de la responsabilidad, sus problemas personales y su maduración como individuo, que le llevará a tomar decisiones que tendrán gran peso en el futuro, tal y como cuenta Jeff Pinkner, uno de los guionistas, “La película refleja cómo va madurando Peter. No solo en su relación con Gwen, sino también en lo que supone pasar de chico joven a joven adulto. Entre otras cosas Peter tendrá que hacer frente al hecho de que la vida es corta y siempre cambia, las relaciones vienen y van, y lo mejor que puedes hacer es disfrutar el viaje y aprovechar al máximo el tiempo disponible.”
También seremos testigos de la vitalidad que le aporta la máscara, tras la que se siente tan seguro de sí mismo que no deja de bromear, casi fanfarronear, al enfrentarse con sus enemigos, conseguida referencia a una de las características que distingue al personaje desde su creación en 1962. “Queríamos aportarle a esta nueva entrega un punto más juguetón, más divertido,” dice Marc Webb, nuevamente en la silla de director, “Cuando lees los comics salta a la vista sus golpes de humor y sus respuestas, su gracia, su amenidad. Todo ello explica parte de su atractivo y son motivos por los que tantos aman a Spider-Man. Y sin duda es algo que a mí también me encanta.”
Y si ciertamente es inevitable un gran derroche de efectos especiales en las batallas contra poderosos enemigos, no piensen que estas ocupan la mayor parte del metraje, muy al contrario, se ha conseguido equilibrar la acción con las escenas que muestran la relación que une a los diferentes personajes. En definitiva, lo que hace que nos interesemos por ellos y por la suerte que puedan correr. Aunque no es exagerado decir que posiblemente estamos ante las mejores escenas de acción y las más verosímiles que se han mostrado de Spider-Man en movimiento. “Procuramos que fueran (…) reales, recurriendo a ordenadores sólo cuando fuera imposible hacerlas mejor en la vida real,” dice el coordinador de especialistas Andy Armstrong. Y sin duda se capta la esencia del cómic, del que también ofrece el film algunos guiños para los seguidores, aunque sin ceñirse fielmente a lo que en ellos se narra. Asegura Webb que “Nos hemos tomado alguna libertad creativa pero los comics son nuestra fuente de inspiración. Amazing Spider-Man #121 es uno de los fascículos más profundos del canon – profundo por el impacto que tiene en Peter Parker. El destino de Gwen está directamente relacionado con las decisiones del héroe. Gracias a esa historia los cómics pudieron darle un giro más complejo y, a partir de ahí, le dimos un tono más Shakesperiano y operístico al filme.”
Andrew Garfield como Peter / Spiderman profundiza en la complejidad del personaje; Emma Stone como Gwen Stacy demuestra que es más que unos enormes y bellos ojos y nos ofrece un personaje dulce y a la vez fuerte, que en algunos momentos va por delante de Peter en cuanto a tomar decisiones sobre su futuro y el de la pareja:“Peter juró alejarse de Gwen – y ella lo sabe – pero ella está mucho más abierta a estar con él,” explica Stone. “No sólo porque están enamorados. Su padre ha muerto y eso le hace comprender la urgencia del tiempo – que todo es pasajero. Para Peter no es tan fácil, y eso crea mucha tensión entre ellos durante toda la película.”
Electro, interpretado por Jamie Foxx (protagonista, entre otros muchos films, de Django desencadenado de Quentin Tarantino), resultará ser la cara opuesta del arácnido y, por esas paradojas que unen esa frontera tan liviana que lleva del amor al odio resultará ser, inicialmente, uno de los mayores admiradores de Spider-Man: su ídolo. “Spider-Man fue el único que aparentemente se fijó en Max y lo llamó por su nombre,” señala Foxx. “Max siente que en realidad Spider-Man era su amigo y por eso se obsesiona – cuelga fotos en la pared, y cosas por el estilo. Se lo toma muy en serio. Pero luego, cuando Max recibe sus poderes y acude a Times Square, Spider-Man intenta evitar que Max se haga daño y que a su vez haga daño a los demás. Max se siente traicionado por su héroe. Trágicamente malinterpreta lo que Spider-Man intenta hacer.” El aspecto de Electro, muy diferente al original de los comics -que naturalmente ha evolucionado mucho desde su creación- es obra de los míticos Greg Nicotero y Howard Berger, de KNB EFX .
Pero hay otro villano más importante que Electro en la función y de más peso en la historia del lanzaredes, tanto que estuvo presente en la trilogía de Sam Raimi : Harry Osborn, El Duende Verde. O mejor dicho, el segundo Duende Verde, ya que tanto en la historia original como en la primera adaptación cinematográfica, el villano original es el padre del personaje, Norman Osborn. Para encarnar a este importante antagonista se ha contado con Dane DeHaan, que ya con anterioridad se había acercado al universo de los súper-héroes en la muy recomendable Chronicle (Josh Trank, 2012). Con cierto parecido físico con un joven Leonardo DiCaprio, DeHaan se desenvuelve con soltura con este complejo personaje “Harry Osborn representa el singular y clásico conflicto entre Peter Parker y Spider-Man,” dice Arad. “Harry era su mejor amigo y después, por circunstancias de la vida, Harry se torna en un enemigo dispuesto a destruir a Spider-Man. Y para colmo, lo más duro para Spider-Man es sentir la necesidad de ayudar a su amigo y evitar que éste se convierta en un villano autodestructivo.”
Repiten papel en esta segunda entrega de Spider-Man: Sally Field (tía May), Cambell Scott (Richard Parker) y Embeth Davidtz (Mary Parker), entre otros.
Finalmente destacar que The Amazing Spider-Man 2: El Poder de Electro nos traslada al ambiente del cómic al ser la primera de la franquicia rodada íntegramente en New York, escenario original de la serie. “Spider-Man es de Nueva York y su historia es una historia de la ciudad,” dice Webb. “Por lo que rodar en nuestra localización real, en lugar de duplicar un estudio de rodaje, fue realmente fascinante.”
[1] Tras la olvidable The Punisher: el vengador (The Punisher, 1989, Mark Goldblatt).
Cinephone se consagra en su tercera edición
La etimología es una disciplina que siempre me ha interesado, el relato sobre el origen y evolución de las palabras que usamos para comunicarnos tiene algo de cuento fabuloso, pero además la etimología permite que nos encontremos con la historia de los pueblos que queda grabada indeleblemente en cada término de nuestro vocabulario. La etimología nos permite comunicarnos con nuestros ancestros, establecer un diálogo con el pasado que da sentido a nuestro presente y nuestro futuro.
Hoy quiero hablar del origen de ‘técnica’ y de ‘arte’. En nuestra habla común sus significados se han divorciado: por técnica entendemos las aplicaciones prácticas de la ciencia, mientras que arte haría referencia a las prácticas creativas en el terreno de la pintura, la escritura, la escultura, la música e incluso el cine. Sin embargo si buscamos su definición en el diccionario descubrimos que por técnica debería entenderse todo lo»Perteneciente o relativo a las aplicaciones de las ciencias y las artes» (RAE dixit). La razón es sencilla ‘técnica’ deriva del término griego τέχνη [téjne] y ‘arte’ del vocablo latino ars, pues bien la voz griega y la voz latina son sinónimos idénticos y si hay que traducirlos habra que definirlos como un procedimiento o conjunto de reglas, normas o protocolos que tiene como objetivo obtener un resultado determinado, ya sea en el campo de las ciencias, de la tecnología, del arte, del deporte, de la educación, de la investigación, o en cualquier otra actividad.
Todo este circunloquio viene a razón de que la revolución tecnológica que estamos viviendo nos enfrenta de nuevo a la comunión de arte y técnica: los avances tecnológicos dan nuevas herramientas para el ejercicio de la creatividad. Lo tecnológico vuelve a estar en la raíz de lo artístico. Los chicos de Cinephone, el festival de cine realizado con móvil pionero en España, lo tienen muy claro, por eso la fusión de arte y técnica es el leit motive de su tercera edición, una edición que supone la madurez del certamen y viene cargada de innovaciones. En primicia podemos contaros todo lo que nos espera de este festival transcribiendo la nota de prensa que amablemente nos han hecho llegar.
http://www.dailymotion.com/video/x1i2reb_cinephone-2014-art-and-technology-together-again_shortfilms
Cinephone 2014 – 3a edición Festival Internacional de Cortometrajes rodados con Smartphone
El 1 de marzo se abrió el periodo de recepción de cortometrajes y
hasta el momento hemos recibido 27 cortometrajes de 14 países de todos los tipos de género de cine.Este año es especial, iniciamos una imagen visual alternativa que rememora el camino conjunto de la evolución del arte y la tecnología. En 1984 aparecía el primer ordenador que incorporaba diferentes tipografías y su capacidad de generar arte en los documentos, 30 años más tarde, la tecnología ha avanzado tanto que un niño mediante el uso de un dispositivo tecnológico cotidiano es capaz de generar arte.“Estamos a las puertas de un avance revolucionario, algo que cambiará la vida de muchagente. Tanto como lo hizo el teléfono” – Steve Jobs [1984]
Hemos creado el proyecto “Your shortfilm in the world” en el cual hemos geoposicionado los más de 130 cortometrajes recibidos a fecha de hoy en Cinephone sobre el mapa del mundo, proyecto que podéis ver en el siguiente enlace: http://map.cinephone.org
Estrenamos el blog http://blog.cinephone.org donde iremos actualizando información sobre el panorama actual de Smartphone Filmmaking mundial, diferentes tipos de accesorios, aplicaciones, eventos y otros festivales de Smartphone de todo el mundo.
Una vez más contamos con el soporte de los “Estudios Universitarios de Informática, Multimedia y Telecomunicación de la UOC” los cuáles desde la primera edición han creído que Cinephone es un proyecto tecnológico, innovador y cohesionador socialmente. Este año se están estudiando vías de colaboración dedicadas a proyectos de desarrollo o perfeccionamiento de APPs OpenSource sobre Android.
El jurado de Cinephone 2014 lo componen personas destacadas dentro del sector del Smartphone Filmmaking:
– Susy Botello, San Diego, California
CEO de SBP Productions
Directora de Mobil Film Festival– Max Schleser, Auckland, Nueva Zelanda
Cofundador del Festival de Smartphone MINA
Cofundador del projecte 24f24h– Conrad Mess, Zaragoza, Espanya
Director de Me.S.S. FilmMaker iPhone Film Maker más galardonado en la actualidad con 26 premios internacionales. Ganador de la 1a y 2a edición de Cinephone y la reciente 4a edición del iPhone Film Festival de Los Ángeles con el cortometraje “The Other Side”Y ahora las bases:
Los cortometrajes presentados a Cinephone deben cumplir las siguientes bases:
– Los cortometrajes deben estar rodados con smartphone
– No deben superar los 15 min
– Si no son de habla inglesa deben estar subtitulados al inglés
– Pueden estar editados con cualquier programa de ordenadorEl periodo de recepción de los cortometrajes se cierra el 31 de agosto y los cortometrajes se pueden hacer llegar por WeTransfer o Dropbox a la dirección de correo electrónico: info@cinephone.org
Concluyendo ya:
En Cinephone creeemos que este es el año que el Smartphone se va a volver mainstream
como nos demuestran los diferentes eventos a los cuáles hemos sido invitados y concursos
que han apoyado nuestras candidaturas presentadas :
– Grado de Comunicación e Industrias Culturales de la UB
– ESADE Sesión “Mobile Culture: negocio para el futuro?”
– Programa de radio “El mon a RAC1” con Jordi Basté
– Festival Redondela en Curto de Galicia, colaborando en la sección de Smartphone
– TIC Date 2014 de Navàs
– Candidatura conjunta con Xpressart a Zinc Shower 2014 organizado por ICCs– Candidatura conjunta con Xpressart en el XIX Foro de Inversión organizado por Barcelona Acció.
Cinephone 2014 : Arte y Tecnología juntos de nuevo
Exposición de Popeye en el Salón del Cómic de Barcelona
Popeye el marino es un icono de la cultura pop, famoso gracias a las series de dibujos animados. Pero este legendario personaje tuvo su origen y desarrollo en el cómic. El 32 Salón Internacional del Cómic de Barcelona quiere rendirle un cariñoso homenaje, con una exposición donde se podrán ver tiras de cómic de diferentes épocas, así como merchandising de época y actual.
El personaje fue creado por Elzie Crisler Segar, apareciendo en la tira Timble Theatre, producida por King Features Syndicate, el 17 de enero de 1929. Inicialmente fue un personaje secundario de la tira que protagonizaban los hermanos Castor y Olivia Oyl. Este marinero fortachón, siempre dispuesto a repartir mamporros, se fue haciendo con el protagonismo de la serie hasta darle nombre a la tira. Tras la muerte de Segar en 1938, diversos autores la continuaron, aunque destaca la aportación de Bud Sagendorf, que se hizo cargo de la tira a los largo de 28 años (1958-1986). Entre los personajes secundarios que han acompañado a Popeye a lo largo de sus 75 años de aventuras destacan, además de su eterna novia Olivia, el malhumorado Bluto (también conocido como Brutus), el glotón Pilón, el bebé Cocoliso o el extraño animal Eugenio el Genio (Eugene the Jeep).
En 1933 se empezaron a realizar los primeros cortos de animación y a partir de los años 50 se produjeron dibujos animados para televisión. En 1980 el director Robert Altman dirigió la comedia musical Popeye, film protagonizado por Robin Williams.
Popeye ha traspasado el mundo del cómic y la animación para ser imagen de diversas campañas publicitarias y también de merchandising. Uno de los elementos más asociados a Popeye son las espinacas, cuyo consumo le proporciona una fuerza sobrehumana.
Una realista (y algo terrorífica) interpretación del personaje realizada por el genial Rick Baker.
La Aventura Audiovisual nos trae un doble estreno: Los huéspedes y Seguridad no garantizada
Visitaba hace poco el nuevo multicine que han abierto en la barcelonesa calle Balmes con enorme felicidad, ya que pese a que van cerrando cines históricos de la ciudad todavía hay quien arriesga y nada contracorriente. Y lo evoco porque queremos felicitar a otros nadadores que se han lanzado al mar proceloso de la crisis del cine llevando la contraria: queremos felicitar a un nuevo sello, La Aventura Audiovisual, que iniciaba su singladura a finales del pasado año y que tras presentar en pantalla grande títulos del género que más amamos como The Woman (2011, Lucky McKee) -¿Quién de los presentes en el festival de Sitges no cayó rendido ante su protagonista, Pollyanna McIntosh?- o la extraña Upstream Colors (2013, Shane Carruth), nos ofrece ahora dos nuevos estrenos: The Innkeepers (Los huéspedes) y Seguridad no garantizada. Dos películas que al igual que las ya mentadas pudieron disfrutarse en festivales, como el de Sitges. Pero La Aventura Audiovisual no se detiene ahí, ya que durante mayo tienen previsto estrenar la trepidante Snowpiercer (2013, Joon-ho Bong) y el polémico, y para nosotros muy válido, remake de Maniac (2012, Franck Khalfoun), entre otras films más de género que seguro darán más de una alegría al espectador. No pensamos perder de vista a este nuevo sello.
The Innkeepers (2011) del talentoso Ti West llegará a las pantallas el próximo 25 de abril. Previamente pudo verse en diferentes festivales, donde llegó arropada con el elogio de Eli Roth («Una de las películas de terror más entretenidas, inteligentes y terroríficas que he visto nunca”) y la propia fama de su director, que se había ganado al público con La casa del diablo (2009). Así que las expectativas eran altas y fácilmente se convirtió en una de las cintas más esperadas de la 44 edición del Festival de Sitges. Pero después de su proyección pasó a ser catalogada como la mayor decepción del festival, ante lo cual sólo cabe decir que a veces el fandom no es demasiado justo, porque no es en absoluto una producción despreciable.
Vayamos por partes y empecemos resumiendo su argumento: conocido por muchos como “el hotel encantado” y después de más de un siglo de servicio, el Yankee Pedlar Inn está a punto de cerrar sus puertas para siempre. Los últimos empleados –Claire (Sara Paxton) y Luke (Pat Healy)- están decididos a reunir las pruebas que demuestran el terrorífico pasado del hotel, y deciden pasar las últimas noches en vela con cámaras y magnetófonos con el ánimo de registrar actividad paranormal. Cuando la fecha de cierre se aproxima, extraños huéspedes empiezan a alojarse a la vez que los dos jóvenes comienzan a experimentar sucesos alarmantes e insólitos…
A la luz de la sinopsis diríamos que nos encontramos ante una incursión al subgénero de las casas encantadas, pero eso no es exactamente así: The Innkeepers es fundamentalmente una comedia que acabará teniendo un giro hacia la historia de fantasmas. Algunos de sus detractores le echaron en cara al director la ausencia de elementos sobrenaturales durante más de dos tercios de la cinta, cosa que les llevaba a afirmar que carecía de ritmo y acción. Consideramos que quienes así hablaron no supieron entrar en la lógica del relato: el filme está más interesado en retratar a sus personajes humanos, solitarios y un tanto excéntricos, que en dar a luz un nuevo producto convencional de casas encantadas. Quien esto escribe se sitúa en las antípodas de esas críticas, pues según nuestro parecer habría sido más redonda aún si no hubiese habido ningún tipo de aparición.
Fue precisamente durante el rodaje de La casa del diablo cuando Ti West concibió la idea de filmar la película que nos ocupa. Todo el equipo estuvo alojado en el hotel The Yankee Pedlar Inn y durante su estancia West empezó a tener noticia de la fama de casa encantada que tenía el viejo hotel, viviendo incluso algunas experiencias típicos de los relatos de fantasmas: bombillas que explotan y se queman o una televisión que se enciende y apaga sola…“Había realmente un ambiente en general raro – como si alguien estuviera en la habitación conmigo». Ti West tuvo claro que ese hotel era una localización de lujo para un filme de género, tanto que, de haber recibido una negativa para filmar en él, The Inkeepers no existiría. Afortunadamente le fue concedida la localización y su película vio la luz.
Ti West es un autor querido por el Festival de Sitges. Si en 2011 se proyectaba The Innkeepers, en la última edición (2013) otra obra suya fue elegida como película de clausura: The Sacrament (2013), una cinta inspirada en los sucesos de Guyana, uno de los mayores suicidios colectivos que ha dado la historia. Y si para este falso documental Ti West eligió el recurso de la cámara en mano, el found footage, la puesta en escena de The Innkeepers está justo en el polo contrario: se define por una planificación clásica y unos largos y elegantes travellings que marcan una coreografía visual que se basta para crear la atmósfera del filme.
Y cuando hablamos de atmósfera no nos referimos a la acumulación de efectos asociados al terror gótico, muy al contrario, West no cae en ninguno de los tópicos ni construye la intriga apoyándose en continuos sustos. Del mismo modo no hay en la película el menor derroche de hemoglobina. Todo ello la convierte en una pieza única en la que no sería justo no mencionar la química que se desarrolla entre los dos protagonistas, que nos regalan una actuación convincente (especialmente Sara Paxton en el papel de Claire) y nos permiten empatizar con unos personajes que no dejan de tener un toque bizarro. Si bien el director ya conocía de unos años antes a Pat Healy, que encarna al especialista de tecnología solitario, Luke, más tiempo le llevó encontrar a Claire, la entusiasta cazadora de fantasmas: “Mi mánager me llamó para decirme que un tal Ti West quería hablar conmigo y que leyera un guion”, cuenta Paxton. (…)»Me gustó el guión, me encantó la idea y que toda la película gire en torno a la cuestión de si hay fantasmas realmente. Lo que me atrajo de mi personaje es que ella era muy agradable”.
Bien dirigida, bien interpretada, con sentido del humor y alejada de los tópicos, consideramos que no mereció las descalificaciones de sus detractores. Esperamos que sea mejor comprendida en su estreno en salas.
En la misma dirección de The Innkeepers se desplaza Seguridad no garantizada (Safety Not Guaranteed, 2012) de Colin Trevorrow. Nuevamente nos enfrentamos a una comedia que acaba teniendo un giro hacia el fantástico. Sobre ella pudo leerse en Variety: «Una pequeña película con un gran corazón…’Safety Not Guaranteed’ es una excéntrica comedia teñida de ciencia-ficción sobre el amor como la última aventura arriesgada«. El sentimiento que este filme nos produjo es el de la satisfacción de haber descubierto una joyita donde no esperábamos encontrarla. Y es que, ¿Cómo no dar una oportunidad a un film con semejante punto de partida?: un estrambótico anuncio clasificado (el que pueden leer a su derecha) inspira a tres cínicos periodistas de Seattle a buscar la noticia que hay detrás. Así dan con el misterioso y excéntrico Kenneth, un agradable a la par que paranoico empleado de supermercado, que cree haber resuelto el enigma de los viajes en el tiempo y tiene la intención de partir pronto. Juntos se embarcan en un hilarante e inesperadamente sincero viaje que revelará hasta dónde puede llevarnos un acto de fe. Bien, ya sabemos que en ocasiones hay argumentos que nos cautivan por su carácter delirante y luego acaban decepcionándonos, pero no es el caso del Seguridad no garantizada, el debutante Trevorrow maneja perfectamente a sus cuatro bizarros personajes y los actores responden a lo exigido.
El resultado es una película solvente que acaba enseñándonos con su humor grotesco que los diferentes, los no adaptados, también pueden acabar aceptándose y viendo cumplidos sus sueños. Y todo ello sin caer en el sentimentalismo ni la lágrima fácil. Para su director «era una oportunidad para contar una historia de un viaje en el tiempo de una manera metafórica y al mismo tiempo literal» (…) «En realidad no es una película sobre la máquina del tiempo. Y sí, sólo ves una parte de ella muy brevemente en el medio, pero podría ser cualquier cosa. Todos queríamos mantener la tensión en la película evitándola y dejando que el espectador se preguntase si realmente cree que hay una máquina del tiempo«. Su vertiente de ciencia ficción, pues, está puesta al servicio de la metáfora del reconocimiento de uno mismo y la apertura a los demás. Después de todo cualquier viaje tiene algo de reencuentro con el pasado, con la herencia que otros han dejado. Al igual que es también un encuentro con el yo y sus expectativas. En este sentido todos los personajes del filme viajan y acaban reconociendo la importancia de la fe en uno mismo y en los demás como único camino para dar salida a nuestros deseos.
De bajo presupuesto, Seguridad no garantizada, destila ingenio e ingenuidad a partes iguales. Demuestra así que los grandes resultados no necesariamente surgen de grandes inversiones. Su grandeza le viene de saber utilizar todos los recursos humanos y de guión, apostando por lo modesto pero efectivo. Así, al igual que en Los huéspedes, esta película se beneficia de una reparto joven pero competente, recayendo en ambas el peso de la historia en la heroína, en los dos casos jóvenes y astutas next door girls (Sara Paxton y Aubrey Plaza, respectivamente) que aportan un buen grado de frescura al filme, sin ser solo meras comparsas del héroe de turno o pura carnaza para solaz visual, despertando simpatía y ternura. También ambos films coinciden en no basar su eficacia en la pirotecnia, sino en sus ingeniosos guiones, que mezclan comedia y fantasía alejándose de escenarios trillados y visitados en infinidad de ocasiones, funcionando ambas historias en diversos campos. Precisamente el guión de Seguridad no garantizada le ha proporcionado al film dos importantes premios en 2012 en el Independent Spirit Awards y en Sundance.
La Aventura Audiovisual demuestra buen tino escogiendo sus títulos y desde aquí les deseamos la mejor de las suertes.
A tumba abierta. El cine Kamikaze. Nuevo libro de Macnulti Editores
Macnulti Editores, que se estrenaron recientemente con un libro coral dedicado a la vida y obra del cineasta John Carpenter, vuelve a la carga con un nuevo título que inaugura la colección Hamsterdam, A tumba abierta. El cine kamikaze, anunciando también nuevos proyectos dedicados a Adam Sandler, Nicolas Winding Refn y David Fincher
Macnulti Editores continúa su apuesta por los libros de cine con una nueva publicación, A tumba abierta. El cine kamikaze, que ha coordinado José Francisco Montero, y que, además, sirve como título inaugural para la segunda colección de la editorial, Hamsterdam.
La obra perfila un recorrido a través de ese concepto del cine arriesgado, suicida, a través del análisis de algunas de las películas que mejor han representado este posicionamiento. En sus páginas se habla de cineastas como Tod Browning, Luis Buñuel, Serguéi Paradjánov, John Cassavetes, Abel Ferrara, Jean-Pierre Melville, Jafar Panahi, Béla Tarr o Iván Zulueta, artistas muy dispares entre sí pero que tienen en común que se dejaron la vida, la salud, el prestigio o la honra en hacer de su obra algo auténtico e inimitable. De ellos escriben Ricardo Adalia, Nicole Brenez, Óscar Brox, Nacho Cagiga, Gonzalo de Lucas, Manuel Ortega, Ignacio P. Rico y Diego Salgado. El libro cuenta con prólogo de Isaki Lacuesta e ilustraciones de Lorenzo Roldán.
El volumen puede adquirirse a través de la web de Macnulti Editores (www.macnulti.es), reservándolo antes de su salida, el 5 de mayo, con un 10% de descuento sobre el precio de venta al público. A partir de esa fecha, tendrá distribución en librerías especializadas de toda España, donde también será presentado.
La colección Hamsterdam, representa un barrio peligroso dentro de Macnulti en el que está permitido traficar, consumir, compartir ideas y pensamientos sin adulterar sobre el hecho cinematográfico y sus aledaños. Tendrá continuidad con un libro sobre Nicolas Winding Refn, firmado por Óscar Brox, que se lanzará en junio. De la misma manera, para la colección mayor de Macnulti Editores se están preparando sendos volúmenes sobre Adam Sandler y David Fincher, coordinados, respectivamente, por Roberto Alcover Oti y Pablo Vázquez y por Raúl Álvarez y Javier Pulido.
Constituida en septiembre de 2013, Macnulti Editores surgió del deseo de los miembros de la revista on-line Miradas de Cine de trasladar su filosofía de trabajo colectivo y el talento de sus colaboradores a las publicaciones de papel. Tras la positiva experiencia de la publicación del volumen Cien miradas de cine, destinado a celebrar los 100 primeros números de la publicación, el equipo decidió apostar por el lanzamiento de una línea de libros de cine especializados. Su primer lanzamiento fue John Carpenter. Ultimátum a la Tierra.
Batman cumple 75 años y tanto DC Cómics como Warner Bros. preparan interesantes eventos
Para conmemorar una fecha tan importante como el 75 aniversario de la creación de Batman, personaje de DC Comics, Warner Bros. Entertainment y DC Entertainment acaban de anunciar sus planes para honrar adecuadamente durante todo un año al superhéroe más famoso del mundo entero. Entre los puntos fuertes del programa de celebraciones, se encuentra el nuevo logo de Batman conmemorativo de su 75 aniversario y una exposición de arte exclusiva de “Capas/Capuchas” totalmente nuevas creadas por 20 artistas actuales y que supondrán su interpretación personal de la emblemática vestimenta de Batman para el próximo videojuego Batman: Arkham Knight. También habrá actividades relacionadas con el 75 aniversario durante todo el año en Warner Bros. Entertainment.
Batman, cuya primera aparición tuvo lugar en el nº 27 de Detective Comics, publicado el 30 de marzo de 1939, y que contaba con diseño de Bob Kane y guion de Bill Finger, surge de la nada para convertirse en el superhéroe más popular y hacerse con los medios de comunicación. El superhéroe más humano de todos ha luchado contra los villanos de ficción más malvados en películas, series de televisión, radio, videojuegos, publicaciones y merchandising, empleando su inteligencia, astucia y todo un arsenal de gadgets en su búsqueda de justicia. Lamentablemente no todas son buenas bat-noticias, y el aniversario se ve ensombrecido por el fallecimiento a los 91 años de Lorenzo Semple Jr., creador de la descacharrante serie televisiva de los años sesenta que recibió el encargo mientras vivía en España y que llegó a admitir que en el tono de comedia tuvo mucho que ver el consumo de sangría.
Para Kevin Tsujihara, Chief Executive Officer, Warner Bros. Entertainment: “Batman es un activo increíblemente importante para el Estudio, porque resulta muy atractivo para cualquier generación, y estamos muy orgullosos de poder celebrar un aniversario tan importante. El caballero oscuro aún sigue siendo recordado por público de todo el mundo, desde el de las taquilleras películas que han recaudado miles de millones de dólares en taquilla, hasta el de televisión, videojuegos y productos de consumo, y creo que sin duda se merece un lugar como icono cultural mundial durante años”.
Batman es la saga cinematográfica de superhéroes de mayor éxito y se han estrenado más películas sobre él que sobre cualquier otro personaje de cómic. En el ámbito de los videojuegos, la saga Batman Arkham es también la de mayor éxito que existe. Batman sigue rompiendo récords con cada encarnación de su personaje y continúa siendo el baremo de éxito con el que se miden las ventas del resto de cómics.
Para Diane Nelson, President of DC Entertainment and President & Chief Content Officer, Warner Bros. Interactive Entertainment: “Batman es uno de los personajes más fabulosos que se ha creado nunca, en cómics o en cualquier otra parte, e incluso tras 75 años aún sigue asombrando a sus fans. Forma parte intrínseca de la cultura pop y ha captado con enorme éxito la imaginación del mundo entero. Su origen, Bruce Wayne y los famosos ciudadanos de Gotham City son súper conocidos y muy probablemente formen parte de una historia que todos nos sabemos a la perfección, incluso a pesar de que no hayas cogido un cómic en tu vida, lo que habla por sí solo de la enorme popularidad del personaje y de la creación de la mitología original”.
La primera historia de Bat-Man (como se le conocía entonces) se publicó en mayo de 1939 en el nº 27 de Detective Comics, ideado y dibujado por Kane, que tan solo tenía 22 años por aquel entonces, y Bill Finger, colaborador habitual suyo, a cargo del guion. El personaje tuvo tanto éxito que tan solo un año más tarde se publicó el primer cómic dedicado exclusivamente a las aventuras del activista de la capa: Batman #1. En ese mismo número se enfrentó Batman por primera vez tanto a Joker como a Catwoman.
Ahora, DC Entertainment y las distintas divisiones del Estudio (Pictures, Television, Interactive Entertainment, Home Entertainment y Consumer Products) conmemorarán el extraordinario 75 aniversario con una serie de esperados eventos y productos.
El nuevo logo conmemorativo, desvelado también a través de redes sociales y páginas web, toma como inspiración el conocido símbolo de Batman e incluye un cartel con una tipografía estilo bloque que reza “75 años”. Este logo será el empleado en promociones, productos e iniciativas relacionadas con Batman.
Entre las actividades más importantes previstas para los festejos de conmemoración del 75 aniversario de Batman están:
· DC Entertainment: DC Entertainment se ha asegurado de que este año esté repleto de títulos nuevos, ediciones especiales, entre las que figura la edición especial del nº 27 de Detective Comics, que conmemora la primera aparición en 1939 de Batman en la serie y la nueva publicación semanal Batman Eternal, que verá la luz en noviembre.
- El Día Batman: DC Entertainment, en conmemoración del 75 aniversario celebrará un “Día Batman” a lo largo del año.
- Interactive Entertainment: Warner Bros. Interactive Entertainment ha invitado al conocido diseñador de moda Asher Levine a que cree una capa y una capucha inspiradas en el Bat-traje del recientemente anunciado videojuego Batman: Arkham Knight, desarrollado por Rocksteady Studios. Los mejores artistas contemporáneos tendrán la oportunidad de usar las réplicas como lienzo en blanco para diseñar sus propias interpretaciones originales de la emblemática vestimenta de Batman, para crear una exposición de “Capas/Capuchas” totalmente nuevas que se exhibirán en julio en el Comic-Con International de San Diego.
- Home Entertainment: Warner Bros. Home Entertainment ofrecerá a los fans de Batman una selección de nuevos títulos durante todo el año entre los que se encuentra Las Aventuras de Batman, la serie de animación El Hijo de Batman (13 de mayo) y Assault on Arkham (verano de 2014). Además, a finales de año se estrenará la Edición 25 aniversario del Batman de Tim Burton.
- Television: Warner Bros. Television se encuentra en pleno proceso de producción del episodio piloto de Gotham, la esperada nueva serie con capítulos de una hora de duración para FOX que indaga en los orígenes del Jefe de policía James Gordon y los villanos que han dado fama a Gotham City. En esta serie, el detective Gordon (Ben McKenzie, Southland) se encontrará con un conocido reparto de personajes, entre los que se incluye un joven Bruce Wayne, en su trabajo para defender la ley en la ciudad de Gotham. Bruce Heller, productor ejecutivo (El Mentalista, Roma), ha escrito el guion del episodio piloto, cuya dirección está llevando Danny Cannon, también productor ejecutivo de series como CSI, Nikita.
- Pictures: Al conmemorarse el 75 aniversario de Batman en 2014, Warner Bros. Pictures pondrá en marcha la producción de la película de Zack Snyder sobre Batman y Superman, aún sin título, que protagonizarán Henry Cavill, que repite el papel de Superman/Clark Kent, y Ben Affleck como Batman/Bruce Wayne. La película, cuyo estreno se prevé para el verano de 2016, juntará en la gran pantalla a los dos superhéroes más emblemáticos de la historia.
- Consumer Products: La división Consumer Products, de Warner Bros., en colaboración con una selección de titulares de licencias, conmemorará el 75 aniversario de Batman mediante la venta de ediciones especiales y productos de edición limitada. Desde las series de televisión clásicas de los 60 a los cómics actuales, la presencia de Batman será mayor que nunca en conmemoración de su legado mediante multitud de artículos que van de los juguetes a las camisetas.
Tres novedades de Tyrannosaurus Books para esta primavera
Ha llegado la primavera y se acerca el buen tiempo, así que para celebrarlo Tyrannosaurus nos presenta tres novedades de lo más refrescantes:
En primer lugar, la segunda novela de Elio Quiroga, director de cine y escritor que nos dejó patidifusos en 1996 con la inclasificable Fotos y que sigue al pié del cañón con films como Nodo (2009). Los códices del Apocalipsis es un thriller con toques fantásticos que combina la novela negra,la fantasía histórica, la conspiranoia, el thriller y el Apocalipsis al estilo de Tim Powers, Michael Crichton o Dan Brown. Promete ser trepidante de principio a fin.
En segundo lugar, Las legiones de Satán. Asesinos en serie en tierras del Islam, del criminólogo David Garriga. Un ensayo combinado con relatos que ficcionan los casos que se tratan desde el punto de vista de un criminólogo, que analiza 5 casos de asesinos en serie fuera de los tópicos del serial killer made in USA. Un libro que pone los pelos de punta y que conjuga de manera inteligente el libro riguroso de criminología (con todo lujo de detalles), con un estilo 
divulgativo con afán de llegar a todos los lectores.
Y por último Cara de Muerto de Luis Guallar, tercer volumen de la colección Monsters unleashed que en esta ocasión nos presenta al monstruos de Frankenstein en el Far West. Una novela con regusto pulp rabiosamente entretenida repleta de acción y cadáveres a mansalva.
Y además Tyrannosaurus publica la segunda edición del ensayo cinematográfico Silencios de pánico. Historia del cine fantástico y de terror español. 1897-2010 de Diego López y David Pizarro. Una versión ampliada con una bibliografía completa, un índice onomástico de películas y nuevas fotos. Indispensable en la biblioteca de cualquier cinéfilo.
Caroline Murno ya está en Madrid rodando Vampyres
Caroline Murno, y a su derecha Víctor Matellano y el especialista en efectos especiales Colin Arthur
La actriz Caroline Munro se encuentra ya en España rodando a las órdenes de Víctor Matellano el film Vampyres. La película, revisión de Las Hijas de Drácula (1974) de José Ramón Larraz, se está filmando en localizaciones ubicadas en las sierras de Segovia y Madrid, en lugares como Colmenar Viejo o Talamanca de Jarama.
Caroline Munro fue chica Bond en La espía que me amó (1977) y uno de los rostros más populares del cine de género de los años 70 y 80, con títulos como Capitán Kronos: Cazador de vampiros (1972), El viaje fantástico de Simbad (1973) o Maniac (1980) de William Lustig.
La bellísima actriz interpreta un nuevo papel protagonista, que no aparecía en el film original y que sirve para dar las claves para solucionar los misterios que plantea la película y que en Las Hijas de Drácula quedaban sin resolver. Se trata de una pintora, dueña de un hotel rural, que parece conocer todos los peligros que encierra el bosque donde sucede la acción.
La actriz comparte cartel con Christian Stamm, Luis Hacha, Marta Flich, Anthony Rotsa, Víctor Vidal y Almudena León, entre otros. Vampyres cuenta además con la aparición especial de clásicos del cine de terror como Lone Fleming, May Heatherly o Conrado San Martín.
En la película participa también otra leyenda del género, Colin Arthur, a cargo de los efectos especiales y el maquillaje. Entre su filmografía, además de contar con títulos memorables como La Historia interminable, Conan, el bárbaro o El resplandor, Colin Arthur fue el responsable del maquillaje en la película de José Ramón Larraz de 1974. Y también se da la coincidencia de que tanto Caroline Munro como Colin Arthur se encuentran rodando en el mismo entorno donde coincidieron hace algo más de 40 años para el rodaje de El viaje fantástico de Simbad.
Vampyres es una producción de Ángel Mora para Artistic Films dirigida por Víctor Matellano, quien recientemente presentó en el marco del Festival de Cine de Málaga su documental ¡Zarpazos! Un viaje por el Spanish horror, que próximamente participará en el Festival de Cine Fantástico de Madrid Nocturna 2014, mientras que su cortometraje La Cañada de los ingleses acaba de ser seleccionado para acudir al Festival de Cannes.
En el apartado técnico acompañan a Artistic Films empresas como The Other Side Cinema, Recámara, Gigantes y Molinos, La Mansión del terror y Fonofox en calidad de productores asociados.
Noé, diluvios apocalípticos y almas bellas
«(…) pase de la leve sorpresa a la frustración, de la frustración a la decepción y de la decepción a la indignación, al final quería irme del cine, pero lo único que me mantenía amarrado a mi silla era la idea de difundir esta información para denunciar esta película herética (o si, herejías hay varias) blasfema y vacía de toda fuerza proto-evangélica, en la esperanza de que eviten verla y ademas puedan entrar en contacto con una opinión católica al respecto«. Así de radical es la opinión del responsable del blog Extra Ecclesiam nulla salus, ya saben, si están fuera de la Iglesia no serán tocados con la bendición de la salvación y se perderán en el averno, con llanto y crujir de dientes. Si quieren saber que es lo que denuncia un católico ultramontano de la última de Aronofsky no duden en pinchar sobre el enlace. Allí lo encontrarán explicado con todo detalle, yo aquí me quedaré sólo con una de las consideraciones que en ese blog consideran blasfema: la figura de los que son llamados en la película, Los vigilantes. Vayamos a ello.
Sin considerarme especialista, tengo la convicción de que El Señor de los Anillos marca un antes y un después en el cine de hazañas épicas y así me pareció detectarlo en Noé, especialmente en la figura de Los vigilantes, esas criaturas gigantescas, esas moles de barro que parecen rocas escarpadas y que dejan ver luz saliendo de sus ojos. ¿Quiénes son? Pues nada más ni nada menos que ángeles caídos (más bien nefilims) esos de los que se habla más en los apócrifos que en la biblia canónica (con gran detalle en el Libro de Enoc), pero convertidos aquí en titanes filántropos que han recibido castigo del creador, precisamente, por haber ayudado a los hombres después de haber sido expulsados del Edén. Aronofsky ha investigado lo escrito sobre Noé en los textos religiosos, pero a ello le ha sumado sus propias convicciones. Los vigilantes están más próximos a Prometeo que a Lucifer, por eso a un católico, especialmente si es de mira estrecha, le parecen blasfemos. Están más próximos a nuestra herencia griega que a la cristiana. Lo que les hace interesantes es precisamente esa carga sacrílega de ser piadosos en su sublevación contra el creador. Aronofsky nos deja vislumbrar la ligazón dialéctica que hay entre el bien y el mal: de un acto impío puede nacer la bondad, del mismo modo que del bien puede llegar un mal. Así la obsesión por la justicia de Noé le conduce a la hybris, la desmesura de pensar que debe aniquilarse todo lo humano sin distinción.
Noé, empujado por la fe de su corazón, llega a casi volverse contra los suyos. Noé se convierte en un Alma Bella en el sentido Hegeliano: «Vive en la angustia de manchar la gloria de su interior con la acción y la existencia; y, para conservar la pureza de su corazón, rehuye todo contacto con la realidad y permanece en la obstinada impotencia de renunciar al propio sí mismo llevado hasta el extremo de la última abstracción«. La misma fuerza que le lleva a querer salvar lo puro le hace sentir que todo lo humano está corrupto. Sólo puede esperarse un correctivo ejemplar: el tiempo de la piedad pasó y hay que doblegarse al castigo. Sus convicciones acaban llevándolo a abrazar la moral del resentimiento, la propia del nihilismo negativo según Nietzsche. Sólo el perdón de su víctima más indefensa le devuelve la lucidez, en una conversión que nos recuerda la de Ethan (John Wayne) en Centauros del desierto cuando este último llega a tomar entre sus brazos a su sobrina.
No se asusten de que cite tanto filósofo alemán, la película funciona también como espectáculo, como fiesta de efectos especiales. Y Aronofsky declara que su objetivo ha sido sobre todo la evasión: “El corazón del filme es el entretenimiento, mi intención es presentar un drama perturbador, con grandes actuaciones, efectos visuales y música. Por supuesto, espero que a la salida la gente salga con más preguntas, charle sobre lo visto. Claro que necesito a alguien como Russell. Si en pantalla tienes milagros, ángeles convertidos en gigantes de piedra y otros seres no conocidos, debes de tener un actor que dé verosimilitud a su personaje. Russell es férreo y creíble”. Pero aunque afirme que sólo quiere hacer cine, no niega que haya querido darle un trasfondo de espiritualidad a su superproducción apocalíptica: “Defíneme espiritualidad. Bueno, entiendo lo que planteas. Sí que creo que falla nuestra conexión con el medio ambiente. Nuestro respeto a la creación. Hasta hace poco sabíamos que nuestra huella desaparecía del planeta: a duras penas quedan piedras, herraduras… Y desde hace un siglo hemos creado plásticos no biodegradables, gracias a productos químicos creados por nosotros. Tenemos un poder que estamos malgastando en estropear el lugar en que vivimos”.
Donde algunos ven blasfemia y satanismo, sólo hay una toma de conciencia de la crisis de recursos a la que parecemos abocados si no cambiamos nuestros modelos de producción y consumo. La película tiene mensaje, pero un mensaje ecologista que se vale de la historia sagrada para ofrecer una lectura de nuestra condición actual a la que hemos llegado por nuestros propios poderes, que atacan a la naturaleza pero que acabarán pasando cuentas a nosotros los humanos. Después de todo la naturaleza tiene una capacidad de cambio superior a la nuestra, cuando algo amenaza al conjunto, acaba pereciendo él mismo. Ese apocalipsis antediluviano es nuestra propia realidad, el que trata de aprehender Aronofsky es el apocalipsis que venimos cerniendo sobre nuestras postindustriales cabezas. Sin embargo, el apocalipsis promete una regeneración, un mundo mejor, no la típica muerte y destrucción de Roland Emmerich. Pese a todo hay que seguir confiando en nosotros y nuestra capacidad de respuesta. O si no, al menos a seguir teniendo fe en el caos.
Ramón K. Pérez asistirá al Salón del Cómic de Barcelona
El 32 Salón Internacional del Cómic de Barcelona contará con la presencia de Ramón K. Pérez. Nacido en Ontario (Canadá) en 1973 y de ascendencia española, ha recibido a lo largo de su trayectoria numerosos galardones. Su novela gráfica Cuento de arena, adaptación gráfica de un guión cinematográfico del mítico Jim Henson y Jerry Juhl, ha sido premiada con tres premios Eisner en 2012 a la Mejor Obra, Mejor Artista y Mejor Diseño. La obra está nominada a la Mejor obra de autor extranjero publicada en España en 2013 en el 32 Salón del Cómic. Este autor, en cuya cabeza se entremezclan distintos géneros como la space opera, el western o la novela negra, ha publicado obras en las más importantes editoriales, como Marvel, DC, Dark Horse y Archaia, entre muchas otras, y aparte de Cuento de arena, entre sus obras recientes se encuentran Captain America and the First Thirteen, Deadpool Team-Up 883, Dazzler Resistance, además de varias cubiertas para Star Wars: Las guerras clon e ilustraciones para juegos de rol, libros infantiles, revistas y campañas publicitarias.Para descubrir más de sus trabajos puede visitarse su página web oficial www.ramonperez.com.
Arranca el rodaje de Vampyres
Esta semana da comienzo en varias localizaciones de Madrid el rodaje de la película de terror Vampyres, nuevo largometraje de Víctor Matellano (responsable también del documental ¡Zarpazos!, la esperada Wax y el cortometraje El Camino de los ingleses). Esta revisión del mítico film Las Hijas de Drácula (1974) de José Ramón Larraz, cuenta con la actriz Caroline Munro, junto Anthony Rotsa, Veronica Bacorn, Alina Nastase, Luis Hacha, Marta Flich y Almudena León, entre otros. Además, Vampyres contará con la participación especial de Lone Fleming, May Heatherly, Antonio Mayans y Conrado San Martín«, actores y actrices bien conocidos para los amantes del cine de terror español. El guión es obra del propio director y de José Ramón Larraz, quien fallecía en septiembre de 2013 durante la preproducción de la película.
Para Matellano «El inicio del rodaje de ‘Vampyres’ es un sueño largamente acariciado y un homenaje a la memoria de José Ramón, que fue siempre un adelantado a su época y un autor completo. Estoy completamente seguro de que la sintonía que hemos logrado entre el equipo artístico y técnico ha creado la atmósfera necesaria para combinar el absoluto respecto por el film original con la rabiosa innovación con la que pretendemos sorprender«.
Con producción de Ángel Mora para Artistic Films, el rodaje, que se desarrollará en inglés, transcurrirá hasta finales de abril en exteriores y decorados ubicados en Madrid y Castilla y León, que evocan la producción de 1974. El maquillaje corre a cargo de Colin Arthur, quien repite al frente del departamento como sucedió hace 40 años en la original Las Hijas de Drácula de Larraz.
Nocturna 2014 anuncia sus primeros títulos
El Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid cierra el plazo de inscripción de su II Edición con más de 1000 obras recibidas.
Con más de 600 cortometrajes y cerca de 450 largometrajes recibidos de todos los rincones del mundo (Estados Unidos, Canada, Irán, Corea del Sur, Japón, China, Filipinas, Irán, Rusia, Reino Unido, Francia, Bélgica, Alemania, Países Bajos, Chile, Argentina, Honduras, Nueva Zelanda, entre otros), la segunda edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, NOCTURNA 2014, que tendrá lugar del 26 de mayo al 1 de junio de 2014, calienta motores presentando parte de su programación.
La Sección Oficial Fantástico de Nocturna volverá a ofrecer una selección de títulos del más amplio espectro fantástico, muchos de ellos inéditos en nuestro país. BENEATH es un intenso y claustrofóbico filme dirigido por Ben Ketai (30 días de oscuridad 2: Tinieblas), que inspirándose en hechos reales, nos presenta a un grupo de mineros de carbón que se quedan atrapados a 600 metros bajo tierra y se verán atrapados en una espiral de locura que terminará enfrentando a unos contra otros. La ganadora a la mejor película canadiense en el Toronto After Dark, SILENT RETREAT, de Tricia Lee, nos cuenta como la protagonista es enviada a un retiro en el bosque para rehabilitarse y descubre que los hombres al frente del centro lavan el cerebro a las internas para conseguir su sumisión, y que hay algo verdaderamente extraño en ese bosque. SECOND COMING 3D, dirigida por Herman Yau (The Untold Story, The Legend is Born – Ip Man, Ip Man – The Final Fight) llegará desde Hong Kong para presentarnos una historia sobrenatural en la que oscuros secretos del pasado volverán en busca de venganza. La suiza CHIMÈRES, de Olivier Beguin, que ha cosechado numerosos galardones en festivales como Neuchâtel, Screamfest, o Fantasporto, nos relatará cómo una transfusión desata una extraña atracción por la sangre en su protagonista. Y la secuela de una de las mejores películas de terror de la pasada década, WOLF CREEK 2, dirigida por Greg McLean, nos hará viajar de nuevo hasta el impresionante cráter australiano para relatarnos las nuevas andanzas del psicópata Mick Taylor.
Nocturna Dark Visions, una de las secciones de más éxito de la pasada edición del festival, contará una vez más con las propuestas más innovadoras y transgresoras del fantástico. LORD OF TEARS, del director Lawrie Brewster, nos presentará la historia de un profesor de colegio torturado por pesadillas de su infancia con una extraña e indescriptible entidad: una figura vestida con ropas de la época victoriana con la cabeza de un búho. SOULMATE, el debut en la dirección de Axelle Carolyn, que obtuvo el premio a la mejor interpretación femenina en Fantasporto, nos ofrecerá una vuelta de tuerca a las historias de fantasmas. FRACTURED, la nueva película de Adam Gierasch, protagonizada por Callum Blue y Vinnie Jones, nos mostrará cómo un hombre, tras despertar de un coma, deberá enfrentarse a su antiguo jefe con el fin de librarse de las garras del diablo y así de una condena eterna.
Nocturna Madness, la sección más divertida y sangrienta del Festival, presentará títulos como PINUP DOLLS ON ICE, un slasher dirigido por Geoff Klein y Melissa Mira que nos garantizará sangre, erotismo y risas a través de la historia de una pinups que son contratadas para realizar un espectáculo en un aislado campamento en el que se verán acosadas por un obseso homicida. En APRIL APOCALYPSE, de Jarret Tarnol, veremos cómo, tras sufrir un accidente de coche, un joven despertará en medio de un apocalipsis zombie teniendo que luchar contra las hordas de no-muertos para salvar a su amada.
Fuera de competición, la sección Nocturna Panorama, acogerá de nuevo las mejores y más interesantes producciones internacionales de género fantástico. THE STATION (BLUTGLETSCHER), primer largometraje del alemán Marvin Kren, que sorprendió en 2010 con su mediometraje zombie Rammbock, que en esta ocasión nos trasladará a una estación climatológica cercana a un glaciar del que mana un extraño líquido rojo que terminará obligando a los científicos a luchar por sus vidas. FOUND, un filme transgresor y arriesgado, dirigido por Scott Schirmer, que ha cosechado ya numerosos galardones y que nos presentará a un curioso muchacho, obsesionado con el terror, que descubre que su hermano es un asesino en serie..
Pronto se darán a conocer más títulos de las diferentes secciones, así como los filmes de inauguración y clausura, invitados, el póster y la localización de esta segunda edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, NOCTURNA 2014.
El Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, NOCTURNA 2014, es una producción de La Cruzada Entertainment, con la colaboración de Scifiworld Entertainment.
Enemy, de dobles y arañas
Según leemos, Enemy fue uno de los títulos recurrentes en los corrillos de San Sebastián cuando se vio por primera vez en España. Es una de esas cintas propensas a sembrar el desconcierto y a ganarse amores u odios casi instantáneos. Sin ir más lejos, al salir del pase de prensa le hizo espetar a una de las cabezas pensantes de Serendipia, que «Si cuando veo una película me pierdo o no la entiendo es que el director me la ha contado mal». Esta sin duda es una de esas películas de la que nadie hablará mal por miedo a hacer el ridículo dados los orígenes literarios y el prestigio del director. Tras el pase de prensa, en el lavabo, lugar en el que además de aliviar la vejiga se liberan los comentarios sobre lo recién visto, hubo el característico silencio perplejo que siempre hay cuando no se sabe que decir y se teme quedar como un burro si deja entrever que no se ha entendido el final o se ha perdido a medio metraje. El film llama al engaño. Tras un ingenioso argumento lineal de intriga, con ciertas pinceladas surrealistas, termina desembocando en un final que desde ya formará parte de mi léxico particular. Me explico: si existe el socorrido final «todo era un sueño», que no hace falta explicar; o el «Chaplin», en el que el personaje o personajes siguen con su vida hacia un destino incierto, al igual que Charlot marchando hacia un punto del camino, desde ahora también hay una palabra para definir esos finales en los que uno se queda perplejo: El final araña. Ustedes ya me entenderán.
Así que ya ven que lo que más ampollas levantó a esa parte de mi ser fue el final. Cosa que me evoca el diálogo inicial de Dios (una comedia) de Woody Allen (incluida en Sin Plumas), y van a permitirme que se lo transcriba:
Actor: Nada… sencillamente nada…
Autor: ¿Qué?
Actor: No tiene sentido. Es vacío.
Autor: El final.
Actor: Naturalmente. ¿Qué estamos discutiendo? Estamos discutiendo el final.
Autor: Siempre estamos discutiendo el final.
Actor: Porque es imposible.
Autor: Reconozco que es poco satisfactorio.
Actor: ¿¡Poco satisfactorio!? Ni siquiera resulta creíble. Cuando se escribe una obra el truco está en empezar por el final. Se busca un final sólido y bueno, y luego se escribe hacia atrás.
Autor: Ya intenté eso. Me salió una obra que no tenía principio.
Sólido y bueno, parece que es la premisa que debe cumplir, ¿pero en qué consiste eso? Echemos mano de la teoría de la narración según la cual el final de un relato debe ser sorprendente, pero a la vez debe guardar coherencia con todo lo narrado hasta allí. Buen final es aquel que nos hace replantearnos todo lo leído (lo visto, en el caso de un filme) y encontrarle un sentido nuevo. ¿No cumple con ello Villeneuve? En mi opinión (soy la otra cabeza) sí, salvo que debo reconocer que va más allá de la sorpresa: nos conduce directamente a la perplejidad, su sinónimo, pero ya saben que los sinónimos no son idénticos, introducen siempre un matiz. Y ese matiz hará que guste o que se la considere un acto especulativo para gafapastas (por cierto, mis gafas son de pasta y las de mi alter ego, no).
Si Villeneuve leyera este blog, se sentiría satisfecho por la polémica suscitada, y es que confesaba en San Sebastián que sus películas favoritas «son las que me han dejado más preguntas que respuestas, como ‘2001. Una odisea en el espacio’: me gusta esa sensación, cómo se van abriendo puertas para ir descifrando el misterio, y eso he querido hacer yo«. Hay que reconocer que, en esta que según él mismo es su obra más personal, lo ha conseguido. Enemy, nos lleva al anonadamiento. Y es que «esta película hay que verla varias veces para entender su esencia, pero está todo en ella«, explicó rebuscando las palabras. Puede decirse, pues, que Enemy es un puzzle al que no le faltan piezas, pero en el que estaremos obligados a hacerlo y rehacerlo para vislumbrarlo y seguramente siempre nos quedará alguna zona muerta; pero eso es lo pretendido, que nos deje más interrogantes que respuestas.
Y después de hablar del final, cabe hablar sobre el principio. El origen de esta película hay que buscarlo en la lectura, por parte del canadiense, de la novela El hombre duplicado de José Saramago. «Sentía la necesidad visceral de hacer una película que quizá nadie más hubiera hecho, y lo que he hecho ha sido por un gran amor al cine; para mí, Enemy ha sido una ensoñación, mi secreto«. Se trata de una adaptación libre en la que el director ha volcado sus propias reflexiones, sobre todo la que atañe al poder del subconsciente, para Villeneuve el subconsciente es algo que tiene gran influencia en nuestras vidas y un impacto real en la sociedad. Si no somos conscientes de esa fuerza y de sus efectos colaterales, nunca sabremos quién toma en realidad las decisiones sobre nosotros mismos.
Sin duda, el tema del doble es uno de los que mejor se presta para hablar de ello. Sobre todo tal como lo retrata el canadiense. La película está recorrida por tintes fantasmagóricos en lo que hace referencia al escenario, ese Toronto lleno de grises y de intrigantes edificios ultramodernos, clara metáfora del laberinto, de la tela de araña (sí, la araña tiene gran importancia en esta cinta) que nos pierden cuando queremos llegar al centro. Y también en lo que hace referencia a la exposición de la trama, la historia se va engranando con un cierto aire onírico, perdemos a veces los límites de la realidad. Todo ello le da un arrollador poder sensorial, en el que no tiene poca relevancia la actuación de Jake Gyllenhaal que borda su doble papel tanto como en su día lo hiciera Jeremy Irons en I
nseparables. Y viene
bien mencionar la película de Cronemberg, porque no es poco lo que guardan en común: ahí está el enigmático papel de la mujer (en este caso dos rubias frías como las hitchcockianas), a la vez fuente de deseo y de castración, y en ambos casos la pervivencia del otro exige la muerte del duplicado, aunque eso suponga la disolución de ambos. En ese último sentido se puede leer en la notas del director que encontrar a alguien igual a nosotros sería un fenómeno que debería provocar el mismo impacto en un ser humano que el que provoca un agujero negro en una galaxia: ni siquiera la luz puede escapar de esa concentración de masa, nuestro doble supondría la pérdida de nuestra energía, de la capacidad de discernir qué nos hace ser nosotros y no los demás, del poder de controlar las propias decisiones.
Los agujeros negros tienen una entropía gravitacional intrínseca. Ello implica que la gravedad introduce un nivel adicional de impredictibilidad por sobre la incertidumbre cuántica. Parece, en función de la actual capacidad teórica, de observación y experimental, como si la naturaleza asumiera decisiones al azar o, en su defecto, alejadas de leyes precisas más generales. La metáfora con la que elige Villeneuve para explicar el mitema del doble, coincide pues con la frase de la novela que elige como destacado inicial, como preámbulo del prólogo que tanta relación guarda con ese enigmático final araña (y que nos hace evocar El relato soñado de Arthur Schnitzler): «El caos es un orden por descifrar». Bajo esa luz cabe interpretar toda la película, así que aunque se estructure como un filme de suspense, de intriga casi detectivesca, Enemy viene cargada de concepto. Tal se diría que el Darren Aronofsky de Pi ha adaptado El Doble de Dostoievsky (como se afirma, de hecho, en el blog de Filmin).
Así es Enemy para algunos una película pretenciosa, absurda y bobamente enigmática (Carlos Boyero dixit), para otros tubardora, genial y exquisita a nivel estético. Sólo debo decirles que la vean y juzguen ustedes mismos, después de todo es una película de la que se disfruta más cuanto más se discute sobre ella.
Filmax e Inopia Films distribuyen en cines Big Bad Wolves
El próximo 23 de mayo se estrena en cines BIG BAD WOLVES, una de las películas más impactantes y que más nos gustó de la pasada edición del Festival de Cine de Sitges. La película, calificada por Quentin Tarantino como “La mejor película del año” (refiriéndose a 2013), consiguió en este Festival el premio a la Mejor Dirección y una mención especial a la Banda Sonora. También fue una de las películas más destacadas y valoradas tanto por la crítica como por el público. Aunque no todo el mundo supo apreciar la mezcla que hace de humor con un tema tan trágico como el tratado.
Big Bad Wolves es un thriller de venganza con toques de comedia negra, una versión moderna del cuento clásico de Caperucita Roja y el Lobo Feroz. Está dirigida por los israelíes Navot Papushado y Aharon Keshales. Profesor y alumno respectivamente, debutaron en la dirección de un largo con la película Rabies, la primera película israelí de terror. Bid Bad Wolves es el segundo largometraje que dirigen juntos.
La película está protagonizada por Lior Ashkenazi (Caminar sobre las aguas), Rotem Keinan y Tzahi Grad.
Además del Festival Internacional de Cine de Sitges, Big Bad Wolves pasó por otra veintena de Festivales, como el de Tribeca, donde causó furor; también estuvo en Austin Fantastic Fest y en Fantasia Film Festival, de Montreal, entre otros. En este último se alzó con los premios a la Mejor Película y al Mejor Guión.
La Academia de Cine Israelí la premió también con 7 estatuillas incluyendo Mejor Guión, Mejor Dirección y Mejor Fotografía.
Sinopsis:
Una serie de brutales asesinatos entrelaza la vida de tres hombres: el padre de la última víctima, sediento de venganza; un detective de policía que opera en los límites de la ley; y un profesor de religión, principal sospechoso de los asesinatos.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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