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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 28 de octubre *
TROLLS (Mike Mitchell y Walt Dohrn, 2016)
USA. Duración:93 min Guión: Erica Rivinoja Música: Christophe Beck Fotografía: Yong Duk Jhun Productora: DreamWorks Animation / 20th Century Fox Género: Animación infantil
Sinopsis: Conocidos por sus pelos de colores, locos y mágicos, los Trolls son las criaturas más felices y alegres que irrumpen en el mundo de la canción. Pero su mundo de arco iris y cupcakes cambiará para siempre cuando su líder Poppy (Anna Kendrick) debe embarcarse en una misión de rescate que la llevará muy lejos del único mundo que siempre ha conocido.
De la mano de Mike Mitchell y Walt Dohrn (directores de la cuarta entrega de Shreck) nos llega Trolls: una inocente (casi ingenua) comedia musical que reflexiona sobre la felicidad, su búsqueda y su condición de fuerza interior; es en cada uno de nosotros donde se halla y la amistad es el camino para encontrarla y compartirla. Trolls utiliza la música para sostener la narrativa de la película; la banda sonora de la película está producida por Justin Timberlake, que trabaja también como productor ejecutivo de música, y cuenta con canciones del propio Timberlake, Gwen Stefani, Anna Kendrick y Ariana Grande, así como varios clásicos de la época de los 60, 70 y 80 versionados por miembros del reparto. Un score que hará las delicias de los más pequeños y también de los mayores.
Los Trolls son criaturas radiantes que pasan el día cantando, bailando, abrazándose y comiendo cupcakes. El suyo es un mundo de colorido exultante que lo inunda todo desde sus pequeños cuerpos y largos penachos, hasta su entorno siempre luminoso. Es fácil imaginar que sus figuras inundarán las tiendas de juguetes pues ya en la pantalla vemos desfilar toda una serie de personajes y objetos que están pidiendo a gritos convertirse en merchandising. La película expone un mundo único inspirado en fibras, materiales de terciopelo, pelaje, purpurina y colores brillantes. Los espectadores se verán envueltos en este universo táctil y atractivo que los productores llaman «inmersión peluda«. Toda una experiencia sensorial.
Frente a los pequeños héroes están los Bergens y su mundo grisáceo, unos villanos que sólo son felices cuando tienen un Troll en el estómago, carecen de armonía y alegría y sólo pueden encontrar la felicidad a través de medios visibles más dañinos. No tienen mucho control sobre su felicidad y es menos satisfactoria cuando la consiguen. Si los Trolls representan el optimismo extremo, sus antagonistas son la imagen viva del pesimismo más acérrimo. La peripecia que viven en la película unos y otros hará que la balanza se equilibre y reine la sensatez y la armonía para todos ellos. Uno de los detonantes de esta confluencia será la historia de Bridget, la criada de palacio que está secretamente enamorada del rey. Es todo un acierto del filme retratar esta subtrama interpolando la conocida historia de la Cenicienta. Bridget es la Bergen más dulce y bondadosa de toda Ciudad Bergen; de hecho, puede que sea la única Bergen bondadosa. Ayudada por los Trolls revelará su amor y se producirá la catarsis en la que todos los personajes se hermanan.
Trolls es un canto a la alegría voluntariamente ingenuo, el objetivo de sus directores es distanciarse del discurso dominante siempre propenso al desencanto y la ironía y regalarnos un final feliz que nos devuelva las ganas de soñar.
MAGGIE’S PLAN (Rebecca Miller, 2015)
USA Duración: 92 min. Guión: Rebecca Miller Música: Michael Rohatyn Fotografía: Sam Levy Productora: Round Films / Specialty Films Género: Comedia dramática
Reparto: Greta Gerwig, Julianne Moore, Ethan Hawke, Travis Fimmel, Bill Hader, Maya Rudolph, Alex Morf, Jackson Frazer, Mina Sundwall, Leetopher Scott, Tommy Buck, Monte Greene
Sinopsis: Maggie, profesora y mujer decidida, está preparada para ser madre. Sus amantes no le duran más de seis meses, pero tiene un donante ideal. Con la muestra en la mano, se le declara un compañero casado…
Supuesta comedia sobre la maternidad protagonizada por unos personajes claramente inspirados en los de Woody Allen que tiene varios logros en su haber (o en su contra). El principal es que no tiene ninguna gracia, pero este no es el mayor de sus defectos, ya que el grado de cretinez de la práctica totalidad de sus protagonistas es tal, que uno no puede más que desear que sean engullidos por el Katrina. O que sean objeto de las atenciones de cualquier sosia de El hijo de Sam. O que celebren todos una reunión en un lugar que que sea objetivo de un sangriento atentado de Estado Islámico. Tan solo dos de sus personajes (el de la hija mayor y el del amigo de la protagonista) dan señales de vida inteligente, pero no la suficiente para salvar esta historia de lacras con pies que a pesar de tener mucho tiempo libre no dejan de parecer atareados, ya sea montando un mueble o doblando ropa mientras hablan, hablan y hablan. Todo resulta desagradable en esta película y su argumento, que puede resumirse en dos lineas, tampoco ayuda. Y ya es lástima, pues Rebecca Miller, guionista y directora de este engendro, tuvo un magnífico debut con la extraña y magnética Angela (1995), y cuenta la película, además, con la presencia de la siempre competente Julianne Moore y de un Ethan Hawke que hacen lo posible por dar entidad a este producto que riega su banda sonora con antiguas canciones Blue Beat.
YO, DANIEL BLAKE (I, Daniel Blake, Ken Loach, 2016)
UK/Francia/Bélgica Duración: 100 min. Guión: Paul Laverty Música: George Fenton Fotografía: Robbie Ryan Productora: BBC / BFI / Sixteen Films Género: Drama
Reparto: Hayley Squires, Natalie Ann Jamieson, Dave Johns, Micky McGregor, Colin Coombs, Bryn Jones, Mick Laffey, Dylan McKiernan, John Sumner, Briana Shann,Rob Kirtley
Sinopsis: Por primera vez en su vida, víctima de problemas cardiacos, Daniel Blake (Dave Johns), carpintero inglés de 59 años, se ve obligado a acudir a las ayudas sociales. Sin embargo, a pesar de que el médico le ha prohibido trabajar, la administración le obliga a buscar un empleo si no desea recibir una sanción. En el transcurso de sus citas al “job center”, Daniel se cruza con Rachel (Hayley Squires), una madre soltera de dos niños que tuvo que aceptar un alojamiento a 450 km de su ciudad para evitar que la envíen a un hogar de acogida. Prisioneros de la maraña de aberraciones administrativas actuales de Gran Bretaña, Daniel y Rachel intentarán ayudarse mutuamente.
Yo, Daniel Blake es la decimotercera cinta de Ken Loach que participa en el Festival de Cannes. Supuso para el director su segunda palma de Oro a la mejor película, un galardón que no fue bien recibido por la crítica, más inclinada hacia la última cinta de Paul Verhoeven, Elle. Aún así la película fue aplaudida durante 15 minutos por los asistentes a la premiere y es que, opiniones aparte, Loach es un cineasta con un universo propio y bien definido en su filmografía, que ofrece de nuevo su visión de lo que le gusta contar en el cine: el retrato de los más desfavorecidos de la sociedad, de los perdedores de esta y de todas las guerras. Esa carne de cañón buena, tan solo, a la hora de ofrecer su sangre para defender a la sociedad que luego le da la espalda. Yo, Daniel Blake incide en ese cine social que en esta tribuna consideramos tan necesario, como la francesa La ley del mercado (La loi du marché, 2015) de Stéphane Brizé. Un cine social que contrasta con laureados monumentos a la indecencia como es La juventud (La Giovinezza, 2015) de Sorrentino. Cine proletario que no demoniza a la clase obrera ni la señala como causante paleta y apestosa de todos los males que acosan a nuestra sociedad y en el que tiene un papel destacado esa burocracia absurda que, con sus más y sus menos, resulta igual de inútil en todos los países: se aletarga cuando se trata de pagar y se acelera cuando tiene que cobrar o desalojar. La cinta muestra la solidaridad que nacerá entre los débiles, única forma de sobrevivir en ese pozo de pirañas que supone el enemigo, representado por bancos y oficinas gubernamentales, con su deshumanizado funcionariado.
La película de Loach no cae en exceso en el dramatismo pese a lo que narra, y ello es en parte al gancho y carisma del personaje principal, encarnado por Dave Johns, un actor eminentemente televisivo especializado en el campo de la comedia y la improvisación, motivo de la vis cómica que trasmite su personaje y que tan buen resultado le ofrece. La película fue rodada de forma cronológica, de manera que la protagonista femenina, que también ofrece una actuación magnífica (tanto como pesimista), desconocía como concluiría la película o lo que le esperaba a su personaje, lo que dio una expresión de inquietud a la actriz acorde con la situación personal de su personaje.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 21 de octubre de 2016 *
EL CONTABLE (The Accountant, Gavin O’Connor, 2016)
USA Duración: 128 min. Guión: Bill Dubuque Música: Mark Isham Fotografía: Seamus McGarvey Productora: WB / Electric City Entertainment / Zero Gravity Management Género: Thriller
Reparto: Ben Affleck, Anna Kendrick, J.K. Simmons, Jon Bernthal, John Lithgow, Jeffrey Tambor, Cynthia Addai-Robinson, Fernando Chien, Seth Lee, Michael Beasley,David Anthony Buglione, Jason MacDonald, Ron Prather, Alex Collins, Johnny Giacalone, Nick Arapoglou
Sinopsis: Christian Wolff (Ben Affleck) es un contable y genio matemático, un hombre extremadamente tranquilo, obsesivo con el orden y con mucha más afinidad con los números que con las personas, que lleva una doble vida como asesino despiadado.
Segundo estreno en nuestras pantallas en lo que va de año de este director del que ya pudimos ver el western La venganza de Jane. El contable nos ofrece un Ben Affleck más frío aún que su Batman encarnando al personaje que da título a la cinta, afectado de autismo y toda una máquina de matar, casi, sin sentimientos en esta intriga un tanto liosa y a ratos disparatada que consigue colar nuestra atención en su acción, así que cumple con creces su cometido de resultar entretenida. Entre sus secundarios destacan los eficaces J. K. Simmons, John Lithgow y el pugilístico Jon Bernthal, que ofrecen consistencia a la cinta.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 7 de octubre de 2016 *
LA FIESTA DE LAS SALCHICHAS (Sausage Party, Greg Tiernan y Conrad Vernon, 2016)
USA. Duración: 89 min. Guión: Evan Goldberg, Kyle Hunter, Seth Rogen, Ariel Shaffir Música: Christopher Lennertz, Alan Menken Productora: Annapurna Pictures / Nitrogen Studios Canada / Point Grey Pictures Género: Comedia de animación
Narra las aventuras de unos productos de un supermercado, cuya espera y esperanza es formar parte de los escogidos por los dioses (clientes) para ir con ellos hacia el paraíso que se encuentra más allá de las puertas del establecimiento. Pero una salchicha descubrirá que ese más allá no significará otra cosa que su destrucción deglutidos en manos de esos dioses. El itinerario que recorrerán un lote de productos formado por un bagel, un falafel, un bollo, un taco y una salchicha para volver a su estante del supermercado, tras fugarse de un carro de la compra, les hará atravesar pasillos como el chino o el de ilegales, a base de productos mexicanos, hasta dar con los imperecederos, que abrirán los ojos de nuestros protagonistas sobre ese inexistente más allá, mientras son perseguidos por una vengativa ducha vaginal. Y todo ello regado con canciones (pocas, no teman) de Alan (Little Shop of Horrors) Menken.
Seré breve. Uno es poco dado a dar consejos, pero me siento obligado tras ver La fiesta de las salchicas a recomendarles encarecidamente a que francamente, no se la pierdan. No hay muchas ocasiones como para pasarlo tan bien, ya no en un cine, sino en la vida. Por cierto, es una película para adultos (o niños muy espabilados)
UN MONSTRUO VIENE A VERME (J. A. Bayona, 2016)
USA/España Duración: 108 min. Guión: Patrick Ness (Novela: Patrick Ness) Música: Fernando Velázquez Fotografía: Oscar Faura Productora: Apaches Entertainment / Telecinco Cinema / Participant Media / RiverRoad Entertainment / Lionsgate Género: Drama fantástico
Reparto: Sigourney Weaver, Felicity Jones, Lewis MacDougall, Liam Neeson, Toby Kebbell,Geraldine Chaplin, James Melville, Garry Marriott, Joe Curtis, Kai Arnthal, Max Gabbay
Sinopsis: Tras la separación de sus padres, Connor (Lewis MacDougall), un chico de 12 años, tendrá que ocuparse de llevar las riendas de la casa, pues su madre (Felicity Jones) tiene un cáncer. Así las cosas, el niño intentará superar sus miedos y fobias con la ayuda de un monstruo (Liam Neeson), pero sus fantasías tendrán que enfrentarse con la realidad, incluida su fría y calculadora abuela (Sigourney Weaver).
Con este nuevo trabajo J.A. Bayona cierra su trilogía sobre las relaciones maternofiliales, que inició con El orfanato (2007) y continuó con Lo imposible (2012), superando de lejos ambos trabajos y demostrando que es un director que trabaja con el corazón dirigiendo su cine, al igual que su director favorito y modelo, Steven Spielberg, hacia el público y no a la crítica, que se mostrará, sin duda, más tibia que la taquilla.
Técnicamente impecable, la escasa banda sonora de Fernando Velázquez entra en el momento justo, de puntillas, sin acentuar los momentos dramáticos. Sin sobresalir, pero resultando del todo eficaz. Compositor de cabecera de Bayona, pues ha compuesto la totalidad de las partituras de su filmografía, también es habitual en las producciones de Guillermo del Toro.
El pequeño protagonista, Lewis MacDougall, con tan solo un título más en su haber, realiza una contenida actuación que tiene en la mirada su principal recurso. Interpretación que es respaldada por la dulce Felicity Jones, como la madre de Conor, una actriz que ya destacó como lo mejor de La teoría del todo (The Theory of Everything, James Mars, 2014); y Toby Kebbell, en el papel del padre, al que pudimos ver recientemente como Mesala en la nueva versión de Ben-Hur. A este ramillete de actores británicos, pues la acción se desarrolla en Inglaterra, se les ha sumado una magnífica (raro sería lo contrario) Sigourney Weaver. Sin olvidar la penetrante presencia, como la voz del monstruo, de Liam Neeson
J. A. Bayona nos muestra en su película el origen del tantas veces incomprendido amor de los niños por los monstruos de ficción, adoración que depositan en ellos en contraste a los monstruos reales, cotidianos, ya sean acosadores de patio de recreo; amenazas de guerra nuclear; o en forma de cáncer. Tiene Un monstruo viene a verme, tanto el cuento en el que se basa como la cinta que lo adapta, mucho de fórmula terapéutica. El pequeño Conor, magistralmente interpretado por MacDougall, deberá madurar a pasos de gigante, tan grandes como el monstruo que lo visita, y enfrentarse a dilemas como la culpa o la desaparición del ser que más ama. Bayona mezcla en su película tres enseñanzas del monstruo en forma de historias que tomarán forma animada y que demostrarán al pequeño que las cosas no son siempre lo que parecen y que no siempre hay buenos y malos. Lecciones de vida en este relato de crecimiento que, repetimos, merece, y estamos seguros que obtendrá, una buena respuesta por parte del público, pues toca fibras que todos hemos o habremos de pasar varias veces durante nuestra existencia.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 30 de septiembre de 2016 *
EL HOGAR DE MISS PEREGRINE PARA NIÑOS PECULIARES (Miss Peregrine’s Home for Peculiar Children, Tim Burton, 2016)
USA Duración: 127 min. Guión: Jane Goldman (Novela: Ransom Riggs) Música: Matthew Margeson, Mike Higham Fotografía: Bruno Delbonnel Productora: Chernin Entertainment / Tim Burton Productions Género: Fantastico
Reparto: Eva Green, Asa Butterfield, Samuel L. Jackson, Judi Dench, Ella Purnell, Allison Janney, Rupert Everett, Terence Stamp, Kim Dickens, Chris O’Dowd, Finlay MacMillan, Cameron Greco, O-Lan Jones, Justin Davies, Bomber Hurley-Smith,George Vricos, Andrew Fibkins, Bryson Powers, Jack Fibkins
Sinopsis: Cuando Jake encuentra unas pistas que conducen a un misterio de realidades y épocas alternativas, descubre un refugio secreto conocido como el hogar de Miss Peregrine para niños peculiares. A medida que Jake empieza a conocer detalles sobre los residentes y sus habilidades inusuales, se da cuenta de que la seguridad es una ilusión y que el peligro acecha en forma de poderosos y ocultos enemigos. Jake debe descubrir lo que es real, en quién puede confiar y quién es él en realidad.
Ransom Riggs escribió Miss Peregrine’s Home for Peculiar Children fascinado por las fotografías antiguas, de familias totalmente ordinarias, que coleccionaba. De hecho, su idea era realizar con ellas un libro ilustrado, pero tras la intervención de un editor, las fotografías se usaron para crear una narración sobre un muchacho que sigue pistas de las viejas fotografías de su abuelo que lo sumergen en una aventura que lo lleva a un gran orfanato abandonado en una isla de Gales.
Esta obra, publicada en 2011, ha resultado ser un material ideal para Tim Burton, que ha adaptado la obra a su universo visual consiguiendo una muy valiosa película que hará, en parte, callar a los que proclaman que este creador está acabado. Burton, uno de los directores a los que más se les exige, película tras película, demuestra que sabe crear sensaciones con sus imágenes. Daguerrotipos inquietantes guardados bajo la cama, darán pié a que el protagonista, y nosotros mismos, entremos en esta dimensión habitada por mutantes decimonónicos y horribles monstruos invisibles, habitantes de este cuento de aventuras que posee el inconfundible sello del creador de Eduardo Manostijeras, cuyo universo es homenajeado en una escena al igual que Ray Harryhausen, otro de los héroes de tantas infancias, incluida la del director.
El brumoso Gales se adapta a la perfección al universo gótico de Burton en esta aventura iniciática (¿cual no lo es?) en la que habrá bucles espacio temporales, viajes en el tiempo y en la que, afortunadamente, el director prescindirá del humor chusco que ensombreció, valga la redundancia, Sombras Tenebrosas (Dark Shadows, 2012). La búsqueda de la eterna juventud, el paso de la adolescencia a la madurez, la pérdida de la inocencia, serán argumentos que nos encontraremos en esta cinta, que tiene un magnífico e imaginativo diseño de producción con aires steampunk y un clímax ideal ubicado el tren de la bruja de un parque de atracciones de colores chillones en contraste con los grises galeses y el perverso alimento de los villanos, no en vano llamados espíritus huecos.
Tim Burton nunca marchó, insistimos, pero si piensan que ha perdido garra, esta sin duda es la cinta con la que debería recuperar la confianza de los escépticos.
SING STREET (John Carney, 2016)
Irlanda/UK/USA. Duración: 105 min. Guión: John Carney Fotografía: Yaron Orbach Productora: The Weinstein Company / Cosmo Films / Distressed Films / FilmWave Género: Drama musical
Reparto: Ferdia Walsh-Peelo, Lucy Boynton, Jack Reynor, Aidan Gillen, Maria Doyle Kennedy, Don Wycherley, Kelly Thornton, Kyle Bradley, Lydia McGuinness, Mark McKenna, Pádraig J. Dunne, Ian Kenny
Sinopsis: Cuenta la historia de Connor, un chico de 15 años que crece en el Dublín de los años 80, y que tiene la intención de huir de su complicado hogar. Compone canciones para su recién formada banda como una forma de lucha, y juntos realizan peculiares vídeos musicales.
Dicen que la niñez y la adolescencia son las mejores épocas de nuestra vida. Algo de cierto debe haber, si echamos cuenta de los falsos recuerdos a los que muchos recurren, pero también mucho de drama. Abusones, desamor y mucha tensión, mucho por suceder y también mucho que, de no hacerlo en su momento pasará, pudiendo repercutir, sin que lo sepamos, en toda nuestra vida de preguntarse ¿Qué habría pasado si…?.
La historia de que nos narra Sing Street , frecuentemente comparada con The Commitments (Alan Parker, 1991), resulta más compleja de lo que parece y responde principalmente a una cuestión: ¿Aprovechaste bien esa irrepetible época de tu vida antes de convertirte, irremediablemente, en un adulto? Nos conmina a aprovechar y vivir el momento. A no perder el barco, pues posiblemente tan solo parará una vez en nuestro puerto. Y todo sin miedo y mirando siempre hacia adelante. Y nos parece un mensaje muy positivo, sobre todo si está respaldado por muy buenas canciones, inspiradas en la época en la que se sitúa la acción, los años ochenta, y por buenos actores, muchos de ellos debutantes, que recitan con gran naturalidad sus divertidas líneas. Porque Sing Street tiene mucha comedia que alivia, junto a la música, el punzante dolor del primera amor que vive su joven protagonista.
El director irlandés, John Carney, de nuevo aborda una historia en la que la música es protagonista, tras Once (Una vez, 2006), cinta que recibió unánimemente buenas críticas, así como varios premios, especialmente por sus canciones, tan cuidadas como lo han sido las que podemos escuchar en Sing Street. No en vano Carney es músico y ha compuesto parte de las canciones de sus películas.
Una cinta magnífica. Me atrevo a decir que el Wiplash de este año. No cae en sensiblerías. Resulta vital y directa.
JUEGOS DE FAMILIA (Belén Macías, 2016)
España/Alemania Duración: 9o min. Guión: Juanjo Moscardó Rius Música: Juan Pablo Compaired Fotografía: Gabo Guerra Productora: Gaia Audiovisuals S.L. / Loto Films Género: Comedia dramática
Reparto: Juanjo Puigcorbé, Marta Belenguer, Vicky Peña, Enrique Arce, Antonio Valero, Sergio Caballero, Juli Mira, Ximo Solano, Mireia Pérez
Sinopsis: Carmen entra en crisis cuando siente que su marido Andrés ya no la quiere. Éste trabaja amargado en la empresa de juguetes de su suegro, y aguanta como puede a su jubilación. Tras una gran discusión, Carmen decide irse de casa y Andrés descubrirá atónito que su mujer tiene un amante, Raúl, su peluquero de toda la vida. En vez de revelar su descubrimiento, Andrés decide seguir a Raúl, y empieza a conocerlo para sonsacarle información y utilizarla en su beneficio para reconquistar a Carmen.
Juegos de familia, el tercer largometraje de su directora, Belén Macías tiene mucho de comedia francesa. Su elegancia y buen gusto, así como solventes actuaciones. Su argumento se desenvuelve, al igual que muchas de ellas, en un entorno opulento, aunque se introduce un elemento de crisis que no suele estar presente en las comedias galas. En todo caso también nos retrotrae a aquella comedia catalana de los noventa, sobre todo porque muchas de ellas estaban protagonizadas, al igual que esta, por Juanjo Puigcorbé, que realiza un papel muy similar a los que han caracterizado su ya longeva carrera cinematográfica.
Es una comedia agradable, sin malicia, que saca partido a sus actores, todos muy correctos destacando, además de Puigcorbé, la siempre eficaz Vicky Peña, secundados por Antonio Valero y Sergio Caballero, entre otros.
Nacida en Tarragona, Belén Macías es una de las directoras con más proyección del cine español. Por su primer largometraje, El patio de mi cárcel (2008) producido por El Deseo S.A., fue nominada al Premio Goya a la Mejor Dirección Novel. Marsella (2014), su segunda película, cuenta con dos nominaciones a los mismos Premios para sus actrices principales, María León y Goya Toledo.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 23 de septiembre de 2016 *
BASKIN (Can Evrenol, 2015)
Turkia Duración: 97 min. Guión: Ogulcan Eren Akay, Can Evrenol, Cem Ozuduru, Ercin Sadikoglu Música: Ulas Pakkan Fotografía: Alp Korfali Género: Terror
Reparto: Muharrem Bayrak, Mehmet Akif Budak, Fadik Bülbül, Mehmet Cerrahoglu, Elif Dag, Mehmet Fatih Dokgoz, Aslihan Erguvan, Mümin Kaar, Gorkem Kasal, Sevinc Kaya, Serhat Mustafa Kiliç, Ergun Kuyucu .
Baskin, esa pesadilla lyncheana (con sabor a Clive Barker) a la turca, no resiste un segundo visionado. Así de rotundo (casi categórico) es mi juicio tras volverla a ver.Aciertos tiene: la atmósfera insana de ese inframundo al que desciende la patrulla, con su gore a lo Fulci y que tiene su clímax con la salida a escena de ese enano-maestro de ceremonias infernal; el intento de construir un relato en el que el plano de lo onírico se confunde con el plano de lo real, para acabar manifestándose como narración de un auténtico bucle temporal; la escena casi costumbrista en la que se nos presenta a los protagonistas (y que a mí, llaménme rara, es lo que más me interesa del filme)… Pero (uno de esos peros en los que uno se apoya en la sílaba tónica para alargarlo hasta el infinito) no, la película es un no. Y lo es porque no puede ocultar que su origen es un corto que aquí se ha hinchado con planos innecesarios, escenas alargadas a fuerza de utilizar la cámara lenta y episodios inconexos que poco aportan, hasta conseguir unos escasos noventa minutos que puedan hacerlo pasar por un largo. Escaso sentido del ritmo, una intriga que se apoya en la acumulación y no en la tensión dramática, mera suma de momentos más que trabazón narrativa, son lastres que empañan el resultado cuanto menos cuando ya conoces el argumento. Baskin es una de esas películas que es disfrutable en el marco de un certamen, pero que vista en solitario, y sin el cansancio eufórico que arrastra el espectador durante un festival, no tiene solidez suficiente como para funcionar por ella misma.
Un debut justito el de Can Evrenol y cuidado que ya está trabajando en la secuela. No sé si nos quedarán ganas.
NERUDA (Pablo Larraín, 2016)
Chile/España/Francia. Duración: 107 min. Guión: Guillermo Calderón Música: Federico Jusid Fotografía: Sergio Armstrong Productora: AZ Films / Fabula / Funny Balloons / Participant Media / Setembro Cine / TELEFE Género: Drama biográfico
Reparto: Luis Gnecco, Gael García Bernal, Mercedes Morán, Alfredo Castro, Pablo Derqui, Marcelo Alonso, Alejandro Goic, Antonia Zegers, Jaime Vadell, Diego Muñoz, Francisco Reyes, Michael Silva, Victor Montero
Sinopsis: En 1948, el senador y escritor Pablo Neruda acusa al gobierno chileno de traicionar a los comunistas en el congreso. El presidente González Videla lo desafuera y ordena su captura. El poeta emprende la huida del país junto a su mujer. Mientras es perseguido por el prefecto de la policía, Neruda comienza a escribir «Canto general» y se convierte en símbolo de la libertad y leyenda literaria.
Pablo Larraín no ha querido hacer un biopic al uso, él mismo declaraba tras su estreno en Cannes, que la suya “más que una película sobre Neruda, es una película nerudiana”. Larraín toma la figura del poeta y construye un relato poético más cercano a la obra que a un prosaíco documento sobre el autor de la Canción desesperada. El suyo es un retrato ficcionado que juega a mostrarnos la construcción del mito, sin dejar de entrar para ello en su cara oculta, en la húmeda intimidad gástrica como la llamaba Sartre (no es baladí que la película arranque en los lavabos del senado chileno con los políticos discutiéndo allí).
Tomando la falsilla de un momento concreto de la vida de Neruda, el período en el que por la ilegalización del Partido Comunista se vio forzado a la clandestinidad, primero, y al exilio, después, Larraín penetra en el Neruda hombre, con su complejidad y sus contradicciones: mujeriego, megalómano, aburguesado en ocasiones, pero también entrañable, idealista y generoso en otras. Y así nos irá desgranando el reverso de su imagen idealizada y lírica. Pero el director chileno no se limita a ello, si se hubiese limitado a desvelar el lado antiheroíco, su cinta habría sido un retrato plano más, lo que dimensiona el filme del autor de No es haber introducido en la trama la figura del perseguidor, así lo emparenta con el género policíaco pero para llevarlo mucho más allá. La voz narrativa se entreteje con el objeto a narrar y aporta un punto de vista que permitirá la digresión y el metadiscurso.
Al frente de la trama nos encontramos con una tríada protagonista, el poeta, el comisario encargado de detenerlo (de cuya existencia real sólo se conserva el nombre, Óscar Peluchonneau), que pone la voz en off como narrador en primera persona, y la “hormiguita”, Delia del Carril, segunda esposa de Neruda y auténtica artífice de su pátina legendaria. Lo humano y lo mítico se entremezclan en este juego de enfrentamiento entre el poeta y su antagonista, un juego entre gato y ratón que nos trae dos personajes que acaban confundiéndose en uno solo, pues ambos se necesitan para existir (como Los duelistas de Conrad adaptados al cine por Ridley Scott). La primera persona insertada en el filme permite auténticos juegos con el adentro de la ficción narrada y una estancia metadiscursiva en la que se cuece el afuera. No son pocas las escenas en la que este desdoblamiento se plasma con un cambio de eje que nos saca del decorado de la trama para instalarnos en el espacio de la metaficción más universal que la ficción misma. Desde ahí se introducen los hilos de la reflexión sobre el crear mismo que convierte a la cinta de Larraín en un ejercicio que es a la vez de antibiografía y de digresión literaria. Lo importante no es sólo alejarse de la descripción romántica de Neruda, lo verdaderamente significativo es analizar cómo se tejen los mitos, cómo se construyen los iconos y dilucidar quién es el verdadero autor del autor, quién escribe a quién y reparte los roles. En este sentido la secuencia más relevante es la que relata el encuentro (supuesto) entre Peluchonneau y Delia del Carril, secuencia en la que se ponen las cartas narrativas sobre la mesa y viene a concluir que poco importa la historia porque el espacio de la leyenda es el verdadero taller donde se confecciona el sentido. Neruda es también, así, la historia de un sacrificio, el de la esposa del poeta que se busca secundaria para contribuir a que el mito prevalezca, un mito en el que ella ha sido creadora activa pero del que borra su huella porque el vate es el que ha de pasar a la historia como dador de nombre y constructor de épica. Sólo de ese modo se da esperanza a los hombres.
FLORENCE FOSTER JENKINS (Stephan Frears, 2016)
UK Duración: 110 min. Guión: Nicholas Martin Música: Alexandre Desplat Fotografía: Danny Cohen Productora: Qwerty Films / Pathé / BBC Films Género: Comedia dramática
Reparto: Meryl Streep, Hugh Grant, Simon Helberg, Nina Arianda, Rebecca Ferguson, Neve Gachev, Dilyana Bouklieva, John Kavanagh, Jorge Leon Martinez, Danny Mahoney, Paola Dionisotti, David Menkin, Tony Paul West, Philip Rosch, Sid Phoenix
Sinopsis: Narra la historia real de Florence Foster Jenkins, una mujer que, al heredar la fortuna de su padre, pudo cumplir su sueño de estudiar para ser soprano. El problema era que carecía de talento, pero la gente acudía a sus recitales para comprobar si de verdad era tan mala cantante como decían los críticos.
Hace bien poco, concretamente a principios de abril de este mismo año, les hablábamos de Madame Marguerite, una producción europea que abordaba, en clave de ficción, el caso de una millonaria que desea, a pesar de hacerlo nefastamente, cantar ópera en público. Y realiza su sueño, siendo adoptada por unos divertidos anarquistas que harán de ella una figura que podría formar parte de un circo de fenómenos. La historia estaba basada en la de Florence Foster Jenkins, una adinerada norteamericana, y esa historia es la que ha dirigido Stephan Frears en lo que ha resultado ser una coincidencia que podría haber sido desafortunada y, sin embargo, no lo es porque ambas cintas tienen su valor y son dos modélicas producciones (cada una en su estilo y enfoque) que no tienen porque ser comparadas. Si acaso la más ficticia incide más en lo trágico e universal de la anécdota, pero ambas tratan a la imposible soprano con gran tacto, consiguiendo que el espectador ría, pero también sienta, a la vez, lástima y simpatía por ella. Ambas hacen gala de una extrema ternura.
En esta, Meryl Streep encarna a la protagonista con la solvencia que la caracteriza, consiguiendo meterse en el personaje y realizando casi una transformación física a la altura de las de Lon Chaney; mientras que Hugh Grant demuestra que, a pesar de que ya no es aquel joven galán que vivió tan buenos momentos en los años noventa, sigue manteniendo el encanto de antaño y continúa siendo el mejor para interpretar a esos bribones simpáticos que tan bien sabe encarnar. Nos gana con su encanto y su clase. Sin olvidar a Simon Helberg, el tercero en discordia. Popular por ser uno de los protagonistas de la popular serie Big Bang Theory, escapa de su encasillamiento interpretando al pianista que acompaña a la Jenkins. También destaca la banda sonora de Alexandre Desplat.
Comedia agridulce pero, ante todo comedia, Florence Foster Jenkins es una magnífica y refinada propuesta cinematográfica compatible con Madame Marguerite, pues las dos cintas son lo suficientemente diferentes como para convivir e incluso soportar un programa doble conjunto.
EL HOMBRE DE LAS MIL CARAS (Alberto Rodríguez, 2016)
España Duración: 123 min. Guión: Alberto Rodríguez, Rafael Cobos (Libro: Manuel Cerdán) Música: Julio de la Rosa Fotografía: Alex Catalán Productora: Zeta Cinema / Atresmedia Cine / Atípica Films / Sacromonte Género: Thriller
Reparto: Eduard Fernández, José Coronado, Carlos Santos, Marta Etura, Emilio Gutiérrez Caba
El Hombre de las Mil Caras es la historia del hombre que engañó a todo un país. Inspirada en el libro periodístico de Manuel Cerdán Paesa, el espía de las mil caras, es un thriller ambientado en los años 90 que gira en torno a la vida del agente secreto español Francisco Paesa y su determinante papel en la fuga y posterior entrega del entonces jefe de la Guardia Civil, Luis Roldán. Pero es mucho más, es la confirmación de Alberto Rodríguez como un magnífico director de thriller, algo que ya demostró con La isla mínima (2014) y que corrobora ahora con esta mezcla de ficción y realidad, espionaje y corrupción. José Coronado, el actor mejor y peor aprovechado del cine español, realiza un magnífico papel como testigo y narrador de todos los acontecimientos en los cuales el principal protagonista es el súperespía español Paesa, magistralmente interpretado por Eduard Fernández, personaje para el cual los demás serán tan solo piezas del tablero a la espera de la jugada maestra.
El director mantiene la tensión durante las dos horas de duración de la cinta (que en este caso resultan justificadas) con el concurso imprescindible de la magnífica banda sonora de Julio de la Rosa, que acompasa el pulso de nuestro corazón con el vertiginoso ritmo de la narración hasta su desenlace. Algunos comentarios cuestionan la utilización de la voz en off, pero su compañía resulta necesaria, de entrada, si no queremos perdernos en la complejidad que en algunos momentos tiene la trama. Pero hay más argumentos en favor de ese recurso, la utilización de la primera persona para narrar nos mete más de lleno en la acción haciéndola más cercana al espectador e imprimiéndole aún mayor fuerza.
Saliendo de ver otra producción española, un crítico afirmaba que en España no se sabía hacer cine de género de calidad, yo defendí entonces (y defiendo ahora) lo contrario, poniendo como ejemplo destacado, precisamente, La isla mínima. El Hombre de las Mil Caras está nuevamente a la altura de las mejores producciones que ha dado el thriller: sabiamente narrada, con un sentido del ritmo del que sólo las mejores producciones hacen gala, más que meritoria en la construcción de personajes y destilación de la intriga, atenta a los detalles sin olvidar esos toques de humor que imprimen carácter a la trama y la hacen aún más ágil. Es cine corazón, cine con garra, pero también cine de preciosista factura y sabia puesta en escena, con unas interpretaciones sobresalientes y una dirección de pulso perfecto. El Hombre de las Mil Caras, impecable ejercicio de crónica política ficcionada, es cine. Cine de ese que puede escribirse con mayúsculas y perdurar en la historia.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 16 de septiembre de 2016 *
MORGAN (Luke Scott, 2016)
USA. Duración: 92 min. Guión: Seth W. Owen, Luke Scott Música: Max Richter Fotografía: Mark Patten Productora: Scott Free Productions / 20th Century Fox Género: Ciencia ficción
Reparto: Kate Mara, Anya Taylor-Joy, Toby Jones, Rose Leslie, Boyd Holbrook, Michelle Yeoh, Jennifer Jason Leigh, Paul Giamatti, Sam Spruell, Chris Sullivan, Jonathan Aris, Vinette Robinson, Charlotte Asprey, Conor Mullen, Michael Yare, Frank Cannon, Bobby Marno, Chrissie Harris
Sinopsis: Una empleada especializada en resolución de problemas empresariales (Kate Mara) es enviada a una ubicación remota y muy secreta, donde investigará y evaluará un aterrador accidente. Ese misterio es Morgan (Anya Taylor-Joy), la siguiente etapa de la evolución humana; un ser producto de la ingeniería genética y dotado de un ADN sintético. A la edad de un mes, ella (ello) andaba y hablaba; a la de seis meses, superó las expectativas más descabelladas de sus creadores. Morgan es enigmática e impredecible, un ser creado en laboratorio con capacidad emocional y rasgos contradictorios que difuminan la línea que separa a un ser humano de uno sintético.
Morgan, producida por Ridley Scott y con la que debuta en el largometraje su hijo, Luke Scott, lleva a las salas de cine una experiencia emocionante, visceral e intensa que ya tuvo precedente en el cortometraje Loom, que giraba en torno a un hombre que ocultaba a un ser artificial en un taller genético.
La cinta tiene una fuerte presencia femenina, algo que ya es tendencia en el cine fantástico. Ambas protagonistas/antagonistas están interpretadas por mujeres. La ascendente Kate Mara se pone en la piel de Lee Weathers, “asesora de gestión de riesgos”, con la solidez que caracteriza a esta joven actriz. Pero sin duda, uno de los retos más importantes con los que se topó el director fue encontrar a la actriz idónea para encarnar a Morgan. Después de una larga búsqueda, Scott eligió a Anya Taylor-Joy, impresionado por su actuación como Thomasin en el galardonado primer largometraje del director Robert Egger La bruja: Una leyenda de Nueva Inglaterra. “En esa película vi que Anya tenía una delicadeza singular y un acceso a su paisaje emotivo que es de fundamental importancia para el personaje de Morgan”, afirma Scott. Ambas realizan un importante trabajo, con un enfrentamiento en el que contrastará la frialdad de Lee Weathers con los expresivos ojazos de Morgan. Aunque, no todo será lo que parece, pues la historia tiene los suficientes giros dramáticos como para mantener la atención del espectador durante sus 92 minutos de metraje.
THE BEATLES. EIGTH DAYS A WEEK-THE TOURING YEARS (Ron Howard, 2016)
Estados Unidos/UK Duracion: 106 min. Guión: Mark Monroe (Historia: P.G. Morgan) Fotografía: Michael Wood Productora: Apple Corps / Imagine Entertainment / White Horse Pictures Género: Documental
A Contracorriente Films estrena este documental que se exhibirá durante tiempo limitado en cartelera, concretamente la semana que va del 15 al 22 de septiembre, con un extra muy especial que la distribuidora ha jurado y perjurado que tan solo podrá verse en cine durante esa semana: un montaje de 30 minutos del concierto en el Shea Stadium que el grupo realizó en 1965 con imagen y sonido (notablemente) remasterizado. Si bien la filmación original, dirigida por Clay Adams y producida por Brian Epstein y Ed Sullivan tenía una duración de 50 minutos, esta versión consta de 20 minutos menos. Las canciones son las mismas, pero incluyendo Act Naturally en directo, en lugar del playback que se escuchaba en el documental original. Así que aprovechen ya que, repito, este metraje no se incluirá en las ediciones en DVD y Blu-ray.
Pero vayamos por el documental. The Beatles: Eight Days a Week se centra en la carrera de The Beatles entre 1962 y 1966, los años en los cuales, tras la publicación de su primera disco y el estallido progresivo de la Beatlemania, comenzaron sus giras, primero europeas, más tarde ampliadas a Estados Unidos y finalmente mundiales. Aunque el documental no aporta gran cosa a lo visto en el extenso Anthology, se puede disfrutar de imágenes poco o nada vistas, como por ejemplo unas breves y a color del concierto en Madrid, o un dato poco conocido y que el documental refleja: la propuesta que les hicieron al sur de Estados Unidos de tocar ante un público segregado por razas, a lo que naturalmente el grupo se negó.
166 Conciertos. 15 países. 90 ciudades. De Liverpool a San Francisco. Realizado por el director Ron Howard, The Beatles: Eight Days a Week está rodada en estrecha colaboración de Paul McCartney, Ringo Starr, Yoko Ono Lennon y Olivia Harrison y cuenta con material audiovisual exclusivo. Apple Corps ha cedido imágenes de archivo inéditas hasta el momento y la fase de postproducción ha permitido trabajar la imagen y el audio de los conciertos para lograr que, finalmente, se puedan escuchar las interpretaciones de The Beatles y que éstas no queden totalmente ahogadas por los gritos de los fans. Si hubiera que ponerle algún pero, serían ciertas imágenes que se han coloreado digitalmente, proceso que no aporta nada aparte de confundir al buen conocedor.
Sin duda un magnífico documental. Ágil, divertido y emocionante que demuestra la validez y la universalidad de la música y el mensaje de los Fab Four. Para ellos nunca pasa el tiempo.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 9 de septiembre *
EL PRINCIPITO (Le petit Prince, Mark Osborne, 2015)
Francia/Canadá Duración: 108 min. Guión: Irena Brignull (Novela: Antoine de Saint-Exupery) Música: Richard Harvey, Hans Zimmer Productora: Onyx Films / Orange Studio / M6 Films Género: Fantástico de animación
Sinopsis: Para que todo salga bien en la prestigiosa Academia Werth, la pequeña protagonista (sin nombre en el filme) y su madre se mudan a una casa nueva. La pequeña es muy seria y madura para su edad y planea estudiar durante las vacaciones siguiendo un estricto programa organizado por su madre; pero sus planes son perturbados por un vecino excéntrico y generoso. Él le enseña un mundo extraordinario en donde todo es posible. Un mundo en el que el Aviador se topó alguna vez con el misterioso Principito. Entonces comienza la aventura de la pequeña en el universo del Principito. Y así descubre nuevamente su infancia y comprenderá que sólo se ve bien con el corazón. Lo esencial es invisible a los ojos.
- Premios: Premios César 2015 al Mejor film de animación
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(amplia reseña en este enlace)
GERNIKA (Koldo Serra, 2016)
España. Duración: 110 min. Guión: José Alba, Carlos Clavijo Cobos, Barney Cohen Fotografía: Unax Mendia Productora: Pecado Films / Travis Producciones / Sayaka Producciones / Gernika The Movie Género: Drama bélico
Reparto: Jack Davenport, James D’Arcy, María Valverde, Burn Gorman, Irene Escolar, Ingrid García Jonsson, Julián Villagrán, Álex García, Joachim Paul Assböck, Bárbara Goenaga, Víctor Clavijo, Natalia Alvarez-Bilbao
Sinopsis: Una historia de amor alrededor de la población vasca bombardeada por la aviación nazi en abril de 1937 durante la Guerra Civil Española. En ese contexto, la joven Teresa (María Valverde), una editora de la oficina de prensa republicana chocará con Henry (James D’Arcy), un periodista americano en horas bajas que está cubriendo el frente norte. Teresa, cortejada por su jefe, Vasyl (Jack Davenport), asesor ruso del gobierno republicano, se sentirá atraída por el idealismo durmiente de Henry y querrá despertar en él la pasión por contar la verdad que un día fue su único objetivo.
Han tenido que pasar 10 años para que Koldo Serra vuelva a dirigir un largometraje tras su debut con Bosque de sombras, una cinta que pasó bastante de refilón por las carteleras, a pesar de contar con buenas críticas y Gary Oldman como protagonista. Diez años de televisión y trabajo que le ha valido entrar en este ambicioso proyecto de generoso presupuesto con la vista puesta en el mercado exterior en el que ha participado gran parte de las instituciones forales. Y es que, ¿quien iba a decirle a a Koldo Serra que haría una película sobre la Guerra Civíl? A él, que forma parte de esa generación de directores tan cansados del panorama que ofrecía el cine español de los setenta y parte de los ochenta, que se repartía entre el cine de género de poco (o nulo) presupuesto y las producciones subvencionadas centradas, gran parte de ellas, en la Guerra Civil, sus conflictos y sus secuelas. Aquellos nuevos y jóvenes directores deseaban rodar otros tipos de historias. Y así llegaron los Álex de la Iglesia; o más tarde los Nacho Vigalondo e incluso J. A. Bayona.
Pero Koldo Serra no ha rodado una película sobre la Guerra Civil. Ha rodado un drama bélico que se desarrolla en esa guerra como podría haberse desarrollado en otra, aunque teniendo muy presente el drama que protagonizó esa pequeña ciudad vasca. Con Gernika Koldo Serra ha realizado un drama bélico muy, muy clásico. A la vieja usanza. Tanto que no cuesta nada imaginársela protagonizada por Gary Cooper. O ver a Peter Lorre encarnando al maléfico cónsul soviético. Así que no vemos el porqué de tanto rasgar de vestiduras, tanto entre la crítica más ‘seria’ como entre los más jóvenes. Gernika es tan solo un romance, como tantos otros, con la guerra como fondo y el bombardeo de Gernika marcando, en todo momento, el drama que unirá a todos los antagonistas en un mismo lugar, en el que correrán diferentes suertes.
Historicamente, según leo, resulta un tanto inexacta. Y al igual que en la reciente, El elegido (Antonio Chavarrías, 2016), se demoniza el régimen Stalinista, al que llega a retratarse como fanáticos peores que los propios nazis, que salen de rositas al mostrarse más interesados en salir de raid aéreo y probar su nuevo armamento que en inclinar la balanza a favor del bando nacional.
Esta universal narración de heroísmo, amor, celos y guerra, cuenta con una competente fotografía. Lo invisible, lo que si no funciona hace fracasar todo, como es el diseño de producción y el vestuario es tremendamente detallista. Y todo se encuentra respaldado por una monumental banda sonora compuesta por el prestigioso Fernando Velázquez, sin duda un conjunto de factores que contribuyen al buen funcionamiento de esta cinta que emocionará al público, con la recreación del bombardeo de Gernika, acontecimiento estrella de la función, lo suficientemente bien resuelto como para resultar físico y contener algunos apuntes sin duda extraídos de los recuerdos de los supervivientes.
En su contra está la sensación de haber querido contentar y conciliar demasiado. De haber hecho demasiadas concesiones a los financiadores. Algo que parece demostrar ese momento turístico en el que se nos muestran los lugares más hermosos y las costumbres más pintorescas del lugar. Bacalao al pil pil y Aurresku incluído. Ven y cuéntalo.
Los actores y actrices, de diferentes nacionalidades, cumplen su cometido resultado, eso sí, puros estereotipos. La pareja romántica formada por el británico James D’Arcy, como el cínico periodista norteamericano, y María Valverde como la joven demócrata (que no comunista, como ya se encarga de decirnos), que cae rendida ante el presumible idealismo del americano, funciona. La bisoñez del equipo se delata en algún momento, como cuando se intenta mostrar el conflicto ideológico entre los habitantes del lugar, momento especialmente torpe. Pero la cinta, no nos cansaremos de decirlo, es correcta, y forma parte de ese buen cine comercial español contra el que carga con tanta facilidad la crítica (y parte del público) y que tanta falta hace en nuestra industria. Tenemos ganas de conocer el nuevo trabajo de Koldo Serra, para el que esperamos que Gernika sirva de trampolín de lujo.
El Principito, poniendo al día un clásico
De la unión de Mark Osborne (director en 2008 de Kung Fu Panda) e Irena Brignull (guionista de Los Boxtrolls) sólo podía salir una muy buena cinta de animación (acompañada además con las siempre inspiradas notas de Hans Zimmer). Y eso es lo que es El Principito, libre adaptación de la novela homónima de Saint-Exupéry, una gran cinta animada, repleta de aciertos técnicos e interesantes soluciones narrativas.
La novelita de Saint-Exupéry disfruta de la condición de ser el texto de ficción francés más veces leído y traducido (cuenta con traducciones a más de doscientos cincuenta idiomas y dialectos, incluyendo al sistema de lectura braille) y una de las obras más vendidas de todos los tiempos. La razón cabe buscarla, probablemente, en la conversión de su personaje en todo un ícono pop del niño como metáfora del poder de la emoción y la imaginación frente al exceso de pragmatismo del mundo adulto. Ilustrado por el propio autor, esta breve novela, que busca el agrado del público infantil, funciona también como una reflexión sobre el sentido de la vida, la soledad, la amistad, el amor y la pérdida. La adaptación de Osborne y Brignull ha sabido conservar este doble carácter de la obra original.
Un gran acierto de la versión es haber convertido a El principito en una ficción dentro de la ficción. Brignull ha tejido toda una historia, adornada ella misma por los mismos valores que la adaptada, que sirve de coartada para introducir el texto de Saint-Exupéry; una artimaña que nos la hace poner en relación con La historia interminable de Ende. Al servicio de esa interesante estratagema narrativa, Osborne alumbra una brillante solución técnica: la combinación de la moderna animación 3D para la trama conductora y la artesanal stop-motion para los episodios del clásico. El resultado de esta combinación nos da un filme innovador en lo formal y poderoso en su imaginería, sin dejar de ser respetuoso con el mensaje original.
De la obra de Saint-Exupéry se destacan los episodios claves casándolos con la propia peripecia de la lectora protagonista. La niña vive en un mundo planificado en el que lo que importa es ajustarse a los objetivos más cabales para triunfar en sociedad, la grisalla de esa vida es plasmada por la paleta de tonos fríos del dibujo y la repetición de estructuras cuadriculadas que toman toda la pantalla como, por ejemplo, el plano de la circulación viaria de la ciudad que recuerda las obras de Mondrian pero sin su explosión de color. El color aparece cuando la chiquilla entra en contacto con su excéntrico vecino, un anciano aviador que conoció en su juventud al pequeño príncipe y cuya aventura él mismo escribió e ilustró. La lectura del relato del aviador distraerá a la niña (sin nombre en el filme) del meticuloso plan de estudio (y de vida) que la madre ha diseñado para ella, descubrirá así la importancia de la imaginación que la sociedad mecanizada ha marginado y acabará comprendiendo que las grandes preguntas sólo pueden ser contestadas atendiendo al lenguaje del corazón. Esa es la enseñanza del libro: solo se ve bien con el corazón, lo esencial es invisible a los ojos; y la adaptación de Osborne la capta perfectamente.
Si hubiera que buscarle algún pero a esta cinta animada, sería la excesiva dilación del final (cuando la propia niña entra en la peripecia del Principito). Sin embargo, se ajusta perfectamente a su objetivo: recordarnos que nunca debemos abandonar totalmente la inocencia infantil ni dejar de lado la imaginación y el lenguaje de las emociones. En suma, estamos ante un bello envoltorio innovador en lo formal que arropa una enseñanza universal y atemporal.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 2 de septiembre *
LEJOS DEL MAR (Imanol Uribe, 2015)
España. Duración: 105 min. Guión: el Cebrián, Imanol Uribe Productora: Suroeste Films / Maestranza Films Género: Drama
Reparto: Eduard Fernández, Elena Anaya, José Luis García Pérez, Ignacio Mateos
Sinopsis: Santi sale de la cárcel y viaja al sur para visitar a Emilio, un antiguo compañero de celda que está enfermo. La casualidad hace que tropiece con Marina, la doctora que atiende a su amigo, con quien Santi tuvo un encuentro terrible hace muchos años y que ha marcado desde entonces la vida de ambos. Este reencuentro les hará enfrentarse a su pasado.
Imanol Uribe vuelve a abordar el tema de la lucha armada en el País Vasco. ETA es uno de los protagonista de esta historia pesimista que no podía haber contado con mejores actores: Eduard Fernández está inmenso en su papel de Santi, un muerto andante que quiere reincorporarse a la vida. Víctima, al igual que Marina (Elena Anaya), que tendrán en el dolor su nexo de unión. Pero no les resultará fácil retomar esa vida, tal como nos demostrará Uribe. Lejos del mar ya comenzó a desarrollarse en 1995: «(…) después de cerrar el ciclo de ‘Días Contados’, comencé a trabajar en un nuevo proyecto, titulado provisionalmente ‘La Casa del Padre’, que llegué a localizar incluso en la Costa Brava. Pero la película se quedó, como muchas otras, en el cajón de los proyectos porque no se daban ni las condiciones ni las circunstancias para abordar en aquel momento un tema de esta naturaleza: las heridas íntimas y profundas provocadas por la violencia que vuelven a reabrirse a medio y largo plazo. Me faltaba perspectiva. Veinte años después he rescatado el tema, porque creo que ahora comienzan a darse las condiciones mínimas para poder asomarse a ese precipicio e intentar reflexionar sobre el odio, la venganza, el arrepentimiento o la locura que generaron estos años de violencia. Y probablemente tendrán que pasar todavía algunos más para poder hablar también del perdón y el olvido». La culpa que experimenta el verdugo y el dolor de la víctima son factores protagonistas en esta cinta. Nadie más que ellos pueden entender como el odio puede unir. Pero Uribe nos deja un final abierto ¿no hay esperanza para ninguno? ¿se trata de una venganza terrible? Todo con un trasfondo un tanto retorcido, que se describe en algún momento como síndrome de Estocolmo, pero que va mucho más allá y está más cerca de Liliana Cavani y su Portero de noche (Il portiere di notte, 1974), aunque sin llegar a su truculencia.
El director sitúa su historia en una Almería, desierta y gris, sin sol, «He localizado en el Cabo de Gata donde ya rodé ‘Bwana’, también en los 90. Ese paisaje, tan hermoso y tan terrible en su aspereza, envuelve perfectamente este encuentro estéril y brutal entre nuestros dos protagonistas, Marina y Santi».
Cerca del mar, muy a pesar del título, la tragedia se desencadena en la playa de la Concha. El amor y la muerte cerca del mar. Todo deja de tener sentido a la orilla del mar.
BLOOD FATHER (Jean-François Richet, 2016)
Francia Duración: 88 min. Guión: Peter Craig, Andrea Berloff (Novela: Peter Craig) Música: Sven Faulconer Fotografía: Robert Gantz Productora: Why Not Productions / Icon Film Distribution Género: Thriller
Reparto: Mel Gibson, Elisabeth Röhm, William H. Macy, Diego Luna, Thomas Mann, Erin Moriarty, Ryan Dorsey, Michael Parks, Dale Dickey, Richard Cabral, Raoul Trujillo, Daniel Moncada
Sinopsis: Lydia, una joven de 16 años, es acusada de haber robado una fortuna a un cartel, pero en realidad es una trampa fraguada por su novio traficante. La chica tiene que escapar con el único aliado que tiene en el mundo: su padre, John Link, un eterno fracasado, antiguo motero rebelde y ex presidiario, que se verá en la obligación de vincularse nuevamente con un pasado del que huía para poder salvarla a ella.
Cuando la hija adolescente de Mel Gibson, que en esta cinta encarna a un ejemplo de lo que se ha dado en llamar White Trash, se lía con malotes y se mete en líos, papi tendrá que sacarle las castañas del fuego y poner orden ¡Y vaya si lo hace!
Este podría ser a bote pronto el argumento de esta película en la que el actor australiano interpreta a un duro perdedor ex-presidiario, ex-alcohólico y ex-motero en una banda de forajidos que se redime protegiendo a su hija de los pandilleros hispanos que quieren matarla.
Blood Father, si bien no nos cuenta nada nuevo ni original, pues el planteamiento está más que manido, al menos resulta entretenida de ver gracias al tratamiento que ha realizado el director de esta eterna historia de redención, además de a la correcta actuación de los protagonistas, especialmente de Gibson como crepuscular perdedor, pero también del desaprovechado y siempre eficaz William H. Mazy y el inquietante Michael Marks que interpretan eficazmente roles secundarios.
LA PUERTA ABIERTA (Marina Seresesky, 2016)
España. Duración: 84 min. Guión: Marina Seresesky Música: Mariano Marín Fotografía: Roberto Fernández Productora: Meridional Producciones Género: Drama
Reparto: Carmen Machi, Terele Pávez, Asier Etxeandia, Mar Saura, Emilio Palacios, Christian Sánchez, Paco Tous, Yoima Valdés, Monika Kowalska, Sonia Almarcha, Hugo Ndiaye, Lucía Balas
Sinopsis: Rosa es prostituta, heredó el oficio de Antonia, su madre, quien ahora se cree Sara Montiel y convierte su vida cotidiana en un infierno. Rosa no sabe ser feliz. No puede. Pero la llegada inesperada de un nuevo integrante a su particular (y absurda) familia le dará una oportunidad única para lograrlo.
Drama con regusto a Almodóvar magníficamente interpretado pero carente de la ironía que caracteriza al manchego. Una historia protagonizada íntegramente por mujeres con la prostitución como telón de fondo en una corrala madrileña en la que malviven las protagonistas, que interpretan Carmen Machi, como una prostituta con el corazón enquistado y sobre todo Terele Pávez, que como su odiosa madre ofrece, a su pesar, los momentos de comedia que desengrasan tanta situación dramática que abusa de los recursos expresivos de los planos cortos con los detalles en profundidad de campo. Debut en el largo de Marina Seresesky, que también firma el guión.
EL ELEGIDO (Antonio Chavarrías, 2016)
España/México. Duración: 125 min. Guión: Antonio Chavarrías Música: Joan Valent Fotografía: Guillermo Granillo Productora: Oberón Cinematográfica / Alebrije Cine y Video Género: Thriller
Reparto: Alfonso Herrera, Hannah Murray, Julian Sands, Elvira Mínguez, Frances Barber, Henry Goodman, Gustavo Sánchez Parra, Emilio Echevarría, Javier Godino, Luis Rosales, Brontis Jodorowsky, Alejandro Calva
Sinopsis: España, 1937. Un joven oficial republicano llamado Ramón Mercader es reclutado por el servicio de espionaje soviético para participar en una misión de alto secreto ordenada por el propio Stalin: asesinar a León Trotsky, a quien considera un traidor. Tras prepararse en Rusia, Ramón deja su vida y viaja a París bajo una nueva identidad, la de un belga adinerado llamado Jacques Mornard. Allí conoce a Sylvia, una joven trotskista, quien no tardará en ser seducida por Jacques. En 1940 se reencuentran en México, país en el que Trotsky vive exiliado. Ramón dice refugiarse de la Guerra que asola Europa y Sylvia trabaja como secretaria de Trotsky. Ajena a los verdaderos planes de su amado, Sylvia le abre las puertas de su vida y le introduce en el círculo íntimo de su objetivo
Recién cumplido el 76º aniversario de la muerte de Trotsky, El elegido recrea aquellos hechos centrando su acción en Ramón Mercader, el joven comunista español reclutado por el servicio secreto soviético que está encarnado por el mexicano Alfonso Herrera, y su amante y esposa Sylvia Ageloff, que interpreta la británica Hannah Murray (Juego de Tronos y premios a la Mejor Actriz en Tribeca por Bridgend y especial del Jurado en Sundance por God save the girl). Además de Elvira Mínguez, que encarna a la madre del protagonista, Julian Sands y Roger Casamajor, entre otros.
El asesinato de Trotsky, tal y como fue maquinado y que conocimos en profundidad por el excelente documental Asaltar los cielos (Linares/Rioyo, 1996) podría ser tomada como demasiado fantasioso de haber sido concebido como relato de ficción. El adoctrinamiento y la posterior programación que sufrió Ramón Mercader en la Unión Soviética con el objeto de transformarlo en otra persona totalmente diferente, entra en la más descabellada ciencia-ficción, pero fue un hecho totalmente real. El hermano de la actriz María Mercader se introdujo en los círculos íntimos del político ruso durante su destierro en México gracias a Sylvia Ageloff, a la que previamente en París había enamorado. Simpatizante primero y más tarde secretaria de Trotsky, Mercader la seguirá hasta México, donde esta le introducirá en el círculo íntimo del político y desde donde se maquinará el asesinato tras infructuosos intentos anteriores.
La cinta nos muestra la relación de dependencia emocional que Ramón mantuvo con su madre Caridad, fría y fanatica jerifalte comunista magníficamente interpretada por Elvira Mínguez, que no duda en sacrificar a dos de sus hijos por el Partido. La mentira y la manipulación del otro está representada por el propio Ramón, pero también por su engañada compañera Sylvia, que no se imagina que el hombre con el que convive no existe. Que es una fantasía creada con el único objetivo de cumplir una misión. Tarea en la que ella misma es únicamente una pieza más. Hanna Murray nos trasmite esa tragedia con su sensible interpretación en esta intriga magníficamente construida, impecable e implacable en su ejecución y en el detalle de su ambientación y vestuario, que consigue que en ningún momento podamos ver ‘el cartón’. Sin duda se nota la profesión y experiencia de Chavarrías en el campo del thriller y el género policíaco, ya que consigue construir una envolvente intriga que funciona más allá del biopic o del mero filme basado en hechos reales.
BEN-HUR (Timur Bekmambetov, 2016)
USA. Duración: 124 min. Guión: Keith R. Clarke, John Ridley (Novela: Lewis Wallace) Música: Marco Beltrami Fotografía: Oliver Wood Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) / Paramount Pictures / Sean Daniel Company Género: Drama
Reparto: Jack Huston, Toby Kebbell, Morgan Freeman, Rodrigo Santoro, Nazanin Boniadi, Pedro Pascal, Olivia Cooke, Ayelet Zurer, Sofia Black-D’Elia, Alisha Heng, Marwan Kenzari, Nico Toffoli
Sinopsis: Se nos narra la épica historia de Judah Ben-Hur (Jack Huston), un príncipe judío falsamente acusado de traición por su hermano adoptivo Messala (Toby Kebbell) tribuno del ejército romano. Despojado de su título, separado de su familia y de la mujer a la que ama (Nazanin Boniadi), Judah tiene que vivir como un esclavo. Después de varios años en el mar, Judah regresa a su tierra en busca de venganza pero encuentra la redención.
Nueva adaptación de la novela homónima de Lewis Wallace (1880) que ya fuera trasladada al celuloide con gran éxito en la etapa muda por Fred Niblo (1925) y posteriormente en 1959 por William Wyler como espectacular superproducción en Technicolor. Con tan recordadas adaptaciones se hace difícil la necesidad de una nueva versión de este clásico, pero Timur Bekmambetov, productor y director que a lo mejor recuerdan por algunas simpáticas películas de terror como Guardianes de la noche, Guardianes del día o Abraham Lincoln: cazador de vampiros, se ha liado la manta a la cabeza y se ha hecho cargo de este encargo que, como se veía venir, hace aguas por todos lados.
Quizás el que uno se temiera lo peor consiguió que gran parte de la película nos resultara altamente entretenida y digna, pues se aleja totalmente del remake y apuesta por adaptar la obra de Wallace de forma totalmente diferente a sus predecesoras. Los efectos CGI no chirrían como eran de esperar y se apuesta por el rodaje en escenarios naturales de Italia así como en las colinas de California huyendo, en su inicio, de acción espectacular y ofreciendo un relato intimista, centrando la acción en primeros planos. Y todo eso a pesar de un inicio de esos de cámara nerviosa que hacen preveer lo peor. También a su favor cabe decir que el director actualiza la obra de Wallace dirigiéndola al público de hoy. Introduciendo mensajes conciliadores y, en principio, evitando mostrar milagros y prodigios y retratando a Jesús de Nazareth sencillamente como un hombre de paz.
Pero todo cambia más o menos cuando hace su entrada el exótico personaje que interpreta un Morgan Freeman de lo más rastafari: comenzará la acción desaforada con su cenit en la espectacular, y a veces desbocada, carrera de cuadrigas a lo autos-locos. Y los sentimientos entre hermanos evolucionarán inexplicablemente del más irreconciliable odio al cariño más puro. Además, llegarán los milagros. Todo ello como si de un pegote o una imposición se tratara. Eso si, enmarcado en un espectáculo de lo más blanco ideal para toda la familia.
Protagonizada por Jack Huston, Morgan Freeman, Toby Kebbell, Rodrigo Santoro y Nazanin Boniadi entre otros, mucho nos tememos que este Ben-Hur pasará con más pena que gloria por las carteleras españolas al igual que ha pasado por las americanas. Y es lástima, pues buenas intenciones y algunos momentos interesantes tiene, pero repito, al final todo parece tirarse por la borda dejando en este espectador un gesto de incredulidad.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 26 de agosto de 2016 *
EXPERIMENTER: LA HISTORIA DE STANLEY MILGRAM (Experimenter, Michael Almereyda, 2015
USA. Duración: 90 min. Guión: Michael Almereyda Música: Bryan Senti Fotografía: Ryan Samul Productora: BB Film Productions / FJ Productions / Intrinsic Value Films Género: Drama biográfico
Reparto: Peter Sarsgaard, Winona Ryder, Taryn Manning, Kellan Lutz, Anton Yelchin, John Leguizamo, Dennis Haysbert, Lori Singer, Josh Hamilton, Anthony Edwards, Jim Gaffigan, Vondie Curtis-Hall
Sinopsis: En 1961, Stanley Milgram llevó a cabo una serie de experimentos sobre la obediencia en la Universidad de Yale. La investigación, planteada a raíz del juicio a Adolf Eichmann (el criminal de guerra nazi que alegó obediencia debida en su defensa durante su juicio en Israel), pretendía dilucidar la relación de las personas con la autoridad. Pronto el doctor comenzó a comprobar ciertos aspectos del comportamiento humano que no habían sido descubiertos, lo que provocará una de las polémicas más impactantes del siglo XX. La violencia del experimentos hizo que Milgram fuera, además, tildado de sádico.
Estrenada en el festival de Sundance, esta película pudimos verla en el Festival de Sitges, en el que fue proyectada dentro de la Sección Órbita. Dirigida por el director de Nadja (1995), cinta que nos ofrecía una visión ultracool del vampirismo a todo blanco y negro, esta película nos propone una atípica y experimental mirada a varios experimentos que dieron pie a teorías que el triunfo de Pokemon Go! y la adicción al móvil en general han confirmado años después: que el humano es fácilmente influenciable y que cuestiona poco o nada la autoridad, a pesar de tener libertad de acción. Va por donde le mandan y adopta con suma facilidad posiciones borreguiles. Y todo ello Almereyda nos lo muestra de forma poco o nada convencional. Sino ¿Qué explica la presencia de niños verdes, elefantes y el continuo hablar a cámara del protagonista? Todo forma parte de esta interesante extravagancia que, lamentablemente, resulta a momentos aburrida y que cuenta con Peter Sarsgaard (al que hemos visto recientemente en El caso Fischer), interpretando a Stanley Milgram y una recuperada Winona Ryder.
HEIDI (Alain Gsponer, 2015)
Alemania/Suiza. Duración: 106 min. Guión: Petra Biondina Volpe (Novela: Johanna Spyri) Música: Niki Reiser Fotografía: Matthias Fleischer Productora: Claussen Wöbke Putz Filmproduktion / Zodiac Pictures International / Schweizer Radio und Fernsehen (SRF) Género: Drama
Reparto: Bruno Ganz, Katharina Schüttler, Jella Haase, Anuk Steffen, Maxim Mehmet, Peter Lohmeyer, Rebecca Indermaur, Hannelore Hoger, Isabelle Ottmann, Quirin Agrippi, Michael Kranz, Heinrich Giskes, Anna Schinz, Monica Gubser, Peter Jecklin, Markus HeringS
Sinopsis: La huerfanita Heidi (Anuk Steffen) pasa los días más felices de su infancia junto a su solitario abuelo, el Viejo de los Alpes (Bruno Ganz), aislado en una modesta cabaña de los Alpes, en las montañas Bündner. Junto a su amigo, Pedro (Quirin Agrippi), cuida de las cabras del abuelo y disfruta de la libertad en las montañas. De repente los días felices llegan a su fin, cuando su tía Dete (Anna Schinz) se la lleva a Frankfurt. Allí, en la familia del adinerado señor Sesemann (Maxim Mehmet), se convierte en la inseparable amiga de Clara (Isabelle Ottmann), una jovencita paralítica que debe aprender a leer y a escribir bajo la supervisión de su estricta institutriz, la señorita Rottenmeier (Katharina Schüttler). A pesar de que las dos niñas se hacen amigas pronto y de que la abuela de Clara (Hannelore Hoger) despierta en Heidi la pasión por leer y escribir, la añoranza por sus queridas montañas y el abuelo es cada día mayor…
Bruno Ganz cambia de registro y pasa de un papel tan extremo como el de Adolf Hitler a otro bien diferente, el del duro, pero de corazón de oro, abuelo de Heidi en esta cinta que adapta la inmortal obra de Johanna Spyri que los niños de mi generación vimos en forma de anime. Así que es inevitable no comparar a los personajes con los recordados caracteres de la serie de animación japonesa. Pero dejando aparte comparaciones, esta cinta es verdaderamente notable. Contiene bellos paisajes de las montañas, pues ha sido rodado en Sufers, Splügen y Bergün, en el Cantón de los Grisones. Pero además muy buenas actuaciones, no tan solo del siempre brillante Bruno Ganz, sino también de la sorprendente Anuk Steffen, actriz de 9 años que resultó seleccionada de entre 500 competidoras en un casting y que interpreta a Heidi a la perfección gracias a su alegría e inocencia. Lo único es que, el recuerdo de la serie hace que las cosas parezca que sucedan más rápido en el filme. Pero ya se sabe, el formato es el formato, y el filme tiene que introducir a todos los personajes, tomando forma física, además del abuelo y Heidi, Clara, Pedro o la Señorita Rottenmeier.
Por cierto, no sale el perro Niebla ¡Cáscaras!
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 19 de agosto *
SECUESTRO (Mar Tarragona, 2016)
España. Duración: 105′ Guión: Oriol Paulo Música: Marc Vaillo Fotografía: Sergi Bartoli Productora: Rodar y Rodar Cine Género: Thriller
Reparto: Blanca Portillo, José Coronado, Antonio Dechent, Macarena Gómez, Vicente Romero, Nausicaa Bonnín, José María Pou, Marc Domenech
Sinopsis: Patricia es una abogada que ve su vida trastornada cuando su hijo Víctor desaparece del colegio. Cuando el chico regresa a casa, asegura que un hombre ha intentado secuestrarlo y lo reconoce en una rueda de identificación. Pero como las pruebas no son definitivas, el sospechoso queda en libertad. Temerosa de que algo pueda pasarle a su hijo, Patricia decide quebrantar los principios y tomarse la justicia por su mano, lo que acabará teniendo consecuencias imprevisibles.
Mar Targarona, directora fraguada en televisión, no puede escapar de lo peor de esa factura con este thriller que se queda en el camino sin alcanzar otros productos mejor acabados como No habrá paz para los malditos o La isla mínima. Nadie está convincente en su papel, y los personajes no están bien perfilados, no consiguiendo que empaticemos con ellos en ningún momento. La intriga no está lo suficientemente bien asentada, de modo que el giro final no resulta siquiera verosímil al estar tan mal trazada la coherencia interna del relato.
Y es una lástima, ya que en Secuestro se reencuentran tres de los protagonistas de la memorable serie Padre Coraje (Beníto Zambrano, 2002), Antonio Dechent, siempre convincente como policía, Macarena Gómez y Vicente Romero, un muy eficaz actor en papeles lumpen que aquí ejerce en el lado de la ley.
STAR TREK: MÁS ALLÁ (Star Trek Beyond, Justin Lin, 2016)
USA. Duración: 120 min. Guión: Simon Pegg, Doug Jung, Roberto Orci, John D. Payne, Patrick McKay (Personajes: Gene Roddenberry)Música: Michael Giacchino Fotografía: Stephen F. Windon Productora: Paramount Pictures / Bad Robot / Skydance Productions Género: Ciencia ficción.
Reparto: Chris Pine, Zachary Quinto, Zoe Saldana, Karl Urban, Simon Pegg, Anton Yelchin, John Cho, Idris Elba, Sofia Boutella, Joseph Gatt, Deep Roy, Lydia Wilson, Joe Taslim, Adam DiMarco, Ashley Edner, Christian Sloan, Jodi Haynes
Sinopsis: El USS Enterprise, la nave insignia de la Flota Estelar liderada por el capitán James T. Kirk (Chris Pine), vuelve a surcar el universo para asegurarse de la protección de la Tierra y del resto de planetas aliados. Pero la tranquilidad durará poco y el peligro acecha. La primera etapa de su misión les llevará a un territorio desconocido, y su travesía de vigilancia pronto se convertirá en una carrera por la supervivencia espacial cuando se enfrenten a un nuevo y fiero enemigo, Krall (Idris Elba), una especie alienígena avanzada. Para frenar sus siniestros planes, Kirk deberá reunir a su equipo y usar todo sus recursos para resolver los desafíos a los que se enfrentarán. A la vez que intentan encontrar el modo de volver a la Tierra, su misión será proteger el futuro de la raza humana y preservar la armonía entre especies…
Esta entrega de la nueva saga de Star Trek es la más floja de las tres, pero eso no significa que nos parezca mala o aburrida. Ni mucho menos. Casi desde el principio no da respiro al espectador, ofreciendo acción desbocada y humor en un espectáculo pirotécnico que, de acuerdo, tiene un argumento muy básico que podría ser el de alguno de los episodios originales. Tan bien arropado y desarrollado como exento de trascendencia. Los personajes han conseguido conquistarnos, hemos empatizado con ellos y tras su climax de impacto dejan al espectador con ganas de más. Bien, de nuevo, por la tripulación del Enterprise y por esta emocionante y bien construida Space Opera a la que se ha incorporado la atractiva Sofia Boutella, actriz a la que ya vimos en acción (y con menos maquillaje) en Kingsman (2014) y a la que volveremos a disfrutar encarnando a la momia en la producción del mismo nombre que está ultimando Alex Kurtzman.
LA ESTACIÓN DE LAS MUJERES (Parched, Leena Yadav, 2015)
India. Duración: 116 min. Guión: Supratik Sen, Leena Yadav Música: Hitesh Sonik Fotografía: Russell Carpenter Sachdeva Productora: Ashlee Films / Blue Waters Motion Pictures / Brillstein Entertainment Partners Género: Drama
Reparto: Adil Hussain, Radhika Apte, Surveen Chawla, Tannishtha Chatterjee, Sayani Gupta, Sumeet Vyas, Mahesh Balraj, Lehar Khan, Chandan Anand, Riddhi Sen, Farrukh Jaffar, Tanya
Sinopsis: En un pequeño pueblo del estado de Gujarat, en la India actual, cuatro mujeres se atreven a oponerse a los hombres y a las tradiciones ancestrales que las esclavizan. Alentadas por su amistad entre ellas y su deseo de libertad, se enfrentan a sus demonios y sueñan con el amor y otro mundo.
La directora Leena Yadav, que debutó con un drama musical protagonizado por la súper estrella femenina Aishwarya Rai y más tarde realizó un thriller con el Teem Patti (juego de cartas indio) y Ben Kingsley como protagonistas, se ha decantado con esta, su tercera cinta, por abordar de forma muy optimista algo que no deja de ser un drama: la condición femenina en la India. Consigue ese optimismo a base de poner, con gran ingenio, mucho humor y una contagiosa vitalidad en las protagonistas de unas historias de mujeres aplastadas por la religión, la tradición y el varón. La estación de las mujeres es un canto a la rebeldía femenina en la que se denuncian ritos y tradiciones ancestrales como el matrimonio concertado, tradiciones que resultarán aún más chocantes para el espectador occidental cuando vea como la misma madre que negocia una esposa para su hijo, responde a una llamada con el móvil que acaba de comprar. La modernidad no borra por ella misma las lacras de la costumbre ancestral, pero sí le introducen ironía, una ironía que al final sí acabará siendo subversiva.
Una prostituta, una mujer maltratada, una viuda joven y una esposa comprada. Mujeres que creen a pies juntillas (o sólo comienzan a pensar que, a lo mejor, no es cierto) el dicho de que «las mujeres que leen no son buenas esposas», protagonizan esta película independiente que muestra una realidad muy diferente a la que nos narra la industria cinematográfica de Bollywood. Destacan las magníficas actuaciones de las protagonistas, así como el tono de auto denuncia que tiene el filme, en el que esas mujeres heridas, maltratadas, encontrarán su momento de libertad y paz gracias a la amistad.
Una magnífica cinta que hay que ver, no tan solo por lo que narra, sino por como lo narra.
LOS CABALLEROS BLANCOS (Les chevaliers blancs, Joachim Lafosse, 2015)
Bélgica/Francia Duración: 112 min. Guión: Zélia Abadie, Bulle Decarpentries Fotografía: Jean-François Hensgens Productora: Versus Production / Les Films du Worso Género: Drama
Reparto: Vincent Lindon, Louise Bourgoin, Valérie Donzelli, Reda Kateb, Yannick Renier, Stéphane Bissot, Tatiana Rojo, Philippe Rebbot, Tibo Vandenborre, Jean-Henri Compère
Sinopsis: Jacques Arnault, presidente de la ONG ‘Move for kids’, planea una gran operación: él y su equipo piensan sacar del Chad a 300 huérfanos, víctimas de la guerra civil, y entregarlos a parejas francesas que han tramitado solicitudes de adopción. La periodista Françoise Dubois los acompaña para cubrir la información. Inmersos en la brutal realidad de un país en guerra, los miembros de la ONG empiezan a desmoralizarse y empiezan a preguntarse cuáles son los límites de una intervención humanitaria.
El director, Joachim Lafosse, se ha apoyado en un suceso real (conocido como el caso del Arca de Noé) para desarrollar esta narración que trata sobre el relativismo moral y las difusas fronteras entre el bien y el mal. “Me apasiona el tema del infierno lleno de buenas intenciones”, explica el director, quien se vio muy interesado por una historia en la que personas con buenos propósitos terminan por llevar a cabo actos inmorales. Como sigue explicando Lafosse, «Con Los caballeros blancos deseé ponerme del lado de los africanos que ignoran totalmente las intenciones reales de los humanitarios franceses. Les dicen que se harán cargo de huérfanos hasta la edad de 15 años, que les alimentarán, alojarán e instruirán… y se lo creen. Algunos llegan a entregar a sus hijos con la muy loable intención de ponerles a salvo y alejarles de la miseria. Su actitud está dictada por la necesidad y no tiene nada que ver con la de los supuestos profesionales del humanitarismo, que planean llevarse a esos niños porque unas familias francesas desean adoptarlos, partiendo del principio de que su futuro será mejor en Francia que en un país en guerra». Algo muy similar a lo que nos mostró, en clave de terror, el francés Pascal Laugier en su incomprendida El hombre de las sombras (The Tall Man, 2012), aunque enmarcado dentro de un conflicto clasista.
Protagonizada por Vincent Lindon, actor al que vimos recientemente en la fantástica La ley del mercado, da vida a Jacques Arnault, el principal responsable de la misión ‘humanitaria’. Tal y como explica el director: «Vincent aporta al personaje la dimensión necesaria para que el espectador se adhiera a la idea: no es un hombre interesado, es generoso, y si se ha dejado llevar por una acción moralmente inaceptable, ha sido de forma inconsciente. Para él, «salvar a los niños» basta para justificar las mentiras y la realidad: el rapto de niños. Al contrario de su compañera Laura, interpretada por Louise Bourgoin, que tiene fe en la misión – casi parece sacada de «Los justos», de Albert Camus -, el personaje de Arnault, a fin de cuentas, solo cree en sí mismo. Él es lo sagrado, él es la ley. No habría podido hacerlo sin Vincent Lindon, me ofreció su inteligencia».
El peliagudo tema de las ONG’s visto en clave negativa, reflejando la relación del primer mundo con los dramas del tercero y el papel mesiático adoptado por estos salvadores de pacotilla occidentales que lo único que buscan finalmente es, como siempre, el expolio y el robo, en este caso de niños. Con la acción ubicada en Chad pero rodada en Marruecos, el director ha querido darle un aire documental, por lo cual ha prescindido de banda sonora optando también por un rodaje cámara en mano, directo y de aspecto descuidado para dar verosimilitud a su cinta, algo que sin duda ha convencido ya que el director se hizo con la Concha de Plata al mejor director en el Festival de cine de San Sebastián.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 12 de agosto *
EL CASO FISCHER (Pawn Sacrifice, Edward Zwick, 2014)
Algo que a priori podría resultar (al menos para algunos) soporífero, como es un campeonato de ajedrez, se convierte en una emocionante intriga gracias a una perfecta conjunción de elementos. Y es que el magnífico guión de Stephen Knight (Promesas del Este) y la acertada dirección de Edward Zwick no habrían tenido tan buen resultado de no contar con dos protagonistas de peso, como son Tobey Maguire, como el jugador americano Bobby Fischer, y Liev Schreiber como Boris Spassky, jugador ruso a quién ganarle representará toda una obsesión para Fischer. Una partida de ajedrez que será mucho más que eso: será el objeto de la vida del americano. Schreiber, que por cierto, interpreta todo su papel expresándose en ruso, realiza un perfecto trabajo en esta cinta magníficamente medida. Y lo mejor es que no se trata de una película para forofos del ajedrez, muy al contrario, las jugadas no serán mostradas, pero sabremos, por las expresiones de los actores, el grado de dificultad o la maestría demostrada por el contrincante. Seremos testigos de la paranoia que persigue al jugador americano y que finalmente le hace perder la cabeza. Y es que la linea divisoria entre la genialidad y la locura es, muchas veces, muy delgada. Pero todo esto queda en segundo plano. El biopic, al igual que hiciera Tim Burton con su obra maestra Ed Wood, deja al biografiado en su momento más dulce, evitando narrar su caída.
CAZAFANTASMAS (Ghostbusters, Paul Feig, 2016)
Reparto: Melissa McCarthy, Kristen Wiig, Leslie Jones, Kate McKinnon, Cecily Strong, Chris Hemsworth, Andy Garcia, Michael Kenneth Williams, Neil Casey, Matt Walsh, Nate Corddry, Mark Burzenski, Pat Kiernan, Nick Austin, Bill Murray, Ernie Hudson, Sigourney Weaver
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 5 de agosto *
MASCOTAS (The Secret Life of Pets, Chris Renaud, 2016)
USA. Duración: 90 min. Guión: Ken Daurio, Cinco Paul Música: Alexandre Desplat Productora: Universal Pictures / Illumination Studios / Illumination Entertainment Género: comedia de animación
Sinopsis: En un edificio de apartamentos de Manhattan, la vida de Max como mascota favorita corre peligro cuando su dueña trae a casa a otro perro llamado Duke, con quien Max pronto tiene sus diferencias. Pero ambas mascotas tienen que dejar atrás su rivalidad cuando se enteran de que un adorable conejito blanco llamado Snowball esta reclutando a un ejército de animales domésticos que han sido abandonados, decididos a vengarse de todos los animales domésticos felices y de sus dueños.
En 1995 Pixar revolucionó el panorama de la animación con Toy Story, la primera cinta animada completamente por ordenador. No es exagerado decir que hay un antes y un después de ese primer largometraje. Tras la estela de Pixar otros estudios se sumaron a la animación 3D CGI hasta convertirla en la más usual a día de hoy, con productos de mayor o menor fortuna. Entre las propuestas de mayor acierto se encuentran las de Illumination Entertainment que entraba pisando fuerte en 2010 con Gru, mi villano favorito que conocería su segunda parte en 2013 y en 2015 una precuela / spin-off de estas, Minions, criaturitas amarillas que se han convertido en presencias habituales en nuestro imaginario más reciente. La tercera entrega de Gru está programada para 2017, pero antes de esa secuela la productora nos vuelve a sorprender con un simpático repertorio de personajes (tanto los héroes como los villanos) en Mascotas.
La premisa es sencilla, ¿qué hacen nuestras mascotas el tiempo en qué están solas? A partir de ella se construye una entretenida comedia de acción trepidante. Esquemáticamente la trama es cercana a la de Toy Story, Max, la mascota de Katie, se ve obligado a compartir el amor de su dueña con Duke el nuevo perro adoptado por ella, la rivalidad está servida; pero cuando ambos animales se pierdan y se vean enfrentados al “ejército” de mascotas abandonadas, descubrirán que juntos forman el mejor equipo (tal como pasaba con el vaquero Woody y el astronauta Buzz Lightyear). Dos héroes a la fuerza, un equipo de amigos en su búsqueda y un grupo de villanos entrañables (marca de la casa como ya hemos visto) dan para noventa minutos de diversión asegurada, con set pieces excepcionales (todas) y hasta delirantes algunas (memorable, sin duda, la secuencia en el “paraíso” de las salchichas). Se le agradece que no caiga excesivamente en moralejas y que se deje llevar por el ritmo de su humor fresco y un tanto gamberro.
Diversión para todos los públicos (no aburrirá a los más pequeños ni hará sonrojarse a los adultos que les acompañen) que, aunque todavía no esté en el mismo pedestal que las facturadas por Pixar, cumple su cometido con creces. Hay que añadir en su favor los datos de su estreno en Estados Unidos, record de taquilla en ese país, con 103 millones de dólares, para una película que no es secuela o remake o reboot, sino una idea original. El récord lo tenía Del revés (Inside Out), de Pixar, que en 2015 se lo había arrebatado a Avatar (James Cameron, 2009).
EL VERANO DE MAY (May in the Summer, Charien Dabis, 2013) ORDANIA/QATAR/ESTADOS UNIDOS, 2013)
Jordania/Quatar/USA. Duración: 99 min. Guión: Cherien Dabis Música: Fred Avril Fotografía: Brian Rigney Hubbard Productora: Displaced Pictures / Durga Entertainment Género: Drama
Reparto: Cherien Dabis, Hiam Abbass, Bill Pullman, Alia Shawkat, Nadine Malouf, Alexander Siddig, James Garson Chick, Alaadin Khasawneh, Elie Mitri, Ritu Singh Pande, Nasri Sayegh, Laith Soudani
Como una balsa de aceite. Así es esta película de y para mujeres (si es que existe algo así). Una cinta muy políticamente correcta que quiere y desea denunciar, a veces de forma muy sutil, las problemáticas que hay cerca de nuestras protagonistas, que forman parte de una privilegiada familia de Amán. La protagonista vive y trabaja en Nueva York, y el motivo de su viaje es casarse con su novio estadounidense y musulmán. Diversidad. Que no falte. Y conciencia. Que desde el lujoso spa donde May celebra la despedida de soltera puede verse la costa de Palestina, pues nombran a los Palestinos y los problemas que tienen, los pobres. Así, como de pasada. Que May se encuentra, cada día que va a hacer footing con que hombres feos la miran pasar de forma lasciva, pues aprovechamos para dar un puyazo al machismo religioso que hace ir a sus mujeres, tal y como ellas misma comentan, como ninjas. Así flotan los problemas en El verano con May. Como de pasada. La madre tiene un amante (un totalmente fuera de lugar Bill Pullman); la hermana pequeña sospecha que es lesbiana (ya tenemos el factor homosexual cubierto, faltaría más); y lo principal, la protagonista, guionista y directora de la cinta, Cherien Davis, defendiendo ante su madre católica el casarse con un musulmán para descubrir, una vez que acepta su matrimonio, que tiene dudas , ya que a pesar de que su novio es, según le dice ella misma a sus hermanas, perfecto (la apoya en todo; le trae el desayuno a la cama y le hace las tortitas como nadie. ¡Como echa de menos sus tortitas!) tiene dudas, no sabe si casarse con él. De echo, es tan ideal que…
El verano de May es una película que, como sus personajes, da gato por liebre. Todo es tan correcto y toca temas tan ‘profundos’, que cierta parte del publico puede pensar que es muy interesante. El tipo de cinta para esa inmensa minoría que no se conforma con acudir a ver los blockbusters de turno. Pero no.
REGRESO A CASA (Guilai, Zhang Yimou, 2014)
China. Duración: 111 min. Guión: Zhou Jingzhi (Novel: Yan Geling) Música: Chen Qijang Fotografía: Zhao Xiaoding Productora: Le Vision Pictures Género: Drama
Reparto: Gong Li, Chen Daoming, Huiwen Zhang, Tao Guo, Ni Yan, Chun Li, Jia-yi Zhang, Peiqi Liu, Jiali Ding, Bai Qing Xin, Feng Zu, Xiaoyi Chen
Sinopsis: Sinopsis: Lu Yanshi y Feng Wanyu forman una pareja muy unida, pero deben separarse cuando detienen a Lu y le mandan a un campo de trabajo como preso político justo cuando su esposa tiene un accidente grave. Al ser liberado al final de la Revolución Cultural, regresa a casa y descubre que su amada esposa sufre de amnesia y apenas recuerda nada del pasado. No reconoce a Lu y sigue esperando el regreso de su marido. Convertido en un extraño en el seno de su familia, Lu decide hacer resurgir el pasado y despertar la memoria de su esposa.
Regreso a Casa-Coming Home es casi una pieza de cámara, tres protagonistas, pocos (pero relevantes) secundarios y un escenario limitado, le bastan para tejer una historia sólida, rica en matices y repleta de aciertos visuales. Yimou maneja la cámara con la maestría de los clásicos, con pleno dominio de los encuadres precisos y llenos de significado, y una utilización de la iluminación que imprime lirismo a su relato. Para la historia quedará el último plano con los dos protagonistas, recortados por la verja de la estación que les deja cerrados en un afuera que es un claustro en el que los traumas del maoísmo más virulento perviven, aunque haya llegado la hora del perdón.
“Ella espera que él vuelva. Él espera que ella recuerde.” Así reza la frase promocional, resumiendo la esencia de una trama que se inicia como retrato de una situación colectiva y termina como un cuento de amor, un cuento delicado que vuelve centrales a los detalles. La película parte del contexto sociopolítico de la Revolución Cultural China (1966- 1976) para desembocar en una historia de sentimientos, en la que el pasado se presenta como un elemento que condiciona enormemente las relaciones familiares del presente.
El pasado estuvo ahí como drama de una nación y como enjambre de muchos dramas íntimos, esto es algo sobre lo que Yimou ya nos ha hablado en anteriores filmes, ahora regresa a su constante, pero lo hace con variaciones. Yimou habla de los retos que ha de enfrentar China desde el drama familiar de Lu Yanshi. Deportado por el régimen y delatado diez años más tarde por su propia hija, regresa a casa para encontrarse a su amada esposa, Feng Wanyu, sumida en una amnesia psicológica (provocada por esa delación) que impide que ella le reconozca. Lu Yanshi no escatimará esfuerzos para reconstruir su familia, un trabajo que pasará por reconciliar a madre e hija liberando a esta última de su culpa: todos cometieron errores, no es momento de rencor ni de venganza, es la hora del perdón. Un perdón que ha de ser individual, pero también colectivo. La culpa no conduce a nada.
El gran trabajo de dirección es respaldado por las brillantes interpretaciones de sus protagonistas. Chen Daoming, en el papel del padre, borda su personaje dándole una esmerada profundidad humanista. La joven Zhang Huiwen, encarnando a la hija, ha sido galardonada como mejor actriz revelación en los Premios del Cine Asiático por su trabajo en esta película. Y sobre ellos planea la interpretación de Gong Li, con su rostro de muñeca y esa inmensa sensibilidad que le permite dibujar todos los registros de los sentimientos de su personaje.
Regreso a Casa-Coming Home es un cuidado melodrama y una parábola política en la que el tono belicoso de sus primeros trabajos se reconduce hacia una suavidad que pueda servir de consuelo a los afligidos.
Excelentemente acogida por la crítica internacional, participó en la Sección Oficial del Festival de Cine de Cannes y optó al premio a mejor película en la Semana Internacional de Cine de Valladolid.
HELLO, MY NAME IS DORIS (Michael Showalter, 2015)
Una comedia del todo atípica en la que se masca la tragedia continuamente pero que al final…, bueno, mejor la ven, porque esta cinta, que cuenta con una protagonista extravagante que tiene un algo de Mr. Chance y un Diógenes subido, interpretada por un magnífica Sally Field, nos ha resultado toda una sorpresa por sus gags, por sus diálogos y situaciones. La premisa que nos propone la historia, una casi jubilada enamorada de un jovencito, no nos parecería extraña si en la pareja fuera el varón el mayor. Así a botepronto se nos ocurren dos ejemplos, cercanos a la ciencia ficción, como son los protagonizados por Humphrey Bogart y Audrey Hepburn en Sabrina (1954) de Billy Wilder; o Gary Cooper y, de nuevo, Audrey Hepburn en Ariane (Love in the Afternoon, 1957) también de Wilder, para ver que eso siempre se ha visto como lo más normal. Nos los creemos. Cuelan. Sin embargo, no dejan de ser dos clarísimos casos de gerontofilia. Pero en el argumento de Hello se barajan otras situaciones y circunstancias para las que este enamoramiento, de una manera u otra, servirá como catalizador y punto de partida hacia una nueva forma de ver la vida.
ESCUADRÓN SUICIDA (Suicide Squad, David Ayer, 2016)
Estos «Doce del patíbulo» versión DC no me parecen ni mejor ni peor que otros de los títulos basados en los universos súper-heroicos aunque las críticas leídas y escuchadas tras la proyección sean desoladoras. Posiblemente sea porque, realmente, las películas de súper-héroes ya comienzan a cansar un poco (y porque el guión tiene verdaderas incongruencias, y porque se abusa de los flashbacks, y porque…). Batman Vs Superman ya nos pareció un espectáculo francamente aburrido, así que nos esperábamos lo peor de este Escuadrón suicida, que parece apoyarse únicamente en la sexy Harley Quinn encarnada por Margot Robbie. Pero este espectáculo pirotécnico resulta entretenido, a pesar de que estos terribles villanos parezcan redimir sus pecados y convertirse en héroes por un día. Rock & Roll para los chicos malos, en esta secuela directa del filme de Snyder que anuncia su condición de anticipo de esa Liga de Justicia que, no les engaño, apetece muy poco. Homenajes al ilustrador Alex Ross con esa pareja de lunáticos formada por Harley y el Joker y apariciones de Batman y Flash para animar un poco este espectáculo en el que, sorprendentemente, destaca también Cara Delevingne como una Encantadora que, en la parte final del filme, remite visualmente a la bruja del Metrópolis de Fritz Lang. Will Smith, Jared Leto y el retoño de Clint Eastwood, Scott, semi oculto entre la soldadesca, completan este pequeño despropósito veraniego e intento de alcanzar a Marvel en sus adaptaciones de cómics, algo que, de momento y vistos los resultados, están lejos de conseguir.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 29 de julio *
MILES AHEAD (Don Cheadle, 2015)
USA. Duración: 100 min. Guión: Steven Baigelman, Don Cheadle Música: Herbie Hancock Fotografía: Roberto Schaefer Productora: Bifrost Pictures / Crescendo Productions / Naked City Films Género: Drama biográfico.
Reparto: Don Cheadle, Ewan McGregor, Michael Stuhlbarg, Emayatzy Corinealdi, Lakeith Lee Stanfield, Morgan Wolk, Austin Lyon
No hay pérdida de tiempo en este biopic sobre el legendario músico de jazz Miles Davis. La acción se sitúa durante el parón de cinco años que sufrió el trompetista tras ser abandonado por su musa y esposa, Frances. Drogas, persecuciones, tiroteos, puñetazos y mucha música en una carrera desbocada por las calles oscuras y violentas de Cincinnati entre alucinógenos flash-backs. Magistralmente protagonizada por Don Cheadle, que también dirige y coescribe el guión, Miles Ahead no se detiene en lineales biografías del tipo de aquellas que al final nos cuentan qué fue de cada uno de los protagonistas, no, prefiere fijarse en un punto concreto llegando a mezclar pasado y presente y ofreciendo un retrato del músico, así como una lección sobre la creación. Por su parte Ewan McGregor encarna eficazmente al ficticio Dave Braden, un periodista escocés de la revista Rolling Stone que haría (y hace) lo que sea por conseguir un buen artículo terminando, junto a Davis, montado en la noria desbocada que pondrá en marcha la desaparición de la primera grabación del músico en cinco años, que ha sido robada del hogar del músico.
MALAS MADRES (Bad Moms, Jon Lucas y Scott Moore, 2016)
USA. Duración: 106′ Guión: Jon Lucas, Scott Moore Productora: Block Entertainment / Merced Media Partners / PalmStar Media / STX Entertainment Género: Comedia
Reparto: Mila Kunis, Kristen Bell, Kathryn Hahn, Annie Mumolo, Jada Pinkett Smith, Christina Applegate, Eugenia Kuzmina, Emjay Anthony, Christina DeRosa, Jay Jablonski, Billy Slaughter, Mike R. Moreau, Hawn Tran
Sinopsis: Como la mayoría de las madres modernas, Amy cuida de todos menos de sí misma. Su vida es perfecta: un matrimonio feliz, hijos de sobresaliente, una casa preciosa y un pelo perfecto los 365 días del año. Colabora en todas las actividades de la escuela y asiste a cada reunión de padres y madres de alumnos, mientras mantiene su carrera profesional. Y, además, hace que todo parezca fácil. Pero todo esto es solo apariencia y Amy está a punto de estallar: sobrecargada de trabajo y de compromisos y demasiado cansada para aguantar una sola petición más, arrastra a otras dos madres a un atracón de locura, libertad, diversión y desenfreno. Pero accidentalmente se cruzan con la líder de la asociación de padres y madres, una devota del ideal de «madre perfecta».
Leslie Jones, una de las nuevas cazafantasmas, abandonaba las redes el pasado lunes 18 tras ser víctima de un masivo ataque de comentarios racistas y sexistas. Ese es el reverso oscuro de los aires de cambio que han ido introduciéndose en los blockbusters en relación a las protagonistas femeninas. Cada vez hay más buenos papeles para las féminas en el cine comercial, menos chicas florero y más protagonistas. A esa tendencia parecen apuntarse Jon Lucas y Scott Moore, el tandem de guionistas de la aclamada Resacón en Las Vegas, con su última película. Porque Malas Madres es eso: poner la comedia petarda de colegas al servicio de las damas. Humor de trazo grueso apoyado, sobre todo, en el vocabulario zafio y la juerga alcohólica, la misma comedia que hemos visto funcionar como fórmula miles de veces, trasladada tal cual al gineceo. Ahí empieza y acaba el interés de este estreno veraniego.
Tiemblo cada vez que mi otro yo me dice aquello de «esta la haces tú sola que le sacas más jugo» y en esta ocasión más todavía, porque soy mujer y esta es una película para mujeres, luego, no soy su público potencial.
Malas Madres pone sobre la pantalla la figura de la superwoman, la mujer que trabaja fuera de casa pero sigue haciéndose cargo de todo lo doméstico y, sobre todo, que sigue siendo, o intentando ser, madre modélica. Así es Amy (Mila Kunis), su vida es la encarnación del estrés femenino en el que (imagino) muchas se verán reflejadas, es así hasta que en plena reunión del AMPA dice basta. Empieza ahí la comedia de malotes simpáticos que esta vez son malotas, las chicas se liberan de la carga de su autoexigencia de perfección y empiezan a comportarse como colegones de farra y desenfreno. Esto es, su liberación pasa por repetir la conducta gamberra que se recrimina a los varones. Así de superficial es la cosa.
Como comedia no deja de ser una más, con algún gag resultón y con buena vis cómica de sus guapas protagonistas, pero sin nada que la vaya a hacer verdaderamente memorable. Como alegato de rebeldía femenina se limita a zurcir cuatro tópicos mal contados y a repetir los errores del cine comercial que busca hacerse con el favor de las mujeres. Así, por ejemplo, no hay un sólo personaje masculino que tenga más profundidad que la del folio en el que esté escrito, todos los hombres son gilipollas incluidos los hijos varones con la excepción del padre viudo buenorro, que no se libra por su inteligencia o su conducta, se libra porque es guapo y hábil en las artes amatorias.
Estamos ante una película que gustará, en gran parte porque llega a las carteleras en verano, la estación de la pereza y la huelga neuronal. Es un producto fresquito al que no se le puede buscar las vueltas. Pero es más perniciosa de lo que puede parecer a simple vista, porque llama a contentar y a acallar nuestras conciencias. Nos puede hacer pensar que hemos ganado mucho en la batalla feminista, que casi le hemos dado la vuelta a la tortilla y ahora son ellas las que se desmelenan. Odio gastar aquí la frase de Lampedusa, pero lo haré: se trata de cambiar todas las cosas para que nada cambie en realidad. Después de todo, las chicas-chico de la película van a seguir siendo fundamentalmente madres y madres más ejemplares aún porque se han deshecho de su afán de perfección, han subido su autoestima y ahora sí están preparadas para afrontar el peso de educar en valores. Como debe ser.
ZIPI Y ZAPE Y LA ISLA DEL CAPITÁN (Oskar Santos, 2016)
España. Duración: 100 min. Guión: Oskar Santos, Jorge Lara (Comic: José Escobar) Productora: Zeta Cinema / Antena 3 Films Género: Aventuras
Sinopsis: Llegan las navidades y Zipi y Zape la vuelven a liar parda. Esta vez la travesura es tan grande que son castigados sin vacaciones y obligados a acompañar a sus padres a lo que parece ser un aburrido viaje en barco. Para su sorpresa, el destino es una espectacular y remota isla. Una terrible tormenta les obliga a refugiarse en la mansión de la divertida señorita Pam, donde niños sin familia disfrutan de un paraíso sin reglas. Ayudados por Pipi, Maqui y Flequi, los hermanos descubren que la repentina desaparición de sus padres en medio de la noche guarda relación con el secreto que encierran la misteriosa isla y sus extraños habitantes…
Tras le exitosa Zipi y Zape y el club de la canica, cinta galardonada con el Premio a la Mejor Película en el Festival Internacional de Cine de Giffoni y la película española más taquillera de 2013, llega esta secuela con ganas de repetir éxito. De momento también ha participado en ese festival, el más importante de Europa dedicado al cine infantil y juvenil, obteniendo el segundo premio en las votaciones del jurado, compuesto por más de 4000 jóvenes de 50 países.
Esta nueva producción basada en personajes de Editorial Bruguera se suma a otras como las de Mortadelo y Filemón, Anacleto y la próxima dedicada a Súper López, cintas que en conjunto obtienen nota positiva. Naturalmente, los personajes de Escobar han pasado por un filtro que los ha actualizado, manteniendo parte de su carácter gamberro, sí gamberro, que no travieso, aunque todo con mucha corrección política y añadiendo aventuras ‘a la americana’, con buenos efectos especiales, aunque sin abusar de los mismos. Fantasmas, casas lúgubres, gorilas, aventuras y humor en esta película para toda la familia dirigida por Oskar Santos, que ya se encargó de la primera entrega hace tres años. También repite el guionista y el compositor, con una magnífica banda sonora, muy acorde con el tipo de aventura que se nos está narrando. Eso sí, han cambiado los dos protagonistas principales, que han pasado a ser interpretados por Teo Planell y Toni Gómez. El motivo nos lo explica el propio Oskar Santos: «Lo que teníamos claro es que no podía cambiar la edad y la personalidad de nuestros protagonistas. Zipi y Zape son niños que rondan los 11 o 12 años de edad. Lógicamente, los actores de ZIPI Y ZAPE Y EL CLUB DE LA CANICA tienen ya 15 o 16 años, así que hemos tenido que encontrar a dos nuevos Zipi y Zape, Teo Planell y Toni Gómez, que han sabido dar a los personajes toda la fuerza y la diversión que se merecen«. También se incorporan al reparto Jorge Bosch y Carolina Lapausa interpretando a los padres de los revoltosos hermanos, Don Pantuflo Zapatilla y Doña Jaimita Llobregat.
Con buen diseño de producción, que incluso se permite, entre otros, ciertos guiños a los clásicos de terror de la Universal, la película nos sitúa en una época atemporal, que mezcla la estética de principios del siglo XX con la actual: el universo de la señorita Pam, interpretada por una atípica Elena Anaya. Como explica el productor, Fernando Bovaira, “la película nos sumerge en el mundo de Pam, gran aficionada a la lectura del género de aventuras. Todo su universo nos retrotrae a Verne, Wells, Barrie, Doyle… uno de los desafíos mas complejos de esta producción ha sido recrear y actualizar ese estilo visual en un universo que resulte atractivo para padres y niños de hoy en día«. Elena Anaya realiza con este personaje un registro muy diferente a cuantos nos tiene acostumbrados. Tal y como nos explica la propia actriz : «Pam ha construido en la Isla del Capitán un universo propio donde no hay lugar para nada malo. Para ella la libertad es absolutamente fundamental para el crecimiento el disfrute de los niños que viven en su hogar. Lo que ocurre es que la libertad sin medida puede tener un lado un tanto oscuro y ahí es donde esta película cuenta las consecuencias de no poner límites a los caprichos y por qué eso puede llegar a ser peligroso”. Esa es, sin ánimo de desvelarles nada más, la gran moraleja de Zipi y Zape y la Isla del Capitán, que nos parece un digno producto de género fantástico para toda la familia que, naturalmente, encontrará sus detractores, seguramente entre los adultos que tuvieron en sus lecturas de infancia las aventuras originales de estos personajes creados por Escobar. O los que no aceptan buen cine de género realizado en España.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 22 de julio *
LOLO (Julie Delpy, 2016)
Francia. Duración: 99 min. Guión: Julie Delpy, Eugénie Grandval Fotografía: Thierry Arbogast Productora: The Film / France 2 Cinéma / Mars Films Género: Comedia
Reparto: Julie Delpy, Dany Boon, Vincent Lacoste, Karin Viard, Georges Corraface,Christophe Vandevelde, Julie Tristant
Sinopsis: Violette (Julie Delpy), parisina y profesional de la moda, de 45 años, pasa unos días en un spa de Biarritz con su mejor amiga (Karin Viard) cuando conoce a Jean-René (Dany Boon), un modesto informático recién divorciado. Después de años de soledad, se deja seducir. Jean-René se traslada a París e intenta adaptarse al microcosmos en el que ella se mueve. Pero no había contado con Lolo (Vincent LaCoste), el adorado hijo de Violette, dispuesto a todo con tal de destruir a la pareja en ciernes y conservar su puesto de favorito absoluto.
Otra agradable comedia francesa en nuestras carteleras y, de nuevo, ambiente sofisticado para narrar las retorcidas tramas del odioso y mimado Lolo para evitar, en un arranque edípico, que su madre encuentre pareja. Buenas actuaciones entre las que destaca la de Julia Delpy, que demuestra su innegable vis cómica. Y es que no en vano la actriz y directora ha declarado que la comedia es su género favorito. Sorprenden de manera agradable ciertos diálogos entre las amigas, que demuestran que las mujeres cuando hablan de hombres no lo hacen tan solo refiriéndose a su humor o elegancia.
Esta es la sexta película de Julie Delpy como directora, quien, desde Dos días en París (su segundo largometraje) protagoniza todas sus películas. Además de escribir, dirigir y actuar, también es compositora, pero Lolo es la primera película en la que ha contado con el trabajo de otro compositor, Mathieu Lamboley. Asimismo, trabaja por primera vez con el director de fotografía Thierry Arbogast. Meticulosa con cada aspecto de sus películas, la realizadora y actriz admite que prepara exhaustivamente cada plano, pero no duda en dejarse orientar cuando alguien le propone algo interesante. “El cine es un trabajo en equipo de principio a fin” declara, quien desde el principio tenía claro quiénes serían los actores ideales para Lolo: escribió expresamente el papel de Lolo para Vincent Lacoste y el de Ariane para Karin Viard; igualmente, reconoce que siempre había imaginado a Dany Boon para el papel de Jean-René.
No estamos, sin embargo, ante un filme totalmente redondo, su premisa es interesante pero el chiste se alarga y pierde fuelle.
LA LEYENDA DE TARZÁN (The Legend of Tarzan, David Yates, 2016)
USA. Duración: 109 min.Guión: Stuart Beattie, Craig Brewer, John Collee, Adam Cozad (Novela: Edgar Rice Burroughs) Música: Rupert Gregson-Williams Fotografía: Henry Braham Productora: Warner Bros. Pictures / Jerry Weintraub Género: Aventuras
Reparto: Alexander Skarsgård, Margot Robbie, Christoph Waltz, Samuel L. Jackson, Djimon Hounsou, John Hurt, Ella Purnell, Cali, Simon Russell Beale, Madeleine Worrall, Laurence Spellman, Lasco Atkins, Matthew William Jones, Casper Crump, Guy Potter
Sinopsis: Ya han pasado varios años desde que Tarzán (Alexander Skarsgård) abandonara la jungla africana para llevar una vida aburguesada como John Clayton III, Lord Greystoke, junto a su amada esposa Jane (Margot Robbie), pero ahora le han invitado a que vuelva al Congo para ejercer de embajador de comercio en el parlamento. En realidad, todo forma parte de un plan ideado por el capitán belga Leon Rom (Christoph Waltz), pero los responsables de esta estrategia no tienen ni idea de lo que se les viene encima.
Este nuevo retorno del rey de la selva a las pantallas no hará olvidar, ni de lejos, a Johnny Weissmuller y la serie de películas que durante los años treinta y cuarenta nos llegó de la mano de Metro-Goldwyn-Mayer primero, y RKO más tarde. Su punto de partida, con un Lord Gresystoke de vuelta a la ‘civilización’, casado con Jane y que deberá volver a la selva para desbaratar los planes de los despiadados traficantes de esclavos resulta novedoso y evita, en parte, narrar de nuevo el origen de Tarzán, que se nos ofrecerá, si, pero mediante flash-backs.
En esta ocasión Tarzán no se enfrentará solo a los villanos ya que contará con un Samuel L. Jackson como contrapunto cómico que se desenvolverá en la selva como si se encontrara en el corazón de Harlem, Motherfuckers. También destaca la atractiva pareja protagonista, en especial Margot Robbie, a la que no nos sacamos de la cabeza desde que la viéramos en El lobo de Wall Street. Los efectos digitales resolverán que Tarzán conviva con cierta naturalidad con los gorilas, evitando los ridículos trajes de mono, pero resultando a veces muy poco naturales, como en la escena de la avalancha. Además, el tratamiento del hombre mono y sus movimientos acusan a veces similitudes con el de un súper-héroe.
Es entretenida, sí, y como todas las cinta dedicadas al rey de la selva es apta para todos los públicos, pero no creemos que represente el primer episodio de un fructífero retorno del rey de la selva a las pantallas (le falta sentido de la aventura y la maravilla, y le sobra mensaje y seriedad). Al tiempo.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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