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Tráiler de ‘M3GAN 2.0’: el retorno de la muñeca diabólica
Disponible el teaser tráiler en español de M3GAN 2.0, la nueva entrega de la exitosa película de Blumhouse que cautivó al público en 2023. La icónica muñeca asesina regresa a la gran pantalla en una salvaje cinta que vuelve a contar con la dirección de Gerard Johnstone. M3GAN 2.0 se estrena en España el 27 de junio, exclusivamente en cines.
Sinopsis:Dos años después de que M3GAN, un auténtico prodigio de la inteligencia artificial, fuera finalmente destruida tras perder totalmente el control y dar rienda suelta a sus tendencias asesinas (siempre con una coreografía impecable), su creadora Gemma (Allison Williams) se ha convertido en una prominente autora y defensora de que el gobierno supervise todos los avances en esta materia. Entretanto, su sobrina Cady (Violet McGraw), ya con 14 años, es una adolescente que se rebela contra las sobreprotectoras reglas de Gemma. Lo que ellas no saben es que una poderosa compañía de desarrollo de defensa ha robado la tecnología empleada para M3GAN y la ha usado para crear un arma militar conocida como Amelia (Ivanna Sakhno; Ahsoka, Pacific Rim: Insurrección), la espía asesina definitiva. Pero, a medida que Amelia va cobrando conciencia propia, pierde interés en recibir órdenes de los humanos. Y en convivir con ellos. Con el futuro de la humanidad pendiendo de un hilo, Gemma se da cuenta de que no hay más opción que resucitar a M3GAN (Amie Donald, con voz en VO de Jenna Davis) e implementar a su creación unas cuantas mejoras para hacerla más rápida, más fuerte y más letal. Cuando sus caminos se cruzan, la macabra muñeca original tendrá que enfrentarse a una rival a su altura.
El original equipo creativo tras el fenómeno de la primera entrega —encabezado por los pesos pesados de la industria del terror James Wan para Atomic Monster, Jason Blum para Blumhouse y el director Gerard Johnstone— lanza ahora una nueva y salvaje entrega de IA desatada con M3GAN 2.0.
M3GAN 2.0 está dirigida de nuevo por el cineasta Gerard Johnstone y cuenta otra vez en su reparto con Brian Jordan Alvarez y Jen Van Epps interpretando a los leales compañeros de Gemma, Cole y Tess, a los que se suman ahora Aristotle Athari (Saturday Night Live, Hacks), Timm Sharp (Apples Never Fall (Un revés inesperado), Percy Jackson y el ladrón del rayo) y el ganador de un Grammy y nominado en 11 ocasiones a los Emmy Jemaine Clement (Avatar: El sentido del agua, Lo que hacemos en las sombras).
La película está producida por James Wan, Jason Blum y Allison Williams, y la producción ejecutiva corre a cargo de Gerard Johnstone, Adam Hendricks, Greg Gilreath, Michael Clear, Judson Scott y Mark D. Katchur.
La primera película de M3GAN reventó los récords de taquilla con una recaudación de 30,4 millones de dólares en Estados Unidos, marcando el fin de semana de estreno más taquillero para una película de terror clasificada para mayores de 13 años desde Un lugar tranquilo 2. La película alcanzó una recaudación de más de 180 millones de dólares en todo el mundo.
El festival de cine B-RETINA cumple diez años y lo celebrará con “las fiestas y celebraciones más alocadas” del séptimo arte
Con el eslogan “¡La fiesta definitiva! ¡Será B-RUTAL! ¡Será B-ESTIAL!”, el evento busca “festejar a lo grande lo conseguido en todo este tiempo” y, para ello, los responsables tirarán “la casa por la ventana con sesiones especiales, sorprendentes y más serie B que nunca”. Para entender mejor el leitmotiv de la décima edición de B-RETINA, desde el certamen mencionan “grandes ejemplos de fiestazas en el cine”, como “Murder Party” (2007), “The Slumber Party Massacre” (1982), “This is the end” (2013) o “Project X” (2012). Son películas que no necesariamente formarán parte de la programación, pero que permiten hacerse una idea de lo que el público puede esperar.
En palabras de David Bravo, director de B-RETINA, “parece mentira que ya hayan pasado diez años llenos de monstruos, superhéroes, bárbaros, amas de casa alienígenas, zombis, los mejores efectos especiales, un Spaghettiman, indios, cowboys, Nicolas Cage y, en definitiva, las historias más peculiares y únicas que solo este evento se atreve a poner en la gran pantalla”. Y señala que “este cumpleaños no es solo del festival, sino también de todo el público fiel que ha reído, gritado y flipado a lo largo de esta década y que tendrá gran protagonismo a la hora de determinar parte de la programación”. En este sentido, Sabina Pujol, directora artística del certamen, adelanta que “habrá sesiones retrospectivas con títulos aclamados en anteriores ediciones y serán precisamente los fans del festival quienes elijan algunas de las películas que se rescatarán”.
Como es habitual cada año, el festival contará nuevamente con su Sección Oficial a Competición, que reunirá las producciones nacionales e internacionales más originales y atrevidas, así como con el prestigioso Concurso Internacional de Cortometrajes, reconocido por presentar las mejores propuestas en formato reducido, especialmente dirigidas a los amantes del cine de Serie B. Asimismo, el público podrá disfrutar de la participación de destacados invitados y de una variada programación de actividades paralelas. En los próximos meses se darán a conocer los títulos definitivos de la programación, así como los nombres de los invitados.
B-RETINA es el único festival de cine de serie B de toda Cataluña y su anterior edición, celebrada en septiembre de 2024, volvió a registrar cifras de asistencia récord, con más de 1.800 espectadores procedentes no sólo de diferentes puntos de España, sino también del extranjero –como los miembros del BUTT Festival de Holanda–, con casi todas las sesiones rozando el sold out.
A través de su variada y singular programación, el festival B-RETINA ha confirmado una vez más que el cine de Serie B vive un gran momento y ha superado los estigmas que lo acompañaron en el pasado. Lejos de ser considerado «malo, barato o de baja calidad«, se ha consolidado como un tipo de cine apreciado por su autenticidad y creatividad. Este es uno de los grandes logros que persigue la organización, y el creciente número de seguidores demuestra que el objetivo está siendo alcanzado.
Como miembro del TAC (Terror Arreu de Catalunya), B-RETINA participa también en la programación del Festival de Cinema de Sitges, el Festival de Cine Cardoterror y el FantBoi de Sant Boi de Llobregat. Cabe destacar que desde el año 2018, B-RETINA es miembro del Catalunya Film Festival y organiza distintas actividades durante el año relacionadas con el género, como la participación en la última edición del Saló del Cinema i de les Sèries.
VAMOS DE ESTRENO * Miércoles 1 de enero de 2025 *
HERETIC (Scott Beck y Bryan Woods, 2024)
USA. Año: 2024. Duración: 110 min. Guion: Scott Beck, Bryan Woods Música: Chris Bacon Fotografía: Chung Chung-hoon Compañías: Beck Woods, Catchlight Studios, Shiny Penny Productions. Distribuidora: A24 Género: Terror.
Reparto: Hugh Grant, Sophie Thatcher, Chloe East, Elle McKinnon, Carolyn Adair, River Codack
Sinopsis: Dos jóvenes misioneras se ven obligadas a demostrar su fe cuando llaman a la puerta equivocada y son recibidas por el diabólico Sr. Reed (Hugh Grant). Los tres se verán envueltos en un brutal juego del gato y el ratón durante una larga noche de tormenta.
Scott Beck y Bryan Woods proponen al espectador un retorcido juego que se desarrolla en un único tablero contando con tan solo tres piezas: «Con Heretic, queríamos provocar a nuestro público. Pensamos que sería especial escribir un guion estremecedor donde el miedo y el terror surgen del diálogo, a través de las palabras y los conceptos que se exponen [···] Si hemos hecho bien nuestro trabajo, el público aportará sus propias ideas sobre la religión al discurso de la película: ¿Qué creemos y qué no creemos?».
Un diálogo sobre la religión y la fe protagonizado por dos caperucitas magistralmente encarnadas por Sophie Tatcher y Chloe East, como dos misioneras que llaman a la puerta equivocada en su afán por evangelizar y un estupendo Hugh Grant como elegante y perverso lobo. «Lo que hace a Hugh Grant tan perfecto para el papel del Sr. Reed», comenta la productora Stacey Sher, «es que, en Heretic, le vemos en un registro que no se parece a nada que haya hecho antes, pero a su vez, el actor utiliza todas las técnicas y trucos que nos encantan y nos son familiares para darles una vuelta macabra».
El terror de Heretic no está en los monstruos o en los sustos fáciles, lo inquietante se halla en los diálogos, en lo que propone. También en los sonidos y la atmósfera aterradora, que contrasta con lo que sucede en la pantalla. Lo inesperado, la confusión. El horror. Tan hermética como angustiosa y con tres interpretaciones brillantes, Heretic (Hereje) es una experiencia aterradora que una vez finalizada deja un poso en el espectador que invitará al diálogo.
QUEER (Luca Guadagnino, 2024)
Italia/USA. Duración: 135 min. Guion: Justin Kuritzkes. Novela: William S. Burroughs Música: Trent Reznor, Atticus Ross Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom Compañías: The Apartment, Frenesy Film Company, Fremantle Media North America, Cinecittà, Frame by Frame Género: Drama
Reparto: Daniel Craig, Drew Starkey, Jason Schwartzman, Henry Zaga, Omar Apollo, Lesley Manville, David Lowery, Ariel Schulman, Gilberto Barraza, Drew Droege, Lisandro Alonso, Andrés Duprat, Andra Ursuta
Sinopsis: En 1950, William Lee, un expatriado estadounidense en la Ciudad de México, pasa sus días casi completamente solo, excepto por algunos contactos con otros miembros de la pequeña comunidad estadounidense. Su encuentro con Eugene Allerton, un exsoldado expatriado nuevo en la ciudad, le muestra, por primera vez, que puede ser posible establecer una conexión íntima con alguien.
Es Capricornio y mide 1.78 metros. Prefiere hacer teatro. Sus ojos son en realidad azules con un gran iris color avellana, lo que les da una apariencia «verde» falsa. Así podríamos describir a Timothée Chalamet si jugamos con los destacados aleatorios que señala el algoritmo de Google como respuesta a la búsqueda “Timothée Chalamet críticas y elogios”. Auténtico icono de estilo, el actor es carne de club de fans, pero también pasto fresco para haters, despierta admiración y odio casi a partes iguales, tal vez, lo uno y lo otro, porque su presencia y su posicionamiento ante el mundo le convierten en encarnación de esa nueva masculinidad que unos reivindican, mientras otros la ven como concesión a la denostable corrección política. Lo que nadie podrá negarle a Chalamet es que es uno de los actores más relevantes de su generación, antes de cumplir lo 30 ya tiene a sus espaldas una carrera prolífica y varios galardones de reconocimiento, incluida la nominación al Óscar a mejor actor. Su talla interpretativa quedó probada y puesta a prueba en ese largo primer plano fijo que se centra en su rostro expresivo en el cierre de Call me by your name. Chalamet cumple la exigencia que requiere ese plano tanto como Daniel Craig hace lo propio en el punto central de Queer. Y este era el destino que queríamos alcanzar con nuestra excursión introductoria, detrás de ese reto actoral hay un nombre, Luca Guadagnino, el director que mejor ha combinado en su cine lo sensorial y lo conceptual. Someter a sus protagonistas al desafío de sostener el plano, no hieráticos o circunspectos, sino evidenciando el torbellino de sensaciones que recorre a sus personajes, casi lo podríamos considerar una constante autoral en el cine de Guadagnino, que es el que nos convoca a escribir este artículo a tenor del estreno español de Queer, obra que supone, a nuestro juicio, la consagración de su estilo.
Luca Guadagnino figura como atracción en la guía online de la Toscana, donde se le describe como “artista polifacético, es diseñador gráfico, pintor y escenógrafo (diseñó el decorado de “A Bigger Splash”), pero su mayor talento puede ser su insaciable curiosidad por todo y todos los que lo rodean, lo que lo llevó al cine. Más allá del cine, Guadagnino es un creador de tendencias que dirige óperas y ballets, ayuda a crear objetos de diseño y mobiliario y asesora a jóvenes 
creativos. Luca, que invitaba a todos los actores y al equipo a su casa para una gran barbacoa después de un rodaje, también es un chef consumado”. Casi un hombre del Renacimiento, su cine es absolutamente personal, el siciliano es uno de esos directores que imprimen carácter a su obra, pues siempre parecen estar indagando, estética y conceptualmente, los temas que más les describen y obsesionan. En activo desde 1997, el éxito le llega a raíz de la llamada (por la crítica) Trilogía del deseo: Io sono l’amore (2009); Cegados por el sol (2015); Call me by your name (2017). En estas tres piezas es donde más se reconocen sus estilemas, los principales serían: el meticuloso diseño de la estética visual, definida ésta por imágenes sensoriales, ricas en color, textura y simbolismo; su capacidad para explorar la complejidad de la identidad humana a través de unos personajes que se desarrollan y transforman mientras interactúan con su entorno, sus relaciones y, sobre todo, consigo mismos; y el esmero puesto en envolver sus cintas con una significativa atmósfera musical, la banda sonora juega un papel crucial a la hora de establecer el tono emocional y la atmósfera de sus historias. Estos rasgos principales se suman dando a su cine un carácter de sinestesia, pues, su trabajo rebasa los meros límites de lo visual haciendo que recibamos las imágenes usando la confluencia de nuestros cinco sentidos. Son constantes más formales que de contenido, por eso Guadagnino ha podido adentrarse en otros géneros, como ha sido su excursión por el fantástico con dos títulos muy a considerar como son Suspiria (2018) y Hasta los huesos (Bones and all) (2022). Con Queer regresa a la esfera del deseo y este su último trabajo enlaza directamente con Call me by your name, casi como si se continuara, pero incorporándole toda su experiencia con lo que le ha dado de sí el fantástico. Posiblemente ha sido esa fusión de estilemas la que le ha puesto en las mejores condiciones para trasladar al cine el universo de William Burroughs.
Novelista, artista visual, ensayista, crítico social, miembro destacado de la generación beat, padre del movimiento, de hecho, aunque él siempre renegara de tal consideración, Burroughs es uno de esos autores en las que la circunstancia personal supera el peso de su obra en el imaginario colectivo. Toxicómano, homosexual en una época en la que todavía pesa la repulsa social sobre quienes no se ajustan al patrón heteronormativo, homicida por accidente (mató a su esposa en un alarde de ingenio transgresor en el que pretendió hacer la gracia de emular la puntería de Guillermo Tell), en su capacidad de renovar el lenguaje narrativo tuvo mucho peso su aptitud para integrar y modelar su propia peripecia vital en sus creaciones. Buen ejemplo de ello es Queer, novela temprana (1952) de publicación tardía (1985), un trabajo en el que da cuenta de su aventura mexicana. México resultó para los artistas americanos, durante el siglo XX, una meca del exotismo casi en la misma medida que lo había sido América para los europeos en los momentos de la conquista. Para el 
alter ego de Burroughs y protagonista de Queer, la Ciudad de México era aquel lugar donde la muerte coqueteaba con lo cotidiano, pero también era un lugar de libertades alcohólicas y sexuales en donde nadie se involucraba en juzgar lo que cada uno hacía con su existencia. Pieza casi íntima y confesional, Luca Guadagnino reconoce que la obra de Burroughs le encandiló cuando era joven: «Leí el libro con 17 y era un chico solitario. Diverso. Sentí muy cerca la profunda conexión que describe entre los dos personajes, la falta de juicio, la idea del romance como una aventura… me transformó y cambió para siempre. Quería ser leal con ese chico joven llevándolo a la gran pantalla”.
Y el director se ha sido leal a sí mismo y honesto con la novela, aunque su adaptación no sea literal sino que le haya servido de base para profundizar sus propias reflexiones y su imaginario. Ya decíamos que viene a ser una continuación de Call me by your name, pero en este caso, el affaire entre Guadganino y Burroughs nos lleva al reverso oscuro, crepuscular y salvaje de aquel luminoso despertar romántico y sensual que nos hechizó en su película de 2017. Estamos ante otro análisis del deseo, mucho más universal que los discursos sobre la identidad tan en boga, “Lo que más me conmueve creo que es el deseo del individuo, me interesa más el inconsciente de los personajes que describo. Lo que queda fuera, lo que no sabes que sabes. O lo que sabes que no sabes. No creo que se trate de identidad. Creo que las políticas sobre la identidad son moda para el consumo”. Y en Guadagnino el deseo apunta más allá del goce inmediato, como si profundizándolo encontráramos una llave hacia el sentido. No es de extrañar que el director se sintiera atraído por la novela que ahora adapta, en su protagonista el deseo de las relaciones sexuales apunta al deseo de amar, al ansia de fusión total que acabe por hacer prescindible incluso al lenguaje. Dos son las ambiciones del personaje: el encuentro con cuerpos de su mismo sexo y conseguir algún reconocimiento social, y aquí entra en juego un tercer afán que los aglutina, la búsqueda de experimentar la ayahuasca como droga a la que se atribuye el don de hacer posible la telepatía, la comunicación extrasensorial de alma a alma. Guadagnino hace suyo el planteamiento de la novela y, diríamos, lo lleva más allá: la sexualidad apunta al amor como si estuviésemos ante un camino de ascesis desde la carnal hasta la espiritualidad más trascendente. Por nuestra propia formación y equipaje teórico, no podemos dejar de apreciar que el Burroughs de Guadagnino casi se convierte en un neoplatónico del amor humano. En la intensidad de las imágenes eróticas que envuelve los lances en un onirismo surrealista, casi nos parece leer un soneto de Francisco de Aldana:
«¿Cuál es la causa, mi Damón, que estando
en la lucha de amor juntos, trabados
con lenguas, brazos, pies y encadenados
cual vid que entre el jazmín se va enredando,
y que el vital aliento ambos tomando
en nuestros labios, de chupar cansados,
en medio a tanto bien somos forzados
llorar y sospirar de cuando en cuando?»
«Amor, mi Filis bella, que allá dentro
nuestras almas juntó, quiere en su fragua
los cuerpos ajuntar también, tan fuerte
que no pudiendo, como esponja el agua,
pasar del alma al dulce amado centro,
llora el velo mortal su avara suerte» (XVIII)
Un neoplatonismo pasado por psicotrópicos y sentimiento de fatalidad, sin embargo, sería el de Queer. La unión prístina espanta y lo crepuscular invade la trama. No ha sido posible sostener tanta belleza. Al éxtasis le ha seguido el quebranto. Pero ese no es el final, Guadagnino inventa un epílogo que nos convoca dos años más tarde y que supone un viaje visual que podría haber salido del mejor Lynch. Desenlace enigmático que nos deja el sabor de una gota de esperanza en la amargura.
Y podríamos dejarlo en nuestra conclusión igualmente enigmática, pero si empezábamos hablando de Timothée Chalamet, justo es dedicarle unas palabras a Daniel Craig para cerrar el círculo. Durante quince años, su metro setenta y ocho, sus ojos azules, su cabello rubio y su interpretación oscura, han dado cuerpo al agente con licencia para matar por antonomasia: Bond, James Bond. Comparado con el estilo clásico de sus antecesores, Craig interpreta a un Bond mucho más rudo y frío, menos formal y menos dado a las conductas de etiqueta; mucho más proclive a mostrar escenas crudas y de agilidad casi sobrehumana que, paradójicamente, se contraponen con una visión más humana y real de la clase de persona que podría ser un agente de este tipo. Y el acierto de saber convertir en el objeto sexual que emerge de las aguas a él mismo, en vez de Ursula Andress o a Halle Berry. El suyo ha sido un 007 adaptado a los tiempos sobre el que el actor afirmaba: “El papel de Bond, después de todo, se puede reducir al de un asesino básicamente. Nunca he interpretado un papel en el que el lado oscuro de una persona no deba ser explorado. No creo que deba ser confuso para la conclusión final de la película, pero durante la misma, debe hacer que te preguntes quién es él realmente.” En manos de Craig el propio Bond se convierte casi en antihéroe, por eso ha podido afrontar el desafío de demostrar su versatilidad interpretativa encarnando al solitario Daniel Lee de Burroughs para Guadagnino. El británico muda su piel para abandonar al icono heterosexual y abrazar un papel profundamente humano, lleno de matices y marcado por una época difícil para la comunidad homosexual. Del espía que asesina, pasa a ser un hombre atrapado entre el anhelo de amor y la frustración de no poder alcanzar la conexión que tanto desea. Lo que más conmovió a Craig fue la soledad inherente a William Lee. En su visión del personaje, vio a un hombre que, a pesar de vivir en una sociedad que lo marginaba, aún luchaba por encontrar un sentido de pertenencia y amor. También Craig como Chalamet, a su manera y ya desde su Bond, nos deja toda una gama de nuevas maneras de entender lo masculino.
Il futuro è donna, rezaba el título de la película de Marco Ferreri en 1984, cuarenta años después el enunciado parece haber sido toda una premonición, pero ese futuro en el que la mujer compita a pie de igualdad, no se puede dar sin la asunción proactiva de la relevancia de apostar por formas de masculinidad que entierren para siempre a la figura del macho alfa. Y el cine de Guadagnino, abrumador, sinestésico y subyugante, contribuye a enunciar esas nuevas formas de vivir lo masculino, con historias de amor alejadas de los convencionalismos románticos. Cantos a la libertad desde la reivindicación de la fragilidad. El futuro será de todos.
VAMOS DE ESTRENO * Miércoles 25 de diciembre de 2024 *
NOSFERATU (Robert Eggers, 2024)
USA. Duración: 132 min. Guion: Robert Eggers. Libro: Bram Stoker Música: Robin Carolan Fotografía: Jarin Blaschke Compañías: Focus Features, Stillking Films, Studio 8. Distribuidora: Focus Features Género: Terror
Reparto: Lily-Rose Depp, Bill Skarsgård, Nicholas Hoult, Aaron Taylor-Johnson, Emma Corrin, Willem Dafoe, Simon McBurney, Ralph Ineson, Paul A Maynard, Stacy Thunes
Sinopsis: El agente inmobiliario Thomas Hutter (Nicholas Hoult) acude a Transilvania para encontrarse con el Conde Orlok (Bill Skarsgård), un posible cliente vampírico. Durante su ausencia, Helen (Lily-Rose Depp), con la que se acaba de casar, se queda con un matrimonio amigo, Friedrich y Anna Harding (Aaron Taylor-Johnson y Emma Corrin). Perseguida por visiones y un creciente temor inexplicable, Ellen se enfrenta a una fuerza que no puede controlar.
Cuando supimos que se pergeñaba una nueva versión de la icónica película muda de F.W. Murnau, no pudimos menos que fruncir el ceño, pero nos sentimos aliviados al saber que como director estaría Robert Eggers. Y fue así porque Eggers nos parecía el más indicado para abordar esta delicada labor. La razón de ello nos las daba el propio realizador con sus obras anteriores, todas ellas lo suficientemente destacables como para vaticinar que el Nosferatu que se iba a realizar un siglo después, estaba en buenas manos.
En todo caso, es tan ridículo como inevitable visionar el Nosferatu de Robert Eggers comparándola con el de Murnau. Sencillamente, para los que la hemos visto tantas y tantas veces, el clásico nos asalta en cada fotograma de la nueva versión, pues ha sido tratado con un respeto y esmero que ha llevado a Eggers a casi reproducir algunas escenas. Se adivina una labor de amor.
Pero eso no significa que no haya cambios o se hayan potenciado algunos aspectos de la historia original, dejando otros en segundo plano.
Eggers mantiene y aumenta esta atmosférica pesadilla sobre todo en sus primeras escenas. Respeta y comparte el carácter pictórico que Murnau dio a varias de sus escenas y escenarios. Y cuenta con una magnífica banda sonora de Robin Carolan y una fotografía en color que recordaremos, para siempre, en blanco y negro, pues así de leve es su tintura.
El deseo femenino será el hilo conductor responsable de que el horror visite Wisborg. El sexo está muy presente y explica la presencia del aterrador ser. Un ser cuyo aspecto ha sido el secreto mejor guardado desde la imagen de Erik (Lon Chaney) en la cartelería y promoción de El fantasma de la ópera (1925). Y es en este punto en el que el espectador debe ser más tolerante, pues Eggers ha cambiado a su gusto al icónico vampiro de Murnau. También el episodio de la epidemia está más diluido y la plaga causada por la presencia del vampiro es tratada de pasada.
En su proyecto, que Eggers lleva acariciando desde su infancia, el director quería mostrar ese vampiro con olor a podredumbre, que «no es un elegante seductor vestido de esmoquin, ni tampoco es un atractivo y tenebroso héroe. El vampiro folclórico encarna la enfermedad, la muerte y el sexo brutal, despiadado. Y este era el vampiro que deseaba exhumar para un público actual.» Y lo ha conseguido plenamente, añadimos.
Durante el largo desarrollo de Nosferatu, Eggers tuvo la oportunidad de dar muchas vueltas a su guion, de aprender como director y productor, así como de reunir a un notable equipo de colaboradores tanto delante como detrás de la cámara. Contando con un ajustado reparto encabezado por un aterrado Nicholas Hoult, Bill Skarsgård (al que mejor no se molesten en reconocer), Lily-Rose Depp, Willem Dafoe, Emma Corrin y Aaron Taylor-Johnson, entre otros.
Pero pese a estos cambios, o quizás gracias a esas mismas variaciones, Nosferatu es aterradora, y con el film, el viejo cine de terror puede seguir sobrecogiendo a los espectadores un siglo después, tal y como vaticinó Bela Lugosi cuando exclamó «Dracula never ends«.
Diario de Serendipia en Sitges 2024: nuestro álbum fotográfico
Y tras ponerle a la crónica su punto final, llega el momento de pegar con cuidado al álbum de los recuerdos las mejores imágenes que registraron nuestras retinas. Acompáñennos en nuestro recorrido sentimental. [Todas las fotos son originales de Serendipia, menos la acreditada a otros autores]
Invocado el espíritu de los Freaks de Browning, comienza la 57 Edición:
un poco más allá de la King Kong Área se detiene lo real y lo imposible…
Art the clown es rey y señor, siempre preparado para saciar la sed de sangre…
…de un público que aguarda fiel y con ansia del siempre más extremo todavía.
Desde el escenario, el maestro de ceremonias…
…y el gran rey Kong, atemperan una atmósfera…
…que el fan se apresura en atesorar.
Extrañas criaturas saltan de la pantalla…
…milicianos zombis…
…y hasta angelicales trabajadoras del Fnac.
Porque bajo cielos henchidos de sol…
…o cubiertos por las más negras nubes,
Sitges siempre promete la mejor oferta…
…para disfrutarla en sus mágicas salas…
…que nos hacen sentir auténticos VIP.
Siempre hay un espacio para alternar con las estrellas bajo la atenta mirada de la novia…
…o para adquirir nuevos fetiches para nuestras colecciones.
Disfrutando de viejos amigos célebres…
…o descubriendo jóvenes y prometedores cineastas.
Sitges no morirá nunca, porque cultiva su cantera…
…y hasta las mascotas no quieren perderse detalle. (Foto de @sitgesfestival)
Cuando toca a su fin, ya empieza a renacer.
¡¡¡Preparen sus mejores camisetas que el Festival vuelve en 2025, entre el 9 y el 19 de octubre!!!!
Gastón, que tiene tantos años como ediciones lleva Serendipia viviendo el festival (16), lo sabe. Y también ha prometido que hará todo lo posible por volver a vernos el próximo octubre, cuando renazca todo.
Tráiler de ‘Bodegón con fantasmas’ de Enrique Buleo
Tráiler oficial de ‘Bodegón con fantasmas‘, dirigida por Enrique Buleo, que recientemente ha sido nominada a Mejor Película de Comedia en los Premios Feroz.
Sinopsis: Rodeados por viñedos y tierras de cereales, los habitantes de un pueblo de La Mancha pasan sus días con normalidad. Unos, los vivos, luchando contra los aprietos de la vida. Otros, los fantasmas, lidiando con los sinsabores de la muerte
La cinta cuenta con una trayectoria impecable que arrancó con el estreno mundial en la Sección Oficial a competición del Festival de Sitges, cosechando las primeras grandes críticas y recibiendo una calurosa acogida por el público. El estreno internacional tuvo lugar en el Festival de Varsovia para volver de nuevo a España como película de inauguración de Abycine y recibir allí el Premio Asociación de Periodistas. Posteriormente se alzó con el Premio Blogos de Oro al mejor largometraje en la Semana del Cine Fantástico y de terror de San Sebastián y recientemente en Rizoma recibió la Mención especial del jurado compuesto por la Ana Rujas, Jaume Ripoll y José Manuel Zamora, tras su paso por El Festival de Gijón (FICX).
Buleo escribe y dirige una comedia absurda, con tintes macabros y fantásticos, para hablarnos de como afrontan la vida y la muerte sus personajes, tan singulares como entrañables, de su Manchuela. Una historia poliédrica con una estética muy kitsch protagonizada por Consuelo Trujillo, Pilar Matas, Fernando Sansegundo, Eduardo Antuña, Enric Benavent, Jordi Aguilar, Nuria Mencía, Pepe Carabias, Bianca Kovacs y Patty Bonet, entre otros.
Bodegón con fantasmas es una producción de AmoraFilms (Alejandra Mora), Cuidado con el perro (Alicia Yubero, Juan Cavestany, Alvaro F. Armero), en coproducción con Sideral (Roberto Butragueño, Nuria Landete) y This and That (Snezana van Houwelingen).
Bodegón con fantasmas formó parte de la Incubadora de la ECAM y está recién aterrizada del First Look del Festival de Locarno. Cuenta con la financiación de Media, ICAA e IVC, la participación de À Punt Mèdia, CLM Media, CREA SGR, la colaboración de la ECAM y fue el ganador del Segundo concurso de Producción de Largometrajes y Series de TV, E Turia CLM promovido por Castilla la Mancha Film Comission y La Junta de Comunidades de CLM.
‘En las tierras perdidas’, la nueva película basada en el relato de George R. R. Martin
Dirigida por Paul W.S. Anderson, responsable de la saga Resident Evil, y protagonizada por Milla Jovovich (El quinto elemento; Residen Evil) y Dave Bautista (Guardianes de la galaxia; Dune: parte 2), En las tierras perdidas nos trae una historia de acción y aventura fantástica basada en el relato corto In The Lost Lands, extraído del libro Amazons II, escrito por George R. R. Martin y otros autores y publicado en 1982.
Sinopsis: Basada en el relato de George R. R. Martin. Una reina (Amara Okereke), desesperada por encontrar la felicidad en el amor, envía a la poderosa bruja Gray Alys (Milla Jovovich) a las Tierras Perdidas, en busca de un poder mágico que permite a una persona transformarse en un hombre lobo. Con el misterioso cazador Boyce (Dave Bautista), que la apoya en la lucha contra criaturas oscuras y despiadadas, Gray deambula por un mundo inquietante y peligroso. Pero solo ella sabe que, cada deseo que se concede, tiene consecuencias inimaginables.
La historia se centra en Asha, una joven guerrera que es enviada a unas Tierras Perdidas con un propósito en particular. En este territorio misterioso, lleno de peligros sobrenaturales y criaturas que amenazan su vida, Asha debe enfrentarse a varios desafíos relacionados con la magia oscura, la supervivencia, la ambición y el poder.
El relato en que se basa la película tiene un tono oscuro con una atmósfera tensa y peligrosa. A lo largo de su travesía, Asha no solo lucha contra las amenazas externas, sino que también tiene que lidiar con cuestiones internas de poder y sus propias decisiones morales. Una historia que comparte muchos de los temas característicos de Martin, como la complejidad de los personajes, las motivaciones contradictorias y la lucha por la supervivencia en un mundo cruel y peligroso.
En resumen, In the Lost Lands combina elementos de fantasía, aventura y magia, con la exploración de personajes fuertes que deben enfrentar situaciones extremas, todo dentro de un entorno oscuro y lleno de incertidumbre, algo muy típico de la escritura de Martin.
La película llegará a los cines en España el 25 de abril.
VAMOS DE ESTRENO * Jueves 5 de diciembre de 2024 *
HERE (Aquí) (Here, Robert Zemeckis, 2024)
USA. Duración: 104 min. Guion: Eric Roth, Robert Zemeckis. Novela gráfica: Richard McGuire Música: Alan Silvestri Compañías: ImageMovers, Playtone, Miramax. Distribuidora: Sony Pictures Género: Drama
Reparto: Tom Hanks, Robin Wright, Paul Bettany, Kelly Reilly, Michelle Dockery, Beau Gadsdon, Leslie Zemeckis, Dexter Sol Ansell, Jonathan Aris, Ben Wiggins, Lilly Aspell, David Fynn, Lauren McQueen
Sinopsis: Varias familias de diferentes generaciones formaron su hogar en una única habitación. Una historia de amor, pérdida, risas y vida, desde un pasado muy remoto hasta un futuro próximo. Un viaje a lo largo de cientos de miles de años que transcurre, de principio a fin, en un solo lugar: aquí.
Resulta original el enfoque que se ha buscado para narrar una historia convencional. Tan convencional como la nuestra. Con pequeños acontecimientos privados y compartidos con la Humanidad. Robert Zemeckis ha reproducido la estructura del cómic original Here de Richard McGuire y se ha centrado en un punto de la geografía norteamericana en el cual un enorme dinosaurio deja su huella y que, pasados los siglos, será la salita de estar de diversas generaciones de anodinos estadounidenses, con sus pequeños dramas y alegrías. La cámara no se moverá de ahí, de ese único escenario. Como en el teatro, y el cine primigenio, serán los actores los que se interactuarán ante el objetivo. Así, el espectador será testigo de excepción de los cambios que afectan al rincón que luego se convertirá en una sala de estar. Lugar en el que la historia con mayúsculas también se desarrolla, ya sea como escenario de la Guerra Civil o como el nacimiento de la Beatlemanía, con la televisión en todos los hogares y la actuación de los Beatles en el Show de Ed Sullivan.
Durante el film (y el cómic) se mezclarán épocas pretéritas y presentes, aunque la historia principal será la de la pareja interpretada por Tom Hanks y Robin Wright, a los que veremos nacer, formar una familia y envejecer en ese único escenario. El film, 30 años después del estreno de Forrest Gump, vuelve así a reunir a su director (Robert Zemeckis), guionista (Eric Roth) y dos de sus protagonistas (Tom Hanks y Robin Wright) en la gran pantalla donde, gracias a la magia de la tecnología, los veremos deambular de adolescentes a ancianos interpretados por los propios actores. Zemeckis, gran apasionado de la tecnología y los efectos visuales ha recurrido a Methaphysic Live, una innovadora herramienta que, mediante tecnología hiperrealista, permite crear efectos de rejuvenecimiento en directo y en tiempo real en la cara de los actores sin necesidad de usar efectos especiales.
El círculo de la vida y la muerte se desarrollará en la pantalla en un continum que no dejará ni un momento para mirar el reloj. Personajes que parecen salidos de una película de Frank Capra, con todo el buenismo imaginable, pero sin la magia de aquellos, mostrarán todo lo bueno del norteamericano medio, trabajador y fiel a las tradiciones, sea de la raza que sea.
Además de Hanks y Wright, el film cuenta con la participación de, entre muchos otros, Paul Bettany (Mi tío Frank, Vengadores: Infinity War), Kelly Reilly (Yellowstone, El vuelo) y Michelle Dockery (The Gentlemen: Los señores de la mafia, Downtown Abbey: Una nueva era). Y el célebre y multipremiado compositor Alan Silvestri (Polar Express, Forrest Gump) es el responsable de la deliciosa partitura original.
“Al Margen”, de Eduardo Casanova, se estrenará en Filmin el 29 de noviembre
Filmin estrenará el próximo viernes 29 de noviembre el documental ‘Al margen’, el tercer largometraje de Eduardo Casanova, el director detrás de ‘Pieles’ o ‘La Piedad’. Tras su estreno mundial en el Atlàntida Mallorca Film Fest, la película celebró anoche (19 de noviembre) su estreno peninsular inaugurando la 12ª edición de Rizoma con la presencia del director y las entradas agotadas.
Al margen es la primera incursión en el formato de largometraje documental del joven cineasta madrileño, cuya filmografía ha sido reconocida con el Arrebato de 
Ficción de los Premios Feroz y el Premio Especial del Jurado de Karlovy Vary por La Piedad, además de numerosas nominaciones y selecciones en festivales nacionales e internacionales (Festival de Sitges, Festival de San Sebastián, Berlinale, Festival de Torino, etc). Al margen es un filme que, como versa su sinopsis oficial, retrata a Moisés, un hombre que en el año 2010 se quemó a lo bonzo en pleno centro de Madrid, ocupando las noticias de aquel día con el titular «aún se desconocen los motivos por los que este hombre decidió quemarse».
Moisés, que ha vivido siempre Al Margen de la sociedad, decidió que sería Casanova a quien le confiaría las razones que le llevaron a tal suceso. El cineasta explica: “Me advirtió que nadie más lo sabía, que no iba a ser fácil y que no le iba a creer… Cuando soltó las primeras palabras tuve una sensación parecida a la de cuando te dan un buen bofetón, de los que duelen y te dejan aturdido sin saber qué ha pasado. Cuando me recuperé, me di cuenta que iba a contar la historia más cruda, rocambolesca, dura y más real que jamás habría podido imaginar para un guion de ficción. Esto supuso un giro radical a todo lo que había hecho antes y dio a luz una nueva etapa en mi trabajo como director, con la que estoy muy feliz”.
El rodaje, que tuvo lugar durante seis años, consistió en un acercamiento a la vida y mente de Moisés, así como a la de su entorno, para indagar en la verdad y desvelar quién era la víctima y quién el verdugo. Casanova fue descubriendo, día tras día, lo oscuro de la trama, tal y como ahora lo hace el espectador. En palabras del director: “Me enfrenté a rodar cosas que sabía que no las iba a olvidar jamás; tampoco lo harán las espectadoras y los espectadores que la vean. He tenido miedo. He visto de cerca la muerte, la salud mental y su abandono. He entendido lo que supone vivir al margen”.
Y el cineasta sentencia: “Ahora es turno del público el enfrentarse a este retrato que conjugapuro true crime, realismo estético y surrealismo social con la vivencia de habitar en la periferia de la vida real. Yo solo tengo clara una cosa: esta historia tenía que rodarla para colocar en el centro del foco a las personas que viven en los márgenes”.
Al margen es candidata a los Premios Goya 2025en la categoría de Mejor Película Documental y ya está disponible en la plataforma de Académicos VeoMac. Es una producción de Eduardo Casanova, Antonio Abeledo, Macarena Gómez, Sandra Hermida, Kiko Prada y Javi Prada, desarrollada por las compañías The Other Side Films y Cilantro Films. Está escrita, dirigida y filmada por Eduardo Casanova y ha contado en su equipo técnico con Luis Ángel Pérez como director de fotografía, con Ángel Pazos en el montaje, con Javi Prada en la dirección de producción y con Melanie Antón en la dirección de arte. Al margen se estrenará en exclusiva en Filmin el 29 de noviembre.
El tercer congreso Animar_BCN traerá a Barcelona a cerca de 60 entidades europeas vinculadas al sector de la animación
Entre el 26 y el 28 de noviembre Barcelona se convertirá en la capital europea de la animación por tercer año consecutivo. La ciudad acogerá una vez más Animar_BCN, la convención europea de animación. El encuentro reunirá a unos noventa congresistas representantes de cerca de 60 entidades europeas de la industria, incluyendo asociaciones y federaciones de productores, responsables de políticas públicas, fondos inversores y televisiones. Todo ello con el propósito de analizar la animación europea con una mirada que abarque toda la cadena de valor del sector y todos los territorios del continente. De hecho, estarán representados 24 países europeos.
Tráiler de ‘Hombre lobo’ el nuevo y terrorífico thriller de Blumhouse
Ya disponible en calidad HD el tráiler final de ‘Hombre lobo’, el nuevo thriller del visionario guionista y director Leigh Whannell (El Hombre Invisible). Producida por Blumhouse, la cinta está protagonizada por Christopher Abbott, Julia Garner, Sam Jaeger y la joven actriz Matilda Firth.
¿Y si alguien a quien quieres se convirtiera en algo siniestro?
Sinopsis: Blake, un hombre casado (Christopher Abbott) y padre de familia residente en San Francisco que hereda la remota casa donde creció en una zona rural de Oregón tras la desaparición de su propio padre, dado por muerto. En plena crisis de pareja con su enérgica esposa Charlotte (Julia Garner), Blake la convence para tomarse un descanso de la gran ciudad y visitar la propiedad con su hija Ginger (Matilda Firth). Todo se tuerce cuando, de camino a la granja y en plena noche, la familia sufre el brutal ataque de un animal al que no consiguen ver y, en un intento desesperado por huir, se atrincheran dentro de la casa mientras la criatura merodea por la zona. Pero, con el paso de las horas, Blake comienza a comportarse de un modo extraño y a convertirse en algo irreconocible, y Charlotte se verá obligada a decidir si esa monstruosidad es más letal que el peligro que acecha en el exterior.
Completan el reparto Sam Jaeger (El cuento de la criada), Ben Prendergast (el audiodrama The Sojourn) y Benedict Hardie (El hombre invisible), junto con Zac Chandler, que debuta en la gran pantalla, Beatriz Romilly (Shortland Street) y Milo Cawthorne (Shortland Street).
Blumhouse y el visionario guionista y director Leigh Whannell, creadores de la escalofriante versión moderna de El hombre invisible, vuelven con una nueva y aterradora pesadilla lupina: Hombre lobo.
Hombre lobo está dirigida por Whannell y escrita por Whannell y Corbett Tuck, cuyos anteriores títulos de Blumhouse incluyen El hombre invisible, Upgrade e Insidious: Capítulo 3.
La película está producida por el fundador y presidente de Blumhouse Jason Blum y por Ryan Gosling (El especialista, Lost River) y la producción ejecutiva corre a cargo de Leigh Whannell, Beatriz Sequeira, Mel Turner y Ken Kao. Universal Pictures y Blumhouse presentan Hombre lobo, una producción de Gosling/Waypoint Entertainment, en asociación con Cloak & Co.
HOMBRE LOBO se estrena en España el 17 de enero, exclusivamente en cines.
VAMOS DE ESTRENO * jueves 31 de octubre de 2024 *
ESCAPE (Rodrigo Cortés, 2024)
España. Duración: 129 min. Guion: Rodrigo Cortés. Novela: Enrique Rubio Fotografía: Rafa García Compañías: Nostromo Pictures, Mogambo, Cosmopolitan TV, Movistar Plus+, RTVE. Productor: Martin Scorsese. Distribuidora: Beta Fiction Spain Género: Thriller
Reparto: Mario Casas, Anna Castillo, Guillermo Toledo, Josep Maria Pou, Blanca Portillo, José Sacristán, José García, David Lorente, Juanjo Puigcorbé, Albert Pla, Francisco Javier Pastor, Xóan Fórneas, Daniel Chamorro
Sinopsis: N. es un hombre estropeado, algo no va bien en su interior. N. no quiere tomar una sola decisión más, sólo apearse del mundo. Dejar de tener opciones. El psicólogo a quien visita no sabe cómo abordarlo, tampoco su hermana, que intenta apoyarlo sin frutos. N. sólo quiere vivir en la cárcel, y hará cuanto sea necesario para conseguirlo. ¿Lograrán sus allegados que desista de cometer delitos cada vez más graves? ¿Hasta dónde será capaz de llegar el juez para no concederle su propósito?
El Diccionario de la Real Academia de la Lengua define así termostato: 1. m. Aparato que sirve para mantener automáticamente una determinada temperatura. Loable función la de este modesto prodigio electrónico, sobre todo en tiempos de calentamiento global y desorbitados precios de la energía. En nuestras casas los termostatos pasan desapercibidos, colocados siempre donde no se vean demasiado por su escaso aporte decorativo, como si viniéramos a negar la máxima griega según la cual lo bueno es bello. Para Luis Martínez, crítico cinematográfico del periódico El mundo, Escape de Rodrigo Cortés es termostato: “Pues bien, Escape, el último prodigio que ha salido empaquetado del ingenio interminable de Rodrigo Cortés, es termostato. Es más cosas, como libre, inclasificable, ingeniosa, divertida y muy política sin parecerlo (este matiz es importante), pero sobre todo es lo que es. No lo puede disimular. No es, cuidado, como un termostato, ni termostática, sino exactamente así, termostato. Y eso, créanme, da gusto.” Y le damos la razón a Martínez. Escape es buena y necesaria en unos tiempos de crisis de valores y crispación como son los nuestros, y, ojalá nos equivoquemos, pasará desapercibida en una taquilla en la que la sepultarán títulos con más reclamo. Pero ni Luis Martínez ni nosotros pensamos que no sea bella, jamás les enmendaríamos la plana a los griegos, sino que podríamos parafrasear al clásico francés y defender que es tan bella como el encuentro fortuito de un paraguas con una máquina de coser en una mesa de disección. Por eso su epíteto es termostato y también podría serlo astrolabio o tornasol, porque una película casi única en su especie merece ser significada con adjetivos altisonantes y estrafalarios. Escape es una rara avis en el cine español, aunque no está sola, bien cerca tiene a los largos de Santiago Lorenzo, como también le es próxima Amanece que no es poco, a las que se parece tanto sin parecerse en nada. Tal vez un día también sea de culto.
El absurdo es el rey, un monarca trascendente y circunspecto con máscara de bufón. La risa es el mejor vehículo para tomarse la vida con la seriedad debida. Un Bartleby extremo, que es a la vez reverso y sosias de Josef K. y Rascolnikov, habría de estar llamado a ser el héroe de nuestro tiempo. Y así es N, el hombre que no quisiera tener nombre. El asaetado por una culpa que no tiene. El que preferiría no hacerlo, no tomar más decisiones, que le arrebataran el libre albedrío para morir de buen grado como un perro. Rodrigo Cortés adapta libremente la novela homónima de Enrique Rubio para ofrecer su obra más personal hasta el momento, todo un aguafuerte con regusto a las Carceri d’Invenzione de Piranesi. Tomar la cárcel como espacio ensoñado en el que cumplir el anhelo de reposo, dónde alcanzar la paz, es una premisa singular, contraintuitiva, para diseñar un personaje, contraviene el orden de principios que todos conocemos, conseguir que desde la relación de las peripecias de este preso vocacional se perfile, además, una denuncia de lo aberrante de la justicia humana es ya una acrobacia perfecta. Escape y su protagonista juegan en la liga del humorismo de la llamada La otra generación del 27, un grupo forjado en torno a la revista Buen Humor que aplegó a figuras tan reivindicables como Edgar Neville, Jardiel Poncela, Miguel Mihura y, por supuesto, José Santugini, cuyos personajes chocantes podrían ser prefacios de N. Cortés comparte con todos ellos un humor inteligente y extemporáneo que flirtea con el esperpento y se sitúa por naturaleza en línea con el fantástico. Un humor de forma muy ibérica, pero con fondo plenamente universal, capaz de ser magma de todos los géneros y de cautivar a todos por encima de las distancias culturales. Por todo ello, y como el negativo de una cinta de fugas que es, Escape ha sido capaz de conquistar al mismísimo Martin Scorsese, que la apadrina. No conquistará a todos, posiblemente, pero debiera recibir al menos el elogio unánime a su originalidad.
Escape, como declaraba el propio Cortés, es para llorar y reír simultáneamente, prodigio en el que colaboran un Mario Casas y una Anna Castillo inmensos. Y, por supuesto, hay que reparar en la partitura de Víctor Reyes, el eterno camarada del director salmantino. Imprescindible.
TERRIFIER 3 (Damien Leone, 2024)
USA. Duración: 125 min. Guion: Damien Leone Fotografía: George Steuber Compañías: The Coven, Bloody Disgusting, Dark Age Cinema, Fuzz on the Lens Productions. Distribuidora: Cineverse Género: Terror
Reparto: David Howard Thornton, Lauren LaVera, Chris Jericho, Margaret Anne Florence, Samantha Scaffidi, Elliott Fullam, Daniel Roebuck
Sinopsis: Tras sobrevivir a la masacre de Halloween perpetrada por el payaso Art, el peor asesino en serie desde Jack el Destripador, Sienna y su hermano se esfuerzan por reconstruir sus vidas destrozadas. A medida que se acercan las fiestas de Navidad, intentan abrazar el espíritu navideño y dejar atrás los horrores del pasado. Pero justo cuando creen que están a salvo, el payaso Art regresa, decidido a convertir su alegría navideña en una nueva pesadilla. La temporada festiva se desmorona rápidamente mientras el payaso Art desata su retorcido terror marca de la casa, demostrando que ninguna festividad es segura.
Cinco años después de los acontecimientos narrados en Terrifier 2 (2022), se inicia su secuela directa, que sitúa al personaje de Damien Leone en las fiestas más entrañables: la Navidad, así que es conveniente tener fresca esa segunda parte, pues vuelven gran parte de los personajes para intentar terminar lo iniciado, cual coyote y correcaminos. Y procuren no buscarle mucha lógica al guion, pues que el personaje fuera decapitado al final de la anterior entrega, no significa, ni mucho menos, que no pueda continuar sus degollinas como si nada hubiera sucedido y volver a poner toda la carne, ya no en el asador, pues lo cierto es que se sirve bien cruda. Y en abundancia, que a fin de cuentas es la razón de ser de esta saga y lo que la ha aupado hacia el éxito, convirtiendo a Art en todo un personaje de culto que no hubiera destacado de no ser por su socarronería, su mímica y, sobre todo, por la crueldad y el gore sin prejuicios que en la saga exhibe.
Podemos así hablar de placer culpable, un fan service de manual cuyos excesos hemoglobínicos sirven de catarsis al espectador, eso si, de estómago curtido y que entre en el juego, pues un público no avisado podría encontrar excusas morales y absurdas con las que denunciar este cartoon viviente cargado de excesos, unos excesos que consiguen difuminar la realidad y entrar en el terreno de la paródico, de lo irreal. Así que no conviene tomarse muy en serio esta serie de películas más allá de pasar un buen rato con el muy bastardo mimo. A ser posible en grupo, por aquello de echar unas risas.
Ya comentó el director durante una charla que hubo en Sitges con todo el equipo del film, que no se ha autocensurado, ni antes ni ahora y que él, y su equipo, habían ideado diversas y sangrientas formas de verter la sangre a borbotones. «Si creíais que Terrifier 2 era extrema, no habéis visto nada», apoyado en esa labor por su productor, Phil Falcone, que además de hacer un cameo en el film, apuesta nuevamente por una libertad creativa sin límites: la que llevó al éxito a la segunda entrega que se prorroga en esta nueva película de la saga, que llega, además, en una fecha tan señalada y propicia a estos excesos como es el 31 de octubre.
Leone, ha contado con mayor presupuesto, ha rodado en panorámico y su intención es «que se parezca más a una película de la vieja escuela de John Carpenter. Va a seguir teniendo ese aire épico de la segunda parte, pero ahora tendrá el tono de la primera con la temática navideña. Va a ser una bestia completamente diferente. Se verá diferente. Se va a sentir diferente, pero va a tener todo lo que amas en ella.»
‘La maldición del Queen Mary’ llegará a los cines el 13 de diciembre
La Maldición del Queen Mary es una película de terror que se centra en el famoso barco RMS Queen Mary, que tiene una rica historia y ha sido objeto de numerosas leyendas y relatos paranormales. La película mezcla hechos reales sobre el barco, que ha sido un hotel flotante y un lugar de turismo en Long Beach, California, con una trama ficticia de terror. 
Sinopsis: Cuando los fotógrafos Erin y Patrick junto a su hijo Lukas, se embarcan en el transatlántico Queen Mary, considerado uno de los lugares más embrujados del mundo, se desatarán una serie de terroríficos sucesos que entrelazarán a la joven familia con el oscuro pasado del barco.
Uno de los aspectos interesantes es que el film se ha rodado en el Queen Mary original, que se ha ganado la reputación de estar embrujado. Muchos visitantes han reportado experiencias extrañas, como apariciones y ruidos inexplicables, lo que ha inspirado no solo esta película, sino también otros medios y documentales sobre lo paranormal.
Además, el film juega con la idea de los fantasmas como símbolos de traumas no resueltos, explorando la conexión entre el pasado del barco y las historias de sus personajes. La atmósfera de la película, junto con la historia real del barco, crea una experiencia envolvente que atrapa a los amantes del terror y la historia.
Póster oficial del thriller psicológico ‘El vigilante nocturno: Demonios heredados’ de Ole Bornedal
‘El vigilante nocturno: Demonios heredados’ ,que se presenta estos días en la 57ª edición de Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya dentro de la Sección Panorama, se estrenará en cines de toda España el próximo 22 de noviembre de la mano de Filmax y Divisa Films.
Sinopsis: Emma (Fanny Leander Bornedal), una joven estudiante de medicina, ha aceptado el trabajo de vigilante nocturno en el departamento forense. Su padre, Martin (Nikolaj Coster-Waldau), es un hombre traumatizado que parece esconder un terrible secreto desde que su madre se suicidó cuando Emma tenía tan solo 10 años. Ahora, decidida a encontrar la verdad de lo que sucedió a sus padres, se cruzará con un asesino en serie que parece achecharla por un extraño motivo. Los demonios heredados despertarán sed de venganza…
El vigilante nocturno: Demonios heredados recupera los personajes y misterio del thriller original El vigilante nocturno, de 1994, que se convirtió en un éxito instantáneo, tanto en Dinamarca como a nivel internacional, y ganó 5 Premios Robert (los Goya del cine danés), incluyendo mejor película. El filme original se presentó en festivales de todo el mundo como Cannes, Toronto y Berlín y tuvo un remake protagonizado por Ewan McGregor y Nick Nolte, que el propio Bornedal dirigió.
Ahora, casi 30 años después, Bornedal vuelve a ese universo con los mismos protagonistas: Nikolaj Coster-Waldau (nominado al Emmy por ‘Juego de tronos’) y Kim Bodnia (nominado al BAFTA por ‘Killing Eve’). El reparto se completa con Fanny Leander Bornedal (Borgen, El puente), Paprika Steen (Concha de Plata a la mejor actriz en el Festival de San Sebastián por Corazón silencioso), Alex Høgh Andersen (A War (Una guerra)), Sara Viktoria Bjerregaard y Vibeke Hastrup.
Notas del director
El vigilante nocturno (1994) fue un éxito mucho mayor de lo que yo y todo el mundo esperábamos. Tanto a nivel nacional como internacional. Probablemente porque en muchos aspectos era una historia bastante personal con la que muchos podían identificarse: Bajo el suspense y el horror, era también una historia generacional sobre crecer, madurar y liberarse de la anarquía juvenil. Sólo entonces pudieron los dos jóvenes, Jens y Martin, convertirse en adultos. Y ahora ha llegado el momento de volver a ellos y a las nuevas generaciones que los rodean. El vigilante nocturno: Demonios heredados trata sobre el legado. Sobre el silencio en las familias. Sobre los traumas, los cortes y las heridas que se dejan vivir a través de las generaciones. Y además, es emocionante volver al género condensado que es el terror. Besar a los demonios, sacarlos a la luz por un momento. Mirarlos a los ojos y pensar: «Menos mal que sólo es una película»”.
Biografía del director
Ole Bornedal es director y guionista de cine, y tiene experiencia tanto en largometrajes como en series de televisión. Está detrás de varias películas danesas importantes, como “Just Another Love Story”, “Deliver us from Evil” y “The Way to Mandalay”. Tuvo su gran oportunidad con el clásico de culto “El Vigilante Nocturno”, de 1994, que también inició su carrera internacional con el remake estadounidense “La sombra de la noche”, de 1997. Las películas de Bornedal han sido aclamadas por la crítica en todo el mundo y es reconocido como uno de los creadores más influyentes del «Nuevo Cine Danés».
El vigilante nocturno: Demonios heredados se estrenará el 22 de noviembre en cines de la mano de Filmax y Divisa Films.
Paul Urkijo presenta su tercer largometraje, ‘Gaua’ (Noche), en el Festival de Sitges
Durante esta edición del Sitges Film Festival se ha presentado ‘Gaua’ (‘Noche’ en castellano), el nuevo proyecto de Paul Urkijo Alijo tras las exitosas ‘Errementari’ e ‘Irati’. Como en trabajos anteriores, su tercer largometraje transitará entre los códigos de la fantasía y la realidad histórica, pero en esta ocasión sumergiéndose en el mundo nocturno de la Mitología vasca, ambientado en el siglo XVII.
Sinopsis: Montañas vascas, siglo XVII. En plena caza de brujas, Kattalin sale del caserío en mitad de la noche huyendo de su marido. Perdida en la negrura del bosque, siente una presencia que la persigue. En su camino se topa con tres afables mujeres que mientras lavan la ropa comparten cuentos de miedo y habladurías del pueblo. Para el asombro de Kattalin, ella misma acabará formando parte de dichas historias.
Las dos películas previas del director, Irati y Errementari, destacan como ejemplos exitosos de historias que fusionan elementos de fantasía y mitología rural. Precisamente Irati se ha convertido en la película más taquillera de la historia rodada en euskera, mientras que ambas han obtenido resultados excepcionales a nivel mundial en las plataformas Amazon Prime Video y Netflix, respectivamente. En relación al éxito de Irati, Paul Urkijo Alijo recogió el X Premio EZAE (Asociación de Salas de Cines de Euskadi) en la Gran Gala del Cine Vasco del Festival de San Sebastián.
Gaua es una producción de Irusoin (Marco), Ikusgarri Films (Irati), Gaua AIE y Vilaüt Films (Alcarràs). El inicio de rodaje está previsto para principios de 2025 en diversas localizaciones del País Vasco. Gaua combinará el inquietante mundo mitológico de los seres nocturnos con imaginario de la superstición rural de una manera nunca vista en nuestra cinematografía, creando un universo lleno de misterio, emoción y épica.
Paul Urkijo explica así el origen del proyecto: «Desde niño me han fascinado las historias relacionadas con la noche que hay en la mitología de nuestro país. Cuentos con los que se educaba a los más jóvenes a tenerle respeto a los peligros de la oscuridad, así como las leyendas sobre espíritus, demonios y brujas que se crearon a raíz de las persecuciones del siglo XVII y que hoy en día han derivado en figuras de empoderamiento femenino. Es un tema que siempre me ha interesado y que con Gaua pretendo llevar de manera espectacular, inquietante y épica a la gran pantalla. Escenas más terroríficas, pero a la vez bellas de las leyendas nocturnas de nuestra tradición oral».
Es la primera vez que Paul Urkijo Alijo y la productora Irusoin trabajan juntos. Ander Sagardoy, uno de los productores de Irusoin, valora así esta unión: «la alianza de Irusoin con Paul llega de una manera muy natural. Es un cineasta al que admiramos desde hace años y con el que estábamos deseando colaborar. La autenticidad y ambición que desprenden todas sus obras lo convierten en un talento único. Por eso estamos convencidos de que Gaua será el primero de muchos proyectos que vendrán después».
La presentación de Gaua en el Festival de Sitges ha tenido lugar en el marco de Sitges FanPitch, un evento internacional centrado en largometrajes y producción serializada en desarrollo con temática de terror, ciencia ficción y/o fantástica. La selección participante se compone de un máximo de siete largometrajes y cinco series de todo el mundo.
GAUA es una producción de Irusoin, Ikusgarri Films, Gaua AIE y Vilaüt Films. Cuenta con el apoyo de EITB, RTVE, Gobierno Vasco, Ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz y Diputación Foral de Álava. Filmax se encargará de su distribución en cines de España.
PAUL URKIJO ALIJO (Vitoria-Gasteiz, 1984)
Desde muy pequeño le apasionan el cine, la ilustración, la literatura, el cómic y el género fantástico, siendo un gran aficionado a la lectura de mitología y cuentos tradicionales. En 2008 se licencia en Bellas Artes y profesionalmente se dedica a la realización audiovisual, la ilustración y la infografía. Así comienza a escribir y realizar sus propios cortometrajes de ficción y animación. En 2016 escribe, produce y dirige su primer largometraje titulado Errementari. Una película de género fantástico basada en el cuento del folklore vasco “Patxi Errementaria”. En 2023 estrena Irati, la película en euskera más vista hasta la fecha en salas de cine. Las películas que ha escrito y dirigido han ganado más de 130 premios nacionales e internacionales y más de 400 selecciones en todo el mundo.
Serendipia
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