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20 Aniversario de THE ROOM; proyecciones especiales en Barcelona y Madrid los días 22 y 23 de septiembre
La película de culto “The Room” (2003), considerada la “’Ciudadano Kane’ de las malas películas”, cumple 20 años y lo celebrará en España con proyecciones especiales los días 22 y 23 de septiembre a las 19:00 horas, en el Cinema Maldà (Carrer del Pi, 5) de Barcelona y en el cine mk2 Palacio de Hielo (Centro Comercial Palacio de Hielo, C. de Silvano, 77) de Madrid, respectivamente.
Dos únicas sesiones, dos, organizadas en conjunto por los festivales B-Retina y CutreCon, a las que además acudirá el actor estadounidense Greg Sestero, coprotagonista de la película y autor del exitoso libro “The Disaster Artist”. Dicho libro cuenta la génesis de “The Room” y fue adaptado al cine por James Franco, en un filme que ganó la Concha de Oro del Festival de San Sebastián en 2017.
Asimismo, ambas sesiones serán dobles, ya que junto a “The Room” se proyectará por primera vez en nuestro país la película “Miracle Valley”, debut en la dirección de Sestero, quien también escribe y protagoniza la cinta. Se trata de un thriller de terror y misterio ambientado en el desierto y “lleno de sorpresas”, según señala su autor, quien, además de presentar los dos filmes, participará en un coloquio donde responderá las preguntas del público.
Rodada en 2003 en Estados Unidos por Tommy Wiseau, “The Room” ha sido objeto de tan ingente cantidad de burlas y malas críticas, que ha generado todo un fenómeno mundial con legiones de seguidores que se reúnen en pases multitudinarios donde se mofan de la película, convertida muy a su pesar en una comedia involuntaria. Desde la organización del evento señalan que “The Room” constituye “el perfecto ejemplo de lo que jamás debería hacerse en una película; una de esas cintas tan nefastas que acaban resultando ser divertidísimas”.UNA SESIÓN INTERACTIVA
Estas nuevas proyecciones de “The Room” en España seguirán la línea de los pases estadounidenses de la película. En ellos, de un modo muy similar a las sesiones de la cinta de culto “The Rocky Horror Picture Show”, los espectadores interaccionan con el filme, gritando a la pantalla y lanzando objetos como globos o cucharas de papel en determinados instantes del metraje. Todo ello para hacer la experiencia más hilarante si cabe.
El largometraje se verá en versión original subtitulada al castellano y los presentadores de la sesión, junto al actor Greg Sestero, se encargarán de dar al público las “instrucciones para el correcto visionado” del filme. Asimismo, crearán la atmósfera adecuada para disfrutar al máximo de la propuesta.
SOBRE GREG SESTERONació el 15 de julio de 1978 en Walnut Creek, Estados Unidos, en la zona de la bahía de San Francisco, donde pasó su infancia y adolescencia. Sestero cuenta que, siendo un niño, una película hizo que quisiera dedicarse al cine: “Solo en casa” (1990). Su fascinación por el filme de Chris Columbus fue tal que, con 12 años, escribió el guion de una secuela que llegó a enviar al estudio por si este se animaba a producirlo.
Terminados los estudios, tomó clases de interpretación en el American Conservatory Theatre de San Francisco y, como tantos jóvenes, tuvo el sueño de triunfar en Hollywood, por lo que se mudó a Los Ángeles, donde consiguió pequeños papeles en series como “Nash Bridges” y películas como “Patch Adams” o “Gattaca”.Fue captado por la agencia de representación de Iris Burton (una de las más importantes de Hollywood), pero su carrera no terminó de despegar. Cuando creía que todo estaba perdido, el proyecto personal de su peculiar amigo Tommy Wiseau lo convirtió, sin pretenderlo, en una estrella del cine cutre.
‘THE DISASTER ARTIST’
Greg Sestero, quien de repente se vio sorprendido por la repercusión que estaba teniendo “The Room”, decidió contar cómo fue el rodaje del filme desde dentro y su relación de amistad con Tommy Wiseau, en un libro, coescrito junto al periodista Tom Bissell, titulado “The Disaster Artist”.
El libro obtuvo excelentes críticas y cayó en manos del actor y director de cine James Franco (“127 horas”, “Spider-Man”) que ya era un acérrimo fan de “The Room”. Franco decidió convertirlo en una película que él mismo se encargó de dirigir y en la que además interpreta a Tommy Wiseau, dejando que su hermano, Dave Franco (“Infiltrados en clase”, “Malditos vecinos”), se quedara con el papel del propio Greg Sestero.
“The Disaster Artist” se presentó en importantes festivales de cine como Toronto y San Sebastián, donde ganó la Concha de Oro a mejor película. La cinta, además, obtuvo el Globo de Oro a la mejor interpretación masculina en comedia o musical para James Franco y fue nominada al Oscar a mejor guion adaptado.
ENTRADAS YA A LA VENTALas entradas para el 20 Aniversario de “The Room” los días 22 y 23 de septiembre a las 19:00 horas en el Cinema Maldà (Carrer del Pi, 5) de Barcelona y en el cine mk2 Palacio de Hielo (Centro Comercial Palacio de Hielo, C. de Silvano, 77) de Madrid, respectivamente, ya están a la venta. Pueden adquirirse en Entradium (Barcelona) y en mk2palaciodehielo.es (Madrid).
Arranca el rodaje del esperado documental ‘Marisol, llámame Pepa’
Esta semana se inició el rodaje del largometraje documental MARISOL, LLÁMAME PEPA dirigido por Blanca Torres y producido por Chema de la Peña (TU LUZ Y MI CALMA), José Carlos de Isla y Paco Ortiz (SARAO FILMS).
Marisol fue inmortalizada a diario, en una sobreexposición que acabó borrando los límites entre el personaje y su propia vida. Un mito que ha encarnado como nadie la historia reciente de España. En apenas 25 años de carrera pasó de ser la niña prodigio del franquismo a manifestarse simpatizante del partido comunista; de los Coros y Danzas falangistas a protagonizar el primer desnudo en portada de la democracia. Toda España vio por televisión su primer matrimonio y sólo 10 años después, la veíamos casarse en Cuba apadrinada por el mismísimo Fidel Castro.
Marisol es el mejor símbolo de esta España contradictoria y un retrato espectacular de los cambios que atravesaron las mujeres en esos años. El documental alumbra su impresionante trayectoria como cantante y actriz para enfocar no sólo al mito, sino también a la niña, adolescente, y después mujer que se escondió tras ella; y que tuvo que desaparecer para recuperar su voz o, mejor dicho, su derecho al silencio.
Marisol, llámame Pepa, es el primer acercamiento riguroso a la figura y el mito de Marisol que recoge sus éxitos internacionales con imágenes inéditas de sus giras por Japón, Angola, EEUU, Argentina o Perú. Cuenta con la participación de Vicky Flores (hermana de Pepa), Amaia, Lolita, Enrique Cerezo, Cristina Hoyos y amigos personales de la propia Pepa.
Participan TVE, CANAL SUR y el ICAA. La distribución en salas corre a cargo de Nieves Maroto (ME LO CREO) y las ventas internacionales a cargo de LATIDO FILMS.
Cinemes Girona pone a la venta -hasta el 30 de julio-1000 abonos anuales al precio de 75€
Los usuarios del abono podrán disfrutar de más de un centenar de estrenos al año, tantas veces como quieran. El vídeo promocional de la campaña de este año lo protagoniza una Inteligencia Artificial, y está basado en una historia real. Desde 2013, el abono anual de Cinemes Girona ha sido clave para fidelizar al público de la sala barcelonesa.
En 2013, Cinemes Girona puso a la venta, por primera vez, sus abonos anuales. Los abonos se pueden adquirir durante todo el año al precio de 190€, pero, desde el 1 de julio y hasta el 30 del mismo mes, hay un número limitado de abonos, 1.000, por solo 75€. Los puntos de venta son la web de TRESC-Comunitat de Cultura y la taquilla de Cinemes Girona (Girona, 175). Después, el abono continuará a la venta en la web de TRESC, pero al precio normal de 190€.
La Inteligencia Artificial… ¿es cinéfila?
Cada año, la campaña de los abonos de Cinemes Girona tiene un ingrediente especial. En 2022, David Verdaguer protagonizó tres mini-películas cómicas, dirigidas por Rubén Seca.
En este 2023, la campaña se ha fijado en un fenómeno muy de nuestros tiempos: la Inteligencia Artificial (I.A.). Y la ha convertido en la inesperada coprotagonista de una pequeña película basada en hechos reales, en la cual una cinéfila que duda si comprarse el abono decide consultarlo a un dispositivo de Inteligencia Artificial. Dicho y hecho, la chica no solo es informada sobre los abonos, sino que recibe una sentida reflexión por parte del aparato: “El cine es una forma maravillosa de disfrutar de la cultura y el arte”. Rubén Seca es también el realizador de esta historia en la que la magia del cine consigue arrancarle a un frío programa informático una cálida defensa del cine. Así pues, la cinéfila que dialoga con la I.A. se queda convencida de las grandes ventajas del carnet.
Cinemes Girona siempre se ha caracterizado por su espíritu innovador, mirando con optimismo hacia el futuro. Es por este motivo que actualmente, y en colaboración con el equipo de investigación GRAFO, del departamento de Antropología de la Universidad Autónoma de 
Barcelona, está realizando una investigación sobre consumo audiovisual y hábitos culturales. En la primera fase del estudio han participado cerca de 2.000 personas. Los resultados de este estudio se presentarán a principios de 2024. También y desde hace unos meses, realiza el pódcast “Cineastes cinèfils”, en el que entrevista a figuras destacadas del mundo del cine para que hablen de sus gustos y recuerdos: cuál fue el primer film que vieron, su obra maestra preferida, aquella película que detestan… Por “Cineastes cinèfils” ya han pasado Cesc Gay, Santiago Mitre, Laia Requesens, Joan Vall Karsunke, Iria del Río, Kiko Veneno, Albert Serra, Luis de Val, Rocío Mesa, Pau Canivell o Miquel Romans, entre otros.
Premio Pepón Coromina 2022: riesgo y diversidad
El año pasado, el Jurado del 9º Premio Pepón Coromina, formado por Antonio Chavarrías, Alba Sotorra, Pol López y Núria Aidelman, decidió otorgar el galardón a Cinemes Girona en reconocimiento al riesgo y a la apuesta que implica mantener vivo un cine de barrio y convertirlo en un espacio diverso y acogedor donde conviven un gran abanico 
de iniciativas, miradas diversas y las comunidades diferentes, todas ellas interpeladas por una programación pensada con la idea de que el acto de crear no está completo si no se comparte. El Jurado quiere destacar también la voluntad de Cinemes Girona de ser un espacio de encuentro del sector, una casa que los profesionales de nuestro cine saben que tienen sea cual sea el momento de su trayectoria, cuando ya son creadores consolidados pero también cuando están dando sus primeros pasos.
Concediendo este premio a Cinemes Girona, el Jurado, convocado por la Academia del Cine Catalán, quería reconocer la labor social y cultural de todos aquellos cines que, en un contexto tan complejo como el actual, luchan cada día con propuestas creativas e innovadoras para convocar el público en las salas y crear comunidad.
Independiente, de autor y crítico
Cinemes Girona se inauguraron el 10 de marzo de 2010, y, desde sus principios, han defendido 
una programación independiente y el cine de autor. Han privilegiado el talento local y han cuidado la diversidad, programando películas europeas y ciclos estables de cine asiático y latinoamericano. El año pasado, las tres películas de estreno más vistas fueron Alcarràs, de Carla Simón, Aftersun, de Charlotte Wells, e Historias para no contar, de Cesc Gay. Tienen una programación estable de documental y la más amplia oferta de ballet, concierto y ópera. Eso sí, sin descartar la proyección de algunos films más comerciales y dirigidos a un público 
mayoritario que busca la pura evasión y soñar en una gran sala y a oscuras, como, actualmente, Indiana Jones y el Dial del Destino y Barbie.
Además de estrenos, las tres salas de Cinemes Girona acogen festivales (Asian Film Festival, Americana, Suncine o La GRAN Pantalla, por ejemplo), muestras y todo tipo de actividades relacionadas con el mundo del audiovisual nacional e internacional. En septiembre, acogerán, por primera vez, el Korean Film Festival Barcelona.
Nuevos públicos y espectadores ‘especiales’
Cinemes Girona es la sede, desde hace años, de acontecimientos como El Meu Primer Festival (Mi Primer Festival) o el Cicle de Cinema i Drets dels Infants (Ciclo de Cine y Derechos de la Infancia). Tiene una política de precios especiales para familias, y todos los fines de semana se pueden encontrar películas familiares en catalán a 6€.
Desde el 11 de julio de este año se ha adherido a la campaña de cine a 2€ para personas a partir de 65 años, cada martes. Desde 2019, las 
personas mayores de 75 años con problemas de movilidad tienen todos los días descuentos 2×1 para que puedan ir al cine sin que su acompañante pague la entrada. Las personas invidentes disfrutan de esta ventaja desde hace años.
Las tres salas barcelonesas están abiertas a la ciudad y son muy activas asociativamente. Forman parte de PROMIO, RED DE CINES INDEPENDIENTES, del GREMI D’EXHIBIDORS DE CATALUNYA, de EUROPA CINEMAS y de CICAE (Confederación Internacional de Cines de Arte y Ensayo).
‘Saw X’ adelanta su estreno en cines al 29 de septiembre – Primera imagen ya disponible
Primera imagen de la esperada nueva entrega de la saga SAW: SAW X, que adelanta su estreno en cines españoles al próximo 29 de septiembre, coincidiendo así con su estreno en Estados Unidos.
Sinopsis: Situada entre los acontecimientos sucedidos en SAW y SAW II, John, desesperado y enfermo, viaja a México para someterse a un tratamiento experimental y muy arriesgado con la esperanza de curar su cáncer mortal. Sin embargo, toda la operación resulta ser un fraude para engañar a aquellos más vulnerables. Lleno de rabia y con un nuevo y escabroso propósito, John retomará su trabajo como asesino en serie y dará a probar su propia medicina a los embaucadores. Bajo la atenta mirada de Jigsaw, los jóvenes se enfrentaran a las trampas más ingeniosas, mortales y tortuosas en un visceral y despiadado juego.
Tobin Bell, el mítico Jigsaw de las primeras entregas, regresa a esta escalofriante saga que le ha coronado como uno de los rostros del cine de terror estadounidense. Dirigida por Kevin Greutert, que ya se hizo cargo de Saw VI y Saw VII 3D y escrita por el dúo de guionistas Josh Stolberg y Pete Goldfinger (Saw VIII, Spiral. Saw y la saga Piraña), la décima entrega promete grandes dosis de gore, terror y angustia.
Palmarés de la 20ª edición de las Nits de Cinema Oriental de Vic
La vigésima edición del Festival Nits de cinema oriental de Vic ya tiene palmarés. El Premio del Público – Gat de la Sort ha ido a parar a la china Gelat de moniato, de Wang Chong —presente en el festival junto con la productora del film, Sijie He—, una historia entrañable que retrata el verano de un niño en el campo acompañado de su abuela y su tío.
Por su parte, el jurado, formado por los cineastas Raquel Barrera, Jaume Balagueró y Paul Urkijo, ha decidido otorgar el Gran Premio del Jurado a Next Sohee, de la directora coreana July Jung, “por su capacidad de profundizar y atraparte en una historia aparentemente sencilla que acaba resultando ser devastadora y emocionante”. El jurado ha querido hacer dos menciones especiales, a la mongola Harvest Moon, de Amarsaikhan Baljinnyam; y a la también coreana Special Delivery, de Park Dae-min.
Finalmente, el premio de la Crítica del FesNits 2023, que se decide entre los periodistas acreditados, ha recaído en Harvest Moon.
Los tres principales reconocimientos se suman a los dos Grandes Premios Honoríficos que se han entregado este año. Además del actor japonés de cine de kungfú Yasuaki Kurata, que lo recogió la noche de miércoles, el festival otorgó este galardón honorífico al distribuidor catalán Xavier Catafal, pionero en la distribución de cine asiático al país y responsable que se estrenaran en las salas españolas films míticos como Fist of Legend, Akira, Porco Rosso, Battle Royale, Ong bak o Gangs of Wasseypur, y series imprescindibles como Bola de dragón o Detective Conan a través de Manga Films e Isaan Entertainment.La última noche en la Bassa dels Hermanos del festival, que ha coincidido con la jornada de reflexión, ha sido dedicada a la cultura de India. Además del anuncio de palmarés, se han ofrecido cenas con gastronomía del país, una exhibición de bailes de Bollywood de la compañía Nataraja Dance y la proyección del espectacular e hiperbólica KBKJ. Antes, L’Atlàntida ha acogido las últimas proyecciones de los films a concurso, con el estreno mundial de la hongkonesa In Broad Daylight y el estreno español de la misma Next Sohee, así como la presentación del libro del festival Siempre nos quedará Pekín, de Montse Rovira y Carlos Benítez.
Foto oficial equipo: Montse Rovira
De nuevo, el mejor fantástico nacional y mundial se dará cita en la edición número 56 del Sitges Film Festival
La 56 edición del SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, que se celebrará del 5 al 15 de octubre, empieza a tomar cuerpo con un primer avance de la programación donde brillan presencias como Pablo Berger, Carlota Pereda, Álex de la Iglesia, Jessica Hausner, Bertrand Mandico, Lee Unkrich o Mary Lambert
En la Fàbrica Moritz de Barcelona, Ángel Sala y Mònica Garcia i Massagué, Director Artístico del Festival y Directora de la Fundación respectivamente, han ofrecido un primer avance de la programación de la 56ª edición del certamen referente del cine fantástico.
La imagen multiplicada
Dicho anticipo ha estado precedido por la presentación de las nuevas versiones del cartel de 2023 que, un año más, ha confeccionado el equipo de CHINA. En la misma línea de la impactante imagen desvelada en el pasado Festival de Cine de Cannes, se mantiene y refuerza la apuesta por la sangre; por un rojo intenso que impregna unas manos cuya disposición nos recuerda el vuelo amenazante de Los pájaros de Alfred Hitchcock… y al mismo tiempo nos lleva al recuerdo de incontables películas y criaturas que igualmente han protagonizado algunos de nuestros sueños más inolvidables; algunas de nuestras pesadillas más traumatizantes.
En ningún sitio como en casa
Como no podía ser de ninguna otra manera, la representación de producciones catalanas y 
españolas va a tener un peso fundamental en esta 56ª edición. Al ya anunciado regreso de Paco Plaza al hogar (a razón de la presentación de Hermana muerte, nuestra película de apertura), SITGES 2023 suma las presencias de nombres tan consagrados y con tanta proyección como Pablo Berger, Carlota Pereda o Álex de la Iglesia.
El primero presentará Robot Dreams, espectacular cinta animada que ya ha causado furor tanto en su desembarco oficial en Cannes, como en su confirmación en Annecy, la Meca del cine de animación donde ha conquistado el Premio a la Mejor Película en la Sección Contrechamp. Por su parte, la directora de Cerdita presentará La ermita, drama sobrenatural protagonizado por Belén Rueda, y que debe servir para aupar a la que claramente se descubrió, la temporada pasada, como una de las grandes revelaciones del cine de género.
En el formato serie, daremos la bienvenida a la esperada 2ª temporada de la serie original de HBO 30 monedas, nuevo trabajo de Álex de la Iglesia; resaca deliciosamente diabólica del combate épico entre el padre Vergara y el cardenal Santoro, con uno de los repartos más 
impresionantes que veremos este año, con Eduard Fernández, Megan Montaner, Miguel Ángel Silvestre, Macarena Gómez y la incorporación de Najwa Nimri y Paul Giamatti, entre otros. También desvelaremos los sucesos paranormales de El otro lado, la serie original de Movistar Plus+ producida en colaboración en El Terrat (The Mediapro Studio) y creada por Berto Romero que dirigen Javier Ruiz Caldera y Alberto de Toro. Berto Romero, Andreu Buenafuente, Eva Ugarte, María Botto y Nacho Vigalondo nos descubrirán el reverso cómico de los poltergeist. En el apartado de series, también contaremos con la presentación de Romancero, un original de Prime Video en forma de thriller sobrenatural andaluz, dirigido por Tomás Peña, escrito por Fernando Navarro y protagonizado por Sacha Cócola, Elena Matic, Alba Flores, Belén Cuesta, Ricardo Gómez y Guillermo Toledo. Por último, y de vuelta al formato largo, recibiremos a F. Javier Gutiérrez, cinco años después de su última película, para descubrir La espera, una retorcida intriga a tres bandos (entre Víctor Clavijo, Ruth Díaz y Manuel Morón) que supondrá el regreso del cineasta andaluz a su tierra natal.
Nuestras conexiones francesas
Cruzando la frontera, la 56ª edición del Festival servirá también para comprobar el excelente estado de salud por el que actualmente pasa el fantastique francés. A partir de una fructífera cosecha proveniente del último Festival de Cannes, podremos ver Acide, de Just Philippot (gran sensación en Sitges 2020 gracias a La nube, su sorprendente debut), una cinta en la que las angustias de la supervivencia emanan de la ecoansiedad de un mundo azotado por una naturaleza vengativa.
En un escenario igualmente desconcertante (y desesperante), en el que algunos seres humanos se han transformado en animales, nos sumergirá la nueva propuesta de Thomas Cailey, The Animal Kingdom, protagonizada por Romain Duris y Adèle Exarchopoulos. Por su parte, Bertrand Mandico tendrá ocasión de consagrarse como uno de los nuevos tótems del ecosistema Sitges, gracias a Conaan, una de las películas más libres, bárbaras y por esto, alucinantes del año. Por último, Sébastien Vanicek activará nuestra aracnofobia con Vermin, y Stéphan Castang nos apabullará con Vincent debe morir, sobre el drama agónico de un hombre (encarnado por un Karim Leklou estelar) que al despertar, descubre que una horda de gente desconocida quiere matarle.
All around (the world)
Pero Sitges, ya lo sabemos, es también el lugar ideal para asomarse a las cinematografías emergentes; a esas voces cuyo arrojo nos hace descubrir nuevas maneras de relacionarnos 
con el mundo. Es el caso de la malaya Tiger Stripes, de Amanda Nell Eu o de la pakistaní, In flames, de Zarrar Kahn. Por su parte, el rapero Baloji nos llevará al Congo de sus orígenes en Omen; Kenneth Lim Dagatan fundirá en In my Mother Skin el folk horror con la barbarie de la Segunda Guerra Mundial en Filipinas, y Bishal Dutta tenderá (y zarandeará) puentes entre Estados Unidos y la India en It lives inside.
Otros títulos que están marcando tendencia este año en el fantástico desembarcarán igualmente en Sitges. Serán los casos de Late Night with the Devil de Cameron y Colin Cairnes; Sleep de Jason Yu; Riddle of Fire de Weston Razooli; Brujería de Christopher Murray; When Evil Lurks de Demian Rugna; o Club Zero con Mia Wasikowska, nuevo y controvertido trabajo de Jessica Hausner, uno de los talentos más 
consolidados del cine europeo.
También podremos ver Pandemonium de Quarxx; Monolith de Matt Vesely The Uncle de David Kapac y Andrija Mardešić, Where the Devil Roams de John Adams, Zelda Adams y Toby Poser, Moon Garden, de Ryan Stevens Harris, Mad Fate, de Soi Cheang, Brooklin 45, de Ted Geoghegan, Suitable Flesh, de Joe Lynch o The Roundup: No Way Out, de Lee Sang-yong, con el arrollador carisma de Ma Dong-seok.
Como no podía ser de otra forma, la animación y el documental tendrán una destacada representación con propuestas como Deep Sea, de Tian Xiao Peng o Four Souls of Coyote, de Áron Gauder, mientras que tanto Stopmotion, de Robert Morgan, como Divinity, de 
Eddie Alcazar (producida por Steven Soderbergh), sorprenderán por sus tratamientos puntuales de la imagen animada. En la carpeta de no-ficción, tendremos Club Zero A Disturbance in the Force, de Jeremy Coon y Steve Kozak, The J-Horror Fever, de Sarah Appleton y Jasper Sharp o Kaidan. Strange Stories of Japanese Ghost de Yves Montmayeur, estas dos últimas, dedicadas a la atracción incansable que ejerce sobre nosotros el terror nipón.
En cuanto a los clásicos, volveremos a fijarnos en la obra de Álex de la Iglesia con el 30º aniversario de Acción mutante, su legendaria ópera prima, y con la eterna polémica de Tinto Brass con Calígula. The Ultimate Cut.
Presencias estelares
El dos veces ganador del Oscar Lee Unkrich, pilar fundamental de la etapa dorada de la factoría Pixar, gracias a títulos como Monstruos, S.A., Buscando a Nemo, Coco o la segunda y tercera entregas de la saga Toy Story, llegará a Sitges… pero no por ninguno de estos grandes logros. Recibiremos al legendario director y montador americano para verle desgranar los laberínticos entresijos de una de sus obsesiones vitales: El resplandor, de Stanley Kubrick, un objeto de culto inagotable, una obra maestra de la que pensábamos que ya lo sabíamos todo, pero que un 
increíble libro escrito por Unkrich y editado por Taschen, (y destinado a 1000 adinerados compradores, añadimos), demuestra que aún quedan innumerables misterios con los que seguir rondando los pasillos del hotel Overlook.
En su firme compromiso por reivindicar las figuras femeninas del 
fantástico, este año el Festival rendirá homenaje a Mary Lambert, directora de Cementerio viviente, magnífica adaptación de la novela homónima de Stephen King, con una dilatada carrera a sus espaldas que incluye cine, televisión y especialmente formato videoclip (Madonna, Ramones, Chris Isaak o Rod Stewart).
El cine italiano de décadas pasadas brillará con la presencia, primero, de Lamberto Bava, director, guionista, productor y montador romano de “demoníaco” pedigrí; y después con Barbara Bouchet, Premio Nosferatu, icónica actriz afincada a dicha cinematografía y nombre clave del giallo y el 
poliziesco.
Por último, también se ha anunciado la visita de Charles Band, cuya dilatada trayectoria en el cine de terror de serie b será celebrada tanto desde su posición de director como de productor, y también con la presentación de su nuevo proyecto, The Primevalls, de Dave Allen.
El Festival que se lee
Un año más, Sitges transmitirá su amor por el cine fantástico también a través de la palabra escrita. En nuestro ya tradicional apartado de publicaciones, cristalizará uno de los leitmotivs de esta 56ª edición, Ciudad pánico, sobre la urbe como catalizador del terror, y que se verá reflejada en la pantalla con un foco donde podremos recuperar títulos como El almuerzo desnudo de David Cronenberg; Demon de Larry Cohen; Amenaza en la sombra de Nicolas Roeg o La casa sin fronteras de Pedro Olea.
También, desde la iniciativa WomanInFan, llegará Mistress of Fan. Monstruos, criaturas y pesadillas engendrados por ellas, sobre el legado femenino en la construcción y consolidación de algunas de las figuras y mecanismos clave del cine de género. Un libro editado por Hermenaute y coordinado por Mònica Garcia i Massagué, que contará con las colaboraciones de Alexandra Heller-Nicholas, Alexandra West, Jordi Sánchez- Navarro, Ángel Sala, Alan Jones y Mikko Aromaa.
Las convocatorias para inscribir películas, así como para participar en el Sitges FanPitch y en la Residencia y el Concurso de Teaser-Corto de WomanInFan seguirán abiertas hasta el 31 de julio.
El próximo miércoles, 26 de julio, a las 12:00h se abrirá la venta al público de los packs y abonos para la edición de 2023, a través de la web del Festival.
VAMOS DE ESTRENO * Jueves 20 de julio de 2023 *
OPPENHEIMER (Christopher Nolan, 2023)
USA. Duración: 180 min. Guion: Christopher Nolan basado en el Libro ‘American Prometheus: The Triumph and Tragedy of J. Robert Oppenheimer’ de Kai Bird, Martin J. Sherwin Música: Ludwig Göransson Fotografía: Hoyte van Hoytema Productoras: Universal Pictures, Atlas Entertainment, Syncopy Production, Gadget Films. Distribuidora: Universal Pictures Género: Drama
Reparto: Cillian Murphy, Emily Blunt, Robert Downey Jr., Matt Damon, Florence Pugh, Kenneth Branagh, Rami Malek, Casey Affleck, Ben Safdie, Josh Hartnett, Dane DeHaan, Jason Clarke, Jack Quaid, Alden Ehrenreich, David Krumholtz, Matthew Modine
Sinopsis: Biopic que transporta a los espectadores a la trepidante paradoja que atravesó el físico J. Robert Oppenheimer, desarrollador de la bomba atómica, un enigmático personaje que deberá arriesgarse a destruir el mundo para salvarlo.
La pregunta que más odia Cristopher Nolan es aquella que le pide opinión sobre qué es el cine. El británico-estadounidense considera que sólo se la formulan quienes quieren negar la esencia del séptimo arte, y él les niega la mayor: ni siquiera las generaciones más jóvenes ignoran qué es el cine. “Todos sabemos exactamente lo que son las películas igual que sabemos lo que es el teatro, o lo que es un disco y un tocadiscos. Claro que todos sabemos lo que es el cine. Algunos sólo quieren negar lo que es el cine porque quieren robar parte de su magia y vendértela de otra manera” Así lo afirma categóricamente ante la prensa y concluye: “tengo mucha fe en el atractivo a largo plazo del cine porque es un medio único”. El cine es una experiencia íntima que se vive en compañía. Un espectáculo que apela a la empatía, al contagio de emociones, al goce colectivo, por eso hay que vivirlo en la sala y por ello, él, Nolan, hace películas pensadas directamente para ser vistas en esas condiciones. Oppenheimer vuelve a confirmarlo.
Tan admirado como odiado, este realizador no deja a nadie indiferente, con un cine que es show, pero que también obliga a la reflexión, pone a prueba nuestra atención y no nos lo hace fácil. Quizás no esté hecho para todos (de hecho en EE.UU. ha recibido la calificación R) y se diría que él es consciente de que algunos querrán ponerle en la picota (de nuevo) y otros, simplemente, no sabrán qué han visto. Christopher Nolan no conoce el término medio, que es tanto como decir que no entiende de medianías. Por eso busca crear con la mayor libertad posible (esa es la razón de que haya abandonado a Warner) y hasta ahora siempre se ha podido dar el gusto. Ha rodado Oppenheimer buscando la máxima espectacularidad con las cámaras de mayor resolución disponibles: una combinación de IMAX 65 milímetros y Panavisión 65 milímetros que posteriormente se proyecta en 70 milímetros. No ha buscado la simplicidad de un relato lineal, la secuencia temporal está siempre fragmentada (esto es marca de la casa, por lo menos, desde Memento). En el apartado visual cada fotograma de tiene unos 18.000 píxeles de resolución, diez veces más que nuestras pantallas HD, ha prescindido en la medida posible de los CGI, mientras que los efectos prácticos salpican aquí y allá la narración aportando significado a un relato que se cuenta desde dos perspectivas, la subjetiva y la objetiva, con la única pista del tratamiento del color para diferenciarlas. Si hay que usar el Blanco y Negro, se usa. Una estructura compleja que barrerá a muchos, de entre los que no faltarán los que volverán a hablar de su carácter megalómano, como si no estuviera justificado cada recurso que emplea. Pero es que la de Nolan no ha sido nunca una narrativa sencilla, su última cinta no iba a ser una excepción, de algún modo vuelve a parecer que todo su cine conducía a ella. Y dura tres horas, todo un reto para el espectador. Porque también la duración está pensada para abrumar.
Cillian Murphy as J. Robert Oppenheimer (This still is an 11K scan of a 70mm B&W IMAX film frame)
Tres intensas horas que pasan volando, eso sí, pues todo está medido para que así sea en este biopic, con ritmo de thriller, que capta la atención del espectador y ya no la suelta hasta su conclusión. Entraremos (o creeremos entrar) en la mente de este moderno Prometeo. Y lo haremos yendo hacia adelante y hacia atrás, partiendo de una investigación encubierta del Comité de Actividades Anti-americanas, que tantos dolores de cabeza dio a los intelectuales de izquierda durante el Macartismo. Una época oscura, ideal, también, para la venganza personal. También asistiremos al nacimiento, con su trágica culminación, del Proyecto Manhattan. Por su estructura y por su nivel de penetración en la biografía personal y científica del protagonista, requiere de atención para desentramar la maraña de intrigas política y diplomáticas que se organizarán alrededor del protagonista para neutralizar su molesta influencia: la de un hombre que se sabía creador de una fuerza que lejos de traer el equilibrio, inició una carrera entre las potencias protagonistas de la nueva contienda que se inició tras las dos explosiones en Japón (esto es, la Guerra Fría). No es un retrato hagiográfico, pues también veremos los claroscuros de su personalidad, seremos testigos de la facilidad que el “padre de la bomba atómica” (tal y como los bautizaron en la portada de Time) tenía para atraer a mujeres brillantes, pero mentalmente inestables. Y es que no estamos ante una obra triunfalista, la guerra se venció por intimidación y a costa de generar la capacidad de autodestrucción real para nuestra especie. Es, eso sí, un film de redención, género al que tan aficionado parece ser Hollywood y en general Estados Unidos: Oppenheimer, tras ser elevado a los altares y posteriormente crucificado por el Congreso bajo la sospecha de ser comunista, obtendrá al final de su vida el reconocimiento merecido. Como hicieran con Chaplin y tantos, tantos otros.
Oppenheimer cuenta con un impresionante plantel artístico. Como si ningún actor, por minúsculo que fuera su papel, fuese capaz de rechazar formar parte de este proyecto, que en diversos casos, convierte el físico del actor, en una irreconocible máscara. Todos ellos están magníficos: desde los protagonistas, Cillian Murphy y Emily Blunt, al resto del reparto, cargado de veteranos como Kenneth Branagh, Robert Downey Jr., Matt Damon y Gary Oldman, pero también con parte de la más brillante hornada de actores modernos, como la estupenda Florence Pugh, Jason Clarke, Rami Malek o Casey Affleck, que hace una inquietante aparición. Nolan siempre ha sabido, como guionista, dibujar personajes matizados y redondos y, como director, ha sabido sacar siempre lo mejor de sus actores. Y en su último trabajo, que él define como un cuento con moraleja muy instructivo sobre muchas cosas que están pasando ahora mismo, ha vuelto a conseguirlo.
Oppenheimer es una cinta oportuna (que no oportunista), vivimos inmersos en una atmósfera de crisis e incertidumbre, asediados por el calentamiento global, inquietos por el desarrollo de la IA que, de momento, ya ha sido responsable de la mayor huelga de guionistas y actores en Hollywood y que ha sembrado sospechas entre los expertos y divulgadores científicos. Son problemas emergentes que todavía pueden paliarse (al menos Nolan tiene un cierto optimismo hacia ello). La fuerza atómica, no. La Guerra de Ucrania y el ascenso de los nuevos fascismos, esos movimientos ultras de los que ni siquiera la democracia estadounidense está a salvo (ahí está el asalto al Congreso), han dibujado un paisaje en el que la amenaza atómica vuelve a remontar y ya no es improbable. Oppenheimer mira hacia otro momento en el tiempo, pero porque sobre ese pasado se movían ya algunas de las dialécticas de nuestro presente, y, así, pone al descubierto la relación entre la ciencia, el Gobierno y los medios de comunicación, ese triángulo profano, esa alianza profana; la del físico americano es una historia sobre la responsabilidad (de los individuos y de las instituciones) y nuevamente estamos en ese debate. Para Nolan, “vivimos un ‘momento Oppenheimer’. De nuevo, estamos ante un problema de responsabilidad. Como creadores, como científicos y como tecnólogos la pregunta que debemos hacernos es: ¿cuáles son nuestras responsabilidades?” Y ahora ya sabemos que tenemos a nuestro alcance los recursos para autodestruirnos si no frenamos la crispación reinante. Oppenheimer hizo una apuesta, aceptar desarrollar la madre de todas las bombas con la esperanza de que, un arma con potencial suficiente para aniquilarnos, seria suficientemente disuasiva y supondría, paradójicamente si se quiere, el fin de la devastación mortífera, el fin de las guerras. Una ilusión que duró poco: “no ha sido así ni lo será. Se puede aducir en contra que significó el fin de la Segunda Guerra Mundial, pero ese escenario donde solo una potencia tiene la bomba ya no existe. Y es ahora cuando volvemos al mito de Prometeo. Robar el fuego a los dioses lleva consigo una tortura por toda la eternidad. Y ahí estamos. Como se suele decir, no se puede volver a meter la pasta dentro del tubo”.
Todo esto es lo que se baraja en el subtexto de una película que ya ha levantado grandes expectativas entre el público por su colosalismo. La emoción del cine de feria la rodea, pero Oppenheimer quiere además hacernos pensar. Y lo hace, pero sin dar lecciones. Lo primero y más importante en el cine es contar una gran historia, Nolan lo tiene claro. Y Oppenheimer es, probablemente, la más dramática que el director nos ha contado. Cine inmersivo. Cine reflexivo. Cine.
Manga Barcelona consolida su apuesta por la nueva ubicación
A pesar de las dudas generadas por los cambios de fecha y ubicación de la edición de 2022 el éxito fue incontestable, es por eso que para la 29ª edición Manga Barcelona sigue apostando por el mismo espacio, pero lo reorganiza y amplía para poder añadir todavía más actividades y que más asistentes puedan disfrutarlas. La gran cita para los forofos del manga, el anime y la cultura japonesa se celebrará del 7 al 10 de diciembre en Fira de Barcelona Gran Via.
Ya nadie cuestiona la relevancia que tanto el manga como el anime tienen actualmente en el mundo del arte y el entretenimiento. El público, cada vez más amplio, ha crecido de forma notable entre los más jóvenes, pero sin olvidar a los más veteranos (muchos de los cuales ya vienen acompañados de las futuras generaciones de forofos). El Manga Barcelona se ha convertido en el punto de encuentro de referencia para miles y miles de fans de la cultura japonesa, una cita anual que atrae gente de todos los rincones de la península y que cada vez genera más interés para el público extranjero.
Para ilustrar el cartel de esta nueva edición del Manga Barcelona se ha contado con una de las autoras más populares del momento: Míriam Bonastre. La autora de Pineda de Mar, y formada en la Escuela Joso, publicó con gran éxito a la plataforma Webtoon el cómico juvenil Hooky (una obra con claras influencias del manga y el anime). Su versión en papel ha explotado en todo el mundo, apareciendo en las listas de los más vendidos de The New York Times y convirtiéndose en la autora de cómics más vendida a Europa el 2022. Bonastre ha querido reflejar en su cartel el multitudinario y positivo ambiente que se vive en el Manga Barcelona, así como el retorno de aquel contacto más estrecho que habíamos echado de menos en pasadas ediciones. También se pueden encontrar algunos de los elementos clave del acontecimiento, como el manga, los videojuegos, el cosplay, la comida japonesa y también este punto de unión entre diferentes generaciones que representa el Manga Barcelona.
FICOMIC sigue trabajando todavía en las invitaciones a los artistas que visitarán el salón este año, pero ya se ha podido confirmar la presencia en el Gran Escenario del cantante y compositor japonés Vicke Blanka. Con más de 400 millones de reproducciones de sus canciones, los forofos del anime lo conocen por ser el responsable de uno de los openings de la serie Black Clover. Umaru, conocida divulgadora de manga, asistirá como invitada oficial pero en calidad de autora, y es que acaba de publicar un libro donde explica su experiencia con la dislexia y como el manga le ayudó a recuperar el amor por la lectura. En las próximas semanas, a través de las redes sociales del Manga Barcelona, se anunciarán más artistas que llenarán este escenario, como también los mangaka que nos acompañarán a lo largo de los cuatro días.
El éxito de algunas de las charlas y encuentros, así como la de las presentaciones editoriales ha llevado a la organización a realizar una reorganización de los espacios. La sala que hasta ahora se había convertido en sala de cine pasa a ser el espacio dedicado a las presentaciones editoriales, una de las actividades que despierta más pasiones en e Manga Barcelona, y también será lugar de encuentro con autores y artistas y para las propuestas más multitudinarias, como por ejemplo la ceremonia de entrega de los Premios Manga Barcelona. El acontecimiento sigue apostando mucho por la proyección de anime, y es por eso que se abrirá y condicionará una sala con más capacidad que la pasada edición, para que el público siga disfrutando de películas de éxito o incluso estrenos de las producciones más recientes.
Ya podemos anunciar que en el nuevo Auditorio Manga Barcelona contaremos con la última película del Detective Conan: Black Iron Submarine, que se proyectará en versión doblada al catalán. También contaremos con Utena, la chica revolucionaría. Apocalipsis adolescente y se recuperará la película de 2013 Capitán Harlock: Pirata Espacial. Esta última forma parte del homenaje que se quiere dar a la figura de Leiji Matsumoto, que murió el pasado mes de febrero, y que tan importante ha sido para muchas generaciones de otakus en todo el mundo, gracias a la creación de obras tan emblemáticas como Galaxy Express 999, Queen Emeraldas y, evidentemente, Capitán Harlock.
Este 2023 se cumplen 35 años del estreno de una de las películas de animación japonesas más populares en todo el mundo: Mi vecino Totoro. Es por eso que toca dedicarle un homenaje, que no se limitará a una proyección obligada en el Auditorio (¡y que siempre funciona muy bien!), sino que también se le dedicará una exposición muy especial. “Mi vecino Totoro. 35 visiones: Homenaje al clásico de la animación japonesa” es una exposición comisariada por Jordi Pastor y Reinaldo Pereira que ha recogido 35 obras de 35 artistas nacionales que hacen un homenaje o reinterpretación del mítico personaje Totoro.
Cómo quedó patente en la edición anterior, el catalán reivindica su espacio dentro del Manga Barcelona con fuerza, y es por eso que seguiremos apostando por iniciativas relacionadas con el fandom catalán. Como novedad, los Premios Manga Barcelona de este año incluyen dos nuevas categorías: Mejor Manga publicado en 
Catalán y Mejor Anime con Doblaje Catalán. Con estas dos categorías el Manga Barcelona quiere fomentar y apoyar la iniciativa de editoriales y distribuidores hacia la publicación y los estrenos de manga y anime en catalán.
La 29ª edición seguirá apostando por los espacios habituales y que siempre tienen una gran acogida (Manga Sports, Dance Stage, Japan Experience…). Los talleres de diferentes temáticas relacionadas con la cultura japonesa son un gran éxito y la oferta se ampliará. Los concursos de cosplay (con grandes referentes como su lo World Cosplay Summit (WCS) o el Extreme Cosplay Gathering (ECG), los concursos de idols y también los de K-Pop son ya imprescindibles. Además, este año, el Manga Barcelona acogerá la final española del concurso de coreografías K-Pop Dance Fight Fest. Los ganadores de esta competición viajarán como representantes de España a la final europea que se celebrará en Nápoles a finales de abril del 2024.
El espacio gastronómico seguirá con las propuestas de showcookings y bocaditos habituales, pero en esta edición quedará algo más guarnido. La exposición Itadakimanga! acompañará el espacio Nihon Ryori con una selección de algunos de los platos y bebidas más famosos de la gastronomía japonesa, platos que a menudo hemos conocido a través del manga y sus personajes más comilones. Para ilustrar estos platos, contaremos con el arte de Carles Dalmau, autor del cartel del 27 Manga Barcelona.
En esta edición estrenamos un nuevo espacio llamado Manga Stream, donde tendrán cabida podcasts, entrevistas en directo con invitados y otras propuestas, algunas de las cuales se emitirán en directo a través de los canales de Manga Barcelona.
Finalmente, reiterando la idea del crecimiento del público infantil y juvenil, Manga Barcelona sigue apostando por Manga Kids, esta espacio lleno de propuestas dirigidas a los más pequeños, siempre acompañados de la familia, donde podrán dibujar y aprender sobre manga y la cultura japonesa que los llega a través de la ficción.
Las entradas para el 29 Manga Barcelona se pondrán a la venta a partir del 27 de julio a través de www.manga-barcelona.com.
El actor japonés Yasuaki Kurata recoge el Gran Premio Honorífico del Festival Nits 2023
Durante la segunda jornada del 20º Festival Nits de cinema oriental de Vic se ha entregado el Gran Premio Honorífico de este año, que ha ido a parar a Yasuaki Kurata, actor de títulos emblemáticos del cine de artes marciales como Fist of Legend —proyectada en el festival—, La venganza del dragón o Mishima, y que ha trabajado con personalidades como Bruce Lee, Jackie Chan, Jet Li o Donnie Yen, entre otros. Kurata ha agradecido el reconocimiento ante una Bassa dels Hermanos llena y ha explicado que tiene en marcha dos nuevos proyectos cinematográficos y que, a sus 77 años, no se plantea la retirada. Además, durante la segunda noche en la Bassa, dedicada a la cultura japonesa, se han ofrecido cenas de cocina nipona y ha tenido lugar una exhibición de kárate. Finalmente se ha proyectado Baby Assassins, película que combina el thriller y la comedia y que explica el día a día de dos asesinas a sueldo que procuran aparentar una vida normal a pesar de su problemática profesión.
Durante el día, L’Atlàntida ha acogido las proyecciones de las obras a competición Mother Land, film de animación en stop motion proveniente de Corea del Sur, y Convenience Story, comedia en clave fantástica del Japón que llegaba al Nits después de pasar por festivales como Rotterdam. Además, a la sesión del mediodía se ha estrenado internacionalmente UFO Intruder, en la sección Akihabara!, dedicada en el cine más freak.
Durante la segunda jornada del 20º Festival Nits de cinema oriental de Vic se ha entregado el Gran Premio Honorífico de este año, que ha ido a parar a Yasuaki Kurata, actor de títulos emblemáticos del cine de artes marciales como Fist of Legend —proyectada en el festival—, La venganza del dragón o Mishima, y que ha trabajado con personalidades como Bruce Lee, Jackie Chan, Jet Li o Donnie Yen, entre otros. Kurata ha agradecido el reconocimiento ante una Bassa dels Hermanos llena y ha explicado que tiene en marcha dos nuevos proyectos cinematográficos y que, a sus 77 años, no se plantea la retirada. Además, durante la segunda noche en la Bassa, dedicada a la cultura japonesa, se han ofrecido cenas de cocina nipona y ha tenido lugar una exhibición de kárate. Finalmente se ha proyectado Baby Assassins, película que combina el thriller y la comedia y que explica el día a día de dos asesinas a sueldo que procuran aparentar una vida normal a pesar de su problemática profesión.Durante el día, L’Atlàntida ha acogido las proyecciones de las obras a competición Mother Land, film de animación en stop motion proveniente de Corea del Sur, y Convenience Story, comedia en clave fantástica del Japón que llegaba al Nits después de pasar por festivales como Rotterdam. Además, a la sesión del mediodía se ha estrenado internacionalmente UFO Intruder, en la sección Akihabara!, dedicada en el cine más freak.
Yasuaki Kurata
Nacido en Japón en 1946, Yasuaki Kurata confesaba en un documental de la TV nipona que era muy difícil para un extranjero hacer carrera en Hong Kong, sobre todo siendo japonés. Él lo consiguió: 75 películas rodadas a la antigua colonia británica. Pero también triunfó en Japón y consiguió papeles relevantes a las órdenes de directores como Shohei Imamura (Eijanaika, 1981) o Paul Schrader (Mishima, 1985). Kurata es un auténtico artista marcial: 5º donen de kárate, 3º donen de Yudo y 2º donen de Aikido. Su experiencia le abrió las puertas de los equipos de especialistas de tokusatsus de los sesenta de la Toei, y su carisma llamó la atención de los Shaw Brothers en Hong Kong, que lo
ficharon para uno de los principales papeles en The Angry Guest (Chang Cheh, 1971). Lo que vendría después ya es leyenda. Su popularidad lo lleva a aparecer en casi una veintena de títulos anuales, incluyendo clásicos del cine de kungfú como The Prodigal Boxer (1972) o El pequeño padrino de Hong Kong (1974), y durante los años ochenta en decenas de títulos de cine de ninjas, con títulos como Ninjas en la trampa mortal (1982) o Ninja Thunderbolt (1984). Su carrera volvió a cambiar al conocer al gran Sammo Hung, con quien hizo varias películas y realzó todavía más su popularidad hasta culminar, junto a Jet Li, con Fist of Legend (Gordon Chan, 1994), una de las mejores películas de artes marciales de todos los tiempos. Estos últimos años lo hemos podido ver en películas como La venganza del dragón (2009), con Jackie Chan, Legend of the Fist (2010), con Donnie Yen, o El último Gánster (2012), con Chow Yun-Fat, película proyectada al Festival Nits. Yasuaki Kurata sigue en activo a sus 77 años, apareciendo todavía en películas, series de TV y cortometrajes como el que se proyecta este año en el festival, Yume Monogatari, donde vuelve a reencontrarse con sus queridos ninjas. confesaba en un documental de la TV nipona que era muy difícil para un extranjero hacer carrera en Hong Kong, sobre todo siendo japonés. Él lo consiguió: 75 películas rodadas a la antigua colonia británica. Pero también triunfó en Japón y consiguió papeles relevantes a las órdenes de directores como Shohei Imamura (Eijanaika, 1981) o Paul Schrader (Mishima, 1985). Kurata es un auténtico artista marcial: 5º donen de kárate, 3º donen de Yudo y 2º donen de Aikido. Su experiencia le abrió las puertas de los equipos de especialistas de tokusatsus de los sesenta de la Toei, y su carisma llamó la atención de los Shaw Brothers en Hong Kong, que lo ficharon para uno de los principales papeles en The Angry Guest (Chang Cheh, 1971). Lo que vendría después ya es leyenda. Su popularidad lo lleva a aparecer en casi una veintena de títulos anuales, incluyendo clásicos del cine de kungfú como The Prodigal Boxer (1972) o El pequeño padrino de Hong Kong (1974), y durante los años ochenta en decenas de títulos de cine de ninjas, con títulos como Ninjas en la trampa mortal (1982) o Ninja Thunderbolt (1984). Su carrera volvió a cambiar al conocer al gran Sammo Hung, con quien hizo varias películas y realzó todavía más su popularidad hasta culminar, junto a Jet Li, con Fist of Legend (Gordon Chan, 1994), una de las mejores películas de artes marciales de todos los tiempos. Estos últimos años lo hemos podido ver en películas como La venganza del dragón (2009), con Jackie Chan, Legend of the Fist (2010), con Donnie Yen, o El último Gánster (2012), con Chow Yun-Fat, película proyectada al Festival Nits. Yasuaki Kurata sigue en activo a sus 77 años, apareciendo todavía en películas, series de TV y cortometrajes como el que se proyecta este año en el festival, Yume Monogatari, donde vuelve a reencontrarse con sus queridos ninjas.
Novedades Astiberri · Septiembre de 2023
Gigantes 1, Hnos. Valderrama
Color. Rústica con solapas120 páginas.17 x 26 cm17 eurosISBN: 978-84-19670-24-3A la venta el 7 de septiembre
Kaiju es una palabra japonesa que significa “bestia extraña”. Este término se utiliza generalmente para referirse a los monstruos gigantes de películas japonesas como Godzilla, Mothra o Gamera, que arrasan ciudades enteras de forma espectacular y son la inspiración tebeos, series, videojuegos y películas hasta la actualidad. Estos kaiju también inspiran a los hermanos Valderrama, pareja de autores de cómic de Málaga, para contar la historia de la miniserie Gigantes, constará de dos tomos.
Calvin y Hobbes para principiantes, Bill Watterson
Color. Cartoné256 páginas.21,5 x 27,5 cm.29 eurosISBN: 978-84-18909-94-8A la venta el 14 de septiembre
Empezando por el día en que Hobbes cayó en la trampa de sándwich de atún de Calvin, esta nueva entrega de la serie por parte de Astiberri incluye los dos primeros recopilatorios de Calvin y Hobbes, Calvin y Hobbes y Algo babea bajo la cama, tanto las tiras diarias en blanco y negro como las páginas dominicales a color. Calvin y Hobbes para principiantes tiene un prólogo de Charles M. Schulz, creador de Peanuts, el poema ilustrado de 16 páginas Una noche nauseabunda y una ilustración de un Calvin gigante arrasando el pueblo de Chagrin Falls, Ohio.
Violeta contra Dm0ni0, Émilie Clarke
Color. Cartoné.128 páginas.17 x 23 cm.20 eurosISBN: 978-84-19670-09-0
A la venta el 21 de septiembre
Violeta y sus amigos llegan al instituto. La joven ya no se separa de sus gafas mágicas que ayudarán a que, rápidamente, se vuelva muy popular entre los nuevos alumnos. El año empieza muy bien… hasta que Dm0ni0 irrumpe en la vida de Violeta. El misterioso acosador le envía una foto de ella comiendo (¡qué asco!) y la reta a descubrir quién es. Si Violeta no lo consigue, hará pública la foto. La joven está desolada y, cuando Dm0ni0 además le roba las gafas, sus amigas consiguen a duras penas levantarle el ánimo. Pero hay que espabilar: Violeta y su banda se ponen a investigar..
Las aventuras del Capitán TorreznoVol. 7: Anamnesis, Santiago Valenzuela
Blanco y negro. Rústica con solapas.304 páginas.21 x 29,7 cm.30 eurosISBN: 978-84-19670-20-5
A la venta el 28 de septiembre
Las aventuras del Capitán Torrezno son un ejemplo único dentro del cómic español, un muy peculiar cóctel a base de épica, aventuras, humor y juego con un rico y chispeante lenguaje, donde, desde la sátira, se engarzan con fluidez sucesivas perlas sobre historia, religión y filosofía. Anamnesis es la nueva entrega la serie de Santiago Valenzuela, Premio Nacional del Cómic 2011 con Plaza elíptica, que recala en Astiberri con el objeto de recuperarla desde su primera entrega.
Las aventuras del Capitán Torrezno Vol. 1: Horizontes lejanos y Escala real, Santiago Valenzuela
Color. Rústica con solapas296 páginas.29,7 x 21 cm.30 eurosISBN: 978-84-19670-19-9A la venta el 28 de septiembre
Hace muchos, muchos años, en un destartalado sótano de la madrileña calle Valverde, un viejo funcionario creó sin saberlo una civilización de fundamentalistas religiosos, recolectores de cacahuetes y nostálgicos de la estufa eléctrica. En medio de este caos de guerras fratricidas e histeria colectiva aterriza un personaje de dudoso origen, achatada figura y pocas trazas de redentor, su nombre es Capitán Torrezno. Así comienza una de las series fundamentales del cómic español del siglo XXI, Las aventuras del Capitán Torrezno. Este primer volumen recopilatorio se publica junto con la novedad de la serie, Anamnesis, y las entregas restantes que completan la colección se publicarán cada cuatro meses.
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El Festival Nits abre su vigésima edición galopando con Jackie Chan
(Fotos: Ivan Font)
Jackie Chan ha sido el doble protagonista de la primera noche en la Bassa dels Hermanos, donde se han podido ver sus dos últimas películas: el largometraje Ride On, donde un actor y artista marcial y su caballo se enfrentan a un grupo de criminales, y el cortometraje A Beauty Carved in Time, donde Chan se interpreta a sí mismo en una historia de nostalgia cinematográfica. La noche en la Bassa ha empezado con una exhibición de taichí-chuan y del tradicional baile de leones chinos para desear buena suerte al certamen. A continuación han tenido lugar los parlamentos del alcalde de Vic, Albert Castells, la responsable de festivales audiovisuales del ICEC, Carme Puig, y el director del festival, Quim Crusellas, que han dado la bienvenida al público e invitados del FesNits, entre los que estaba el director Wang Chong, que el próximo viernes presenta Gelat de moniato en el marco del certamen.
Antes, el Festival Nits ha empezado con la primera jornada a L’Atlàntida con la sección Les Nits més petites, dedicada al público infantil, y la proyección de la película de animación Els contes populars xinesos de Yao y un taller de manualidades posterior. Seguidamente, el FesNits ha estrenado mundialmente el nuevo film de la prestigiosa productora japonesa Giga, Kaiju Sentai Jyükaizar, The Movie, un tokusatsu (cine de acción y comedia) sobre cinco guerreros de colores que luchan contra un enemigo surgido de bajo tierra.Las sesiones han seguido por la tarde con el thriller hongkonés Once Upon a Time in Hong Kong, que se ha podido ver al festival en estreno internacional, y el último film del actor y director de cine de artes marciales Donnie Yen, Sakra, una de las películas más esperadas de esta edición que se adentra, en clave fantástica, en la China medieval. En total, la primera jornada del FesNits ha acogido cerca de 1.500 espectadores, cifras que hacen prever una vigésima edición muy positiva.
El KFFB anuncia sus películas de inauguración y clausura, y pone a la venta sus abonos
El estreno internacional de Hero, el musical sobre la figura de uno de los activistas más conocidos en Corea por su lucha por la independencia del país, inaugurará el próximo 13 de septiembre el Korean Film Festival Barcelona. Para la clausura, que tendrá lugar el 17 de septiembre, el Festival contará con la cinta de acción y espionaje Phantom, en su premier española.
El KFFB empieza a desgranar la programación que podrá verse del 13 al 17 de septiembre en los Cinemes Girona, y presenta dos de los platos fuertes del Festival, como son la cinta inaugural y la película de clausura. Dos películas que contienen el ADN de la muestra: la unión del cine más autoral con el cine de gran espectáculo.
Hero de Yoon Je-Kyun (Oda a mi padre), inaugura el KFFB
La tercera edición del Korean Film Festival Barcelona contará con el estreno europeo del musical Hero. Un film dirigido por Yoon Je-kyun (el realizador de cintas tan conocidas por el aficionado como Oda a mi padre o Haeundae), y que está basado en la historia real de An Jung-geun, activista por la independencia de Corea durante la ocupación japonesa. La cinta, a su vez, toma como base el exitoso musical teatral coreano del mismo nombre. Hero, estrenada comercialmente en Corea en diciembre de 2022, ha sido vista por más de 3 millones de espectadores. La producción, que desborda por su puesta en escena, donó 8 millones de wons (unos 6.000 €) para la renovación de las casas de los hijos de los que lucharon por la libertad de Corea.
Ver tráiler
La cinta de acción y espionaje Phantom pondrá el broche final al KFFB
La acción será la gran protagonista de la clausura del KFFB. Phantom, estreno nacional tras el pase de la película por el Far East Film Festival de Udine (Italia), está dirigida por Lee Hae-young, que visitó España (concretamente el Festival de Sitges) para presentar Believer, el remake de la película de Johnnie To, Drug War.
Phantom se ambienta en la ocupación japonesa de Corea y puede remitir a otra película ya conocida en nuestro país, El imperio de las sombras. En esta ocasión, el servicio de inteligencia japonés busca a un espía coreano que se ha infiltrado en el gobierno y que es el responsable de varios atentados, apodado ‘Phantom (el fantasma)”. Para ello, escogerán a diez sospechosos a los que encerrarán en una mansión. Allí dispondrán de 24 horas para desenmascarar al verdadero espía.
Una cinta espectacular que cuenta entre otros con Sol Kyung-gu (Memories of Murder, Kill Boksoon), Lee Ha-nee (Killing Romance, Allienoid), Park So-dam (Special Delivery, Parásitos) o Park Hae-soo (Time to Hunt, The Pirates), entre otros.
Ver tráiler
Abonos a la venta desde el 14 de julio
Este año para acudir al KFFB, además de la compra de la entrada individual de la película seleccionada (online o en taquilla), el Festival ha añadido una nueva opción con la venta de abonos:
Abono 5 entradas: 25 €
Abono 10 entradas: 40 €
Dos abonos que se podrán comprar a partir de mañana 14 de julio en la taquilla de los Cinemes Girona.
Las lecturas de Serendipia: ‘Weird Science’ Vol. 4
WEIRD SCIENCE VOL. 4
Diábolo Ediciones. Encuadernación en tapa dura. Formato magazine, 214 páginas a todo color
Llega una nueva entrega de la lujosa e imprescindible edición de los clásicos EC que realiza Diábolo Ediciones y lo hace retornando a la ciencia ficción con el cuarto y último volumen de Weird Science
Con este cuarto tomo se cierra Weird Science pero, no teman, la ciencia ficción proseguirá con la serie que unificó las dos colecciones que EC dedicaba a esta temática, Weird Science y Weird Fantasy con el ingenioso título de Weird Science-Fantasy, que prosiguió las aventuras espaciales durante siete números más.
Ya hemos indicado en otras entradas que entre los factores que hicieron especial el sello de Bill Gaines figuraba el contacto continuo con el lector, al que trataba como un amigo. Así, en el Correo cósmico del número 19 se advierte que, ante el gran número de cómics que se editan, «muchos vendedores de periódicos están devolviendo fardos de tebeos SIN ABRIR«, instando a los lectores a solicitarlos a los quiosqueros si no los ven exhibidos. Tampoco ocultarán la razón por la cual las dos series de ciencia-ficción terminarán unificadas en una sola, trimestral y 5 centavos más cara: las ventas insuficientes y la consiguiente pérdida de dinero. Y es que EC se resiste a dejar de publicar ciencia ficción, pues este género, que paradójicamente han contribuido a resucitar, es uno de los favoritos de los autores y editores, orgullosos, estos últimos, de contar con Ray Bradbury entre sus «colaboradores» habituales. Lo malo es que de Weird Science-Fantasy tan solo saldrán a la venta siete números más. Lo bueno es que la profusa propaganda que sus páginas traen de Mad y Panic auguran el nuevo filón en el que EC se refugiará y el que mantendrá viva la editorial: el humor.
Después vendría la investigación del Senado, un nuevo cambio de título y la instauración, bien visible, del sello del Comic Code en las portadas de todas las publicaciones EC. Pero mejor no avancemos acontecimientos y vayamos a los últimos cuatro números de Weird Science y los dos primeros de Weird Science-Fantasy, en los que prosigue la tónica de los anteriores: portadas de Wally Wood, guiones de Al Feldstein, en muchos de los cuales Bill Gaines colabora aportando, en su mayor parte, la idea central, que Feldstein desarrolla, y adaptaciones de relatos del escritor Ray Bradbury y un guion de Otto Binder. A lo que se suma todo un equipo compacto de ilustradores capitaneado por Wally Wood, que abre cada cuaderno, a excepción del último, acompañado de Joe Orlando, artista y amigo, que en su mayor parte, los cerrará. Junto a ellos, completarán el elenco los ya habituales Jack Kamen y Al Williamson, además de George Evans, Roy Krenkel, Bill Elder, Bernie Krigstein y Frank Frazetta, auténticos colosos y visionarios del cómic y la ilustración moderna.
AL WILLIAMSON
Al Williamson (21 de marzo de 1931 – 12 de junio de 2010), fue un dibujante de cómics, de tiras de prensa e ilustrador de línea clásica. Williamson nació en Nueva York, aunque vivió su adolescencia y parte de su infancia en Bogotá, Colombia, de donde volvió en 1940. De nuevo en Nueva York, acudió a la Artist’s & Illustrators school (luego la School of Art & Design), donde tuvo como profesor a Burne Hogarth, a quien ayudaría en 1948 en las tiras dominicales de Tarzán. Este artista influenciará fuertemente a Williamson, así como a Frank Frazetta y Roy G. Krenkel, estudiantes también en la academia y con los que entablaría Williamson una estrecha amistad que les llevaría a compartir estudio. Todos ellos, tras pequeños trabajos en diversas editoriales, entrarán en EC en 1952, donde dibujarán tanto conjuntamente como en solitario. Por entonces Williamson contaba con 21 años, siendo el más joven de todos los artistas de EC.
Tras el cierre de la editorial, Al Williamson trabajó principalmente para Atlas (la que luego sería Marvel Comics) haciendo historias del oeste, aventuras, horror, etc. También trabajó para ACG o Prize, donde colaboró con Jack Kirby y Joe Simon y realizó unas páginas de prueba para una posible tira dominical de Modesty Blaise. En 1964, como muchos de los artistas de EC, empezó a hacer historias para las revistas en blanco y negro de James Warren, Creepy y Eerie, pero acabó abandonándolas, junto con la mayoría de sus compañeros, ante los continuos retrasos en el pago de los salarios.
Trabajó brevemente en la versión en comic-book de Flash Gordon publicada por King Features, hoy muy apreciada por los coleccionistas. En 1967 se hizo cargo de la popular tira diaria de Agente secreto X-9 (con guiones de Archie Goodwin), que retitularon entonces «Agente secreto Corrigan«, y que seguiría publicándose hasta 1980.
Williamson también realizó la adaptación en forma de miniserie de 3 números de la película Flash Gordon de Dino De Laurentis y más tarde y a petición de George Lucas se hizo cargo de la tira de Star Wars, sustituyendo a Russ Manning. También hizo varios números del cómic book que sobre la misma película realizó Marvel, editorial para la que entintó muchísimas páginas, destacando Spider-Man 2099, Daredevil (la mayoría de números entre el 237 y el 289) y Spider-Girl, así como las adaptaciones al cómic de Star Wars de Dark Horse y una miniserie de 2 números sobre Flash Gordon en 1995, con guiones de Mark Schultz.
En 1999 ve realizado su sueño cuando Jim Keefe, autor regular de Flash Gordon, pide su ayuda con la tira y lo acredita como «ayudante de dibujante».
Repasando pormenorizadamente los contenidos de
Weird Science Vol. 4
WEIRD SCIENCE 19. Mayo-Junio 1953. Portada: Wally Wood. Guion: Al Feldstein
Tras una reseña biográfica de Ray Bradbury, Wally Wood abre con Los años preciosos (The Precious Years), en la que su protagonista vive en un eterno hastío sin ningún tipo de problema. Con tecnología que todo lo arregla y vida y juventud. eternas. Sumido en el aburrimiento, 
se planteará una nueva existencia. Al Williamson (junto a Frazetta y Krenkel) ilustra El que espera (The One Who Waits), una historia críptica con cierta atmósfera Lovecraftiana basada en un relato de Ray Bradbury. El nada habitual Bill Elder ofrece ¡El punto débil! (Right on the Button!). Con un dibujo que prefigura a algunos de los artistas underground de los setenta y ochenta, Elder ilustra una historieta con sorpresa final y muchas gotas de locura, pues las cosas no son siempre lo que aparentan…Finalmente el número cierra con Joe Orlando y ¡La llave del silencio! (Keyed Up!), una historia de terror que incluye venganza de ultratumba.
WEIRD SCIENCE 20. Julio-Agosto 1953. Portada: Wally Wood. Guion: Al Feldstein
¡Aborrecible! (The Loathsome!) es una denuncia a la utilización que se ha hecho de la energía atómica, pero también incide en el temor al diferente. En este caso una niña mutante producto de la radiación y que tan solo busca un poco de amor. Un personaje, y en cierto modo una historia, que cuarenta años después, en 1994, Kurt Busiek y Alex Ross recuperaron para el episodio dedicado a los mutantes en su monumental Marvels. Y no es casualidad. Aun con tantos años de diferencia, la vigencia de lo que denuncia sigue siendo la misma, y el personaje, idéntico. Un magnífico homenaje a una editorial que creó escuela. Paquete sorpresa (Surprise Package) es la adaptación de un relato de Ray Bradbury que se encarga de 
dibujar Jack Kamen con su maestría habitual y en el avisa que es posible que en esas ocasiones en las que notamos diferente a nuestra pareja, no sea siempre por un simple malentendido o un nuevo corte de pelo. Los reformadores (The Reformers) es un alegato contra los moralistas que muy pronto, antes de lo que suponían, iban a cortar letalmente las alas a EC. Un relato, por cierto, muy de actualidad. 50 chicas 50 (50 Girls 50) es así, al estilo de los carteles taurinos, la historieta que firma Al Williamson en este número para lo cual ha contado con la colaboración, sin acreditar, de sus socios Frank Frazetta y Roy Krenkel. En ella su protagonista, que tiene un plan perfecto para ponerse morado de sexo con diferentes mujeres reconocerá, muy tarde, a su mujer ideal. Todo ello en un controvertido número que parece reflejar las tensiones que EC comenzaba a percibir por parte de las instituciones.
WEIRD SCIENCE 21. Septiembre-Octubre 1953. Portada: Wally Wood. Guion: Al Feldstein.
Wally Wood sigue puliendo su estilo, que ya casi está en la cima, alcanzada durante su etapa posterior en Warren. En Confidencial (Confidential) lleva al lector a las oficinas de EC en una historieta protagonizada por Gaynes, Feldstein y el elenco de dibujantes de la casa cuando son acusados de subversivos por su rica imaginación, que parece predecir tecnologías y situaciones que se materializan poco después. Al final sabremos el porqué. Por cierto, la historia se inicia con un avión que choca contra la multitud que se apelotona en Times Square, Nueva York… Kamen vuelve a las páginas de Weird Science con Castigo sin crimen (Punishment without 
crime), un relato en el que de nuevo tendrán cierto protagonismo los robots. Y como es habitual, para mal. Williamson y Frazetta firman conjuntamente Dos son compañía (Two’s Company…), en la que parece demostrase que la soledad y la búsqueda del amor son capaces de superarlo todo. Y todo ello con la acción desarrollándose en una civilización prehistórica, para que Frazetta campe a sus anchas. En La cosa fea (The Ugly One) Joe Orlando muestra como lo que para unos es horrible, puede ser bello para otros. Y viceversa. Como vemos, los cómics de ciencia ficción de EC eran mucho más que simples historias sobre invasiones alienígenas.
WEIRD SCIENCE 22. Noviembre-Diciembre 1953. Portada: Wally Wood. Guion: Al Feldstein. ÚLTIMO NÚMERO.
Llegamos al último cuadernillo de Weird Science. Se abre con una nota del editor, In memoriam, donde explican las circunstancias que han propiciado la desaparición de los dos títulos de ciencia ficción de la editorial, los cuales, tal y como hemos comentado, se unificarían en una publicación inicialmente de carácter trimestral: Weird Science-Fantasy.
El número se abre con Nuevo principio (A New Beginning), una historieta nuevamente firmada por Al Williamson, aunque realizada 
conjuntamente con Frazetta, Krenkel y Bernie Krigstein. Otra historieta en línea con Los años preciosos, incluida en Weird Science 19 y, por tanto, en este mismo tomo. Historias que, además, tienen la rara característica en común de tener un final feliz. Sí, estamos hablando de EC y de finales felices, cosa que no podemos decir de la siguiente historieta, Los cazadores de cabezas (The Headhunters) con arte de George Evans. Mi mundo (My World) es, por su parte, una poética declaración de principios y, porqué no, de amor, al mundo de la fantasía y a la obra que desempeñan los que se encargan de guionizar y dibujar esos universos, labor que recae en este caso en Wally Wood. El número lo cierra Joe Orlando con El desterrado de las estrellas (Outcast of the Stars), un broche de oro sobre el futuro, claro, en el cual no dejará de haber desigualdades sociales, pero en el que muchos hombres seguirán utilizando su imaginación para hacer felices a los demás.
WEIRD SCIENCE-FANTASY 23. Marzo-abril 1954. Portada: Wally Wood. Guion: Al Feldstein
Tres meses después del cierre de Weir Science y Weir Fantasy llega a los quioscos el título que reúne ambas cabeceras y lo hace, inicialmente, con cadencia trimestral. Se trataba de seguir publicando ciencia ficción aunque las ventas no ayudaran. Pero es que los editores eran los principales seguidores del género, así que se trataba de una obra de amor al género que, en forma de pulp, tanta afición levantó entre el fandom durante los años veinte y treinta.
La presentación de Weird Science-Fantasy se «moderniza», alejándose de las otras cabeceras, con la inclusión de un cohete despegado en un lateral y un fondo perpetuamente blanco. Pero, si exceptuamos el precio, cinco centavos más alto, el contenido era una continuidad de las dos revistas cerradas poco antes, con idéntico contenido y secciones. Aunque con algunos ajustes.
Wally Wood permanece inamovible como ilustrador de la, muy elaborada, portada y de la primera historieta, Los niños (The Children), un pesimista cuento futurista que vaticina un oscuro porvenir para la Humanidad. Historia de unos peces (Fish Story), firmado por Al Williamson y dibujado al alimón con Roy Krenkel, narra la amenaza que se cierne sobre la Tierra cuando es invadida por una especie alienígena submarina. La máquina voladora (The Flying Machine), historieta basada en un cuento de Ray Bradbury que el gran Bernie Krigstein se encarga de ilustrar, es una metáfora sobre los avances de la Humanidad, los nuevos hallazgos e inventos y la utilidad que el hombre hace de ellos. Cierra el cuaderno Comercio justo (Fair Trade). La contribución a los lápices de Joe Orlando es una parábola sobre el colonialismo. Como vemos, la denuncia social de los temas más variados no dejó de impregnar los guiones creados por Feldstein y Gaines.
WEIRD SCIENCE-FANTASY 24. Junio-julio 1954. Portada y guion: Al Feldstein. Guion: Al Feldstein.
Y con el segundo número de Weird Science-Fantasy llegamos al último cuadernillo del tomo. Un cómic book que cuenta con portada de Al Feldstein, pero sigue manteniendo el hábito de reservar la historieta inicial a Wally Wood que con …Para la posteridad (…For Posterity) traslada al lector a un planeta habitado unicamente por jóvenes y hermosas mujeres que se revolucionarán cuando llegue un cohete con dos afortunados viajeros espaciales. De nuevo el temor al diferente será el tema de trasfondo de El profesor marciano, historierta dibujada por Joe Orlando y escrita por el guionista de cómics Otto Binder, que justo un año antes se había visto obligado a abandonar Fawcett, la editorial para la que trabajaba, tras cerrar su división de comic books. 
Binder trabajó 12 años para Fawcett, donde escribió 986 historias de las 1743 dedicadas a la Familia Marvel, siendo cocreador, además, de Mary Marvel. Tras su paso por EC, el guionista colaboró con diversas editoriales, en especial con Timely, compañía que se convertiría en Marvel Comics, cocreando al Captain Wonder, a los Young Allies, a Tommy Tyme y a la superheroína Miss America. Asímismo escribió guiones para varias historias protagonizadas por el Capitán América, la Antorcha Humana, Namor, El Destructor, Whizzer y la All-Winners Squad. El pionero (The Pioneer) cuenta con Bernie Krigstein a los pinceles, y cierra el número Al Williamson, que junto a Roy Krenkel ilustran ¡Espulsión! (Upheaval!) en la que una nave espacial aterrizará en un planeta que resultará estar vivo y que lejos de matar a los viajeros estelares terrícolas optará por…
Con este tomo Diábolo concluye la edición a color y a todo lujo de Weird Science, pero no se apenen, la ciencia ficción continuará. Además, quizás con ánimo de aliviar la despedida, la editorial madrileña ha realizado un doble lanzamiento EC con el que combatir la canícula, y lo hace volviendo a lo más refrescante: el terror. Muy pronto reseñaremos Tales from the Crypt Vol. 5, con el que también (sigh!) se cierra la correspondiente colección. Mientras tanto, vayan por la sombra, hidrátense y lean, lean los mejores cómics de todos los tiempos con Diábolo Ediciones.
VAMOS DE ESTRENO * Miércoles 12 de Julio de 2023 *
MISIÓN: IMPOSIBLE- SENTENCIA MORTAL PARTE I (Mission: Impossible – Dead Reckoning – Part One, Christopher McQuarrie, 2023)
USA. Duración: 156 min. Guion: Christopher McQuarrie, Erik Jendresen Música: Lorne Balfe Fotografía: Fraser Taggart Compañías: Bad Robot, Paramount Pictures, Skydance Productions, New Republic Pictures, TC Productions Distribuidora: Paramount Pictures Género: Thriller
Reparto: Tom Cruise, Hayley Atwell, Ving Rhames, Simon Pegg, Rebecca Ferguson, Vanessa Kirby, Esai Morales, Pom Klementieff, Mariela Garriga, Henry Czerny, Shea Whigham, Greg Tarzan Davis, Charles Parnell, Frederick Schmidt, Cary Elwes, Mark Gatiss, Indira Varma, Rob Delaney
Sinopsis: Ethan Hunt (Tom Cruise) y su equipo del FMI, se embarcan en su misión más peligrosa hasta la fecha: localizar, antes de que caiga en las manos equivocadas, una nueva y terrorífica arma que amenaza a toda la humanidad. En esta tesitura, y con unas fuerzas oscuras del pasado de Ethan acechando, comienza una carrera mortal alrededor del mundo en la que está en juego el control del futuro y el destino del planeta. Enfrentado a un enemigo misterioso y todopoderoso, Ethan se ve obligado a considerar que nada puede anteponerse a su misión, ni siquiera las vidas de aquellos que más le importan.
Hubo una época en la que las películas del agente británico con licencia para matar eran lo más de lo más en cuanto a persecuciones, emoción y, en definitiva, en llegar más lejos que nadie y en hacerlo todo más difícil y espectacular. Eso terminó cuando llegó Misión: Imposible.
Inspiradas en una de las grandes series de los años sesenta, la franquicia cinematográfica Misión: Imposible, que se inició hace casi 20 años, en 1996 con una primera entrega dirigida por Brian de Palma, no ha hecho más que superarse hasta llegar a esta séptima y espectacular Sentencia mortal de casi 3 horas y primera de una historia dividida en dos.
Para los que son seguidores de la serie poco puede añadirse. Misión: Imposible. Sentencia Mortal es puro cine de entretenimiento, pero no unicamente de mamporros, se toma la molestia de ofrecer una trama, una intriga que hace falta seguir y que, junto a la espectacularidad de sus escenas, consigue que el espectador no quite ojo de la pantalla y pase una buena tarde en el cine durante la cual, incluso, y a pesar de su duración, nada perturbará su atención. Incluida su castigada vejiga.
Para otro lugar quedan las suposiciones y teorías sobre el pacto diabólico de eterna juventud que parece haber realizado Tom Cruise y su participación en las escenas de acción, todo lo cual, la verdad, no influye en la que tiene todos los números de ser la película de este verano. O mejor dicho, la película que inaugura este verano.
Proyecto Naschy 
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