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«Dangerous Animals» tendrá su premiere mundial en el próximo Festival Internacional de Cannes- EN CINES EL 6 DE JUNIO

DANGEROUS ANIMALS tendrá su premiere mundial en el Festival de Cannes, dentro del Director’s Fortnight Special Screenings. Tras su paso por el prestigioso festival francés, SELECTAVISIÓN estrenará el esperado thriller de terror en nuestros cines el 6 de junio, a la vez que su estreno en Estados Unidos.
Sinopsis: Zephyr (Hassie Harrison), una surfista inteligente y de espíritu libre, es secuestrada por un asesino en serie que capitanea un viejo barco pesquero donde organiza tours de aventura a inocentes turistas interesados por bajar en jaula a observar peligrosos tiburones. Raptada en el barco, Zephyr deberá averiguar cómo escaparse en pleno mar abierto antes de que el obseso asesino lleve a cabo su sádico ritual para alimentar a los tiburones.
Dirigida por Sean Byrne (The Devil’s Candy, The Loved Ones), esta nueva apuesta de terror que combina el género de asesinos en serie con la amenaza de tiburones está protagonizada por Jai Courtney (Escuadrón Suicida), Hassie Harrison (Yellowstone) y Josh Heuston (Dune: Prophecy).

SELECTAVISIÓN ESTRENARÁ DANGEROUS ANIMALS
EL PRÓXIMO 6 DE JUNIO EN CINES
Casas encantadas: un espacio de terror en la literatura y el cine
«Antes de alejarnos tuve lástima, cerré bien la puerta de entrada y tiré la llave a la alcantarilla. No fuese que a algún pobre diablo se le ocurriera robar y se metiera en la casa, a esa hora y con la casa tomada«. Así concluye el que es, posiblemente, el cuento de Cortazar más veces analizado: Casa tomada. Quizás a alguien le sorprenda que lo tome como punto de partida para este breve esbozo de un subgénero del fantástico como es el de las casas encantadas, pero lo hemos estimado oportuno porque en este cuento de Cortazar es donde más claro queda que la casa no es un mero escenario, sino un personaje más y el más importante narratológicamente hablando.
Su argumento es sencillo, la anécdota del cuento se resume diciendo que una pareja de hermanos que viven sin preocupación alguna en la casa heredada por sus antepasados, son forzados a vivir en la mitad de la casa primero, y después son expulsados totalmente, por una presencia intrusa que se traduce en “un sonido impreciso y sordo, como un volcarse de silla sobre la alfombra o un ahogado susurro de conversación«. No están presentes, pues, los elementos que la literatura gótica ha dejado como tópicos del subgénero, sin embargo expresa como ninguno la conversión del espacio de la seguridad en fuente de hostilidad. Efectivamente, en nuestra lógica humana, nuestra casa es nuestro refugio, aquello que nos pone a salvo de las amenazas del exterior, así una casa encantada supone uno de los espacios más terroríficos que pueden imaginarse, porque nos hiere en nuestro flanco más vulnerable. Es normal, así, que las casas encantadas hayan tenido amplia cabida en el género fantástico y de terror, llegando a configurar un auténtico subgénero, tanto en la literatura como en el cine.
Casa tomada pertenece al fantástico porque cumple la condición de aportar una visión mágica de la realidad cotidiana. Se trata eso sí de un fantástico interior (o mental) en el que lo sobrenatural más que verse se siente, se inserta directamente en la evolución del relato fantástico producida en el siglo XX. En su origen, el fantástico se asentaba en la fantasmagoría visionaria (ver visiones o apariciones), se ajustaba a un estilo destinado a entrar por los ojos, a concretarse en una serie de
imágenes impactantes. En la narrativa fantástica el elemento espectacular es esencial, no es pues de extrañar que el cine se haya inspirado tanto en ella y el género fantástico y de terror sea uno de los más fructíferos.
El arte cinematográfico nació como entretenimiento de feria, quizás por ello, por su condición de espectáculo, lo fantástico ha estado presente en su desarrollo desde sus inicios. Y el subgénero de las casas encantadas, más concretamente, ha sido uno de los más prolíficos. Ya Méliès nos dejó varias piezas, pero, entre los pioneros, la obra más destacada es El hotel eléctrico (Hôtel électrique, 1908, 1924) de Segundo de Chomón, filme que algunos quieren ver como el que inaugura el cine de terror español. En esos momentos iniciales lo fantasmagórico fue abordado desde la comicidad, primero a base de objetos que aparecían y desaparecían gracias al truco del paso de manivela, después con obras consagradas al lucimiento de las estrellas cómicas del momento; sirva de ejemplo El castillo de los fantasmas (Au secours!) de Abel Gance puesto al servicio del cómico Max Linder. Dado el éxito de este estilo cinematográfico, se crea la llamada mystery comedy, o sea, comedia de trama siniestra en la que acecha casi siempre un criminal, el cual oculta sus intenciones mediante tretas de aire fantasmagórico. Así es en The Bat (Roland West, 1926), la cinta inaugural, aunque quizás la más remarcable sea El legado tenebroso
(The Cat and the Canary, 1927) del expresionista Paul Leni. En estas mystery comedy el encantamiento es falso dentro de la propia ficción, pero ya no es así en La caída de la casa Usher (La chute de la maison Usher, 1928), adaptación del clásico de Poe por parte de Jean Epstein. Es interesante subrayar su final, con la mansión pasto de las llamas como símbolo de purificación y único destino posible para parar el encantamiento que se cierne sobre la casa, algo que será utilizado en multitud de títulos que vendrían después.
La línea cómica no se pierde y seguirá ofreciéndonos títulos en épocas más tardías, ahí está el recientemente estrenado en España Los Huespedes (The Innkeepers, 2011) de Ti West, pero queremos centrarnos ya en aquellos filmes en los que la dimensión sobrenatural y terrorífica se muestra en toda su plenitud. Para ello (y por razones de espacio) daremos un salto histórico y nos dirigiremos a la década de los setenta que nos dejará tres de los títulos más relevantes. No sin antes detenernos en The Haunting (1963) de Robert Wise, sin duda una de las obras más emblemáticas en este tema junto a la anterior a ella House of Hauntet Hill (1959) de William Castle o la posterior Al final de la escalera (The Changeling, 1980) de Peter Medak. Con su blanco y negro preciosista, The Haunting nos enfrenta a la casa maldita que lo es en sí y por ella misma, es decir, la cadena de sucesos trágicos relacionados con ella son anteriores a haber sido habitada. La casa es una entidad omnipresente en todos los planos, excelentemente diseñados por Wise para dar una imagen distorsionada y desquiciante. Esa casa sin ángulos rectos, de abigarrada decoración rococó y multiplicada por sus numerosos espejos, es una auténtica fuerza viva y absorbente. A destacar especialmente el plano en el que la fuerza sobrenatural se manifiesta tras una puerta (no hay ni una sola aparición en el filme) dando la sensación de que la casa respira. Todo un clásico.

Volviendo a los títulos setenteros, el primero es La leyenda de la mansión del infierno (The Legend of Hell House, John Hough, 1973). La película está basada en el libro de Richard Matheson La casa infernal, no en vano en el guión colabora el propio Matheson. En segundo lugar, nos encontramos con Pesadilla diabólica (Burnt Offerings, 1976) del televisivo Dan Curtis. Parte igualmente de una novela: Holocausto de Robert Marasco. Se trata de un filme harto perturbador y acongojante con una terrible casa acosando a sus nuevos inquilinos: una familia que verá sus vidas tornarse en absoluta pesadilla. Y el tercero (aunque quizás no sea la mejor artísticamente hablando) es la más célebre: Terror en Amityville (The Amityville Horror, Stuart Rosenberg, 1979). Adapta la supuesta historia real de la familia Lutz que vivió
en la célebre casa maldita. Unos años antes Ronald DeFeo, el hijo mayor de la anterior familia propietaria de la casa, asesinó a sus hermanos y a sus padres una fatídica noche de noviembre, a partir de ahí empieza la leyenda del encantamiento de la mencionada casa. La película de Rosenberg abrió paso a una auténtica saga con las entregas de sus secuelas, sin embargo, ninguna de ellas es verdaderamente interesante excepto la más reciente La morada del miedo (The Amityville Horror, Andrew Douglas, 2005) que entrega una revisión bastante inquietante de la historia original.
Así, siguiendo las secuelas de Amityville, hemos llegado a nuestro presente en el que el subgénero de casas encantadas ha recibido un nuevo impulso revitalizador del cual, probablemente, el principal artífice sea James Wan. Antes de que llegara el aire fresco de Insidious (2010), con sus toques de comedia, dos piezas nacionales habían recuperado los mimbres del terror clásico: Los otros (2001) de Alejandro Amenabar y la ópera prima de J.A. Bayona, El orfanato (2007). La película de Amenabar sigue la estela de Suspense (The Innocents, 1961) de Jack Clayton (que adaptaba el relato de Henry James, Otra vuelta de Tuerca) sin alcanzar su excelencia; es, pues, más una gosht story que un relato de casa embrujada, pero sin duda ambos subgéneros están emparentados y, en muchos casos, uno implica al otro. Por su parte, El orfanato recupera con nota la atmósfera de los relatos góticos en los que la casa queda maldita por sucesos pasados, como aportación nos deja un final en el que una vez desvelado el misterio la casa sigue atrapando al personaje principal, pero esta vez como obra del bien y no de ninguna influencia maligna. En definitiva, ambas son piezas notables,
pero, a nuestro juicio, es James Wan el que mejor recrea los lugares comunes del terror gótico con su impecable The Conjuring (2013, Expediente Warren en español). Un relato con buen pulso que nos lleva a atravesar todos los estadios de una invasión paranormal en una casa encantada, desde su inicio (ruidos, puertas que se abren o se cierran, luces que se apagan, todo el rosario de poltergeist) hasta la posesión demoníaca, pasando por el miedo y la debilidad que sienten quienes lo viven en primera persona. Nada que no hayamos visto antes, pero eso no importa, al fin y al cabo las historias que componen los humanos son casi siempre las mismas, lo que les da valor no es tanto el qué nos cuentan sino el cómo. Y ahí, en los modos de narrar, James Wan aprueba con suficiencia.
Si empezábamos este texto con un relato atípico, queremos también terminarlo con un filme que tiene voz propia, Darkness (2002), el tercer largometraje (segundo de ficción y en solitario) de Jaume Balagueró. Jugando con el lugar común del caserón aislado en medio de la naturaleza y alejado de la civilización, Balagueró nos ofrece un filme que resulta inquietante ya desde sus créditos que parten del negro inicial para situarnos en un momento anterior al de la trama en el
que se esbozan las causas del encantamiento. Mientras veíamos como otros autores recuperan el terror clásico, el catalán nos enfrenta a una forma contemporánea y personal de entender el miedo y, en consonancia, la puesta en escena. Darkness surgió del deseo de realizar «una película en la que lo malo no fuera un asesino, un demonio o un extraterrestre, sino la oscuridad, porque la oscuridad es un miedo universal de todos los niños. La oscuridad es lo primero que asusta a un niño porque la percibe como tangible»(declaraba el director). Y la película se ajusta perfectamente al deseo que la precede porque la oscuridad (incluso más que la casa maligna en sí) tiene un papel protagonista actuando como símbolo del mal primigenio, del magma informe del caos. Es en los modos narrativos donde Darkness se muestra más innovadora, con esos movimientos de cámara que distorsionan la imagen y esos flashes de insertos casi subliminales que generan desasosiego sin necesidad de recurrir al susto fácil; juega siempre con la insinuación. Los recovecos de la trama son excusas para asomarnos al mal en abstracto personificado en esa oscuridad que engulle a los personajes y a los
espectadores con ellos. Nos asoma a un mal del que no se puede escapar, un mal ante el cual no podemos ponernos a salvo porque nos persigue hasta el seno mismo de nuestro hogar anulando a la única fuerza que podría combatirlo, el amor. Nada puede protegernos de la oscuridad.
Después de este repaso (que no se pretende exhaustivo) sólo podemos concluir que la casa encantada estará siempre anudada a nuestros miedos más atávicos. Al inmenso terror de sabernos perecederos y vulnerables incluso en los espacios donde más protegidos debiéramos estar. La casa como espacio de terror nos hace tomar conciencia de que, por mucho que busquemos abrigo, siempre estamos y estaremos condenados a la intemperie. La casa encantada nos deja sin mecanismo de defensa posible, con ella, convertida en tópico de la literatura y el cine, tomamos conciencia de que el adentro no es más que una ficción a la que nos agarramos para intentar sentirnos a salvo.
Montse Rovira (Proyecto Naschy)
Póster de ‘Devuélvemela’ la nueva película de los directores de ‘Háblame’
El próximo 1 de agosto llegará en exclusiva a los cines de toda España ‘Devuélvemela’, la nueva película de terror de los directores de Háblame, Danny Philippou y Michael Philippou, una producción de A24, escrita por Danny Philippou y Bill Hinzman, producida por Samantha Jennings y Kristina Ceyton y protagonizada por Billy Barratt, Sora Wong, Jonah Wren Phillips, Sally-Anne Upton, Stephen Phillips, Mischa Heywood y Sally Hawkins.
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Teaser póster de la nueva entrega de ‘Sé lo que hicisteis el último verano’
Más cosas que vuelven… y con parte del elenco original
Sinopsis: Cuando cinco amigos provocan sin querer un accidente de coche mortal, encubren su implicación y hacen un pacto para mantenerlo en secreto en lugar de afrontar las consecuencias. Un año después, su pasado vuelve para atormentarlos y se ven obligados a enfrentarse a una aterradora verdad: alguien sabe lo que hicieron el último verano… y está empeñado en vengarse. A medida que los amigos son acechados uno a uno por un asesino, descubren que esto ya ha sucedido antes, y recurren a dos supervivientes de la legendaria Masacre de Southport de 1997 en busca de ayuda.
Esta nueva entrega, dirigida por Jennifer Kaytin Robinson, producida por Neal H. Moritz y protagonizada por Madelyn Cline, Chase Sui Wonders, Jonah Hauer-King, Tyriq Withers, Sarah Pidgeon, Billy Campbell, Gabbriette Bechtel, Austin Nichols, Lola Tung y Nicholas Alexander Chavez, junto a los miembros del reparto original Freddie Prinze Jr. y Jennifer Love Hewitt, llegará exclusivamente a los cines españoles el 18 de julio.
Novedades Astiberri · Mayo de 2025

Astiberri prepara un breve pero potente lanzamiento para mayo de 2025: El Capitán Torrezno alcanza su cénit con su última aventura, la sexta, con «La última curda«; Ingrid Chabbert y Léa Mazé presentan «Elma, una vida de osa»; y vuelve Pedro Vera para velar por la salvación del espíritu rancio con el siempre esperado «Orgullo cuñao #Ranciofacts 7″
Las aventuras del Capitán Torrezno: Volumen 6. La última curda, Santiago Valenzuela
Blanco y negro y a color. Rústica con solapas
280 páginas
21 x 29,7 cm
30 euros
A la venta el 8 de mayo
Alguien falta, alguien no está, y él, el ausente, era la columna que lo sostenía todo, el atlante que cargaba sobre sus hombros el ovillo apretado, infinito, de las causas y los efectos. ¿Quién retomará el hilo de la historia, si este yace por tierra, cortado e inerte? Con el sexto volumen de Las aventuras del Capitán Torrezno, que recoge el tomo de La última curda, así como una decena de páginas extras en blanco y negro y color, se completa por ahora una de las sagas más ambiciosas del cómic español, cuando se cumple ya un cuarto de siglo de la primera entrega publicada
Elma, una vida de osa, Ingrid Chabbert, Léa Mazé
Traductora: Alba Pagán
Color. Cartoné
88 páginas
22 x 29 cm
19 euros
A la venta el 15 de mayo
Elma y Papá Oso tienen que lanzarse a un largo viaje del que Papá Oso no quiere desvelar nada. Para Elma, una niña humana temperamental y cariñosa de casi ocho años criada desde bebé por el animal, todo es un misterio. Pero el oso aceptó una misión hace siete años y ahora tiene que “devolver” a la pequeña humana. ¿Por qué razón? ¿Por qué parece que el mismísimo bosque no quiere que padre e hija consigan terminar el viaje? La ternura y el suspense están presentes en cada una de las páginas de esta historia de Ingrid Chabbert, creadora de un relato iniciático sobre la madurez, la resiliencia y el luto, acompañada por el colorido trabajo de Léa Mazé. Una historia que recuerda al maravilloso Libro de la selva
Orgullo cuñao #Ranciofacts 7, Pedro Vera
Color. Rústica con solapas
112 páginas
20 x 27 cm
18 euros
A la venta el 22 de mayo
Desidia oral, frases reventadas, cuñadismo global, bocachanclismo, criptobros y palets de ranciedad para reír, llorar y pensar. Orgullo cuñao es un nuevo compendio de los clichés y comportamientos más caducos servidos por Pedro Vera, el sommelier de lo rancio, el analista de la caspa comunicativa, el biógrafo de la cochambre social. El séptimo libro de la serie Ranciofacts vuelve a reunir las mejores páginas publicadas por su autor en la revista El Jueves, en lo que supone un nuevo descenso a los infiernos de lo rancio y lo cuñao
Más información y pedidos: Astiberri Editorial
Hellboy vuelve en ‘Hellboy: el hombre retorcido’

En esta cuarta entrega, dirigida por Brian Taylor (Crank: Veneno en la sangre), la historia se desarrolla en la década de 1950 en la rural Appalachia, donde Hellboy y una agente novata del AIDP (Agencia para la Investigación y Defensa Paranormal) se encuentran con una comunidad asediada por brujas y el temible Hombre Retorcido, un diablo local con una conexión inquietante con el pasado de Hellboy.
HELLBOY: EL HOMBRE RETORCIDO promete un enfoque único, manteniendo la esencia oscura y compleja del personaje mientras explora nuevas dimensiones de su mitología.
El elenco está encabezado por un Hellboy interpretado por Jack Kesy (El asesino, Deadpool 2), al que acompañan Jefferson White (Civil War, Yellowstone), Leah McNamara (The Gentlemen: La serie, Normal People), Adeline Rudolph (Resident Evil, Riverdale), Joseph Marcell (El príncipe de Bel Air, El exorcismo de Dios, El niño que domó el viento) y Suzanne Bertish (Benediction, La monja 2).
El guion, basado en la galardonada y superventas serie de cómics de Mike Mignola, está coescrito por el propio Mignola y su colaborador habitual, Christopher Golden.
SINOPSIS
Hellboy (Jack Kesy) y una agente novata del AIDP (Agencia para la investigación y defensa paranormal) se quedan varados en los Apalaches rurales de los años 50 y descubren una pequeña comunidad embrujada, liderada por el Hombre Retorcido.
SOBRE LA PELÍCULA
El regreso del superhéroe a la gran pantalla tiene lugar cinco años después del estreno de HELLBOY (2019), protagonizada por David Harbour (Stranger Things) y dirigida por Neil Marshall.
Jack Kesy se convierte en el tercer actor en interpretar al personaje de Hellboy en acción real.
HELLBOY: EL HOMBRE RETORCIDO tiene como productores ejecutivos a Christa Campbell (Los mercen4rios, Objetivo: Washington D.C.), Boaz Davidson (The Offering, El otro guardaespaldas 2), Artur Galstian (Ferrari, Hypnotic), entre otros. Además, la música corre a cargo de Sven Faulconer (Top Gun: Maverick, Alerta Roja).
HELLBOY: EL HOMBRE RETORCIDO llegará a los cines españoles el próximo 6 de junio de la mano de Vértice 360.
Cartel y tráiler del musical apocalíptico «The End», de Joshua Oppenheimer
Cartel y tráiler para el estreno en España de THE END, la nueva película de Joshua Oppenheimer, que estará en cines el próximo 25 de abril.

Sinopsis: Dos décadas después del fin del mundo, una familia vive en su lujoso búnker construido en una mina de sal. Hijo, un joven de 20 años que nunca ha visto el mundo exterior, Padre y Madre, son una de las últimas familias de la Tierra. La llegada de una chica a la entrada del búnker amenazará la apacible vida familiar.
The End, que está protagonizada por Tilda Swinton, Michael Shannon y George MacKay, tuvo su premier europea en la pasada edición del Festival de San Sebastián y también se pudo ver en el TIFF – Toronto International Film Festival.
Este musical postapocalíptico llegará a los cines de la mano de Avalon, que ya distribuyó en nuestro país los dos icónicos documentales de Oppenheimer: The Act of Killing y La mirada del silencio.
Joshua Oppenheimer
Director estadounidense-británico debutó con la película ‘The entire History of the Louisiana Purchase’ (1997) con la que ganó un Hugo de Oro en el Festival de Chicago. Su siguiente película, ‘The Act of Killing‘ (2012) se estrenó en el Festival de Cine de Telluride y ganó diversos premios, entre ellos el Premio de Cine Europeo al Mejor Documental, el BAFTA al Mejor Documental y fue nominado a los Oscar en la categoría documental. En 2014 estrenó ‘La mirada del silencio‘, una obra complementaria a ‘The Act of Killing‘, que también obtuvo la nominación a los Oscar al mejor documental y se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Venecia, donde ganó el Gran Premio del Jurado y el FIPRESCI entre otros. Desde entonces, ha sido galardonada con más de 70 premios internacionales incluyendo el Independent Spirit.
¡Es la hora de la cosecha! ‘Ritos Ocultos’ llega a los cines el 30 de abril
El director de The Boy: La Maldición de Brahms y La Huérfana: Primer Asesinato vuelve a traernos una cinta de terror donde una fiesta pagana será el comienzo de la mayor de las pesadillas
Sinopsis: Cada año, Berrow (un pequeño pueblo inglés) celebra un festival de otoño para dar gracias por la cosecha. Los lugareños se visten con disfraces extravagantes y una figura enmascarada conocida como el Señor del Caos los dirige para expulsar a Gallowgog, un espíritu maligno. Este año, la pequeña Grace ha sido elegida para interpretar al Ángel de la Cosecha. Al anochecer, una procesión lleva a los habitantes hasta un campo ceremonial donde arden tres grandes hogueras y Rebecca pierde la pista de Grace entre la multitud. Temiendo que se haya adentrado en el bosque, Rebecca la busca en vano, pero su hija ha desaparecido. El día siguiente es un infierno para Rebecca. La policía registra el área que rodea a Berrow en busca de Grace, pero no encuentra ningún rastro. Henry (Matt Stokoe), marido de Rebecca, descubre un video que muestra a Grace al borde del bosque, hablando con el hombre disfrazado de Gallowgog. El dueño del bar lo identifica como Derry Nash, un lugareño con problemas, y los Holland se dirigen hasta la granja de su abuelo para hablar con él, aunque se encuentran con que también ha desaparecido. Dentro de su coche descubren un horripilante santuario dedicado al espíritu de Gallowgog y todo apunta a que Derry sea el responsable de la desaparición de Grace.
Protagonizada por Tuppence Middleton (Mank; Downtown Abbey: una nueva era) en el papel de Rebecca, Ralph Ineson (The Creator; Juego de Tronos) como Jocelyn y Evie Templeton (Pinocho; Silent Hill 2) como la pequeña Grace, Ritos Ocultos nos muestra un angustioso filme donde la verdadera maldad no tiene nada de sobrenatural.
Gallowgog es un antiguo demonio que se cree que ronda la zona. Mientras que Tom de Ville (guionista) investigaba las creencias paganas británicas para la película, se topó con el concepto del ‘Señor del Desorden’, maestro de ceremonias anárquico que solía supervisar las antiguas festividades paganas. “Me di cuenta de que un ‘Señor del Desorden’ era, en muchos sentidos, una figura opuesta e igual a la de un sacerdote: una figura que podía transformar por completo la fe e impulsar a la gente a hacer cosas terribles en su nombre”.
El director William Brent Bell recuerda su primer acercamiento a Ritos Ocultos, material que fue entregado por el productor James Tomlinson junto con una nota que decía “Esto es bueno”. Después de leer las primeras páginas, Bell pensó que James estaba en lo cierto. “Me cautivó la inquietante mitología pagana de Tom con imágenes impresionantes que enmarcaban este drama sobre una niña desaparecida. En mi experiencia, es raro encontrar un material tan bien escrito y maravillosamente oscuro. Mi cabeza daba vueltas con ideas sobre cómo hacer esta película y estaba sumamente ansioso por hacerla”.
30 de abril solo en cines
Primer póster de La Vida de Chuck, la emocionante historia de un hombre que dejó su huella en el universo
Lo sabemos, el hype está muy alto con nuestro querido Chuck, un simple contable que recibe un homenaje… ¿del universo? por estos maravillosos 39 años. Y es que cómo no iba a ser la película favorita del público en el Festival de Toronto, si estamos poniendo en la coctelera los ingredientes para convertirla en la película del año. Una historia fascinante, dirigida por Mike Flanagan, basada en el relato de Stephen King y con un cast espectacular. Todo bajo el paraguas de una obra multigénero, pero no mezclando géneros que ya hoy en día son como primos hermanos. No hablamos de una comedia romántica. Hablamos de fantasía, de terror, de drama y hablamos de romance… todo junto en una película que te enganchará desde el minuto uno y que acabará por enamorarte inevitablemente.
Bueno, vamos a dejar de elevarte las expectativas y vayamos a lo que nos ha traído hoy aquí, el primer póster. Os presentamos el teaser de la película que ya nos adelanta la pregunta que te vas a estar haciendo desde los primeros diez minutos de metraje: ¿quién narices es Chuck? ¿Y por qué es tan importante? Amigo, eso tendrás que averiguarlo cuando la veas.
¿Pero de qué trata La vida de Chuck?
Es una historia dividida en tres actos, narrados en orden inverso, que explora la vida de Charles Krantz, un hombre común cuya existencia adquiere un significado cósmico y profundo.
La historia comienza con un mundo a punto de desaparecer: mientras las estrellas explotan, las ciudades se desmoronan y las tecnologías dejan de funcionar, aparecen misteriosos anuncios con la frase «¡Gracias, Chuck, por 39 grandiosos años!».
A medida que esta historia retrocede, descubrimos fragmentos clave de la vida de Chuck: su trabajo, su amor por la música, sus luchas personales… Un relato que entrelaza elementos realistas, con toques de fantasía, para explorar la importancia de los momentos individuales en la vida y cómo cada persona deja su huella en el universo.
Nace una estrella, L’Horror Film Festival, y Silvia García nos lo presenta
Mi amiga Berta, que es uno de esos seres de luz tocados con el don de la creatividad, ha acuñado un nuevo adjetivo, ‘miyazaki’, añadiéndole al apellido del célebre cineasta la acepción: ‘Dícese de todo aquello que desprende una dulzura mágica y conversora capaz de iluminar y transformar el mundo que nos rodea’. En abril, aguas mil. Y entre las miríadas de gotas culturales que nos lloverá el próximo cuarto mes del año, algunas destacan con brillo propio, es el caso de la que será recién nacida muestra de cine de terror con perspectiva de género, L’Horror Film Festival, en L’Hospitalet de Llobregat, un nuevo certamen gestado con mimo y pasión que, estoy convencida de ello, podrá ser calificado de ‘miyazaki’. Hemos hablado de todo lo humano y lo divino en relación al próximo neonato con Silvia García Palacios, una de las mujeres al frente de la iniciativa. Locuaz y entusiasta, contagia su dinamismo y sus ganas de construir nuevos mañanas. También Silvia es ‘miyazaki’. Pero mejor os dejo con lo que ella nos ha contado.

Empecemos parafraseando un título de película de Marco Ferreri, ¿Il futuro è donna?
Buona sera, chi lo sa? Lo que sí sabemos es que el pasado no lo ha sido y sabemos sus consecuencias. Estamos en un momento en el que se escucha la reivindicación de la igualdad y equidad con más fuerza que nunca, por algo será. En realidad, es cuestión de tener mismas oportunidades y derechos. En todo caso, el futuro ha de ser de todas y todos o no habrá futuro, es decir, el futuro es de la humanidad en su más concreto y abstracto significado.
Para continuar, una semblanza. La tuya. ¿Cómo te gustaría ser presentada?
Me gustaría ser presentada como una persona que demuestra su pasión por el cine en su día a día. Como productora, programadora, crítica y activista social, todos mis proyectos se ven impregnados por la inquietud de contribuir a un mundo mejor. Será un granito de arena, pero será.
Despegáis en primavera ¿L’Horror Film Festival nace para ser otro festival más de cine de mujeres? Porque, ¿Es lo mismo una película de mujeres que una película con perspectiva de género? Pensaba, por ejemplo, en Siesta de Mary Lambert, lo dirige una mujer, tiene protagonista femenina, al menos dos personajes relevantes son mujeres que hablan entre ellas de algo distinto a un hombre, y, sin embargo, su concepción global, el universo que refleja, incluida la sensualidad, sigue siendo masculina, ¿Estoy equivocada?
Sí y no. L’Horror Film Festival nace como una muestra de films con perspectiva de género y más que obras dirigidas por mujeres, buscamos esa mirada que tradicionalmente se ha relegado e incluso olvidado, aquella que se aleja de la hegemónica.
Así pues, por un lado, destacar un film dirigido por una mujer o persona con diversidad de género es un hito siempre a celebrar por el mero hecho de la poca representatividad existente -las estadísticas de los ochenta no eran precisamente boyantes y que hoy en día tengamos mejores estadísticas no significa que sean buenas, aun hay mucho trabajo por delante-. Ahora bien, sea del género que sea quien lleva la batuta, esto no determina per se la temática ni el punto de vista de la obra, por lo tanto, podemos encontrarnos, como en cualquier ámbito, casos que contradicen los prejuicios que todas tenemos ante algo. Así pues, por el hecho de no ser un hombre no significa que tengas, hayas podido desarrollar o quieras aplicar una mirada concreta y viceversa. Siesta se ha de contextualizar, como toda obra, dentro de su época, con todo lo que ello conlleva a todos los niveles; como bien dices, parece aprobar algún que otro test de sesgos, cosa que denota ya alguna diferencia con sus coetáneas.
En relación con lo anterior, en la Web del festival enlazáis como herramientas una serie de test, imagino que para orientar sobre qué es una cinta con perspectiva de género, encabeza la lista el más difundido, el test de Bechdel-Wallace, claramente basado en parámetros cuantitativos, ¿Ahora resulta que el tamaño importa? Perdón por el chascarrillo, quiero decir, quizás esas evaluaciones estaban bien para empezar a tematizar la brecha de género en lo fílmico, pero, ¿No empieza a ser necesaria una evaluación que tome en consideración cuestiones cualitativas que definan la naturaleza de una auténtica perspectiva femenina?
Es una pregunta muy interesante sin duda. Y el tamaño claramente aún importa… Para demasiadas personas (risa)
Pensamos que era algo muy positivo que la web tuviera su apartado pedagógico precisamente para ayudar a entender nuestras intenciones. Los test tienen una función de visibilizar e identificar las desigualdades existentes -y evidentemente persistentes-, algo que nuestros sentidos asumen como lo que debe ser, una “normalización” de la que hay que ser consciente para ver sus carencias.
La perspectiva femenina es un constructo social y cultural. Su existencia depende únicamente de ello. Yo no me abanderaré como una experta en el tema, pero, personalmente, tendría serios problemas en encontrar una vía de definición sin caer en inexactitudes de todo tipo, por ejemplo, culturales e históricas. Así pues, es más justo hablar de perspectiva de género en oposición a la visión dominante que mantiene y defiende una diferenciación por cuestiones meramente físicas o fisiológicas.
En todo caso, en cuanto que hablamos de cine, de arte, ya es abrir un melón, pero, por ejemplo ¿Cómo definimos qué es una buena película? Definiciones parametrizadas se traducen en constructos con connotaciones particulares que pueden -y deben?- diferir en tanto que formas culturales, sociales y personales existen. Por lo tanto, a la hora de tocar lo cualitativo se corre el riesgo de caer en un dogmatismo, algo bastante contraproducente.
¿Debiera estar obsoleto el término ‘feminazi’? Recapitulo, que he empezado la pregunta por el tejado. Parece que tampoco lo social se libra de la Tercera Ley de Newton, toda acción genera una reacción de igual intensidad, pero en sentido opuesto. La acción feminista ha seguido una senda ascendente desde que Olympe de Gouges escribiera en 1791 la Declaración de los Derechos de la Mujer y de la Ciudadana, pero ese camino no ha estado libre de vaivenes y retrocesos. La pujanza parece haber despertado la aversión, fue en 1992 cuando Rush Limbaugh, locutor y comentarista estadounidense conservador, acuñó y popularizó el término ‘feminazi’ con el argumento de que el feminismo no busca la igualdad entre hombres y mujeres sino una suerte de supremacismo femenino. Internet ha hecho de caja de resonancia ampliando la desconfianza y el malentendido, agrandando la bola de nieve hasta el alud de los discursos de odio. ¿Es necesario hacer más pedagogía? ¿Necesitamos una definición clara del verdadero horizonte de expectativas del feminismo? ¿Cómo pasar a la acción? Por cierto, Olympe de Gouges murió en la guillotina.
A nivel personal, siempre he creído que cuando estás haciendo algo muy bien siempre nace la oposición y su fuerza es proporcional a lo bien que lo hagas. Ahora bien, siempre se avanza, lento, pero se avanza, aunque se hayan segado muchas cabezas por el camino… El terror siempre nos acompaña.
En el caso del movimiento feminista, y desde mi humilde punto de vista, en el momento en que se percibe como una amenaza (de poder, estatus, identidad…), se tiende a contratacar, una reacción que surge de determinadas formas de pensar desde el privilegio (tradicionalmente retrógradas) las cuales, lejos de asumir su desequilibrada posición, mediante autoconciencia o autocrítica, se decantan por el uso de la violencia a través de mentiras, exageraciones y sobre todo utilizando el gran poder que da el miedo.
Recapitulando, el término “feminazi” está obsoleto y carece de rigor desde que se pronunció. Pero en ese sentido, apoderémonos “de alguna forma” del término, aprovecho para recomendar el cortometraje Feminancy de Uxuri Etxegia ;)
Por lo que pasar a la acción se refiere, para mí la pedagogía es precisamente una de las estrategias fundamentales. El cine forma parte de esa pedagogía, con un lenguaje universal, tiene la capacidad de convertirse en una herramienta que aporta nuevos y diferentes enfoques ¡qué maravilla! ¡Siempre más y mejor!
El terror. Género por antonomasia, vive en la actualidad un momento dulce de auge y esplendor, quizás porque siempre florece en los momentos de mayor confusión y convulsión, como si las sociedades necesitaran exorcizar sus miedos, el ejemplo más florido lo tendríamos en el éxito de los monstruos de la Universal en la década de los 30 del siglo pasado. La pregunta es doble (o triple). ¿Puede ser el terror el mejor vehículo para atacar la brecha de género? ¿Y cómo debe hacerlo: resignificando el rol de víctima propiciatoria y reina del grito, creando categorías nuevas, todo un poco a la vez? No hay dos sin tres, históricamente el ascenso de la mujer ha coincidido con la muerte de un mundo conocido, pasó en Grecia, pasó en Roma, en la Baja Edad Media… El ascenso de la ultraderecha, y el quebranto del espíritu del 45, parece ser más que un cambio de ciclo político, ¿Cuál debe ser el papel de la lucha feminista en un momento en el que parece reclamarse el yugo del autoritarismo?
Estoy completamente de acuerdo en que estamos en una época de florecimiento y tengo la esperanza de que gracias a ésta llegaremos a una maduración que transformará la visión peyorativa que acompaña al terror en cuanto a mero divertimento. Precisamente por eso, uno de los pilares del Festival es demostrar eso mismo, que el género de terror es una de las mejores, sino la mejor, herramienta para expresar la perspectiva de género. El terror brinda una gran libertad a la hora de crear y abarcar una historia o tema desde múltiples prismas. Quizás ya no sea necesaria ni pertinente ninguna scream person o la victimización, y sí la creación de nuevos arquetipos. El séptimo arte tiene el poder de abrirnos una ventana de aire fresco directo a nuestro cerebro, y puede convertirse en un instrumento para mejorar nuestra comprensión del mundo, para aprender o para superar el miedo a lo desconocido e ir más allá de lo que nos rodea.
En relación al papel de la lucha feminista frente al autoritarismo, no creo tener la respuesta. Por mi parte, ha sido crear un Festival de cine junto a un excepcional grupo de personas que creen en el proyecto y ven su potencial, un evento para celebrar la diversidad lejos de encorsetarla.

Más breve y concreto: ¿Por qué es necesario, que digo, imprescindible, asistir a la primera edición de L’Horror Film Festival? ¿Qué nos tenéis preparado? ¿Qué visión del cine nos vamos a encontrar?
El origen del proyecto nace por una necesidad, como siempre, por una carencia, si lo queremos llamar así. Conocer el Final Girls Berlin Film Festival me dio a conocer un espacio seguro, libre y fresco dentro y fuera de una sala de cine que no supe, hasta ese momento, que hacía tiempo quería vivir en un Festival. Con esa idea nació L’Horror Film Festival y con ese ánimo de honrar dicha inspiración.
Con eso en mente, L’Horror Film Festival se centrará en dar voz a obras con perspectiva de género en todo su terrorífico y amplio abanico sin olvidar la inclusión de debates que refuercen el análisis del sector aportando un nuevo enfoque. Esperamos añadir al panorama cultural una forma renovadora de plantear la creación y ejecución de un festival, una experiencia única y distintiva.
Para esta primera edición tenemos preparada una excepcional inauguración con proyecciones (por el momento sorpresa) y un encuentro de profesionales y entidades del medio; un meet&greet en el que queremos dar un espacio para conocernos, reconocernos y claro que sí, propiciar sinergias. Para la segunda jornada, tendremos dos pases de cortometrajes y un conversatorio: la Sección Talent Novell formada por obras de cineastas emergentes; una charla en la que tendremos el lujo de contar con la participación de Dones Visuals y la Acadèmia del Cinema Català; y pondremos la guinda con la Sesión especial Final Girls Berlin que contará con una selección de los cortometrajes ganadores de la edición 2024 de este gran Festival dedicado al cine de terror dirigido, escrito o producido por mujeres.
Deseamos que cada proyección, cada evento, sea una invitación para compartir nuestra cinefilia y descubrir nuevos horizontes.
Y última: la tortilla de patatas ¿Con o sin cebolla? No respondas que igual se me cae un mito. En serio, quizás me he enrollado como una persiana y no he incidido en lo esencial. Tómate la libertad: añade las preguntas que hubieras querido contestar.
Te sorprenderás, ¡pre-tortilla! Prefiero y me deleito las papilas con patatas fritas y huevo batido, Crudo, por supuesto.
¡Es hora de romper clichés, redefinir monstruos :)!

Más información: L’Horror Film Festival
Ecoterror en 6 películas: ranas, hormigas, cocodrilos, jabalís y mucho más.
Analizamos un subgénero que nació sin tener constancia de serlo con seis películas representativas del mismo.
FROGS (George McCowan, 1972)
Frogs es una película serie B de American International que no engaña a nadie (bueno, quizás el póster un poco), y aunque se esfuerza en dotar a los personajes de personalidad y dar cierta coherencia a la historia, lo cierto es que esta venganza de la naturaleza resulta algo risible, y las muertes son de campeonato de torpes de lo mal resueltas que están. Protagonizada por un Ray Milland en las últimas haciendo de abuelo malas pulgas y un Sam Elliott lozano como único personaje «normal», lo cierto es que este desastre, no se sabe muy bien porqué, tiene su encanto. Como el de ser una simpática serie B pura y dura que, en forma de slasher, es una clara denuncia ecológica protagonizada por reptiles y otros seres de la ciénaga comandados por unas enormes ranas que parecen vengarse de una familia cuya industria echa pesticidas en su hábitat. Otro personaje colecciona mariposas, y el veterano cabeza de familia es cazador, tal y como demuestra su sala de trofeos. Sam Elliott, interpretando a un fotógrafo, deberá refugiarse en la mansión, de la que serán eliminados ordenadamente uno tras otro todos los miembros de la familia mediante tan mal resueltas como ridículas muertes. Como la tiene lugar en el invernadero o las protagonizadas por arañas, sin ir más lejos.
Como ya hemos comentado, además de Elliott, en la cinta podemos ver al veterano e incansable Ray Milland y a muchos actores eminentemente televisivos ¿Lo mejor? El engañoso póster y el tono irreal con ese cabeza de familia que quiere celebrar su 4 de julio caiga quien caiga, nunca mejor dicho, haya o no cadáveres de por medio.
Todo ello en una película cuyo indudable encanto, en lugar de otorgarle solera, la ha avinagrado.
PHASE IV (Sucesos en la IV fase, Saul Bass, 1974)
Diseño Hard Sci-fi con instalaciones futuristas y destacables imágenes de hormigas rodadas con potentes lentes que las convierten casi en seres de otro planeta en esta cinta de Saul Bass en la que estos pequeños seres se rebelan contra la tiranía del hombre. Todo tan bien llevado que hasta nos ha parecido creíble lo que nos han contado, desde su inicio hasta su extraño final. Se trata de una cinta que el tiempo ha revalorizado, interesante, curiosa y protagonizada por una muy joven Lynne Frederick, actriz a la cual los más jóvenes igual no reconocen, pero que fue una prometedora y bella artista que tuvo un final prematuro y bastante triste. Phase IV también es el único largometraje de Saul Bass, un todoterreno del cine, pero especialmente conocido por los memorables títulos de crédito en películas como Con la muerte en los talones, Vértigo, Psicosis, El hombre del brazo de oro o Anatomía de un asesinato.
Por cierto, el cártel original con una hormiga saliendo de la palma de una mano quedó muy Daliniana. Sin ir más lejos, y prosiguiendo en el cine, una imagen idéntica puede verse en El perro andaluz de Luis Buñuel y Salvador Dalí.
El título español es similar y quiere aprovecharse del de la popular Encuentros en la tercera fase, (Close Encounters of the Third Kind, Steven Spielberg, 1977), un film posterior al de Saúl Bass, pero cuya coincidencia en el título se explica porque a pesar de ser anterior a esta, Sucesos en la IV fase llegó a nuestras pantallas con retraso, estrenándose en 1980.
DAY OF THE ANIMALS (William Girdler, 1977)
Un pequeño microcosmos humano recibirá el ataque de diversos animales afectados por los rayos solares a causa de la acción humana sobre la capa de ozona.
Deudora del cine de catástrofes que tanto predicamento tuvo durante los años setenta, cuesta ver a Leslie Nielsen, uno de sus protagonistas, como actor dramático, y más cuando pierde la cabeza, también a causa de los rayos gamma, y comienza a hacer de las suyas. Aunque la premisa que denuncia sigue estando más que vigente, la película ha envejecido bastante mal, la verdad.
Day of the Animals cuenta con la participación de otros actores, como Christopher George o Lynda Day, matrimonio en la vida real que más tarde terminaron recalando en el cine de Piquer Simón, para el que protagonizando la, por muchos motivos, mítica, Mil gritos tiene la noche (1982).
LARGO FIN DE SEMANA (Long Weekend, Colin Eggleston, 1978)
Una remarcable película australiana, que mediante dosis de terror clásico refleja la destrucción sistemática de la relación de los protagonistas mientras son atacados por las fuerzas desatadas de la naturaleza. Todo con denuncia ecologista e incluso antiabortista de por medio. Los dos protagonistas, en especial él, consiguen ser dos zoquetes de marca a los que desearemos una muerte lo más dolorosa posible. Maravillosa fotografía y bellos paisajes de la fauna australiana, tan marciana como siempre.
La pareja protagoniza realiza pequeñas acciones inconscientes y cotidianas como usar insecticida, tirar colillas por la ventanilla del coche, llenar todo de basura, cazan y pescan o atropellan incluso un canguro, acciones que, quien más
quien menos, todos ustedes han hecho alguna vez (bueno, sustituyan canguro por perro o gato o paloma o persona).
Todo ello parece provocar un anómalo y violento comportamiento de los animales, que atacan a la pareja. Como es el caso de una zarigüeya, que atacó realmente al actor. Si, ya les dijimos que los protagonistas eran bastante cretinos. Los sucesos y los ataques se desatan sin justificación aparente, aunque en un momento se habla en la radio de avistamientos de ovnis, extremo este en el que, afortunadamente, no se incide.
Posiblemente Long Weekend es la mejor de esta selección, cuyo guion se debe a Everett De Roche, responsable del libreto de otras producciones australianas de terror como Patrick y Razorback, la siguiente que pasamos a analizar.
RAZORBACK, LOS COLMILLOS DEL INFIERNO (Razorback, Russell Mulcahy, 1984)
En Razorback, los colmillos del infierno el mensaje ecologista, quizás animalista, brilla menos por su ausencia. Se centra en un jabalí enorme que se lleva a las personas e incluso las casas por delante. Con algunos afortunados gags, en esta, su primera película, Russell Mulcahy demuestra su escaso cariño por la fauna humana autóctona del sur de Australia, unos rednecks de mucho cuidado. Incluso utiliza el truco de Hitch de cargarse a la supuesta protagonista cuando ya nos habíamos habituado a ella. Por su parte el monstruo es un animatronic al que apenas se ve. Con cierta ambientación apocalíptica (una de sus actrices participa en Mad Max 2) la película posee un diseño de producción muy de su época (azules, humos…) pues no en vano el director se introdujo en el oficio rodando muchos video-clips en los años ochenta, atmósfera que traslada a su película y que alcanzaría su culmen con Los inmortales (Highlander) en 1986.

LA BESTIA BAJO EL ASFALTO (Alligator, Lewis Teage, 1980)
La historia pone en imágenes la leyenda urbana de que en las cloacas de NY hay caimanes que han crecido tras ser tratados como mascotas y tirados por el retrete al crecer, a lo que los guionistas han sumado un vertido de hormonas de crecimiento a las cloacas, todo lo cual han convertido a un cocodrilo normal en un en una mala bestia gigante. Todo ello mezclado con un relato policial sobre un agente caído en desgracia.
Alligator es una simpática producción protagonizada por el recientemente fallecido Robert Foster, al que Tarantino dotó de nueva vida al ponerlo de co-protagonista en Jackie Brown (1997). Los efectos especiales son imaginativos, con un pequeño caimán andando en cámara lenta por calles en miniatura secundado por los animatronics de turno. A esto se suman unos saludables toques de comedia y un Henry Silva haciendo de cazador chulopiscina.
El director, tres años después rodaría la adaptación cinematográfica de Cujo, la novela de Stephen King, así como Los ojos del gato (Cat’s Eye, 1985), también basada en narraciones de King.
Por cierto, como el final es abierto, once años después un nuevo director tomó el relevo y rodó una secuela: La bestia bajo el asfalto 2 (Alligator II: The Mutation, Jon Hess, 1992).
Tráiler y póster de ‘Until Dawn’
Nuevo tráiler y el póster oficial de UNTIL DAWN, la película de acción real basada en el premiado videojuego de terror homónimo creado por PlayStation Studios, que llegará exclusivamente a los cines españoles el 25 de abril.![]()
Sinopsis: Un año después de la misteriosa desaparición de su hermana Melanie, Clover y sus amigas se dirigen al remoto valle donde desapareció en busca de respuestas. Mientras exploran un centro de visitantes abandonado, son acechadas por un asesino enmascarado que las mata una a una de forma horrible… para después despertar y encontrarse de nuevo al principio de la misma noche. Atrapadas en el valle, se ven obligadas a revivir la pesadilla una y otra vez, solo que cada vez la amenaza asesina es diferente y aún más aterradora que la anterior. Con la esperanza menguando, el grupo pronto se da cuenta de que solo les queda un número limitado de muertes y que la única forma de escapar es sobrevivir hasta el amanecer.
Dirigida por David F. Sandberg (Nunca apagues la luz, Annabelle: Creation), con guion de Blair Butler y Gary Dauberman (Annabelle, La monja, It) y producida por Sandberg y Dauberman, entre otros, está protagonizada por Ella Rubin, Michael Cimino, Odessa A’zion, Ji-young Yoo, Belmont Cameli, Maia Mitchell y Peter Stormare, en su papel original como Dr. Hill.
‘Peter Pan’s Neverland Nightmare’ destinada a ser el mejor estreno del género de terror de 2025
Una vez estrenada Winnie The Pooh: El Bosque Sangriento, a lo largo de 2025 el Poohniverse seguirá ensangrentando las pantallas y las butacas de los cines con los siniestros retratos de Peter Pan, Bambi o Pinocho, emulando el MCU (Marvel Cinematic Universe), con sus versiones retorcidas de personajes de cuentos clásicos.
Peter Pan’s Neverland Nightmare se ha estrenado en Estados Unidos obteniendo una recaudación de más 230.000 dólares con un número reducido de copias, que la distribuidora va a ampliar debido a su excelente acogida. El film llegará a los cines españoles a lo largo del primer trimestre de este año. Se trata de una adaptación de la obra teatral original, creada por James Matthew Barrie. El escritor escocés estrenó en 1904 el montaje titulado Peter Pan y Wendy, que luego convirtió en novela aunque la edición completa no se publicó hasta 1928.
Peter Pan’s Neverland Nightmare reinventa el cuento clásico de Peter Pan en una versión mucho más oscura y violenta. En esta película de terror, Wendy Darling debe enfrentarse a un retorcido y cruel Peter Pan para salvar a su hermano Michael de las garras de este despiadado villano.
Scott Jeffrey (Firenado, Kingdom of the Dinosaurs, Spider in the Attic), productor de la saga del Poohuniverse junto con Rhys Waterfield y actor de Winnie The Pooh: el bosque sangriento, ha sido el encargado de dirigir la película en cuyo reparto están Megan Placito dando vida a Wendy, Martin Portlock (A Cold Grave, Fluorescent Sky) en la piel de Peter Pan, Kit Green dando vida a Campanilla, Peter DeSouza como Michael, Kierston Wareing interpretando a Roxy y Nicholas Woodeson.
En palabras del director «esta es una película extremadamente oscura al tratar el tema de los niños secuestrados. Todas las películas de nuestro universo Pooh serán diferentes a la anterior. Entonces, si una no es para ti, entonces tal vez la próxima sí lo sea. Peter Pan es el más cruel de todos. Es retorcido, despiadado y astuto”.
Poohuniverse Monster’s Assemble
Según el propio Scott Jeffrey, productor de la saga, el Poohuniverse Monster’s Assemble «se filmará en marzo de 2025 y contará con todos los supervivientes de ‘Winnie de Pooh: el bosque sangriento’, ‘Peter Pan’, ‘Bambi’… y todos los villanos provenientes del Poohuniverse y otros que no han aparecido todavía porque aún no hemos rodado esas películas, todos regresando juntos y básicamente enfrentándose entre ellos, va a ser salvaje.
Toda mi vida he estado obsesionado con las películas de terror y siempre he querido ver una película con los personajes de ‘Scream’, ‘Hellraiser’, ‘Muñeco diabólico’, ‘La matanza de Texas’, en una película matando gente y enfrentándose los unos a los otros. Algo que nunca había ocurrido porque son iconos que pertenecen a diferentes sellos. Así que, ésta es una oportunidad para ver la película que siempre he querido ver. Por supuesto, está ‘Freddy contra Jason’, pero esto es más como una versión de terror de Avengers.»
Jeffrey añade: «el proyecto ‘Poohniverse: Monsters Assemble’ no solo promete ser una revolución en términos de producción y de concepto, sino también en cuanto a trama y personajes. Personajes como Winnie the Pooh, Tigger, Rabbit, Owl y Piglet serán parte de esta nueva historia, al lado de figuras de otras obras clásicas como Pinocho, la Bella Durmiente, Bambi, el Sombrerero Loco, Peter Pan y Campanilla.
“Al director de la película Rhys Frake-Waterfield y a mí nos encantaría ver una película de terror en la que los villanos se agruparan y fueran a por los supervivientes. Tenemos en mente algunos escenarios increíbles, quien inspirado en los crossovers del cine de terror como ‘Freddy vs Jason’ y superhéroes, asegura que será una completa carnicería».
F&P Media estrenará en cines próximamente varias esperadas entregas de la saga del Poohunivese, además del citado Assemble. Las siguientes películas que llegarán a las las pertenecientes al Universo Infantil Retorcido son: Bamby the Reckoning, Pinocho Unstruck y Awakening Sleeping Beauty. #Staytuned
Primeras imágenes de ‘La Vida de Chuck’, la increíble historia de un hombre que dejó su huella en el universo
Es inevitable ver esta película y decidir, al instante, que se ha convertido en una de tus películas favoritas. Y es que lo tiene todo: universos que explotan, clases de baile, una habitación misteriosa a la que jamás en tu vida deberás entrar bajo ninguna circunstancia…y por supuesto una historia de amor. No podía faltar el amor en una película como esta.

Y, a no ser que seas uno de los privilegiados que ya pudo verla en el Festival de Toronto (en el que, por cierto, se llevó el premio del público), seguro que estarás pensando que no puede ser para tanto, así que vamos a darte no uno, ni dos, ni tres, sino cinco motivos por los que La Vida de Chuck es una película maravillosa:
1. Está basada en un relato de Stephen King del mismo nombre, publicado en su libro La sangre manda (If it bleeds)
2. Está dirigida por Mike Flanagan, responsable de maravillas como La maldición de Hill House, Doctor Sueño o Misa de medianoche.
3. Está protagonizada por Tom Hiddleston (Los Vengadores, Thor, Loki…), Mark Hamill (La guerra de las galaxias), Chiwetel Ejiofor (12 años de esclavitud; Love Actually), Karen Gillan (Guardianes de la galaxia; Vengadores: Endgame), Jacob Tremblay (La habitación; Wonder), entre otros muchos grandes artistas.
4. Es una película multigénero. Sí, a nosotros también nos encantan. Estarás un buen rato sin entender absolutamente nada, pero todo cobrará sentido al final.
5. Ganó el Premio del Público en el Festival de Cine de Toronto 2024. Sí, ya lo hemos dicho, pero es que el premio del público es el premio del público…

¿Pero de qué trata La vida de Chuck?
Es una historia dividida en tres actos, narrados en orden inverso, que explora la vida de Charles Krantz, un hombre común (de profesión contable) cuya existencia adquiere un significado cósmico y profundo.
La historia comienza con un mundo a punto de desaparecer: mientras las estrellas explotan, las ciudades se desmoronan y las tecnologías dejan de funcionar, aparecen misteriosos anuncios con la frase «¡Gracias, Chuck, por 39 grandiosos años!».
A medida que esta historia retrocede, descubrimos fragmentos clave de la vida de Chuck: su trabajo, su amor por la música, sus luchas personales… Un relato que entrelaza elementos realistas, con toques de fantasía, para explorar la importancia de los momentos individuales en la vida y cómo cada persona deja su huella en el universo.

Sinopsis: Cada año, Berrow (un pequeño pueblo inglés) celebra un festival de otoño para dar gracias por la cosecha. Los lugareños se visten con disfraces extravagantes y una figura enmascarada conocida como el Señor del Caos los dirige para expulsar a Gallowgog, un espíritu maligno. Este año, la pequeña Grace ha sido elegida para interpretar al Ángel de la Cosecha. Al anochecer, una procesión lleva a los habitantes hasta un campo ceremonial donde arden tres grandes hogueras y Rebecca pierde la pista de Grace entre la multitud. Temiendo que se haya adentrado en el bosque, Rebecca la busca en vano, pero su hija ha desaparecido. El día siguiente es un infierno para Rebecca. La policía registra el área que rodea a Berrow en busca de Grace, pero no encuentra ningún rastro. Henry (Matt Stokoe), marido de Rebecca, descubre un video que muestra a Grace al borde del bosque, hablando con el hombre disfrazado de Gallowgog. El dueño del bar lo identifica como Derry Nash, un lugareño con problemas, y los Holland se dirigen hasta la granja de su abuelo para hablar con él, aunque se encuentran con que también ha desaparecido. Dentro de su coche descubren un horripilante santuario dedicado al espíritu de Gallowgog y todo apunta a que Derry sea el responsable de la desaparición de Grace.
Esta comedia de acción española, a medio camino entre Airbag (Juanma Bajo Ulloa) y
Este programa doble del enfant terrible Gaspar Noé (Irreversible, Entre the void) retrata algunos de las pasiones encontradas y recurrentes del propio director en su inclasificable cinematografía en un juego de contrastes solo a la altura de los más grandes cineastas: la vida y la muerte, la violencia y el amor, el caos y el orden natural de las cosas.
Guillermo Barreira (The Invisible Worm) dirige esta película de terror inmisericorde con fantasmas, muertes y sanguinarias sorpresas que deleitarán a los fanáticos del verdadero terror de serie B. Producida por Raúl Cerezo (La Pasajera, Viejos), Helion Ramalho (Magical Girl) y por el propio director, 
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