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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 18 de febrero de 2022 *

18 febrero 2022 Deja un comentario

LA HIJA PERDIDA (The Lost Daughter, Maggie Gyllenhaal, 2021)

USA/UK/Israel. Duración: 121 min. Guion: Maggie Gyllenhaal. Novela: Elena Ferrante Música: Dickon Hinchliffe Fotografía: Hélène Louvart Productora: Endeavor Content, Faliro House, Pie Films, Samuel Marshall Productions Género: Drama.

Reparto: Olivia Colman, Jessie Buckley, Ed Harris, Dakota Johnson, Peter Sarsgaard, Paul Mescal, Oliver Jackson-Cohen, Dagmara Dominczyk, Alba Rohrwacher

Sinopsis: Sola en unas vacaciones junto al mar, Leda (Olivia Colman) se ve consumida por una joven madre y su hija mientras las observa en la playa. Intrigada por su atractiva relación (y por su estridente y amenazante familia), Leda se siente abrumada por sus propios recuerdos del terror, la confusión y la intensidad de la maternidad temprana. Un acto impulsivo lleva a Leda al extraño y ominoso mundo de su propia mente, donde se ve obligada a enfrentarse a las decisiones poco convencionales que tomó como madre joven y a sus consecuencias.

Premios y nominaciones

Premios Oscar: Nom. a mejor guion adaptado, actriz (Colman) y actriz de reparto
Globos de Oro: Nominada a mejor dirección y actriz drama (Colman)
Premios BAFTA: Nominada a mejor actriz secundaria (Buckley) y guion adaptado
Festival de Venecia: Mejor guion
Critics Choice Awards: Nominada a mejor guion adaptado (Colman)
Premios Independent Spirit: 4 nominaciones, incl. mejor película y dirección
Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor ópera prima2021
Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor dirección novel
Sindicato de Actores (SAG): Nominada a mejor actriz (Colman)
Asociación de Críticos de Chicago: 4 nominaciones incluido mejor dirección novel
Asociación de Críticos de Boston: Mejor dirección novel y actriz sec. (Buckley)
Premios Gotham: Mejor película, dirección, interpretación (Colman) y guion
Satellite Awards: 3 nominaciones, incluyendo mejor película y actriz (Colman)

La hija oscura, terrible nombre al que no hemos llegado todavía a encontrarle sentido, es una de esas películas de digestión lenta. De las que van dejando un poso al que volvemos y cuyos enigmas vamos desvelando posteriormente. La hija oscura habla de una mala madre, así, sin paños calientes, una madre joven que escoge, «egoístamente», su carrera y su vida, que ve como se le escapa de las manos por tener que compaginarla con la responsabilidad de criar a dos hijas pequeñas. Vale.

Pero hay más, mucho más.

Pues La hija oscura (repito, ese nombre…), narra una historia  diferente, valiente y en la que la directora va poniendo las cartas sobre la mesa de forma pausada, sutil, mostrando recuerdos y abriendo baúles y habitaciones largamente cerradas consiguiendo que todo entre en nuestra mente, de tal forma, que iremos entendiéndolo todo.

Comprendiéndolo todo.

La protagonista (inmensas Olivia Colman/Jessie Buckley), durante unas vacaciones en Grecia se reencontrará con la muñeca de su infancia y con esas hijas perdidas y la buena madre que no supo ser (ambas encarnadas en la siempre magnífica Dakota Johnson), con esa otra vida, extraviada también, que había dejado atrás.

Y comprenderá que ya es hora de volver a casa.

Potente debut en la dirección de la actriz Maggie Gyllenhaal esta película, basada en el best-seller homónimo de la escritora Elena Ferrante ha sido laureada en diferentes festivales y está protagonizada, además de por Olivia Colman, Jessie Buckley y Dakota Johnson, por Ed Harris, Dagmara Dominczyky Peter Sarsgaad, entre otros.

 

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 4 de febrero de 2022 *

MOONFALL (Roland Emmerich, 2022)

Estados Unidos. Duración: 120 min. Guion: Spenser Cohen, Roland Emmerich, Harald Kloser Música: Harald Kloser, Thomas Wanker Fotografía: Robby Baumgartner Productora: Centropolis Entertainment, Street Entertainment, AGC Studios, Creative Artists Agency, Huayi Brothers, Tencent Pictures, Mels Studios Distribuidora: Lionsgate Género: Ciencia ficción

Reparto: Halle Berry, Patrick Wilson, John Bradley, Charlie Plummer, Donald Sutherland, Stephen Bogaert, Eme Ikwuakor, Michael Peña, Wenwen Yu, Carolina Bartczak, Maxim Roy, Hazel Nugent

Sinopsis: Una fuerza misteriosa golpea a la Luna fuera de su órbita y la envía directamente contra la Tierra a toda velocidad. Unas semanas antes del impacto, y con el mundo al borde de la aniquilación, la ejecutiva de la NASA y ex astronauta Jo Fowler (Halle Berry) está convencida de tener la clave para salvar nuestro planeta. Pero solo el astronauta Brian Harper (Patrick Wilson) y el teórico conspiranoico KC Houseman (John Bradley) la creen. Estos héroes organizarán una misión espacial imposible, dejando atrás a todos sus seres queridos, para aterrizar en la superficie lunar e intentar salvar a la humanidad, enfrentándose a un misterio de proporciones cósmicas.

El especialista en cine de catástrofes, Roland Emmerich (El día de mañana, 2012), retorna al género que tan bien conoce para ofrecer una nueva superproducción de ciencia-ficción con la que fantasear de nuevo sobre el fin del mundo. En esta ocasión hay que decir que ha puesto humor a la propuesta, quizás porque bastante hay con lo que estamos viviendo como para abordar el tema seriamente. Lástima que, conforme avanza la película, el humor involuntario comienza a campar a sus anchas.

Y el caso es que la cinta se desarrolla de manera modélica: un comienzo que capta el interés del espectador con unos personajes que son presentados sin prisa y cuyas peripecias resultan interesantes. Ellos, de una forma u otra, deberán enfrentarse a los peligros que causará el cambió súbito de la órbita de la luna, que amenaza con precipitarse sobre nuestro planeta en un corto plazo de tiempo. Halley BerryPatrick Wilson y John Bradley serán los encargados de intentar salvar la Tierra de la inminente catástrofe.

La premisa que explica el cambio en la órbita lunar resulta atractiva e imaginativa, también un tanto excesiva, pero quizás es la forma en la que se narra la que no es la más indicada, pues transporta al espectador a una especie de torbellino en el que todo se pretenderá explicar de la manera más rápida posible, sin dar tiempo de asimilar lo que sucede, y todo ello mientras se inicia la cuenta atrás para el desastre, con los protagonistas luchando contra los elementos y sacrificando heroicamente la vida todos los personajes que, nada más asomarse por la pantalla, sabemos que que están condenados a muerte.

Indudablemente Moonfall consigue, durante la mayor parte del metraje, resultar entretenida, a pesar de ser bastante previsible. Halley Berry y Patrick Wilson están todo lo bien que pueden estar, y alegra ver en pantalla al bueno de Donald Sutherland, aunque la intervención del veterano actor sea poco más que breve.

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VAMOS DE ESTRENO: * Viernes 21 de enero de 2021 *

A mediados de los años noventa una nueva generación de cineastas españoles conseguía rodar sus primeros largometrajes. Marcados por el cine fantástico que vieron en su infancia y por la televisión, directores llegados desde el mundo del fanzine y del cortometraje como Álex de la Iglesia, Santiago Segura, Paco Plaza o Jaume Balagueró, conseguían entrar en la industria del cine de la mano de importantes productoras como El Deseo o Filmax. Pero no todos lo consiguieron. Mi adorado Monster es la historia de uno que desde la independencia más feroz, se detuvo en el camino y su proyecto quedó estancado durante más de 20 años hasta que,  inesperadamente, fue finalizado y estrenado en el festival de Sitges, de donde fue a la Semana de Cine Fantástico y de Terror de Donosti y a la Filmoteca Española, además de editarse en DVD.

Esta es la historia de Los Resucitados y de su director, Arturo de Bobadilla.

Producida por Enrique López Lavigne para El Estudio, en coproducción con Infilmity, ViMa, y con la participación de EMB Documental, Mi adorado Monster está dirigido por Víctor Matellano y basada en una idea propia, con guion de Matellano y uno de los protagonistas de Los Resucitados, Manuel Tallafé. Un documental que llega a los cines de la mano de 39 Escalones.

Mi adorado Monster narra una historia más grande que la vida, la obsesión de revitalizar en los noventa ese fantástico español que Arturo de Bobadilla y su generación vieron en los cines de barrio de sesión doble durante los años setenta. Películas protagonizadas por el hombre lobo de Paul Naschy o los templarios de Amando de Ossorio, unas cintas que el tiempo ha revalorizado en todo el mundo y que Bobadilla quiso recrear en su guion, haciendo referencia a personajes de esas películas y revistiendo todo con un halo literario autóctono al basarla, al igual que ya hiciera otra de las películas de aquella época, La cruz del diablo (John Gilling, 1975), en las leyendas de Gustavo Adolfo Bécquer.

Matellano, Tallafé y Babadilla

Bobadilla juntó a algunos de los nombres de aquel terror español como Paul Naschy y Antonio Mayans, y algunos actores pescados de las cintas que rodaba un primerizo Álex de la Iglesia como Tallafé y Santiago Segura, además de algunos amigos y actores entonces principiantes como Zoe Berriatúa y otros intérpretes aficionados e incluso accidentales. El resultado es difícil de definir. Rodada sin presupuesto, sin sonido y con el guion que improvisaba Bobadilla en el momento del rodaje, se dobló 22 años después como bien se pudo y rehaciendo los diálogos, de los cuales no se conservaba nada. Toda una epopeya que Víctor Matellano narra gracias a la colaboración del propio Arturo de Bobadilla y de los actores y técnicos de aquel caótico rodaje, que cuentan anécdotas que han pasado a formar parte recurrente en la biografía de los que las cuentan.

Los paralelismos con Ed Wood, que señala Santiago Segura, también están presentes en el propio documental, con Paul Naschy como su Lugosi particular, recuperado, al igual que aquel, durante la peor época laboral y personal de su carrera; y Álex de la Iglesia como su Orson Welles. El reflejo de lo que pudo ser y lo que finalmente fue.

De lejos, lo mejor del documental, que tiene mucho de mockumentary, es cuando Matellano permite que sean los propios actores y actrices protagonistas, técnicos y el propio Arturo de Bobadilla los que narren sus experiencias durante el rodaje de Los Resucitados, así como las diferentes visitas a las localizaciones y el testimonio de Ángel Sala, que sitúa al director en el contexto de la época. También da buen resultado la química entre Bobadilla y su monstruo, que le persigue a todos lados con la forma de un podrido caballero templario «a la Ossorio» y encarnado por el siempre estupendo Javier Botet. Asimismo resulta curioso ver las reacciones de los actores Macarena Gómez, Cristina Alcázar, Nacho Guerreros y Carlos Areces ante el visionado de Los Resucitados. Todo ello en un necesario documental sobre una de las figuras más carismáticas del fandom aunque, como es mi caso, deja al espectador con más ganas de conocer a la persona y al personaje. Su historia y su tragedia.

En cuanto a lo peor, su inicio, pretendidamente didáctico y los, en gran parte innecesarios, testimonios de Pedro Ruiz (¡Pedro Ruiz!), la cantante Alaska, los  cómicos Diego Arjona, Javivi (¡Javivi!) y Millán Salcedo o Antonio Miguel Carmona (ex-político del PSOE, tertuliano y ahora vicepresidente de Iberdrola) y su pareja Yolanda Font, que junto a Marian Clar y Valeria Vegas interpretan una parte del documental. Por su parte el encuentro entre Álex de la Iglesia y Arturo de Bobadilla pasa de ser un momento que podría haber sido mágico, a resultar algo impostado y exento de naturalidad al estar, en gran parte, guionizado.

Rodada en Digital 4 K durante 28 sesiones en localizaciones de Barcelona y Madrid, Mi adorado Monster, que cuenta con un estupendo póster, como todos los de los films de Matellano, participó en festivales como Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, el Festival de Cine Fantástico de Canarias, Isla Calavera o el Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror Mórbido (México/Chile), obteniendo el Premio Especial del Jurado durante la 11ª Setmana de Cinema Fantàstic i de Terror de Girona.

VAMOS DE ESTRENO: * Miércoles 22 de diciembre de 2021 *

21 diciembre 2021 Deja un comentario

SILENT NIGHT (Camille Griffin, 2021)

UK. Duración: 90 min. Guion: Camille Griffin Música: Lorne Balfe Fotografía: Sam Renton Productora: Marv Films, Maven Screen Media Género: Comedia negra.

Reparto: Keira Knightley, Matthew Goode, Roman Griffin Davis, Annabelle Wallis, Kirby Howell-Baptiste, Lucy Punch, Lily-Rose Depp, Rufus Jones, Holly Aird, Sope Dirisu, Davida McKenzie, Dora Davis, Gilby Griffin Davis, Hardy Griffin Davis

Sinopsis: Mientras el mundo se enfrenta al apocalipsis, un grupo de viejos amigos se reúne para celebrar la Navidad en una idílica casa de campo en Reino Unido. Incomodados por la idea de la inevitable destrucción de la humanidad, deciden afrontar la situación con tranquilidad, abriendo otra botella de Prosecco y continuando con la celebración… Pero, por mucho que quieran fingir normalidad, tarde o temprano, tendrán que hacer frente a la idea de que es su última noche.

Durante una charla que dimos en un festival se nos preguntó si pensábamos que la pandemia influiría en el modo de hacer cine. Y desde luego así ha sido en cuanto a la forma, pues muchas películas se han rodado de manera minimalista, con un número reducido tanto de actores como localizaciones. Pero con Silent Night detectamos que, sin hacer referencia directa al dichoso virus, este está presente en el fondo, en el sustrato, como nueva encarnación del miedo desplazando, al menos de momento, a la eterna amenaza atómica que vivimos durante la denominada guerra fría. De hecho, la película se terminó de filmar en Reino Unido justo antes del primer confinamiento por el COVID-19, y en septiembre de 2020, con la grabación de los últimos planos, se completó la producción.

Pero esta inseguridad y sensación apocalíptica de la que hemos tomado conciencia con la pandemia, se ve incrementada con otro terror mucho más habitual, sobre todo en estos últimos tiempos, como es el cambio climático y sus consecuencias, también apocalípticas y también presentes en el film de Camille Griffin que, como summum del horror, sitúa la acción en el que para muchos ya es un escenario de pesadilla: una comida familiar navideña.

Con los preparativos de esa velada, a la que la directora ha añadido amplias dosis de humor, se iniciará una historia que irá dando paso, conforme avance la trama, al terror.

Y a un terror muy, muy real.

Pero a pesar de jugar a ambas bazas, la directora consigue mantener un buen equilibrio, trasmitiendo la angustia que va adueñándose de los comensales conforme se avecina la tragedia. Y todo mediante una inteligente mirada femenina.

Silent Night es la opera prima de Camille Griffin, que también ha escrito el guion y ha contado con sus tres hijos para interpretar a los de la protagonista, Keira Knightley. Uno de ellos, Roman Griffin Davis, es posible que les resulte familiar pues debutó, y por la puerta grande, en 2019 con la estupenda Jojo Rabbit, de Taika Waititi. Silent NIght también cuenta en su reparto con Matthew Goode (Downton AbbeySecretos de estado) y Lily-Rose Depp (The KingLa bailarina), y el film llega a nuestras pantallas tras su premiere mundial en Toronto (TIFF) y haber pasado por algunos de los festivales fantásticos más importantes de la industria (Fantastic Fest – Austin -, Festival de Sitges – donde obtuvo el Premio al Mejor Guion y el Gran Premio del Público-).

Así que, olvídense de las bobaliconas comedias navideñas norteamericanas con las que cada año nos bombardean, sin ningún tipo de piedad, desde los diferentes canales televisivos, y vayan a ver Silent Night, una película navideña atípica para una Navidad atípica.

 

VAMOS DE ESTRENO: * Jueves 16 de diciembre de 2021 *

16 diciembre 2021 Deja un comentario

SPIDER-MAN: NO WAY HOME (John  Watts, 2021)

USA. Duración: 148 min. Guion: Chris McKenna, Erik Sommers. Cómic: Steve Ditko, Stan Lee Música: Michael Giacchino Productora: Pascal Pictures, Marvel Studios, Columbia Pictures. Distribuidora: Columbia Pictures, Sony Pictures Entertainment (SPE) Género: Fantástico

Reparto: Tom Holland, Zendaya, Benedict Cumberbatch, Marisa Tomei, Jamie Foxx, Tony Revolori, J.K. Simmons, Angourie Rice, Alfred Molina, Jacob Batalon, Jon Favreau, Harry Holland, Christopher Cocke, J.B. Smoove, Hannibal Buress, Martin Starr

Sinopsis: Por primera vez en la historia cinematográfica de Spider-Man, nuestro héroe, vecino y amigo es desenmascarado y por tanto, ya no es capaz de separar su vida normal de los enormes riesgos que conlleva ser un Súper Héroe. Cuando pide ayuda a Doctor Strange, los riesgos pasan a ser aún más peligrosos, obligándole a descubrir lo que realmente significa ser Spider-Man.

Muchas de las historietas de Spiderman (por entonces así, todo junto) que  los más talluditos leímos en blanco y negro cuando éramos imberbes, nos atraían por la acción y los antagonistas, por supuesto, pero aún más por la personalidad de Peter Parker. Nos identificábamos con aquel adolescente que, además de ser un súper-héroe, tenía que afrontar todos los problemas propios de la edad (amoríos, acoso del abusón de turno, exámenes, falta de dinero…). Y es precisamente en la riqueza de sus argumentos y personajes secundarios donde estriba el secreto de su longevidad, pues ha conseguido conectar con nuevas generaciones de lectores hasta ser el súper-héroe más atípico, humano y querido del mundo del cómic.

Parte de aquel espíritu no solo está presente en Spider-Man: No Way Home, sino que promete seguir siendo así, más fiel al personaje de las primeras apariciones en papel, ese que encandiló a tantas generaciones. Pero eso ya lo descubrirán viendo la película, que reúne a Spider-Man (ahora ya separado con guion) y Dr. Extraño, los dos personajes que crearon conjuntamente el ilustrador Steve Ditko y Stan Lee. El film también introduce el concepto del multiverso, que ha sido recurrente tanto en los cómics DC como Marvel para explicar agujeros de guion o, sencillamente, hacer reaparecer personajes «fallecidos» o, como es el caso, dar cierta «coherencia» y continuidad a la saga del lanzarredes uniendo a los tres protagonistas que, como ya deben suponer, operan en diferentes realidades. Así, tendremos ocasión de ver a los enemigos de aquellos enfrentándose al Peter Parker que interpreta Tom Holland.

Humor, conjuros y acción desbordante en un film que es todo un regalo para los aficionados al hombre araña, tanto en papel como en imagen real, y que lejos de ser otro odioso ejercicio de nostalgia, justifica la recuperación de personajes del pasado y de otras realidades con el objeto de dar «coherencia» a la filmografía del trepamuros, poniendo en contacto las tres series de películas dedicadas al personaje.

Y ya saben, quédense hasta el final de los títulos de crédito, pues se adelanta, no una, sino dos películas más, una secuela directa de esta, que prometen ser más que interesantes.

 

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 3 de diciembre de 2021 *

3 diciembre 2021 Deja un comentario

CAZAFANTASMAS: MÁS ALLÁ (Ghostbusters: Afterlife, Jason Reitman, 2021)

USA. Duración: 124 min. Guion: Jason Reitman, Gil Kenan. Música: Rob Simonsen Fotografía: Eric Steelberg Productora: The Montecito Picture Company, Columbia Pictures, Ghostcorps, Bron Studios, Sony Pictures Entertainment (SPE). Distribuidora: Sony Pictures Entertainment (SPE) Género: Fantástico.

Reparto: Finn Wolfhard, Carrie Coon, Mckenna Grace, Paul Rudd, Celeste O’Connor, Logan Kim, Annie Potts, Bill Murray, Dan Aykroyd, Ernie Hudson, Bokeem Woodbine, Oliver Cooper, Sigourney Weaver.

Sinopsis: Una madre soltera y sus dos hijos llegan a una pequeña ciudad, descubriendo su conexión con los cazafantasmas originales y el legado secreto que dejó su abuelo tras de sí. Secuela directa de «Cazafantasmas 2».

El hijo de Ivan Reitiman, productor y director de la bastante envejecida Los Cazafantasmas (Ghostbusters, 1984), de su secuela Los Cazafantasmas II (Ghostbusters II, 1989), así como productor de la correcta actualización femenina de la serie, Ghostbusters (Paul Feig, 2016), Jason Reitman, ha decidido desmarcarse de esta última y retomar la saga original situando la acción en la actualidad, con la hija y los nietos de uno de los cazafantasmas, el Dr. Egon Spengler (que interpretara el fallecido Harold Ramis), como los protagonistas y herederos de una granja alejada de todo y de todos en la que el abuelo realizaba sus experimentos.

¿El resultado? Si bien se mantiene medianamente bien durante su primera hora, con los esperados y bastante bien medidos guiños a la cinta original, gracias a los nuevos y atractivos personajes, y a la presunta actualización del universo cazafantasmas, todo termina destilando sabor a años ochenta, desde la banda sonora a los efectos especiales ¡incluso los niños ven en la escuela películas en VHS!, adquiriendo todo apariencia de haber salido de entre las páginas de una novela de R. L. Stine. Un viaje al pasado que ira in crescendo y culminará en su final. Y es que Cazafantasmas: Más allá va dirigida eminentemente al público infantil. Al de ahora y también a aquellos que fueron niños en los ochenta y vieron, una y otra vez, las películas originales. ESE final es el que hará que a aquellos niños de antaño se les salte la lagrimilla durante este ejercicio de nostalgia en el linde con la pornografía.

En su parte artística Cazafantasmas: Más allá cuenta en su renovado reparto con Paul Rudd (Ant-Man) como el maestro del pueblo, Carrie Coon (Perdida) como la alcoholizada madre y Finn Wolfhard (Stranger Things) y Mckeenna Grace (Yo, Tonya) interpretando a los jóvenes protagonistas, de entre los que destaca especialmente Grace como pequeña nerd y heroína de la función, una actriz con un brillante futuro por delante.

EL AMOR EN SU LUGAR (Love Gets a Room, Rodrigo Cortés, 2021)

España. Duración: 103 min. Guion: Rodrigo Cortés, David Safier. Obra: Jerzy Jurandot Música: Víctor Reyes Fotografía: Rafael García Productora: Nostromo Pictures Género: Drama

Reparto: Clara Rugaard, Ferdia Walsh-Peelo, Magnus Krepper, Freya Parks, Jack Roth, Henry Goodman, Dalit Streett Tejeda, Anastasia Hille, Valentina Bellè, Mark Davison

Sinopsis: Enero de 1942, 400.000 judíos de toda Polonia llevan más de un año confinados por los nazis en un estrecho gueto en mitad de la ciudad. Fuera del muro, la vida sigue adelante. Dentro, sus habitantes luchan por sobrevivir. Sin embargo, el alto muro de ladrillos no consigue parar la creación de un grupo de actores judíos que, en una helada noche invernal, interpreta una comedia musical en el teatro Fémina. Los espectadores ríen y se emocionan ante una historia de amor, olvidando por un momento su difícil situación. Entre bambalinas, los actores se enfrentan a un dilema de vida o muerte ante la posibilidad de llevar a cabo una fuga después de la función.

Mi suegra Asunción contaba que cuando era pequeña su madre les llevaba mucho, a ella y a su hermano, al cine. Igual comían algo menos, pero el cine no faltaba. Era la evasión que no podía faltar para aquellos niños y adultos que vivieran la dura y larga postguerra que tuvieron que sufrir los perdedores y sus familias. Años después, tanto mis padres como mis suegros pasaron su luna de miel en un cine. Fue ese el único lujo que pudieron permitirse. El cine les hacía más llevadera la vida y les evadía de los problemas y las estrecheces que vivían.

Esa lección sobre el cine como cura, la reflejó muy bien Preston Sturges en la maravillosa Los viajes de Sullivan (Sullivan’s Travels, 1941), película que, vayan a saber porqué, no se estrenó en España hasta mucho más tarde. Si no saben a qué película me refiero, ya tardan en buscarla y disfrutar de esa indiscutible obra maestra.

Con El amor en su lugar, Rodrigo Cortés emplea esa máxima trasladándola a un pequeño teatro del gueto de Varsovia, cuyo público no puede aplaudir a causa del tremendo frío pero que ocupa todas las butacas en busca de un rayo de esperanza. Allí los actores divierten a sus vecinos, judíos como ellos, condenados a una muerte lenta a causa de la hambruna, las enfermedades y el frío. Unos vecinos a los que el futuro les deparará, de sobrevivir a todo ello, un destino aún peor.

Pero por lo pronto en el gueto la vida se ha detenido. Todo es gris, no hay alimento ni ropa de abrigo. Hay cadáveres por las calles que los transeúntes esquivan o despojan de lo poco de valor que les queda. Pero ese pequeño teatro, el Fémina, es otro mundo. Está lleno de risas y esperanzas. Allí se desarrolla una comedia que protagonizan jóvenes actores y actrices, mientras que entre bambalinas tendrá lugar un profundo drama que Rodrigo Cortés narrará de manera ejemplar, persiguiendo por todas partes a su protagonista (la estupenda Clara Rugaard), recurriendo incluso a falsos planos-secuencia para trasmitir inmediatez y crear un fuerte contraste con lo que sucede sobre el escenario, que rodará de forma más convencional. Dos historias que acaban mezclándose en una sola y única trágica historia de amor y sacrificio.

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 26 de noviembre de 2021 *

26 noviembre 2021 Deja un comentario

RESIDENT EVIL: BIENVENIDOS A RACCOON CITY (Resident Evil: Welcome to Raccoon, Johannes Roberts, 2021)

USA/UK/Alemania. Duración: 107 min. Guion: Johannes Roberts. Videojuego: Capcom Fotografía: Maxime Alexandre Productora: Constantin Film, Sony Pictures Entertainment (SPE), Tea Shop & Film Company. Distribuidora: Screen Gems Género: Terror

Reparto: Kaya Scodelario, Hannah John-Kamen, Robbie Amell, Tom Hopper, Avan Jogia, Neal McDonough, Donal Logue, Chad Rook, Lily Gao, Nathan Dales, Stephannie Hawkins, Josh Cruddas, Marina Mazepa

Sinopsis:  La que fue una pujante ciudad sede del gigante farmacéutico Umbrella Corporation, Raccoon City, es ahora un pueblo agonizante del Medio Oeste. El éxodo de la compañía dejó a la ciudad convertida en un erial… con un gran mal gestándose bajo la superficie. Cuando ese mal se desata, un grupo de supervivientes deben unirse para destapar la verdad detrás de Umbrella y sobrevivir a la noche.

Muchos pensamos, ilusos de nosotros, que con Resident Evil: El capítulo final (Resident Evil: The Final Chapter, Paul W. S. Anderson, 2016), se cerraba totalmente una serie iniciada 14 años antes y seis entregas después. Ese último capítulo retornaba a donde todo comenzó, a Raccoon City. Pues no. Johannes Roberts,  fan de la saga, guionista y director de Resident Evil: Bienvenidos a Raccoon City ha desarrollado una historia paralela a la que en 2002 protagonizara Milla Jovovich e iniciara la saga, solo que con otros protagonistas, testigos del estallido de la epidemia, que se trasmite con suma velocidad y que convertirá a  los habitantes de esa pequeña población en sedientos infectados.

Johannes Roberts, director británico que tiene en su haber interesantes propuestas dentro del género de terror, se toma su tiempo para presenta personajes y circunstancias, pero una vez estalla la violencia, la acción ya no se detiene hasta el final. Sangre, mordiscos y muchos tiros en esta cinta que da todo lo que ofrece. Tan sencilla como eficaz y a pesar de algunos agujeros en su guion, los personajes de Resident Evil: Bienvenidos a Raccoon City han venido para quedarse, así que ya pueden familiarizarse con sus protagonistas, Kaya ScodelarioHannah John-Kamen Robbie Amell, pues no creemos que tarden en volver a luchar contra la pérfida compañía farmacéutica Umbrella. 

LA CASA GUCCI  (House of Gucci, Ridley Scott, 2021)

USA/Canadá. Duración: 150 min. Guion: Roberto Bentivegna, Becky Johnson. Libro: Sara Gay Forden Música: Harry Gregson-Williams Fotografía: Dariusz Wolski Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Scott Free Productions, Bron Studios Género: Drama

Reparto: Lady Gaga, Adam Driver, Jared Leto, Al Pacino, Jeremy Irons, Salma Hayek, Jack Huston, Reeve Carney, Camille Cottin, Youssef Kerkour, Madalina Ghenea, Mia McGovern Zaini, Florence Andrews

Sinopsis: Inspirada en la impactante historia real del emporio familiar tras la legendaria firma de moda italiana, La Casa Gucci nos descubre, a lo largo de tres décadas de amor, traición, decadencia, venganza y, en último término, asesinato, el verdadero significado de un apellido, su valor y lo lejos que puede llegar una familia para hacerse con su control.

Drama basado en el ascenso y asesinato en 1995 de Maurizio Gucci, nieto del fundador del imperio de la moda Gucci, que apareció asesinado por orden de su exmujer Patrizia Reggiani, conocida como la «viuda negra de Italia». El film adapta el libro The House of Gucci: A Sensational Story of Murder, Madness, Glamour, and Greed, escrito por Sara Gay Forden y publicado en 2001. Y con estos mimbres Ridley Scott ha realizado una obra impecable, que a pesar de su extensa duración (150 min.), consigue captar la atención del espectador hasta su conclusión.

Rivalidades familiares, intrigas y juegos de poder, auténticas puñaladas empresariales por la espalda y glamour en este drama familiar que cubre casi dos décadas, de 1978 a 1995, y en el que Lady Gaga brilla especialmente como Patrizia, la pérfida y manipuladora esposa de Maurizio (Adam Driver), al que se propone cazar ya desde el inicio con la intención de subir en la escala social y permanecer en lo más alto. Y todo lo consigue, hasta que su desmedida ambición termina poniéndola en su lugar y dejando patente la enorme distancia cultural y de clase que la separa de su marido Maurizio, y de su mundo. Adam Driver realiza un trabajo perfecto y comedido como el contradictorio heredero del imperio Gucci en esta trama que también cuenta con Al Pacino y Jeremy Irons como los hermanos Aldo y Rodolfo Gucci, dos grandes actores a los cuales es un placer y privilegio ver actuar y comprobar como, con tan solo una sutil mirada, pueden llegar a expresar tanto.

En este reparto tan solo chirría, y no porque no se esfuerce, sino porque su actuación roza lo histriónico, Jared Leto, al que (no) reconocerán como Paolo Gucci, el hijo idiota de Aldo, al que interpreta casi como de una caricatura de italiano se tratara. Y es que posiblemente La casa Gucci debería haber sido rodada en italiano, pues sus personajes hablan en inglés con acento transalpino y a veces utilizan expresiones en italiano, todo lo cual consigue causar cierta extrañeza en el espectador. También destacan Salma Hayek y el siempre eficaz Jack Huston, un actor capaz de destacar por pequeño que sea su papel.

Todo el glamour y toda la miseria que se oculta tras las bambalinas de las grandes empresas y del mundo de la moda quedarán en evidencia en La casa Gucci, un apasionante viaje impecablemente orquestado por Ridley Scott que merece mucho la pena emprender.

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 19 de noviembre de 2021 *

19 noviembre 2021 Deja un comentario

ÚLTIMA NOCHE EN EL SOHO (Last Night in Soho, Edgar Wright, 2021)

UK/USA. Duración: 118 min. Guion: Krysty Wilson-Cairns, Edgar Wright Música: Steven Price Fotografía: Chung Chung-hoon Productora: Complete Fiction, Focus Features, Film4 Productions, Working Title Films Género: Thriller Fantástico

Reparto: Thomasin McKenzie, Anya Taylor-Joy, Matt Smith, Terence Stamp, Diana Rigg, Rita Tushingham, Synnove Karlsen, Joakim Skarli, Andrew Bicknell, Colin Mace, Michael Ajao, Will Rogers, Will Rowlands

Sinopsis: Thriller psicológico sobre una joven apasionada por la moda que misteriosamente puede entrar en la década de 1960, donde se encuentra con su ídolo, un atractivo aspirante a cantante. Pero el Londres de los sesenta no es lo que parece, y el tiempo comenzará a desmoronarse con sombrías consecuencias.

Última noche en el Soho (Edgar Wright, 2021) es una delicia que, sin duda, será una de las bombas de estas fiestas. La gran mayoría de medios han situado la acción en el Londres del Swinging London, lo que es un error, pues si bien se desarrolla en aquella época, refleja otro tipo de ambiente nocturno, muy alejado del brillo kaleidoscópico y Pop-Art que tanto idolatran sus protagonistas Eloise (Thomasin McKenzie) y Sandie (Anya Taylor-Joy), la fantasmal presencia del pasado que, al igual que Eloise, fue a Londres buscando brillo y encontró sombras. Mediante la fantasmal presencia de Sandie será como Eloise aprenderá que no puede idealizar el pasado dejándose cegar tan solo por su resplandor, pues tras él conviven las tinieblas. El Londres que muestra el film es un fiel reflejo del original, que tuvo en el Soho uno de sus epicentros, con locales como el Marquee, Ronnie Scott’s y Flamingo (cuya marquesina se ve fugazmente), frecuentados por los Mods con sus brillantes Scooters y los grupos que, más tarde, formarían parte de todo aquel universo, bastante comercial y ya cercano al mainstream, que dio en llamarse Swinging London. Un universo que convivía con el de cabarets y locales de mala nota que protagoniza Última noche en el Soho, frecuentados por prostitutas, clientes con sus chulos,  repletos de vicio y sueños rotos y en los que los ecos del Pop-Art y de ese Londres joven y moderno estaban totalmente ausentes. De ahí que la banda sonora se nutra, principalmente, de canciones standards de la época pero musicalmente mainstream (Cilla Black, Dusty Springfield o Sandie Shaw), dejando a los grandes grupos como The Kinks o The Who de fondo, como la música de la idealizada época que escucha la protagonista en sus modernos auriculares. Dejando aparte este error, del que no es culpable el director, sino la costumbre de algunos periodistas de repetir como loros lo que leen, Última noche en el Soho es una película impecablemente ambientada y muy bien narrada. Una fantasía situada entre dos épocas que terminarán mezclándose. Plena de intriga, horror, sordidez, bajos fondos, denuncia social y también  glamour, mucho glamour personalizado en la estupenda Anya Taylor-Joy, que se atreve incluso a interpretar una sobrecogedora versión de Downtown, el éxito de Petula Clark.

Edgar Wright, viejo conocido del aficionado gracias a estupendas comedias como Zombies Party (2004) y Bienvenidos al fin del mundo (The World’s End, 2013), o la más reciente, Baby Driver (2017), ha tenido el detalle de contar con dos de las estrellas originales de aquel Swinging London de los sesenta, los actores Terence Stamp y Diana Rigg, recientemente fallecida y que como la agente Emma Peel revolucionó, entre 1965 y 1968, el mundo de la televisión junto a Patrick Macnee con la serie Los Vengadores (The Avengers).  A ella ha dedicado Edgar Wright el que es el último trabajo de la actriz,  que con su papel en Última noche en el Soho, se despide por todo lo alto.

La película, quizás la mayor sorpresa cinematográfica que ha deparado este 2021, llega a los cines españoles tras su paso por el Festival Internacional de Cine de Venecia, el Festival de Cine de Sitges, y tras haber ganado el premio del público al mejor largometraje en la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián.

 

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 29 de octubre de 2021 *

29 octubre 2021 Deja un comentario

EL SUSTITUTO (Óscar Aibar, 2021)

España. Duración: 117 min. Guion: Óscar Aibar, María Luisa Calderón Música: Manuel Roland Fotografía: Álex de Pablo Productora: Tornasol Films, Voramar Films, Entre Chien et Loup, Isaba Producciones Cinematográficas, TVE Género: Thriller

Reparto: Ricardo Gómez, Vicky Luengo, Pere Ponce, Pol López, Joaquín Climent, Nuria Herrero, Bruna Cusí, Susi Sánchez, Guillermo Montesinos, Pep Cortés

Sinopsis: Año 1982. Un joven policía curtido en los barrios más duros de Madrid (Ricardo Gómez) acepta un destino en un pueblo de mar con la esperanza de curar a su hija y, de paso, ganar algo de tranquilidad. Una vez allí, se ve envuelto en la investigación del extraño asesinato del inspector al que ha de sustituir. Las pesquisas le llevarán hasta un hotel playero donde una comunidad de ancianos nazis, reclamados por muchos países por crímenes contra la humanidad, vive un retiro paradisiaco y feliz.

En unos tiempos en los cuales la corrupción de unos y otros en nuestro país entra en la normalidad, con su presencia habitual en los noticiarios y juzgados, se agradece poder contemplar un relato como el que nos propone Óscar Aibar, que habla sobre integridad y decencia (adjetivos ambos casi olvidados en la actualidad) y que opta por denunciar situaciones que se dieron durante aquella «modelica» transición democrática del borrón y cuenta nueva que mantuvo todo la estructura franquista presente en las instituciones, con unas consecuencias que han llegado a la actualidad, con ese gran poso de basura y corrupción protagonizado por los hijos y nietos de los «vencedores» y su aparato represor y judicial, que ha terminado salpicando a aquellos progres de chaqueta de pana y acento andaluz que se proclamaban adalides de la izquierda y del obrero. Una estructura que ha ofrecido su (¿último?) espectáculo, ya en su vertiente folklórica de coros y danzas, en Vox, un partido directamente fascista empecinado en una tan falsa como ridícula lucha en la «defensa» de nuestras libertades y del sistema democrático y constitucional, labor para la cual no duda en apoyarse en los más rancios y populistas símbolos.

Andrés Expósito (Ricardo Gómez), el protagonista de la historia que nos cuenta Óscar Aibar, basada en hechos reales, es taciturno y pesimista. Como todos los hombres de aquella España, toma alcohol abundantemente. Es un hijo de su tiempo, huérfano de los perdedores, que le han desprovisto hasta de sus apellidos. De sus raíces. Criado y aleccionado en uno de los terroríficos hogares del Auxilio Social que tan bien retratara el artista Carlos Giménez, concretamente Paracuellos de Jarama, el mismo en el que dibujante estuvo, un intencionado guiño del director, en el «hogar» le enseñarán a alcanzar, «por el Imperio, hacia Dios». Mecánico de vocación, sus estudios le llevarán a meterse en la policía, en el sistema represor. Marido poco modélico, su traslado a Denia, una localidad de la costa levantina en al que solo viven «simpáticos» alemanes y donde nunca parece pasar nada, le abrirá los ojos. Investigando para saber qué es lo que le sucedió al hombre al que sustituye, averiguará que el mal convive y trabaja junto a él. Enraizado en todos los estamentos. En la calle. Que es contagioso y que, de enfrentarse a el, estará siempre solo.

Franquistas, nazis y drogas son algunos de los ingredientes de esta intriga político-policíaca con la que Óscar Aibar vuelve al cine tras 9 largos años de ausencia durante los cuales ha estado trabajando en televisión, dirigiendo la serie «Cuéntame como pasó«. De allí ha sacado a su protagonista, Ricardo Gómez, que en la piel de Expósito demostrará que también puede ponerse muy serio (y no sonreir durante toda la película). A Gómez le acompaña Pere Ponce, habitual en las películas del director, como Colombo, uno de los personajes positivos de la trama, además de las actrices Bruna Cusí y Vicky Luengo.

Impecablemente narrada, repleta de detalles y una bien escogida selección musical, algo habitual en el director, en El sustituto todo terminará encajando y encontrando su lugar, incluso la verdad.

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 22 de octubre de 2021 *

20 octubre 2021 Deja un comentario

HALLOWEEN KILLS (David Gordon Green, 2021)

USA. Duración: 105 min. Guion: David Gordon Green, Danny McBride, Scott Teems. Personaje: John Carpenter, Debra Hill Música: Cody Carpenter, John Carpenter, Daniel A. Davies Fotografía: Michael Simmonds Productoras: Blumhouse Productions, Trancas International Films, Miramax, Rough House Pictures, Universal Pictures, Home Again Productions. Distribuidora: Universal Pictures Género: Terror

Reparto: Jamie Lee Curtis, Judy Greer, Andi Matichak, Will Patton, Anthony Michael Hall, Thomas Mann, Nick Castle, James Jude Courtney, Kyle Richards, Robert Longstreet, Dylan Arnold, Stephanie McIntyre, Omar Dorsey

Sinopsis: La noche de Halloween en la que Michael Myers regresa no ha acabado todavía. Minutos después de que Laurie Strode, su hija Karen y su nieta Allyson dejen encerrado y ardiendo a este monstruo enmascarado, Laurie se dirige rápidamente al hospital para tratar sus heridas, creyendo que todo ha terminado. Pero cuando Michael consigue liberarse, su ritual sangriento continúa. Mientras Laurie lidia con su dolor y se prepara para defenderse, sirve de inspiración para que todo Haddonfield se levante contra este monstruo imparable.

Tras su reciente proyección durante el festival de Sitges nos sorprendió escuchar a alguien en los corrillos habituales exclamar,  sorprendido, que el matarife de la saga Halloween, Michael Myers, nunca moría. Y lo hacía a modo de queja. Realmente cuesta creer que a estas alturas, tras 11 apariciones en pantalla con sus consiguientes degollinas, alguien se extrañe de que no solo no muera sino que, de hacerlo, llegue a pensar que lo hará de manera definitiva. Y más cuando es bien sabido que las productoras responsables de esta nueva reencarnación del personaje, con Blumhouse en cabeza, ya maquinaron que este retorno a las pantallas del matarife enmascarado culminara con una tercera (¿y última?) parte titulada, precisamente, Halloween Ends. Pero, muera o no, ¿qué más da si uno de los principales «atractivos» de esta saga radica precisamente en que el villano nunca muera?

Pues partiendo de estos parámetros, Halloween Kills no engaña a nadie. Ofrece al espectador y, especialmente al seguidor de esta saga, justo lo que puede esperar de ella: muertes vistosas; guiños al espectador; viejos personajes conocidos (no les decimos quien) y otros desconocidos relacionados con la película original de Carpenter; y, por supuesto, la presencia de Jamie Lee Curtis como heroína. Y todo para sacarle punta a un personaje que, en vista de la repercusión obtenida en Estados Unidos (Número 1 en cines con más de 50 millones de dólares de recaudación en su primer fin de semana), el público parece no cansarse de ver en pantalla.

 

VAMOS DE ESTRENO: * Viernes 10 de diciembre de 2021 *

14 octubre 2021 Deja un comentario

TRES PISOS (Tre piani, Nanni Moretti, 2021)

Italia/Francia. Duración: 119 min. Guion: Nanni Moretti, Federica Pontremoli, Valia Santella. Novela: Eshkol Nevo Música: Franco Piersanti Fotografía: Michele D’Attanasio Productora: Sacher Film Rome, Fandango Produzione, RAI Cinema, Le Pacte Género: Drama

Reparto: Riccardo Scamarcio, Alba Rohrwacher, Nanni Moretti, Margherita Buy, Alessandro Sperduti, Stefano Dionisi, Adriano Giannini, Denise Tantucci, Anna Bonaiuto, Elena Lietti, Paolo Graziosi, Tommaso Ragno

Sinopsis: Relato sobre los miembros de tres familias cuyos apartamentos están en el mismo bloque de clase media. Se trata de un joven matrimonio, Lucio y Sara, que sospecha que su vecino Renato, ha abusado de su hija; una madre, Monica de dos hijos cuyo marido Giorgio está siempre fuera trabajando; y una juez jubilada, Dora que ejerce el mismo trabajo de su marido Vittorio.

Todos éramos muy jóvenes, los que lo éramos entonces, cuando Nanni Moretti firmaba en 1985 La messa é finita. No sé por qué siempre me he referido a esta cinta por su título en italiano, pero fue mi primer encuentro con él y su impronta se quedó conmigo. Algo de la furia de ese sacerdote rojo (muy rojo), ácido en su actitud y en su crítica a la sociedad y sus instituciones, casaba con mi propio posicionamiento ante el mundo: yo también era una pequeña salvaje presta a vomitar verdades como puños contra la moralidad burguesa mientras buscaba mi propio sentido y mi propia voz. Algo en el cine de Moretti era incómodo e intimidante, algo que manaba de la personalidad arrolladora del cineasta autárquico, era difícil saber dónde terminaba la persona y dónde empezaba el cómico (si es que eran discernibles). Había en él algo de categórico, como un tiro a bocajarro, contra las fuerzas fácticas, envuelto en un humor que tenía tanto de sarcástico como de surreal. El suyo era un cine donde lo intelectual se daba la mano con lo visceral, sin que la contradictio in terminis volara en mil pedazos su coherencia interna. Y se quedó prendido entre mis gustos personales.

Han pasado casi cuarenta años, ya no somos jóvenes, los que no lo somos ahora, y aunque seguimos siendo críticos y rojos (muy rojos) hemos dejado de ser salvajes.  Que los puños no son el mejor vehículo para enunciar la verdad, es una certeza que descubrimos hace ya más de dos telediarios y así, desde La habitación del hijo (y quizás antes incluso), que inauguraba un nuevo siglo y una nueva etapa, Moretti deponía el sarcasmo como carta de presentación y descendía al plano en el que los afectos humanos individuales resultan igual de importantes que la lucha colectiva, si es que no más. Algunos no le perdonan que haya aparcado la vespa del humor inteligente y haya decidido circular por las calles de Roma (y del mundo) en coche familiar. Pero es que al italiano se le ha desinflamado el ego y se le ha aplacado el furor, dos signos de que, tanto él como su cine, han madurado, y la verdad es que , digan lo que digan, el nuevo traje les sienta muy bien. Tres pisos, por una vez guion adaptado, es un melodrama coral («melo» porque no está carente de música, aunque quizás le falte un milígramo de desenfado para ser redondo) que, si es que asienta alguna verdad, esta es que ninguna puede ser aseverada de forma apodíctica. Estamos lejos de Historia de una escalera, nos asomamos a tres pisos en una finca de clase media alta en el que viven tres familias acomodadas que no son ejemplares, pero que no llegan a ser disfuncionales. En el seno de cada hogar conviven los enfrentamientos, las obsesiones, los temores y el genio individual. Están compuestos por un mosaico en el que cada pieza es cuestionable por exceso o por defecto, desde el justo juez, interpretado por el propio Moretti, al que lo adorna una desmesurada rectitud, a la desidia de su hijo descarriado, pasando por el temor a la locura de una madre solitaria y/o a la obsesión de un padre asustado con la posibilidad de que hayan abusado de su niña (y que casi se convertirá él mismo en abusador). Personajes enfrentados entre sí, convencidos cada uno de estar en la posición correcta frente a la equivocación ajena. Pero los años pasan (de cinco en cinco) y nada acabará resultando inamovible, porque no hay un camino único para todos, sino múltiples y personales (e intransferibles, quizás).

Tejida con situaciones límite, la trama, que algunos tildan de telenovelesca, avanza sin aspavientos ni sobreactuaciones (ni por parte de la dirección, ni por parte de la interpretación), con discurso pero sin sermón. Ahora sí ha terminado la misa. Y por eso el humor se retira a sus dependencias, para asomar solo en los momentos clave, y la ternura avanza posiciones, para acabar siendo central. Porque ya no somos jóvenes y porque ya no nos hace falta atrincherarnos en el parapeto de la ironía.

ZEROS AND ONES (Abel Ferrara, 2021)

USA/Alemania/UK/Italia. Duración: 85 min. Guion: Abel Ferrara Música: Joe Delia Fotografía: Sean Price Williams Productora: Maze Pictures, Hammerstone Studios, Rimsky Productions, Macaia Film, Almost Never Films Inc. Distribuidora: Lionsgate Género: Thriller

Reparto: Ethan Hawke, Valerio Mastandrea, Cristina Chiriac, Babak Karimi, Dounia Sichov, Salvatore Ruocco, Phil Neilson, Anna Ferrara, Valeria Correale, Korlan Rachmetova, Mahmut Sifa Erkaya

Sinopsis: JJ (Ethan Hawke), un soldado norteamericano destinado en Roma, se abre camino en un mundo turbio y encerrado de miedo, paranoia y esperanza a la sombra del Vaticano. Así se embarcará en un heroico viaje para descubrir y enfrentarse a un enemigo desconocido que está amenazando al mundo entero. Una guerra entre la historia y el futuro que tiene lugar hasta el amanecer.

Con este tan áspero como sorprendente thriller, Abel Ferrara demuestra que continúa en forma y que sigue siendo un alma libre y capaz, a sus 70 años, de conservar su espíritu transgresor. Y es qu resulta sumamente saludable ver que el veterano director sigue teniendo inquietud por experimentar y contar de manera original lo que desea trasmitir, todo lo cual le fue reconocido durante la última edición del festival de Locarno con el premio al mejor director.

Zeros and Ones es la respuesta de Ferrara a los tiempos de pandemia que estamos viviendo. Protagonizada por Ethan Hawke, que realiza el papel de dos hermanos antagónicos, uno revolucionario y el otro militar, la acción se desarrolla enteramente durante la noche en una desolada Roma, pues el director aprovecha el confinamiento para, cámara en mano, tomar planos en las ruinas del Coliseum o la Ciudad del Vaticano, que adquirieron así un nuevo y apocalíptico sentido.

Intrigante e incómoda, el espectador no sabrá muy bien lo que Ferrara le narrará en todo momento, pero eso carece de valor, pues debe ser consciente de que no se obtendrán todas las respuestas a las preguntas que sugiere este rompecabezas casi experimental que es Zeros and Ones y que tiene sus claves en el prólogo y el epílogo en boca del propio actor protagonista.

Fe, tecnología y conspiración se dan la mano en una atmósfera de pesadilla urbana áspera y oscura que el propio director define como «una película sobre el confinamiento y la guerra, el peligro y el espionaje, sobre soldados estadounidenses, intermediarios chinos, religiosos de Oriente Medio, provocadores, diplomáticos, agentes libres de la KGB y el Mossad, informadores, asesinos y rebeldes. Donde lo masculino y lo femenino es intercambiable, donde las alianzas y la historia son conceptos fluidos y donde los datos y la información son valores al alza».

 

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VAMOS DE ESTRENO: Viernes 1 de octubre de 2021

SIN TIEMPO PARA MORIR (No Time to Die, Cari Joji Fukunaga, 2021)

UK. Duración: 163 min. Guion: Neal Purvis, Robert Wade, Cary Joji Fukunaga, Phoebe Waller-Bridge Música: Hans Zimmer. Tema: Billie Eilish Fotografía: Linus Sandgren Productora: Danjaq, EON Productions, Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Universal Pictures Género: Thriller

Reparto: Daniel Craig, Rami Malek, Léa Seydoux, Lashana Lynch, Ralph Fiennes, Naomie Harris, Ana de Armas, Christoph Waltz, Ben Whishaw, Jeffrey Wright, Rory Kinnear, Dali Benssalah, Billy Magnussen,

Sinopsis: Bond ha dejado el servicio secreto y está disfrutando de una vida tranquila en Jamaica. Pero su calma no va a durar mucho tiempo. Su amigo de la CIA, Felix Leiter, aparece para pedirle ayuda. La misión de rescatar a un científico secuestrado resulta ser mucho más arriesgada de lo esperado, y lleva a Bond tras la pista de un misterioso villano armado con una nueva y peligrosa tecnología

Que todo es finito y que no hemos venido aquí para quedarnos tendría que ser algo más que un mantra o un simple meme: debería formar parte de nuestro ADN. Las redes sociales dan voz a multitud de almas, cada una de ellas cargada con su propia razón que, en la gran mayoría de los casos, no escucha: juzga; no debate: exige. Y de un tiempo a esta parte se está adueñando de esas redes una del todo absurda nostalgia protagonizada, en su extensa mayoría, por voces -no tan- jóvenes que se niegan a adaptarse a los nuevos tiempos. O al menos aceptarlos. No quieren que nada cambie. Todo les está bien si es como siempre. A ser posible, incluso repitiendo fórmulas una y otra vez.

Una y otra vez.

Una y otra vez.

Nosotros pensamos que hay que innovar, arriesgar. Que los Beatles son grandes porque se supieron separar a tiempo, dejando un buen puñado de discos como prueba, siempre fresca, de su genio, mientras que los Rolling Stones llevan muchos años paseando sus ajados organismos por los escenarios sin  querer reconocer que hace años que su tiempo pasó.

La franquicia dedicada a James Bond, el agente 007 con licencia para matar, lleva en los cines de manera ininterrumpida desde 1962, siendo una de las más innovadoras y longevas, además de, sin ningún tipo de duda, la que mejor ha sabido sobrellevar el paso del tiempo y reinventarse tras 60 años de actividad y 27 películas estrenadas.

James Bond ha marcado a varias generaciones y ha evolucionado con los tiempos. Y 007 no va a tener fin, por supuesto, pero será diferente tras las marcha de Daniel Craig, un actor que ha sabido devolver al personaje a sus orígenes siendo, sino el mejor James Bond, al menos el único que ha podido competir con el carisma y la elegancia de Sean Connery. Sin tiempo para morir ofrece varias pistas de por donde podría ir la franquicia a partir de ahora. Y la perspectiva no resulta ni descabellada ni carece de interés. Tan solo será diferente.

Pero si algo puede darse por seguro es que las nuevas aventuras que tendrán lugar a partir de ahora seguirán creando nuevas generaciones de seguidores trayendo a la pantalla flamantes y peligrosas misiones para el agente secreto más letal, y también querido, de la historia del cine y la literatura: 007, un agente con licencia para innovar.

MALNAZIDOS (Javier Ruiz Caldera y Alberto de Toro, 2020)

España. Duración: 101 min. Guion: Jaime Marqués, Cristian Conti (Novela: Manuel Martín Ferreras) Música: Javier Rodero Fotografía: Kiko de la Rica Productora: Telecinco Cinema, Cactus Flower Producciones, La Terraza Films, Ikiru Films Género: Terror/Thriller/Comedia

Reparto: Miki Esparbé, Aura Garrido, Luis Callejo, Álvaro Cervantes, Jesús Carroza, María Botto, Sergio Torrico, Francisco Reyes, Frank Feys, Asia Ortega, Manel Llunell, Ken Appledorn, Dafnis Balduz, Christian Stamm, Manuel Morón, Julius Cotter

Sinopsis: Meses de sangrientos combates han dejado tras de sí miles de muertos en las trincheras. Jan Lozano, capitán de la quinta brigada, cae prisionero. La única posibilidad de escapar a la sentencia de muerte es hacer frente a una misión imposible en campo enemigo. Pero un peligro mayor del esperado obligará a los bandos rivales a unirse contra un nuevo y desconocido adversario. Tendrán que dejar de lado el odio mutuo y así evitar convertirse en zombis.

Malnazidos fue la película escogida para inaugurar la edición del festival de Sitges de 2020, una película de zombis que va mucho más allá siendo, ante todo, una cinta de aventuras con mucho de comedia y que, maltratada especialmente por la pandemia, se estrena casi de tapadillo un año después. La idea, ubicar un ejército de zombis en plena Guerra Civil española, que en principio podría tenerse como de todo descabellada, , se convierte en un escenario totalmente creíble por la manera en la que sus directores, Javier Ruiz Caldera y Alberto de Toro, han enfocado la idea, llevándola al campo de la comedia. En Malnazidos, al igual que sucedía en la que vemos como su directa inspiración, La Horda (La Horde, Yannick Dahan y Benjamin Rocher, 2009), dos grupos enemigos, al parecer, irreconciliables, tendrán que unir fuerzas ante un enemigo común e idéntico en ambas cintas: los voraces muertos andantes. Así, tendremos a un capitán del bando nacional y un soldado raso carente de ideología política que deberán convivir y superar sus naturales desconfianzas junto a un sargento republicano, un comisario político anarquista, y una joven miliciana, ‘la matacuras’, entre otros miembros de un variopinto grupo contagiado profundamente del espíritu Bruguera, en su forma pero también en sus referencias directas, como lo ha sido el bautizar como Jan al capitán interpretado por Miki Esparbé, un detalle sin duda responsabilidad de Javier Ruíz Caldera, director de Anacleto: agente secreto (2015) y de, precisamente, Superlópez (2018).

(Nota: el estreno fue el 24 de septiembre pero, tras varios aplazamientos y como humanos que somos, nos enteramos tarde)

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VAMOS DE ESTRENO: Viernes 17 de septiembre de 2021

17 septiembre 2021 Deja un comentario

EL CLUB DEL PARO (David Marqués, 2021)

España. Guion: David Marqués Música: Tema: Muchachito Bombo Infierno Fotografía: Guillem Oliver Productora: Sunrise Pictures Company, Vertice 360, Telespan 2000 Género: Comedia

Reparto: Carlos Areces, Fernando Tejero, Adriá Collado, Eric Francés, Antonio Resines, Javier Botet, María Isasi, Carmen Ruiz, Veki Velilla, Susana Merino 

Sinopsis: Cada mañana, sea el día que sea, Fernando (Carlos Areces), el Negro (Eric Francés), Jesús (Fernando Tejero) y Benavente (Adrià Collado), cuatro amigos, se reúnen en un bar a tomar unas cañas y arreglar el mundo a su manera: criticando y despotricando contra todo y contra todos. Tienen algo en común, están en paro, bueno… todos, menos uno.

Cuatro elementos bien diferentes entre sí. Cuatro tipos como tantos de los que todos hemos conocido. Cuatro tipos de los que usted podría, incluso, ser uno de ustedes. Cuatro tipos en un bar: uno en permanente enfado que no entiende su «mala suerte» (Carlos Areces); otro que se busca la vida y cae siempre de pié sin esfuerzo (Eric Francés); un conspiranoico (Fernando Tejero en la primera de las varias referencias a la pandemia que el film ofrece). Tres tipos que tienen en común entre ellos el ser unos vagos. Pero muy vagos. Con certificado de vagancia. Y junto a ellos un tipo extraño (Adriá Collado), al que le sonríe la vida, a pesar de ser un completo memo. Cuatro tipos desde la mesa del bar sabiendo de todo, arreglándolo todo, opinando de todo, hablando de todo.

Sin saber de nada.

Pues como explica su director, David Marqués, «Los personajes hablan a la vez, discuten sin llegar nunca a un acuerdo ya que no se escuchan, sino que sólo están velando por sus egoístas intereses«.

Con cierto regusto a comedia española desarrollista y a personajes de tebeo Bruguera, El club del paro, tiene mucho de sketch alargado, pero sin resultar para nada aburrido, muy al contrario, gracias a su  ajustada duración, la interpretación y su planteamiento de falso documental, resulta muy agradable, aunque sociológicamente no resulte peligrosa.  Película coyuntural, tanto por su estructura (escasos escenarios y actores), como por algunos de sus diálogos (concretamente los del personaje interpretado por Fernando Tejero, tal y como hemos señalado), el director ha querido remarcar los diferentes caracteres de sus personajes, a los que une «el absurdo y la estupidez, son adultos desprovistos de cualquier atisbo de madurez«.

El lugar escogido no podría resultar más acertado, pues para los cuatro personajes, «Es como si esa mesa del bar fuera su Twitter particular. De aquí no sale bien parado nadie, ni las estructuras de poder en sus más altos eslabones ni las clases sociales humildes (…). Nuestros personajes tampoco se olvidan de los medios de comunicación, la religión, la educación o el sexo. En este último conflicto debe incluirse también su relación con el sexo opuesto, ya no problemática, sino sencillamente catastrófica«.

El director y escritor David Marqués es conocido por Dioses y Perros (2014), En fuera de juego (2012) y la premiada trilogía rodada en Ibiza, Aislados (2005), Desechos (2010) y Cualquiera (2003). También es el guionista de Campeones (2018), una de las películas españolas más exitosas de la última década.

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VAMOS DE ESTRENO: Maligno (Malignant, James Wan, 2021)

13 septiembre 2021 Deja un comentario

MALIGNO (Malignant, James Wan, 2021)

USA/China. Duración: 111 min. Guion: Ingrid Bisu, James Wan, Akela Cooper Música: Joseph Bishara Fotografía: Michael Burgess Productora: Atomic Monster, Boom Entertainment, Boom! Studios, Starlight Culture Entertainment. Distribuidora: Warner Bros., HBO Max Género: Terror.

Reparto: Annabelle Wallis, George Young, Maddie Hasson, Jake Abel, Jacqueline McKenzie, Michole Briana White, Paul Mabon, Ingrid Bisu, Rachel Winfree, Jon Lee Brody, Paula Marshall, Patrick Cox, Emir García, Amir Aboulela 

Sinopsis: Madison está paralizada por visiones de asesinatos espeluznantes, y su tormento empeora cuando descubre que estos sueños de vigilia son, de hecho, realidades aterradoras.

Creemos que la Ilustración y el Romanticismo fueron épocas antitéticas, pero si se profundiza se ve como la una permanece en el otro y, al revés, como la primera anticipa a su relevo. Para no extendernos, nos limitaremos a recordar a Goya, pintor de la corte que desemboca en el negro. ‘El sueño de la razón provoca monstruos’ es un enunciado de doble lectura: cuando la razón duerme, lo monstruoso la reemplaza, es la primera y, quizás, más evidente; pero admite su reverso, las ensoñaciones de la razón, sus principios, son en realidad monstruos. Toda una dialéctica enunciada en un solo Capricho. Los Caprichos goyescos, ochenta grabados en los que se satiriza la sociedad con especial hincapié en el clero, son lo que dice su nombre, antojos extravagantes que se ejecutan por humor y deleite. Malignant es un capricho en toda la extensión de su significado. Un capricho de James Wan que se lo permite todo: el exceso barroco de sus planos y sus secuencias, pero sin renunciar a la elegancia de sus movimientos de cámara siempre significativos. Saw es el gemelo parasitario de The Conjuring y Malignant su heredera, que recibe lo mejor de cada una de esas genéticas dispares. Su argumento puede parecer un disparate y quizás lo sea, puede que esté fuera de razón o regla, pero no es más que un envoltorio distorsionado y distorsionante con el que, por enésima vez, un humano reflexiona sobre la dialéctica del mal y del bien, esos extremos entre los que se debate nuestra actuación en este mundo. Influencias hay mil (y una, como las noches), pero sobre todo hay voz propia de quien ha absorbido tanto cine que nos devuelve las referencias en un producto único y ejemplar. No todos veremos lo mismo (siempre es así), pero, quienes entren en su tono y su trasfondo, tienen goce para rato. James Wan ha vuelto a engendrar un universo que podrá tener continuación o no, que puede desplegarse y ampliarse, pero en el que todo está dicho ya con esta obra desmesurada en su mesura. Y, ya saben, desde el Pseudo-Longino a la mesura desmesurada la llamamos sublime.

VAMOS DE ESTRENO: * Viernes 3 de septiembre de 2021 *

3 septiembre 2021 Deja un comentario

EL TUBO (Méandre, Mathieu Turi, 2020)

Francia. Duración: 90 min. Guion: Mathieu Turi Música: Frédéric Poirier Fotografía: Alain Duplantier Productora: Fulltime Studio, Cinéfrance Studios, Equitime, WTFilms, OCS, Alba Films, SG Image 2018, Cinéaxe, Ynnis Interactive Género: Terror

Reparto: Gaia Weiss, Peter Franzén, Romane Libert, Frédéric Franchitti, Corneliu Dragomirescu, Eva Niewdanski, Carl Laforêt, Henri Benard, Fabien Houssaye, Olympe Turi

Sinopsis: Tras subirse en el coche de un desconocido, Lisa se despierta en el interior de una estrecha tubería. En su brazo tiene un brazalete con una cuenta atrás. La joven no sabe por qué está allí, pero pronto comprenderá que deberá llegar a sus límites de resistencia física y psicológica para sobrevivir a esta trampa claustrofóbica.

Claustrofóbica es el adjetivo que más se ajusta esta experiencia cinematográfica que ha sido justamente premiada en algunos de los muchos festivales en los cuales ha participado. Y brillante es la interpretación de Gaia Weiss, un tour de force físico y sicológico que trasmite a la perfección a la platea. Nadie respira, El tubo no lo permite. Hasta el final.

El tubo funciona como thriller de terror, pero también a otros niveles, pues posee lecturas que ofrecerán al espectador un mensaje muy claro. La historia se inicia con la protagonista perdida en medio de la nada. Desorientada y sin rumbo. Más tarde despertará dentro de un juego macabro, donde deberá luchar para sobrevivir. De nuevo, partiendo de la nada. Recorrerá pasadizos angustiosos y tendrá que luchar contra los elementos, sortear obstáculos y enfrentarse con su pasado. También habrá momentos de calma, esperanza e incluso felicidad en ese itinerario angosto que es como la propia vida, con su miedo a lo desconocido, a lo inesperado, al más allá, como destino final y telón de fondo. Todo, para encontrar el camino de salida. El destino. La vida.

Mathieu Turi, que ha sido asistente de dirección de importantes directores como Quentin Tarantino, Woody Allen y Clint Eastwood, entre otros, llamó la atención de los aficionados con Hostile (2017), su primer largometraje. El tubo se presentó en la pasada edición del Festival de Sitges y de la Semana de Cine Fantástico y Terror de Donostia y ganó el Premio al Mejor Largometraje en el FANT (Festival de Cine Fantástico de Bilbao) y el Premio al Mejor Director y Mejor Actriz en el Festival Sombra.

CHAVALAS (Carol Rodríguez Colás, 2021)

España. Duración: 91 min. Guion: Marina Rodríguez Colás Música: Francesc Gener, Claudia Torrente Fotografía: Juan Carlos Lausín Productora: Balance Media Entertainment, TVE, TV3.Distribuidora: Filmax Género: Comedia dramática Premios: Festival de Málaga 2021: Premio del público, Sección oficial. Premio Movistar+ a la Mejor Película y Premio ASECAN a la Mejor Ópera Prima.
Reparto: Vicky Luengo, Carolina Yuste, Elisabet Casanovas, Àngela Cervantes, Ana Fernández, José Mota, Mario Zorrilla, Cristina Plazas, Maite Buenafuente, Frank Feys, Biel Durán, José Javier Domínguez, Lluís Marqués, Biel Joan
Sinopsis: Marta, Desi, Soraya y Bea, amigas inseparables en la adolescencia, vuelven a reencontrarse en el barrio para revivir la amistad que las unió, compartir nuevas aventuras juntas y hacer frente a los dilemas que las rodean. Una realidad que las obligará a enfrentarse a aquellas adolescentes que fueron y a las mujeres que quieren ser. Casi sin darse cuenta, se ayudarán a tomar decisiones importantes en sus vidas. El paso del tiempo y lo distintas que son no será excusa para que su amistad prevalezca sobre todo lo demás.

Chavalas es una valiosa reivindicación del barrio. La barriada. Lugares situados en la periferia de las ciudades que fueron hogar de los emigrantes llegados de otras provincias de España. Gente que se ha dejado el lomo trabajando para subir a sus hijos y darles lo que ellos no pudieron tener, una educación que les pudiera ayudar a conseguir hacer lo que desearan para encontrar un puesto en la sociedad más allá del que puede ofrecer un trabajo puramente alimenticio. Les dieron los medios para seguir su vocación. Para perseguir sus sueños.

La acción se desarrolla en San Ildefonso, Cornellà, donde el metro llega tras una larga travesía. Una, aparente, fea ciudad del extraradio de Barcelona. Tan feo como cualquier extraradio de cualquier otra ciudad. Compuesto de grandes bloques hacinados. Un lugar al que vuelve Marta (Vicky Luengo), tras ser despedida de su trabajo como fotografa en una importante compañía de Barcelona. Un lugar elistista y habitado por indolentes hijos de familia acomodada, entre los cuales creía haber encontrado su espacio. Un empleo que la había extraído de ese barrio. De su familia. De sus amigas.

Marta vuelve derrotada y con el olor de una clase social a la que no pertenece. Pero tampoco parecerá encontrará su lugar en el barrio que la vio nacer hasta que aprenda varias lecciones de vida, que le mostrarán que nadie debe avergonzarse de su barrio, de sus orígenes, de su cuna, pues en ellos está la autenticidad. La vida.

Y allí, en su barrio, madurará y encontrará la inspiración. Partiendo, volando, desde él y no de él. Con todo su equipaje completo y sin tener que renunciar a nada.

Tardes de bar, amistad inquebrantable, trinar de pajaros, bancos públicos en plazas duras, multitud de detalles autobiográficos que, en muchas ocasiones resultarán familiares al espectador por haber formado también parte de su imaginario personal. Y por una vez el extrarradio no se mostrará como un lugar sórdido y habitado exclusivamente por criminales y drogadictos. Todo esto y mucho más es lo que nos trasmite la fabulosa opera prima realizada por las hermanas Rodríguez Colás, de Cornellà. Carol, que la dirige y Marina, que escribe su guion. Chavalas, además, está protagonizada por cuatro talentosas jóvenes: Vicky Luengo (Antidisturbios), Elisabet Casanovas (Merlí), Carolina Yuste (Goya por Carmen y Lola) y Ángela Cervantes (Vida Perfecta), un grupo de actrices brillantes, naturales, con la suficiente química entre ellas como para convertir lo que podría ser un relato más de iniciación, en un excepcional film. En la mejor película española de la temporada.

Esperanzadora, divertida, refrescante, emocionante, bonita y, sobre todo, auténtica, Chavalas trae a nuestra mente al mejor León de Aranoa, pero con su propia personalidad y lenguaje al ser una historia narrada en femenino, pero que emocionará  a todos por igual.

Se adivina en sus fotogramas, en la palpable complicidad entre las cuatro actrices protagonistas, el buen ambiente vivido durante el rodaje, que se extiende hasta los muy creíbles secudarios, auténticos aciertos de casting: Ana Fernández (Las chicas del cable), Cristina Plazas (Vis a vis), Mario Zorrilla (El secreto de Puente Viejo), Biel Duran (Salvador Puig Antich), Maite Buenafuente (Sonata para violonchelo), Lluís Marquès (Blue Rai), Frank Feys (El fotógrafo de Mauthausen)… incluso la directora, a pesar de ser nobel en la realización de largometrajes, consigue que José Mota realice un gran papel, contenido y en el que no se interpreta a sí mismo.

Chavalas sabe a Goyas.

» ‘Chavalas’ no aborda el barrio desde la exotización, ni la reducción de su imagen al folclore al que ha sido sometido especialmente por la industria musical. ‘Chavalas’ es una apuesta fresca y naturalista que retrata la esencia de la periferia, sin asociarla a la marginalidad que se le ha atribuido a menudo. Un barrio real, vibrante y lleno de vida, donde cuatro amigas de toda la vida viven situaciones llenas de verdad, humor y emoción”

Carol Rodriguez Colás, directora.

 

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