Archivo
Cowboys & Aliens, un western especial y espacial
Sinopsis: 1875, Territorio de Nuevo México. Un extraño (Daniel Craig), sin recuerdos de su pasado llega dando tumbos a un pueblo del desierto. La única pista de su historia es un misterioso grillete que le rodea la muñeca. Lo que descubre es que la gente del pueblo no da la bienvenida a los forasteros, y nadie hace un movimiento en sus calles a menos que la orden de hacerlo venga de la mano del coronel Dolarhydel (Harrison Ford). Es un pueblo que vive en el miedo.
Pero Absolution está a punto de experimentar algo que apenas puede comprender, ya que el desolado pueblo es atacado por merodeadores desde el cielo. Descendiendo con estrépito a una velocidad impresionante y con unas luces cegadoras para abducir uno a uno a la gente indefensa, esos misteriosos visitantes desbordan todo lo que el pueblo haya conocido hasta ahora.
Ahora, ese desconocido al que rechazaron es su única esperanza para la salvación. A medida que este pistolero comienza lentamente a recordar quién es y dónde ha estado, se va dando cuenta de que tiene un secreto que podría darle al pueblo la oportunidad de luchar contra las fuerzas alienígenas. Con la ayuda de la esquiva viajera Ella (Olivia Wilde: Tron: Legacy, The Change-Up), reúne una tropa formada por antiguos adversarios: la gente del pueblo, Dolarhyde y sus muchachos, y los guerreros apaches, todos en peligro de ser aniquilados. Unidos contra un enemigo común, se preparan para un enfrentamiento épico por la supervivencia.
Así resume Paramount para la prensa (bien poco resumido, a fuer de sinceros) el argumento de otro de los estrenos más esperados: Cowboys & Aliens, en el que también está implicado el Midas de Hollywood, Spielberg, que quedó tan entusiasmado con la historia que llegó a comentar: Yo estaba extrañado de que nadie hubiera hecho antes algo como esto. ¿Pero realmente es tan original esta fusión de géneros? Veamos:
Sabido es y no voy a descubrir nada si digo aquello de que los grandes estudios a veces (más de lo que lo admiten) escarban entre los más humildes productos buscando la idea mágica que les haga llevarse el gato al agua. Bueno, a veces también se la clavan directamente vendiéndoles productos descabellados (o casi) en un día especialmente generoso y feliz del productor o porque, el humilde guionista está poseído de la inventiva de un vendedor de almohadas 
mariposa. El caso es que a veces los estudios compran como magníficas ideas marcianas que, eso sí, bien maquilladas, con buenos actores y una inversión más que respetable puede convertirse en una película taquillera e incluso de culto.
Así, con casi todo ya visto y sin nada nuevo bajo el sol, se han podido ver, en el estricto plano de la más adorable serie B, híbridos desprejuiciados y mezclas de géneros tan dispares como kárate y (spaghetti) western (El kárate, el colt y el impostor, 1972 de Anthony M. Dawson -Antonio Margheriti- o La ley del kárate en el oeste, 1973 de Tonino Ricci); kárate y vampiros (Kung fu contra los 7 vampiros de oro, 1974 de Roy Ward Baker); terror y western (Billy The Kid vs. Drácula y Jesse James Meets Frankenstein Daughter, 1966, ambas del incombustible William Beaudine); humor y ciencia ficción (El E.T y el oto, 1986 Manuel Esteva); dinosaurios cazados a lazo por vaqueros (La Bestia de la montaña, 1956 de E. Nassour e Ismael Rodríguez ) o vaqueros y ciencia ficción.
Y ya hemos llegado donde quería.
Y es que claro, alguien ya tuvo la idea antes, aunque el presupuesto del, en este caso serial, fue el equivalente al invertido en peluquines para Harrison Ford en Cowboys & Aliens (2011, Jon Favreau). Se trata de El Imperio Fantasma (The Phantom Empire, 1935 Otto Brower y Reeves Eason ) serial en 12 episodios producido por Mascot, uno de los más humildes estudios del Powerty Row, o lo que es lo mismo, la zona de los estudios más pobres de Hollywood. El Imperio Fantasma narraba lo que sucede cuando el cowboy cantarín Gene Autry descubre la civilización subterránea de Murania bajo su rancho, con reina malvada incluida con ansias de dominar el mundo. Y con un Autry principalmente preocupado por llegar a tiempo a la emisión de su programa de radio antes de que le rescindan el contrato.
Tan humilde era el presupuesto destinado a este serial que se recurrió al departamento de atrezzo de la Metro y se reciclaron los aparatosos robots que 
fueron utilizados en un número musical de Alma de bailarina (Dancing Lady, 1933 Robert Z. Leonard).
Por si todo esto no sonara bastante ridículo, en España se estrenó después de la guerra dividida en tres episodios (llamados en la época jornadas), que, en vista del éxito obtenido por el serial de Flash Gordon Marte ataca a la tierra (Flash Gordon’s Trip to Mars, 1938 Ford Beebe) aquí estrenado como largometraje, se decidió que si salían robots, rayos y tipos raros con chillonas camisas de cowboys, lanzarían el serial como una nueva aventura de, en este caso, «Flas» Gordon, tal y como lo indicaron en sus carteles, de los cuales podemos ver a la izquierda el perteneciente a la primera jornada. Así resumía la trama una publicación de la época:
«Espectaculares aventuras de Flash Gordon (ahora bien escrito) que con la ayuda de sus dos pequeños amigos, Frankie y Betsy, sostiene una descomunal lucha contra un grupo de sabios ambiciosos y una poderosísima ciudad situada a seis mil metros bajo el nivel de la tierra y dotada de los más increíbles adelantos técnicos y científicos«.
A pesar de todo, el serial fue un éxito en nuestro piadoso país, cosa que no es sorprendente dadas las ganas de evasión por la que atravesaba aquella España sumida en plena postguerra. Estos son los tres atractivos nombres de los episodios con los que se distribuyó: La ciudad subterranea, La Cámara Diabólica y El rayo de la muerte.
Analizados pues, los antecedentes de esta Cowboys & Aliens, visitemos a los guionistas del film, Fergus y Ostby (Iron man, Iroman II), que afirman haberse motivado con la imagen de portada de una novela gráfica de idéntico nombre. Scott Mitchell Rosenberg editor de cómics y creador de Platinum films, tuvo la idea de hacer un crossover entre el viejo oeste y la ciencia ficción, por eso en 2006 creó y adquirió los derechos de la novela gráfica escrita por Fred Van Lente y Andrew Foley e ilustrada por Luciano Lima, Cowboys&Aliens. Así pues, aunque no sea la primera vez en la historia del cine en la que se combinan ambos géneros, la película de Favreau es la adaptación de esta novela gráfica, que siempre estuvo pensada para ser llevada al cine. Cuando Spielberg y más tarde Ron Howard conocieron el proyecto, no vacilaron en financiarlo y de ese modo llegamos a la película.
Favreau se muestra sabio en la utilización del scope y en la construcción de escenas de acción grandiosas, pero esta vez nos firma una película, entretenida, sí, que peca de obvia. Aparecen tooodos los tópicos del western: el forastero, los cazadores de recompensas, el hacendado que tiene dominado al pueblo, su hijo gañán, ese sheriff honesto que no se deja corromper y está dispuesto a hacer cumplir la ley, el hombre del Este que viene a hacer fortuna y a tratar de que la civilización llegue al salvaje Oeste… Todos, salvo el duelo final, que aquí se ve sustituido por el enfrentamiento definitivo contra esos lagartos mutantes que son los aliens. El caso es que la cinta nos trajo a la memoria otra bien distinta, Navigator (Vincent Ward, 1988), sobre todo porque se echa en falta el pánico ante esos seres y esas naves que tendrían que haber espantado al más curtido de los hombres en ese Oeste recién salido de la Guerra Civil donde no se había visto ni siquiera un automóvil. No nos podemos creer esa reacción y es que la película está más centrada en apurar el western que en combinar los géneros y, sobre todo, en transmitir su mensaje, pues los aliens no son más que una excusa para enarbolar un discursito sobre lo buena que es la unión entre los hombres de todas las razas (sean de paz o no) y como así todos redimen sus culpas (por si se 
nos escapaba, el pueblo se llama Absolución).
La mezcla de géneros sólo se cumple de verdad en el espectacular desenlace, en el que asistimos a las mejores coreografías y donde se integra la trama fantástica dentro de lo que hasta entonces no ha sido más que un western sobrevolado por efectos especiales de ciencia ficción. Es ahí además cuando Harrison Ford da lo mejor de sí mismo como habitual al género de aventuras que es.
Enmarcados por una fotografía excelente (debida a Matthew Libatique, colaborador habitual de Aronofsky), la tríada de protagonistas cumple su cometido con diferentes resultados. Nuestro Bond, Daniel Craig, construye un muy creíble hombre sin nombre, como el que solía interpretar Eastwood en las películas de Leone. Explota bien su mirada fría, su temple y su mutismo, dando perfectamente la talla de antihéroe carismático que va a resolver todos los problemas para después seguir su caminar solitario. Por el contrario, Olivia Wilde podría haberle sacado más partido a su personaje, no sabe jugar todas las bazas que le da ni siquiera después del giro argumental que aumenta su relevancia dentro de la trama. No parece encontrarse, porque ni es la guapa chica florero ni la aguerrida compañera de batalla, decepciona un tanto aunque más decepciona su recatado desnudo (¡asco de corrección política!) que sacrifica todas sus posibilidades eróticas para no dejar de ser ni en un sólo momento una película apta para todos los públicos.
En definitiva, se le habría podido sacar mucho más partido a la historia con esos mimbres, pero la película no pasa de ser un mero entretenimiento sin el menor calado. Eso sí, si dejamos apartada la mente crítica y volvemos a nuestra candidez pre-púber podemos pasar un rato entretenido, que hay bonitas praderas, mejores cañones y buenas escenas de jinetes cabalgando a través de ellos.
Cowboys & Aliens: un western espacial especial
1875, Territorio de Nuevo México. Un extraño (Daniel Craig), sin recuerdos de su pasado llega dando tumbos a un pueblo del desierto. La única pista de su historia es un misterioso grillete que le rodea la muñeca. Lo que descubre es que la gente del pueblo no da la bienvenida a los forasteros, y nadie hace un movimiento en sus calles a menos que la orden de hacerlo venga de la mano del coronel Dolarhydel (Harrison Ford). Es un pueblo que vive en el miedo.
Pero Absolution está a punto de experimentar algo que apenas puede comprender, ya que el desolado pueblo es atacado por merodeadores desde el cielo. Descendiendo con estrépito a una velocidad impresionante y con unas luces cegadoras para abducir uno a uno a la gente indefensa, esos misteriosos visitantes desbordan todo lo que el pueblo haya conocido hasta ahora.
Ahora, ese desconocido al que rechazaron es su única esperanza para la salvación. A medida que este pistolero comienza lentamente a recordar quién es y dónde ha estado, se va dando cuenta de que tiene un secreto que podría darle al pueblo la oportunidad de luchar contra las fuerzas alienígenas. Con la ayuda de la esquiva viajera Ella (Olivia Wilde: Tron: Legacy, The Change-Up), reúne una tropa formada por antiguos adversarios: la gente del pueblo, Dolarhyde y sus muchachos, y los guerreros apaches, todos en peligro de ser aniquilados. Unidos contra un enemigo común, se preparan para un enfrentamiento épico por la supervivencia.
Así resume Paramount para la prensa (bien poco resumido, a fuer de sinceros) el argumento de otro de los estrenos más esperados: Cowboys & Aliens, en el que también está implicado el Midas de Hollywood, Spielberg, que quedó tan entusiasmado con la historia que llegó a comentar: Yo estaba extrañado de que nadie hubiera hecho antes algo como esto. ¿Pero realmente es tan original esta fusión de géneros?
Sabido es y no voy a descubrir nada si digo aquello de que los grandes estudios a veces (más de lo que lo admiten) escarban entre los más humildes productos buscando la idea mágica que les haga llevarse el gato al agua. Bueno, a veces también se la clavan directamente 
vendiéndoles productos descabellados (o casi) en un día especialmente generoso y feliz del productor o porque, el humilde guionista está poseído de la inventiva de un vendedor de almohadas mariposa. El caso es que a veces los estudios compran como magníficas ideas marcianas que, eso sí, bien maquilladas, con buenos actores y una inversión más que respetable puede convertirse en una película taquillera e incluso de culto.
Así, con casi todo ya visto y sin nada nuevo bajo el sol, se han podido ver, en el estricto plano de la más adorable serie B, híbridos desprejuiciados y mezclas de géneros tan dispares como kárate y (spaghetti) western (El kárate, el colt y el impostor, 1972 de Anthony M. Dawson -Antonio Margheriti- o La ley del kárate en el oeste, 1973 de Tonino Ricci); kárate y vampiros (Kung fu contra los 7 vampiros de oro, 1974 de Roy Ward Baker); terror y western (Billy The Kid vs. Drácula y Jesse James Meets Frankenstein Daughter, 1966, ambas del incombustible William Beaudine); humor y ciencia ficción (El E.T y el oto, 1986 Manuel Esteva); dinosaurios cazados a lazo por vaqueros (La Bestia de la montaña, 1956 de E. Nassour e Ismael Rodríguez ) o vaqueros y ciencia ficción.
Y ya hemos llegado donde queríamos.
Y es que claro, alguien ya tuvo la idea antes, aunque el presupuesto del, en este caso serial, fue el equivalente al invertido en peluquines para Harrison Ford en Cowboys & Aliens (2011, Jon Favreau). Se trata de El Imperio Fantasma (The Phantom Empire, 1935 Otto Brower y Reeves Eason ) serial en 12 episodios producido por Mascot, uno de los más humildes estudios del Powerty Row, o lo que es lo mismo, la zona de los estudios más pobres de Hollywood. El Imperio Fantasma narraba lo que sucede cuando el cowboy cantante Gene Autry descubre la civilización subterranea de Murania bajo su rancho, con reina malvada incluída con ansias de dominar el mundo. Y con un Autry principalmente preocupado por llegar a tiempo a la emisión de su programa de radio antes de que le rescindan el contrato. Tan humilde era el presupuesto que para los robots se reciclaron, los ya ridículos utilizado por la Metro en un número musical de Alma de bailarina (Dancing Lady, 1933 Robert Z. Leonard).
Por si todo esto no sonara bastante triste, en España se estrenó después de la guerra en tres episodios (llamados en la época jornadas), que, en vista del éxito obtenido por el serial de Flash Gordon, Marte ataca a la tierra (Flash Gordon’s Trip to Mars, 1938 Ford Beebe) que aquí se estrenó condensada como largometraje, se decidió que si salían robots, rayos y tipos raros con chillonas camisas de cowboys, lanzarían el serial como otra aventura, en este caso, de “Flas” Gordon, tal y como lo indicaron en el cartel. Así resumía la trama una publicación de la época: Espectaculares aventuras de Flash Gordon (ahora bien escrito) que con la ayuda de sus dos pequeños amigos, Frankie y Betsy, sostiene una descomunal lucha contra un grupo de sabios ambiciosos y una poderosísima ciudad situada a seis mil metros bajo el nivel de la tierra y dotada de los más increíbles adelantos técnicos y científicos“. A pesar de todo, el serial fue un éxito en nuestro piadoso pais, cosa que no es sorprendente dadas las ganas de evasión en un país sumido en plena postguerra, así como los atractivos nombres de los tres episodios con los que se distribuyó: La ciudad subterranea, La Cámara Diabólica y El rayo de la muerte. …¡¡Qué bien suenan y cuánto han cambiado las cosas!!… ¿O no?
Fergus y Ostby, guionistas del film de Favreau (Iron man, Iroman II) afirman haberse motivado con la imagen de portada de una novela gráfica, ¿de cuál se trata? Bien, ahí está el inicio del proyecto. Scott Mitchell Rosenberg editor de cómics y creador de Platinum films, tuvo la idea de hacer un crossover entre el viejo oeste y la ciencia ficción, por eso en 2006 creó y adquirió los derechos de la novela gráfica escrita por Fred Van Lente y Andrew Foley con los dibujos de Luciano Lima, Cowboys&Aliens. Así pues, aunque no sea la primera vez en la historia del cine en la que se combinan ambos géneros, la película de Favreau es la adaptación de esta novela gráfica, que siempre estuvo pensada para ser llevada al cine. Cuando Spielberg y más tarde Ron Howard conocieron el proyecto, no vacilaron en financiarlo y de ese modo llegamos a la película que va a estrenarse en España este próximo viernes 2 de septiembre.
Favreau se muestra sabio en la utilización del scope y en la construcción de escenas de acción grandiosas, pero esta vez nos firma una película, entretenida, sí, que peca de obvia. Aparecen tooodos los tópicos del western: el forastero, los cazarecompensas, el hacendado que tiene dominado al pueblo, su hijo gañán, ese sheriff honesto que no se deja corromper y está dispuesto a hacer cumplir la ley, el hombre del Este que viene a hacer fortuna y a tratar de que la civilización llegue al salvaje Oeste… Todos, salvo el duelo final, que aquí se ve sustituido por el enfrentamiento definitivo contra esos lagartos mutantes que son los aliens. Mientras la veía recordaba Navigator (Vincent Ward, 1988), sobre todo porque se echa en falta el pánico ante esos seres y esas naves que tendrían que haber acojonado al más curtido de los hombres en ese Oeste recién salido de la guerra civil donde no se había visto ni siquiera un automóvil. No nos podemos creer esa reacción y es que la película está más centrada en apurar el western que en combinar los géneros y, sobre todo, en transmitir su mensaje de envoltura de chocolate italiano (¿No habéis probado los Baci?): los aliens no son más que una excusa para enarbolar un discursito sobre lo buena que es la unión entre los hombres de todas las razas (sean de paz o no) y como así todos redimen sus culpas (por si se nos escapaba el pueblo se llama Absolución).
La mezcla de géneros sólo se cumple de verdad en el espectacular desenlace, en el que asistimos a las mejores coreografías y donde se integra la trama fantástica dentro de lo que hasta entonces no ha sido más que un western sobrevolado por efectos especiales de ciencia ficción. Es ahí además cuando Harrison Ford da lo mejor de sí mismo como habitual al género de aventuras que es. Un Harrison Ford desigual a lo largo de la cinta.
Enmarcados por una fotografía excelente (debida a Matthew Libatique, colaborador habitual de Aronofsky), la tríada de protagonistas 
cumple su cometido con diferentes resultados. Nuestro último Bond, Daniel Craig, construye un muy creíble hombre sin nombre, como el que solía interpretar Eastwood en las películas de Leone. Explota bien su mirada fría, su temple y su mutismo, dando perfectamente la talla de antihéroe carismático que va a resolver todos los problemas para después seguir su caminar solitario. Por el contrario, Olivia Wilde podría haberle sacado más partido a su personaje, no sabe jugar todas las bazas que le da ni siquiera después del giro argumental que aumenta su relevancia dentro de la trama. No parece encontrarse, porque ni es la guapa chica florero ni la aguerrida compañera de batalla, decepciona un tanto aunque más decepciona su recatado desnudo (¡asco de corrección política!) que sacrifica todas sus posibilidades eróticas para no dejar de ser ni en un sólo momento una película apta para todos los públicos.
En definitiva, se le habría podido sacar mucho más partido a la historia con esos mimbres, pero la película no pasa de ser un mero entretenimiento sin el menor calado. Eso sí, si dejamos apartada la mente crítica y volvemos a nuestra candidez prepuberscente podemos pasar un rato entretenido, que hay bonitas praderas, mejores cañones y buenas escenas de jinetes cabalgando a través de ellos.
Respecto a la taquilla, nuestra previsión no es muy optimista atendiendo a lo tardío de su estreno. Que la vuelta al cole ya está en El Corte Inglés y ya no hay que tener distraídos a los enanos para que los padres puedan descansar de ellos un rato.
Veredicto, pues: blockbuster veraniego que llega a destiempo y al que no lo salva la conjunción de talentos que se da en él.
Night of the living dead: El cómic
Nos congratula la publicación en castellano de un cómic que promete ser más que interesante, y más sabiendo que en su guión ha colaborado el mismísimo John Russo, co-guionista del film original junto a Romero.
THE NIGHT OF THE LIVING DEAD VOL. 1 (Colección Avatar). Rústica 192 pags.
En 1968, el director George A. Romero estrenó La noche de los muertos vivientes (Night of the linving dead), la película que hizo famosos a los zombis y que se ha convertido en un auténtico film de culto.
Este cómic cuenta la historia que todos los fans de los muertos vivos quieren conocer. ¿Qué pasó justo antes de aquella terrorífica e inolvidable noche? Coescrita por John Russo, guionista del film original, La noche de los muertos vivientes es un precuela que revela sorprendentes datos sobre algunos personajes de la película e introduce nuevas historias que harán temblar de horror y gozo a los aficionados al género.
Con guión de, además de Russo, Mike Wolfer y guión de Ryan Waterhouse, Sebastian Fiumara, Dheeraj Verma y Tim Vigil.
Sitges 2011: Malditos sean de Fabián Forte seleccionada
Sabido es que el Festival de Sitges mira con mucho interés el cine de género que nos llega de Latinoamérica, porque en su modestia ofrece nuevas propuestas (el hambre y el ingenio) narrativas realmente interesantes. Ese sería el caso de la argentina Malditos Sean de Fabian Forte (co-dirigida con Demián Rugna ) que tendremos oportunidad de ver en esta edición.
En palabras de Fabián Forte Malditos Sean narra una historia que se desarrolla en tres épocas distintas de nuestro país: 
en el año 79 (plena dictadura militar en Argentina), en el 89 y en el 2000. La historia central sucede en el 79, y trata de un grupo de tareas que secuestran por error a un hombre llamado Ulises, de quien no tienen datos, pero que en brevedad se enterarán de que se trata de un curandero muy peligroso. A través de este personaje se unifican las otras dos historias, mediante las maldiciones que Ulises ejecuta. Las otras dos historias hablan de un asesino serial que mata a un niño inocente y de como debe sanar su conciencia personificada en el alma del niño, y sobre un grupo de lectoras de borras de café que se ven acorraladas bajo la maldición de uno de sus clientes. Mediante Ulises seremos testigos de como utiliza sus maleficios para poder escapar del secuestro en que lo someten. Se puede decir que es un tríptico de fantasía y horror, con cierto humor en cada una de sus historias. Autoproducida por ambos directores, su presupuesto ha sido mínimo y los recursos se han optimizado durante la postproducción: Hay mucho tiempo, si. En color, en filtros como también en detalles de edición. Hemos tirado muchos planos para contar la película. Los fx especiales en su mayoría son físicos, efectos de montaje. Hay algunos fx digitales que llevan horas de ajuste y renders. Es más, aún hoy retocamos la película cuando encontramos alguna escena que creemos puede mejorar. Se rodó en tres años consecutivos para poder dedicar el resto del año a la edición y compaginar así su proyecto con sus respectivos trabajos alimenticios.
Mucho esfuerzo para lograr un respetable film, de forma totalmente independiente, que tendrá que abrirse paso en Festivales (siempre la distribución es el momento más difícil de llevar a cabo) y al que le deseamos la suerte que merece.
(Las declaraciones de Fabián Forte han sido extraídas de la siguiente entrevista: http://hacerpeliculas.blogspot.com/2011/05/fabian-forte-nos-habla-de-su-ultima.html )
Completada la sección oficial de la XII Semana Internacional de Cine Fantástico de la Costa del Sol
Junto a las cuatro películas que ya anunciamos en este blog, la sección oficial ha quedado completada con cinco films más. Así las películas que optan al Unicornio de plata son las siguientes:
|
 |
|
 |
|
 |
|
 |
|
 |
|
 |
|
 |
|
 |
|
De los Cronocrímenes a Timecrimes gracias a Dreamworks
Cine Español se ha convertido en una etiqueta de género, y de un género denostado por el propio público español. Se le considera sinónimo de film aburrido, de temática rural que cuenta batallitas de la guerra civil como cualquier viejo plasta en un bar. Dicen que el público nunca se equivoca, pero en este caso lo que no hace es acertar.
En otros tiempos se usaba el despectivo «españolada» para referirse a las películas patrias, y para diferenciarlas de las americanas conocidas también como «la buena» en aquellos programas dobles de sesión continua que algunos aún tuvimos la fortuna de conocer. 
Ahora, época de revisiones, se reivindican muchas de aquellas películas que el tiempo ha acabado por poner en su lugar. Es hora también de abandonar el prejuicio arriba comentado, pues lo único que muestra es la ignorancia del espectador medio respecto al cine que se rueda en nuestro país.
La culpa se le atribuye al cha-cha-cha, esto es, a Pilar Miró en su cargo de Directora General de Cinematografía (1982-1985), se la acusa de haber acabado con el cine de género y de haber apartado al público de los cines. No es totalmente cierto, los aires de cambio que se respiraban demandaban un cine más comprometido que pudiera por fin contar la historia desde el punto de vista de los perdedores y el género se estaba agotando a sí mismo a fuer de estirar los huevos de oro de la gallina.
Desde los 80s ha llovido muuuucho y aquel cine denso pasó a la historia. Las nuevas generaciones de cineastas vuelven a apostar por el cine de género y con más medios de los que tuvo antaño. Ahí está Celda 211 (2009, Daniel Monzón), La madre muerta (1993, Juanma Bajo Ulloa), Rec (2007, Jaume Balagueró y Paco Plaza) o Los Cronocrímenes (2007, Nacho Vigalondo). Y ahí es dónde queríamos llegar.
Nacho Vigalondo es un cineasta desacomplejado (y cercano) que entró al cine por la puerta grande cuando en 2004 nominaron a los Óscars su corto, 7:35 de la mañana. Gócenlo y luego seguimos hablando:
Después de demostrar su capacidad de hombre orquesta, el guión es suyo, suya la dirección, suya la música y además es su actor principal, en 2007 le llegaría el turno a su primer largo: su ópera prima, Los Cronocrímenes. Otro proyecto atrevido para un autor novel que une viajes en el tiempo, montaje no secuencial para reflexionar mejor sobre el tiempo y el tiempo en el cine, el género fantástico y la comedia. Se reserva un papel para sí mismo y sabe sacarle todo el partido a Karra Elejalde. Hay que reconocer que se salió con nota del reto, incluso algunos críticos, como Rubén Lardín, la consideran como la mejor película española de la década. ¿Y el público?
A 21 de diciembre de 2007 aún no había fecha establecida para su estreno en España, pese a haber triunfado a nivel internacional, así lo contaba el propio Vigalondo en su blog. Habría que esperar al 27 de junio de 2008 para que se estrenara comercialmente en nuestro país y encima obtuvo no muy buenos resultados en taquilla.
Nadie es profeta en su tierra (y menos si esa tierra es esta), al poco de estrenarse ya empezó a hablarse de su triunfo en Hollywood y de un posible remake americano, finalmente este enero último se confirmaba. El remake se ha hecho posible gracias a Dreamworks y a la adaptación de Steve Zaillian (conocido por La Lista de Schindler ). Y aquí va la primicia, estamos en condiciones de ofrecer las primeras imágenes de este remake cuyo estreno se espera para el próximo año:
Sí, han acertado, esto es una broma. Se trata de un vídeo casero realizado por un padre y su hijo en UK. Pero el proyecto está en marcha y pronto llegarán sus auténticas imágenes :)
Hoy nos enterábamos de que los americanos van a hacer el remake de La Comunidad de Álex de la Iglesia, Hollywood es lo que es gracias a los europeos desde su fundación y no vacilan en adaptar a la lengua inglesa todo producto de calidad que llega de Europa. Parece que hay crisis de ideas por allí, eso o, como dicen las malas lenguas, a los americanos no les gustan las películas subtituladas. Vigalondo está contento con la adaptación y, sin duda, le dará mayor renombre internacional (sí, más del que ya tiene), pero nosotros pensamos como Jaume Balagueró que nada va a superar la original.
Y así están las cosas, el cine español se dejó de dramones rurales hace mucho, y su calidad no tiene nada que envidiarle a muchas producciones USA (ya ven que son ellos los que nos copian), falta que las distribuidoras arriesguen más y que el público salga de su empecinamiento.
Lo más esperado: Frankenweenie, ahora Tim Burton nos ofrece el largo
Corría el año 1984, Tim Burton era apenas un veinteañero amante de los mundos imaginarios del romanticismo y de esa serie B que había protagonizado tantas veces su admirado Vincente Price, casi nadie había oído hablar de él. Su primer trabajo fue un corto de animación dedicado a Price que lleva por título Vincent. Entonces concibió una idea para un largometraje de animación en stop-motion en el que llevar a la pantalla un niño Frankenstein con mucho en común con él mismo, esa pequeña maravilla que es Frankenweenie. No consiguió financiación y tuvo que reconvertir el proyecto en un corto de acción real. El resultado fue excelente. Así empezaba la singladura de uno de los más admirados (y odiados, valga decirlo) directores de las postrimerías del siglo XX. Nos ha dado obras maestras como Ed Wood (1994) y películas fallidas como El planeta de los simios (2001) pero siempre será uno de los directores interesantes de cuya trayectoria hay que estar pendiente.
Tim Burton ahora ya es un hombre maduro, pero su mente sigue siendo juvenil y apasionada por lo gótico y es así como por fin podrá rodar el que habría de haber sido su primer largo. Y lo hará tal como lo soñó: animada con la técnica fotograma a fotograma (stop-motion), Frankenweenie se filmará en blanco y negro y luego será renderizada en 3D, lo que elevará el estilo clásico de animación a una experiencia completamente nueva. Para la película se han creado más de 200 muñecos y sets.
El argumento es el mismo que el del corto: una conmovedora historia sobre un niño y su perro. Tras la inesperada muerte de su adorado perro Sparky, el pequeño Victor se vale del poder de la ciencia para traer a su mejor amigo de regreso a la vida… con unos pocos ajustes menores. Victor intenta ocultar su creación, pero cuando Sparky logra salir, los compañeros de escuela de Victor, sus maestros y el pueblo entero aprenderán que crear una nueva vida puede convertirse en algo monstruoso.
Protagonizada por Winona Ryder, Martin Short, Catherine O’Hara y Martin Landau, además Walt Disney Pictures habremos de esperar (si se cumple lo previsto) hasta el 5 de Octubre del 2012. De momento vamos abriendo el apetito rememorando su corto:
La semana internacional de cine fantástico de la Costa del Sol llega a su XII edición
El próximo 19 de septiembre comenzará en Estepona la XII edición de la Semana Internacional de la Costa del Sol, gran cita esperada por el fandom español. En este blog le tenemos especial querencia por haber sido Paul Naschy uno de sus impulsores, su personaje más querido, Waldemar Daninsky, da nombre al galardón honorífico que este año recaerá merecidamente en Jesús Franco. Se entregará, además, el Unicornio de Honor al actor Kevin Sorbo, popular por su participación en la serie televisiva Hercules: The Legendary Journeys (111 episodios, 1995-1999). Este actor, además, será protagonista de la Legendary Fan Convention.
La presencia de esta estrella televisiva había generado muchas expectativas entre la afición, lamentablemente se ha provocado también una triste polémica en torno a la convención. Polémica creada por la desinformación de algunos medios de la prensa y el revuelo que en torno a ese error ha protagonizado el PSOE local. Un ejemplo de lo que decimos:
Veinte euros por autógrafo
El PSOE denuncia que el equipo de gobierno quiere que se pague por las firmas de los actores, fotos y comidas en la Semana de Cine Fantástico de la Costa del Sol
http://www.malagahoy.es/article/provincia/1049514/veinte/euros/por/autografo.html
El gobierno municipal rápidamente desmintió esa noticia. El festival es completamente gratis y la Legendary Fan Convention. Quizás en este país de envidiosos que es España, en ocasiones, desconozca que el cobro de fotografías y autógrafos por parte de los propios actores es una práctica extendida en EE.UU (Naschy no se sumó a esa tendencia en su estancia en América). El dinero que se recaude irá a parar a las manos de Kevin Sorbo exclusivamente, por tanto el festival sigue siendo totalmente gratuito como lo ha sido desde su inicio.
En vistas de que los rumores no cesaban (presentes incluso en la página de Facebook de la Semana) la organización del festival ha redactado una extensa nota aclaratoria. Para que cese este malentendido reproducimos completa dicha nota:
La Semana Internacional de Cine Fantástico de la Costa del Sol – Estepona se posiciona ante los comentarios infundados surgidos raíz de la LEGENDARY FAN CONVENTION organizada como acto paralelo de la XII edición del festival.
La visita de Kevin Sorbo a la Semana Internacional de Cine Fantástico está generando mucha más expectación de la inicialmente prevista. Lo que en principio era una mera invitación al artista para recoger el Premio Unicornio de Honor, galardón que en ediciones anteriores han recogido en Estepona artistas de la talla de Christopher Lee, Dario Argento, Dolph Lungren o Narciso Ibañez Serrador, ha generado que una entusiasta avalancha de fans, acérrimos y devotos hayan solicitado a la organización del festival la preparación de un calendario de actividades paralelo a la programación del Festival.
El Hotel Fuerte Estepona Suites Spa se convierte de esta manera en sede de todas las actividades para fans relacionada con la figura de Kevin Sorbo, principal homenajeado de esta XII junto a otros artistas del Séptimo Arte que visitarán la costera localidad malagueña, como el consagrado ganador de un Goya Honorífico, Jesús Franco (Premio Waldemar Daninsky), el emergente cineasta Miguel Ángel Vivas (Premio Especial del Jurado) o la popular actriz andaluza Ana Fernández (Premio ASFAAN).
Las actividades organizadas alrededor de la visita de Kevin Sorbo en deferencia a sus seguidores han sido producto de la cordial negociación mantenida con artista y representantes de sus clubes de fans. La Semana Internacional de Cine Fantástico de la Costa del Sol Estepona ejerce exclusivas labores de anfitrión, sin recibir ningún tipo de beneficio adicional de índole económica por dicha gestión. Más aún, el consentimiento de los organizadores a albergar esta convención paralela dentro de las actividades del festival obedece a un interés meramente promocional para el evento que, ulteriormente, beneficie al comercio local en el municipio gracias a esta nueva racha turística en lo que los establecimientos hoteleros consideran Temporada Baja.
Que un evento como la Semana Internacional de Cine Fantástico de la Costa del Sol Estepona, aún bajo el paraguas de la crisis, haya conseguido captar el interés de artistas de la repercusión mediática de Kevin Sorbo, prolongando así su continuidad, debería ser enfocado como algo positivo en un momento en el que la actividad cultural se ve seriamente afectada por los comprensibles recortes presupuestarios derivados de la actual coyuntura económica, más aún en el contexto de un evento que jamás ha obtenido lucro alguno por las actividades que organiza, ya sean proyecciones, conferencias o publicaciones.
Por ello, que artistas que en definitiva viven de su imagen hagan de ella un modelo de negocio no debería ser un argumento con el que emponzoñar la imagen de un evento ni de la corporación que lo apoya. Si se acepta (y no se critica) el hecho sacarse fotos junto a un hombre disfrazado de Mickey Mouse en EuroDisney o de Bob Esponja a la entrada del musical que lleva su nombre pagando similares cantidades, hacer crítica gratuíta de que un artista con todas las de la Ley que honra al municipio de Estepona con su visita rentabilice su imagen sólo debería tener repercusión en el bolsillo del aficionado. Para mayor satisfacción del fan acérrimo, hacer ese desembolso, en el caso concreto de Kevin Sorbo repercutirá en los fondos de la Fundación ‘A World Fit For Kids’ de la cual el actor invitado es Embajador.
La práctica del «congreso para fans» goza ya cierto recorrido en nuestro país, donde el cobro por autógrafos o fotos en eventos está a la orden del día. Eventos como Basauricon (celebrado en Febrero en la bilbaina localidad de Basauri), CiFi Mad (a celebrar el próximo mes de Noviembre en Madrid) o el Congreso de Música de Cine Ciudad de Úbeda (recientemente celebrado en la localidad jienense) sirven de marco para este modelo de celebración de eventos en los que los asistentes, previo desembolso de una cantidad en concepto de inscripción, adquieren el derecho a retratarse o recibir autógrafos de sus artistas favoritos.
Conviene destacar que la Semana Internacional de Cine Fantástico de la Costa del Sol – Estepona ya acogió en ediciones previas este tipo de iniciativas por parte de artistas homenajeados, como ha sido el caso de la veterana Carolin Munro, quien en la edición inaugural de este evento ya organizó alrededor de su visita la firma de autógrafos y fotos previo abono de módicas cantidades sin que el festival recibiese crítica alguna por ello.
Con esta nota se quiere poner punto final a esta estéril polémica, nada beneficiosa para quienes, desde el sector cultural, realizan notables esfuerzos por mantener dentro de unas más que aceptables cotas de calidad la celebración de esta clase de iniciativas.
XII Semana Internacional de Cine Fantástico de la Costa del Sol – Estepona.
19 al 24 de Septiembre de 2011
Esperamos que nuestra pequeña contribución sirva de ayuda.
Inauguración de la calle Paul Naschy en Estepona
Destino Final 5 o el espíritu del cartoon llevado al horror
Cuando en el año 2000 aparecía la primera entrega de esta saga suponía una innovación: como en cualquier slasher todos van muriendo, salvo que no en manos de un psicópata sino perseguidos por la propia muerte, que les avisa mediante su enigmático emisario: el forense Mr Bludworth. Lo que fue innovación se convirtió en esquema de una serie que acaba de estrenar su quinta secuela la cual ofrece lo que de ella se espera. No pasamos miedo, al contrario, estamos pendientes de cómo van a ser esas muertes que ya sabemos se van a dar con una actitud de animus jocandi.
Aunque parta de la idea de fatalismo, sus trágicas muertes están carentes de tragedia, más bien las adorna un humor negrísimo cual si nos encontráramos ante un episodio del Correcaminos o de tantos otros cartoons. Tanto es así que casi estamos esperando que de un momento a otro aparezca en cualquier objeto la famosa marca Acme. Vean este vídeo con diez de las mejores muertes como ejemplo de lo que estamos diciendo:
Desde la primera secuela se juega a darle pistas al espectador y guiños que hacen referencia a episodios anteriores, así todos estamos esperando que salga en algún momento el número 180 que corresponde al del vuelo que se estrella en el inicio de la primera parte. El mayor problema al que se enfrenta esta franquicia es el reto de conseguir muertes cada más espectaculares y grotescas para mantener la atención del público que acude a cada entrega igual como quien lo hiciera a algún episodio de Jackass, pero mucho más radical aunque ficticio. Es difícil de conseguir y así Destino final 4 (Final Destination 4: Death Trip 3D, 2009, David R. Ellis ) resultó la más floja de las rodadas hasta entonces a pesar de la utilización del 3D. Por otro lado, su mejor baza es crear suspense ante cada nuevo accidente porque la película juega con nosotros al despiste y asistimos a la escena elucubrando cómo va a encontrar la muerte cada personaje según se nos van mostrando planos de detalles que pueden provocar la desgracia.
Este próximo viernes día 26 llega a las pantallas españolas Destino final 5 (Final destinarion 5, 2011, Steven Quale) también en 3D, contar algo de su argumento, pese a que el punto de partida sea el mismo (premonición-evasión del primer acidente-progresiva muerte de los supervivientes), supondría ya un spoiler que eliminaría ese factor sorpresa que sigue conservando. Por otra, parte quien esto escribe no puede compararla a las anteriores por no haber seguido la franquicia, de modo que no sabría decirles si efectivamente es más profunda que las anteriores, lo que sí puedo decir es que el dibujo de los personajes no pasa de cuatro líneas que apenas los bosquejan; sin embargo, ello no es un inconveniente en el film que busca más la espectacularidad que la empatía.
Y la espectacularidad está lograda desde los títulos de crédito (auténticas pistas de lo que nos espera). Igualmente el accidente evitado ofrece alguno de los momentos más atractivos del film. Puedo asegurarles, eso sí, que, a menos que sean ustedes muy aprensivos, les esperan una buena dosis de carcajadas. Ninguno puede salir del cine pensando que acaba de ver una obra maestra, pero cumple suficientemente bien su cometido: es una cinta de verano fresca que nos procura casi dos horas de evasión de nuestra realidad veraniega, tan sofocante ella fuera del cine. La película carece de grandes expectativas (ni siquiera pretende del 3D otra cosa que efectos circenses) y eso juega a su favor, abandonamos la sala con menor decepción de la que nos dejan algunas películas más ambiciosas en sus planteamientos. En definitiva, no apta para ser vista sin palomitas (y casi estoy por decir que sin estar rodeado de adolescentes con las hormonas revoloteadas).
Si están atentos a la aparición del célebre 180 descubrirán que, siendo la última hasta ahora, funciona como precuela cerrando aparentemente el círculo. ¿Significa eso que ya no habrá más partes? Pues según su director, Steven Quale , eso va a depender del éxito en taquilla que tenga ésta en sus exhibiciones. Así que ya saben, depende de ustedes que continúe o no, si lo han pasado bien con las anteriores no duden en ir a verla y si no, pues ya saben, pueden hacer que acabe aquí. Esta vez no les recomiendo ni lo uno ni lo otro, sino que se lo dejo totalmente a su elección.
Destino Final 5
Cuando en el año 2000 aparecía la primera entrega de esta saga suponía una innovación: como en cualquier slasher todos van muriendo, salvo que no en manos de un psicópata sino perseguidos por la propia muerte, que les avisa mediante su enigmático emisario: el forense Mr Bludworth. Lo que fue innovación se convirtió en esquema de una serie que acaba de estrenar su quinta secuela la cual ofrece lo que de ella se espera. No pasamos miedo, al contrario, estamos pendientes de cómo van a ser esas muertes que ya sabemos se van a dar con una actitud de animus jocandi.
Aunque parta de la idea de fatalismo, sus trágicas muertes están carentes de tragedia, más bien las adorna un humor negrísimo cual si nos encontráramos ante un episodio del Correcaminos o de tantos otros cartoons. Tanto es así que casi estamos esperando que de un momento a otro aparezca en cualquier objeto la famosa marca Acme. Vean este vídeo con diez de las mejores muertes como ejemplo de lo que estamos diciendo:
Desde la primera secuela se juega a darle pistas al espectador y guiños que hacen referencia a episodios anteriores, así todos estamos esperando que salga en algún momento el número 180 que corresponde al del vuelo que se estrella en el inicio de la primera parte. El mayor problema al que se enfrenta esta franquicia es el reto de conseguir muertes cada más espectaculares y grotescas para mantener la atención del público que acude a cada entrega igual como quien lo hiciera a algún episodio de Jackass, pero mucho más radical aunque ficticio. Es difícil de conseguir y así Destino final 4 (Final Destination 4: Death Trip 3D, 2009,David R. Ellis ) resultó la más floja de las rodadas hasta entonces a pesar de la utilización del 3D. Por otro lado, su mejor baza es crear suspense ante cada nuevo accidente porque la película juega con nosotros al despiste y asistimos a la escena elucubrando cómo va a encontrar la muerte cada personaje según se nos van mostrando planos de detalles que pueden provocar la desgracia.
Este próximo viernes día 26 llega a las pantallas españolas Destino final 5 (Final destinarion 5, 2011, Steven Quale) también en 3D, contar algo de su argumento, pese a que el punto de partida sea el mismo (premonición-evasión del primer acidente-progresiva muerte de los supervivientes), supondría ya un spoiler que eliminaría ese factor sorpresa que sigue conservando. Por otra, parte quien esto escribe no puede compararla a las anteriores por no haber seguido la franquicia, de modo que no sabría decirles si efectivamente es más profunda que las anteriores, lo que sí puedo decir es que el dibujo de los personajes no pasa de cuatro líneas que apenas los bosquejan; sin embargo, ello no es un inconveniente en el film que busca más la espectacularidad que la empatía.
Y la espectacularidad está lograda desde los títulos de crédito (auténticas pistas de lo que nos espera). Igualmente el accidente evitado ofrece alguno de los momentos más atractivos del film. Puedo asegurarles, eso sí, que, a menos que sean ustedes muy aprensivos, les esperan una buena dosis de carcajadas. Ninguno puede salir del cine pensando que acaba de ver una obra maestra, pero cumple suficientemente bien su cometido: es una cinta de verano fresca que nos procura casi dos horas de evasión de nuestra realidad veraniega, tan sofocante ella fuera del cine. La película carece de grandes expectativas (ni siquiera pretende del 3D otra cosa que efectos circenses) y eso juega a su favor, abandonamos la sala con menor decepción de la que nos dejan algunas películas más ambiciosas en sus planteamientos. En definitiva, no apta para ser vista sin palomitas (y casi estoy por decir que sin estar rodeado de adolescentes con las hormonas revoloteadas).
Si están atentos a la aparición del célebre 180 descubrirán que, siendo la última hasta ahora, funciona como precuela cerrando aparentemente el círculo. ¿Significa eso que ya no habrá más partes? Pues según su director, Steven Quale , eso va a depender del éxito en taquilla que tenga ésta en sus exhibiciones. Así que ya saben, depende de ustedes que continúe o no, si lo han pasado bien con las anteriores no duden en ir a verla y si no, pues ya saben, pueden hacer que acabe aquí. Esta vez no les recomiendo ni lo uno ni lo otro, sino que se lo dejo totalmente a su elección.
Avances de Sitges 2011: Noves Visions
Siguiendo su consolidación e influencia dentro del line-up del Festival, la sección Noves Visions se presenta este año como un espacio dedicado a las propuestas más innovadoras y transgresoras. En esta edición apuesta por la presencia de grandes autores ya consagrados así como por nuevos valores, siendo destacable la presencia de trabajos realizados por mujeres. La selección de títulos se reparte en cuatro divisiones, de las que ofrecemos un avance a continuación:
FICCIÓ
|
Una selección que combina grandes nombres del cine contemporáneo y autores jóvenes con trayectoria en el circuito de festivales.
–The Day He Arrives (Sang-soo Hong): Un juego de metalenguaje en la película más accesible del maestro coreano.
– Vampire (Shunji Iwai): El director de All About Lily Chou-Chou viaja a Norteamérica para explorar la angustia juvenil en clave genérica y homenajeando al Martin de George A. Romero.
– 22 mei (Koen Mortier): El realizador de Ex Drummer vuelve para explorar la paranoia actual post 11-S.
– 4:44: The Last Day on Earth (Abel Ferrara): Un ejercicio reflexivo e íntimo del realizador de The Addiction en torno al miedo al fin del mundo.
– Kotoko (Shinya Tsukamoto): El retorno del director de Tetsuo al cine de horror más reflexivo y transgresor.
– Hanezu no tsuki (Naomi Kawase): Una meditación en clave mitológica de la pérdida de valores trascendentes en la sociedad actual.
– La belle endormie (Catherine Breillat): Una versión muy personal y atípica del cuento de Perrault.
– The Tempest (Julie Taymor): Adaptación espectacular y fantástica de una de las más extrañas obras de Shakesperare por la realizadora de Titus y Frida.
– Le petit poucet (Marina de Van): Otra versión femenina y atípica de un famoso cuento infantil por parte de la directora de Don’t Look Back.
– Beyond the Black Rainbow (Panos Cosmatos): Inquietante ejercicio de ciencia-ficción que hunde sus raíces en la tradición del género en los años 70 y que fue una de las sensaciones del festival de Tribeca de este año.
NO FICCIÓ
|
Confirmación del auge del documental de creación que viene proyectándose en las pasadas ediciones del festival.
– Arirang (Kim Ki-duk): Ejercicio autoreflexivo del director de La isla, ganador de la sección Un Certain Regard en Cannes 2011.
– Magic Trip: Ken Kelsey’s Search for a Kool Place (Alison Ellwood y Alex Gibney): Reconstrucción del viaje psicodélico de Ken Kelsey y un apasionante estudio de la cultura del LSD.
– Project Nim (James Marsh): El oscarizado director de Man on Wire se sumerge en un fascinante experimento sobre la inteligencia animal.
– The Bengali Detective (Philip Cox): Una mezcla de documental social y comedia que explora de manera sorprendente la compleja sociedad de la India actual.
– Knuckle (Ian Palmer): Impresionante documental sobre boxeo callejero.
– Resurrect Dead: The Mystery of the Toynbee Tiles (Jon Foy): Ganador en Sundance como mejor director de documental y un auténtico experimento de ciencia-ficción con dosis de paranoia milenarista.
DISCOVERY
|
Una selección de títulos realizados desde postulados independientes, experimentales e indagando nuevas posibilidades del lenguaje cinematográfico y el género fantástico.
– Vlogger (Ricard Gras): Experimento audiovisual de producción catalana que traduce en trama de ficción la mezcla de material de la red y ficción genérica. Tendrá su estreno mundial en Sitges.
– Hellacious Acres: The Case of John Glass (Pat Tremblay): El apocalipsis como temática, esta vez jugando con texturas e imágenes y prescindiendo del diálogo.
– Invasion of the Alien Bikini (Young-doo Oh): Película de superhéroes, con grandes dosis de cultura pop y comedia enloquecida. Una sorpresa que va más allá de su título.
DARK FICCIÓ
 |
 |
Una selección de propuestas de autor con vocación de culto:
– Onna no kappa (Underwater Love) (Shinji Imaoka): Indescriptible mezcla de pink eiga y musical protagonizado por una criatura mítica nipona. Con fotografía de Christopher Doyle.
– Meat (Victor Nieuwenhuijs y Maartje Seyferth): Las fantasías eróticas de un carnicero en un filme que experimenta texturas que recuerdan a Lynch o Greenaway.
– Kaidan Horror Classics (Shinya Tsukamoto, Msayuki Ochiai, Sang il-lee, Hirokazu Koreeda): Un filme ómnibus entorno a leyendas tradicionales de terror dirigidas por maestros como Tsukamoto o Koreeda.
Sitges 2011 va calentando motores y… ¡Ganas que tenemos de disfrutarlo!
Elle Fanning: Se confirma como estrella en Super-8
Con tan solo 13 años, Elle Fanning tiene una filmografía que para sí quisieran muchas de las denominadas estrellas, ya que su carrera se inicia desde los dos años, en varios papeles en los que interpretaba los personajes de su hermana Dakota, también actriz, cuando debía mostrar menor edad.
Hija de padres deportistas y con ascendencia irlandesa y alemana en sus genes, esta actriz, que nos ha sorprendido en el film que, sin duda la elevará al estrellato, Super-8, ha actuado en diversas series televisivas como C.S.I (Miami y New York), House o Mentes criminales, así como puesto voz a personajes en películas de animación (My Neighbor Totoro de Miyazaki o Astro Boy de David Bowers). Pero es en el cine en el que ha destacado, primero en pequeños papeles y más tarde con actuaciones de más peso en Un cruce en el destino (Reservation Road, 2007 Terry George), El curioso caso de Benjamin Button (The Curious Case of Benjamin Button, 2008 David Fincher), Babel (2006, Alejandro González Iñárritu), Phoebe in Wonderland (2008, Daniel Barnz), Somewhere (2010, Sofía Coppola), Whe Bought a Zoo (2011, Cameron Crowe) y Twixt Now and Sunrise (2011) de Francis Ford Coppola, un film basado en un sueño del director que tenemos muchas ganas de ver, en el que Elle interpreta a una fantasma llamada V y que cuenta entre sus personajes con Edgar Allan Poe, interpretado por Ben Chaplin.
Así que, si hace bien poco aplaudimos la aparición de Chloe Moretz en Let Me In (2010, Matt Reeves) y Kick Ass (2010, Matthew Vaughn), con Elle Fanning tenemos a otra joven actriz que sin duda dará mucho que hablar.
… Y si, ya sé que hay muchas fotos pero es que Elle, además de buena actriz es realmente mona.
Súper 8: mucho más que otro blockbuster revival
El verano del 2011 podrá ser recordado como el verano en el que las películas aptas para todos los públicos (como se las llamaba antes) se tiñeron de nostalgia. Ya sea a modo de relectura de viejas ( y no tan viejas) sagas, como El Origen del planeta de los simios (Rise of the planet of the apes, 2011, Rupert Wyatt) o X men firts class (2011, Matthew Vaughn). Ya sea como recuperación de héroes de otras décadas como Conan el bárbaro (Conan The Barbarian 3D, 2011, Marcus Nispel). O ya sea como revisión de todo un género. Ese es el caso de Súper 8 (2011, J.J. Abrams): todo un homenaje a la Ciencia Ficción tal como la ha visto Spielberg desde Encuentros en la Tercera Fase (Close Encounters of the Third Kind, 1977, Steven Spielberg)
También los carteles manifiestan el amor por lo retro
La gran baza que ha jugado J.J. Abrams para crear expectación es no filtrar apenas nada sobre la película, incluso se le hizo firmar a los actores una cláusula de confidencialidad según la cual no podían hablar de la película más que con los miembros del equipo. Y está justificado, porque su película es para disfrutarla con aquella inocencia de las tardes de domingo en los que la única referencia para decidir en qué cine entrar era «mirar los cuadros». De modo que quien se adentre en este comentario ya sabe a lo que se expone: perder ese factor sorpresa que es el valor añadido que aporta Súper 8.
Valor añadido, aquello que suma y hace especial a un producto, es lo que busca Charles (Riley Griffiths), el mejor amigo del protagonista para su película de súper 8. Lo encuentra en un tren que descarrila después de chocar con una furgoneta, mientras la pandilla andaba rodando en la estación. Este es el arranque argumental, pero antes Abrams nos había dado toda una lección de cine en los cinco minutos de prólogo. Ése prólogo es una excelente muestra de que, con las líneas de diálogo justo y un calculado manejo de la cámara, es posible contar mucho en muy poco tiempo. En apenas cinco minutos, se nos caracteriza ya a todos los personajes,los conflictos que hay entre ellos, los sentimientos que les unen y se siembra la incógnita por el qué va a pasar a partir de ahí con los personajes. Desde ese inicio hasta el descarrilamiento del tren hay más historia narrada que en otras películas que invierten más de dos horas de metraje para contar la visión que el «autor» tiene del mundo.
Como todo buen blockbuster, viene bien servida de acción y efectos especiales, tanto visuales como de sonido, que la hacen espectacular en su ritmo bien modulado (no hay caídas significativas, salvo cierta precipitación hacia el desenlace). Y el espectador la contempla con mirada ingenua a poco que se deje llevar, porque, sin necesidad de usar cámara subjetiva ,el film nos la muestra desde los ojos de los protagonistas. Abrams sabe sumergirnos en la trama como si nos pasara a nosotros mismos, porque nos identificamos con la sorpresa que vemos retratada en los ojos de los protagonistas, nos miran a nosotros y nosotros nos transponemos en su piel como si ellos fueran nuestra imagen en el espejo. Y es que todos hemos sido niños ávidos de protagonismo y aventura.
Los efectos no son todo, sin la gran actuación de los pequeños actores la película no funcionaría. Cada cual interpreta a la perfección su rol en la pandilla: Riley Griffiths (Charles) es el gordito listo con gran inventiva hijo de una familia numerosa (que propicia los momentos más cómicos de la cinta) con madera de líder que consigue enrolar a todos sus amigos en el film que quiere rodar (sabe que será de zombies pero no su argumento, ¿les recuerda algo?); Ryan Lee (Cary) es el clásico aficionado a actividades extrañas (lo que se considera un friqui para algunos), en su caso los petardos y explosivos; Gabriel Basso (Martin) es el más aprensivo del grupo; Joel Courtney es el chico tímido con mucho mundo interior que se evade con sus amigos de problemas recientes; y Elle Fanning (Alice Dainard) es la chica en toda la polisemia del término. Entre ellos destacan el debutante Joel Courtney y la veterana Elle (¡hay que ver cómo está creciendo esta jovencita!), especialmente la niña, que apunta ya maneras de estrella. A Elle Fanning le debemos algunos de los momentos más emotivos de la película, aquellos en los que interpreta dentro de la interpretación y que la revelan como una actriz con talento y sensibilidad. Juntos forman la pandilla ideal, aquella que leíamos en las novelas juveniles, la misma que veíamos en las películas, y a la que tanto se parecían las nuestras aunque no fuéramos conscientes.
Ambientada en los albores de los 80’s, el tratamiento de la imagen y la iluminación juegan a emular las texturas de los films de esa década. Con esa fotografía granulosa y esos destellos de luz azul filtrada en los encuadres. La banda sonora de Michael Giacchino, que algunos verán como emulación de su propia composición para Lost, evoca las composiciones del Williams que formó tandem con Spielberg en esa década.
En esa década abundaron las películas de género fantástico con protagonistas infantiles, films como Los Goonies (1985, Richard Donner), Una pandilla alucinante (The Monster Squad, 1987 Fred Dekker), Cuenta conmigo (Stand By Me, 1986 Rob Reiner), basada en The Body de Stephen King (cuya sombra se proyecta alargada sobre el film) o, por supuesto, E.T, el extraterrestre (E.T. The Extra-Terrestrial, 1982 Steven Spielberg) . Pero aunque esa sea la época recreada, al verla no podemos dejar de pensar en épocas anteriores, la de los 50’s y 60’s con su entrañable serie B poblada de monstruos y extraterrestres los cuáles (por falta de presupuesto en muchas ocasiones) apenas se mostraban, cosa que no siempre iba en detrimento del miedo que pretendían provocar sino que, al contrario, lo estimulaban aún más. También aquí el monstruo es entrevisto más que mostrado (hasta el momento preciso en que ha de hacer aparición) y nos recuerda a films como La noche del demonio (Night of the Demon, 1952 Jacques Tourneur) que aunque mostró un bicharraco por exigencias de los productores, habría funcionado igual de bien sin que se hubiera visto o el mismo Alien (1979, Ridley Scott), donde se enseñó lo justo. E.T y Alien son seguramente los dos referentes que más han inspirado a Abrams en la creación de su propia criatura y, si permanecen atentos en sus pantallas, hasta igual les parece que se funden en un plano.
Y es que Súper 8 es, ante todo, un homenaje a la infancia en general, pero en particular lo es de la de los monsters kids entre los que se cuenta el propio Spielberg, entre otros como John Landis, Joe Dante o el propio Stephen King. A finales de los años cincuenta y especialmente durante los sesenta, creció en Estados Unidos toda una generación alrededor de la publicación Famous Monsters of Filmland, del entrañable Forrest J. Ackerman, donde aprendieron a adorar a los viejos monstruos de Universal y, sobre todo a los maquilladores, auténticos hacedores de monstruos, cuyos nombres y trabajos conocían los niños, como Jack Pierce o Dick Smith (nombre que se escucha en el film). También coleccionaban y montaban maquetas de la marca Aurora, que representaba a los adorados monstruos (puede verse al Quasimodo de Aurora en la película). Devoraban películas en televisión en programas presentados por anfitriones del calibre de Vampira, Zacherley o Svengoolie, que entre chistes chuscos y telarañas quitaban el susto del cuerpo de los pequeños aprendices de monstruo. Aprendices que también hacían sus pinitos con el súper-8 (y antes con 8 mms.) imitando los films que veían, con especial predilección por Ray Harryhausen, al que emulaban poniendo en movimiento sus muñecos o fabricando sus propios dinosaurios, que cobraban vida en la pantalla rodados frame to frame. Esos pequeños aprendices se veían seguramente a sí mismos como protagonistas de historias que narraban invasiones alienígenas; o como luchadores contra el mal; o como monstruos. Todo ello con un lenguaje y en un mundo que parece que ellos solos entendían, ante el rechazo de unos padres que no podían comprender lo que ellos calificaban de morboso.
El corto que ruedan los muchachos del film bien podría haber sido una monster kid home movie como las que pueden verse en el vídeo que hemos incrustado (no hay que perderse los créditos finales de Súper 8, porque guardan una sorpresa). Eso es lo que está en el sustrato de Súper 8, por eso atrajo la atención del Rey Midas de Hollywood. Todas las claves del Spielberg de los ochenta (cuando vio cumplido el sueño de hacer monster movies con presupuesto) están en el film: sus pueblecitos de casas con garaje, sus niños en bici, su sheriff honrado, sus vecinos que se conocen, su refinería donde trabajan todos (aquí planta química), su reunión vecinal para tratar los problemas … Y el final, que parece el negativo del de Encuentros en la tercera fase, pero para llegar a la misma conclusión: nos está diciendo que la comprensión del alien es la única manera de llegar a saber de civilizaciones extraplanetarias. Pero eso no es otra cosa que una metáfora de cómo pueden superarse los conflictos humanos y las relaciones entre nosotros. Alien es cada otro y sólo la empatía puede subsanar los defectos de la comunicación. Eso es lo que descubren los personajes en ese paso a la madurez, un paso que no sólo dan los niños protagonistas sino también los adultos que les rodean.
Todo mueve a un ejercicio de nostalgia entrañable en Súper 8. Hasta el viejo logotipo de Amblin ha sido utilizado, parece ser que por capricho del mismo Abrams. Eso puede abrirnos preguntas: ¿Qué pasa? ¿Todo lo que se hace nos tiene que llevar a tiempos pretéritos? ¿por qué no un buen film que no sea remake o rememore a otros.? Que los guiños hacen gracia y eso, pero… para variar ¿Qué tal algo totalmente original? .E igual que preguntas genera también sus réplicas: se podrá decir que no aporta nada argumentalmente, que resulta previsible, pero es que de eso se trataba de homenajear el género tal como lo entendió Spielberg, por tanto no pretende ser original sino partir de los tópicos ya usados. La Vanguardia impuso una exigencia de continua ruptura que se acabó manifestando como excesiva además de baldía, porque no condujo más que al silencio. El arte siempre ha sido una continua reformulación de sí mismo, los topós se heredan de generación en generación y lo que distingue a las diferentes obras es la nueva manera de plantear el sentir de su época respecto a los problemas que han rodeado al hombre desde su inicio. Crear es recrear y J.J. Abrams lo borda.
Macarena y el terror: «Te vas a enterar de lo que es el miedo»
Foto: Fotogramas
Pocas actrices saben ser tan polivalentes y hacer todo tan endiabladamente bien como Macarena Gómez. Ideal sufriendo, gritando, insultando (con qué contundecia dice aquello de «eres un hijo de…») y asesinando pero, también ideal en registros dramáticos y por supuesto en comedia, donde goza de gran popularidad por La que se avencina, serie que Tele 5 está retrasmitiendo continuamente en sus canales alternativos como si de Los Simpson se tratara.
Pero Macarena es mucho más que todo eso: es una actriz sobradamente preparada que tiene muy claros sus objetivos y que (casi) siempre dice sí a lo que le ofrecen mientras le aporte algo, por diminuto que parezca. Trabaja en lo que quiere y disfruta haciendolo, pero siempre con los pies en el suelo (excepto quizás menos cuando contesta esta entrevista, como ella misma nos cuenta al final de la misma).
Para mí ha sido un placer preparar esta entrevista, repasarme su filmografía y tener la suerte de haber contado con su colaboración de una forma tan rápida.
Con ustedes… Macarena Gómez:
– Estudias ballet clásico, pero a los 14 años decides cambiar el rumbo y hacerte actriz. ¿Como decidiste esto?
Yo de pequeñita era ya muy teatrera. Organizaba todo tipo de espectáculos en casa, en la playa, en el colegio… ¿por qué? no sé. Creo que viene de mi padre al cuál, aunque es médico, le hubiera encantado ser actor. Igualmente la danza es una forma de expresión. Cuando bailaba actuaba, tenía que sentir la música, meterme en el papel del personaje que estaba bailando. Era muy diferente bailar un Paquita que un Lago de los Cisnes. Fue entonces cuando descubrí que me apasionaba interpretar.
– ¿Hay antecedentes familiares en el cine?
En mi familia no existen antecedentes. El único artista que había era Antonio Pereira, mi tío escritor.
– ¿Porqué escogiste estudiar interpretación en Londres?
Siempre me han gustado mucho los idiomas y especialmente viajar y conocer otras culturas. Así que cuando ya supe que querría estudiar arte dramático me informé sobre las mejores escuelas en países anglosajones. Decidí que Londres era lo más apropiado. Pero previamente me fui un año a EE.UU. a aprender bien el inglés. Fue la mejor decisión: aprender interpretación y perfeccionar mi inglés al mismo tiempo.
– Por cierto, hablas inglés perfectamente ¿Como es que no has aprovechado para rodar más en el extranjero? Y hablando de esto ¿Por qué en tus films rodados en inglés como Dagon o Romasanta te ha doblado otra persona?
¡Lo mismo me pregunto yo! No he sabido explotar bien el hecho de que hablo inglés. Bueno, aunque mi primera película, Dagon, como bien has dicho la rodé en inglés… ¡Pero ahí no estoy doblada! En Romasanta creo que sí me doblaron. Aunque no haya rodado mas pelis en inglés, saber el idioma me ha beneficiado mucho….Cuando viajo a EE.UU. o a otros festivales de cine internacionales he podido conocer a mucha gente de la industria y relacionarme con ellos gracias al idioma. Normalmente cuando hay que promocionar una peli en el extranjero me llevan a mí de entre los actores del elenco porque saben que sé defenderme en inglés.
– Tras un episodio en la serie Canguros en 1994, marchas a Londres, ¿no? Ya que no vuelves a rodar TV ni cine en 6 años y en 1999 vuelves y te instalas en Madrid. Tu primer trabajo en el cine es en Dagon, la secta del mar (2001, Stuart Gordon) un film de terror y con un papel destacado, trabajando con el gran veterano Paco Rabal ¿Como fue el rodaje?
Yo nunca he hecho Canguros. Ya sé que aparece en todos mis curriculums (si tu sabes como borrar esa información te invito a que lo hagas) pero no es cierto.
Con Paco Rabal coincidí muy poco, apenas unas horas en la recepción del hotel. Yo no compartía ninguna escena con él. El rodaje para mí fue un sueño, ten en cuenta que era la primera película que rodaba en mi vida. Antes que eso lo único que había hecho era dos pequeñas apariciones en dos series de televisión.
¿Alguna anécdota del rodaje de Dagon?
¿Una anécdota? ¿Recuerdas la escena en la que estoy en la cama con tentáculos? Pues bien, esa escena se rodó durante 8 horas durante las cuales yo no me pude mover debido al mecanismo que se habían inventado para acoplarme los tentáculos…así que me tuvieron que hacer un agujero en el colchón y colocarme una palangana para poder orinar…
– ¿Qué tal con el equipo americano?
Todo el equipo (que yo recuerde) era catalán, excepto el director.
– ¿Conocías la literatura de Lovecraft, autor en el que se basa el film?
Nunca había leído nada de Lovecraft.
– Poco después impresionas a todos con tu inolvidable interpretación de la drogadicta Susi en Padre Coraje (2002, Benito Zambrano). Es magistralmente creíble ¿Como lo preparaste?
Es curioso…a las 2 semanas de empezar dagón comencé el rodaje de Padre Coraje. Imagínate, durante más de un mes estuve cogiendo aviones de Sevilla a Barcelona para poder compaginar ambos rodajes. Yo estuve muy nerviosa durante este rodaje pues me imponía mucho trabajar a las órdenes de Benito y especialmente con el gran Juan Diego…Para interpretar a La Susi tuve que documentarme muy bien. Leía libros de medicina sobre los efectos de las drogas, fui a conocer gente a centros de desintoxicación, pasé horas y horas observando a putas y drogadictos en la calle montera…La calle montera es el lugar perfecto para inspirarse a la hora de crear personajes. De allí también salió La Canija de Carne de neón.
También he de decirte que muchos de los figurantes de Padre Coraje eran yonkies de verdad, y con ellos hablé mucho y me explicaron muchas cosas.
– Con tu segundo corto, Nieves (2003, Alberto Palma) obtienes dos premios de interpretación en Badajoz y Málaga. Haz intervenido en muchos cortos ¿Que opinas de actuar en cortometrajes, una labor que, en casi todos los casos no es retribuida?
Me apasiona hacer cortos. Gracias a ellos he interpretado a personajes muy complicados que han supuesto retos para mí. Yo me dedico a esta profesión porque me encanta, aunque no me paguen en un corto estoy haciendo algo que me gusta, que me hace enormemente feliz. Los cortos me han permitido conocer a directores que luego me han llamado para su primer largo: Paco cabezas (Carne de neón) y Eduardo Chapero-Jackson (Verbo). Por otro lado, muchos directores me han conocido y luego me han llamado para trabajar gracias a que han sido jurados en festivales en los que participaban mis cortos, como por ejemplo Chus Gutiérrez (El Calentito).
– Precisamente uno de tus últimos trabajos, Carne de neón (2010, Paco Cabezas) está basado en un corto del mismo director. ¿Que tal fue este trabajo?
Maravilloso, Paco y yo somos muy buenos amigos, nos conocemos muy bien y él sabe todo lo que puede sacar de mí como actriz. Los rodajes con directores amigos siempre se hacen más llevaderos porque existe complicidad.
– Con Platillos volantes (2003, Óscar Aibar) demuestras que estas dotadísima también para la comedia, que ahora te está haciendo tan popular gracias a la televisión. ¿Nos cuentas algo sobre esta peli basada en hechos reales? Por cierto, estupendo el look 60’s /retro
La verdad es que Platillos Volates me dio la oportunidad de hacer comedia por primera vez. Yo desconocía que tuviese ese don para la comedia. Lo mejor de rodar esa peli fue conocer a Jordi Vilches, grandísima persona y el actor con quién mejor me siento trabajando. Con una mirada nos lo decimos todo. También coincidí con él en El Calentito, pero estoy deseando volver a trabajar con él.
– En Romasanta (2004, Paco Plaza) haces un papel sin acreditar como una víctima del hombre lobo ¿Como diablos te metiste en ese proyecto?
Yo era amiga de Paco, no había ningún papel para mí, así que me ofreció hacer este cameo como algo anecdótico. Me encanta que los directores cuenten conmigo, aunque sea para hacer una figuración. Me divierte.
– En 2006 ruedas con Jaume Balagueró Para entrar a vivir, una magnífica película de televisión que tuvo mala suerte y en donde haces un soberbio trabajo con una actuación muy física y un rodaje que aparenta haber sido muy duro ¿Nos cuentas algo sobre el trabajo con Balagueró?
Macarena Gómez, Jaume Balagueró y Nuria González.
Te diría que es una de las películas más redondas que he hecho. Disfruto mucho haciendo películas de acción, donde lo físico tenga un peso importante. Yo soy una actriz muy física gracias a mi base de bailarina. Yo quería hacerlo todo, incluso me daba rabia que me pusieran una doble. Al final conseguí que la doble solo hiciera la caída por la tubería de un piso al otro. El resto de los golpes, caídas por las escaleras, etc…lo hice yo. Sí, más de una vez tuvo que venir la fisio a mi hotel.
– ¿Alguna anécdota? ¿Daba tanto miedo en verdad Nuria González como en la película?
¿Algo anecdótico? Bien, muchos de los sustos eran reales. El ayudante de dirección se escondía y me asustaba cuando yo menos lo esperaba. Por cierto, Nuria no tiene nada que ver con su personaje en la peli. La verdad es que hizo un trabajo extraordinario
Aunque la peli no tuvo el lanzamiento en televisión que se esperaba, si que es cierto que se alquila mucho en los video clubs. Creo que de hecho es la más alquilada de todas mis películas.
-Has vuelto a rodar con Balagueró los cortos Miedo (2010) y Sr. Rosso (2007) (realizada con dos móviles) ¿Para cuando un trabajo largo con él?
Si quieres te doy su teléfono y se lo preguntas a él…Algún día llegará….
– Sexykiller, morirás por ella (2008, Miguel Martí) es todo un homenaje para tus fans, una película en la que eres la protagonista absoluta y donde además de killer, estás tremendamente sexy. Gracias a la película obtuviste el premio de interpretación en Fantasporto 2009. ¿Nos lo parece o realmente da la sensación de que lo pasaste de miedo haciendo esta película?
La más divertida sin duda alguna. Me permitió hacer el gamberro. Al ser protagonista el personaje tiene más recorrido por lo que pude jugar todo lo que quise con él. Y especialmente me gané la gran amistad de su director y de la persona que luchó por levantar el proyecto.
"La Canija" en aprietos en Carne de neón.
– ¿Te gusta el Festival de Sitges? El año pasado estuviste muy presente con dos cortos (Merry Little Christmas y Quédate conmigo) y un largo (Carne de neón). ¿Cuantas veces has acudido? ¿Qué te parece?
Creo que llevo 9 años seguidos yendo. De los festivales españoles es mi favorito. En ese festival todos somos iguales, seas quien seas, e independientemente del peso de tu película. Empecé yendo con Dagon, Para entrar a vivir, Sexykiller, Carne de neón…este año iré con Verbo…y entre medias he ido con muchos cortos, o si no de espectadora
-¿Te gusta el cine de terror? ¿Con que película recuerdas haberlo pasado más mal /bien? ¿Algún título favorito?
Me encanta el cine de terror, y mira que luego lo paso mal en casa… ¡Soy incapaz de pasear por un pasillo a oscuras! Mi peli favorita es Rosemary´s Baby. Y la peli que más miedo me ha dado en mi vida fue E.T. , claro que la vi con 4 años…fue algo traumático…desde entonces no la he vuelto a ver.
– No podemos cerrar esta entrevista sobre tu carrera en conexión con el cine de terror sin hablar del estupendo corto Quédate conmigo (2010) de Zoe Berriatúa que vimos recientemente y que nos encantó ¿Nos cuentas algo de este corto?
Zoe es un gran amigo que cuenta conmigo en todos sus proyectos y yo creo ciegamente en él. Así que cada vez que me llama para hacer algo digo que sí con los ojos cerrados, incluso sin haber leído el guión. Para Quédate conmigo me llamó un viernes a las 12 de la noche diciendo que al día siguiente a las 8 a.m. quería rodar conmigo porque Madrid estaba nevada. Yo puse el despertador sin saber qué iba a hacer….pues bien, este corto fue el resultado.
De izquierda a derecha, Zoe Berriatúa director de Quédate conmigo junto a sus protagonistas, Pablo Turégano y Macarena Gómez en una encantadora foto familiar.
– ¿Algún proyecto futuro relacionado con el terror?
Siento decepcionarte, pero por ahora no
– Ya solo queda darte las gracias por el tiempo que nos has dedicado y por tu trabajo, del que somos perdidos admiradores. Añade lo que quieras.
Ha sido todo un placer. Me ha llevado tiempo pues soy muy lenta dándole al teclado, pero la he hecho entre mis pausas mientras me tiro en paracaídas… ¡Evidentemente no he respondido en caída libre! Interesantes preguntas que nunca antes me habían hecho.
- Y como podemos ver en esta imagen publicada en su página oficial, lo de saltar en paracaidas no iba de broma…
Macarena es mucha Macarena y por fin he podido cumplir mi deseo de publicar esta deliciosa entrevista, que está repleta de interesantes contestaciones y que además respondió en tiempo record. No podemos más que darle mil veces las gracias por su amabilidad y… naturalmente esperamos no perdernos Verbo este año en Sitges.
El origen del Planeta de los Simios: ¡¡Así, si!!
…VALE, PERO AL PRINCIPIO FUE EL HOMBRE DEL TRAJE DE MONO
Ya se sabe que cada generación tiene su saga cinematográfica: unos pueden ser de La Guerra de las Galaxias; otros de El señor de los anillos e incluso hay los que son forofos y tendrán en el recuerdo la saga de Harry Potter, en fin, lo que les digo, hay gente para todo. Pero puedo asegurarles que mi saga, y pienso que la de mi «quinta» es la de El planeta de los simios. Tuve el privilegio de verla completa en cines, ya que antes la vida de las películas se prolongaba durante años exhibiéndose en cines de barrio, no como ahora, que rapidamente pasan al consumo doméstico.
¿Pero, porqué el cine tiene tanta obsesión por los monos y no, por ejemplo, con los Ñu? Supongo que por la proximidad (de algunos más que de otros) con nuestro vecino de enfrente en la evolución. Pero desde luego es un hecho, lean, lean…
Ya desde el cine fantástico mudo se puede ver a hombres con maquillaje de mono o con disfraces de gorila en films como Habla el mono (The Monkey Talks, 1927 Raoul Walsh); El gorila (The Gorilla, 1927 Alfred Santell) e incluso en La obsesión de un sabio (A Blind Bargain, 1922 Wallace Worsley), donde el genial Lon Chaney nos ofrecía una sencilla pero más que verosímil mutación hombre / mono. Eso por nombrar unos pocos… ¿Y qué decirles de Tarzán, en cuyos primeros films se mezclaban hombres con traje de gorila y chimpancés reales? … Y por si no tuvieran bastante, recuerden a los gorilas gigantes con King Kong (1933, Cooper & Schoedsack) a la cabeza. Y eso solo fue el principio, porque durante los años 30 y 40, los tipos con traje de gorila parecían ser la compañía obligada de los sabios locos que interpretaron Bela Lugosi en films como El doble asesinato de la calle Morgue (Murders in the Rue Morgue, 1932 Robert Florey), The Ape Man (1943, William Beaudine), Bela Lugosi Meets a Brooklyn Gorilla (1952, William Beaudine), o Boris Karloff en El gorila (The Ape, 1940). Tanta era la querencia con los simios peludos que incluso Lugosi acudía a algunos estrenos cinematográficos haciendo el numerito acompañado de un tipo con traje de mono.
Pero visto esto… ¿Que es lo que nos falta?
… ¿QUE TAL TODO UN PLANETA DE SIMIOS?
Pues primero fue la obra, escrita por el francés Pierre Boulle, escritor que había conocido un gran éxito con El puente sobre el río Kwai , novela que fue adaptada al cine convirtiéndose en uno de los grandes clásicos de todos los tiempos, así que cuando escribió en 1963 La Planète des Singes, el mundo del cine no se lo pensó dos veces y rápidamente pusieron a trabajar en el guión a uno de los grandes de la ciencia- ficción: Rod Serling, que tras mil vicisitudes entra en contacto con Arthur P. Jacobs de 20th Century Fox, que también está interesado en llevar la historia de esta sociedad compuesta por simios al cine. La producción se pone en marcha en 1967 con los resultados que ustedes ya saben: un sólido film repleto de estrellas: Charlton Heston, Roddy McDowall, Kim Hunter y Maurice Evans, que sustituye en el papel de Dr. Zaius al popular Edward G. Robinson. Destacando la increíble e innovadora labor de maquillaje de John Chambers, que por entonces experimentaba con un novedoso material, el látex.
Aquí comenzó una saga que se prolongó durante 6 años y cinco films que encajan como la
Una indignada Zira
maquinaria de un reloj suizo y que están repletos de entretenimiento, acción, ternura y sobre todo inteligencia. Lamentablemente el último título (que afortunadamente no se estrenó aquí) ya era del todo innecesario, así como una floja serie de televisión que intentó, inutilmente prolongar la saga del planeta de los simios que tan bien se había cerrado con La rebelión de los simios (Conquest of the planet of the apes, 1972 J. Lee Thompson).
En todo caso, la serie propició la edición de una colección de cómics editados por Marvel que, tras iniciarse adaptando a ese medio las historias de las películas originales, iniciaba aventuras inéditas en una colección que lo mejor que tenía era, sin duda, sus portadas, ya que el contenido estaba creado para explotar el filón mientras durase. Quizás lo mejor que legó aquella época fueron los excelentes muñecos y complementos que fabricó Mego.
El primer origen de El Planeta de los simios se narra en La rebelión de los simios.
En 2001 Tim Burton realiza un remake del primer título de la serie que decepcionó a todos: fans de la serie original y fans de Burton. Aunque quizás habría que revisarla y darle otra oportunidad, quien sabe. Al menos queda un momento delicioso: la intervención de Charlton Heston (sin acreditar) aquí como simio interpretando a Zaius y la de Linda Harrison, la Nova original.
Pero vayamos con la nueva, hablemos de…
EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS
Naturalmente uno tenía sus reticencias pero, nos ha sorprendido y mucho esta nueva e ingeniosa incursión en la serie simiesca, que no es un remake, sino una nueva visión de la misma historia que narraba la cuarta película de la serie: La rebelión de los simios.
Al igual que X-Men: Primera generación (X-Men: First Class, 2011 Matthew Vaughn), El origen del planeta de los simios (Rise of the Planet of the Apes, 2011, Rupert Wyatt), no es una precuela, sino una relectura de la saga anterior, que, afortunadamente, obvia el fallido intento de Tim Burton. Relectura y no precuela, porque si bien enuncia los nexos, como lo es que la rebelión comience cuando César dice «¡No!», supone una puesta al día de la trama de fondo. Toda obra de Ciencia Ficción explora los miedos y peligros del presente trasladándolos a un futuro donde tienen cumplimiento; esto es así en la saga original y en la nueva película, pero si en aquella respondía al temor de que la Guerra Fría acabara en una confrontación armada queconduciría al desastre nuclear y la extinción del planeta (de ahí antológicas escenas como la de Charlton Heston ante la Estatua de la Libertad al final del primer título de la saga o los adoradores de la bomba en el segundo, Regreso al planeta de los simios), en El origen del planeta de los simios responde a una de nuestras más grandes incógnitas: qué ocurrirá si siguen adelante las investigaciones en el campo de la ingeniería genética. La ingeniería genética es uno de los campos de investigación que más avances está procurando (el otro sería la inteligencia artificial que protagonizará el festival de Sitges 2011), pero ningún avance está exento de riesgos, pues nadie puede preveer todas las consecuencia de la manipulación genética. Ahí están, por ejemplo, las voces de los ecologistas avisando de los posibles efectos adversos de los transgénicos para la salud de los humanos. También la discusión bioética alza la voz, centrándose tanto en problemas filosóficos como qué es la vida y la licitud del hombre para recrearla (que en la película vemos reflejado en la figura de un espléndido James Franco, como un nuevo sosias de Frankenstein) como en la licitud de los propios experimentos con animales. El origen del planeta de los simios nos mueve a reflexionar sobre todo ello cuando vemos el trato que se da a los animales en el film, y también en sus títulos de crédito finales, donde expone nuestro temor a una pandemia mundial.
Un cartel con inequívoco y exquisito regusto retro.
Por otra parte se esboza una posible continuación al ver la rivalidad entre César y otro chimpancé, Koba, pues en los momentos finales se nos presenta a César como un buen lider que sólo busca la liberación de los suyos (incluso rechazando matar a los humanos), mientras que su antagonista quiere declarar la guerra a los humanos.
Tenemos en James Franco un mad doctor en toda regla que no duda en experimentar con su propio padre, enfermo de Alzheimer, el medicamento que finalmente acabará, no sólo con él, sino con toda la civilización humana, a la vez que propiciará el dominio de los simios al crear el suero que les dota de inteligencia. Como vemos todo un «logro» que ya quisiera para sí el mismísimo Duendecillo Verde, sin olvidar que el personaje del científico Will Rodman, que encarna Franco es, paradójicamente el «héroe» de la función. Pero descuiden, si olvidan estos pequeños detalles les caerá muy bien el personaje interpretado por Franco, que solo busca lo mejor para el prójimo (menos mal…)
Últimamente me sorprende favorablemente, y mucho, John Lithgow. Este veterano actor ya demostró que era excelente en el campo de la comedia con la serie Cosas de marcianos (3rd Rock from the Sun), pero recientemente me tiene cautivado con el papel de psicópata que encarna en la estupenda serie Dexter, así que verlo aquí con un papel repleto de sensibilidad como padre del científico, no hace más que confirmar que este actor, que me parecía del todo anodino, tiene algo especial: talento.
Mención aparte merece el apartado de efectos especiales. Sencillamente se ha conseguido algo cercano a la perfección con la creación del chimpancé César, que muestra unas expresiones que llegan al espectador transmitiendo sentimientos. Vamos, que interpreta, que se trata de un actor más y, …no precisamente malo (¡¡Algunos que hay por aquí pueden empezar a temblar!!). Algo que da que pensar que, ahora sí, en cualquier momento pueda estrenarse una película nueva de, por ejemplo, Bruce Lee o James Dean o…
También tenemos, por supuesto,varios guiños a la saga original: una simia llamada Cornelia; una imagen de Charlton Heston en un televisor; César con una estatua de la libertad en sus manos; la denominación «ojos claros» para los monos inteligentes, que rememora a el «ojos azules» que llamaban a Taylor (Charlton Heston), único humano inteligente en el primer film. Y una de las frases más famosas de la película original (y de la historia del cine): antes de que hable por primera vez César, un humano le dice aquello de: «Quítame tus apestosas zarpas de encima, sucio simio», la misma frase que Taylor espeta a los simios cuando habla por primera vez en el primer film. También en la música de Doyle, se homenajea la banda sonora original de Goldsmith, una de las más importantes de la historia del cine.
Pero a pesar de los homenajes y guiños, sin duda El origen del planeta de los simios es una propuesta seria que nos ha sorprendido y que, en ningún modo, puede ofender a los admiradores de la saga original ni en general a los amantes del buen cine de entretenimiento (vamos, lo que viene siendo el cine desde siempre y que algunos no acaban de entender).
Serendipia
Proyecto Naschy 
Últimos comentarios