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Nuestro pequeño homenaje al centenario de Narciso Ibañez Menta
Actor prematuro, Narciso Ibañez Menta era muy popular, sobre todo en Argentina y ya de niño bajo el nombre de Narcisín. Más tarde al crecer decidió desprenderse de ese sobrenombre y no se le ocurrió otra idea que dedicarse a dar miedo haciendo representaciones de grandes éxitos, entre ellos de su admirado Lon Chaney, como El Fantasma de la Ópera.
Después ya sabemos que junto a su hijo interpretó varios papeles terroríficos primero en la televisión argentina y más tarde en la española en las populares Historias para no dormir. Pero todo esto son extractos de la extensísima carrera de este gran actor tan recordado como querido. Desde Proyecto Naschy nos sumamos al homenaje que desde Argentina (aquí parece que no hay mucho revuelo), nuestros amigos están dando al actor con proyecciones de documentales, como el fantástico Nadie inquietó más de Gustavo Leonel Mendoza y pases de episodios de sus más recordadas series.
Estas cuatro imágenes pertenecen a dos programas de la gira que Narciso Ibañez Menta de niño y todavía conocido como Narcisín realizó en España en 1925. Se reproducen tanto por delante como por detrás, donde se dan detalles de la representación.
¡Va por usted, Don Narciso!
Imágenes: Colección Serendipia (Carlos Benitez)
Abbott y Costello contra los fantasmas vuelve a la pantalla
Coincidiendo con el centenario de Universal Pictures, Sherlock Films y Cines Verdi reponen en Alta Definición (2K) para el próximo 24 de agosto la entrañable comedia de terror, Abbot y Costello contra los fantasmas (Bud Abbott & Lou Costello Meet Frankenstein, 1948) de Charles Barton, protagonizada por el mítico dúo cómico que da nombre al título, así como por Lon Chaney Jr., Bela Lugosi y Glenn Strange.
Noticia que me llena de una íntima alegría ya que este film fue para mí una bomba de relojería. Les cuento:
Durante toda mi niñez fui alimentando con tebeos que mi progenitor compraba y luego me pasaba. No, yo no recuerdo haber 
leído cuentos, ni demasiados Pulgarcitos o TBO. No. Mi padre, en cuanto terminaba su Vampus, Dossier Negro, Rufus o Vampirella se lo daba al niño, que los devoraba y coleccionaba con fruición y cariño. Tambien mi padre me hablaba de unos actores de los que no podía ver películas porque ya no las daban en el cine, como Bela Lugosi, Boris Karloff o Lon Chaney. Veía sus fotos en artículos en esos mismos comics y deseaba ver esos grandes clásicos pero… nada. No olviden de que les hablo de mucho antes de la eclosión del video doméstico. Así que cuando reestrenaron en 1975 Abbott y Costello contra los fantasmas y pasó por el cine de mi barrio, no perdí la oportunidad de verla. Y volverla a ver. Y otra vez… incluso pedí el cartel al dueño de la sala y aún lo conservo. En el cartel no veía a esos humoristas (o caricatos, como decía mi padre) que desconocía: veía a Frankenstein, Drácula y el hombre lobo y sobre todo los nombres de Bela Lugosi y Lon Chaney.
Tampoco es sorprendente que este film esté marcado a fuego en la memoria de los denominados «Monster Kids» americanos. Toda una generación que creció durante los cincuenta y principios de los sesenta con los pases de los clásicos del horror en la naciente televisión. Y claro, con la aparición de la revista Famous Monsters, que desató toda una locura de merchandising monstruoso, haciendo nacer aficiones por este cine en los sanos niños americanos que no siempre fueron bien vistas por unos progenitores que, al encontrar estas publicaciones en poder de sus vástagos sufrian sofocos mayores que los que pasarían si lo que hubiesen hallado en el cuarto de su hijo fuera una revista danesa. Así que si bien estos padres eran reacios a que sus hijos vieran los films de terror puro y duro, no lo eran tanto si se trataba de este pequeño-gran clásico de la comedia. ¡Que equivocados estaban! No había nada que hacer ya que este film funciona en ambos niveles: como film terrorífico y como comedia. Y estos «Monster Kids» al igual que el que esto escribe, quedamos marcados para siempre bajo el influjo de los monstruos de la Universal.
EL ÚLTIMO CLÁSICO DE LOS MONSTRUOS UNIVERSAL
Sinopsis: Los cuerpos del Conde Drácula (Bela Lugosi) y del monstruo de Frankenstein (Glenn Strange) viajan a los Estados Unidos desde Londres para ser exhibidos en el Museo del Terror. Chick y Wilbur (Abbott y Costello) son los desastrosos transportistas encargados de llevarlos hasta allí. Pero esa noche, las temibles criaturas vuelven a la vida: El Conde Drácula huye junto al Monstruo de Frankenstein para buscarle un nuevo cerebro. Para poder atraparlos, Chick y Wilbur contarán con la ayuda de Larry Talbot (Lon Chaney Jr.) un misterioso personaje del que les conviene mantenerse alejados las noches de luna llena… Una delirante aventura sembrada de caos, terror y risas.
Bud Abbott y Lou Costello fueron el dúo cómico más famoso de los años 40 y 50, triunfando en el teatro, la radio y la TV. Juntos protagonizaron más de treinta películas, casi todas bajo la producción de Universal. En ABBOTT Y COSTELLO CONTRA LOS FANTASMAS, considerada la mejor película de la pareja, protagonizan una entrañable aventura fantástica acompañados de los míticos monstruos del estudio, interpretados por tres de sus grandes estrellas: Bela Lugosi (Drácula), Lon Chaney Jr. (El hombre lobo) y Glenn Strange, el actor que más veces interpretó al Monstruo de Frankenstein junto a Boris Karloff. Juntos, con esta película, culminan una etapa en la que dominaron las taquillas durante más de una década. Más tarde, y visto el éxito de esta combinación de humor-terror, el dúo cómico no dudó en repetir el cóctel con otros film de menor calado como, entre otros, los siguiente títulos dirigidos por Charles Lamont: Abbott and Costello meet the Invisible Man (1951), Abbott and Costello Meet Dr. Jekyll and Mr. Hyde (1953) o Abbott and Costello Meet the Mummy (1955). Películas que, por otra parte, siguen teniendo valor para el aficionado al fantástico.
Para cuando se rodó esta película, los pobres Frankenstein, Dracula y el hombre lobo, la santísima trinidad de los monstruos Universal (a la que también se le añade actualmente el hombre invisible, el fantasma de la ópera, la novia de Frankenstein y la criatura de la laguna negra), estaban a punto de ser desbancados por monstruos gigantes, atómicos y sobre todo, por los alienígenas venidos de otros mundos. Así que le tocó a esta comedia cerrar el ciclo clásico de la Universal, ciclo que se inició, si nos ceñimos a los tres más reconocibles, en 1931 con el Drácula de Tod Browning. Que fue seguido por Frankenstein (1931, James Whale) y ya en los años cuarenta El hombre lobo (The Wolf Man, George Waggner). Las criaturas dieron para algunas secuelas (que fueron menguando en ideas y presupuesto) y su encanto se terminó de explotar combinando los personajes entre sí en unos films que, si bien son la cota más baja de la serie, tienen un encanto incontestablemente naif.
Ya no quedaba mucho por hacer con los atormentados monstruos. El siguiente proyecto, en linea con los anteriores cócteles de monstruos se pensaba titular El cerebro de Frankenstein, pero convirtiéndolo en una comedia protagonizada por los cómicos que estaban salvando de la bancarrota a Universal (al igual que lo hicieran antes las películas de horror). Abbot y Costello harían blanco de sus humoradas a aquellos monstruos que tanto miedo hicieron pasar a los espectadores dos décadas antes. Pero el resultado no fue tal. Vista ahora no desmitifica a nuestros queridos monstruos, muy al contrario, los ensalza e incluso les ofrece un digno canto de cisne.
“Ya no se hacen películas como ésta. Los momentos de terror dan miedo de verdad y las escenas de comedia son realmente divertidas. Una de mis favoritas desde los cinco años” – Quentin Tarantino –
- 16:15 h. y 18:15 h. (VERSIÓN DOBLADA CON EL DOBLAJE DE LA ÉPOCA)
- 20:15 h. y 22:15 h. (V.O.S.E.)
Por cierto, el cartel que se ha escogido para esta nueva reposición reproduce aquel que, con nueve años de edad, pedí en el cine y que conservo con tanto cariño.
Hablando de carteles. Aquí tenemos el de su estreno en España (1950):
El de su reestreno en 1965:
Y el de la reposición de 1975:
Juan Luis Galiardo se va de picos pardos a otro barrio
A mi de joven Juan Luis Galiardo no me caía demasido bien. Su registro principalmente era de galán con regusto indiscutiblemente ibérico. Pero conforme se hizo mayor y se convirtió en un bon vivant de verbo rápido, grandilocuente y algo enloquecido comenzó a hacerme gracia. Era una delicia ver esas entrevistas en las que descolocaba a su interlocutor con salidas inesperadas.
De extensísiva carrera no se ha prodigado mucho en el cine fantástico, ha tenído un par de titulos de fantaterror remarcables: uno humilde, Autopsia (1973, Juan Logar), una descacharrante película que mezcla ficción con documental y cuya principal baza es que incluye una autopsia real. El otro es más interesante, ya que formó parte del film con el que debutó en la dirección Jacinto Molina, Inquisición (1976).
El caso es que nos caía muy bien, así que cuando sorprendentemente nos cruzamos con él durante el pasado festival de Sitges en el hall del Melià, no pude más que decirle a la parte femenina de Serendipia que le pidiera un autógrafo, ya que yo le tenía cierto respeto y no sabía por donde me podría salir. Tontadas, fue muy amable y no únicamente nos firmó, sino que también y en voz alta mientras lo escribía nos puso lo siguiente: «Todo irá a peor. Esperad nada de nadie. Sin vosotros no se puede hacer la revolución. Juan Luis Galiardo». Eso sí, otra persona al ver que nos firmaba y reconocerlo se acercó diciendo que le admiraba mucho: craso error, ya que ahí salió el histrión que a grandes voces le espetó: «¡Pues hace usted muy mal!» , mientras, eso sí, le dedicaba su autógrafo.
Por eso y por lo inesperado, porque nos ha pillado de sorpresa, sabe mal la reciente muerte del actor. Un buen actor y viendo los recuerdos de sus compañeros de profesión, seguro que también una buena persona.
Amando de Ossorio: la entrevista perdida
Sin duda Amando de Ossorio es uno de los directores más queridos por los amantes del Fantaterror. Su obra se revaloriza más allá de los films de templarios que le dieron fama internacional, y en todo el mundo se lanzan lujosas ediciones de sus películas.
Una persona nos ha cedido esta entrevista filmada en la que el director nos habla de todo un poco y muestra sus pinturas, además de efectos especiales de sus films. Una delicia en estado crudo que estamos muy orgullosos de poder compartir.
Gallego, autodidacta, escritor, pintor y responsable de efectos especiales , realizó todo tipo de cine, pero con especial predilección por el terror y la fantasía, creando unos personajes que parecían enraizados en nuestra cultura. Un mito totalmente autóctono, aunque mezclaba en sus guiones ideas sacadas de clásicos como el holandés errante, Lovecraft o la leyenda germana de Lorelei.
Su primera incursión en el género fue con Malenka, la sobrina del vampiro (1969), una coproducción con Italia en la que contó con la colaboración de una todavía apetitosa Anita Ekberg . Lamentablemente Boris Karloff quedó finalmente fuera del proyecto. Esta primera experiencia en el cine de terror no acaba de ser del todo convincente al mezclar comedia chusca y sonrojante. Pero alcanza un buen nivel del producción.
A continuación vendría la primera entrega de la serie que le daría la fama: La noche del terror ciego (1972), que aunque tenía pinceladas del todavía reciente film de Romero, era novedoso al introducir una mitología como la de los templarios, que se desarrollaría durante tres largometrajes más: El ataque de los muertos sin ojos (1973), El Buque maldito (1974) y La noche de las gaviotas (1975). Pero no hay que pensar que estas secuelas son meras repeticiones de la original ya que, sobre todo las dos últimas, aportan interesantes novedades argumentales a sumar a la mitología de los templarios.
Pero no se detiene aquí la producción terrorífica del director, que seguirá mezclando buenas dosis de sangre, gore y erotismo en films como Las garras de Lorelei (1973), La noche de los brujos (1974) y La endemoniada (1975), en los que cuenta con suculentas actrices de la época como Helga Liné, Silvia Tortosa, Loreta Tovar, Bárbara Rey, Kali Hansa o María Kosty, que se sumaron a las protagonistas de sus films templarios, encabezadas por la deliciosa Lone Fleming, además de Esperanza Roy, María Perschy 
o Blanca Estrada, entre otras. Todas ellas en unos films que conocieron dobles versiones para el extranjero con imágenes más picantes y más bien castos desnudos.
Ya en 1984 rueda su último film de terror, y también de su filmografía, Serpiente de mar. Esta entrevista se realizó en 1993, pocos años antes del fallecimiento del director en 2001. Como puede apreciarse en la entrevista, el director no dejó de escribir y maquinar proyectos que, lamentablemente nunca se llegaron a materializar. Incluso le dice al cámara como debería rodar las imágenes que hace de su estudio, de sus pinturas e incluso de una máscara de templario que… vaya usted a saber donde habrá ido a parar.
Untitled from Proyecto Naschy on Vimeo.
La temperatura a la que el papel arde, Ray Bradbury nos deja a los 91 años
Háganme caso y denle al play al siguiente tubo, porque ésa es la banda sonora que acompaña estas palabras de homenaje:
En mi recuerdo Guy Montag se presenta en blanco y negro, porque así era mi televisor la primera vez que vi Farenheit 451 (1966, François Truffaut) no me acuerdo ya en qué programa (¿cine club, tal vez?). Tampoco recuerdo cuántos años tenía yo, pero sí sé que desde entonces los hombres-libro quedaron prendidos para siempre en mi memoria. Ya siendo niña amé las distopías, aunque entonces yo no conociera el término.
Fue después cuando llegó la cinefilia y me convertí en asidua de la Filmoteca, allí la vi en pantalla grande con todo su color y toda su música (la que están escuchando si me han hecho caso). A esa sesión asistieron muchos jóvenes, era un ciclo dedicado a Truffaut y habrían leído en alguna parte que ése era un director importante, recuerdo que cuando empezaron a salir esos policías «helicóptero» en la pantalla, la sala se llenó de carcajadas (Bradbury no tuvo mucha suerte con las adaptaciones cinematográficas). Sí, la película envejeció mal. La novela, no. La novela no envejecerá nunca.
Farenheit 451 es la tempertura a la que arde el papel, Montag es uno de esos bomberos (¿o debiéramos llamarlos antibomberos?) contratados por el gobierno para eliminar todo rastro de libros y detener a los resistentes que se niegan a desprenderse de ellos. Ray Bradbury nos presenta un mundo ficticio al que el nuestro real se va pareciendo cada vez más. Un mundo donde se monopoliza la información y se busca el pensamiento único. Rodeados de pantallas, enajenados de la lectura, porque los libros pueden desarrollar el pensamiento crítico (aunque a los gobernantes parece que incluso el simple pensamiento les parece peligroso) y, al hacernos críticos, podríamos darnos cuenta de que el mundo no es un lugar perfecto. Pueden hacernos infelices, y la infelicidad demasiadas veces es creativa.
Dale unos cuantos versos a un hombre y se creerá que es el Señor de la Creación.
Hoy, en nuestro mundo, la web 2.0 nos hace soñar que somos los promotores de la información, pero, aunque algo de ello es cierto, la misma saturación nos embota y nos vuelve inoperantes. Nos aparta de lo cercano a copia de acercarlo todo y se pierden las perspectivas, se confunde lo crítico con la murmuración (basta con leerse los comentarios de Menéame), vivimos en la cultura de la superficialidad, sólo leemos titulares que compartimos compulsivamente en las redes sociales. Ahora bien, todo es reversible, la resistencia siempre es posible y las mismas redes sociales que nos distraen (en su sentido más estricto) puede pillar por sorpresa a esos gobernantes más preocupados por los votos que por el servicio social. Nosotros, desde la web, podemos ser el equivalente a los hombres libro de Bradbury.
Ray Bradbury se ha ido, pero no nos ha dejado. Su granito de arena ha quedado fijado en la playa de la reflexión humana y sus palabras escritas, aquellas que no se lleva el viento, seguirán hablándole a todas las generaciones. Otro mundo es posible, esa es la lectura que se esconde bajo el pesimismo de las distopías. Ese fue su mensaje y nosotros aquí lo recogemos.
Un Festerror con invitados de excepción: Entrevistamos a Giovanni Lombardo Radice AKA John Morgen
Gionvanni Lombardo Radice o John Morgen, como ustedes prefieran, es algo más que uno de los rostros más familiares de los que se pasearon por el prolífico cine de género perpetrado durante los ochenta en Italia. Giovanni, actor procedente del teatro, rodó con los directores más importantes, formando parte de los repartos de un buen puñado de títulos señeros de la época que han pasado a ser considerados de culto entre los degustadores del cine de terror.
El actor, que estará presente en la edición de este año del festival Festerror que se celebrará durante dos fines de semana de mayo en la población de Lloret de Mar, junto a los directores Ruggero Deodato y Sebastián D’Arbó, ha tenido a bien contestarnos unas preguntas en las que recordará todos esos rodajes y sus experiencias en el mundo del cine italiano.
Como ya hemos comentado, Giovanni es una figura familiar para nosotros por estar presente en films de Lucio Fulci, Lamberto Bava, Ruggero Deodato, Antonio Margheriti o Michele Soavi, circunstancia esta que tiene una fácil explicación: «El mundo del horror de aquellos años era pequeño. Todos se conocían. Si iba bien en un film te querían también para otros. Además soy bilingüe con el inglés.»
Como era algo habitual en la época para este tipo de producciones, pronto decide cambiar su muy italiano nombre pasando a ser John Morgen: «Me los sugirieron los productores porque querían que los films parecieran americanos. No me parecía bien tener un nombre inventado, y así decidí traducir Giovanni en John y usar el nombre de una de mis abuelas extranjeras. Una se llamaba Harasim y la otra Morghen. Me pareció que Morghen sonaba mejor.»
Comienza su carrera cinematográfica junto a Deodato con Trampa para un violador (La Casa Sperduta nel Parco, 1980), film basado en el éxito de La última casa a la izquierda (The Last House on the Left, 1972 Wes Craven), hasta tal extremo que comparte a su protagonista, David Hess, que repite su papel de sádico. Giovanni es Ricky, el compinche psicópata de Hess que se encapricha del personaje interpretado por Lorraine De Selle, responsable a la sazón de que, como excepción a la regla, sobreviva. Una circunstancia que años después podría propiciar una secuela: «House es mi primer film y uno de los pocos en los que sobrevivo, lo que me ha dado la idea de escribir una secuela en la que estoy trabajando con Deodato. Una historia dura, pero a la vez muy humana que espero que se haga.»
Tras este film, la carrera de Giovanni en el cine de terror se desencandena, teniendo en todos sus papeles un final de lo más descarnado:» Yo de joven tenía el aspecto adecuado para hacer de víctima. Era delgado, frágil, asustadizo y las muertes horribles eran algo obligado en esos films, no me sucedía solo a mí.»
Veamos si no: En Virus (Apocalypse Domani, 1980 Antonio Margheriti) es un ex-combatiente de Vietnam que es contaminado por un virus que le conmina a cometer canibalismo con sus semejantes. El film, coproducción italo-española, se rodó parcialmente en España, por lo que el actor visitó por primera vez nuestro país, aunque «Solo Madrid para rodar una escena (…) Me gustó. Franco acababa de morir y se respiraba un gran aire de libertad y alegría».
La película contó con John Saxon como protagonista, un actor que «es menos comunicativo que una pared. Muy profesional pero fuera del set no lo frencuenté nunca». Aún así en pantalla el dúo funciona y el film es más que respetable, aunque termina con Giovanni luciendo un enorme boquete en el estómago, resultado de un efecto especial artesanal pero eficaz pergueñado por su director, Antonio Margheriti.
Su siguiente film es uno de los grandes clásicos de Lucio Fulci, Miedo en la ciudad de los muertos vivientes (Paura nella città dei morti viventi , 1980). Supongo que ya sabeis como termina el bueno de Giovanni en ese film: ¡Con el craneo taladrado de punta a punta! Un ejemplo del trato que Fulci daba a sus actores… «Fulci era muy profesional y experto. Sabía lo que quería. Decían que tenía un carácter horrible y en parte era cierto, pero conmigo siempre fue amable. Era un hombre culto y respetaba el hecho de que yo viniese del teatro. Me divertí mucho en aquella película, éramos muy jóvenes y las pasamos de todos los colores, incluída la vez en que con Antonella Interlenghi maquillada de zombi nos hicimos un porro con una hierba medicinal. Estábamos emparanoiados, nos mirábamos el uno al otro y chillábamos».
Tras este papel llegaría uno de los más recordados del actor y también quizás el que más desagrada al propio Giovanni, Cannibal Ferox (1981, Umberto Lenzi), donde interpreta a un sádico cocainómano que terminará encontrando la horma de su zapato: «Yo no quería hacer la película. Lenzi me llamó para hacer de amigo del protagonista. Necesitaba dinero y dije que solo aceptaría el papel de protagonista y por mucho más dinero. Aceptó y quedé atrapado».
«Rodamos en Leticia, en el Amazonas, con un calor mortal y todos los fastidios de la jungla: animales, insectos… Agotador. Las anécdotas las he contado tantas veces… la más famosa es aquella del cerdito que Lenzi me pidió que matara. Le respondí que ya era mucho si no le denunciaba a la protectora de animales y dijo que Robert de Niro la habría hecho, a lo que le contesté que Robert de Niro lo habría corrido a patadas en el culo hasta Roma»
Ya saben como termina Giovanni en este film: capado, manco y como colofón, los caníbales le abren la tapa la sesera y devoran su cerebro. Un final magnífico para un film que tuvo el dudoso honor de ser prohibido en 31 paises y en el que volvió a coincidir con Lorraine De Selle.
Tras esta explosión de afecto, decide compaginar el cine con la televisión. Sus conocimientos de inglés le facilitarán tomar parte en Impatto Mortale (1984), una producción italiana rodada en Estados Unidos que contará con Fred Williamson y Bo Svenson como protagonistas.
Durante el rodaje de Miedo en la ciudad de los muertos vivientes, Giovanni había coincidido con Michele Soavi un, por entonces actor, que realizaba un pequeño papel en el film de Fulci. Posteriormente Soavi recibió la alternativa de mano de Aristide Massaccesi (Joe D’Amato), que le dio la oportunidad de dirigir su primer film, Aquarius (Deliria, 1987), para el que quiso contar con Giovanni, experiencia que se prolongó en los siguientes films de Soavi: «Michele vale mucho. Un genio diría, con talento propio, muy visionario y pictórico. Siempre me he llevado bien con él porque también somos muy amigos. En Deliria he tenido uno de los pocos papeles cómicos de mi carrera. En Budapest con La Chiesa (El engendro del diablo, 1989) me divertí mucho y hasta concebí a mi hijo. Y La Setta (La secta, 1991) no la he visto nunca entera, pero la primera secuencia es muy fuerte.»
Soavi coincide al describir la relación que le une con Giovanni: « Nos hicimos muy amigos e incluso hemos escrito alguna cosa juntos. Giovanni se convirtió en una especie de amuleto que yo he incluido en pequeños cameos en casi todas mis películas».(1)
Desafortunadamente tras la fantástica Dellamorte Dellamore (aquí estúpidamente llamada Mi novia es un zombie), «Michele ha decidido abandonar las películas de horror y ha hecho bien. El género estaba muriendo. Ahora es el director más famoso de ficción policiaca de televisión entre otras cosas. A rodado también un trabajo sobre San Francisco.»
Tras otros trabajos diversos, Giovanni vuelve al terror de nuevo junto Ruggero Deodato con Bestia asesina (Un delitto poco comune, 1988), compartiendo reparto con Michael York, Edwige Fenech y Donald Pleasence. Además de varios rodajes que compagina con el teatro y la televisión, entre ellos algunos títulos americanos como Gangs of New York (2002): «Un divertimento. A Scorsese solo lo vi de lejos y en la película a mi casi no se me ve. El papel tenía que haber sido más largo pero decidieron cortarlo. Sin embargo me querian igual y la paga era buena. Además sentía mucha curiosidad por ver el set de rodaje que era efectivamente impresionante: una ciudad entera reconstruida. Pero nunca lo pongo en mi currículum.»
También formó parte del elenco de la nueva versión de La Profecía (The Omen, 2006 John Moore) «Me hicieron una prueba en Roma y creo que el director me reconoció, ya que es un gran fan de los films italianos de género. Fue muy bello rodar en Praga, una ciudad maravillosa en la que me trataron como un príncipe. Muy grato y con mucho dinero, lo único desagradable fue el maquillaje de la escena final ¡una verdadera tortura!»
«Los últimos films que he hecho no son propiamente de horror: en House of Flesh Mannequins (2009, Domiziano Cristopharo) interpreto a un viejo ciego que es el padre de la protagonista; en A Day of Violence (2010, Darren Ward) soy un traficante y en The Infliction (Matthan Harris), un poli bueno.»
Pero quizás su gran pasión es el teatro: «Teatro he hecho siempre, ya sea como director o como actor. He hecho de todo: los clásicos (Shakespeare, Lorca, Marivaux, Strindberg) y mucho teatro contemporaneo inglés y americano, especialmente obras del inglés Alan Ayckbourn. Durante muchos años he tenido compañía y teatro propio.
La última cosa que he hecho es un papel en Road To Mecca de Athol Fugare y la dirección de The Dinner Party de Neil Simon. Además, soy muy requerido para hacer traducciones para el teatro, tres o cuatro textos al año».
Ahora, con la perspectiva que dan los años, Giovanni tiene sus preferencias respecto a los directores con los que trabajó y sobre aquellos films de terror que interpretó: «Entre todos los directores con los que he trabajado, prefiero a Margheriti, Deodato y Soavi, que también era un gran amigo».
«Yo solo he renegado de Cannibal Ferox. Los otros films no son de mi género, pero no reniego de ellos. Al volver a ver alguno, debo decir que me han complacido bastante y que yo no lo hacía nada mal». El actor se sorprende del impacto que siguen teniendo actualmente aquellas películas: «Pensaba que ninguna sería recordada jamás. No tuve en cuenta el DVD e internet. Y tampoco pensaba que fuesen tantos los fans del horror.»
Respecto al cine que le gusta «No tengo un género favorito. Me gustan las películas históricas y costumbristas; los clásicos de Hollywood de los años treinta y cuarenta; el negro francés; las historias de fantasmas…Más que el terror me gusta el thriller. Por ejemplo Seven, Los otros, El sexto sentido y por supuesto Hitchcock».
Pues bien, Giovanni Lombardo Radice o John Morgen, como ustedes prefieran, estará bien pronto entre nosotros, algo que le atrae mucho «No he estado nunca en Barcelona y no veo el momento de llegar». Con él podremos ver Cannibal Ferox, que no es precisamente su favorita, pero en todo caso tenemos ganas de tenerlo entre nosotros y estamos inménsamente agradecidos por su amabilidad al contestar estas preguntas.
Felicitar también a los responsables de Festerror por un programa tan prometedor y suculento que incluirá también Holocausto Caníbal (Cannibal Holocaust, 1979), contando con la siempre grata presencia de su director Ruggero Deodato. Aqui dejamos un pequeño anticipo de lo que nos ofrecerá el festival.
¡Esperamos no faltar a la cita!
(1) Quatermass 7: Antología del cine fantástico italiano (Entrevista con Michele Soavi)
Este viernes Paco Fox y José Viruete se enfrentan a…¡Supersonic Man!
SUPERSONIC MAN (J.P. Simon, 1979) será la película que se proyectará el viernes en #cinebasura de Canal+ Xtra. Un recordado film que tal y como reza la promoción es «super divertida, super emocionante y super espectacular»
SUPERSONIC MAN, es una locura con transparencias de baratillo, pistolas que se convierten en plátanos y robots sacados de películas de los años 30. Este proyecto surgió de los empeños de uno de los artesanos más entrañables de nuestro cine: el valenciano Juan Piquer Simón, que en este film homenajea el cine que disfrutó en su infancia.
La película será comentada, como es habitual por @pacofox y @joseviruete, que tendrán como invitado al premiado dibujante Kenny Ruiz (El cazador de rayos), que aportará su punto de vista profesional sobre la creación y aventuras de este superhéroe español que vuela a ritmo de música disco. Además de un experto en cómics como es Jónatan Sark, del conocido y divertidísimo blog de ADLO!, defensor de causas perdidas en el mundo de la viñeta.
Todo esto el viernes 20 a partir de las 22.45 horas en www.canalplus.es/Cine-Basura para ver la peli en streaming por internet, y a partir de las 23 horas, también por Canal+ Xtra a través del audio Dos.
Juan Piquer Simón, Mago de la serie B: Un emocionante homenaje
Juan Piquer Simón, Mago de la serie B representa todo un monumento a un director que basó toda su carrera en realizar el sueño de hacer el tipo de cine que le gustaba ver. Un cine de evasión basado en los parámetros del cine USA y realizado sin ningún tipo de complejo, en un momento en el que fue tachado de visionario o, simplemente, de loco. De paso el libro es todo un homenaje a esos esforzados cineastas que tanto nos gustan y que lucharon por exportar sus obras mucho antes de que la visión de un director o un actor de cine español en la entrega de los oscars nos resultara algo habitual.
El libro es un elaborado homenaje salido directamente del corazón de su coordinador, Jorge Juan Adsuara, director del prestigioso festival Fantcast, que ha reunido una buen número de colaboradores con los que cubre varios frentes para explicar en que consistieron la vida y, puede hablarse de milagros, que hacen que Juan Piquer Simón figure en nuestra memoria para siempre. Los colaboradores, tal y como nos cuenta el propio Adsuara, «se ofrecieron encantados al proyecto. Ten en cuenta que el cine Juan tiene muchos fans y era prácticamente un desconocido«.
Javier G. Romero, editor de Quatermass nos ofrece un completo perfil biográfico del director y de su obra; Rubén Higueras Flores analiza el cine del realizador como espectáculo; Jesús Parrado, José Luis Salvador Estébenez y Salvador Sainz detienen su mirada en la obra de Piquer Simón, respectivamente en Supersonic Man, la trilogía Verne y La Grieta; David García, editor de Monster World nos explica la estrecha vinculación del director con el mundo del cómic y Juan Ángel Saiz analiza las bandas sonoras de sus films.
También tenemos un amplio apartado de entrevistas, que incluyen dos realizadas al director. Una por Miguel Ángel Plana en 1994 para el excelente monográfico que la revista Flash Back dedicó al Fantaterror español, que es recuperada para la ocasión, así como otra de Mirek Lipinsky centrada en Mil gritos tiene la noche. Estas entrevistas se complementan con otras a amigos, colaboradores y actores que trabajaron junto a Piquer Simón como Llorenç Soler, Juan Mariné, el recientemente fallecido Frank Braña, Larry Ann Evans (su secretaria durante once años), Domingo Lizcano y Antonio Garcinuño (artistas de efectos especiales), entre otros, una labor que recae sobre el propio Adsuara. El que esto escribe se siente orgulloso de haber contribuido al volumen con una entrevista a Emilio Linder, otro actor habitual en los rodajes del director.
Jorge Juan Adsuara junto al actor Manuel Puchades, que interpretó al malvado Silkins en LA ISLA DEL DIABLO (1994).
En la parte final del libro, varios colaboradores y «alumnos» del realizador rememoran los rodajes en los que tomaron parte, siendo en esta parte donde el libro alcanza los momentos más emotivos, con aportaciones de Alberto González Lorente, Vicente J. Martín o Sergio Blasco.
Javier G. Romero también aporta una completa filmografía del director, así como una atractiva maquetación repleta de imágenes que hacen de este libro una obra que se lee del tirón, además de una pieza imprescindible en nuestra biblioteca. La incorporación de Javier fue fundamental para el resultado final: «Si bien en un principio el diseño no era satisfactorio. Gracias a la incorporación de Javier G. Romero, que es uno de los mejores maquetadores de España, se ha presentado un libro muy visual y agradecido».
El libro forma parte de una nueva estrategia dentro del festival Fantcast: «Hasta la pasada edición sólo publicábamos catálogos dedicados a los ciclos y homenajeados en la Muestra (…). Es la primera vez que editamos un libro. Ha sido una empresa difícil y laboriosa, pero el esfuerzo ha valido la pena. A partir de esta octava edición, sólo publicaremos libros. Siempre resisten mejor el paso del tiempo y son mucho más completos (…) A pesar de la coyuntura económica actual, la ilusión no decae y el FANTCAST continuará otra edición más «.
La obra está teniendo una respuesta positiva de crítica y público » No existen críticas negativas sobre el libro, cosa que es muy de agradecer. Ha sido un año dedicado por completo al mismo y el trabajo ha dado sus frutos«. La presentación del libro se produjo durante la última edición del festival, en el que Adsuara fue respaldado por varios invitados: «Estuve en la mesa junto a Miguel Ángel Plana, Rafa Gassent y Salvador Sáinz. Proyectamos también el «Making of» del rodaje de La Isla del diablo (1994), que era inédito hasta ahora. Luego el documental Los mundos de Juan Piquer (2012), que incluye las entrevistas durante el rodaje de esa película a Emilio Ruiz, Carlo de Marchis y el propio Piquer. Fue emocionante ver entre el público a parte del equipo técnico y artístico de la película. Todos maravillados con el recuerdo de aquellos días y con la presentación del libro. A Juan todos lo querían mucho».
Presentación del libro durante el último Fantcast: Adsuara junto a Miguel Ángel Plana, Rafa Gassent y
Salvador Sáinz
Unicamente nos queda recomendar encarecidamente este libro, un valioso documento, además de dar las gracias a Jorge Juan Adsuara por responder a nuestras preguntas, aportar las imágenes para este artículo y , sobre todo, contar con nosotros para homenajear a Piquer Simón. Lo dicho, un orgullo.
Fallece Miguel Iglesias Bonns
Iglesias Bonns durante el Cryptshow Festival (Foto: Judex)
A los 96 años ha fallecido el director y guionista Miguel Iglesias Bonns. Que persona más discreta y entrañable. Pudimos tratarlo en dos ecasiones y siempre se mostró amable con todo el mundo. Primero durante el pase de su film La maldición de la bestia en una velada organizada por El Buque Maldito, y más tarde en el Cryptshow Festival de 2010, donde se volvió a proyectar el film.
Este cineasta fue un todoterreno, pero ha dejado especial huella en el género policíaco y en el fantaterror por su labor para Profilmes, donde realizó varios títulos humildes pero memorables. Comenzó su carrera en 1942, dirigiendo Su excelencia el mayordomo, dominando como buen artesano todos los géneros, incluso el documental. Su relación con Profilmes comienza en 1973, cuando rueda varios films selváticos que se inauguran con Tarzán y el misterio de la Selva. Los resultados parecieron satisfacer lo suficiente a los productores como para ofrecerle dos cintas más de la misma temática, aunque en esta ocasión la protagonista fuera una especie de Tarzán femenino interpretado por Eva Miller. Kilma, reina de las amazonas y La diosa salvaje, ambas rodadas en 1975, daban oportunidad de mostrar la poca epidermis femenina que la censura permitía.
Iglesias Bonns también contó con la colaboración de Paul Naschy en el film más recordado del director, La maldición de la bestia, una película también rodada en 1975, sin duda un año prolífico para el director. El film era un cómic animado con más acción que terror ambientado en el Tibet pero rodado en los Pirineos.
Lamentablemente en los años ochenta los encargos fueron menguando, y el director se refugió en el cine erótico rodando films como Violación incofesable (1981) o Deseos carnales (1982), hasta el fin de su carrera en 1988 con Barcelona Connection, película guionizada por Andreu Martín y José Luis Garci.
Su ultima intervención en el cine fue para el documental El hombre que vio llorar a Frankenstein (2010, Ángel Agudo), donde rememoraba los rodajes compartidos con Paul Naschy.
Lo dicho, un tipo entrañable.
Fallece Lina Romay: ¡Qué cabrona es la vida a veces!
Sin entrar en si el cine de Jesús Franco es bueno o malo o mejor o peor o… lo que si puedo decirles es que el tipo me cae bien, muy bien. Hay un documental adorable, Llámale Jess (Manel Mayol y Carles Prats, 2000), que muestra una gran entrevista con ambos y algunos momentos de intimidad del director con su compañera, con la que uno ve tanta complicidad que no puede más que sonreir y alegrarse porque dos seres así se hayan conocido y vivan felices haciendo lo que más les gusta sin ningún tipo de complejos. La barcelonesa Lina Romay o Rosa María Almirall como reza su carnet de identidad, conoció al hombre con el que más años compartió de su vida antes de cumplir los veinte años. Primero actriz, luego compañera pero siempre cómplice, realizó una carrera profesional y vital con Jesús Franco convirtiéndose en su nueva musa tras la inesperada desaparición de Soledad Miranda , que se inicia en 1972 con La 
maldición de Frankenstein y finaliza con Paula-Paula en 2010. Medio centenar de películas atestiguan la fructífera relación de la pareja, en la que Lina no se limitó tan solo a actuar: también dirigió, se encargó del vestuario, escribió y en general formó parte de un tándem indisoluble que no ha dejado de funcionar durante cuatro décadas. Entre medio una película tributo a su nueva musa, Les avalouses o Femme Vampire, todo un film dedicado a mostrar a su compañera, lucirla y presumir de ella en forma de vampira. Vampira que le vampirizó y de paso a nosostros. La pareja de trotamundos formalizó su relación casándose en 2008 y al año siguiente el director recibió un Goya honorífico que recogió visiblemente emocionado acompañado con una Lina de generoso escote. Un guiño cómplice a los que fuimos felices de que tan ficticia academia valorara por fín la labor del director canalla y crápula. Por eso, sin entrar en si el cine de Jesús Franco es bueno o malo o mejor o peor o… lo que sí puedo decirles es que esta pareja me cae bien, muy bien: trabajando, conviviendo, trotando y rodando, siempre rodando y siempre juntos. Uno sabe que nunca van a dejar de estar juntos, aunque la vida a veces sea tan cabrona y abra pequeños paréntesis.
Pierrot en la Mostra de Super-8: Anacronismo y modernidad
Ruinas y vidrio, modernidad y antigüedad. Así se pueden contemplar los cortos que se han proyectado como homenaje a Pierrot en el moderno, casi futurista Patí Llimona, centro cívico edificado sobre unas ruinas romanas con las que comparte entorno dentro de la 3ª Mostra de Super-8.
Los cortos, vestigios vivos de los años setenta, audaces para una época en la que nuestro pasado todavía era presente. En 1973, el dictador casi estaba enterrado, pero toda su infraestructura seguía vigente y vigilante ante la relajación de costumbres que el país comenzaba a desarrollar y que eclosionaría poco después. Si el destape dio carne para el obrero, la homosexualidad todavía continuó culpabilizada como delito con la ley de vagos y maleantes.
Vistos ahora, los cortos de Pierrot se ven modernos y anacrónicos a la vez. Rodados en Super-8, reflejan todas las inquietudes de un artista que mezcla su afición por el terror con su forma de ser. Mezcla que se antoja moderna. Como símbolo de una modernidad, ya también anacrónica fue la presencia de Alaska, artista que aprovechó su estancia para rodar imágenes para el programa de televisión que protagoniza con su marido Mario, circunstancia esta que será bienvenida si difunde la obra del protagonista de la velada, Antonio Grácia José, Pierrot.
La velada, ilustrada con carteles, publicaciones y recuerdos pertenecientes a la colección del organizador, Eduardo Gión, nos ofreció unos cortos que, a pesar del tiempo que pesa sobre ellos, se conservan en buen estado: despertaron respetuosas sonrisas cuando tocaba y mantuvieron atenta a la concurrencia que abarrotaba la sala de proyección.
Miss Drácula contra el Imperio dela Leche (1973), es un chascarrillo sobre una vampira travesti que en vez de alimentarse del fluido vital acostumbrado, lo hace de semen. Y todo ello con el añadido de imágenes rodadas en Transilvania durante un viaje que Pierrot realizó.
Repleto de escenas rodadas en el límite permitido, queda ahora como un ejercicio camp inocente, aunque mantiene dosis de la transgresión que se le quiso inyectar en unos tiempos en los que las cosas no estaban para bromas.
Tal y como nos comenta Eduardo, a Pierrot no únicamente le prohibieron y cerraron una exposición en el Festival de Sitges en 1972 por utilizar símbolos católicos, sino que además, el propio alcalde le hizó arrojar al mar las «ofensivas» obras. Un acto de inquisición en toda regla al que únicamente faltó la ejecución del sacrílego artista.
En cuanto a La muñeca, se trata de una slasher movie con altas dosis de perversión y gotas de satanismo al final, que sorprende por su más que correcto montaje y la selección musical, que va de Pink Floyd a Bernard Herrmann.
El festival-homenaje, terminó con algunos fragmentos de actuaciones transformistas de Pierrot. De nuevo anacrónicos pero… modernos ante el renacer que el burlesque y el cabaret están viviendo.
Una velada deliciosa y un recuerdo emocionante que nos deja esperando el documental que está rodando Eduardo Gión sobre Pierrot y su faceta más fantástica en el que, por cierto, podrán escucharse las palabras de Paul Naschy: Lentejuelas de sangre.
Seguiremos informando…
(fotos: facebook Eduardo Gión)
Homenaje a Pierrot en formato Super-8
Este fin de semana y dentro de la Mostra de cine en Super-8, podremos ver el sábado 28 a las 17 horas, dos de los cortos que el recientemente fallecido Pierrot rodó durante los años 70. Dos valientes muestras (en unos tiempos en el que las cosas no estaban para experimentos transgresores) de cine de temática gay, mezclado con el fantástico, gran pasión del artista. En su momento ya os informamos de esta propuesta, pero ahora ya se saben los títulos que se proyectarán, una hora de puro delirio en una ocasión única como homenaje a Pierrot:
Miss Drácula contra el imperio de la leche
(1973), Super 8 (4:3), 18 fps, color, sonora (fondo musical), ficción, 23’.
«Una joya y un escándalo en su época. A principios de los 70, Pierrot con su grupo de Teatro de Impacto ruedan este cortometraje inspirándose en el mítico conde Drácula, pero esta vez dándole una vuelta de tuerca, ya que el conde Drácula es un travestí, alcohólico y anoréxico. Interpretado por Ricardo Costa. El corto está rodado los exteriores en la misma Transilvania y los interiores en Barcelona. MissDrácula muerde a sus víctimas, en la parte donde reina el imperio de la leche y colecciona los falos de sus víctimas, realizando con ellos un collage. Además de morder a todos los chulos de la época que pasaban por casa para el rodaje, Miss Drácula es adicta al Hollywood dorado y baila al son de la Mae West y Marilyn Monroe, aunque no le hace asco a una performance de Nuria Feliu vestida de pubilla con colmillos incluidos. En la época fue un escándalo ya que nunca se habían mezclado dos géneros tan marcados como el terror con el travestismo y ademásla liberación Gay de la que hace una pura reivindicación Miss Drácula, exhibiendo un tanga donde pone en letras rosas «Gay Power» importado del mismo San Francisco. Miss Drácula tuvo larga vida, ya que Pierrot se inspiró en ese personaje para dibujar sus viñetas en la revista LIB, dibujando una vampira igual que la de la película, siempre acompañada de un murciélago, su pepito grillo particular».
La muñeca
(1975), Super 8 (4:3), 18 fps, color, sonora (fondo musical), ficción, 23’.
«Rodado en una granja abandonada de l’Empordá y donde por primera vez se unen todo el equipo de la compañía de Teatro de Impacto. La historia de un asesino en serie «Slash Killer», obsesionado por las muñecas y en practicar aberraciones con ellas. Esta obsesión la lleva a sus víctimas, un grupo de jóvenes que viajan en un seiscientos a pasar un agradable fin de semana en la montaña y donde uno a uno serán asesinados por este macabro asesino. Fue uno de los primeros Super 8 que rodó. Y homenajeando a una de las películas que más marcó ese año a Pierrot «Elasesino de muñecas», donde el protagonista David Rocha fue entrevistado en la revista VUDU, por el mismo Pierrot. Recordemos que David Rocha fue unsexsimbol en la época, llegando a ser portada en la revista PARTY. Si en la película original el asesino era un chico apuesto, en el super 8 de Pierrot es un ser feo, vomitivo y abominable».
(Textos: Eduardo Gion Espejo-Saavedra extraidos del programa de la Mostra).
La iniciativa parte de Eduardo Gión, que está trabajando en un documental, también dedicado a Pierrot y centrado en su conexíón con el fantástico y el terror, cuyo título posiblemente sea Lentejuelas de sangre.
Más información en: http://www.facebook.com/groups/185229901570663/#!/groups/185229901570663/
Ungawa!!: Fallece la mona Chita
La alegre familia al completo
El día de nochebuena a los ochenta años y por una insuficiencia renal nos ha dejado la legendaria mona Chita. Ese chimpancé que tantos buenos ratos nos hizo pasar en las viejas películas de Tarzán.
El animal perteneció a Johnny Weissmüller hasta que este terminó, el pobre, jurando y perjurando que era el mismísimo Rey de la Jungla. Así que Chita pasó a darse la gran vida en la reserva de Palm Harbor, Florida, donde permaneció desde 1957 hasta su fallecimiento.
Mike, que así se llamaba este chimpancé macho, no «actuó» en todas las películas de la serie de Tarzán interpretada por Weissmüller, ya que en las dos primeras el «actor» fue Jiggs, que también colaboró en los films sobre el personaje interpretados por Buster Crabbe y Herman Brix. Jiggs falleció en 1938 y Mike entró en la historia a partir del tercer film, continuando en la serie incluso cuando su patrón, Weismüller, fue sustituido por Lex Barker.
Cheeta en la actualidad
Sus cuidadores remarcan la simpatía del animal, que al parecer no era muy alborotador, eso sí, cuando se enfadaba no dudaba en lanzarles sus heces para que no olvidaran con quien estaban tratando. Y es que Chita era el personaje que más nos gustaba a los niños en las pelis de Tarzán. Luego… luego nos mirábamos a Jane con otros ojos y algunas/os a Tarzán, pero de niños… pues que quieren que les diga, a todos nos hacía gracia el jodío chimpancé y sus monerias.
Mike, nacido en 1931, ha tenido una longeva vida ya que se asegura que en estado salvaje estos animales viven unos 30 años, mientras que en cautividad pueden llegar a los 45, así que con 80 años estamos hablando de uno de primates más longevos. Así que no es tan raro que incluso exista su «autobiografía», Me Cheeta escrita por James Lever. Asi son las cosas y así se las contamos…
Entre sus aficiones (además de lanzar heces a su criador) estaban el pintar con los dedos, lo que hizo que en Ebay se pudieran adquirir «autógrafos» con certificado de autenticidad incluído, pertenecientes una serie limitada de 200 que Mike, firmó.
¿Que se juegan a que se han revalorizado?
El autógrafo...
.
... y el certificado de autenticidad que no falte!
¡¡Pierrot vive!!: Podremos ver sus cortometrajes de terror rodados en Super-8
El director de cine Eduardo Gión, que se encuentra en estos momentos realizando un documental sobre el recientemente fallecido escritor, actor, artista y mil cosas más Pierrot, nos hace llegar que el día 28 de Enero de 2012, dentro de la Mostra de Cinema en Super 8 de Barcelona, se rendirá homenaje a Pierrot, proyectando varios de los maravillosos cortometrajes que realizó:
«Los cortometrajes seleccionados para la sesión, serán una sorpresa. Pero solo puedo decir que nunca han sido vistos en público, a no ser que ustedes hayan asistido a los festivales de Sitges de 1972 y 1973. Además estoy organizando, a parte de la sesión «homenaje», un punto de venta de artículos espectaculares de Pierrot, como dibujos, postales, libros…»
Ken Russell nos dejó la pasión de vivir
Hay una escena que me ha acompañado desde que la vi en una sala oscura allá por los setenta: Glenda Jackson completamente ida, encerrada en un manicomio decimonónico, vestida casi con harapos, agachándose sobre la verja que cubría a los locos aislados para que estos acariciarán su sexo. Se tejió en mi imaginación como fantasía erótica mucho antes de que supiera yo qué era lo erótico. Y por supuesto mucho antes de que supiera que esas imágenes correspondían al final de La pasión de vivir (The Music Lovers, 1970) y de comprender que aquello sólo podía haber salido de la mente de Ken Russell.
La comprendí mucho más tarde, cuando ya podía penetrar en los entresijos oscuros que puede tener el sexo y el amor porque entonces ya estudiaba filosofía y había empezado a adorar a los personajes torturados por la atracción del abismo. Para entonces ya había escuchado al romántico Tchaikovsky y leído a Nietzsche, así que los delirios de Russell se me hacían diáfanos y me subyugaban. La imagen que me acompañó en las fantasías fue la de Katleen Turner vestida de azul y perseguida por Anthony Perkins interpretando por enésima vez un sosias de Norman Bates.
A la vez que crecía mi amor por lo trágico, por los monstruos del romanticismo, por el genio dionisíaco, por lo sublime, esa desmesura mesurada, se cultivaban mis criterios cinematográficos. Los ochenta estaban cerca de cambiarse en noventa cuando vi Remando al viento (1987, Gonzalo Suárez), después fui a buscar los muros de Villa Diodatti y después, aún, recuperé Gothic (1986). Desconozco si la interpretación de esa noche de junio de 1816 por parte de Russell se me pasó en su estreno o es que no llegó a nuestros cines en su día. Lo que sí sé es que la de Russell empalidecía frente a la de Gonzalo Suárez y me apartó del cine del británico, tan moderno entonces tan mal envejecido ahora.
Mi recuerdo almacena, pues, impresiones contradictorias respecto al arte de Ken Russell. Hoy, que nos ha dejado a los 84 años, vuelven a mi memoria y se equilibran (será que es cierto que la madurez nos atempera).
Russell fue, y seguirá siendo en su legado, un cineasta controvertido. Su trabajo con la cámara le distinguirá para mal y para bien. Algunos lo tildarán de coyuntural, pero también nuevos jóvenes le descubrirán y se empaparán de su exceso apasionado, como hice yo y como hicieron, tal vez, algunos de los que ahora abjuran de él.
Se mantuvo activo hasta el 2006 pero siempre será recordado por sus películas de los 70/80: Mujeres enamoradas (Women in Love, 1960); Litztomanía (1975); Tommy (1975); La guarida del gusano blanco (The Lair of the White Worm,1988)… Desde aquí lanzamos una propuesta para homenajearle: visionar una vez más Los demonios (The devils, 1971) una de sus interesantes inmersiones en el género que nos apasiona. Film que contiene todos los excesos y virtudes de su cine y que se ha convertido en todo un mito y película de culto, sufrió mutilaciones en su momento para eludir la clasificación X, afortunadamente desde 2004 contamos con la versión íntegra. Que es la que veremos para sumergirnos en su pasional forma de rodar.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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