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Sesión de cortos al aire libre como avance del Festival de Sitges
Por segundo año consecutivo, el Festival organiza una mini-maratón de cortometrajes en el Port d’Aiguadolç de Sitges
Quedan menos de 3 meses para abrir el esperado telón del 46º Sitges-Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. Para que la espera se haga más apetecible, el Festival ha programado, como ya se hizo el año pasado, una mini-maratón de cortos al aire libre. La primera cita de los fans con el Festival será, entonces, el próximo jueves, 25 de julio en el auditorio del Mar del Port d’Aiguadolç.
El programa incluye cinco cortometrajes, algunos de los cuales se pudieron ver en Sitges 2012. Todos tienen en común la temática fantástica y de terror y su trayectoria por diferentes festivales nacionales e internacionales, donde muchos de ellos han obtenido destacados premios. El acto se organiza en colaboración con el Port d’Aiguadolç y la revista Scifi World.
Programa
Jueves, 25 de julio a les 22:30 horas
Auditori del Mar del Port d’Aiguadolç
Entrada gratuita
Proyecciones:
Elefante, de Pablo Larcuen. 9 min
Premi Méliès d’Argent al Sitges 2012, Elefante es el segundo cortometraje (y el trabajo final de estudios de la ESCACC) de su director, Pablo Larcuren. El anterior trabajo, Mi amigo invisible, ya se proyectó en festivales de prestigio como Sundance.
Hotel, de José Luis Alemán. 11 min
La cinta ha sido escogida en un gran nombre de festivales nacionales e internacionales, entre los cuales el de Sitges 2012, consiguiendo galardones como el premio al Mejor Cortometraje al 33º Fantasporto y al XIX Festival de Cinema Fantàstic de Bilbao 2013.
Human Core, de Manfre y Iker Iturria. 11 min
Ganadora del premio al Mejor Cortometraje Nacional al Nocturna, Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, Human Core nos si túa en un futuro lejano, en el cual ha desaparecido la emotividad. Un reallity show de divulgación científica que cuenta también con una versión largometraje y que ya pudimos ver en Sitges 2012.
Fist of Jesus, de David Muñoz y Adrià Cardona. 15 min.
Fist of Jesus, que se pudo ver en Sitges 2012, es una revisión libre de la historia de Jesús. Dirigida por David Muñoz y Adrià Cardona, el corto se ha convertido en un fenómeno viral en la red, con más de un millón de visionados. Además, ha recogido una docena de premios, como ahora el del Mejor cortometraje internacional al Fantafestival de Roma o el primer premio al Viralfest. Sus responsables preparan ya la versión largometraje.
Necrolovers, de Víctor Uribe. 13 min
Fuerzas sobrenaturales y un protagonista maníaco en una pel&iacu te;cula que promete un apocalíptico final. La cinta llega a Sitges después de su paso por festivales de todo el mundo (Brasil, Santiago de Chile, Budapest, Panamá o Ámsterdam), así como por el Nocturna, Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid.
Festival de Sitges 2013: nuevas manifestaciones del mal
Con emotivas palabras de homenaje a Richard Matheson, iniciaba Ángel Sala la presentación de la 44 edición del Festival de Sitges. Un festival que goza de buena salud, incluso en estos tiempos de vacas flacas, gracias al entusiasmo de todo el equipo, la entrega del público fan, y los cimientos que desde los tiempos de Rafales han ido poniendo todos aquellos que lo han dirigido.
Mientras la asistencia a las salas comerciales registra su peor taquilla, por la crisis y la piratería, pero también por la pérdida del sentido de rito colectivo que antaño tuvo acudir al cine, la desafección no alcanza a los festivales (necesarios todos, incluso los modestos) porque ellos conservan ese carácter de gran evento social. De ese modo, los festivales suponen la posibilidad de recuperar el contacto con los espectadores y se convierten en una esperanza de futuro para el séptimo arte. Así lo expuso Ángel Sala ante una audiencia que asentía a sus palabras y que está dispuesta a aportar su granito de arena para ayudar a esa recuperación de la cultura del cine.
Si el futuro pasa por los certámenes es porque indagan en lo novedoso y perpetúan lo clásico, esta es la clara tendencia que han seguido las últimas ediciones del Festival de Sitges, y la de este 2013 no podía ser menos. Con el leitmotiv de las nuevas manifestaciones del mal, la 44 edición celebra el aniversario de La semilla del diablo ya desde su cartel; un homenaje que da pie a reflexionar sobre todas las dimensiones del terror y lo fantástico. En este sentido, es de destacar que la figura dominante es la del vampiro con obras tan esperadas como Byzantium de Neil Jordan u Only Lovers Left Alive de Jim Jarmusch, presentes ambas en la sección oficial. Vampiros sofisticados en la línea de los que nos presentó Tony Scott en El ansia y alejados de los superficiales protagonistas de la saga Crepúsculo.
Igualmente va a tener protagonismo un autor fetiche de Sitges: Takashi Miike, sobre el que versará la retrospectiva y el libro coordinado por Desirée de Fez; además presentará sus dos nuevas obras dentro de la sección oficial Lesson of the Evil y Shield of Straw. Para delicia de los aficionados se ha anunciado ya la presencia del japonés durante el festival. Otro de los totems que pisará la alfombra roja será el director Johnnie To, que presentará al público de Sitges dos de sus últimas películas, Drug War y la comedia negra Blind Detective.
La sección más esperada es siempre la Oficial Fantàstic en la que se presentará algunos de los títulos más esperados del año, como Only God Forgives, la nueva película de Nicoladis Winng Refn, director de films como Valhalla Rising o Drive; A Glimpse Inside the Mind of Charles Swann III, una comedia surrealista y extraña de la mano de Roman Coppola; The Congress, la que más expectativa ha generado en quien esto escribe, una espectacular adaptación de Stanislaw Lem dirigida por Ari Folman –responsable de Vals con Bashir–, que mezcla animación con una historia de ciencia ficción protagonizada por Robin Wright y Harvey Keitel;
o Real, el retorno del director Kiyoshi Kurosawa al cine fantástico. Sitges 2013 también será el de otros retornos esperados, como el de Alejandro Jodorowsky y su biografía imaginaria, La danza de la realidad, pero también acogerá obras de audaces jóvenes realizadores como Magic, de Sebastián Silva, y autores polémicos como Shane Carrtuh, con su nueva propuesta Upstream olor, o Marina de Van, con Dark Touch, película con la que su directora retoma el mejor tono del Nuevo cine francés de terror.
No sólo de competición se nutre el festival, en su marco hay espacio para lo más radical y experimental: la sección Noves Visions. En ella tendremos ocasión de reencontrarnos con uno de los directores más sorprendentes, que inundó la cartelera con su cine minimalista y que no ha dejado de manifestar que el cine ha muerto, pero que parece que no puede dejar de tentarse con la realización. Hablamos de Peter Greenaway del que tendremos ocasión de ver su último trabajo, Goltzius & The Pelican Company. No faltarán tampoco propuestas de nuevos realizadores con perspectivas poco acomodadas como la que representa Denis Coté enVic et flo ont vu un ours o la coreana Fatal, así como la no ficción más innovadora representada por The End of Time, de Peter Mettler. En este apartado documental, el cine será objeto de debate, a través de retratos de grandes autores, como Milius, de Joey Figueroa y Zak Nutson, una mirada a la obra del director de Conan, el bárbaro.
La llegada de los medios digitales está abriendo camino a un cine de calidad realizado con escasos medios, el que se ha dado en llamar cine Low cost. Sitges ha querido mostrarlo al mundo dentro del programa Emergents que tendrá como ejemplo la espectacular película sobre zombies The Battery, dirigida por Jeremy Gardner; la versión final de La tumba de Bruce Lee, de Canódromo Abandonado, o El lobito de Antonio Dyez. Emergents también prestará una especial importancia a nuevos mercados del cine que se están proyectando como una tendencia que abre circuitos y aporta nuevos talentos. Será en este apartado donde se tendrá ocasión de revisar el proyecto Little secret films del que ya hablamos en este blog.
Competición, innovación y también diversión a gogó. Nos traerá entretenimiento a raudales esta edición en sus secciones Panorama y Midnight X-treme. Secciones pensadas para los amantes de las emociones fuertes con títulos que ya suenan en los mercados internacionales y los medios, como Big Ass Spider, de Mike Mendez; Frankenstein’s Army, de Richard Raaphorst; Contracted, de Eric England; Kiss of the Damned, de Xan Cassavettes; Milo, de Jacob Vaughn o las esperadas Hellbenders 3D, de J.T. Petty, así como la nueva entrega de la saga slasher Hatchet.
La popular maratón La noche más zombi, que ilustra la famosa Zombie Walk sitgetana, tendrá como estrella la película Battle of the Damned, un film de robots contra zombis con Dolph Lundgren en medio de toda la masacre (no sabemos si como robot, como zombi o como ambas cosas).
En su amplia oferta, Sitges tiene siempre presente al cine asiático y al de animación. Focus Asia apuesta este año por el cine filipino y Anima´t nos dejará obras espectaculares como 009 RE-Cyborg y el fenómeno otaku Evangelium 3.0. No se han avanzado todos los títulos (en ninguna de las secciones) aunque haya más confirmados por respeto al festival de Toronto, donde muchos de los filmes tendrán su premiere.
Diego López, director del Brigadoon
Habrá que esperar un poco más para saber todo lo que nos aguarda en la blanca Subur, pero lo que ya podemos ir avanzando es que el Brigadoon (auténtico festival dentro del festival) va a tener en esta edición una programación apetitosa. Ya nos estamos relamiendo por la posibilidad de ver los documentales Eurociné 33 Champs Élysées, centrado en la mítica productora francesa Eurociné; y The Outsider – Il cinema di Antonio Margheriti, un repaso a la obra cinematográfica del realizador italiano Antonio Margheriti. Un auténtico recorrido por el cine de género europeo que no es tan fácil de ver en pantalla grande (o más o menos grande), al que se sumará el homenaje al recientemente desaparecido Tío Jess con el estreno de dos películas suyas inéditas y codirigidas con la actriz y directora Fata Morgana: Lascivia (2007) y Monte de Venus (2006).
Jess Franco recibirá, también, otro homenaje en Sitges 2013, en este caso en la sección Mondo Macabro, con la proyección de las películas Miss muerte, Los depredadores de la noche y el documental La última película de Jess Franco(2013), dirigido por Pedro Temboury, y que tendrá en Sitges su première mundial. La sesión será, además, presentada por diferentes expertos y conocedores de la obra de Jess Franco y contará con un post-screening.
Dentro del marco del Brigadoon se avanzó igualmente otra de las figuras que van a visitarnos, se trata de Simón Andreu , actor que nos hace especial ilusión, quien recibirá el Premio Nosferatu.
Y acabamos está crónica mencionando el principio, esto es la sesión inaugural que, como viene siendo en las últimas ediciones, recaerá en una producción catalana. Grand Piano, de la productora catalana Nostromo, Antena 3 y con la participación de TV3, será la encargada de inaugurar Sitges 2013. Una obra que confirma el talento de su director, Eugenio Mira, en formato de thriller formalista y preciosista desarrollado en la celebración de un concierto de piano, y que tiene como protagonistas a Elijah Wood, John Cusack, Alex Winter y Kerry Bishé. Sitges continúa apostando por el cine nacional y estatal de género y con una gran calidad para abrir el acontecimiento especializado más importante de Europa.
Ya tenemos el cartel de Sitges 2013
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Diario de Serendipia en Sitges (Tercera parte): El desenlace
Ya con muestras y de agotamiento, Serendipia inicia sus últimas jornadas en Sitges 2012 pero, como ya les comentamos en anteriores entregas, hacemos un inciso para hablar de…
EL NUEVO SISTEMA DE TICKETS DE PRENSA
La prensa acreditada al festival dispone de varias proyecciones, fundamentalmente las de la mañana, en las que puede acceder simplemente con mostrar su acreditación en la puerta. Pero hay otras sesiones en las que es necesario que solicite un ticket. En años anteriores se podían solicitar el día anterior al de las proyecciones haciendo cola a partir de las 16 horas. Hasta ahí bien, uno sacrificaba ciertos pases o el sentarse a comer como un ser humano para ponerse en una cola, sistema que no tendría más problema de no ser por parte de los mismos medios acreditados: los «colegas». Uno podía estar el tercero de la cola, por ejemplo, y ver estupefacto como llegaban infinitos amigos de los que estaba delante y colarse hasta llegar a un número del todo inadmisible. Lo hacian sonrosados y contentos por haber comido bien o comentando la película que acababan de ver y que tú te habias perdido por estar haciendo cola . Y solo tenían que pasar por delante tuyo, saludar al amiguete y colarse ante tí, que llevabas haciendo cola (hasta entonces pacientemente) una o dos horas.
El sistema no funcionaba y desde aquí llegamos a pedir a la organización que hiciera algo.
Ignoramos si nuestra queja tuvo éxito, pero el caso es que este año se ha puesto en práctica un nuevo sistema que funciona de la siguiente manera: uno puede acceder a sacar un máximo de tres tickets desde internet a partir de las 7 de la mañana. Una forma cómoda, sin duda, si tienes acceso a la red y si te pegas el madrugón, cosa a la que estábamos dispuestos ya que nos habíamos puesto como norma el solicitar el menor número y acudir a las sesiones de mañana. Pero nuestra sorpresa fue el ver que a las siete y un segundo ya no había tickets para algunas sesiones, algo sumamente sospechoso. Inconvenientes aparte, pensamos que el sistema es mejor. No perfecto, pero mucho mejor. Podríamos decir nosotros sus pros y contras, pero hemos querido contar con la opinión de amigos y colegas, a los que agradecemos desde ya su colaboración al respecto:
Jose M Rodriguez (Dioses y Montruos /Kifund/Tyrannosaurus Books): Bien porque ahorra colas y pérdida de tiempo. Mal por los madrugones, el colapso, la sensación de que se ofertan pocas entradas y se da por hecho de que todo el mundo dispone de conexión a internet.
Penelope Callau (Klowns Asesinos): Es genial no hacer dos horas de cola y perderte la hora de la comida o alguna peli. Y fatal por los madrugones, el colapso en la red y las pocas entradas. Me siento estafada
Manu Argüelles (Cine Divergente): Yo creo que el sistema es mejor. Realmente las pocas invitaciones ya existían antes, porque que yo recuerde siempre tenía que improvisar. Las invitaciones siempre han sido escasas. Ahora quizás se ve mejor. Lo de la saturación del sistema, no es cierto. Funcionó perfectamente siempre. Sí, el madrugón, pero es lógico que sea en un horario anterior a cuando se abre la programación para que todo el mundo tenga las mismas oportunidades. Al fin y al cabo, ya era una hora a la que tenías que levantarte si querías ir al primer pase de prensa. Porque ellos cuentan que la prensa va principalmente a sus pases, que creo que es lo que debe ser. En Donosti es así. El problema no es el sistema de invitaciones, es que Sitges no tiene la infraestructura para las dimensiones que maneja. No puede programar 250 películas en solo esos tres cines y pasar la Sección Oficial de forma simultánea en dos salas o proyectarlas dento de un maratón. Las películas tendrían que tener 4 pases mínimo….en fin, que en realidad el problema es otro. ¿Te obliga a tener internet? Ellos cuentan con eso, que toda prensa tiene internet disponible, algo que también veo lógico que lo presupongan.
Marta Torres (Judex Fanzine): Tuve la sensación de que había gente que pillaba todas las entradas que podía sin criterio, ya que el sistema fomenta una cierta competencia por acaparar. Lo digo porque en prensa quedaban muchas entradas reservadas que nadie recogía… para el año que viene estaría bien que hubiera un tope de horario para recoger las entradas reservadas y, pasado este tiempo, se liberaran otra vez para la prensa.
Por cierto, esta es la parrilla de prensa para el día 7 de octubre. En ella pueden verse las actividades, el lugar y los presentes a los actos.Hagan clic sobre la imagen y fíjense en el asistente al premio Brigadoon Paul Naschy. Es posible que fuera una errata o quizás se trate de una nota romántica ya que Paul Naschy estuvo presente en el festival, aunque de forma virtual en dos documentales y en O Apóstolo.
VIERNES DIA 12
Un nuevo amanecer para un día en el que la naturaleza sacaría lo mejor/peor de sí misma como ya veremos. De momento la jornada de este largo fín de semana se iniciaba bien pronto (a las 8’30) con El Bosc de Óscar Aibar, película a la que teníamos ganas de echarle un ojo y que no nos defraudó. Ciencia ficción en el bajo Aragón con la guerra civil de fondo, un tratamiento a primera vista bien extraño pero que funciona a la perfección en esta película totalmente hablada en catalán de la franja. Perfecta ambientación, un guión muy bien llevado que no cae en el ridículo (pero sí en un humor totalmente voluntario) y unos actores, María Molins, Àlex Brendemühl y Pere Ponze impecablemente en su lugar. Sencillamente deliciosa e ingeniosa la manera en la que un hombre de campo, que no ha salido de una vida dedicada a la labranza, describe alienígenas y paisajes extraterrestres directamente extraídos de novela pulp. Una fantasía que merece toda la suerte, aunque no sé si tendrá su lugar en estos tiempo que corren… Esperemos que sí.
Tras una carrera para volver a coger lugar en la cola, nos adentramos en el Hotel Transilvania, film con el que se estrena el director de animación Genndy Tartakovsky. Una película con impecable animación, homenaje a los monstruos de la Universal y un doblaje correcto, a pesar de que tras él estén populares rostros como Santiago Segura o Alaska. Aunque se echa en falta un humor algo más adulto, es disfrutable y si tienen vástagos, se lo pasarán en grande.
Una amplia representación de directores presentando The A,B,C’s of Death.
Ya por la tarde vino otro de los platos fuertes del festival, The A,B,C’S of Death, una película con tantos cortos y directores como letras hay en el abecedario. No deja de ser eso, un festival de cortos y como tal tiene altos y bajos, a gusto del consumidor, aunque a nosotros en general el nivel nos pareció por lo general bastante alto con obras de Nacho Vigalondo, Adrían García Bogliano, Lee Hardcastle, Noboru Iguchi o el desmesurado Yoshihiro Nishimura. No a todo el mundo le gustó la propuesta ni los cortos, pero el público respondió bien y el pase fue presentando en tropel por varios de los directores.
Adrían García Bogliano
Tras la proyección decidimos recogernos en casita, cosa que nos salvó de la salvaje tormenta que arruinó la Zombie Walk. Fueron horas de violenta lluvia que amenazaron también las proyecciónes nocturnas, pero para nuestra suerte amainó a tiempo de poder ver Ahí va el diablo, última película de Adrián García Bogliano, un tipo encantador al que tuvimos ocasión de saludar por la mañana y del que prometemos hablarles pronto con mucho más detenimiento. La película, rodada en México, nos narra con guión del propio Adrián, una historia de posesiones sobrenaturales. El caso es que nos habían llegado críticas adversas y como siempre que te dejan algo a caer de un burro, no nos pareció tan nefasta como nos habían dicho.
Supone un bajón respecto a Sudor Frío, y quizás porque se dispuso de menos medios, tiene un aspecto más primerizo y amateur. Parece querer jugar a crear atmósfera, así construye encuadres asimétricos que violan todas las leyes de la Gestalt, para provocar desasosiego en la percepción; pero luego no acaba de resolverlo con el entramado. Adrián afirma que ha querido revisar todas las formas de la sexualidad vinculadas al terror (cito de memoria): ahí está el despertar púber que activa lo telúrico, y antes la culpa y el castigo asociados al sexo en la escena lésbica, pero aunque estén ahí los elementos parece como si no se lograse dar de ellos una visión de conjunto y continuidad, de modo que la escena inicial se ve gratuita e inconexa con el resto. Yo diría que hay muy buenas ideas, pero que en conjunto no acaban de cuajar. Luego ya hay aspectos como los efectos especiales y las interpretaciones nada matizadas que acaban de rematar. Con todo él dice que sigue teniendo la intención de hacer una película por año, así que veremos y esperaremos con ganas sus nuevas propuestas.
Y a casita que llueve y llega el fatídico último día oficial del festival.
SABADO DIA 13
El momento de la verdad: el jurado del 45 Festival de Sitges leyendo el palmarés
Lo dicho, ya la cosa va de bajada. A pesar de ser sábado el festival está dando sus últimos coletazos con la película de clausura, Looper de Rian Johnson, una sorprendente y emocionante película de acción futurista que juega con los viajes en el tiempo y que cuenta con la agradecida presencia (para el que esto escribe) de Bruce Willis. En general gustó y resultó una correctísima sesión de cierre para la edición de este año. Tras ella quedaba saber el palmarés del jurado. Paradójicamente imaginaba, y así lo expresé en las tertulias de turno, que la película ganadora sería precisamente la única que me hizo abandonar la sala a mitad de proyección. Y efectivamente así fue: Holy Motors de Leós Carax se llevó los premios a mejor película y mejor director, además de otros reconocimientos como el Méliès d’Argent y el premio de la crítica. Era algo que se respiraba en el ambiente y me alegró que así fuera. Sí, soy así, me gusta ver feliz a la gente, aunque me mostré mucho más de acuerdo con la mención especial del jurado a Chained de Jennifer Lynch, así como al de mejor actor para su protagonista masculino, Vincent D’Onofrio. También me alegró el reconocimiento que recibió Antiviral de Brandon Cronenberg, que obtuvo los premios Citizen Kane y el del jurado Carnet Jove. Finalmente nos encantó que Jordi O. Romero se fuera a casa con el premio Brigadoon al mejor corto por su Zona de caza. En fin, premios son premios y ha de haber para todos los gustos. Si quieren ver el palmarés al completo, pueden consultarlo aquí.
Pero no todo termina aquí, ya que por la tarde nos quedaban algunas citas más. Por un lado nos hacía mucha ilusión poder asistir al estreno en Brigadoon de Lentejuelas de sangre, un mediometraje documental de Eduardo Gión en el que hemos podido colaborar centrado en la figura del artista Pierrot, concretamente en su faceta más terrorífica. El documental disfruta de un buen montaje y una buena selección de material visual, además de entrevistas a personas cercanas al artista como Sanjulián, Manuel Dominguez, Sebastían D’Arbó, José Lifante o Ricard Reguant, entre otros. Sobre el documental ya hemos escrito con más detenimiento en este artículo.
Eduardo Gión presentando Lentejuelas de Sangre en Brigadoon
¿Les dije que solo me salí a mitad de película con Holy Motors? Pues les engañé en parte: A Keyhole (Guy Maddin) solo le dí 15 minutos de mi tiempo, aunque la otra parte de Serendipia fue más paciente y además escribió un artículo sobre la película.
Vida en sombras es un sorprendente experimento y única película rodada por Llorenç Llobet-Gràcia, un film autobiográfico rodado en 1948 que muestra el cariño de su director por el cine. Entre sus actores un siempre bienvenido Fernando Fernán-Gómez, que parece que ya desde joven se apuntaba a propuestas arriesgadas, como se demostró hace un par de años en este mismo festival cuando se recuperó la también poco vista Manicomio (1954) codirigida por el actor junto a Luis María Delgado. También intervienen en la película María Dolores Pradera, Fernando Sancho, Mary Santpere (que como no podía ser de otra forma aporta el humor al film) y la bella Isabel de Pomés. Película perdida durante muchos años, su recuperación ha sido posible gracias a la labor de la Filmoteca de Catalunya, que ha podido recomponerla partiendo de las únicas copias supervivientes en 16 mms. Quizás no es la obra más importante del cine español como alguien ha dicho, pero sin duda si se trata de una rara avis que como tantas otras películas isla, nos deja con la pregunta de que más nos podría haber ofrecido su director.
…Y LA CONCLUSIÓN
Este es nuestro colofón. Días inolvidables y felices en los que nos hemos reencontrado con amigos y hemos conocido a más. Cada vez se hace más difícil caminar por Sitges sin encontrar a alguien que conoces, y eso es fantástico. El festival ha sido un éxito y nos alegramos. La organización ha sido impecable, desde la cúpula a los voluntarios, algunos de los cuales han pasado a ser amigos. Han sido buenos momentos, hemos visto muchas películas, conseguido algún fetiche y hemos sobrevivido a este festín de buen cine.
Ahora el holocausto cinéfilo de los dias anteriores ha llegado a su fin y el domingo, jornada de maratones de películas, lo dedicamos al paseo, el reposo y a entrar en ese estado melancólico que se siente cuando algo finaliza. La escena final de ese domingo, y por extensión de ese festival, la tenemos a última hora de la tarde en la ahora desierta zona de L’Auditori, cuando moviéndose entre los escombros vemos al director del certamen, Ángel Sala, que ya relajado adquiere unas películas en el stand del Fnac.
Sitges 2012 ha terminado. En este momento comienza a gestarse un nuevo Festival.
(Todas las fotos: Serendipia)
Ángel Sala esperando a los protagonistas de Drácula 3-D, que se proyectó en sesión de gala en el Auditori.
Sitges 2012: el fin de una era, Cosmópolis
Quien tiene la información, tiene el control, ese fue uno de los descubrimientos más importantes de la matemática del siglo XX, ahora en plena era de la información es más cierto que nunca. Pero también es un valor sutil que va de la mano de la entropía. La Entropía puede ser considerada como una medida de la incertidumbre y de la información necesarias para, en cualquier proceso, poder acotar, reducir o eliminar esa incertidumbre. Los mensajes menos probables son los que más información aportan, y eso es lo que anhelamos, pero en ellos va el riesgo del desorden de la incomprensión y el colapso, esto es del desorden, del descontrol. Y ahí mismo estamos ahora en nuestra época de crisis sistémica. Si una obra de arte lograra explicitarlo como imagen, como símbolo, esa sería la obra de arte que expresara el espíritu de nuestro tiempo (el zeitgeist) y eso es precisamente lo que ha conseguido Cronemberg en Cosmópolis de la mano de la novela de Don DeLillo. Podría decirse sin exagerar (o así nos lo parece) que la última cinta del canadiense es la primera que logra hablar del S. XXI.
En cada nuevo encuentro su matrimonio fracasa un poco más
Un chico de portada: un documental de David Muñoz sobre el cartelista Mac
El director de cortos David Muñoz, además de ser un tipo humilde y competente, poseé una mente creativa que no para de pensar proyectos de todo tipo. Ha tocado la animación, el subrrealismo y también con Un chico de portada, el documental. Un trabajo dedicado al mejor artista de carteles de cine que ha dado España, Mac. Y es que a Macario Gómez, lo de cartelista le queda definitivamente corto, lo suyo es arte y en este documental vemos una muy pequeña muestra de su genio. Ha habido otros prolíficos cartelistas como Jano o el genial Soligó que han dejado una obra repleta de calidad tras ellos, pero en nuestra opinión, Mac convirtió en arte lo que pasó por ser un efímero objeto de propaganda y un reclamo para hacernos entrar en las salas. Tan poco recordado, como suele pasar en este santo país, sorprende y se agradece que David Muñoz nos ofrezca un acercamiento a la figura de este artista, que se muestra también tan humilide como humano. Un gran dibujante, un gran artista y también un gran documental en el que tuvimos ocasión de colaborar y que ofrecemos integramente desde nuestro blog.
Queriendo saber más sobre los entresijos de Un chico de portada, le hacemos unas preguntas a David Muñoz.
– ¿Cómo nace la idea de hacer un documental sobre Mac?
En Olesa de Montserrat conocí a Akira, posteriormente productora del documental, que era amiga de Mac y ambos comentamos que sería muy interesante realizar, en la medida de nuestras posibilidades, un documental para dar difusión a la obra de Mac, ya que a pesar de todo lo que ha hecho por el cine sigue siendo un gran desconocido en nuestro país.
– ¿Conocías con anterioridad sus carteles?
Conocía los más míticos, pero mis conocimientos sobre el trabajo de Mac han aumentado con creces tras el documental. He descubierto montones de carteles impresionantes. Ojala hubiéramos podido sacar más en el documental, pero desgraciadamente ni el propio Mac tiene muchos de sus carteles, ya que, anteriormente, sobre todo en nuestro país, no se respetaba mucho al autor y jamás se le devolvía el original, a diferencia de cómo funcionaba todo en el extranjero.
– ¿Cómo recibió Mac la idea del documental?
Pensamos que iba a ser más complicado poder filmarle, pero se mostró entusiasmado con la idea. A fin de cuentas quiere lo que cualquier otro artista, que su obra se dé a conocer.
– ¿Cómo fue el rodaje?
El rodaje transcurrió muy a contrareloj, por desgracia o tal vez por suerte no hubo tiempo para que ocurriera alguna anécdota. Solo disponíamos de un par de horas y media para estar con él. Mac está muy mayor y no muy bien de salud, así que decidimos no atosigarle mucho y estando ese par de horas con él, grabar todo lo que nos contara. Ojala todo lo hubiéramos podido preparar mejor, pero para ser algo que hemos hecho con escasos medios, estamos muy contentos del resultado.
– ¿Cómo fue la presentación en Sitges? ¿Has recibido ofertas para proyectarlo en algún otro festival?
La presentación en Brigadoon fue genial. La verdad es que tenía miedo dado lo amateur que fue el rodaje de que a Mac no le agradara, pero la expresión que pude ver en su cara al acabar la 
proyección disipó todos mis miedos. Quedó muy satisfecho y por lo visto, el público también. Incluso tuvimos que improvisar una sesión de firmas de Mac en una mesa, dada la gente que quería carteles dedicados. Y varias personas estaban interesadas en comprar el Dvd. Como no tenía ninguna intención de comercializarlo, justo después de estrenarlo he decidido colgarlo en Internet. Cuanto más se dé a conocer la figura de Mac y todo lo que ha hecho por el cine, mejor.
En cuanto a festivales, por el momento ya hay varios que se han mostrado muy 
interesados en proyectarlo e incluso en invitar a Mac para homenajearlo. Pero aún falta bastante para que se celebren la mayoría de ellos. Casi todos son de cara a 2013.
– ¿Algún nuevo proyecto en cartera?
Junto a Adrián Cardona acabo de finalizar Fist of Jesus, un corto bien loco cargado de golpetazos y gore, que esperemos divierta a la gente. Estamos tan contentos del resultado que ansiamos convertirlo en largo, así que en cuanto empecemos a moverlo vamos a ponernos de lleno a buscar ayuda, tanto de productoras como mediante crowfunding y eventos para financiar Once Upon a Time in Jerusalem. Esperamos conseguir un cruce entre Mad Max y las típicas películas del Nuevo Testamento.
También, junto a David García, de Monsterworld, esperamos poder hacer un documental similar al de Mac sobre la figura de Sanjulián, siempre que nos sea posible coincidir a los tres, ya que vivimos en distintas ciudades.
Ahora os dejo con Mac que tiene cosas más interesantes que decir:
Diario de Serenidipia en Sitges 2012 (Segunda Parte)
En el episodio anterior: Serendipia llega al Festival de Sitges y comienza el atiborre de cinefilia, pero no sabían que… ¡lo peor estaba por llegar!
Caminando por Sitges uno se encuentra todo tipo de detalles decorativos
LUNES DIA 8
Casi todo el mundo tenía dos películas en mente que no podía perderse durante este festival, Holy Motors y la nueva de Rob Zombie: The Lords of Salem. Zombie, que se había tomado su tiempo para presentar un nuevo film, nos ofreció un cambio de registro que dejó defraudados a parte de sus seguidores. En The Lords of Salem el terror pasa a ser más psicológico y menos visceral y directo. La película, que no deja de ser una actualización encubierta de La semilla del diablo (Rosemary’s Baby, 1968 Roman Polanski), tiene varios logros estéticos y un principio brutal, trozos sueltos que, para nosotros, no logran una película redonda. Aunque es muy de valorar el que Zombie no quiera eternizarse en psicokillers y familias enfermas para dar un paso adelante con nuevas propuestas, este Lords of Salem es un tanto quiero y no puedo. En el reparto, la siempre bienvenida compañera del director, Sheri Moon Zombie y los rostros familiares de Ken Foree (Zombi), Dee Wallace (Aullidos) y Meg Foster, presentes ambas actrices en el festival. Lamentablemente se cortó en la película una escena en la que salía la inolvidable Barbara Crampton (Re-animator). Eso sí, para el que esto suscribe, la película no es ni mucho menos desechable y no se merecía los silbidos que recibió, así que seguiremos atentos a las nuevas obras que este interesante realizador, que tanto aire fresco ha aportado al género, nos siga ofreciendo.
Claudio Simonetti
Tras la necesaria comida tocó el turno a una nueva dosis de cine de animación con Alois Nevel (Tomás Lunák) un film checo que sigue la línea de clásicos como Trenes rigurosamente vigilados (Ostre Sledované Vlaky, 1966), del también checo Jirí Menzel. La acción se enmarca en las postrimerías de la Guerra Fría con los soviéticos abandonando Checoslovaquia. Imágenes en blanco y negro y animación rotoscópica para acompañar un guión agridulce en el que es el primer largometraje de su director. Un oasis de paz en medio del festival.
Pero tras la calma llega de nuevo el despiporre. Ya le hablamos en la anterior entrega de la presencia italiana en esta edición del festival, y en esta jornada tuvo uno de sus momento álgidos con el concierto gratuíto de Claudio Simonetti en Ricky’s, actuación memorable organizada por Diego López, responsable del Brigadoom y del fanzine El Buque Maldito. Una buena experiencia y un agradecido cambio de ambiente que satisfizo a todos. Simonetti repasó con su teclado para el público que abarrotaba el local memorables bandas sonoras de Phenomena (1985, Dario Argento), Demons (1985, Lamberto Bava) o Suspiria (1977, Dario Argento) ante el delirio de muchos. Un gran ambiente que además contó con la presencia de Lamberto Bava, Luigi Cozzi y el mismo Argento, que acababa de llegar al festival. Nosotros lo vimos desde lejos y apostados en la barra del local, pero gracias a la tecnología y gentileza de J. M. Contel, que tuvo a bien compartirlo en el tubo, podemos rememorar unos momentos de la actuación.
Un buen broche para un día que culminó con Lovely Molly (2011, Eduardo Sánchez), de la que mejor leen aquí con más detalle lo que nos pareció.
MARTES DIA 9
No sé porqué pero siempre hay un día en el Festival de Sitges en el que la ingestión de películas es mayor. En el que se acumulan títulos imprescindibles de ver y en el que uno acaba al límite de sus fuerzas, llegando a confundir todos los argumentos e incluso realizando algun inevitable fundido en negro personal. Leve, pero inevitable. Ese día fue el martes 8.
La jornada comenzó con Chained, última película de Jennifer Chambers Lynch, digna vástaga de su padre que nos ofreció la que para el que esto les cuenta, fue una de las mejores películas del festival. Triste, físicamente molesta, sucia, perturbadora y con una interpretación que le valió a su protagonista Vincent D’Onofrio el merecido premio a la mejor interpretación masculina, Chained, historia del secuestro de larga duración de un niño por parte de un psichokiller, no da tregua ni lugar para la esperanza. En este artículo la tratamos más detenidamente. Sin pausa, tras este escalofriante film nos sumergimos en Cosmópolis de David Cronenberg, un complejo film cuyos diálogos obligan a estar pendientes al 100% de lo que sucede en pantalla (algo que parecen olvidar las almas de cántaro que no dejan de juguetear con sus móviles mientras ojean la película). Un muy correcto Robert Pattison demuestra que sabe hacer algo más que de lánguido vampiro enamoradizo en la saga Crepúsculo, interpretando la bajada a los infiernos de un despiadado broker de bolsa que vive en su Limusina. Enrevesados diálogos y un desenlace en la que el personaje interpretado por Pattison se enfrentará a su némesis, alargado fin que quizas lastra un poco el resultado final redondo de la cinta. Para volver a visionar con más calma.
Si ambos films despertaron cierta controversia entre los espectadores, hubo unanimidad para El juego de los niños, un innecesario remake del clásico ¿Quien puede matar a un niño? (1976, Narciso Ibáñez Serrador) al que sigue de forma casi textual. Las mejores escenas del film clásico son recreadas milimétricamente y las únicas innovaciones de Maquinov, un director que se oculta tras un seudónimo, son unas gotas de gore del todo postizas. Sin duda resulta mucho más perturbador ver en el film original como el protagonista descubre a unos niños desnudando el cadáver de una turista que la escena que nos
Peter Strickland presentando Berberian Sound Studio
ofrece Maquinov con los niños destripando el cadáver de la desafortunada. Por otra parte, el desenlace también acerca al film a las tan manidas películas de muertos andantes, escenas que fueron, por otra parte, aplaudidas por el respetable. Por nuestra parte estamos casi seguros de que Narciso Ibáñez Serrador no aplaudiría ese gore y esa violencia de saldo que no hacen más que confirmar a ¿Quien puede matar a un niño? en el podium de las obras más perfectas, completas e inteligentes que ha dado el Fantaterror español.
De la británica Berberian Sound Studio (Peter Strickland) no sé muy bien que decirles. Lo que se inicia como la muy interesante historia de Gilderoy, un creador de efectos especiales inglés (Toby Jones) que desembarca en unos pintorescos estudios italianos durante los años setenta para colaborar en una película gótica, mostrándonos los diferentes modos de trabajo entre el tímido inglés y el peculiar modo de hacer mediterraneo, finaliza como un experimento lisérgico de los de coger con pinzas. Lo dicho, no sé que decirles, así que no les digo más, prefiero que lean lo que escribió la otra parte de Serendipia sobre este film que en Berlín se alzó con el Oso de Plata.
Desde luego Drácula 3-D, la última película de Dario Argento no presagiaba, en vista de lo que se había podido leer sobre ella, nada bueno y, lamentablemente así fue. Si bien el pope del giallo ha creado escuela con sus logros visuales, aquí no vamos a descubirles nada sobre ello, desde hace unos años está bien lejos de lo que había sido. Aún así, como admiradores del cineasta y sobre todo por curiosidad al nuevo tratamiento de la novela de Stoker, no podíamos perdernos la cita con el rey de los no muertos. Rodada en régimen de coproducción entre Italia y España, por esta parte de la mano de Enrique Cerezo (que también ha ejercido de guionista), personaje del que los aficionados al fútbol (entre los que no me cuento) sabrán más, este Drácula 3-D tiene una factura televisiva y unos cambios con respecto a la novela que no aportan gran cosa. Se ha intentado evitar tanto que el vampiro se convierta en murciélago que en una delirante escena, que ha pasado automáticamente a formar parte del museo del esperpento y el despropósito, aparece como… ¡Mantis gigante! en uno de los momentos más memorables y que más jolgorio despertaron en la amodorrada platea del Auditori. Efectos especiales de vergüenza ajena y algunas interpretaciones risibles con especial mención al que sin duda pasará a la historia como el peor Renfield, Giovanni Franzoni y unos del todo perdidos Rutger Hauer, como un Van Helsing con la mirada siempre pendiente hacia lugar fuera de plano, dando la sensación de que lee el guión en pancartas preparadas ex profeso. Y finalmente el español Unax Ugalde como Jhonathan Harker, al que hacia el final de la película alguien tiene a bien clavarle una estaca y terminar con su sufrimiento (y con el nuestro).
Ángel Sala, director del festival junto al equipo de Drácula 3-D
El alemán Thomas Kretschmann, que repite con Argento tras La sindrome di Stendhal (1996) film que marca la decadencia del cineasta a decir de sus seguidores, no tiene demasiado carisma en el difícil papel de Drácula. Pero indudablemente no ha de ser fácil tener que enfrentarse a comparaciones con sus ilustres antecesores. Finalmente, la parte femenina, por distintas razones, es quizás la que se salva, con Asia Argento a la cabeza, una presencia que siempre es bienvenida aunque no ejerza como protagonista y la italiana afincada en España Miriam Giovanelli, que es la encargada de poner toda su carne en el asador. Aún así y a pesar de todo fue una proyección entretenida si a uno le queda un gramo de compasión, y los efectos 3-D eran bastante efectivos. Además, la glamorosa presentación del filme, que se proyectó en gala en el Auditori, contó con la presencia de Argento, Ugalde, Giovanelli, Cerezo (que recibió una María honorífica) y un Simonetti poco inspirado como compositor de la banda sonora y al que prefiero recordar por el memorable concierto del día anterior. Y venga, a dormir que es tarde y al día siguiente hay que madrugar…
Dario Argento y Miriam Giovanelli
MIERCOLES DIA 10
A madrugar de nuevo que el mundo se acaba y la cita es con Brandon Cronenberg y su esperada ópera prima, Antiviral. La verdad es que el muy digno hijo de su padre ha demostrado su valía con este filme, una obra total, ya que también es responsable del guión. La historia es bastante retorcida, pero no por ello esta parábola ¿futurista? se ve demasiado lejana o irreal ¿Quien no conoce o ha oido de alguien que tenga ADN de su ser admirado o aspire a ello? ya sea en forma de cabello o incluso toallas mojadas por el sudor de una estrella de rock. Madonna hace que se destruyan todos los kleenex (y lo demás) de sus camerinos tras sus conciertos, sin duda para evitar que se trafique con ellos. Pues imagínense que se comercializara con las 
enfermedades y virus de «los famosos» e incluso de sus mascotas, para poder compartir los mismos males y sentirse así más cerca de ellos… algo así es el punto de partida de este Antiviral, que obtuvo el premio del jurado jóven del festival y que, a pesar de algún silvido que calificaría de inexplicable, pone a Brandon Cronenberg entre los valores a tener en cuenta en el futuro. Si quieren leer más detalladamente sobre ella les emplazo a nuestro artículo.
The Tall Man, la nueva película del responsable de Martyrs (2008) Pascal Laugier, es posible que defraudara a parte de sus seguidores por ese engañoso argumento en el que nada es lo que parece, además de por su falta de carnaza, pero es un film que indudablemente tiene su interés y también es un paso adelante para un realizador esforzado por ofrecer un trabajo muy distinto a su aplaudida antecesora, contando con una impecable Jessica Biel en el reparto, un misterioso hombre del saco que resultará ser una ONG radical y un mensaje tachado de fascista e inmoral por algunos críticos y amigos a los que parece que hay que recordar que… Es solo una película… es sólo una película… es sólo una película…
De The Tall Man, que para su estreno en nuestras pantallas ha sido bautizada como El hombre de las sombras, pueden leer con más detalle en este artículo, así como sobre Grabbers, del irlandés Jon Wright, una monster movie en toda regla repleta de humor beodo que dió una buena bocanada de aire fresco a las proyecciones de la jornada aliviando, en parte, la nota raruna oriental de nuestra selección, la coreana The Weight (Mu-Ge). Un film agrio, pesimista y sobre todo marciano del director Jeon Kyu-Hwan que nos ofrece varias variantes de un catálogo de perversiones con la necrofilia en cabeza. Delirios subrrealistas y costumbrismo macabro como solo la mente de un oriental puede concebir. A veces me planteo el dejar de ver cierto cine oriental, pero no puedo evitar terminar seleccionando lo más extraño del catálogo del festival, ya que a veces nos ofrece agradables e inolvidables sorpresas como Guilty of Romance (Koi no Tsumi, 2011 Shion Sono), que tuvimos ocasión de ver durante la edición del pasado año y que todavía hoy se mantiene dulcemente intacta en la memoria.
Queriamos redondear el día con dos propuestas que no tuvieron éxito por distintas razones: una era ir a la Master Class que ofrecía Dario Argento, pero al ser abierta al público (y la asistencia fue importante), se dejó pasar a prensa en último lugar, lo que dificultaba en parte el realizar nuestra labor, así que decidimos desechar la idea. La otra opción condenada al fracaso fue la intención de ver la última película de Tim Burton, Frankenweenie. Decir que se agotaron los pases para prensa en un microsegundo es exagerar… fue en menos, lo que quizás hace sospechar que, de haber algun ticket para prensa, fueron muy, muy escasos ya que les puedo asegurar que fui muy rápido al teclear. Pero como ya les dije en la anterior entrega de esta crónica, de ese tema ya hablaremos más adelante.
Pero no hay mal que por bien no venga, así que se pudo cenar en condiciones humanas y en plato, como los seres civilizados que a veces recordamos que somos.
JUEVES DIA 11
Al barcelonés Daniel Calparsoro ya hace tiempo que le seguimos la pista. Desde su debut con Salto al vacío en 1995, ha construido una interesante filmografía de películas de escueto título a la que se suma este año Invasor, un thriller denuncia poco o nada alejado de la realidad de esas noticias filtradas que se nos ofrecen en prensa de, en este caso, conflictos bélicos. Desde que vimos la Guerra del Golfo en directo y como si de un vídeo juego se tratara, han saltado a la prensa algunas imágenes que demuestran que no todo es como nos quieren hacer creer y que ni unos son los campeones de la libertad, ni los otros salvajes fu-manchús que guardan bombas de destrucción masiva en pintorescos zulos con aspecto de decorado. Calparsoro nos muestra como puede manipularse la información para ocultar la cruda realidad en la que unos soldados (en misión humanitaria) se ven inmersos. Para ello se vale de un pulso narrativo frenético en las modélicas escenas de acción, de un guión perfectamente construido y de unos protagonistas creíbles interpretados por Alberto Ammann, el ascendente Antonio de la Torre y el fantástico Karra Alejalde en el papel de villano con actitud diplomática hasta que pierde los papeles… ¡y cuanto demonio suelta por su boca cuando los pierde!
Pero naturalmente el día nos ofreció bastante más, como Sinister de Scott Derrickson, un director adscrito al fantástico como demuestran sus dos anteriores cintas: El exorcismo de Emily Rose (The Exorcism of Emily Rose, 2005) y Ultimátum a la tierra (The Day the Earth Stood Still, 2008) . Su más reciente obra es un film terrorífico al uso con sustos y momentos inquietantes. Un escritor de crónica negra que tiene la costumbre de trasladarse al lugar de los hechos para motivarse, encuentra en una de estas casas, en la que se instala con su familia, un proyector de super-8 con varias cintas que, además de las típicas escenas familiares, contienen terribles asesinatos con un misterioso personaje por medio. Ya estamos otra vez, aunque de forma implícita, con aquello del found footage pero realizado de forma ingeniosa. Un principio de impacto y terror sobrenatural puro y duro que se agradece, aunque solo sea para no olvidar que uno está en EL Festival de Cine Fantástico y de Terror de Sitges y también deben proyectarse películas de ese género.
Y… ¿Que mejor que un poco de comedia para despedir las proyecciones del día? pues eso es lo que nos ofrece la película inglesa A fantastic fear of Everything (Crispian Mills y Chris Hopewell). Una fábula sobre la inseguridad y el miedo a lo desconocido por parte de un escritor (y van…) de cuentos infantiles que decide pasarse al terror. Chistes ingeniosos y una potente selección musical (no en vano Mills es cantante del grupo Kula Shaker), además de una fantástica actuación de su protagonista Simon Pegg, al que seguro que recuerdan de Zombies Party (Shaun of the Dead, 2004 Edgar Wright), entre otras, ya que este actor está en alza. La película cuenta además con algunas caras conocidas para el fan del cine de terror, como Clare Higgins, la morbosa Julia de Hellraiser (1987, Clive Barker).
Crispian Mills, uno de los directores de A Fantastic Fear of Everything.
Quedan más días de festival y más aventuras para nuestros amiguitos, pero el resto se lo contaremos en la tercera (y última entrega) de esta crónica.
(Continuará)
Todas las fotos: Serendipia
Sitges 2012: la magia del sonido, Berberian Sound Studio
El rey indiscutible de las composiciones para cine: Bernard Herrmann
Lejos quedan los tiempos en que las estrellas del mudo despotricaban contra el sonoro considerando que con el sonido no se aportaba nada al cine, la historia no les ha dado la razón porque, si bien es cierto que las imágenes se bastan por sí mismas para crear una obra maestra, no deja de serlo tampoco que con la sonorización se contribuye a generar atmósfera y que el sonido, por tanto, interviene narrativamente en las películas. Y no sólo por los diálogos, sino por el score y los efectos de sonido. Pese a todo, algunos sentimos que todavía se valora poco la importancia de la banda sonora pues algunos la ven como elemento secundario pese a los numerosos ejemplos que pueden demostrar su trascendencia. Ahí está Scarlata O’Hara jurando a Dios que nunca volverá a pasar hambre con la maravillosa música de Steiner realzando y dando el auténtico peso a la acción, o Marion huyendo en Psicosis con la música de Herrmann introducinedo la angustia que vive el personaje, o, buscando un ejemplo reciente, el crescendo de Desplat creando tensión en el momento en que el personaje de Ben Affleck toma la decisión fundamental en la recién estrenada Argo. Por otra parte, los efectos de sonido aún corren peor suerte y los galardones que reciben se consideran premios menores, tanto es así que en algunos certámenes ni siquiera existe la categoría. Ese es el caso de Sitges, por ejemplo, y nos parece que es un olvido imperdonable puesto que en el fantástico el sonido tiene especial relevancia.
De haber existido la categoría de Mejores efectos de sonido en Sitges la ganadora absoluta habría sido Berberian Sound Studio. Y es que la cinta de Peter Strickland es una apuesta original, película homenaje, se apoya en los efectos sonoros para crear el relato. Nos cuenta la historia de Gilderoy (Toby Jones) técnico de sonido inglés especializado en sonorizar documentales sobre la campiña británica. Gilderoy es llamado por el estudio Berberian para encargarse de organizar el 
sonido de una película italiana de terror gótico. Una vez allí descubre la desorganización, prácticamente kafkiana, de la compañía italiana, pero, más importante, poco a poco irá sucumbiendo a la pavorosa atmósfera que él mismo ayuda a crear hasta quedar totalmente vampirizado por ella.
Berberian Sound Studio es toda una tesis sobre la importancia del sonido en el cine de terror, su reto ha sido conseguir la tensión de la trama, esa progresiva obsesión por la película que se está montando, sin mostrarnos una sola imagen de ella. Y sale bien parada de este experimento. Durante dos tercios del film asistimos a todo un despliegue testimonial de cómo en los años setenta se lograban artesanalmente los efectos, todo un festín para los sentidos resulta ver esos melones y sandias que simulan el ruido de los cuerpos y las cabezas al quebrarse, y más recursos igualmente ingeniosos y caseros para reproducir las torturas (vaginales algunas, pues ese cine transalpino se definía por mezclar violencia y sexo) y todo lo que creaba la atmósfera. Y consigue hacernos sentir cómo sólo el sonido ya basta para provocar terror.
De la mano de los efectos creados con la habilidad de la ingeniaría nos adentramos en una historia de obsesión que acaba desembocando, como ya decíamos, en la vampirización de Gilderoy por parte de la película que construyen. Así, en su tercio final, el filme entra en un descenso a los infiernos de influencias lynchianas que, al menos a los espectadores españoles, nos trae a la memoria el Arrebato de Zulueta. Strickland se reconoció deudor de Lynch en la rueda de prensa, pero afirmó no haber visto la genialidad de Zulueta, cosa que parece demostrar la existencia de universales en el arte que serían recorridos por los diferentes artistas sin necesidad de que haya habido conocimiento entre ellos. El problema de Berberian Sound Studio es que ese giro hacia la caída, hacia la sumersión en la ficción hasta no distinguirla de lo real, pese a utilizar recursos conocidos no acaba de estar totalmente logrado; toma una dirección que lleva a la confusión del público llegando incluso a provocar anonadamiento, y no un anonadamiento extático sino el asimilable a la simple perplejidad. Toda una lástima.
Con todo celebramos haberla incluido en nuestra selección y pese al casi chasco final, pensamos que es una cinta muy disfrutable en lo que tiene de estimulación de otros sentidos implicados en el arte visual por excelencia. Lo mejor es dejarse llevar por el homenaje sonoro y dejarse arrullar por su serenata.
Diario de Serendipia en Sitges 2012 (Primera parte)
La edición del festival de este año se anunciaba con el leiv motiv temático del fín del mundo, el acabose y el desmorone de la civilización. Y sí, en alguna de las largas jornadas del mismo tendríamos esa sensación ante el agotamiento pero… no llegó la sangre al río. Demos pués un escueto repaso de lo que para nosotros dió de sí este festival al que llegamos el miércoles, día antes de que todo empezara, una jornada en la que la zona de L’Auditori nos ofrecía un espectáculo muy diferente al de los días que estaban por venir. Todo eran preparativos y los únicos seres vivos que deambulaban por las cercanías eran los operarios y el personal del Melià: Ni camisetas de monstruos, ni bar, ni carreras y procesiones hacia el pueblo. Ni una palabra ni comentario sobre tal o cual película. Silencio. ¡Cuanto cambiaría todo en un solo día!
Hasta en los escaparates de las tiendas de Sitges se respira el Festival
JUEVES DÍA 4
El nuevo sistema de pases de prensa (del que ya hablaremos más adelante), hizo que las entradas que requerían ticket hubieran sido seleccionadas el día antes mediante internet. Así que tras la pertinente acreditación, comenzamos nuestra particular orgía cinéfila con el film que inauguraba el festival, El cuerpo, una producción española lanzada a bombo y platillo que cuenta con los populares nombres de Belén Rueda, Hugo Silva y José Coronado en su reparto. El filme, ópera prima de Oriol Paulo, un director ya batallado en televisión y con algún corto en su haber, además de guiones como el de Los ojos de Julia (a medias con su director Guillem Morales) y el de este El cuerpo, es un engañoso thriller de misterio firmemente rodado pero no redondo del todo en su resolución. Buenos momentos, otros no tanto, y la constancia de la magnífica madurez de una Belén Rueda que, para variar, no hace el frágil papel de siempre, así como un cambio de registro (y de peinado) de José Coronado como torturado inspector de policía.
Durante esa jornada pudimos fotografiar a los siempre variopintos integrantes del jurado de la sección oficial del Festival: Nacho Cerdà, un director al que todos conocemos y apreciamos por cortos como Aftermath (1994) y su largometraje Los abandonados (2006); Judith Colell, también directora y Vicepresidenta de la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas de España; la actriz Denise Crosby; William Lustig, director de, sobre todo, Maniac (1980) uno de los films más insanos y violentos de los ochenta (y eso es mucho decir) y gran presencia del Festival. A estos cuatro se les sumó posteriormente Lamberto Bava, una incorporación que formará parte de la muy especial representación que tendrá Italia en este certamen. Algo a celebrar por los fans del terror transalpino, que somos legión.
El jurado de la sección oficial del Festival 2012 al completo
Continuando con las proyecciones del día, en nuestra particular selección hay espacio para todo, así no iba a ser menos el terror oriental, por lo que pisamos por primera vez El Retiro para ver la coreana Horror Stories, un film de episodios dirigido por seis directores que como tal tiene sus más y sus menos, pero que mantiene un buen nivel. Una perversa versión de las mil y una noches en la que un psicópata secuestra a una joven, que se convierte en su particular Sherezade y que tendrá que explicarle historias de terror para evitar ser asesinada. Lamentablemente The Butterfly Room de Jonathan Zarantonello, otra de nuestras seleccionadas, quedó pisada por el pase matinal de El cuerpo. Afortunadamente el film coreano consiguió arreglarnos un poco la jornada.
Ese día también pudimos echar un vistazo a un maratón centrado en films con el denominador común de estar rodados con la ya cansina técnica Found Footage, o lo que es lo mismo, cámara en mano con ajetreados diálogos como «corre, corre», «que miedo», «está todo muy oscuro», «what a fuck» y «¿que diablos está pasando?». De las tres películas que se proyectaron pueden leer un artículo pormenorizado en este enlace, ya que nosotros nos vamos a dormir para prepararnos para el…
VIERNES DÍA 5
La segunda jornada la iniciamos con otro film español, Insensibles, de Juan Carlos Medina, otro debutante en el mundo del largometraje. Realmente es importante remarcar y valorar el que se apoye a nuevos valores en el mundo del cine. Insensibles es un atípico film, más arriesgado que el que vimos el día anterior y para nosotros, mucho más interesante. Mutantes en la España de la guerra civil y un inquietante personaje, Berkano (Tómas Lemarquis), que resulta de lo más inolvidable y marciano.
Llegó el momento de Holy Motors, el por muchos muy esperado retorno a la dirección de Léos Carax . Calificada entre otras lindezas como uno de los monumentos cinematográficos del año, su visión, así como su aplastante victoria en el palmarés del festival, fue en general muy celebrada (me fue imposible encontrar una voz contraria), incluso por la parte inteligente de Serendipia. Yo por mi parte salí de la sala a mitad de película. Eso sí, muy valorable la camaleónica interpretación de su protagonista Denis Labant, que consigue un auténtico tour de force interpetativo, así como la presencia de Michel Piccoli o Edith Scob y, por otros motivos, Eva Mendes y Kilye Minogue. Aquí pueden leer con más conocimiento de causa sobre el film de Carax.
Un momento de la presentación y rueda de prensa de algunos de los directores de cortos a competición
Siempre hay espacio para la animación en el Festival de Sitges y en nuestro itinerario personal, pero por retraso en la programación nos fue imposible ver la interesante Magazine des Suicides (Patrice Leconte), pero no por ello perdimos el tiempo, ya que pudimos ir a la rueda de prensa que ofrecieron varios de los directores de los cortometrajes de la sección oficial a competición. Entre ellos José Luis Alemán, que tras el díptico La herencia Valdemar / La sombra prohibida (2010), presentaba el corto Hotel, así como Ángel Gómez Hernández con su western terrorífico Y la muerte lo seguía y Miguel Ángel Font Bisier con Llagas, cuyo guión ha contado con la colaboración de Paco Plaza. En general un ramillete internacional de directores que mostraban visiblemente la alegría de haber llegado a participar en este importante certamen. Además, Ángel Gómez Hernández, junto a su padre el escritor Ángel Gómez Rivero traían bajo el brazo un muy interesante libro, Lágrimas de papel, obra escrita al alimón de la que ya les hablaremos más detenidamente y que tiene un alto interés para los seguidores de Paul Naschy.
John Dies at the End, del recordado Don Coscarelli, resultó ser un film lisérgico, gamberro y divertido cuyos chistes fueron bastante celebrados por el respetable. Basada en un serial escrito y difundido por David Wong en su web Cracked (y posteriormente editado como libro) narra las desventuras vividas por él y su amigo John (que ya sabemos como terminará), consumidores de una droga que les permite ver eventos futuros, además de poder detectar una serie de monstruos que viven entre nosotros.
Don Coscarelli recibiendo La Máquina del Tiempo de la mano de Ángel Sala, director del festival.
Con posterioridad al pase, Don Coscarelli ofreció una rueda de prensa donde contó que conoció la obra John Dies at the End por medio de Amazon, donde compra habitualmente novelas sobre zombies. El programa de Amazon le recomendó el libro de Wong, que se animó a pedir atraído por sus aspectos metafísicos. También fueron inevitables las preguntas sobre su film de culto Phantasm (1979) y su posible nueva entrega. Aunque todos los actores están bastante mayores, no descartó que, visto el interés por la saga, se ponga manos a la obra con una quinta entrega. El director, que se animó a venir a Sitges por recomendación de Eli Roth, recibió La Máquina del Tiempo como premio a su carrera.
SABADO DIA 6
El equipo de Aftershock: Eli Roth, Natasha Yarovenko y su director Nicolás López.
Aftershock, el film dirigido por el chileno Nicolás López con la colaboración en el guión, producción e incluso interpretación de Eli Roth no contentó a todo el mundo. Provocó iras en varios e indiferencia en muchos pero, como este es un mundo de contrastes, al que escribe esto le gustó e incluso le hizo salir del cine con los nervios a flor de piel contagiados desde la pantalla. Naturalmente no es un film transcendental (para eso hubo otros muchos títulos) y se trata solo de entretenimiento puro y duro con un principio en la linea de Hostel del propio Roth mezclado con Resacón en las Vegas. Ya pueden imaginarse, un gringo medio tonto (Roth) de vacaciones y despiporre en Chile con unos amigos de allí al que el país, textualmente, se le cae encima a causa de un terremoto. Gore generoso y gracioso, algunos momentos muy serios, bellas actrices, buenos efectos y un entretenimiento total que, repito, no agradó a muchos.
Tras el pase pudimos ver al propio Eli Roth, que zafado tras unas delatoras gafas negras llegó tarde al Photocall y que, con indiferencia, nos garabateó algo parecido a un autógrafo en un cartel que le traía preparado de su Hostel. Luego pude comprobar que esa es, efectivamente, su firma. Por su parte el director resultó mucho más amigable, así como la despampanante actriz ucraniana afincada en Barcelona Natasha Yarovenko, que te desarmaba con su sonrisa y que ha actuado en películas como Habitación en Roma (2010, Julio Medem) o en El Capitán Trueno y el Santo Grial (2011, Antonio Hernández) donde era Sigrid.
Natasha Yarovenko sonríe para nuestra cámara
Por la tarde tocó hacer una larga cola bajo un sol abrasador para ver la recordada Phantasma (1979) film de culto de Don Coscarelli que él mismo presentó y al que lamentablemente el tiempo no ha tratado demasiado bien, aunque algunos logros visuales y de ambientación siguen siendo insuperables. Quizás también influyó en ello el lamentable estado de la copia, descolorida y virada al rosa como esas viejas fotos de convites y comuniones que todos ustedes tienen, al menos los de más edad.
Pese a todo ello, un rato agradable que se tornó aún más cuando fuimos al encuentro de la legendaria Barbara Steele.
Si el año anterior la actriz no pudo acudir al festival, dejándonos a todos con las ganas, en esta ocasión si fue posible. Además de recibir una Máquina del tiempo por parte del festival, presentó su último film de terror, The Butterfly Room (2012,
Barbara Steele… ¡Grande!
Jonathan Zarantonello), en el que comparte reparto con otras grandes damas del cine de terror como Camille Keaton (I Spit on your Grave, 1978 Meir Zarchi) o Heather Langenkamp (Nightmare on Elm Street, 1984 Wes Craven), entre otras. Barbara Steele ofreció un informal encuentro con sus fans en el que habló sobre su carrera y contestó a las preguntas que se le hicieron. Explicó que se convirtió en mito del terror de forma circunstancial y que el ser etiquetada como tal le resultó a la vez bonito y trágico. Naturalmente habló de los rodajes en Italia, época favorita de su carrera y país al que declaró su incondicional amor. Especialmente disertó sobre Mario Bava, de cuyos rodajes explicó que el equipo era como una loca familia. Resaltó el gran contraste que conseguía el director entre el blanco y negro en La máscara del demonio (1960), que daba como resultado una visión muy íntima y mágica a la ambientación. En contraste, para ella los rodajes de ahora son más acelerados, y aunque los films eran modestos, se cuidaba todo mucho y las actrices lucían unos vestidos maravillosos, aunque resaltó divertida que a ella la vestían casi siempre como a una monja.
Rememoró sus inicios. Cuando dejó Inglaterra al ser contratada en Estados Unidos por la Fox. Odiaba profundamente todo lo que significaba Hollywood y el viaje fue muy largo. Una vez allí fue recibida en el aeropuerto por personal del estudio que portaba una pantera negra, que formaba parte de la campaña promocional con el que pensaban hacer su lanzamiento. Pero no tardaron en cambiar de parecer respecto a su aspecto, ya que hicieron que tiñera su pelo de rubio. Pronto la emparejaron con Elvis en un western, Flaming Star (1960, Don Siegel). Según Bárbara, el actor y cantante se pasó los tiempos muertos del rodaje partiendo rocas con golpes de karate. En una escena en la que el personaje que interpretaba Barbara Steele se suponía que cabalgaba durante 200 kilómetros, decidió ensuciarse la ropa para dar más verosimilitud a su actuación y no aparecer inmaculada tras semejante cabalgata por el desierto, pero esto enfureció al director Don Siegel y terminaron discutiendo. Esa misma noche Barbara Steele cuenta que marchó para Nueva York sin decírselo a nadie. Poco después recibió una llamada del director diciéndole que nunca más volvería a trabajar en Hollywood. A lo que la gran dama contestó que le daba lo mismo, siendo reemplazada por Barbara Eden.
¡Conseguido!
Finalmente también tuvo palabras hacia el Festival, al que ya había acudido en 1995 como jurado. Lo recordaba entonces como más modesto y actualmente lo veía grandioso. En aquella ocasión reconoce que cometió el error de traer con ella a un amigo que se emborrachaba continuamente y que en ese estado decía a todos que era el presidente de la Paramount. Tras una pelea en el pueblo, se perdió su rastro, apareciendo tres dias después en un pequeño hospital a varios kilómetros de Sitges rodeado de vacas y monjas. Una velada deliciosa que tuvimos que abandonar antes de tiempo, quedándonos sin preguntarle por otros actores ilustres con los que ha rodado como Boris Karloff o Vincent Price pero, teníamos una cita con Maniac.
Este remake personalmente daba algo de grima, ya que uno tiene la original de Lustig entre sus preferidas, como ocurría con gran parte del público que acudió a verla. Además, el hecho de que Elijah Wood interpretase el personaje que inmortalizó Joe Spinell pues… como que así de entrada no colaba. Afortunadamente hubo que admitir que esta nueva versión de Maniac, de la que ya les hablaremos con más calma, es una propuesta valiente que no evita el gore más descarnado de su modelo, es narrativamente innovadora (aunque eso de rodar con cámara subjetiva no es nuevo, ni mucho menos) y que Elijah termina siendo convincente en su papel. No en vano, entre su larga caterva de productores están el mismo William Lustig y Alexandre Aja , que también aporta su granito de arena como guionista. Por cierto, Elijah, que presentó el film junto a su director Frank Khalfoun y el mismo Lustig, tuvo que pasar huidizamente por el festival ante la avalancha de público que deseaba inmortalizarse con él o conseguir su autógrafo. También anunció que ha fundado una productora que se especializará en cine de terror, lo que no deja de ser una buena noticia si los productos en cartera son de la categoría de este Maniac, respetuoso con su original, pero a la vez innovador y, repito, valiente en su vertiente violenta y gore, tanto que no sé si será fácil su estreno en nuestras remilgadas salas. Veremos…
Pero el día dio para más con otras películas de las que les hablamos con más detenimiento en sus respectivos artículos: la muy interesante Compliance (2012, Craig Zobel) y la ingeniosa, aunque quizás excesiva en su tramo final, Iron Sky (2012, Timo Buorensola). Lamentablemente no pudimos obtener tickets para ver American Mary (2012, Jen y Sylvia Soska), ya que se agotaron en el segundo uno (y no exagero), pero afortunadamente nos esperaba una cena bastarda en la que dimos buena cuenta de varios pollos, botellas de vino y no mucho más, ya que al día siguiente había que madrugar de nuevo.
DOMINGO DIA 7
Tras la ajetreada jornada anterior, la agenda de Serendipia era más magra en propuestas, pero no en cuanto platos fuertes. Lo Imposible, el nuevo trabajo de Juan Antonio Bayona, es un auténtico tsunami lagrimógeno que encantará a todas nuestras madres. De impecable ritmo y factura, uno estaba seguro tras el pase de que devoraría las taquillas españolas, aunque quizás no tanto como lo ha hecho. Hay que felicitar pues al señor Bayona por este gran éxito, por su película y también por sus aciertos de casting encabezados por una correcta Naomi Watts y, sobre todo por Tom Holland, un pequeño gran actor casi debutante pero admirablemente convincente en su duro papel. Tras el éxito comercial vendrán los merecidos galardones, con los Goya en cabeza y, ¿quien sabe si el tío Oscar?
O Apóstolo, la película de animación de Fernando Cortizo de la que ya les hablamos en este artículo, era una de las citas ineludibles de Serendipia, ya que representa, junto con algunos guiños en un par de cintas, la cita Naschyana del festival. Repleta de mitos y leyendas gallegas y de una sorprendente animación stop-motion, quizás no llegó a convencer a todo el mundo, aunque su magia y humor (especialmente remarcable en el personaje que interpreta Paul Naschy) nos llegó. Esperemos que tenga buenos resultados en su distribución en salas que comenzará en una fecha tan especial como es el 30 de octubre. Por cierto, Jack Taylor, otra figura capital para los fans del Fantaterror, se paseó esos dias por Sitges para presentar Wax de Víctor Matellano, su primer largometraje de ficción. Autor de varios libros, entre ellos dos sobre el terror español que supongo figurarán en sus surtidas bibliotecas: Spanish Horror y Spanish Exploitation. Wax también cuenta, además de con la presencia de Jack Taylor, con la de Caroline Munro, Geraldine Chaplin y (por medio de la magia de los efectos especiales) con una aparición póstuma de Paul Naschy.
El director Fernando Cortizo con dos de las figuras de O Apóstolo bajo el brazo: Don Cesáreo (Xosé Manuel Olveira) y el Arcipreste (Paul Naschy)
También se proyectó el documental Contra el tiempo, del también escritor José Manuel Serrano Cueto. El film reúne un compendio de entrevistas a figuras clave del cine de género, que si bien forman parte del pedestal de cualquier amante del Fantaterror o el Euro Western, están un tanto olvidadas por el cine español «oficial». Antonio Mayans, Mabel Escaño, Ricardo Palacios, Aldo Sambrell o Lone Fleming, entre muchos otros, comparten sus valiosos recuerdos y experiencias. Para presentar el film, se contó, además de con la presencia del director, con la de la encantadora Lone Fleming, que vino acompañada de su marido el director Eugenio Martín. Decir de Lone que es encantadora es quedarse corto: es un auténtico tesoro. Ya no únicamente por sus hechizadores ojos, también por la gran simpatía y cariño que derrochó con todos.
Otro de los platos fuertes del festival fue la celebrada The Cabin in the Woods (2011, Drew Goddard), un ingenioso juego de muñecas rusas que termina siendo mucho más que lo que aparenta en principio. Repleta de referencias y guiños cinéfilos (incluída Sigourney Weaver) y unos memorables y cínicos villanos con alma de broker bursátil (vamos, todos unos hijosdeputa), es una película inteligente, divertida y además de terror. De haber estado en competición, quizás habría hecho temblar ligeramente a Holy Motors de su pedestal. Pero vamos, es una suposición…
(Continuará)
Todas las fotos: Serendipia
Dos grandes: Lamberto Bava y William Lustig (foto: Serendipia)
Sitges 2012: Antiviral & Chained dos películas con apellidos ilustres
Fotos: Sitges Film Festival
Brandon Cronemberg respondía en la rueda de prensa en el Festival de Sitges que David Cronemberg no es su padre, ocurrencia que no fue bien recibida por todos. Lo cierto es que en su debut es inevitable encontrarle influencias de su progenitor puesto que Antiviral entronca con la nueva carne en la que tanto ahondó Cronemberg padre. La película nos sitúa en un futuro no muy lejano (e incluso bastante verosímil) en el que las industrias farmacéuticas comercian con virus incubados por los famosos para que sus fans puedan inoculárselos y padecer así los mismos dolores que sus ídolos. Syd Marc (un acertadísimo Caleb Landry Jones), trabaja para una de esas compañías y trafica con virus pirateados, poco a poco se irá complicando y descubrirá toda una red de corrupción.
Impecable en su puesta en escena, retrata espaciosas estancias dominadas por la asepsia del blanco para retratar una sociedad enferma, que se regodea en lo mórbido como negocio. Llama igualmente la atención que no haya escenas de sexo, en verdad el deseo de entrar en comunión con los idealizados famosos se viabiliza igualmente a través de la enfermedad, incubar sus virus es una manera de poseerlos, de hacerlos carne de la propia carne (y por si fuera poco también se comercializan filetes de carne elaborados con las células de los admirados).
Antiviral se alzó con el premio a mejor película concedido por el jurado joven en Sitges, prueba de que se supo reconocer sus méritos. Sin embargo, en la platea se oyeron algunos silbidos empañando los aplausos, se hace extraña esa reacción ante una película que de haber estado firmada por Cronemberg padre habría sido recibida como el gran regreso al fantástico. Parece que algunos no le perdonasen la filiación al body horror quizás precisamente porque lo hace con mucho talento propio y con un ojo crítico muy certero. Ya se sabe, hay tantas opiniones como opinantes y es difícil que haya unanimidad. En cualquier caso, desde esta tribuna animamos a estar pendientes de este director que muestra buenas trazas ya desde este distópico debut.
Tampoco hubo unanimidad en la acogida a Chained, última película de Jennifer Lynch que se hizo con la mención especial del jurado y el premio a la mejor interpretación masculina para Vincent D’onofrio.
Lynch sigue dándonos buenos momentos de cine de género con este relato de uno de esos secuestros prolongados durante años que tanto nos impresionan en las noticias. Por su tono frío y realista nos recordaba en ocasiones la atmósfera de Henry, retrato de un asesino (Henry: Portrait of a Serial Killer, 1986, John McNaughton), aquí el asesino serial adopta al hijo de una de sus víctimas para entrenarlo como esclavo casero y, más tarde, como primogénito de su linaje de perversiones. Una tarde de sábado, Tim (Evan Bird) de ocho años, y su madre Sarah (Julia Ormond), serán escogidos por un demente taxista, Bob (Vincent D’onofrio) a la caza de su próxima víctima. Para su horror, Tim es testigo del asesinato de su madre. Pero no será el último. Bob mantiene a Tim como un esclavo, encerrándolo bajo llave y forzándolo a limpiar y enterrar los cuerpos de las jóvenes mujeres que lleva a casa. Ahora un adolescente, Tim (Eamon Farren) comprende que se le permitirá tener cierta libertad si él se convierte también en un asesino.
“Sentía una fascinación enorme por el personaje de un monstruo humano y de la infancia robada”, ha explicado Lynch. Así lo retrata, el personaje de D’Onofrio tiene mucho de esos ogros de los cuentos infantiles, se alimenta del niño (al que pasa a denominar rabbit) pero no literalmente como en las fábulas sino que se estimula más a sí mismo pervirtiendo a su rehén, eso es lo que hace diferente a Chained. Pueden ser brutales sus asesinatos (aunque Lynch no se regodea en los aspectos más gores) pero su malignidad se manifiesta en su máximo esplendor en su trabajo de anulación del pequeño al que condiciona en toda su voluntad. Y la cámara de Lynch se muestra precisa en su planificación, los detalles justos para hacer comprender al espectador la intensidad dramática de lo que nos plantea la película. Se le critica que haya sucumbido a la tentación de haberle buscado una explicación biográfica y psicológica al origen de la psicopatía de nuestro asesino, es cierto que le resta crudeza pero se entiende como intención de mostrar al monstruo humano en toda la polisemia del término. Igualmente se le critica el último giro que viene a explicar el secuestro, pero, sea más o menos forzado ese final, no empaña a un film crudo como pocos se tuvo ocasión de ver en Sitges.
Y no lo empaña porque el segmento central tiene la suficiente fuerza como para hacerse perdonar ese supuesto declive en el epílogo. Ahí es donde brilla, además, el buen hacer de D’onofrio, quien borda ese ser depredador por el que sentimos asco, miedo y pena. Muy merecido el premio a su actuación contenida a la par que espléndida. En suma, una pequeña gran obra la que nos ofrece Jennyfer Lynch, en ella brilla con luz propia lo que ya es un logro cuando el apellido pesa como un constante juego de comparaciones.
Sitges 2012: la reina del palmarés, Holy Motors
Un año más el Festival de Sitges ha tocado a su fin. Atrás quedan las carreras para llegar a las colas en buen lugar, las risas, las cervezas, los comentarios y horas y horas de buen cine. Y como cada año la culminación ha venido con el anuncio del palmarés que este año ha tenido una novia indiscutible, la francesa Holy Motors que se alzaba con cuatro de los principales galardones: Méliès de Plata; Premio de la crítica; Mejor director para Leos Carax y mejor película. Amada y odiada por la crítica tras su paso por Cannes, en Sitges se convirtió en la película del festival, con permiso de The cabin in the wood (2012, Drew Goddard) que no concurría a la sección oficial. No es una película fácil, y aunque está llena de fantasía, no es una película de género, que haya resultado ser la ganadora indiscutible habla bien de la salud del fandom como colectivo que no se deja encasillar por sus gustos y que muestra ser apto para ejercicios de cinefilia de los que algunos le creen incapaz.
Jurado de la sección oficial en esta 45 edición (Foto: Serendipia)
Leos Carax no dirigía un largo desde 1999, llevaba trece años casi apartado del cine, y ya antes se había tomado una pausa considerable entre Les amants du Pont Neuf (1991) y Pola X (1999) (concretamente ocho años), sigue siendo a sus más de cincuenta años el mismo enfant terrible que fue en sus inicios. Carax ha despertado desde siempre amores y odios irreconciliables, en 1999 se decía: «A Carax no se le puede ne-gar -pese a su inclinación al manierismo y el jugueteo audiovisual- talento, pero tampoco hay que escatimarle la petulancia, con frecuencia algo idiota, de los que se sienten genios incomprendidos, con el añadido de que en el arte la verdadera genialidad tiende casi siempre a la humildad como sombra inseparable y perturbadora» (fuente El País), duras palabras, sin duda. Para otros en cambio el francés se convirtió en director de culto, por lo breve y extravagante de su carrera, y ese aura impregna su última película, todo un ejercicio descarnado de reflexión sobre la vida y el cine que transpira pesimismo y voluntad a partes iguales.
A Holy motors se la califica de película de culto inmediato, se la podría tildar igualmente de obra personalísima no apta para todos los públicos, pero a nosotros todos esos calificativos se nos antojan huecos. Esos epítetos suelen esconder el extravío del crítico ante una obra difícil de juzgar, ante una obra como esta que dinamita todas las estructuras clásicas de la narración; no hay inicio ni desenlace sino que la película se mantiene en un prolongado nudo que deja sin resolver el conflicto, porque el conflicto es la vida misma y nuestra posición en el mundo. Durante las casi dos horas de proyección acompañamos a Óscar (Denis Lavant) en su viaje en limusina, conducida por la fiel Celine (Edith Scob), durante el que cumplirá con varias citas en las que adoptará diferentes personalidades, desde magnate de la banca a barriobajero asesino, pasando por padre de clase media, citas pues que funcionan casi como episodios separados engarzados por la línea común de ese viaje por la representación. Al espectador virgen, aquel que llega sin referencias sobre el film, le causará extrañeza porque, aunque nunca nada es real en la ficción al contemplarla nos esforzamos por crear la línea de la verdad en el relato, línea que normalmente es ocupada por la trama principal, jugamos a trazarle un perfil único al protagonista, a buscarle una lógica al relato incluyendo, si es necesario, episodios ficticios que se discernirían de la trama «real». Pero en Holy Motors no se da esa realidad de la ficción, como en un texto de Pirandello, la única tierra firme es la representación dentro de la representación, y su sentido no tiene excusa argumental. Así el filme se convierte en metáfora de la propia vida en la que todos vivimos sin guión.
Desde un sentir nihilista, Carax nos enfrenta en su última obra a la vida como representación. «Unos mueren y otros siguen viviendo» se nos dice en un momento del film, verdad perogrullesca que, sin embargo, pocos serán quienes la perciban en toda su crudeza. Para captar la tragedia que esconde esa afirmación tan simple es necesario haber demolido todos los filtros con los que nos enfrentamos al día a día, vivir desnudos ante la conciencia cárnica de la muerte, hay que haber percibido la fuga constante del tiempo como un fluir continuo e inapelable hacia la agonía del individuo y la continuidad de la existencia que no se compromete con ningún sujeto. Estamos aquí como actores de un guión no escrito, nuestro actuar es un representar sin cámaras ni público. Lo humano viaja sin repetición, no hay retorno a ninguna Ítaca, igual que Óscar en su limusina se desplaza de una actuación a otra sin solución de continuidad. Y en medio de esta fuga, los hombres modernos ya no quieren ver la verdad, ya no se comprometen con la acción, banales como el signo de los tiempos prefieren desprenderse de su responsabilidad con los motores de la historia, así lo concluye Carax en el epílogo dejándonos con un regusto amargo cuando se encienden de nuevo las luces de la platea.
Y no puede haber reflexión sobre la vida sino la hay también sobre el arte. Holy Motors es también un ejercicio de metacine. Ahí están las citas a Franju y a Renè Clair, pero ahí está sobre todo la pregunta por el sentido de seguir haciendo cine. Carax, a través del actor como alter ego, se manifiesta cansado ante un arte que ha perdido su poética, arrastrado hacia lo digital que lo vuelve todo más simple y superficial. Pero, con todo, no quiere tirar la toalla porque sigue importando crear belleza. Ahora bien, la belleza de la obra se completa en el espectador que la contempla, ¿podrá mantenerse en una sociedad en la que la mirada cada vez está menos educada? Con su arrolladora fuerza visual Holy Motors nos deja con la pregunta como problema.
Holy Motors funciona pues a varios niveles, como canto, como reflexión, como interrogante, pero lo que nos acompañará siempre de ella es su poderío visual, porque no deja resolverse en el plano conceptual. Lo que más cuenta es el anonadamiento estético en el que nos sume y esa sensación de dulce tristeza que era comentario general a la salida del cine. Podrá decidirse que es un tipo de cine que no nos interesa, e incluso abandonar la proyección, pero nadie podrá negarle nunca su carácter de sinfonía de imágenes inquietantes. Difícil de catalogar, nos atrapará o nos provocará rechazo, pero a nadie le va a dejar indiferente este ejercicio cinético y el reto actoral que presupone. Para gozarla u odiarla, no admite término medio.
Sitges 2012: la odisea de la sección noves visions, una aproximación a Keyhole
«Creo que el cine no puede admitir más que un género concreto de filmes: únicamente aquel en que sean utilizados todos los medios de acción sensual del cine.
El cine implica una subversión total de los valores, un trastoque completo de la óptica. de la perspectiva, de la óptica. Es más excitante que el fósforo, más cautivante que el amor. No es posible ocuparse en destruir su poder de galvanización por el empleo de temas que neutralizan sus efectos y que pertenecen al teatro.» Antonin Artaud.
La cinematografía del canadiense Guy Maddin parece suscribir la afirmación de Artaud que citamos, especialmente en su destacado en negrita. Podría decirse que su revolución consiste en una regresión a los orígenes vanguardistas del cine, viendo Keyhole nos sentimos transportados a la perplejidad con la que los primeros espectadores se enfrentaron a los experimentos de Duchamp, de Man Ray, del primer Buñuel… Y una de dos, o nos dejamos seducir por su universo onírico o abandonamos la sala en busca de aire fresco y lógica cotidiana. Por ser un ente dual, Serendipia pudo encaminarse por ambos senderos de la bifurcación a la vez, aunque debo admitir que yo, que permanecí en el cine, lo hice más por obediencia a mis pretensiones de cinéfila que porque las imágenes causaran fascinación en mí.
Vayamos por partes. ¿Quién es Guy Maddin? Canadiense nacido en febrero de 1956 es conocido por su original recreación del cine mudo y del primer cine sonoro, recreación que en Keyhole le lleva a utilizar la lluvia para emular el ruido de imagen que aqueja a las copias que han llegado a nuestros días sin restaurar. Según confiesa él mismo: “Tengo una fantasía en la cual viajo atrás en el tiempo para robar las películas de otros directores, conformando así una gran filmografía propia. Resulta como una transfusión de sangre: no quieres tomar tanta como para matarlos o incluso debilitarlos, solo la cantidad justa para poder obtener beneficios, permitiendo que continúen viviendo repletos de sangre.” Algunos títulos destacados (que nosotros seleccionamos al azar) de su filmografía son Dracula: Pages From a Virgin’s Diary (2002) (mejor película en Sitges en 2002); Brand Upon the Brain!; Mándame a la silla eléctrica (Send Me to the ‘Lectric Chair) (C) (2008); Tales from the Gimli Hospital (1988) Ha trabajado distintos géneros a los que homenajea, en Keyhole, que es la que nos ocupa, ha escogido el cine negro para citar vagamente la Odisea de Homero.
¿Qué nos «cuenta» Keyhole? Ulises regresa a casa tras un tiempo ausente. Con él, llega una chica ahogada y un extraño hombre. La banda de Ulises ha estado sosteniendo el negocio. A su llegada, él deberá reencontrar a su esposa. Maddin evoca la Odisea de Homero, pero lo hace en clave rotundamente doméstica, con una estética al borde del sueño y con una Isabella Rossellini convertida definitivamente en musa del cineasta. Pero el argumento es apenas una excusa para desplegar un experimento formal en el que mezcla aportaciones del expresionismo alemán, el surrealismo francés y el constructivismo ruso. Y ello mezclando el fantástico europeo del primer cuarto del siglo XX (se citan referencias a el Vampyr de Dreyer, La caída de la casa Usher de Epstein, y La carreta fantasma de Sjöström) con el cine negro americano de los años 30. En Keyhole conviven el juego con planos de tiempo distintos que se interseccionan en un presente, apariciones fantasmales, y alusiones a la Odisea, bajo una estética del cine de gangsters, pero lo importante es siempre su juego formal y su ambientación onírica que suspende la lógica. El problema que le detectamos es que suspende hasta tal punto la lógica que la trama argumental que debiera articular el experimento se desdibuja hasta su desaparición. Hay que reconocerle que es una obra personalísima pero gustará sólo a aquellos que se dejen llevar por lo envolvente de sus imágenes, el resto asistiremos obedientes a un ejercicio de cinefilia de los duros, más por disciplina que por agrado.
Maddin es comparado con Lynch pero a quien esto escribe no le ha tocado la fibra igual que el americano. Ya se sabe la obra de arte se completa en el espectador que la contempla, pero creemos que al canadiense no le ilumina la misma gracia que a otros directores amantes de lo críptico, por mucho que su actitud de admiración-recreación del mudo pueda parecerle a algunos más sincera y atrevida que la planteada por la oscarizada The artist. En resumen, las alusiones a la Odisea que lleva a cabo Maddin son tangenciales, pero enfrentarse a la sección Noves Visions le resulta a Serendipia una auténtica odisea llena de penalidades.
Sitges 2012: cuando la realidad es lo terrorífico,The Tall Man y Compliance
En The Tall Man (2012, Pascal Laugier), el nuevo film del responsable de Martyrs (2008), se nos ofrece , esta vez en coproducción entre Francia y Canadá, un argumento con pueblos semidesiertos que se derrumban, niños que desaparecen y la encarnación del mal en un hombre del saco al que llaman The Tall Man. En el rol protagonista una eficaz Jessica Biel –a la que también podemos ver en el remake de Desafío Total (Total Recall, 2012 Len Wiseman) y en la (como mínimo curiosa) Hitchcock, donde recreará a Vera Miles– sabe pasar perfectamente del papel de víctima al de culpable con su actuación temperada, nada histriónica.
Efectivamente, en The Tall Man nada es lo que parece y el juego de espejos distorsionadores nos desliza hacia giros inesperados que obligan al espectador a reinterpretar las imágenes una y otra vez hasta conducirle a una encrucijada moral. Y ello sin que las vueltas de tuerca, tan de moda en el cine actual, chirríen un sólo momento. Esa efectividad se consigue con la puesta en escena y, sobre todo, con su meticuloso montaje: Laugier juega con los encuadres salpicándolos con detalles de fondo a los que habrá que estar muy atentos porque acabarán cobrando significación cuando cambie radicalmente el punto de vista de la narración, pequeños detalles como fotos en las paredes que interpretamos de un modo cuando los vemos por primera vez y de otro cuando vuelvan a aparecer gracias a como se han montado los hechos en la trama.
Otro elemento, pues, que juega a su favor es la desecuenciación del tiempo. La película empieza in media res: vemos a la policía cercando la salida de una mina (tras unos rótulos que hablan de la desaparición de niños en EE.UU) e inmediatamente pasamos a un primer plano del rostro de Jessica Biel lleno de heridas, sumando ambos detalles pensamos que la protagonista ha sido víctima de uno de esos secuestros. Y durante el primer tercio, el flashback, seguimos pensándolo. La primera hipótesis es que alguien está secuestrando a los niños del pueblo amparándose en la superstición del hombre del saco, pero conforme avanzamos en el flashback (ojito con el SPOILER) pasamos a pensar que son los mismos lugareños los que llevan a cabo los raptos, hasta descubrir que la culpable es la propia protagonista (fin del SPOILER). Si en su primer tercio la película avanza a modo de whoduit en el último acto ese interrogante es sustituido por el por qué lo ha hecho. Y cuando se revele (después de habernos hecho una hipótesis que el film vuelve a desmentir), nos encontraremos ante una encrucijada moral: ¿es lícito practicar el mal para conseguir un bien mayor?
El film de Laugier funciona, por tanto, como un juego de escaques en el que todos los movimientos están pensados para llevarnos desde la confusión a la luz y a la reflexión. Conducido todo ello por una voz en off que resulta ser la del único personaje silente, clara metáfora de que es posible devolver su relevancia a los que han sido silenciados por la injusticia social. Es posible que a los más fanáticos del género y, sobre todo, a los que estén esperando otro ejercicio como Martyrs, se vean decepcionados, sin embargo, nosotros pensamos que este es un film de brillante factura, aunque las dos partes de Serendipia no llegan a un acuerdo sobre el ritmo. Mientras una insiste en que es el que más favorece a la precisión de la trama, la otra indica que es excesivamente pausado, lento hasta la exasperación. Lo que está claro es que The Tall Man no es una cinta pensada para entretener, es una película que le habla a la inteligencia más que a la emoción, y eso no será de agrado para todos los públicos. En todo caso, no os la perdáis porque dará que hablar.
The Tall Man se estrenará en España con el dudosamente bien elegido título de El Hombre de las Sombras, esperamos que si la cinta de Craig Zobel (de la que vamos a hablar a continuación) se estrena en nuestra tierra no traduzcan su título, porque el campo semántico del ‘compliance’ inglés va desde el acatamiento hasta la complacencia, y la acción de la película no se explicaría si ese actuar desde la conformidad que obtiene placer en la observancia.
Compliance se vio envuelta de controversia en su paso por Sundance, no tanto por sus imágenes, como por su aparente falta de verosimilitud y, sin embargo, la cinta está basada en hechos reales (y los internautas han podido comprobar que lo narrado aconteció en un McDonalds de Kentucki). Se nos cuenta la historia de Becky (Dreama Walker) quien acude a otro anodino día de trabajo en el restaurante de fast food en el que trabaja. Todo es totalmente normal hasta que se recibe una llamada telefónica, supuestamente de la policía, en la que se la acusa de haber robado a una cliente, desatándose desde ese momento una pesadilla en la que el abuso de poder campa a sus anchas y en el que vemos que la pérdida de los derechos puede depender de, simplemente, una llamada de teléfono. Un hilo argumental que posiblemente hubiera agradado al Hitch de Falso culpable (The Wrong Man, 1956). La pérdida de la cotidianidad que corta el hilo del presente y amenaza el futuro de la protagonista. Y no sólo por el tema del falso culpable habría satisfecho a Sir Alfred, también le habría complacido el uso del suspense que no procede de elementos sobrenaturales sino de miedos muy ordinarios como el temor a perder el trabajo (en una situación como la actual puede ser una auténtica catástrofe) o la aprensión que nos produce todo lo que guarde relación con la policía. Compliance demuestra que para construir a un villano no se necesitan colmillos ni rasgos monstruosos, basta con un elemento tan habitual como un simple un teléfono móvil en manos de una mente perversa.
La cámara de Craig Zobel se entretiene en detalles mínimos en la obertura del film, es una mañana fría en algún lugar de Estados Unidos, nieve en la calzada, la trasera de un camión, objetos típicos de un fast food abandonados en el suelo… Compone así auténticas naturalezas muertas que tienen por objeto situarnos en un paisaje que nos resulta conocido por corriente. 
Sandra (una efectiva Ann Dowd), la directora del restaurante de la franquicia se dispone a encarar un día duro, un descuido con el congelador la ha dejado sin suficientes provisiones para servir sus especialidades justo en un día en que habrá supervisión. Todos van a tener una carga de trabajo extra para salir con éxito de la prueba, pero nada de eso mina la camaradería habitual. Con muy pocos elementos Zobel describe a sus principales personajes, Sandra es una mujer madura que sigue siendo bonachona e ingenua pese a su cargo y Becky es una joven adolescente algo frívola que no ha acabado de perder su inocencia. Estos rasgos de carácter ahondarán el drama cuando empiece a trastornarse todo.
A media jornada se recibe la llamada del agente Daniels (Pat Healy), que informa de que una de las trabajadoras ha sido acusada de robo y ordena a Sandra que sea su intermediaria en el interrogatorio e inspección de la sospechosa. En todo momento la cámara es cercana a los personajes, se diría que actúa como un narrador que, aún siendo omnisciente, está contaminado del punto de vista de los protagonistas de la acción; siempre firme en su trípode realiza sutilísimas correcciones de encuadre que nos imbuyen el nerviosismo que se vive en la escena. Como en los mejores filmes de suspense el espectador intuye que los personajes están siendo víctimas de un engaño, así descubre con satisfacción que el autor de la llamada no es más que un vulgar bromista que nada tiene que ver con la policía. Durante el primer tercio de la película no vemos al villano Daniels, de modo que cuando aparece en pantalla, nosotros como «detectives» aficionados, nos felicitamos por nuestra perspicacia.
La extorsión de Daniels se asienta sobre los mecanismos del timo, es decir, todos son sus víctimas, no sólo Becky, pero Sandra y quienes colaboran con ella, no dejan de obedecer al supuesto agente con complacencia incluso cuando les instiga a darle a la adolescente un trato vejatorio. Y como todo buen film de intriga hace al público cómplice del delito porque todos esperamos ver hasta dónde van a ser capaces de llegar y casi nos alarmamos tanto como el falso oficial Daniels cuando está a punto de perder la comunicación (igual como cuando deseamos que Norman Bates pueda ocultar el cadáver en Psicosis).
Lo dicho, Compliance, habría complacido al bueno de Hitchcock. Y el aficionado también saldrá satisfecho, porque, más allá de que esta hiperrealista cinta (Zobel se apoyo en grabaciones reales), pueda en ocasiones resultar paradójicamente inverosímil, hay que reconocerle su capacidad de mantenernos en tensión durante todo el metraje.
Sitges 2012: Fantástico con gotas de comedia
A veces el fantástico y la comedia se han unido en extraña alianza. Tan solo hay que ver Freaks (1932, Tod Browning), que revosa 
buen humor y chascarrillos mezclados con cirugias abominables y venganzas. O en plan despiporre, Braindead (1992, Peter Jackson), ya puro slapstick o Frakenhooker (1990, Frank Henenlotter). La lista es bastante abultada, no hay que olvidar las españolas Extraterrestre (Nacho Vigalondo, 2011) y Lobos de Arga(Juan Martínez Moreno, 2011) vistas en la pasada edición del Festival de Sitges. También, naturalmente, hay películas que consiguen provocar hilaridad sin proponérselo, de eso ciertamente también hay mucho en el fantástico.
Esta edición del festival nos ha ofrecido dos buenas y sanas muestras de terror/humor. Por un lado la irlandesa Grabbers (2012) es una monster movie de Jon Wright, director que ya nos había ofrecido otro cóctel de este tipo con Tormented (2009) su primer largometraje tras rodar algunos cortos. Si en La guerra de los mundos H.G. Wells nos narra que la invasión extraterrestre pudo ser frenada por los habitantes más diminutos de este planeta, las bacterias, en esta su segunda película, Wright muestra que la única manera de terminar con unos vampíricos calamares del espacio exterior que han invadido un pequeño pueblo marinero irlandés es «contaminando» la sangre de todos sus habitantes con alcohol; cosa que, por otro lado, no resulta nada difícil: basta con anunciar barra libre en el pub de la localidad.
El director, además de resolver este desquiciado y a la vez ingenioso argumento de una forma muy satisfactoria, consigue fotografiar los paisajes del pueblo marinero con gran belleza. Sabe mover la cámara y no vacila en usarla en mano cuando rueda las escenas de mayor enfrentamiento, cosa que en este film le resulta satisfactoria a Serendipia, prueba de que no nos negamos en banda al recurso cuando está justificado. En cuanto a la dirección de actores, resulta también convincente, gracias, en parte, a que en el guión los prototipos que son sus protagonistas están perfilados de forma modélica, de modo que se consigue incluso aquello, tan difícil a estas alturas, de que nos caigan bien.
Grabbers ha sido puesta en relación con Súper 8 de J.J. Abrahams pues sus chuhtluianos invasores recuerdan a los monstruitos de las películas de los 80s, concretamente a los Gremlins de Joe Dante, creemos, sin embargo, que la relación no es más que tangencial; más bien la pondríamos en relación con la serie B de los 50s y sus relatos de invasores del espacio. No se puede olvidar, además, que la película es una comedia que hace gala de una sanísima autoparodia (uno de los tópicos más extendidos sobre el pueblo irlandés es el de que se beben hasta el agua de los jarros, bueno, si está bautizada de alcohol) y del espíritu británico que despertaba nuestra hilaridad en las célebres comedias de la Ealing, alguna de las cuales también bromeaba con las inclinaciones etílicas de los británicos, como Whisky a Go Go (Whisky Galore, 1949, Alexander MacKendrick), aunque en esa ocasión fueran los escoceses. Monstermovie, comedia y, también, película de compañeros, pues la pareja protagonista serán la recién llegada guardia Lisa Nolan y el veterano sargento Ciarán O’Shean, entre los cuales el antagonismo irá cediendo hasta el sentimiento extremamente opuesto. Lo tiene todo para hacernos pasar un buen rato. Un film sin grandes pretensiones ni complicaciones realizado con la única finalidad de entretener ¿Les parece poco?
La segunda propuesta es una coproducción entre Finlandia, Alemania y Australia, pero no se espanten, el resultado es altamente 
satisfactorio, tanto en guión como en medios técnicos. Iron Sky de Timo Vuorensola es una ingeniosa parábola sobre qué sucedería si al llegar un cohete americano en 2018 a la luna se encontrara con una base nazi perfectamente organizada desde 1945 en la cara oculta del satélite. Con el añadido, además, de que el astronauta fuese afroamericano (negro, vamos). Con estos mimbres, el finlandés, construye una comedia de ciencia ficción con tintes de fábula política.
Timo Vuorensola debuta con esta película en la pantalla grande, después de haber conseguido darse a conocer con su fan film StarWreck en 2005 (sobre el que puede leerse una interesante crítica aquí). Iron Sky no resulta totalmente redonda, pero sí tiene buenas dosis de aciertos. Entronca de algún modo con la estética steampunk con su gran despliegue de tecnología retrofuturista, ese laboratorio en la luna con su mad doctor de cómic, esos platillos voladores (ahora ya saben de dónde venían) y, sobre todo, esas naves espaciales con forma de zepelines. Ayuda a darle ese aire añejo la fotografía con color degradado casi hasta el blanco y negro en todo lo que se relaciona con la vida de los nazis en la luna y, por supuesto, la labor vestuario, maquillaje y peinado. En este último apartado destaca el trabajo sobre la francesa Julia Dietze (una belleza aria que quita el hipo) que interpreta a la instructora Renate Richter, la hija del mad doctor, especialista en terraqueología que prepara a los niños para una futura toma de la tierra por parte de los nazis quienes, ella cree ingenuamente, llevan un mensaje de paz y armonía. En cuanto a los actores, destacan igualmente Christopher Kirby, que ha formado parte de distinguidos repartos, entre ellos Star Wars III: La venganza de los Sith (Star Wars: Episode III – Revenge of the Sith, 2005 George Lucas) en el papel del astronauta Washintong, Gödz Otto como el villano Klaus Adler y sobre todo el siempre correcto y casi mítico Udo Kier en el papel de fürer sucesor de Hitler en la luna. Todos ellos nos brindan una interpretación correcta.
Comedia en tres actos, Iron Sky brilla sobre todo en su segundo tercio cuando Klaus Adler, acompañado por Renate Richter y el astronauta Washintong (que ha sido albinizado y adoctrinado en la luna) se desplazan a la tierra. Allí van a contactar con Vivian Wagner (Peta Sergeant) jefa de campaña para la reelección de la presidenta americana (Stephanie Paul), presidenta que nos recuerda a Sarah Palin pero aún más extrema. El eslogan bajo el que se presenta a las elecciones emula al Yes we can de Obama, pero no duda en adoptar para sus discursos las soflamas propagandísticas Nazis. Aquí, pues, es donde la sátira se hace más ácida: nuestros políticos actuales carecen de escrúpulos y en lo único que piensan es en arrancarnos el voto. Con humor Vuorensola denuncia algunos de los puntos más débiles de nuestras modernas democracias.
Es en el último tercio cuando desplegará lo aprendido en su fan film, Iron Sky se convierte en su último acto en una space opera que emula las batallas de Star Wars. Brillante en su ejecución y en sus efectos, adolece quizás de romper un tanto la línea satírica que la ha definido, aunque no la abandona pues en la batalla contra el invasor se descubrirá que todas las naciones desarrolladas han construido armas nucleares pese a haber firmado pactos renunciando. Con ironía el finlandés nos ofrece en esta ópera prima un film de género y denuncia, no se le puede pedir más a un debutante, y Vuorensola insistirá en esta línea en su próximo film, I Killed Adolf Hitler, película que adapta el cómic del noruego Jason ganador de un Eisner, un relato de viajes en el tiempo en el que Jason nos muestra un mundo extraño y violento en donde los asesinos a sueldo suelen ser contratados para eliminar gente como parientes, colegas abusones, vecinos o tan solo personas molestas en general. Sus servicios tienen una gran demanda. Un científico contrata a uno de estos asesinos para viajar al pasado y matar a Adolf Hitler en 1938, con la esperanza de que quizás así la humanidad cambie. Pero el asesino falla estrepitosamente y Hitler escapará al presente. Nos esperan sorpresas venidas de este director, estaremos pendientes.
Sitges 2012: Found footage project
Ya resulta cansino el tema de estos falsos documentales, found footage o películas con aspecto de estar hechas por aficionados, por aquello de dar cierto realismo y conectar con el sector más joven (y no tanto) del público, ya totalmente imbuido en el mundo digital de telefonitos (smatphones en su mayoría). Cuantas sesiones de bendito oscuro cine se ven enturbiadas por el resplandor de estos armatostes cuyos propietarios no pueden dejar de consultar ni un momento. Si el mundo se terminara no lo mirarían directamente, lo filmarian. Ahora, por decir algo que Serendipia ha vivido en su propia carne, como una boda, los novios ya no se limita a posar para el fotógrafo contratado de turno, no. Hay que posar para todos y cada uno de los móviles que los invitados llevan encima, que por otra parte no pueden dejar de consultar por si pasa algo más interesante que lo que estan viviendo en ese momento en directo o para informar en tiempo real de lo que están viviendo (como si fuera una noticia de interés general). Cualquier cena se convierte en un momento (que parece dado por una muda orden) en una orgía de cámaras teléfono que deben inmortalizar la pitanza y la cara de besugo de los invitados, que inmediatamente pasan a figurar en el perfil de facebook del que perpetra las imágenes (malditas etiquetas). La imagen de uno en el basurero y sin poder hacer nada para evitarlo.
Pues bien, de ese terror (no por cotidiano, menos punzante) va esto del found footage.
Si bien los primeros experimentos tienen cierta gracia, como la inaugural Holocausto Caníbal (Cannibal Holocaust, Ruggero Deodato) o la simpática The Blair Witch Projet (1999, Daniel Myrick y Eduardo Sánchez). Pienso que se consiguió la cima con las autóctonas Rec (Jaume Balagueró y Paco Plaza) y con la, para el que esto escribe, magnífica Monstruoso (Cloverfield, 2008 Matt Reeves). Sin que ello vaya en detrimento de que todavía se puedan rodar películas en este estilo en las que el recurso esté totalmente justificado por el guión y resulten de impecable factura. Así nos sorprendió gratamente Chronicle (2012, Josh Trank) a la que le dedicamos un artículo en este mismo blog.
Pero parece que no hay suficiente y este, ya casi subgénero, sigue dando coletazos tras las soporífera Paranormal Activity (2007, Oren Peli) saga de la que únicamente fuimos capaces de ver la primera entrega, que terminamos por aquello de (¿Algo pasará, no? ). Ahora cuando sé que una película es de este estilo, sencillamente evito verla (o al menos lo intento). Incluso el subgénero (llamémosle así) está mutando, como demuestran películas como Atrapados en Chernóbil (Chernobyl Diaries, 2012 Bradley Parker) que aunque sólo utiliza en parte este tipo de rodaje, cuando lo abandona no deja de parecer estar todo rodado por un amateur con una única cámara (no olviden que detrás de esta cinta está Oren Peli autor de ese hype que fue la mencionada Paranormal Activity), film que quiere reproducir el punto de partida de Hostel, pero que no llega a ser más que una película nefasta y del montón (en su honor hay que reconocerle que no tiene mal ritmo y en algunos momentos resulta incluso entretenida).
El público se está hartando de tanto rodaje parkinsoniano (que digo yo que incluso con la cámara en mano la imagen puede no ser tan temblorosa). O no, ya que en el Festival de Sitges se ha dedicado a este tipo de rodaje una maratón ( bajo nuestro punto de vista de visita obligada sólo para masoquistas).
No se puede censurar del todo que Eduardo Sánchez, uno de los directores de The Blair Witch Project (1999), film que puso de moda la tardía y ya cansina moda de rodar cámara en mano con la intención de que una película tenga aspecto de documental amateur, vuelva al formato (aunque sólo en parte) con este su quinto largometraje, Lovely Molly. En la película, una pareja de recién casados se instala en el caserón en el que la novia se crío con sus ya fallecidos padres. La trama deja entrever abusos sexuales, drogadicción y más cosas que descubriremos al final, todo ello para intentar responder al interrogante de ¿Se trata de una posesión o de una bajada a los infiernos de la locura por parte de su protagonista? Todo ello quedará al final desvelado claramente -o no- tras cierto juego de engaño con el espectador que no deja de ser ingenioso. Uno de esos trucos que fuerzan al espectador a formularse hipótesis que habrán de corregir son los incisos de vídeo doméstico que se utilizan, aunque van fechados, es más que probable que los espectadores los interpreten como un recurso de flashback, es la fuerza de la costumbre que a veces nos pesa más que la experiencia directa. Cuesta de arrancar, pero una vez lo hace tiene cierta oscuridad que no puede dejar de agradecerse, amén que hay que agradecerle que logre hacernos dudar sobre si no serán verdaderas las apariciones que dice estar sufriendo la protagonista, porque en ningún momento se utiliza el susto fácil pero sí se incorporan detalles que nos hacen pensar que la protagonista está atada a algún tipo de adicción. Por su parte la Molly del título es una más que correcta Gretchen Lodge, que en esta su segunda película tiene a bien ser bastante desinhibida en algunas escenas de desnudo. El resto del reparto también cumple bien con sus papeles aunque ninguna de las actuaciones nos resulten especialmente memorables.
Found footage puro y duro, sin ningún tipo de hibridación, es el que nos ofrece Area 407 (Dale Fabrigar y Everette Wallin), de la que por cierto os aconsejamos que no os leáis la sinópsis que se ha incluido en la web del festival u os la van a destripar enterita. El argumento es simple, un par de adolescentes regresan a Los Ángeles en avión la noche de fin de año, la pequeña Trish (la adorable debutante Abigail Schrader) no deja de filmarlo todo hasta la nausea con su cámara (de modo que te entran ganas de que muera pronto). Todo va bien hasta que el avión sufre un accidente y cae en medio del desierto, a partir de ahí la película se convierte en un survival en toda regla (y en el que todos atufan a muerto desde el principio) y se va a complicar cuando sean atacados por un extraño animal que no reconoceremos plenamente hasta el fin de la cinta y que la asemeja a una versión low cost de Monstruoso. Area 407 es una película modesta, que parece de muy bajo presupuesto, que no tiene grandes expectativas, su metraje nos parece un tanto excesivo pues con una mayor concisión habría sido efectiva, no se inscribirá en la historia puesto que es totalmente olvidable, nada destaca en ella y parece apta para ser programada en horario de sobremesa, franja horaria en la que se agradece todo aquello que estimule el sestear.
De todas las películas incluidas en esta selección V/H/S es la que más expectativas ha generado en los foros y blogs de Internet. Se trata de una obra colectiva que concatena diferentes microrelatos de terror al estilo de, por ejemplo, Creepshow, constituyendo un auténtico juego metalinguístico de cine dentro del cine. Como todas las obras colectivas presenta el problema de que no todos los episodios logran el mismo interés, dándose además la circunstancia de que una de las peor resueltas es Tape 46 de Adam Wingard que es la que sirve como nexo de unión entre las historias que forman parte de esta antología. El relato de Wingard nos presenta a una panda de descerebrados que disfrutan filmando sus gamberradas. Son contratados para asaltar un domicilio en busca de una cinta de vídeo y allí se dirigen cámara en ristre. Se les dice que reconocerán fácilmente el vídeo en cuestión, pero a la hora de la verdad se encuentran con que la casa guarda una infinitud de ellos y tendrán que visionarlas junto a un anciano muerto que allí encuentran (y esa es la excusa para el juego metarefenrencial). El problema que presenta es que no genera intriga ni nos importa demasiado qué vaya a ser de esos cretinos que no se nos hacen simpáticos, de modo que casi se podía haber prescindido de ella.
Una de las mejores narraciones es Amateur Night de David Bruckner, en ella tres amigos se disponen a vivir una farra nocturna (qué molesto es que además de caracterizarse por ese tembleque de imagen los found footage incluyan como signo distintivo la oscuridad para mayor castigo de nuestros sufridos ojos) pertrechados con unas gafas espía que han regalado a uno de ellos, gafas que por cierto sabemos a ciencia cierta que existen y son efectivas, según nos comentó una persona perteneciente al Fandom que ustedes conocen y de quien no vamos a desvelar su nombre. No son como las de Rayos-X que anunciaban en el Teleprograma para ver a las vecinas cambiarse a traves del tabique del dormitorio y que, ya les digo que esas sí que no funcionan. El corto no habría pasado de asemejarse a esas grabaciones que algunos necios suben a Youtube si no fuera por la vuelta de guión que introduce el personaje interpretado por la exótica Hannah Fierman y sus sorprendentes ojos; una auténtica mujer vampiro que les va a causar serios disgustos a los protagonistas. Turbulento y sádico, es el episodio más destacado junto al último de ellos, 10/31/98 de Radio Silence, seudónimo de los cuatro directores que han trabajo conjuntamente en ella.
Second Honneymoon era el segmento más esperado por ser el dirigido por Ti West (The house of the devil, Cabin Fever 2, The Innkeepers), pero en la práctica ha generado algo de decepción. Una pareja convencional celebra, con un viaje por el mítico oeste, lo que se diría pretende ser su segunda luna de miel y, como no, tienen la intención de grabar todos los momentos memorables como testimonio que algún día les ayudará a guardar los mejores recuerdos. Pronto descubrirán que están siendo seguidos por una misteriosa mujer la cual va a ser relevante en el desenlace. A Ti West se le agradece el que casi todo lo grabado por los protagonistas transcurre a la luz diurna y, sobre todo, que sean unos aficionados al rodaje con un pulso suficientemente firme como para no provocarnos mareo.
No podía faltar un slasher en la selección, esa es la función que cumple el tercer relato Tuesday the 14h dirigido por Gleen McQuaid. Lo típico, un grupo de jóvenes va de excursión a un recóndito paraje en el que morirán uno tras otro con muertes violentas y descacharrantes; la única novedad es que el psychokiller parece ser un ente paranormal, por lo demás no aporta nada al género que estamos comentando.
Uno de los episodios más originales es The Sick Thing That Happened to Emily When She Was Younger de Joe Swanberd contado a través de las vídeo conferencias de los protagonistas. Cuando se inicia pensamos que va a ser una historia de apariciones, pero va a girar hacia uno de los miedos urbanos más extendidos (junto al de cocodrilos y alimañas similares viviendo en las cloacas) el temor a que nos arrebaten un órgano para traficar con él en el mercado negro. El problema de este segmento, que podría haber pertenecido a la mítica serie Twilight Zone, es que el giro sorpresa resulta precipitado, pero, insistimos, incluye la novedad de la webcam como aportación a los falsos documentales y eso la dignifica.
Y llegamos a 10/31/98 (firmada por Radio Silence) la única que no es visionada por los gamberros del nexo de unión, cosa que nos hace pensar que justo esa es la grabación que estaban buscando. Noche de Halloween, cuatro amigos se dirigen a una fiesta disfrazados, pero se perderán y acabarán casi atrapados en una especie de casa encantada en medio de un ritual satánico (eso sí, los tipos no sueltan la cámara ni cuando se defienden de los ataques, con lo incómodo que ha de ser pelearse con una sola mano) y el desenlace será de impacto.
Aquí los cuatro integrantes de Radio Silence
En definitiva, V/H/S es una película irregular pero no es el peor producto de la selección, eso sí, los amantes del cine clásico acabamos con el deseo de revisar Qué verde era mi valle o cualquiera de los films de la época dorada del cine para desintoxicarnos. Films que a pesar de haberlos revisado varias veces, uno no mira el reloj continuamente para ver cuando terminan. Puede ser, eso sí, recomendable para los fetichistas del formato vídeo.
Junto a Área 407 y V/H/S la maratón se completó con The Bay el debut en el género de terror del veterano Barry Levinson (el responsable de Good morning, Vietnam y Rain Man entre muchas). De las tres la de Levinson es la que, a juzgar por el trailer, hace gala del pulso más firme y no cae en la estética feísta tan típica en el falso documental. The Bay se inscribe en el que se ha dado en llamar eco-terror, películas en las que el miedo lo introduce algún virus provocado por los mismos humanos, o en los que la naturaleza se rebela de un modo u otro a los abusos ecológicos de la humanidad. Es un tipo de terror que puede asociarse a fenómenos que alarman actualmente como puede ser el cambio climático, una de las más emblemáticas es la no totalmente redonda El Incidente de M. Night Shyamalan. El film de Levinson nos cuenta la historia del pintoresco pueblecito costero de Claridge, en la Bahía de Chesapeake, que vive del mar, auténtico sustento de la comunidad. Cuando dos investigadores biológicos franceses descubren un nivel asombroso de toxicidad en el agua, intentan advertir al alcalde, pero este se niega a provocar el pánico en el tranquilo pueblo. 
Como consecuencia, se desata una letal plaga que infecta a los habitantes de Claridge con una variedad mutante de parásitos capaces de hacerse con el control de sus mentes y, en última instancia, de sus cuerpos. Poco más podemos decir de ella, porque aunque Serendipia sea un ente mitológico de vez en cuando debe conciliar el sueño. Si la visteis ya nos haréis llegar vuestros comentarios, por el momento os dejamos con su trailer.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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