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Se terminaron las colas para sacar entradas en Sitges: nuevo método de venta on-line
Los espectadores del certamen podrán imprimir desde casa sus entradas y evitar las colas en las taquillas gracias al sistema ‘Print at home’
Sitges-Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya pone a la venta el martes 31 de julio, los abonos de su 45ª edición, que se celebrará del 4 al 14 de octubre. La principal novedad de este año es la creación del Abono Auditori, un pase válido para acceder a las sesiones del Auditori del Hotel Meliá Sitges durante todos los días del certamen (excepto las galas de inauguración y clausura así como la maratón del 14 de octubre). Su precio es de 250 euros. Los otros abonos que también empiezan a venderse hoy son la Butaca VIP (350 euros), que permite acceder a todas las sesiones durante todos los días del Festival (incluyendo galas de inauguración y clausura y la maratón del último día del certamen) con un asiento reservado en la mejor zona del Auditori y, con derecho a recibir la bolsa y el catálogo oficial, y el Abono Matinée (99 euros), que permite acceder a las sesiones del Auditori hasta las 15 horas (no incluye las sesiones del maratón del 14 de octubre). Los tres tipos de abonos solo se podrán comprar a través de Telentrada de CatalunyaCaixa y se tendrán que canjear en las taquillas situadas en el Hotel Meliá Sitges por la acreditación (Abono Butaca VIP y Abono Auditori) o por las entradas correspondientes (Abono Matinée). Un Festival con menos colas Otra de las novedades de Sitges 2012 es la posibilidad llevar impresas desde casa las entradas para acceder a las diferentes sesiones del certamen. Gracias a la utilización del sistema “Print at home”, los espectadores de Sitges 2012 que impriman la entrada (o que la descarguen en su dispositivo smartphone no tendrán que hacer cola en las taquillas del Festival. Esta opción no es válida para los diferentes tipos de abonos del certamen. Este sistema incorpora a las entradas tres sistemas de seguridad para evitar posibles duplicidades y errores en la impresión: la identificación nominativa, el código de barras y el código QR.
Con la utilización del “Print at home” la organización de Sitges-Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya intenta mejorar la experiencia de los espectadores del certamen evitando molestas colas que se forman en las taquillas del Festival.
Novedades DVD /Blu-ray fantástico: julio 2012
Avalancha de novedades y viejos conocidos con la muy interesante inclusión de algún clásico como El vidente, una producción británica de los años treinta que contó con Claude Reins recién incorporado al cine americano con El hombre invisible y la inmortal novia de Kong, Fay Wray. También tenemos uno de los títulos de ciencia ficción que tanto se prodigaron durante los años cincuenta, El monstruo magnético, que ya editara en su momento Atelier 13 en su grata colección. Hay lugar para el fantaterror con Gritos en la noche de Jesús Franco. Editada de forma muy especial, ya que contiene dos discos con la versión española y la de exportación, o Ivanna, el castillo de la puerta de fuego, coproducción hispano-italiana dirigida por José Luis Merino o Estos son los condenados (Damned, 1963 Joseph Losey), tercera entrega de la trilogía iniciada por Wolf Rilla en 1960 con El pueblo de los malditos (The Village of the Damned). A todo esto hay que sumar por supuesto los últimos bombazos que ha dado el cine como Super 8 o La invención de Hugo, que ya pueden disfrutarse en formato doméstico.
Director: George Seaton. Actores: Burt Lancaster, Dean Martin, Jean Seberg, Jacqueline Bisset, George Kennedy, Helen Hayes. Música: Alfred Newman.1970. 137 min. USA. Color – PAL – 1920x1080p – 2.35:1. Audio: Español (Dolby Digital 2.0 DTS Mono), Inglés (Dolby Digital 2.0 DTS HD Master Audio), Alemán (Dolby Digital 2.0 DTS Mono), Francés (Dolby Digital 2.0 DTS Mono), Italiano (Dolby Digital 2.0 DTS Mono), Portugués Brasileño (Dolby Digital 2.0 DTS Mono). Subtitulos: Español, Francés, Alemán, Italiano, Portugués, Japonés, Brasileño, Danés, Holandés, Finlandés, Sueco, Noruego, Griego, Coreano, Español Latino Americano, Inglés para Sordos. Distribuidora: Universal Pictures Lanzamiento: 04/07/2012.
Sinopsis: Burt Lancaster y Dean Martin encabezan el reparto multiestelar de este clásico producido por Ross Hunter y por el que Helen Hayes recibió su segundo OSCAR. En tierra, el director del aeropuerto Mel Bakersfeld (Lancaster) hace auténticos juegos malabares con su amante Jean Seberg y su esposa Dana Wynter, mientras se enfrenta a una tormenta de nieve ayudado por el mecánico George Kennedy. En el cielo, el Capitán Vern Demerest (Martin) ha de mantener el control de un Boeing 707 en el que encontramos a la azafata (Jacqueline Bisset), su novia, embarazada, a una astuta polizona (Hayes) y a un demente (Van Heflin) con una bomba a bordo. Imitado muchas veces pero jamás igualado, este rotundo triunfo fue adaptado por el ganador del ACADEMIA AWARD George Seaton, del Best-Seller de Arthur Hailey.
ASESINATO (Murder!) DVD
Sinopsis:
La policía encuentra a la actriz Diana Baring (Norah Baring) en estado de shock junto al cadáver de una compañera actriz con numerosas pruebas que la incriminan. Tras ser arrestada, Diana será juzgada y declarada culpable por un jurado popular. Pero uno de los miembros del jurado, el dramaturgo Sir John Menier (Herbert Marshall), creerá la versión de la joven al encontrar detalles que no le encajan e investigará por su cuenta valiéndose de su gran ingenio para hallar al culpable y demostrar la inocencia de Diana.
ATMÓSFERA CERO (Outland) Blu-Ray
Sinopsis:
Io, la luna más recóndita de Júpiter, alberga la colonia minera Con-Am 27. Un infierno de alta tecnología. Allí Marshal William T. O´Neil indaga sobre la muerte misteriosa de algunos mineros. En la búsqueda de la verdad, estará solo.
Contenidos: Comentario de Peter Hyams. – Tráiler cinematográfico.
BANGKOK HAUNTED (DVD)
Director: Oxide Pang Chun. Actores: Pimsiree Pimsee, Pramote Seangsorn, Dawan Singha-Wee, Kalyanut Sriboonrueng, Pete Thong-Jeur. Música: Doctor Head, Orange Music.2001. 125 min.Tailandia.Color – PAL – Widescreen 1.85:1 – 16:9. Audio: Español (Dolby Digital 5.1), Tailandés (Dolby Digital 5.1). Subtitulos: Español. Distribuidora: Divisa Lanzamiento: 11/07/2012.
Sinopsis:
Tres historias diferentes enlazadas en una misma película para mostrar una perspectiva diferente de morir y vivir después de la muerte… tres episodios donde se profundiza en los instintos básicos de la raza humana: el amor, el deseo y la venganza.
Contenidos: Making of. – Tráiler.
BLADE (Blu-ray)
Director: Stephen Norrington Actores: Wesley Snipes, Stephen Dorff, Kris Kristofferson, Donal Logue, Udo Kier, Arly Jover. Música: 
Mark Isham.1998. 120 min. USA.Color – PAL – 1920x1080p – 2.40:1. Audio: Español (Dolby Digital 2.0), Inglés (Dolby Digital 6.1 DTS HD Master Audio), Alemán (Dolby Digital 6.1 DTS HD Master Audio), Italiano (Dolby Digital 5.1), Portugués (Dolby Digital 6.1 DTS HD Master Audio), Ruso (Dolby Digital 5.1), Checo (Dolby Digital 6.1 DTS HD Master Audio). Subtitulos: Español, Francés, Portugués, Finlandés, Holandés, Checo, Ruso, Inglés para Sordos, Alemán para Sordos, Italiano para Sordos. Distribuidora: Warner Bros. Lanzamiento: 17/07/2012.
Sinopsis:
Blade es un vampiro mestizo. Su madre fue mordida por los chupasangres cuando estaba embarazada y adquirió las características de un inmortal, pero también inmunidad al sol y un alma humana. En un mundo donde las criaturas de la noche sobreviven por el poder político que tienen, Blade protege a la humanidad de sus afilados colmillos. Todo cambia cuando llega Frost, un vampiro de elite que tiene un interés oculto por Blade que podría suponer su fin como cazador.
Contenidos: Comentarios con el actor y productor Wesley Snipes, el actor Stephen Duff, el guionista David S. Goyer y el director de fotografía Theo Van DeSande. – Detrás de las cámaras. – Tráiler cinematográfico.
BUNRAKU (DVD / Blu-ray)
Director: Guy Moshe. Actores: Josh Hartnett, Gackt, Woody Harrelson, Demi Moore, Ron Perlman, Kevin McKidd. Música: Terence Blanchard.2010. 120 min. USA. Color – PAL – Widescreen 2.35:1 – 16:9 Audio: Español (Dolby Digital 5.1), Inglés (Dolby Digital 5.1), Inglés (Dolby Digital 5.1) Subtitulos: Español, Español para Sordos. Distribuidora: TriPictures Lanzamiento: 18/07/2012.
Sinopsis:
Un misterioso vagabundo (Josh Hartnett) y un samurái japonés llamado Yoshi (Gackt Camui) llegan por separado a una ciudad que vive aterrorizada por la banda criminal encabezada por Nicola (Ron Perlman) y una «femme fatale» (Demi Moore). Cuando se conocen deciden unir sus fuerzas y acabar con ellos, actuando a las órdenes del propietario del Saloon (Harrelson).
CHRONICLE (Dvd + Blu-Ray + Copia Digital)
Director: Josh Trank. Actores: Dane DeHaan, Alex Russell, Michael B. Jordan, Michael Kelly, Ashley 
Hinshaw, Bo Petersen. 2012. 80 min.USA, Sudáfrica. Color – PAL – Widescreen 1.78:1 – 16:9. Audio: Español (Dolby Digital 5.1), Inglés (Dolby Digital 5.1), Francés (Dolby Digital 5.1). Subtitulos: Español, Francés, Danés, Holandés, Finés, Noruego, Sueco, Arabe, Inglés para Sordos Discos:2 Distribuidora: Twentieth Century Fox Lanzamiento: 04/07/2012.
Sinopsis:
Tres amigos de Portland se ven expuestos a una misteriosa sustancia en un bosque y, como resultado, empiezan a desarrollar increíbles poderes. Entonces deciden trabajar juntos para perfeccionar sus habilidades, pero una serie de problemas personales acaban por enfrentarlos.
Nuestro comentario aquí.
Disco 1: DVD – Película en DVD. – Previsualización. – Prueba de cámara. – Información sobre la banda sonora.
Disco 2: Blu-Ray – Película en Blu-Ray. – Versión extendida.
Copia Digital.
CLAMOR DE INDIGNACIÓN (Hue and Cry) DVD
Director: Charles Crichton. Actores: Alastair Sim, Jack Warner, Valerie White, Harry Flower, Joan Dowling, Douglas Barr. Música: Georges Auric.1947 78 min.Reino Unido.Blanco y Negro – PAL – Fullscreen 1.33:1 – 4:3 Audio: Español (Dolby Digital 2.0), Inglés (Dolby Digital 2.0). Subtitulos: Español. Distribuidora: Smile Price Lanzamiento: 05/07/2012.
Sinopsis:
El adolescente Joe Kirby, fantaseando estar tras la pista de unos criminales, descubre para su gran asombro que todo se ha hecho realidad. Hace un recorrido por las historias de su propio cómic. Muy pronto se da cuenta de que las crónicas aventureras del cómic son usadas como una forma de comunicación entre un maestro criminal y su pandilla de ladrones.
DEFENSA (Deliverance) Blu-Ray
Sinopsis: «Los guerreros del fin de semana», se ponen en camino en dos canoas para bajar un río cargado de misterio -el río Georgia- y descubrir una selva de terror… Todo un clásico.
Contenidos: Documental: «Defensa: El elenco recuerda». – Comentario del director John Boorman. – Retrospectiva: El comienzo, El viaje, Traicionando al río y Liberados. – El peligroso mundo de «Defensa». – Tráiler cinematográfico.
Director: Marc Caro, Jean-Pierre Jeunet. Actores: Pascal Benezech, Dominique Pinon, Marie-Laure Dougnac, Jean-Claude Dreyfus, Karin Viard, Ticky Holgado. Música: Carlos D´Alessio. 1990. 95 min. Francia.Color – PAL – 1920x1080p – 1.85:1. Audio: Español (Dolby Digital 2.0 DTS HD Master Audio), Francés (Dolby Digital 2.0 DTS HD Master Audio), Alemán (Dolby Digital 2.0 DTS HD Master Audio). Subtitulos: Español, Inglés, Sueco, Danés, Alemán, Holandés, Noruego, Finlandés, Japonés, Inglés para Sordos. Distribuidora: Universal Pictures Lanzamiento: 04/07/2012.Sinopsis: Para los parisinos del siglo XXI la seria escasez de alimentos se traduce en la siguiente disyuntiva: o comes o sirves de comida. Los carniceros con hambre de lucro se inclinan por convertir a sus inquilinos en tajadas y venderlos como chuletas de primera. Por fortuna, un estrafalario grupo de vecinos ha ideado tácticas secretas para sobrevivir en este mundo, asolado por las sospechas, el hambre y el canibalismo.
Contenidos: Así se hizo: Carne de Cerdo Extraordinaria. – Tráilers. – Teasers. – Los archivos de Jean Pierre jaunet. – El plato fuerte.
DICTADO (DVD /Blu-ray)
Director: Antonio Chavarrias. Actores: Juan Diego Botto, Barbara Lennie, Magica Perez, Marc Rodriguez, Agata Roca, Nora Navas. Música: Zacarias M. de la Riva, Joan Valent.2012. 92 min.España.Color – PAL – Widescreen 1.85:1 – 16:9. Audio: Español (Dolby Digital 5.1).Subtitulos: Inglés.Distribuidora: Warner Bros. Lanzamiento: 17/07/2012.
Sinopsis: Daniel acepta acoger en su casa a Julia, la hija de un amigo de la infancia que acaba de suicidarse. Mientras Laura, su mujer, va consiguiendo que Julia recobre las ganas de vivir, Daniel empieza a sentir como amenazas algunas de las acciones de la niña, que despiertan dentro de él miedos y sentimientos de un pasado que había decidido enterrar.
Contenidos: Tráiler. – Making of. – Piezas promocionales: El director, los actores, la niña y localizaciones. – Spot. – Ficha técnica. – Ficha artística.
EL ESPÍRITU DE LA COLMENA (DVD /Blu-ray)Director: Victor Erice. Actores: Fernando Fernan Gomez, Ana Torrent, Teresa Gimpera, Isabel Telleria, Ketty de la Camara, Estanis Gonzalez. Música: Luis De Pablo. 1973 98 min. España. Color – PAL – Widescreen 1.78:1 – 16:9 Audio: Español (Digital Stereo). Subtitulos: Inglés. Distribuidora: Vértice Lanzamiento: 18/07/2012.
Sinopsis: Un domingo de 1940 llega a un pueblo perdido de la meseta castellana la denominada «camioneta del cine». En un destartalado edificio del ayuntamiento, dos niñas hermanas asisten a la proyección de «El doctor Frankenstein». A partir de ese momento, la pequeña demostrará un inquietante interés por el monstruo…
EL JOVEN BRUCE LEE (Li Xiao Long) DVD
Director: Manfred Wong, Wai Man Yip. Actores: Tony Leung Ka fai, Christy Chung, Aarif Rahman, Jin Auyeung, Michelle Yeoh, Jennifer Tse. Música: Kwong Wing Chan. 2010. 112 min. China. Color – PAL – Widescreen. Audio: Español (Dolby Digital 5.1), Cantonés (Dolby Digital 2.0). Subtitulos: Español. Distribuidora: Karma Films Lanzamiento: 18/07/2012.
Sinopsis: Desde su nacimiento, el 27 de noviembre de 1940 en San Francisco, Bruce Lee vivió tiempos de guerra y persecución, sobreviviendo a la brutalidad de las bandas juveniles de Hong Kong, hasta que convirtió en realidad sus sueños. «El Joven Bruce Lee» rince un impactante homenaje al combate más famoso de su filmografía en el coliseo de Roma, que la película «El furor del dragón», dejó para 
siempre grabada en el recuerdo de los espectadores.
EL MONJE (Le Moine) DVD / Blu-ray
Director: Dominik Moll. Actores: Vincent Cassel, Deborah François, Josephine Japy, Sergi Lopez, Catherine Mouchet, Jordi Dauder. Música: Alberto Iglesias. 2011.96 min. Francia Color – PAL – Widescreen 2.35:1 – 16:9. Audio: Español (Dolby Digital 5.1), Catalán (Dolby Digital 5.1), Francés (Dolby Digital 5.1). Subtitulos: Español. Distribuidora: Vértice Lanzamiento: 18/07/2012.
Sinopsis: Abandonado en su nacimiento a las puertas del Convento de los Capuchinos, Ambrosio es educado por los Hermanos. Se convierte en un predicador admirado por su fervor y termido por su intransigencia, él se cree protegido y libre de toda tentación. La llegada de un misterioso novicio removerá sus certezas y le llevará por el camino del pecado
EL MONSTRUO MAGNÉTICO (The Magnetic Monster) DVD
Director: Curt Siodmak, Herbert L. Strock. Actores: Richard Carlson, King Donovan, Jean Byron, Harry Ellerbe, Leo Britt, Leonard Mudie. Música: Curt Siodmak, Ivan Tors. 1953. 76 min. USA.Blanco y Negro – PAL – Fullscreen 1.37:1 – 4:3. Audio: Español (Dolby Digital), Inglés (Dolby Digital). Subtitulos: Español. Distribuidora: Suevia Films Lanzamiento: 04/07/2012.
Sinopsis: Narra la historia de un sabio que crea, a partir de un experimento fallido, un isótopo radioactivo que comienza a magnetizar todo lo que le circunda, creciendo de tamaño, emitiendo energía y absorbiendo hidrógeno. Un pequeño planeta que implosiona cada once horas para ver aumentada su masa.
EL PACTO DE LOS LOBOS (Le Pacte Des Loups) DVD
Director: Christophe Gans. Actores: Samuel Le Bihan, Vincent Cassel, Emilie Dequenne, Monica Bellucci, Jeremie Renier, Mark Dacascos. Música: Joseph LoDuca.2001.142 min.Francia.Color – PAL – Widescreen.Audio: Español (Dolby Digital 5.1), Euskera (Dolby Digital 5.1), Francés (Dolby Digital Stereo). Subtitulos: Español, Francés Distribuidora: Warner Bros. Lanzamiento: 03/07/2012.
Sinopsis: Francia, siglo XVIII: Una extraña criatura aterroriza a los campesinos, dejando a su paso cadáveres mutilados. En 1766, recién llegado de América, Grégoire de Fronsac es enviado por el rey Luis XV para encontrar a la fiera e identificarla. Le acompaña un misterioso indio que le salvó la vida. Cuando llegan a la región de Gévaudan, Fronsac no manifiesta un entusiasmo desbordante y se muestra abiertamente escéptico ante la verdadera existencia de un monstruo. En el contexto de una decadente sociedad feudal, sin embargo, no tardará en encontrar indicios interesantes que le adentrarán en una historia que va camino de socavar la autoridad del monarca? Además, se enamora de la hija del señor local.
Contenidos: Filmografías – Trailer – Teaser – Anuncios – Cómo se hizo
EL VIDENTE (The Clairvoyant) DVDDirector: Maurice Elvey. Actores: Claude Rains, Fay Wray, Mary Clare, Ben Field, Jane Baxter, Athole Stewart. Música: Arthur Benjamin.1935. 73 min. Reino Unido.Blanco y Negro – PAL – 4:3. Audio: Español (Dolby Digital), Inglés (Dolby Digital). Subtitulos: Español. Distribuidora: Suevia Films Lanzamiento: 31/07/2012.
Sinopsis: Un falso clarividente (Claude Rains) se da cuenta de que algunas de sus predicciones comienzan a realizarse. Con el descubrimiento de este don, comienzan los problemas, sobretodo los asociados a una chica que parece darle los poderes, mientras la esposa del clarividente intenta evitar que éste arruine su vida.
EN COMPAÑÍA DE LOBOS (The Company Of Wolves) DVD
Director: Neil Jordan. Actores: Angela Lansbury, David Warner, Graham Crowden, Brian Glover, Kathryn Pogson, Stephen Rea. Música: George Fenton. 1985. 95 min. USA. Color – PAL – Widescreen. Audio: Español (Digital Stereo), Inglés (Digital Stereo). Subtitulos: Español. Distribuidora: Warner Bros. Lanzamiento: 03/07/2012.
Sinopsis: Tras presenciar la muerte de su hermana en las garras de un lobo, Rosaleen regresa a casa de su abuela, lugar donde ella acostumbra a contar historias a cerca del hombre-lobo y del peligro que entrañan los hombres a los que las cejas se les unene en una sola. Los sueños de Rosaleen se intensifican con todas estas historias hasta que, de pronto, algunos de ellos empezarán a hacerse realidad. En una de las visitas de Rosaleen a su abuela, se encuentra a un joven en el camino. Harán una apuesta para ver quién llega antes a la casa de la abuela, pero Rosaleen no se percatará de un pequeño detalle: el joven tiene las cejas juntas.
EN EL NOMBRE DEL REY (In The Name Of The King: A Dungeon Siege) DVD
Director: Uwe Boll. Actores: Jason Statham, Leelee Sobieski, John Rhys-Davies, Ron Perlman, Claire Forlani, Kristanna Loken. Música: Jessica de Rooij, Henning Lohner. 2007.122 min. Alemania, Canadá, USA.Color – PAL – Widescreen 1.78:1 – 16:9. Audio: Español (Dolby Digital 5.1), Catalán (Dolby Digital 5.1), Inglés (Dolby Digital 2.0) Subtitulos: Español. Distribuidora: Warner Bros. Lanzamiento: 24/07/2012.
Sinopsis: La vida de un humilde campesino, conocido como Farmer, cambiará para siempre cuando una banda de Krugs (bestias animales esclavas de un malvado hechicero) arrase la tranquila localidad de Stonebridge, asesinando a su hijo y secuestrando a su mujer, Solana. Movido por el dolor, el pacífico campesino partirá, junto a su mentor Norick y a su cuñado Bastian, en busca del ejército Krug para liberar a Solana. Pero la tragedia vuelve a acecharle cuando sus dos compañeros son capturados en el campamento Drug. Farmer, desesperado por encontrar a su mujer y a sus amigos, se unirá al ejército real en una batalla épica.
ESTOS SON LOS CONDENADOS (The Damned) DVD
Director: Joseph Losey. Actores: MacDonald Carey, Shirley Anne Field, Viveca Lindfors, Alexander Knox, Oliver Reed Blanco y Negro – PAL – Widescreen 2.35:1 – 16:9. Audio: Español (Dolby Digital 1.0 Mono), Inglés (Dolby Digital 1.0 Mono). Subtitulos: Español. Distribuidora: Sony Pictures Lanzamiento: 24/07/2012.
Sinopsis: Un variopinto grupo de personas se encuentran en Weymouth, Inglaterra a principios de los años 60. Entre ellos están Simon Wells (Macdonald Carey) un turista americano, una banda de motoristas liderados por King (Oliver Reed) que lo acosan, Joanie (Shirley Ann Field), hermana de King y que inicia un escarceo amoroso con Simon y una escultora bohemia. Todos ellos descubren que bajo los riscos de un acantilado vive encerrado un grupo de niños con los cuales el ejército inglés realiza un experimento de supervivencia tras una hecatombe atómica.
GRITOS EN LA NOCHE (The Awful Dr. Orloff) DVD
Director: Jesus Franco. Actores: Howard Vernon, Conrado San Martin, Diana Lorys, Perla Cristal, Maria Silva, Ricardo Valle. Música: Jose Pagan, Antonio Ramirez Angel.1962.92 min.España:Blanco y Negro – PAL – Fullscreen 1.33:1 – 4:3, Widescreen 1.66:1 – 16:9. Audio: Español (Dolby Digital 2.0), Francés (Dolby Digital 2.0).Edición:Especial Discos:2 Distribuidora: Smile Price Lanzamiento: 05/07/2012.
Sinopsis: El Doctor Orlof (Howard Vernon), emplea sus conocimientos médicos en curar el rostro de su hija (Diana Lorys), quemado tras un accidente. Pero para reemplazar la piel abrasada de su hija necesita la suave piel de numerosas jóvenes que su ayudante ciego y desfigurado, Morpho (Ricardo Valle), le ayudará a secuestrar. Cuando una noche acorralan a la cabaretera Dany (María Silva), cometen el terrible descuido de olvidar un collar en el lugar del rapto, lo cual pondrá al Inspector Tanner (Conrado San Martín) tras la pista del Doctor Orlof y su secuaz. Pero, para lograr atraparle, Tanner necesitará la ayuda de su novia, Wanda Bronsky (Diana Lorys), quien actuará como cebo aprovechando su gran parecido con la hija de Orlof.
Contenidos:Incluye la versión española (92 min.) y la versión internacional (80 min.)
IVANNA, EL CASTILLO DE LA PUERTA DE FUEGO (Ivanna) DVD
Director: Jose Luis Merino. Actores: Erna Schurer, Carlos Quiney, Agostina Belli, Cristiana Galloni, Antonio Jimenez Escribano, Mariano Vidal Molina. Música: Luigi Malatesta.1970. 93 min.España, Italia.Color – PAL – Fullscreen 1.33:1 – 4:3 Audio: Español (Dolby Digital 2.0), Italiano (Dolby Digital 2.0). Distribuidora: Smile Price Lanzamiento: 17/07/2012.
Sinopsis: Europa Central, s. XIX: Ivanna Rakowsky (Erna Schurer) es una joven y atractiva química que viaja a un remoto lugar para entrar a trabajar en un imponente castillo al servicio del barón Janos Dalmar (Charles Quiney), a pesar de ciertos rumores sobre él que apuntan a que ha asesinado a varias jóvenes. Tras su primer encuentro, Ivanna se sentirá atraída de inmediato por el barón y decidirá centrarse en sus excéntricas investigaciones, encargadas por el propio barón, para evitar pensar en él. Pero mientras tanto una serie de terribles crímenes se darán lugar en la región coincidiendo el primero de ellos con la llegada de Ivanna al castillo…
JUAN DE LOS MUERTOS (DVD / Blu-ray)
Sinopsis: Mientras La Habana se llena de zombies sedientos de carne humana, los medios oficiales comunican que los disturbios son causados por disidentes pagados por los Estados Unidos. El pánico se apodera de todos hasta que Juan llega al rescate: descubre que puede matar a los muertos vivientes destruyendo su cerebro, y decide montar un pequeño negocio bajo el slogan ‘matamos a sus seres queridos’. Enfrentándose a los caminantes, Juan logrará ganar algún dinerillo. El cine de zombies se traslada a un escenario aún por conquistar, Cuba, en una comedia de terror con crítica social, tan desternillante como sangrienta.
Contenidos: Tráiler – Escenas eliminadas – Making of; Cortometraje: «Fase Terminal» – Ficha artística – Ficha técnica
LA CARA DEL TERROR (The Astronaut´s Wife) DVD /Blu-rayDirector: Rand Ravich. Actores: Johnny Depp, Charlize Theron, Joe Morton, Clea DuVall, Donna Murphy, Nick Cassavetes. Música: George S. Clinton. Género: Drama, Thriller, Ciencia Ficción. 1999. 105 min. USA. Color – PAL – Widescreen 1.78:1 – 16:9. Audio: Español (Dolby Digital 5.1), Inglés (Dolby Digital 2.0), Alemán (Dolby Digital 2.0). Subtitulos: Español, Holandés, Polaco, Inglés para Sordos. Distribuidora: Warner Bros. Lanzamiento: 24/07/2012.
Sinopsis: Tras un horrible acidente en una misión espacial y estar a las puertas de la muerte, el piloto Spencer Armacost es aclamado como héroe americano. Spencer renuncia a su trabajo como piloto y comienza una nueva vida junto a su esposa Jillian. Poco a poco, Jillian empezará a tener dudas sobre su esposo, sospechando que él no es la misma persona con la que se casó.
LA HISTORIA INTERMINABLE II , EL CAPÍTULO SIGUIENTE (The Neverending Story Ii: The Next Chapter) DVD
Director: George Miller. Actores: Jonathan Brandis, Kenny Morrison, Clarissa Burt, John Wesley Shipp, Martin Umbach, Alexandra Johnes. Música: Robert Folk. 1989. 90 min.USA.Color – PAL – Widescreen 2.35:1 – 16:9. Audio: Español (Dolby Digital 2.0 Surround), Inglés (Dolby Digital 2.0 Surround), Francés (Dolby Digital 2.0 Surround), Alemán (Dolby Digital 2.0 Surround).Subtitulos: Español, Inglés, Alemán, Francés, Italiano, Portugués, Holandés, Arabe, Sueco, Noruego, Danés, Finlandés, Hebreo, Polaco, Griego, Checo, Inglés para Sordos, Alemán para Sordos. Distribuidora: Warner Bros. Lanzamiento: 03/07/2012.
Sinopsis: Las páginas de éste libro tan especial se abren para desplegar su interminable hechizo de nuevo. Sus viejos amigos Atreyu el joven guerrero, Falkor el dragón de la suerte y el Comepiedras se reunirán de nuevo con Bastian. Y nuevas criaturas como Nimbly y el pájaro, los diminutos Wambos, Mudwart, Gigantes robóticos, Junior el pequeño comepiedras y Smerg el dragón, además de una impresionante colección de efectos especiales de ensueño, se unirán a todas estas emociones. ?No hay duda de que la última aventura de Bastian es tan fascinante como la primera!
LA INVENCIÓN DE HUGO (DVD / Blu-ray-Blu-ray 3D)
Sinopsis: Basada en la novela infantil de Brian Selznick. Cuenta la historia de un joven huérfano que vive una vida secreta en una estación de tren de París durante la década de los treinta. Con la ayuda de una chica excéntrica, comenzará su búsqueda por una respuesta a un misterio relacionado con el padre que ha perdido recientemente, el malhumorado dueño de una tienda de juguetes, y una cerradura con forma de corazón, aparentemente sin llave.
Premios: Ganadora de 5 Oscars y 6 Nominaciones al mismo.
Contenidos:Apunta a la Luna: El rodaje de La Invención de Hugo. – El Mago del Cine: Georges Melies. – Grandes efectos a escala pequeña. – El Hombre Mecánico en el corazón de Hugo. – Sacha Baron Cohen: El Parpel de su Vida.
LA ISLA DEL DR. MOREAU (1996) EL MONTAJE DEL DIRECTOR (The Island Of Dr. Moreau) DVD / Blu-ray
Director: John Frankenheimer. Actores: Marlon Brando, Val Kilmer, David Thewlis, Fairuza Balk, Daniel Rigney, Temuera Morrison. Música: Gary Chang. 1996. 96 min. USA.Color – PAL – Widescreen 2.40:1 – 16:9 Audio: Español (Dolby Digital 2.0), Inglés (Dolby Digital 5.1), Alemán (Dolby Digital 5.1) Subtitulos: Español, Holandés, Inglés para Sordos, Alemán para Sordos. Distribuidora: Warner Bros. Lanzamiento: 24/07/2012.
Sinopsis: En una remota isla en el Pacífico Sur el Dr. Moreau ha usado la ciencia para abrir las puertas del infierno. Val Kilme (Heat, Batman Forever, Los Demonios de la Noche), David Thewlis (Películas de Harry Potter), Fairuza Balk (Jóvenes y Brujas) y el ganador del Oscar Marlon Brandon (Mejor Actor, El Padrino, 1972) protagonizan este fantástico Thriller de Ciencia-Ficción basado en la obra de H. G. Wells que ya fue trasladada a la pantalla en dos ocasiones más afortunadas.
Contenidos:Cortometraje Detrás de Cámaras. – Tráiler Original de Cine. – Tráiler Internacional.
LA MUJER DE NEGRO (The Woman In Black) DVD /Blu-ray
Director: James Watkins. Actores: Emma Shorey, Molly Harmon, Ellisa Walker-Reid, Sophie Stuckey, Daniel Radcliffe, Misha Handley. Música: Marco Beltrami. 2012. 95 min. Canadá, Reino Unido. Color – PAL – Widescreen 2.35:1 – 16:9. Audio: Español (Dolby Digital 5.1), Catalán (Dolby Digital 5.1), Inglés (Dolby Digital 5.1). Subtitulos: Español, Inglés. Distribuidora: Sony Pictures Lanzamiento: 10/07/2012.
Sinopsis: Arthur Kipps (Daniel Radcliffe), un joven abogado viudo de Londres cuyo dolor ha puesto su carrera en serio peligro, es enviado a una remota aldea para resolver los asuntos de un excéntrico recién fallecido. A su llegada, pronto se hace evidente que todos los habitantes de la aldea guardan un oscuro secreto. Aunque la gente del pueblo trata de mantener a Kipps al margen de su trágica historia, éste pronto descubre que la casa que pertenecía a su cliente no está totalmente deshabitada Nadie, ni siquiera los niños, estarán a salvo de la mujer de negro…
Contenidos: Audiocomentario con el director James Watkins y la guionista Jane Goldman – Cómo se hizo – Sin miedo: Daniel Radcliffe como Arthur Kipps – Detrás de las apariciones – Creando una historia clásica de fantasmas – Entrevista con James Watkins y Jane Goldman – Entrevista Daniel Radcliffe – Galerías fotográficas – Trailer en castellano
SUPER 8 (Blu-Ray)
Sinopsis: Super 8 cuenta la historia de seis jóvenes amigos que son testigos de un accidente ferroviario mientras ruedan una película de Súper 8, advirtiendo que algo indescriptible ha escapado durante el choque. Pronto descubren que aún más extraño que la cosa que ha escapado, es lo que quiere.
Aquí nuestra crítica y un álbum fotográfico de su protagonita Elle Fanning.
Contenidos:Comentario por J. J. Abrams, Bryan Bruk y Larry Fong. – El Sueño tras Super 8 HD. – En busca de nuevos rostros HD. – Conoce a Joel Courtney HD. – Redescubriendo Steel Town HD. – El Visitante Vive HD. – La Música de Super 8 HD. – Crees en la Magia? HD. – La Revolución del 8mm HD. – Deconstruyendo el Accidente de Tren. – Escenas Eliminadas HD.
UN MARCIANO EN CALIFORNIA (Visit To A Small Planet) DVD
Director: Norman Taurog. Actores: Jerry Lewis, Joan Blackman, Earl Holliman, Fred Clark, John Williams, Jerome Cowan. Música: Leigh Harline 1959. 80 min. USA.Blanco y Negro – PAL – Widescreen 1.85:1 – 16:9. Audio: Español (Dolby Digital 2.0), Inglés (Dolby Digital 2.0). Distribuidora: Smile Price Lanzamiento: 05/07/2012.
Sinopsis:Un extraterrestre es enviado a la Tierra para que redacte un informe sobre el comportamiento y las costumbres humanas. Irá a parar a California y sus pesquisas le resultarán soprendentes.
UNDERWORLD: EL DESPERTAR (Underworld Awakening) DVD/Blu-ray + PACK CON LAS 4 PELÍCULAS (DVD /Blu-ray)
Director: Mans Marlind Actores: Kate Beckinsale, Stephen Rea, Michael Ealy, Theo James, India Eisley, Sandrine Holt. Música: Paul Haslinger. 2011.85 min.USA. Color – PAL – Widescreen 2.40:1 – 16:9. Audio: Español (Dolby Digital 5.1), Catalán (Dolby Digital 5.1), Inglés (Dolby Digital 5.1), Italiano (Dolby Digital 5.1), Inglés para Sordos (Dolby Digital 2.0 Audio Descriptivo). Subtitulos: Español, Inglés, Italiano. Distribuidora: Sony Pictures Lanzamiento: 03/07/2012.
Sinopsis: KATE BECKINSALE regresa como la guerrera vampira Selene en Underworld: El despertar, la impresionante nueva entrega de la saga épica. Tras huir de un encarcelamiento de varios años, se encuentra en un mundo cambiado en el que los humanos han descubierto la existencia tanto de vampiros como de licántropos y están llevando a cabo una guerra para erradicar ambas especies inmortales. Selene debe luchar contra los humanos y una nueva raza de superlicántropos para garantizar la supervivencia de los chupasangres.
Pollo con ciruelas, con Irán en el corazón
Aunque nada pueda hacer volver la hora/del esplendor en la hierba, de la gloria en las flores/no debemos afligirnos, pues encontraremos/fuerza en el recuerdo. Estas palabras de Wordsworth inspiraban la película de Elia Kazan de 1961 Esplendor en la hierba (Splendor in the grass) y un detalle de la escena final ilustra perfectamente el sentido de los versos: Wilma Dean Loomis (Natalie Wood) se reencuentra con su primer amor, Bud Stamper (Warren Beaty), él es ahora un modesto granjero, padre de un hijo, que está casado con Angelina (Zohra Lampert) una joven de clase humilde; Wilma Dean lleva un precioso vestido blanco con pamela a juego, Angelina viste con ropas sencillas, poco favorecedoras y algo desaliñadas, cuando se han despedido ambas mujeres hacen el mismo gesto, pinzan sus vestidos con el pulgar y el índice, una porque(Angelina) se siente poca cosa ante la otra, mientras que en Wilma Dean el gesto traduce su sensación de inutilidad ¡tantas alforjas para tan poco viaje! Ese pequeño detalle resume el sentimiento romántico: el ideal permanecerá siempre inalcanzable en la memoria, mientras la vida cotidiana, pese a su poco encanto, nos envolverá de confort. Esa misma melancolía es la que inspira la última película de Marjane Satrapi, Pollo con ciruelas (Poulet aux prunes, 2012).
La iraní afincada en Francia, autora de Persépolis (2007), vuelve a la dirección para adaptar otra de sus novelas gráficas, un relato que comienza en noviembre de 1958, pero viaja atrás y adelante en el tiempo; cuenta la historia de Nasser Ali Khan, un músico de tar, un laúd iraní (que en la película es sustituido por un violín), que decide dejarse morir después de que su mujer le rompa su instrumento de trabajo en una riña conyugal. Sólo al final de la obra conoceremos los verdaderos motivos de la decisión de Nasser. Tras ver la película una de las primeras cosas que nos llama la atención es el título, ¿por qué Pollo con ciruelas? Explicarlo implica revelar datos importantes de la trama, pero esta, como en otras ocasiones, es una crítica con spoilers. Nasser Ali es uno de esos seres que renuncian a la vida para consagrarse al arte después de haber perdido a su gran amor Irán. 
Con todo no renuncia al matrimonio y hasta es padre de dos hijos, su vida conyugal parece gris y anodina, pero Faringuisse, su esposa, esconde un secreto: ha estado enamorada desde niña del gran músico y toda su vida se consagró a esperarle; bajo su carácter agrio, siempre disgustada por lo poco que colabora Nasser Ali en lo doméstico, se esconde un corazón apasionado que sólo consigue expresarse y ser reconocido cuando cocina su plato favorito, ese pollo con ciruelas que da título tanto a la novela como a la película. Pollo con ciruelas simboliza, pues, la vida que se enfrenta al arte, esa esfera tan prosaica, pero tan confortable, que depara pequeñas satisfacciones que nos permiten resistir los días, es el mundo de lo cotidiano, tan alejado de las esencias que atrapa el arte en su belleza, pero tan necesario para subsistir en armonía con el entorno. Faringuisse es la esposa, pero es a la vez la otra, la que Nasser Ali ignora porque ha renunciado a la vida aún antes de decidir morir, renuncia desde el momento en que es alejado de Irán, su amor-pasión, y condenado a disfrutar sólo de los sones de su violín, Nasser Ali se entregará al arte y quedará castrado para lo diario. Esa es la eterna dialéctica arte-vida (tópico tan querido por Thomas Mann) de la que Satrapi nos da un exquisito tratamiento melancólico-fatalista, de regusto agridulce como ese platillo que combina lo dulce y lo salado.
Exquisito es también el tratamiento del tiempo de narración. Después de acompañar a Nasser Ali en la infructuosa búsqueda de un nuevo violín, nos quedamos con él durante los ocho días en que tarda la muerte en presentarse una vez Nasser Ali la ha invocado, la película se secuencia en ocho episodios en los que Satrapi construye el tiempo deconstruyéndolo en flashbacks y flashforwards. El tiempo de la narración son esos ocho días, pero los continuos saltos hacia adelante y hacia atrás nos permiten conocer toda la vida del músico desde su infancia y, aún más, adelantarnos en el futuro para conocer la de sus propios hijos. 
El tiempo está ordenado de tal forma que ambas mujeres, ambos polos de la dialéctica, ocupan un lugar destacado, justo a mitad de la secuencia de días que anteceden a la muerte sabemos del pollo con ciruelas, pero sólo en el clímax del último episodio conocemos su significado y sabemos de la existencia e importancia de Irán, la joven a la que amó y perdió. Contado así, el relato de la vida de Nasser Alí se asemeja a los cuentos persas y su estructura de narraciones dentro de la narración propia de los contadores de cuentos, no falta incluso un clásico de la literatura irania, el mismo que versionó Cocteau en El gesto de la muerte, puesto en boca de Azrael (el ángel de la muerte) y referido en forma de episodio de animación pura. Y añadimos el calificativo ‘pura’ porque, aunque es de imagen real, la película de Satrapi tiene la fantasía, la inventiva y la libertad de una película de animación, incluso no son pocas las veces en las que los fondos se convierten en dibujo y conforme avanza el metraje se van tomando mayores libertades con el realismo. Podría decirse que Pollo con Ciruelas estilísticamente es el reverso de Persépolis, si en su ópera prima el último plano dejaba entrar la imagen real, ahora la imagen real se estiliza hasta convertirse en pictórica; aquella era una película de animación con la intensidad, la profundidad y la emoción de un film con actores mientras que su nueva obra es una cinta con actores que rompe con las clausulas del realismo hasta el punto de que los planos se convierten en viñetas.
Fiel a la novela gráfica que la precede, pues, Pollo con ciruelas es una fábula sobre el sentido de la vida impregnada del fatalismo de los rubayats de Omar Khayyam, de los cuales se cita incluso uno:
Tomo por testigo a mis dos orejas, nadie nunca pudo decirme / por qué me hicieron venir y por qué hacen que me vaya.
Marjane Satrapi confiesa que la muerte la obsesiona y quiso convertirla en libro, contar una historia nihilista sobre la vacuidad que nos espera tras ella. Y nihilismo rezuma Pollo con Ciruelas, pero ese nihilismo persa que llevó al citado Khayyam a componer versos anacreónticos, esas composiciones líricas que cantan a los placeres de la vida, el vino y el amor. Porque ni todas nuestras lágrimas juntas podrían cambiar un sólo punto en los dictados de ese destino que nos condena a la desaparición, vale la pena disfrutar de cada instante, entregarnos a la pasión o, en su defecto, de su sublimación en el arte, siempre con la conciencia clara de que estamos de paso y cada momento es único. Es un estado agridulce del alma que nos llena de tibia voluptuosidad melancólica.
Dirán algunos que es una película muy francesa y no les faltará razón, Francia es el país de acogida de Satrapi, pero más allá de ello es irania hasta la médula y es que la autora, igual que Nasser Alí tendrá siempre a Irán en su corazón. Allí había alguien, allí no había nadie, así empiezan los cuentos persas.
Prometheus, el enigma de lo humano
Aquí me afianzo
y formo hombres
según mi idea.
A ese linaje semejante a mí
para que sufra y llore,
goce y se alegre
y te desprecie ¡Como yo!
Perfectamente podrían ser estas palabras de Goethe las que salieran de la boca de esta criatura con la que se inicia la última película de Ridley Scott. El inglés arranca su film con un prólogo de impacto, una secuencia que bien podría quedar inscrita en las antologías de las mejores escenas de ciencia ficción con aquella otra que nos regaló el mismo autor en Blade Runner. Y no sería vano, porque ese prólogo es toda una declaración de intenciones que nos pone sobre aviso de que estamos nuevamente ante el mismo tema que ha arrancado los más bellos fotogramas de Scott: Blade Runner se aparecía en su momento como una nueva tematización del mito de Prometeo, el cual es sin duda el más angular de Occidente en torno a la pregunta sobre el sentido de la existencia humana. Ahora la inquietud de Scott se evidencia ya desde el título, la nave protagonista lleva por nombre Prometheus (dando nombre a la película) y no es en absoluto por azar. En ella un grupo de científicos y exploradores emprende un viaje espacial a un remoto planeta, una rara estrella recién descubierta, donde los límites físicos y mentales de la tripulación serán puestos a prueba. El motivo de la misión es que los humanos creen que allá podrán encontrar la respuesta a las preguntas más profundas y al mayor de los misterios: el origen de la vida en la Tierra. Pero lo más importante no es la respuesta que encuentran, al fin y al cabo eso es el resorte de la trama y la trama es un auténtico Mac Guffin, sino todos aquellos interrogantes que quedan inconclusos.
Prometeo, hijo de Japeto y la oceánide Climene (más un héroe que un dios), es para la mitología clásica el forjador de hombres: aquel que para proteger a los humanos comete el sacrilegio de robar el fuego del taller que comparten Hefesto y Athenea. Y recibe por ello el castigo de Zeus: ser atado a una roca en el Hades y que un águila devore continuamente su hígado. El castigo se hace extensible a los hombres, frutos del sacrilegio, a quienes se les envía a Pandora con la caja en la que se contienen todos los males, incluida la esperanza que es la única que quedará dentro después de que la caja sea abierta por la curiosidad humana (a veces tan malsana). Del mito nos interesa, sobre todo, su intención la cual a nosotros ya no nos puede llegar de otro modo que bajo la lectura que de los materiales griegos hicieron los románticos (con el poema de Goethe que hemos citado a la cabeza, pero sobre todo con la recreación de Mary Shelley en Frankenstein): mediante la efigie de Prometeo (Frankenstein) y su leyenda, los occidentales nos contamos nuestra condición. Esto es, nos representamos a nosotros y a nuestra existencia como fruto del desafío, nos vemos hijos del intento de asaltar el trono de la creación y desde ahí dominar la vida y la 
muerte. En la última película de Scott son muchas las máscaras bajo las que se manifiesta esta figura mítica. Y su conclusión, como siempre, arroja a las ciegas esperanzas de las que ya habló Esquilo. Veámoslo por partes.
En Prometheus, como antes en Blade Runner, tenemos una corporación capaz de crear vida inteligente, Weyland Industries (auténtica protagonista de la campaña viral del film), a ella pertenece la nave, y creación suya es también uno de sus habitantes: 
el androide David, principal «instrumento» para el resto de sus tripulantes, interpretado por el dúctil Michael Fassbender. Probablemente es el personaje más interesante de la cinta, nos atrevemos incluso a decir que en David, Scott, traspone a un sosias de Roy Batty, el más perfecto Nexus 6 de Blade Runner. En boca del androide es puesta la pregunta fundamental: ¿Por qué nos han creado? Y la sombra de la más desoladora respuesta posible: probablemente porque existía la posibilidad de hacerlo, sin mayor motivación alguna. En David se centra, pues, la gran incógnita de lo humano; aunque él no sea más que una réplica resume las mejores virtudes de los humanos, llegando hasta la perfección de poder tomar decisiones, le vemos disfrutar del cine, del cuidado de las plantas, de todas las actividades superiores de los hombres e, incluso, ser capaz de ponerse en el lugar del otro. Y la curiosidad que tanto ha hecho avanzar a la especie y que, a la vez, tantos peligros le ha arrojado, está presente en él, como versión mejorada de lo humano que es. El androide tiene su antagonista en Meredith Vickers, la responsable del Prometheus ante la corporación, interpretada por Charlize Theron, de quién se descubrirá que en verdad es la hija de Peter Weyland, fundador y lider de Weyland Corp.
Podría decirse que Vickers encarna la negatividad, casi un principio del mal, como si fuera el gémelo perverso de David. Nos encontramos así con uno de los tópicos más queridos por el director, el de los límites entre lo tecnológico y lo humano o, lo que es lo mismo, como los hombres pueden ser aventajados por sus propias creaciones. En verdad, podría decirse que David y Vickers son las criaturas de ese renovado Víctor Frankenstein que es Peter Weyland, una encarna las virtudes humanas de su creador, la otra sus defectos, esto es, se ha alcanzado la paradoja de que la máquina sea más humana (en su sentido de humanitaria) que el propio hombre. O, lo que es lo mismo, la doble dimensión del monstruo de Frankenstein se explicita en esta dualidad de «hermanos», dándose la paradoja de que Weyland se reconoce más en el androide que en su propia hija.
No hemos acabado con los elementos prometeicos de la película. Entre los dos antagonistas tendríamos un tercer personaje, la doctora Elizabeht Shaw (Noomi Rapace), que es un auténtico símbolo de la ciencia dentro del film. A ella se debe la expedición puesto que ella fue quien descubrió en unos yacimientos la constelación a la que veneraron las antiguas civilizaciones como origen de los creadores de la raza humana. Shaw es un ejemplo de cómo fe y razón pueden darse la mano dentro de una misma persona y, por tanto, de como ambas actitudes son cruciales para nuestra especie. Recela de la figura de David mientras que, a su vez, Vickers la ve como rival en el liderazgo del equipo; sobre ella recae la responsabilidad de poner 
a salvo la supervivencia de nuestra especie (ella que curiosamente es estéril). Ella misma será una superviviente y, aunque el camino que ha recorrido gracias a la ciencia podría haberla abocado al escepticismo, seguirá abierta a la esperanza. Esa que quedó encerrada en la caja de Pandora.
Con escepticismo ha sido recibida Prometheus por parte de la crítica, al menos de una porción de esta. La opinión se ha dividido, algunos la saludan como una nueva obra maestra de la ciencia ficción, mientras otros la consideran totalmente fallida. Las razones por las que nos ha resultado grata esta película ya han quedado expuestas, pero es que si ese trasfondo filosófico no nos interesa (o nos pasa desapercibido), consideramos que igualmente funciona a la perfección como pieza de entretenimiento. Con alguna decaída, el ritmo es vigoroso y se secuencian bien las escenas de acción para mantener el interés a lo largo de su metraje (algo excesivo, como casi siempre en el cine actual). Probablemente algunas críticas negativas son debidas a las expectativas que despertaba el hecho de presentarse como precuela de Alien. El lector ya habrá descubierto a estas alturas que Prometheus se mueve de forma perfectamente autónoma a Alien, y esto es algo que no ocurría, por ejemplo, en la precuela de La Cosa estrenada el pasado año. Pero es que, más allá de ello, de Alien no toma sino unos cuantos elementos prestados que dan pie a otros pocos guiños a esta, por tanto, lo correcto es considerarla como un nuevo cuento que aumenta el imaginario de la saga como ocurre en el universo extendido de Star Wars. Si hay que buscarle un precedente a Prometheus nosotros, como se ha visto, nos decantamos por Blade Runner, por su mayor proximidad temática y por su tono. Pero más allá de los referentes la película tiene savia propia y merece por si mismo un notable puesto entre las dirigidas por Scott.
Un anticipo a Sitges 2012: pase de cortos al aire libre en agosto
Los seguidores más impacientes de Sitges 2012 – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya están de enhorabuena. El certamen, en colaboración con la Associació Turística de Serveis de Platges de Sitges, ha organizado dos sesiones de cine al aire libre para los dos primeros fines de semana de agosto, dos meses antes de que se inaugure oficialmente el Festival. La primera será el viernes 3 de agosto en la playa de Terramar, mientras que la segunda está prevista para una semana más tarde –viernes día 10– en el puerto de Aiguadolç.
En ambos pases, los asistentes podrán disfrutar de un mini maratón de cinco cortometrajes de terror, la mayoría con sello catalán o español. Además de calentar motores de cara al inicio del certamen, las sesiones de cine en la playa están pensadas para que el ambiente del Fantástico esté presente en Sitges más allá de los días que se celebra el Festival y, al mismo tiempo, para que haya más actos que se celebren en puntos neurálgicos de la localidad.
Eduardo Gión por fin tiene lista Lentejuelas de Sangre: un homenaje al Pierrot más terrorífico
PIERROT/VUDU
«Dos conceptos antagónicos donde los haya. Uno simboliza el amor, la ternura, la dulzura. El otro la oscuridad, la nigromancia, la magia ritual, el horror de los muertos vivientes. Dos ideas aparentemente antitéticas e irreconciliables.
Y, en cambio, Antonio Gracia José, Tono para los amigos y la familia, Pierrot para el gran público, las unió con esa difícil facilidad con la que él siempre hacía las cosas. Muy en silencio, casi en secreto. Un día apartaba una cortina y ¡zas!, ahí estaba un decorado, un cuadro, una talla de madera, una revista de terror: VUDÚ, un traje de plumas y lentejuelas que tiraban de espaldas… o una escalofriante película de súper 8.
Unos años de su vida, Pierrot los dedicó al teatro de terror y a ese cine secreto, casi clandestino, porque en aquellos años 70 lo vivíamos todo en plena clandestinidad, desde el amor hasta la política, que son dos cosas que siempre han escandalizado a un sector de la sociedad ajeno a nuestro mundo y a nuestros imaginarios personales. Pero yo no presencié la gestación de esas películas.
Por eso, al descubrirlas ahora, más de 40 años después, no puede dejar de asombrarme su mezcla de inocencia y perversidad, su frescura, su desprecio de los convencionalismos sociales y morales de la época. Ninguna de ellas, eso es seguro, hubiera pasado la censura. Pero eso, al Pierrot hombre-orquesta, al creador y actor, le importaba un rábano, como al Rhett Butler de Lo que el viento se llevó».
Así lo cuenta Manel Domínguez Navarro, uno de los amigos de Pierrot y colaborador en el documental Lentejuelas de Sangre, en el que Eduardo Gión, con la colaboración de compañeros y amigos del artista, repasa su faceta más terrorífica. Un film recién terminado y que pronto tendremos ocasión de ver.
Pero conozcamos a su director…
EDUARDO GIÓN
Eduardo Gión (Vilanova i la Geltrú 29 de mayo de 1974), durante su adolescencia descubre el mundo del cine más underground, colándose en pases de películas como Polyester o Cosa de hembras de John Waters; las primeras de Almodóvar; o Arrebato de Zulueta. Es por eso que mucho después decide estudiar cine en el Centre d’Estudis Cinematografics de Catalunya y realizar un master en producción de Cine y Tv en la UPC. Sintiéndose preparado realiza varios cortometrajes en formato Súper-8, como Imágenes olvidadas (2003). Su cortometraje Träne es proyectado en el circuito de cine gay de Andalucía y en varios festival de temática en Alemania. Ese mismo año realiza un documental llamado El abrazo del Erizo que se proyectaría en el Wide Side Film Festival de NewYork.
Durante algunos años trabaja como ayudante de dirección de cortometrajes y largometrajes en 35mm., y en eventos como 080 Barcelona, II Mostra de Súper 8 de Barcelona o en varios programas para tv, realizando en el 2011 un documental llamado Madame Arthur sobre la faceta artística de uno de los primeros transformista de Barcelona. El film es estenado en un marco incomparable: el Molino de Barcelona.
Eduardo presentó una gran exposición sobre la faceta terrorífica de Pierrot durante la III Mostra de Súper 8 de Barcelona, donde pudimos ver algunos de los cortos del artista, como Miss Drácula contra el Imperio de la Leche y La muñeca. Todo ello como aperitivo de su nuevo documental dedicado a la faceta artística terrorífica de Pierrot: Lentejuelas de Sangre.
PIERROT Y LENTEJUELAS DE SANGRE
Pierrot dominó todas las facetas del arte: pintura, dibujo, actuación, escritura, dirección teatral, cine… Su afición al fantástico le lleva a dedicar el grueso de su obra a este género, con especial predilección por el vampirismo. A principios de los 70 escribe, dirige e interpreta obras teatrales, que el bautizó como Teatro de impacto, y colabora con la histórica revista Terror Fantastic, que al cerrar su andadura él pretende continuar con Vudú, una publicación de corta, pero intensa vida en la que mezcla todas sus obsesiones. En su faceta pictórica destacan varios de los primeros carteles para el Festival de Sitges, a donde es asiduo también con exposiciones, dándose el caso de que una de ellas le fue prohibida y parte de las obras lanzadas al mar. También el cartel del festival de 1972 es acusado por la iglesia de «atentar contra la moral y la religión». En él Pierrot había sustituido a los santos del rosetón de la iglesia de Sitges por monstruos.
Hizo pequeñas intervenciones en el cine, algunas de ellas para Paul Naschy, pero es hacia el mundo del transformismo donde dirigirá su carrera y conocerá triunfos durante la segunda mitad de los setenta y principios de los ochenta, aunque nunca se alejó de su amor por el cine y la literatura de terror, dedicando dibujos a los más remarcables actores y personajes del género con su característico estilo, que recientemente se han reunido en el libro Los Mitos del Terror. Pierrot falleció en febrero de 2011, y desde aquí le hicimos un homenaje escrito que, vaya usted a saber porqué (nosotros no lo pusimos) ha pasado a formar parte de los enlaces de la wikipedia. Cosa que por otro lado nos honra.
El mismo Eduardo nos cuenta como llegó a introducirse en el imaginario fantástico de Pierrot:
«Conocí a Pierrot en el 2005, mientras buscaba información para mi primer documental Madame Arthur, él había escrito un libro donde repasaba las artistas del cabaret de los 70, donde dedicaba un capítulo entero a la Madame, y yo quedé fascinado. Me ayudo mucho para poder crear mi opera prima, y a partir de ahí se forjó una amistad verdadera, un amigo.
Yo quedaba con él todos los jueves de cada semana, para encontrarnos en su casa y enseñarme miles de archivos sobre la Barcelona canalla de los 70 y 80, dibujos, pinturas, Súper-8, revistas de la época…
Una de aquellas tardes me descubrió su faceta dedicada al mundo del terror en los años 60 y 70, donde realizó carteles, teatro de Impacto, colaboró para la revista Terror Fantástic , editó la revista Vudú, rodó súper 8, carteles para el festival de Sitges, exposiciones…
A partir de ese momento, decidí que había que mostrar al mundo esa faceta desconocida de él, y para mí una de las mejores.
Conjuntamente ideamos un documental donde mostrar esas obras de arte, desgraciadamente Pierrot murió cuando estábamos acabando el planteamiento de esta película, que en breve verá la luz, un sentido homenaje a uno de los mejores artistas y menos reconocidos de este país».
Esas bobinas de Super-8 así como muchos carteles inéditos permanecen intactos y serán mostrados por Eduardo en Lentejuelas de Sangre, que contará con la colaboración de personajes que conocieron al artista y que repasaran esa etapa, que cubre de finales de los años sesenta hasta 1979. Se contará con los testimonios de Sanjulián, Sebastía D’arbó, Pilar Rubiella, Adrià Frías, Jaime del Rosal, Salvador Sainz, Manel Dominguez, José Ruiz Lifante, Ricard Reguant y la voz en off de Paul Naschy, proveniente de una grabación que realizó para uno de los espectáculos de Pierrot.
EQUIPO TECNICO:
El Erizo Producciones en colaboración con Centre d’Estudis Cinematografics de Catalunya y Filmorec.
Dirección: Eduardo Gión. Guión: Antonio Gracia (Pierrot) y Eduardo Gión. Directora de foto: Lidia Gazquez. Sonido: Directo. Montaje: Giusseppe Solfrizzi. Música: Albert Recolons. Grafismo Créditos: Pep Pujol. Grafismo Cártel e Invitaciones: Lluismi Quintana. Cámara unidad 2 : Filmorec. Producción: Serendipia Naschy (Proyecto Naschy)
María José Cantudo nos habla de cine de terror
Se tiende a limitar a varios actores y actrices españoles encasillándolos en roles que, sin bien forman parte de su carrera, no deberían delimitarlos tanto. Se limita la, en muchos casos, extensa carrera de un actor a uno o dos títulos que, si bien han transcendido por causas más achacables a la época que España vivía entonces, no fueron los únicos en los que participaron. Marisol, por poner un ejemplo, sigue siendo recordada (y limitada) por muchos como la adorable niña cantora de azules ojos, cuando una vez hecha mujer interpretó filmes tan fantásticos como La corrupción de Chris Miller (1973, Juan Antonio Bardem), Los días del pasado (1978, Mario Camús) o la invisible Caso cerrado (1985, Juan Caño).
Pero todo va a peor cuando hablamos de las denominadas actrices del «destape». Si bien varias de ellas no pudieron acceder a retos mayores por limitaciones en su interpretación, si había algunas que si bien al principio disfrutaron de gran popularidad luciendo sus encantos para el hambriento varón ibérico deseoso de ver lo que le habían prohibido durante tanto tiempo, luego vieron que les costaba salir de ese encasillamiento, ya sea por la memoria del público, como por únicamente recibir ofertas relacionadas con ese tipo de cine. Afortunadamente no es el caso de la protagonista de nuestra entrevista, María José Cantudo, nacida en Andújar (Jaén), una áctriz que ha demostrado su valía en varios campos y con la que en este artículo repasaremos una de las facetas menos conocidas de su carrera: el cine de terror.
EL ESPANTO SURGE DE LA TUMBA (1973, Carlos Aured)
Sin duda es una de las películas más recordadas del Fantaterror español: Zombies, brujería y gotas de gore en un guión de Jacinto Molina que, como su alter ego Paul Naschy, protagonizó con un doble papel. En ella los brujos medievales Alaric de Marnac (Naschy) y su compañera Mabille De Lancré (Helga Liné), son revividos en pleno siglo XX iniciando un reino de terror en el que incluso los muertos volverán a caminar. Si bien la intervención de María José es pequeña, su imagen zombificada ha quedado como una de las más populares del film, siendo reproducida en carteles, carátulas de video e incluso camisetas. Y lo más curioso es que, como nos cuenta la propia actriz, su intervención en el film fue poco más que casual: «Yo tenía escasamente 16 años , estaba recién llegada de mi pueblo e hice ésta película porque necesitaba ganar dinerillo, para costearme mis estudios de arte y decoración y pagarme la residencia. Me pidieron que llevara un camisón y al final se lo presté a Emma Cohen. En ese momento no era consciente del proyecto en el que estaba metida, nunca pensé que se iba a convertir en una película de culto en todo el mundo. Sólo pensaba en no cogerme una pulmonía para no gastarme el poco dinero que me pagaban. De Luis Ciges te puedo decir que veía a un señor muy serio y cuando levantaba la hoz para degollarme pensaba; «este hombre es capaz de hacerlo…¡ayy dios mío ayúdame!…»
La interpretación de zombie parece que no le fue muy difícil ya que «Cuando salíamos del agua, sí que era un espanto porque era pleno invierno, en la sierra de Madrid y no podíamos ni movernos del frío. Pareciamos unos auténticos zombies, por lo que no nos costó mucho trabajo meternos en el papel.
(La película) «Nunca la vi, ni antes ni ahora. Tengo el dvd en casa, me lo dio un amigo, pero aún no lo he visto. Lo que si que sé es que me van a traer una camiseta de EEUU con mi imagen , lo cual me hace mucha gracia. Para algo sirvieron las penalidades y el frío que pasé en el rodaje, ja ja. También soy consciente de la que la película se sigue viendo en multitud de festivales y paises y que en EEUU ha salido una versión en dvd muy buena y con mi imagen en la caratula.
En este rodaje conocí al , para mí, mejor maquillador del mundo, Julipi. Era el maestro de los maestros. A mí me enseñó y me dijo cómo me debería de maquillar, porque hasta entonces no le había prestado atención a ese tema. Aunque no era la protagonista de la película, él siempre quiso maquillarme a mi, porque decía que tenía una cara, según él, muy especial y bonita. Gracias maestro, por sacarme guapa de zombie, je je. Luego tuve la suerte de ser maquillada por él en muchas otras ocasiones, desde aquí mi más sincera admiración hacía este gran profesional».
Respecto al tema de la doble versión, más ligera de ropa, para su exportación: «Bueno, en aquella época yo no sabía mucho de ese tipo de cosas, porque nunca pensé en dedicarme al mundo del cine, pero todas las actrices del momento lo sabían porque era obvio.
No quiero olvidarme de decir que este rodaje, en especial, fue muy difícil. Las sesiones eran muy difíciles y muy largas».
AUTOPSIA (1973, Juan Logar)
Este extraño y psicotrónico film es bastante raro de ver. En él, Juan Luis Galiardo interpreta a un corresponsal de guerra que al ver la muerte de tan cerca decide realizar un reportaje sobre la fragilidad de la vida. Para ello, además de hacer un montón de entrevistas a personajes de la época como Ángel Nieto, Félix Rodríguez de la Fuente, Emilio Romero o Palomo Linares, decide presenciar una autopsia. Una autopsia real que desde la pantalla se nos ofrece con todo lujo de detalles.
María José Cantudo es uno de los personajes «de ficción» del film, que mezcla el documental, la ficción y culmina con el mondo.
«También fue de los primeros de mi carrera, parece ser que en mi primera étapa me acompañó el género fantástico. En esta película no pude doblarme porque empezaba otra rapidamente y nunca la pude ver. Las demás en las salas de montaje y doblaje sí las veías antes del estreno, pero en esta ni eso. Tengo una copia en vhs pero a ver si un día me pongo y me hago una maratón de mis trabajos que no he visto. Fue una época que trabajé mucho y seguido y tenía que estudiar arte y decoración , que era para lo que había venido a Madrid y no tenía tiempo de nada.
Respecto a las escenas de autopsia finales: Pues la verdad es que no me acuerdo. Como yo no participaba en ninguna escena de la autopsia , no sabía lo que en el montaje final se iba a ver, pero sí era consciente de que iban a salir escenas de la autopsia real y de pensarlo se me ponían los pelos de punta. Yo creo que eso fue muy importante para que no quisiera verla.. je je».
También María José nos cuenta una pequeña anécdota del rodaje: «Había una maquiladora que había maquillado a una novia de Manolo Otero, y en ese momento yo estaba saliendo con él y la señora me tenía una manía horrorosa. Pero al final se convirtió en mi maquilladora, que siempre pedía en muchas películas. Se llamaba Lola Merlo».
LAS ALEGRES VAMPIRAS DE VÖGUEL (1975, López Tabernero)
Una comedia terrorífica que aún puede verse con agrado. Gamberra y repleta de vampiros, señoras ligeras de ropa y humor agropecuario, contó con, además de María José Cantudo, Ágata Lys, con la que volvería a coincidir en otro de los films que revisamos en este artículo, El huerto del Francés (1978, Jacinto Molina). De este rodaje María José guarda buenos recuerdos:
«¿Cómo no voy a tenerlos?, si estaba embarazada y me casé en esa película. Anécdotas hay muchas. Una muy graciosa era que cuando tenía que meterme en el ataud y me clavaban la estaca, no pudieron hacer un plano de cuerpo entero porque al estar tumbada, el niño no paraba de moverse. Me daban bocadillos para que el niño se calmara y dejara de moverse, pero ni por esas… Manolito, era a sus cuatro meses de gestación , muy movidito , así que como esa te podría contar muchas. Me fui un viernes , me casé un sabado y volví el domingo para rodar el lunes. Otra anécdota fue que hubo una actriz que le dijo al director que si me quitaba el baile de flamenco que hago, ella haría un striptease, y al final el director prefirió mi baile. Yo hubiese preferido que me dejasen tranquila, porqué tenía unos vómitos horrorosos. Por cierto que el primer director fue José María Elorrieta y luego, no recuerdo muy bien porqué, lo acabó Pérez Tabernero. Hace poco la vi en el canal 8 Madrid y me trajo muy buenos recuerdos, porque en esa época yo aún no tenía claro lo de dedicarme al mundo del cine. Por lo tanto me importaba un bledo que me quitaran o no escenas. Porque mi objetivo era trabajar para sacar adelante a mi hijo.»
SECUESTRO (León Klimovsky, 1976)
Este film de acción que contó con Paul Naschy de protagonista y guionista (junto a Antonio Fos), adaptaba la historia real de Patty Hearst, una rica heredera que fue secuestrada en 1974 por el Ejército Simbiótico de Liberación. Poco después se captaron imágenes de ella atracando bancos junto a sus captores. Todo un caso de síndrome de Estocolmo extremo que ha pasado a formar parte del pop más delirante ya que, por ejemplo, tras su paso por la carcel interpretó varias películas para John Waters.
«Fue una película rodada en mi pleno boom de cine. Klimovsky en esos momentos estaba muy considerado para éste tipo de películas y esta la hacía la Paramount, y para mi era bastante importante que una productora como ésta la distribuyera. Yo creo que quedó estupenda. Quizá no la he vuelto a ver desde el estreno, pero también tengo una copia que habrá que añadir a ese maratón, je je. Te darás cuenta de lo poco aficionada que soy a volver a ver mis trabajos. En ese momento la historia de Patricia Hearst estaba muy de actualidad y buscaron a la actriz de más actualidad de esos momentos para interpretarla, y tuve la suerte de que me eligieran a mi».
EL HUERTO DEL FRANCÉS (1978, Jacinto Molina)
Sobre esta película escrita, dirigida e interpretado por Paul Naschy, ya hablamos largo y tendido en este artículo. Basada en hechos reales acaecidos en Andalucía, en ella se narran los asesinatos cometidos por Andrés Aldije «El Francés» y su compinche, que con la excusa de partidas clandestinas en las que se jugaba mucho dinero, eliminaban, desplumaban y enterraban a su víctima en el huerto que El Francés poseía. María José es en este film una amante que queda embarazada de Aldije y que acabará descubriendo todo lo que se cuece en el huerto.
«Cuando me ofrecieron la película, en esos momentos pasaban por mis manos muchos guiones. La elegí porque me atrajo mucho esa historia, que mi abuelo contó en alguna ocasión cuando yo era pequeña, y él me animó a hacerla. La verdad es que he trabajado en varias ocasiones con Paul Naschy y era el propio Paul quien pedía que me convencieran para estar en su reparto, porque decía que era su actriz fetiche y ni te imaginas los rebotes que se cogía cada vez que rechazaba participar en una película suya, no me lo 
perdonaba, me ponía de vuelta y medía y cuando nos volviamos a ver yo le decía: ‘hombre Paul, no te enfades pero no puedo hacer todas tus películas’ y así estábamos en un tira y afloja. Pero le tengo un gran cariño y me halaga que sus rebotes fuesen por tenerme en sus producciones. Hace poco participé en un documental que hicieron de Paul, El hombre que vió llorar a Frankenstein, y que se presentó con mucho éxito en el Festival de Sitges, donde conocí a su hijo Sergio, un chico estupendo, pero que aún tiene una promesa sin cumplir conmigo y es mandarme el dvd del documental. Espero recibirlo pronto, para tener un gran recuerdo de su padre».
Naschy cuenta en su autobiografía que hubo problemas entre las actrices protagonistas, especialmente con Ágata Lys: «Por mi parte jamás he tenido ningún problema con ninguna actriz. Tal es así que me propuso ir sola en los créditos antes del título, para que aceptase su película y yo le dije que no, que iría en primer lugar pero acompañada de los actores que él quisiera. Si hubo algún problema, que yo no recuerdo, te puedo garantizar y darte mi palabra de honor que no fue por causa mía, y te vuelvo a repetir que desde que empecé en esta profesión nunca tuve deseos de trepar ante ningún compañero, ni hacerme notar ni ser mas que nadie, todo lo contrario, quise pasar de puntillas para no meterme nunca en ningún conflicto de ese tipo».
Aunque por otro lado, tal y como nos cuenta María José, algunas escenas eran muy verosímiles: «Hay una escena en la que me peleo con una actriz y la verdad es que se me quedaron las uñas de la actriz clavadas en el cuello, nunca vi una escena más verídica… me dejó el cuello como un santo Cristo. Todo sea por el buen cine….»
El film está repleto de escenas impactantes. Una de ellas, la del aborto, fue muy atrevida para la época y está protagonizada por nuestra protagonista: «Muy dura, date cuenta que yo me casé embarazada y me quedé casi sin puvertad y juventud por ser madre. Para mí fue muy duro ese rodaje, creo que esa escena está muy lograda».
OTRAS CUESTIONES SOBRE CINE
«He hecho algunas películas de terror y según el publico, tanto de aquí como de EEUU y muchos paises, sobre todo Alemania, son las mejores, por lo tanto , para no llevarles la contraria a tanto público, que como sabes es el que tiene la última palabra, escojo las mías. Pero reconozco que mi favorita como actriz es El huerto del francés. Creo que eran unas películas que con el poco presupuesto que había, eran muy dignas y taquilleras, de hecho esas películas tenían mucho éxito fuera de nuestras fronteras y aún lo siguen teniendo. Ahora son películas de culto y hay festivales dedicados a ellas. Era un buen cine, taquillero y que divertía a la gente, no todas tenían la misma calidad pero yo intenté hacer las mejores. Este tipo de cine ahora, y a pesar de tener mejores medios, es inviable hacerlo, es una pena…
Acabo de estrenar la película Ventanas en el cuerpo, donde hago una colaboración con un personaje muy duro y que me ha gustado mucho hacer. Es un proyeto de bajo presupuesto de un director novel, en homenaje a la figura de los médicos rurales de los años 50 y me encanta haber ayudado, dentro de mis posibilidades, a un proyecto muy bonito, con un resultado final digno».
Ha sido toda una satisfacción que María José Cantudo haya encontrado un hueco para recordar esos rodajes y contarnos todas estas cosas en una entrevista que supongo le habrá parecido de las más atípicas que le han hecho, pero que ha contestado, tal y como ella dice, encantada. Lo dicho, una satisfacción y un honor que desde aquí le agradecemos encarecidamente.
Muchas gracias Señor Lobo: nueva edición de un libro dedicado a Paul Naschy
En 2006 el alemán Thorsten Benzel nos sorprendió con Muchas gracias, Senior Lobo! un estupendo libro repleto de imágenes de carteles de films de Paul Naschy, una soñada recopilación para los que adoramos la propaganda cinematográfica y en concreto la de cine de terror. Impreso en su mayoría en blanco y negro, en sus 300 páginas mostraba carteles de toda la carrera de Naschy con ejemplares provenientes de todo el mundo: carteles, lobby cards, press books y muchas curiosidades con comentarios en alemán e inglés.
Pero el autor se ha querido superar y sin duda lo habrá conseguido con una nueva edición del libro (esta vez con el título de Muchas gracias Señor Lobo) editado a todo color y con muchas más imágenes (¡más de 1200!) y 370 páginas con material proveniente de 20 paises. La edición contará con una introducción de Sergio Molina y también tendrá texto bilingüe. Un libro que saldrá a la venta a finales de septiembre pero que se puede reservar ya en la siguiente dirección: www.creepy-images.com . El precio de venta será de 39,50 euros, pero reservando ahora queda por 34,50 euros + gastos de envío. Aquí pueden verse muestras de algunas de sus páginas y más información sobre el tomo: http://www.creepy-images.com/muchas_gracias_preview_en.pdf
Sin duda una magnífica pieza de colección que destila cariño y admiración por el cine de Paul Naschy, al que estamos contentos de haber podido contribuir cediendo una de esas 1200 imágenes.
Ya disponible El Buque Maldito nº 17
Pudimos estar en la presentación del nuevo número de El Buque Maldito, que como va siendo habitual se celebró dentro del marco del festival Cryptshow de Badalona. En sus 47 páginas, presididas por un magnífico poster de Mac para Malenka, la sobrina del vampiro (Amando de Ossorio), se nos ofrecen, entre otros, los siguientes contenidos:
Entrevistas a personajes como Bigas Luna sobre su film Angustia; Dario Argento y Drácula 3D; Nacho Cerdà nos presenta su segundo largo, I am Legion; Víctor García y su Hellraiser: Revelations y otros rodajes; Tim League y su comunal The ABC’s of Death; Rodrigo Gudiño y The Last Will and Testament of Rosalind Leigh; Juan Carlos Medina y su ópera prima Insensibles; Francesco Simeone y Calum Waddell responsables de Arrow Films y también al enigmático José María Oliveira.
Artículos sobre la saga Hellraiser, Malenka, la sobrina del vampiro y sobre la tercera edición de Horrorvision.
Todo ellos por el módico precio de 3,50 euros pidiéndolo a su responsable en http://www.elbuquemaldito.com/ o en las siguientes tiendas:
THE MONSTER MUSEUM
C/. Camprodon, nº22.
BARCELONA
FREAKS
C/. Ali Bei, nº10.
BARCELONA
ARKHAM COMICS
C/. Xuclà, nº16.
BARCELONA
CINEMASCOPE
C/. Torrent de l’olla, 101
BARCELONA
¿Se lo van a perder?
Estrategias comerciales en el cine de Piquer Simón
Es indiscutible que Juan Piquer Simón sabía promocionar sus obras, no en vano su carrera comenzó en la publicidad donde trabajó durante unos 18 años, primero para una multinacional anglo-holandesa, con la que por ejemplo rodó en Londres los recordados anuncios españoles de jabón Lux, y más tarde con su propia compañía, lo que le sirvió para recoger dinero con el que entrar en lo que de verdad le interesaba: el cine.
Con la publicidad aprendió lo que es promocionar bien el producto; lo que son los rodajes y además fue un aprendizaje en efectos especiales. También su vocación desde su primer film fue ofrecer un cine internacional, desgajado de la producción nacional, «disfrazando» todos sus rodajes con un reparto que tuviera nombres extranjeros (Peter Cushing, Terence Stamp, Kenneth More, Cameron Mitchell…) junto a unos actores autóctonos que, si bien no eran figuras demasiado conocidas, formaron parte de varios de sus films, para lo que era imprescindible que hablaran inglés ya que las películas se rodaban en ese idioma. Entre los actores de «su» compañía se pueden nombrar a Frank Braña (recientemente fallecido), Emilio Linder o Ian Sera. Todo esto unido a rodar en escenarios naturales hacía que sus películas colaran como americanas ante el espectador español, que en aquella época era reticente a todo lo que sonara a cine español de género, al cual, por lo general, el público autóctono miraba con cierto aire jocoso tras un par de décadas de westerns rodados en Almería y del boom del Fantaterror, films que en la época eran en general poco respetados.
Así que, además de con atractivos pósters, guías y fotocromos, Piquer Simón apoyó la promoción de sus films de diversas formas, algunas realmente novedosas (cómics, discos…). Vamos a analizar algunas. Recuerdo perfectamente ver por todas partes el cartel de la primera película dirigida por Piquer Simón, Viaje al centro de la tierra (1978) y en ningún momento pensar que se tratara de una 
producción española. El espectacular póster estaba decorado con monstruos y un prometedor gorila gigante (no en vano apenas un año antes había vuelto a las pantallas un renovado King Kong de la mano de John Guillermin), además de destacar a Kenneth More de protagonista, actor a quien los niños de la época identificábamos con una serie que recientemente habíamos visto en televisión dedicada al detectivesco Padre Brown. Con su siguiente film la estrategia es más audaz, ya que se trata de promocionar al que creo es el primer súper-héroe del cine español, aunque también desde una óptica «americana». Supersonic Man (1980) nos promete desde el cartel un combinado de ciencia ficción, aventuras, robots psicotrónicos y claro, un personaje volador en pijama a imagen y semejanza de los salidos de los comic books americanos. Y todo ello en un momento en el que triunfaba en todo el mundo Superman (1978, Richard Donner) y la saga galáctica Star Wars, que no sólo resucitó para el cine la televisiva Star Treck en 1979, sino que a su vez también hizo que el fenómeno saltara a la pequeña pantalla mediante series como Galáctica (1978-79). Por su parte los súper-héroes tenían su versión doméstica en nuestras pantallas con El Gran Héroe Americano (1981-83) o El increíble Hulk (1978-82).
Pero en este caso se creó algo alrededor del personaje totalmente nuevo en el cine fantástico español: el merchandising. Si bien de una forma un tanto sencilla pero no por ello escasa de interés. Por un lado tenemos un single editado por RCA con el machacón y tremendamente discotequero tema principal de la película, compuesto por Juan Luis Izaguirre. Y por otro, la edición de unos cómics sobre el personaje. Detengámonos aquí.
Editorial Valenciana publicó, dentro de una colección genérica llamada Colosos del Cómic que reunía aventuras de personajes como El hombre enmascarado, Flash Gordon o Popeye, cuatro números que reproducían la trama de la película y que dibujó el archiconocido dibujante Sanchís (¿Recuerdan a Pumby, su personaje más popular?). Números que más tarde se reunieron en un tomo único que utilizó el cartel de la película como portada. La serie continuó brevemente durante cuatro números más con una nueva saga. Una propuesta totalmente original e inédita en nuestro país al interconectar el mundo del cómic y el del cine.
Su siguiente film, Misterio en la Isla de los monstruos (1981), tuvo un más que interesante lanzamiento. Ya desde el cartel los niños de la época podíamos ponernos a soñar porque mostraba un amenazador saurio gigante rodeado de misteriosos personajes, todo ello en otra adaptación de Julio Verne. Los atrayentes nombres de Peter Cushing y Terence Stamp añadían interés a un cartel que compartido con Blanca Estrada, Ian Sera, Ana Obregón o Paul Naschy, en la que queda como única colaboración con el director. La campaña se apoyó, además de en los elementos promocionales habituales, de nuevo en Editorial Valenciana, que adaptó el film en dos cómics y también en un single con el tema principal que interpretaba el horrible grupo infantil, Regaliz, formación que por cierto dio una patada en el hígado al Fantaterror protagonizando Buenas noches, señor monstruo (1982, Antonio Mercero), película que contó con la colaboración del mismísimo Paul Naschy como licántropo.
Con Los diablos del mar (1982) reincide Piquer Simón en el universo de Julio Verne que tan caro era para el director, y lo hace mediante un estupendo cartel realizado por el genial y popular ilustrador Sanjulián. Una obra que ya desde el papel nos promete aventuras, misterio y una amenazadora ballena. Para la ocasión se distribuyó en las salas un pequeño programa de mano adhesivo que reproducía el póster y que rápidamente los niños de la época ubicaron en sus carpetas y libretas. También se editó una publicación con fotos de la película la cual, una vez más, aprovechaba el soberbio dibujo de Sanjulián en su portada.
Para el primer largometraje dirigido a un público claramente adulto, la terrorífica Mil gritos tiene la noche (1982), Piquer Simón no utilizaría directamente el cómic, propuesta que quizás hubiera sido más que interesante en un momento en el que la nueva encarnación de Creepy arrasaba de la mano de Toutain Editor, pero sí en espíritu, ya que uno de sus carteles estaba ilustrado por el gran 
Mike Kaluta (o por alguien claramente inspirado en él) y en los trabajos que realizó para el personaje pulp The Shadow. Y digo en uno de sus carteles, ya que para la ocasión se editaron dos propuestas totalmente diferentes, algo bastante raro para la época y que el mismo Piquer explicó que hizo por cuestiones de «marketing», aunque claramente se puede decir que de los dos diseños el que reflejaba más lo que nos ofrecía el film era el «inspirado» o ilustrado por Mike Kaluta, ya que además del misterioso asesino de negro nos mostraba parte de su arma (¡una «atractiva» y destructora motosierra!) y a la semi desnuda damisela de rigor.
De nuevo la producción en sí, las localizaciones en Boston y la gran cantidad de nombres extranjeros que figuran en su cartel, «maquillan» la película haciéndola pasar como una producción americana.
Su siguiente propuesta, Los nuevos extraterrestres (1983) tenía en la exitosa E.T. (1982, Steven Spielberg) el espejo en el que reflejarse y de nuevo iba dirigida al público infantil. Si bien el cartel de Jano no mostraba tanto esta influencia, para su edición en video fueron menos discretos y se pueden ver ciertos ojos que nos recuerdan directamente al simpático extraterrestre desarraigado de Spielberg. En todo caso se editó un Lp con la banda sonora de Liberto Pastor, un disco que contenía únicamente cuatro temas, uno de ellos cantado por el actor Ian Sera.
Si bien poco o nada hay que decir de la puramente alimenticia Guerra Sucia (1984), es más que interesante abordar la campaña que se preparó para el lanzamiento de Slugs, muerte viscosa (1988). Tenemos un atractivo cartel y un logotipo que se adaptaron para el programa de mano que se repartió en las salas, además de una propuesta mucho más interesante, impactante y también inédita por estas tierras, ya que en algunas salas se repartieron bolsas para el mareo similares a las que dan en los aviones. Este «gimmick» promocional, que ya se utilizó unos
Bolsa de vómito de Slugs, muerte viscosa
años antes en Estados Unidos para el lanzamiento de, por ejemplo, Las torturas de la inquisición (Hexen bis aufs Blut gequält, 1970 Michael Armstrong) se adaptó aquí de forma ejemplar con unas discretas bolsas que han pasado a ser un raro objeto de colección.
A partir de La Grieta (1990), las campañas dejan de apoyarse en objetos o programas que ofrecer al público. Su eficaz cartel, ejemplar en su simpleza, nos lleva directos al fondo del mar y, claro, a films de temática similar como Abyss (The Abyss, 1989 James Cameron), que también inspiró Leviathan, el demonio del abismo (Leviathan, 1989, Pan Cosmatos) y Profundidad 6 (Deepstar Six, 1989, Sean S. Cunningham), entre otros.
Tras el fallido intento de entrar en el universo Lovecraft con La mansión de Cthulhu (1992), La Isla del diablo (1994) nos devuelve el Piquer Simón aventurero de los inicios, y no es extraño que para el cartel recurra de nuevo al eficaz Sanjulián, que realiza una obra a la altura o superior a la que realizó para Los diablos del mar. Un cartel que nos ofrece todo el misterio y las aventuras con las que Piquer Simón cerraría su filmografía, recurriendo a otros grandes clásicos en sus dos últimos films: Emilio Salgari para Manacoa, ciudad de oro (1999) (basada en El tesoro de los incas) y Edgar Allan Poe, cuyo Escarabajo de oro (1999) adaptaría pero no dirigiría. Para ambos carteles contaría también con la colaboración de un inspirado Sanjulián.
Como hemos podido ver, Piquer Simón aprovechó su formación en el mundo de la publicidad para promocionar sus films, si bien de una forma sencilla, también inédita en España, sobre todo cuando hablamos de cine fantástico.
Programa de mano tipo postal de Slugs, muerte viscosa.
Lo nuevo y lo clásico se darán cita en Sitges 2012
Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya se ha consagrado como una catapulta de prestigio para proyectar nuevos talentos del cine de terror y, a la vez, nuevas maneras de representar este género. Es la reflexión que hizo su director, Àngel Sala, que aprovechando un encuentro con fans celebrado ayer, jueves 12 julio, en el FNAC del Triangle de Barcelona subrayó la apuesta de Sitges por los directores emergentes y avanzó nuevas confirmaciones que estarán en la parrilla del Festival, que se celebrará del 4 al 14 de octubre. Toda esta savia nueva, que engloba diferentes estilos bajo la misma bandera de la innovación, también estará representada en la presente edición del certamen con películas como The ABCs of death, V/H/S, Antiviral, Excision o You’re next. Todas ellas son el máximo exponente de este cambio de tendencia del cine fantástico y de terror. Un golpe de autoridad para mostrar lo 
que algunos ya conocían como el talento del nuevo milenio.
David Cronenberg y su hijo Brandon pondrán la nota de color en un de duelo generacional, que ya exhibieron en el Festival de Cannes y que, en Sitges –más que en cualquier otro sitio– refleja la evolución que ha experimentado el género en los últimos años. Así, mientras el padre presenta el oscuro drama Cosmopolis, con el mediático Robert Pattinson en cabecera del reparto, el heredero de los Cronenberg debuta en el festival con Antiviral, una historia que retrata la obsesión de una adolescente que se dedica a vender virus de celebridades a sus enfermizos fans.
Ahora bien, si de lo que se trata es de contentar a los seguidores más fervorosos, esta misión le corresponde a The ABCs of death. Original en el planteamiento y en la ejecución, la película reúne 25 directores de todo el mundo –todos ellos, evidentemente, vinculados al cine fantástico y de terror– y les adjudica una letra del alfabeto. Su reto: escoger una palabra a partir de esa letra y, como si fuese una cadena creativa, rodar un cortometraje basado en la muerte que tenga la palabra seleccionada como eje central. Un juego de pistas rocambolesco para hacer las delicias de un público que también ha dicho lo suyo. Y es que la última letra del abecedario, la número 26, estaba reservada para el director amateur que fuese más votado en el concurso T is for Toilet. En este caso, Lee Hardcastle.
En una línea similar, V/H/S también es el resultado final de una convención de directores de antología, entre los que se encuentran Adam Wingard, David Bruckner o Ti West. Cada uno de ellos se ha encargado de uno de los diferentes cortos que conforman esta película coral, basada en un grupo de delincuentes chapuceros que son contratados para recuperar una cinta de vídeo. Un cadaver rodeado de antiguas cintas VHS es el punto de partida de una historia que, a medida que va avanzando, se vuelve cada vez más espeluznante.
Igualmente violenta, aunque con un punto más cómico y surrealista, llega el film Excision, escrito y dirigido por Richard Bates. El argumento se centra en una 
estudiante perturbada que como única meta tiene triunfar en el campo de la medicina, tal y como le ha inculcado su controladora madre. Esto la llevará hasta situaciones extremas, en las que tendrá que superar el rechazo social que genera sus fantasías sexsuales y su afición a la cirujía macabra. Una obra sangrante y delirante que muchos han definido como una Carrie dirigida por John Waters.
Y, finalmente, You’re next. Un sugerente título en el que Adam Wingard toma el subgénero slasher y lo gira como la piel de un conejo para transformar completamente las historias de psicópatas sanguinarios y, de paso, ganarse la complicidad del espectador con un resultado final ciertamente original. La historia empieza con una familia que se reúne para celebrar el aniversario de boda de los padres. A partir de aquí, la irrupción de una banda de asesinos con intenciones misteriosas les fastidiará la fiesta.
Y como el nuevo talento no existiría sin la influencia de los veteranos cineastas que les han mostrado el camino a seguir, los jóvenes directores del terror del nuevo milenio tendrán en Sitges un padrino de excepción: Dario Argento. El artífice de obras maestras como Suspiria y Profondo Rosso, estará presente en Sitges con su nuevo largometraje: Dracula 3D, una producción de Enrique Cerezo protagonizada por Thomas Kretschmann (Mejor Actor en Sitges 2007), Rutger Hauer, Asia Argento, Marta Gastini y Unax Ugalde.
Videodrome: la nueva carne y la percepción ampliada
Nuestra primera evidencia al nacer es el dolor de la carne. Nacemos envueltos en llanto, un llanto que es la bienvenida a la vida. El cuerpo es nuestra primera verdad pero nos evadimos de ella a través del lenguaje, basta con comprobar que los tanatorios son uno de los lugares donde más alto se habla en un acto inconsciente de negación de la muerte. Y es que el cadáver es un sinvergüenza (¿Fue Eugenio Trías quien dijo esto?) que muestra sin pudor la evidencia de la mortalidad carnal. Un cuerpo inerte es un monstruo que da pavor. La muerte instala la entropía en la carne orgánica y organizada, lo apolíneo retrocede con la lividez que es antesala de la descomposición, cosa que nos resulta abyecta a la vez que morbosamente atractiva. Lo monstruoso, pues, no está sólo en lo deforme, nuestro propio organismo es su residencia. Así el terror va con nosotros, íntimamente unido a nuestra corporeidad, la misma que nos arroja al espacio donde se conjuga el miedo a la muerte, el erotismo y la metamorfosis supurante de lo abyecto. Y esta senda del asco y la belleza tiene una sintonía perfecta en la atonalidad mecánica de la música de Howard Shore para Videodrome (1985, David Cronemberg)
David Cronemberg en 1983 dirigía La zona muerta (The Dead Zone), un thriller parapsicológico basado en la novela homónima de Stephen King. Un film de correcta factura que por su convencionalidad con las claves del género puede seguirse degustando hoy en día. Pero ese mismo año el director de Scanners (1981) alumbraba una obra personalísima que le iba a suponer su definitivo nacimiento como autor: Videodrome. El protagonista es Max Renn (James Woods), directivo de Civic TV, una pequeña cadena de televisión cuya única vía para sobrevivir es ofrecer a la audiencia contenidos que no encuentran en otra parte, de alto contenido erótico y violento. En su búsqueda de material diferente, Max, da con una señal pobre e inestable que lo único que emite son torturas, aparentemente reales: en un tosco escenario rojizo, un par de tipos encapuchados atan y golpean a una mujer. Se llama Videodrome. Mal comprendida en su momento, a día de hoy es considerado un clásico del cine fantástico. Y es que Cronemberg daba luz a mucho más que una película: daba luz a la Nueva Carne.
Nunca antes la sensibilidad artística se había adentrado tanto en las perspectivas de lo grotesco, la Nueva Carne (aventura en la que le acompañan Clive Barker, H. R. Giger, Charles Burns y otros) supone el nacimiento de una estética perversa del cuerpo que se pervierte. Carne transgresora que se deforma hasta la máquina llevándonos a unos nuevos límites de lo natural. No se trata de la fascinación por los esperpentos de feria que aún impregnaba a los primeros monstruos cinematográficos (como los que nos mostró Tod Browning), no, se trata de un horror que se aparta del folklore y reniega de la moralidad y de la lógica.
La moralidad… Videodrome abre sus imágenes con la grabación despertador de Civic TV; el ejercicio de cinismo de Cronemberg queda claro desde ese momento: una televisión que busca asegurarse la audiencia ofreciendo pornografía en toda la extensión del término (lo sexual y lo violento), se llama a sí misma televisión cívica. Y poco después acompañamos al protagonista a un debate televisivo en torno a los peligros de ese tipo de programación sobre la salud moral de los telespectadores. En la segunda mitad del siglo XX ya se tenía conciencia de la sobrestimulación a la que nos aboca la tecnología, esos nuevos tentáculos que modifican nuestra mirada, nuestra percepción de la realidad; el Pop Art ya lo había reflejado en los últimos 50’s: la televisión como fuente de verdad, como verdadera (si no única) ventana abierta al mundo. En los 80 el poder tentacular de la imagen se ampliaba con la industria del vídeo y la televisión por cable. Lo televisivo se convertía en la retina de los ojos de la mente, todo el arranque de la película de Cronemberg nos pone sobre aviso de cómo la pantalla se ha convertido en un filtro por el que se criba lo que tomamos por verdadero.
A través de la pantalla se presenta al personaje de Nicki Brand (una sensual Deborah Harry), de profesión psicóloga, participante del debate. Ella es la que habla de cómo la sobrestimulación nos ha hecho adictos del estímulo, cuanto más se nos da, más queremos, y de su mano Max Renn se introducirá en la travesía hacia los límites de lo erótico. Allí donde la pequeña y la gran muerte se confunden. Queremos más, mientras hipócritamente asentimos a que mejor en la pantalla que fuera, ¿pero verdaderamente se detiene el deseo en la imagen? El debate que introduce Cronembreg goza de una rabiosa modernidad hoy en día cuando las «pantallas» y las imágenes se han multiplicado ad nauseam.
Imagen, del latín imago, se dice de las representaciones que conforman las apariencias visuales. Esa es su definición. Harlan (Peter Devorsky) supuestamente capta una señal que se emite desde Pittsburg (aunque inicialmente habían pensado que provenían de Malasia), la emisión que el pirata localiza muestra escenas de alto contenido violento, mutilaciones, torturas, asesinatos, en una sala de fondo rojo (el rojo, la pasión, el color de la carne). No hay decorado, no hay trama, no hay historia, sólo imagen violenta. El programa se llama Videodrome, la arena del vídeo, la arena de la imagen como antes estuvo la arena del circo romano.
Max Renn tirará de ese hilo y Nicki Brand será su Ariadna. El laberinto esconde en su centro una corporación: Spectacular Optical, dispuesta a hacerse con el control de la mente de la población occidental, que se ha vuelto muelle en exceso por lo sofistificado de su civilización. Un nuevo programa de control para hacerse con el poder absoluto (su eslogan reproduce las palabras de Lorenzo de Medicis, uno de los príncipes maquiavélicos por excelencia). Y frente a ellos la misión O’Blivion, fundada por el descubridor de los efectos del programa sobre el cerebro, que pretende fundar una nueva mística, un nuevo hombre que habrá de ver superadas sus condiciones físicas por la fusión con lo tecnológico, con lo maquínico: la iglesia de la nueva carne cuyos tonos góticos acentúa Howard Shore.
Pero lo que hace interesante el viaje de Max Renn no es la trama sino el sentido, la reflexión sobre nosotros y nuestro futuro, que pone sobre la palestra.
El Test de Rorschach prueba que vemos más de lo que hay
«Ser es ser percibido» afirmaba el obispo Berkeley en 1710 (Tratado sobre los principios del conocimiento) con su empirismo idealista, y Cronemberg le da la razón cuando hace afirmar al profesor O’Blivion (Jack Creley) que nada es real fuera de nuestra percepción. Al ciudadano de a pie puede parecerle que nada es más certero que la experiencia, que lo vivido es la fuente más fiable de lo que podemos asegurar como conocido verdaderamente, pero hace siglos que la historia del pensamiento llamó la atención sobre los límites de la certeza empírica y apeló a la recta razón como juez; la racionalidad matemática universal (lo objetivo) frente a la particularidad de la experiencia (lo subjetivo). Ahora bien, la razón se quedaría en mera entelequia si no se aplicara sobre lo capturado por las sensaciones, de modo que la pregunta sobre lo que es real acaba remitiendo de nuevo a la pregunta por los límites de la representación. Nuestra percepción tiene unos umbrales de sensibilidad que marcan los lindes de lo que puede ser distinguido con nitidez, fuera de ellos quedaría el espacio de lo no cognoscible y, por extensión, de lo irreal. La tecnología le ha puesto lentes a nuestros sentidos y la percepción así se amplía, pero a la vez se vuelve más propicia a la confusión, lo visto se extiende hasta aquello de lo que no tengo más que imagen mecánica (yo he visto Tailandia aunque nunca he estado allí acompañando a mi sobrino en sus viajes, como ejemplo). Llegamos así a la visión psicótica que nos plantea Cronemberg en Videodrome: lo que vemos en una película se convierte en fuente de verdad (mis alumnos decían conocer la Edad Media porque la habían visto en el cine),
Adicción a lo catódico
así cuando Cronembreg nos expone a las alucinaciones de Max Renn empezamos a perder el hilo, constatación evidente de que nos habíamos trazado unas expectativas de que lo visto en la pantalla tenía ápices de realidad y no de mera ilusión fílmica. Nuestra percepción no es genuina, no es una red con la que atrapamos lo externo sino un molde con el que lo conformamos, por eso puede llegar un momento en el que lo mental y lo extramental se confundan tanto como nos confunde el canadiense en Videodrome. Encontramos verosímil que Max Renn pueda tener una experiencia erótica con lo emitido por su televisor, a partir de ahí dejamos de saber a ciencia cierta qué ve de verdad el protagonista, qué vemos de verdad nosotros.
Las imágenes mecánicas nos despistan, pero nuestro conocimiento ya no puede ser sin ellas. Vivimos definitivamente instalados detrás de la lente, amalgamados con ella, los límites de la carne se trascienden a sí mismos y nos asimilan a lo maquínico. Esa es nuestra esperanza, la de superarnos continuamente, y nuestro horror, el miedo a ser sobrepasados por nuestras propias producciones. El de Cronemberg es un terror que sólo puede ser concebido por el hombre tecnológico para el que el infierno ya no puede estar en un más allá sino que se le asoma constantemente en el más acá. En la posibilidad de quedar desconectado, claro, pero la conexión también le lleva a pervertirse, le lleva a la posibilidad de convertirse en mera extensión de lo artificial.
Max Renn convirtiéndose en Nueva Carne
Como afirma Fabian Jiménez Gatto: Los atormentados personajes de Cronenberg resultan ser las figuras paradójicas a través de las cuales podemos acceder a un análisis de lo que la alteridad de un cuerpo preñado de tecnología representa en la cultura occidental, esto es, exceso, transgresión, perversión, polimorfismo sexual, abyección, en definitiva, caos para la identidad constituida a partir del círculo solipsista y claustrofóbico de un yo afincado en la mismidad de la interioridad subjetiva. La deshumanización, la conversión en mero objeto, ése era el futuro que parecía esperarnos en 1983; décadas después, se diría que seguimos abocados a ello. O cuanto menos ese terror sigue perviviendo en nuestro imaginario. Y mientras seguimos atrapados en esa distopía postindustrial, la gran pregunta sobre qué es la muerte, que es tanto como preguntar qué es la vida, sigue sin respuesta. Aterrados seguimos deseándole larga vida a la nueva carne que nos abduce.
Tv or not TV
Pasen, pasen, que vamos a hablar del Cryptshow 2012
A pesar de los pesares de los que cortan y recortan, el Cryptshow vuelve este año y pone en marcha su sierra para demostrar que no se rinde. Este certamen, que se celebrará del 11 al 15 de julio en el Círcol de Badalona, está dedicado en esta ocasión a las casas encantadas, y nos ofrece un variopinto programa con un común denominador: el buen gusto. Cojan asiento y echemos un vistazo:
El principal aliciente, pero como veremos, no el único, es la ajustada selección de cortos que competirán por la Sierra Circular, un total de 41 cortos de todo el mundo que se irán proyectando en dos tandas diarias de miércoles a sábado (este día con una tercera tanda matinal) con lo más reciente e interesante del panorama. El jurado está compuesto por el actor Jordi Díaz, el director Dani Moreno, Neus Campán (ganadora el 2011 del IV Premio Cryptshow Festival de relato de Terror), David Jordán (Cardoterror) y Juan Rubí Puig (Dkillerpanda).
Esperen, esperen, que no queda ahí la cosa, no. También hay largometrajes, entre ellos clásicos mayores y menores como The Changeling (Al final de la escalera, Canadá 1979, Peter Medak), que inaugurará esta edición de Cryptshow. Uno de esos films que han adquirido el estatus de película de culto y que guarda ciertas similitudes con The Ring. Y sobre todo The Unknown (Garras Humanas, 1927), el grán clásico mudo del tándem Lon Chaney /Tod Browning que tendrá el lujo de contar con música en directo de Tenebraeh!. Repito: UN LUJO, pero con mayúsculas. Lástima que los que nos desplazamos en metro nos vayamos a encontrar en el aprieto de no poder volver a casa, hacerlo andando o atracar a un viandante para poder coger un taxi. Ya veremos.
Pero no se vayan todavía, aún hay más: Despiporre oriental con Fasshonn heru (Horny House of Horrors, Japón 2010, Jun Tsugita). Animación con The Monster of Nix (Francia 2011, Rosto). La fantástica Sudor Frío (2010) de Adrián García Bogliano, Splintered (UK, 2010) de Simeon Halligan y películas calentitas, calentitas y recién salidas del horno como Buenas noches, dijo la señorita Pájaro, de César del Álamo y El último fín de semana de Norberto Ramos Del Val. Y todo ello sin olvidar el apartado documentales con 30 de terror, un recorrido por las treinta ediciones del veterano Festival de Cine de Terror de Molins de Rei.
Y… el homenaje. Este año Cryptshow ofrece un magnífico homenaje a José Ramón Larranz, un director (otra vez utilizaré la palabreja) de culto. Tanto como desconocido, ya que como es sabido parte de su obra inicial y más interesante se rodó en Inglaterra con films bastante difíciles de ver. No es el caso de Las hijas de Drácula (UK, 1974), horrible nombre (casi tanto como el cartel con el que se exhibió en la época que pueden «disfrutar» aquí), que se le dió a Vampyres, el hipnótico film que podremos disfrutar en pantalla grande y rodeados de sarnosos cinéfagos como nosotros en el Círcol. Un film clasificado «S», no lo 
olviden. Contaremos también con el documental que sobre el director y su película rodó Celia Novis en 2011, On Vammpyres and other Symptoms, además de con la presencia del propio realizador. Otro lujazo contesía de los señores y damas del Cryptshow.
¡Un segundo! ¡No se levanten todavía!, ya que también hay otras actividades y cosillas que tengo que comentarles. Si el año pasado el público pudo «jugar» con la serie interactiva Splatter de Joe Dante a escoger la víctima que moriría en el siguiente capítulo, en esta ocasión el respetable elegirá entre los propios componentes del staff del Cryptshow. Así que, sin lugar a dudas disfrutaremos viendo rodar la cabeza de parte de la organización en una miniserie de cuatro episodios dirigidos por David González bajo el nombre de Kill the Crypt. Promete.
Que no, que no he terminado todavía. Siéntense un momento, ya termino. Se presentará el 5º Cryptonomikon con los tres relatos ganadores en categoría terror, fantasía y ciencia ficción, en un volumen que se completará con los finalistas, entre ellos la Sra. Serendipia, lo cual me llena de orgullo y satisfacción. Un volumen que se podrá 
adquirir en papel o eBook. Pero también se presentará el nuevo número de el fanzine El Buque Maldito y los libros Monstruos Eléctricos (en papel) y El Columpio Negro, del conocido agitador Luis Rueda, uno de los responsables de la web de cabecera Judex. El primero está escrito junto a Pau Roig y como ya les comentamos está dedicado a repasar a nuestros queridos monstruos de la Universal, mientras que el segundo es una novela de la que también les dimos más detalles aquí. Por cierto, Judex demuestran que no escarmientan y vuelven a organizar una mesa redonda, en esta ocasión bajo el título: El Crowdfunding ¿una alternativa?. Más cosas: la presentación de los cortos Frankie (2012, David Ballester) y El lamento del pescador (2011, James J. Wilson), además del primer volumen de la colección de cortos Avantgarde Spanish Cinema (eso me suena…), dedicado en esta ocásión al cine fantástico.
Durante el festival, además podrán participar en el Fandomfest, grabando con cualquier tipo de soporte un máximo de un minuto durante el festival. Con todos los fragmentos se hará una película que montará el director David Muñoz. Y también habrá un ganador que recibirá como premio una subscripción premium a Filmin. ¿A que esperan para coger su vieja cámara super-8, su teléfono móvil (el góndola no vale), su cámara de video betamax o su cámara digital y emular a Mariano Ozores?
Y ahora si, ya pueden marchar. No sin antes indicarles que también habrá una exposición de pintura relacionada con el tema del festival de este año, ya saben, las casas encantadas y que contará con la participación de 25 artistas . Como ven un montón de actividades de todo pelaje y para todos los gustos en uno de los festivales que hacen honor a su nombre: festivo.
Infórmense sobre horarios en la web del festival: http://www.cryptshow.com/
Norberto Ramos del Val vuelve con… Summertime
Este mes, en el tiempo casi record de 4 días (del 27 al 30 de julio), se rueda Summertime, la nueva película de Norberto Ramos del Val, que él mismo “produce”, edita y dirige… Cosas del low cost, como llaman ahora a esto de hacer pelis sin dinero. Aunque más bien es serie b, pero de la buena, de la divertida.
La peli, una mezcla de comedia, drama intimista, musical, terror paranormal, metacine y peli golfa clasificada «S», está protagonizada exclusivamente por las jóvenes bellezas Alba Messa y Ana Rujas. A la primera la conoceréis por haber protagonizado alguna serie en su Galicia natal y por la gran El último fín de semana, el gran éxito del low cost de 2011. A la otra por series de esas que ve todo el mundo como Punta Escarlata, Ángel o Demonio, Con el Culo al Aire, 90-60-90…
Aquí se puede disfrutar de las dos en un vídeo promocional para apoyar la campaña de crowdfunding de la peli:
Ramos del Val, creador de películas tan diferentes como Muertos comunes, Hienas o El último fín de semana, rodará un asombroso guión, obra de Pablo Vázquez y Ricardo López Toledo. Ambos escritores y delincuentes juveniles en la web http://www.lapazmundial.com y otros sitios aún menos presentables. A la dirección general de la fotografía está Roland 
de Middel, maestro de la alta definición de bajo coste, Ion Arretxe como director artístico (Entrelobos, Tiro en la Cabeza, Todo es Mentira…) y la música correrá a cargo del grupo The Blurry Men con alguna que otra colaboración bastante sorprendente.
El film se rodará contra viento y marea con la ayuda del ya famoso y habitual crowdfunding. Es decir, que se pide que a la gente que le interese el proyecto ponga una pequeña cantidad de dinero a cambio de la cual aparecerá en los créditos de la peli y recibirá el dvd antes de que se estrene oficialmente. Summertime se distribuirá independientemente en dvd, festivales y por internet, a finales de año.
Según está el país y la industria audiovisual, no queda otra que rodar sin dinero y con los maravillosos medios que la gran revolución digital del siglo XXI nos ha puesto en bandeja. La absoluta y absurda (para qué negarlo) necesidad vital de seguir haciendo películas que tiene Norberto Ramos del Val no soporta los eternos plazos de las grandes producciones y, ya desde la serie web Hienas (que acabó siendo una película que fue por festivales de medio mundo y salió en dvd y por internet), tiene más que claro que no le parará nadie.
Este proyecto, del que prefieren no contar demasiado porque estén convencidos de que es algo de verdad diferente, está siendo creado con toda esta ilusión y pasión.
Colabora con lo más nuevo y diferente en la web de Verkami:
http://www.verkami.com/projects/2518-summertime
Web oficial en Facebook:
Twitter:
@MovieSummertime
Más información, al de siempre: norberfilms@gmail.com
Pilar Alcón: De El retorno del hombre lobo a Conan el bárbaro, pasando por otros rodajes
Sin lugar a dudas El retorno del hombre lobo (1981) es una pieza capital en la carrera de Paul Naschy. Por medio de esta obra su director, guionista y actor pudo por fin hacer el homenaje que su personaje, 
Waldemar Daninsky, y sus seguidores se merecían. En ella actuaba nuestra protagonista, Pilar Alcón, una actriz multidisciplinar y mucho más que una cara bonita. Intérprete de teatro, cine, televisión y comedias musicales, compartió cartel con los más reconocidos actores y actrices españoles, debutando en el cine con su personaje en El retorno del hombre lobo. Con ella vamos a recordar el rodaje de este film y de paso repasaremos los avatares de su amplia carrera, que incluye muchos títulos interesantes, entre ellos uno que le llevó a recibir un mandoble del mismísimo Schwarzenegger: la magnífica Conán el bárbaro. También formó parte del film de culto de Piquer Simón Mil gritos tiene la noche en un papel sin diálogo pero presente en todo el film, ya que era… la chica del puzzle. Pero…
COMENCEMOS POR EL PRINCIPIO
Pilar Alcón nace en San Martín de Pusa (Toledo) y ya desde bien pronto demuestra la vocación que marcaría su vida: sería actriz: » Desde que era un cría de 12 años participaba en los teatrillos y obras que se hacían para fin de curso. Siempre se me dieron bien esas cosas, de hecho me cuenta mi mamá que con solo 
un año me ponía a bailar sin casi tenerme en pie cuando la gente me lo pedía, así que esta claro que se nace. Entré en este mundo por casualidad. Yo me casé muy joven, con solo 17 años, porque mi ex, que me llevaba 8 años me dejó embarazada. Yo estudiaba magisterio pero termine casada… (…) me hablaron de una obra que se estaba preparando en Madrid y de la que hacían casting. Allí me presente y asi empezó todo: teatro , comedias musicales y… cine».
Respecto a la pregunta típica, preferencias entre el teatro y el cine, Pilar lo tiene claro: «Pues a esta pregunta típica la respuesta es también típica: ambos. Cada cosa tiene su forma de hacer. El teatro para el contacto directo con el publico (esa sensación es única) y el cine es más para otras sensaciones. En el teatro no hay «corten»… «repetimos»… se és o no se és. Pero el cine es más variado y divertido: exteriores, cada dia una escena nueva… De revista solo hice una en el teatro Calderón de Madrid, por que quería saber de esa experiencia laboral. Fui primera vedette con mi gran amigo Pepe Ruiz. Quería saber si era difícil moverse con esos adornos de plumas tan pesados, y si sabía cantar en directo, sacar a un espectador y provocar esas situaciones simpáticas para todo el público. En fin, un sinfín de materias interpretativas que en comedia musical o vodeviles no se daban. Así que en resumen básicamente soy actriz de teatro. He hecho musicales, vodeviles con Osinaga y Arturo Fernández, teatro clásico… un sinfín».
Pero su espectacular físico pronto llama la atención y tras el teatro, el papel con el que debuta en el cine es en…
EL RETORNO DEL HOMBRE LOBO
«Yo estaba haciendo una obra en el teatro Alcázar de Madrid donde tenía un papel bastante bueno en una obra dirigida por Montesinos, y me vio un representante que me llevo a ver a Naschy. Y fui aceptada. Dicho esto me tomaron el pelo -firmó este representante el contrato- y nunca vi un duro por esa película. Aquel señor, Cesar Bonet, me perjuraba que el tampoco había cobrado, pero le dejé al cabo de unos años por que no veía buena labor. En los despachos era yo la que peleaba por mis derechos y él no me buscaba buenas peliculas sin destape. Preferí pasados unos años ser yo misma la que me representase, y me fue mejor. Luego supe que los representantes casi te venden por lotes. Así que fue una buena decisión.
La noche del hombre lobo era el titulo del guión que me dieron para estudiar. La primera escena que rodé creo que fue en la que me colgaron…¡Vaya tela! Nueva en el rodaje y me dejé hacer…casi me quedo sin piés. Me pusieron una atadura en los tobillos para colgarme boca abajo e hicieron mal la sujeción y me dolía terriblemente. Como yo no queria que por mí cortasen la escena, aguanté como una jabata y mucho rato y encima los demás se equivocaban mucho jajajajaja. Cuando me descolgaron se echaron las manos a la cabeza de como tenía los tobillos. ¡Qué malos los de atrezzo o quien cñ hiciese la atadura!. «¡Quien cñ ha hecho esto tan mal!» gritaba Paul…..
Ni siquiera me doblé a mi misma, porque aunque soy de teatro ni me lo preguntaron. Era una total inexperta en este mundo y me hicieron de todo. Llevaba pocos meses en la profesión de actriz y era como un bebé , inocente , bondadosa..¡¡ TONTA!!
Por si eso fura poco, durante el rodaje tuvo que rodar un buen puñado de escenas rodeada de ratas, aunque afortunadamente » no tengo fobias a ningún animal. Ni a las ratas. ¡Soy una mujer diferente! jajajajaja».
Pero por suerte el ambiente de rodaje era bueno: «Si había buen ambiente . Había oído que Paul Naschy era el único actor que había hecho una transformacion en el cine español, luego hubo más, pero él fue el pionero. Era genial en todo, de verdad. Paul Naschy no solo era bueno en su trabajo de actor, de director era igual de bueno». También coincide por primera vez con Azucena Hernández, una prometedora actriz que vería truncada su carrera por un desgraciado accidente de tráfico: «¡Pobre mía, que mala suerte! Es encantadora, una niña adorable»
Pilar acudió al estreno oficial del film, donde también pudo verse a sí misma como vampira: «Cuando me matan de vampira me aplaudieron todos los que estaban allí, porque para ser la primera vez que moría asi por la estaca (en realidad la Cruz de Mayenza), las convulsiones si te fijas en la peli son geniales». Y realmente así es, denle un repaso a la película y verán que queda más que bien. También en una escena recibe un bofetón de Silvia Aguilar al pasar un ataque de histeria tras ser atacadas por unos bandidos (entre ellos David Rocha en un minúsculo papel). Tal y como me confirma Pilar, el bofetón queda tan real porque se lo propinaron de verdad.
OTRAS PELÍCULAS
Debido a la época y a su espectacular físico, a Pilar pronto le ofrecen papeles en los que tiene que mostrar su cuerpo desnudo: «El tema desnudos.(…) Como mi cuerpo aún habiendo ya parido cuatro bebés era de impresión por mi afición al deporte, pues me lo ofrecían continuamente, y yo personalmente no doy importancia a eso. Si no había escenas fuertes, que nunca acepte. De hecho antes de entrar como profesional del mundo del teatro, televisión y cine, en las playas de Vacas con mis hijos nos bañábamos en tanga y nunca considere ni eduqué a mis hijos dando a esas partes del cuerpo más importancia que otras partes como la cabeza, los oídos, las manos…etc jajajajajaja».
Pilar pronto pasa a interpretar papeles en populares comedias de Mariano Ozores, compartiendo reparto con actores como Fernando Esteso, Rafael Alonso, Florinda Chico (El Soplagaitas, 1980), Andrés Pajares, Juanito Navarro, Antonio Ozores (¡Qué gozada de divorcio! 1981, Brujas Mágicas 1981) o junto a José Luis López Vázquez y Jesús Puente (Los presuntos, 1986): «Sí, empecé compartiendo con los grandes de la época. Era buena trabajando (modestia aparte) . Muy profesional. Y además de tener la calidad que da el teatro, nunca me tuvieron que doblar, es más, me contrataban para doblar a otras. Del rodaje de La momia nacional (1981, José Ramón Larranz), recuerdo las gracias de los actores cómicos entre escena y escena. Sus bromas contínuas y el buen clima que creaba su director».
Con Álvaro Sáenz de Heredia inicia una relación profesional que se extiende en varios títulos: Freddy, el croupier (1982), film que incluye en su reparto a caras tan dispares como Bigote Arrocet o Ana Obregón. Policía (1987) con, además de Obregón, Emilio Aragón y ya en 1990, Aquí huele a muerto, donde coincide de nuevo en el reparto tras casi 10 años con Paul Naschy. Finalmente rueda con 
el director Una chica entre un millón (1994).
«Fredy el croupier fue un rodaje muy agradable, pues tanto su director como Bigote son personas muy profesionales y cordiales a la vez. De la película Policía puedo contar que estaba haciendo teatro de gira con Paco Arévalo y Manolo Cal y tuve que hacer muchos kilómetros para rodarla. Estábamos por el sur haciendo gira, terminaba de trabajar y a viajar de noche para llegar por la mañana, a eso de ocho, al rodaje. Rodar sin domir (las ojeras venían muy bien al personaje, la mandamás del trafico de cocaina, mala a rabiar), terminar la secuencia y de vuelta para llegar a la función de tarde en el teatro.
Aquí huele a muerto fue un rodaje muy, muy sacrificado. Yo estaba haciendo gira con Arturo Fernández y me ofrecieron este papel, que consideré un reto, porque era la primera mujer que en el cine español iba a hacer una transformación. El primero que lo habia hecho era nuestro Naschy, así que di los 15 días en el teatro para poder enseñar y ayudar a la nueva a aprender mi papel, que era principal, aunque no era mi obligación. Lo exigido es dar 15 días antes de irte para que el jefe, en esta caso Arturo, que era el productor además de actor en la obra, buscase una sustituta, pero yo siempre fui así en mi trabajo. Una vez enseñado mi papel a la nueva me incorporé al rodaje que fue tremendo. Si has visto la pelicula verás que la transformación esta muy conseguida. De hecho Álvaro y yo hablamos de como hacerlo, y la idea fue mía. Le dije que por qué no utilizábamos el mismo efecto que el del vídeo Thiller, de Michael Jackson. Y se hizo en muchas fases de maquillaje, no solo una. Es decir, se ponía algo, se rodaba, se ponía otra fase, se rodaba… y asi la última fase llevó más de seis horas de maquillaje. Y con esos dientes (…) tan enormes que una vez puestos no podía ni tragar saliva … ¡vamos! un esfuerzo tela, pero el papel lo merecía. He sido en la historia del cine español la primera en hacer una transformación, y ademas un papel con dificultad, pues solo podía interpretar con los ojos. Todo un reto. Y además coincidí con Naschy, el director que me dió la alternativa en el cine.
(Aquí tienen esa transformación si echan un vistazo a partir del minuto 1.58)
Una chica entre un millón, otra de Álvaro, se rodó en la Gran Via de madrugada, y mi papel era cortito. Pero yo a Álvaro siempre le decía que si , sin importarme si era más o menos largo. Las actrices por muy corto que sea su papel si eres buena se ve. Recuerdo lo terriblemente mala que era la protagonista. Si no repetió una frase que tenía cincuenta veces… se decía que era la «amiga»de alguien. Yo le daba la replica de la escena, hablaba un montón y ella tenía que decir una frase. Y nada, no había forma de que lo dijese poniendo una expresion creible. Al final dijeron: ‘Bueno, la doblamos’. Jajajaja.
De Los líos de Estefanía (1982, Augusto Fenollar) recuerdo al gran Narciso Ibáñez Menta. Me tenía mucho cariño y nos pasábamos las horas de espera haciendo unas risas. Ya estaba muy mayor, pero era muy tierno y cariñoso».
Interpreta más comedias, como Un rolls para Hipólito (1982, Juan Bosch) o Si las mujeres mandaran o mandasen (1982, José María Palacio) donde comparte reparto con actores y actrices de la talla de Amparo Muñoz, Rafaela Aparicio, Alfredo Landa…
«Un rolls para Hipólito es una de esas peliculas típicas de la época. Muy blancas a pesar de que las mujeres muestran los pechos. Son películas a mi modo de ver como las obras de teatro que yo hacía, vodeviles… divertidas. De Si las mujeres mandaran o mandasen tengo una anécdota preciosa. Yo hacía de dueña de un local de alterne pero de chicos «putos» ¡jajajajaja! era todo la revés de lo que era lo habitual en la sociedad, y era un poquito lesbiana además. Estaba en la barra de mi local con una mujer (una actriz mexicana de la que no recuerdo su nombre), la gastaba una broma sutil tirándole los tejos e intentado darla un cachete en le culete, y ella me daba un corte fuerte y me quedaba tan cabreada que el camarero, al otro lado de la barra, me decía «esa no traga, patrona», y yo le tenía que dar un puñetazo en la boca diciéndole «pero tu si», bueno, pues con el dire ensayamos mucho por que sé lanzar los puños de boxeo muy bien (otro más de mis muchos aprendizajes para mi profesión , como maquillaje , peluquería, montar a caballo, deportes de agua, etc. Un sinfín de materias). Lo medimos al milímetro para que quedara bien, y se dijo al de figuración que fijase bien el sitio al movimiento para que quedase real. Yo le dejaba el puño justo rozando la boca, pegado a sus labios. Esto lo repetimos ensayando mucha veces. «¿Ya lo tienes?» le dijo el director… ¡ pues el actor se movió en el rodaje y le partí el labio! Así que sí que quedó muy real la escena. Sangró».
EL RODAJE DE CONAN EL BÁRBARO
«Yo estaba haciendo una comedia musical en el teatro de Martín de Madrid, que ya no está, donde se cantaba y bailaba en directo en cada función, y allí un representante me vió y me ofreció hacer algo en la pelicula Conan el bárbaro (1982, John Milius). El rodaje coincidía con las dos funciones, pero me dieron permiso para ausentarme un dia … ¡el dia que librábamos! y así me llevaron a las afueras de Madrid donde John Milius tenía unas enormes tiendas de campaña del tamaño de medio campo de fútbol, donde habían ubicado maquillaje, las duchas y las zonas de descanso de actores y figuración.
Pilar tras recibir el espadazo (arriba) de Arnold.
Mi escena, que consistía en principio solo en salir de pasada en la bacanal, se amplió una vez me vio el director: yo me levantaba borracha, iba hacia Arnold, me daba un tajo con su espada, y yo caía de bruces contra el suelo. Me salió muy bien. De hecho el especialista en efectos caidas me felicitó por hacerla sin necesitar sus indicaciones.
Fue un rodaje totalmente extraordinario para lo que yo habia vivido en los españoles. Si te preguntas por qué te diré las razones: primero porque los medios era grandiosos, seis cámaras rodando cada escena desde muchos ángulos diferentes. Y también por la forma en la que ruedan los americanos. Ponen la misma música que luego irá en la escena de la película, y es genial porque te sitúa mejor a la hora de interpretar. Esta misma forma de rodar la viví en otra coproducción con Estados Unidos, Escarabajos asesinos.
Conocí a Arnold, si. La verdad es que tuvimos una gran amistad que surgió de una manera muy mágica a raiz de la escena brutal de mi muerte. Nos vimos otro dia. Arnold en aquellos dias era un hombre muy dulce y atento metido en ese enorme cuerpo que realmente impresionaba. Yo, que mido 1,65 de estatura, mi cabeza le llegaba a mitad del pecho y su brazo tenia el mismo grosor de mi muslo…¡impresionante! Pero dulce, muy dulce y muy crío».
MÁS PELÍCULAS …
Vuelta a comedias como Los autonómicos (1982, José María Gutiérrez Santos) con Antonio Ozores y Juanito Navarro y con el díptico Le llamaban JR y JR Contraataca de Francisco Lara Polop, con Pepe da Rosa y Antonio Garisa, entre otros.
«Los autonómicos era una de esas películas de humor con dosis de destape, como correspondía a la época. Como ya he dicho para mí sin problemas, porque en mi vida de mujer casada y con hijos, el desnudo en la playas era algo natural. Antonio y Juanito eran grandes amigos y trabajé en muchas con ellos. Gente maravillosa. Las de Jr. eran muy divertidas y estaba encantada de hacer de cuñada de la mala jajajajaja (Sue Ellen creo que se llamaba)».
Pilar Alcón también forma parte del reparto de coproducciones con USA, violación y venganza (1983, José Luis Merino) coproducida con Alemania o Escarabajos asesinos (1983, Steven Charles-Jaffe), con Estados Unidos. Además de rodar con Amando de Ossorio el último film del director, Serpiente de Mar (1984)
«El título original de la coproducción con Alemania era La hora de Susan White, pero decidieron poner algo mas comercial , ya sabes… USA, violacion y venganza. Esta película fue un gran trabajo y disfruté mucho. Tuve que correr con tacones de aguja. De hecho en la persecución con el jeep es increible a la velocidad que corro. Parecía que estuviera rodada a cámara rápida. Y para nada. Fue un bonito trabajo y mi primer papel protagonista cuando solo llevaba menos de una año en la profesión. En España tuvo una mala distribución, lástima, porque era espectacular y podía haber hecho despegar mi carrera y darme proyección. Pero en Alemania fue todo un éxito.
En Escarabajos asesinos me transformo en un cerdo, y bastante grande, por cierto. Para poder hacerlo más real yo estaba en un doble fondo, allí me introducía debajo de su cuerpo para así poder sacar la cabeza y los brazos, por que al cerdo lo vaciaron sin romperle su piel, para así yo poder enfundarme la parte alta del cuerpo del cerdo a modo de camiseta. Luego unos hilos invisibles me enfocaban cuando moviese sus patas ¿curioso no? Mientras rodábamos, al igual que en Conan, sonaba la misma música que luego se escuchaba al verla en los cines».
En Serpiente de mar, Pilar tiene ocasión de rodar con el gran 
actor Ray Milland: «Mis recuerdos de él son maravillosos. Fue encantador conmigo. Una experiencia maravillosa, sin duda».
El señor de los llanos (1987, Santiago San Miguel) es un film que se rodó parcialmente en Venezuela, compartiendo reparto con el recientemente fallecido Juan Luis Galiardo y con Maribel Verdú: «El rodaje fue accidentado por que la película se rodaba en mitad de la selva venezolana. (…) En aquella zona habia guerrillas con peligro real de que nos atacaran, así que teníamos en todos los rodajes protección. En la fotografía me podeis ver con los militares que se encargaban de ello y yo me puse un mono militar para hacer la gracia. Pero la custodia diaria era real para evitar un ataque. Cuando nos marchábamos los sindicatos nos hicieron boicot, y en el aeropuerto estuvimos a punto de no poder salir … Además, sufrí una caida aparatosísima a caballo durante el rodaje y el caballo y yo dimos una vuelta de campana. Pero no nos hicimos daño ninguno , mi forma física en aquellos días era perfecta».
EL TRABAJO EN TELEVISIÓN
«También en televisión he hecho trabajos interesantes. La última serie que hice tuvo tanto éxito y audiencia y que conforme terminaron los trece capítulos, se volvió a emitir. Te hablo de Quién da la vez (1995), con José Sacristan y dirigida por Vicente Escrivá. Con este director hice dos más por que le encantaba mi trabajo : Manos a la obra (1998) y Este es mi barrio (1996-97), otra vez con Sacristán.
El rodaje de Quién da la vez coincidió con la pérdida de mi hijo a los 24 años. Pero continué rodando con mi hijo recién enterrado. Si ves la serie mi trabajo es espectacular, además, tengo la anécdota de que el día del casting para el papel (de una mexicana) pensé que conociendo como son los directores, que les gusta que se lo des todo hecho y para competir con actrices de más renombre que yo, tenía que preparar algo especial, así que aparte de decir la separata que me habían mandado para la prueba, dias antes me estuve visionando canales mexicanos. Así cogería perfectamente el acento. Y para más detalle fui totalmente atrezada , maquillada , peinada (ya te dije que he estudiado de todo eso) y vestida. Es decir, lista para rodar. Y claro, el director me escogió a mi ¡Y eso que mis rivales tenían mucho más nombre!
Cuando ya rozaba el éxito sin ayuda de nadie, mi hijo Manuel se me fue de un manera muy traumatica. Estaba yo preparando lo de su boda, pues él estaba en Tenerife y como nació en Madrid los papeles se los estaba pidiendo yo. Pero encontró encamada a la novia con otro, se le fue la cabeza y se tiro de un sexto piso. Esto me hizo entrar en una depresión profunda que duró muchos años. Me encerré en mi casa y no atendía ni teléfono ni nada».
Pero Pilar ha seguido adelante. Y después de ponerse al día con las nuevas tecnologías ha vuelto a vuelto a entrar en contacto con amigos, fans y compañeros actores desde su facebook: «Los de mi época ya no están y los jóvenes no creo que me conozcan. Pero aunque no me he propuesto volver conforme están las cosas, ojalá algún productor me ofreciese trabajar sabiendo quien fui y poniéndome como colaboración especial».
Serendipia
Proyecto Naschy 
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